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Mythic Sunship

tapa Another Shape of Psychedelic Music
Another Shape of Psychedelic Music (2018)

Es reconfortante analizar cómo ha ido evolucionando aquello llamado stoner, desde los 90 hasta el presente. Algunos se han quedado en los tres primeros discos de Black Sabbath de forma vitalicia. Pero otros han visto en el kraut y otras corrientes avant rock 70s, la panacea para poder expresarse con libertad absoluta, sin corsés estilísticos, y con total perspectiva libertaria del asunto. Se cierra el círculo, y todos salimos ganando. Mythic Sunship así lo ven, e igual se tiran por el lado difícil del german rock más expansivo, que por el free jazz más beatnick. Y entre medio, puedes agregar condimentos space, hard, blues o experimental, con un resultado de plato cinco tenedores.

Rasmus Cleve Christensen (bajo), Frederik Denning (batería) y los guitarras Emil Thorenfeldt y Kasper Stougaard Andersen forman la Mítica Nave Solar. Con el importante añadido de Soren Skov al saxo invitado en cada tema de éste álbum. Cuarto, si no me equivoco, y que comenzó su andadura con “Ouroboros” (2016), “Land Between Rivers” (2017) y “Upheaval” (enero del 2018). Editando el que hoy traemos en diciembre de ése mismo año. Un doble vinilo producido por Jonas Munk (Causa Sui) y que no dejará indiferente a nadie, en su particular parcela estilística. Largas jams instrumentales con un 50% de composición y otro 50% improvisado. Así es como yo lo percibo.

En la inicial “Resolution” (14:23), traen reflexivos pensamientos del más lanzado Coltrane, y eso nos deriva a territorios Soft Machine. Se introduce una sección rítmica implacable y atmosféricas guitarras de bagaje teclistico. Como si Terje Rypdal (dos, en realidad ), entraran en fase alucinógena con Jan Garbarek……de hecho, muchas veces lo hicieron. El viaje asciende in crescendo, hasta que lo eléctrico toma dominio absoluto y se nos han ido a la isla de Tago Mago. Cuando de nuevo vuelve el saxo, caen en una franquicia de King Crimson con hipnótica enloquecida. Absorto me he quedado, ya nada más comenzar.

“Backyard Ritual” (17:45), consta de un entretejido de excéntricas guitarras a la Ash Ra Tempel, con saxo flotante y ritmo superlativo, que atrae a un wah wah vicioso en trance y todo entra en un paroxismo “tarantelico” (de “tarantella”, no de “Tarantino”). Gottsching & Hendrix como bufete de abogados sobrados en pro del desmadre psico y la pasada infinita. Se encadena a “Last Exit” (8:55), y es como una sesión sin vacunar en el Birdland de los 60 de un universo paralelo. Donde el desmadre sónico llega a cotas prohibidas en nuestro plano astral. Desmesurado gigantismo sonoro sólo apto para expertos buceadores mentales. “Way Ahead”(7:05) no da respiro, y sigue el desfogue, la rabia y la bilis progresiva. Ahora en turbo-motorik , como unos Soft Machine hasta las cejas de speed. El bajo toca metal y las guitarras salvajes confunden y entrecruzan estilos. Stooges y Charlie Parker.

Blues con sobredosis en el cruce de caminos es “Out There”(13:53), de orientación alemana en la senda de Passport, Out of Focus, Cornucopia, Thirsty Moon, Kollektiv o Emergency. “Elevation” (5:33) finaliza el apalizamiento neuronal con diabólica descarga espacial en sesión extendida doble. Vuelven los ovni de Ash Ra Tempel, más el saxo protestón (bendita protesta), a la Coltrane, que enseña los dientes al dúo guitarrero. Todo apuntalado por una tremenda rítmica que no ofrece tregua ni para ir a mear. Aviso de que ésta es una de esas audiciones que agotan una vez finalizada. Confieso que estrujan neuronas como el peor de los mítines politiqueros. Aunque no aburre mortalmente como éstos. Puede que su escucha sea peligrosa, pero aseguro que volverás a por más como la más adictiva de las drogas.

“Walk -on-the-wild-side-music” a todo trapo y sin contemplaciones. Para mí, esto es “verdadero metal”, al menos su vibración y dangerous feel. Nada de tontadas infantiles. Ya lo deja claro el título del disco, “Otra Forma de Música Psicodélica“. Sin engañar ni defraudar a nadie. Sube el listón de la voluptuosidad sonora a nuevas cotas.
Magnífico y desproporcionado.

Reseña de J.J.Iglesias para https://www.rockliquias.com/2019/04/mythic-sunship-another-shape-of.html

Apunte: Sobre Another Shape of Psychedelic Music, la reseña de J.J. Iglesias para el site Rockliquias, lo dice todo. Comparto con el autor el entusiasmo y el fervor con los cuales nos recomienda la audición de esta obra. Breve: el disco es toda una locura; como su escucha es compleja (una intensa experiencia hasta en lo físico, sin dudas), debe ser degustado con calma, a un volumen importante, sin prisa, para apreciar bien todos sus matices, que son muchos. En fin: banda de sonido de una tribu de refugiados pos hecatombe nuclear y/o ambiental, implorándole vaya a saber uno a que Dios…

Track Listing

1. Resolution (14:23)
2. Backyard Ritual (17:45)
3. Last Exit (8:55)
4. Way Ahead (7:05)
5. Out There (13:53)
6. Elevation (13:14)

Artist List

Rasmus Christensen: bass
Frederik Denning: drums
Emil Thorenfeldt: guitar
Kasper Stougaard Andersen: guitar
with:
Jonas Munk: guitar

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Liebman-Ineke-Laginha-Cavalli-Pinheiro Quintet
abril 7, 2019, 11:04 pm
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tapa delantera
Is seeing believing? (2016)

La esencia del jazz es atemporal, y esta atemporalidad es el patrón que marca Is seeing believing? (Challenge Records INT, 2016). Este trabajo de estudio, que lleva en la firma de la dirección artística el nombre del experimentado saxofonista Dave Liebman, nos transporta al punto en el que la tradición del jazz era el ahora y se expandía como un lenguaje natural que tenía el swing como única condición.

Cada tema de este proyecto a quinteto tiene la capacidad de envolverte para que te sientas parte de todo lo que sucede en la música, te invita a explorar la dialéctica de los sonidos, sus distintas voces y la profunda comunicación que se establece entre estos prolíficos músicos.

“Meter a la audiencia en nuestro círculo”, ese era el objetivo en palabras de Liebman. Y el logro es más que evidente una vez que la música para y tienes la sensación de que el swing te ha acompañado en cada una de las pistas. El primer tema, un atractivo arreglo del clásico “Old folks”, evidencia lo arraigado que estos músicos tienen el sentido del swing, algo que no es de extrañar teniendo al baterista Eric Ineke guiando el propósito.

Este elemento dominante dota al disco de una personalidad global que se combina con la aproximación a una sutil forma de hacer minimalista. Esta simplicidad prevalece, indistintamente, en los medios tiempos de temas como “Ditto”, en la visita a los ritmos brasileños como en “Rainy Sunday” o en la versión del standard “I remember you”. Y es que, más allá de las voces instrumentales, en este repertorio el silencio juega un papel importante en el desarrollo lírico de la narración, algo que llega a ser una percepción casi física en la balada “Beatriz”.

Una especie de calma tensa está presente en todas las melodías, la cual no llega a resolverse nunca, dejando la sensación de que falta algo, un momento de ruptura emocional, para que el trabajo sea redondo. Aunque, quizá, esto sea parte de la impresionante exhibición de un altísimo nivel de madurez que les da el poder controlar las intensidades y avivar la tradición sin ningún estruendo.

Reseña de Marta Ramón para https://jazztk.com/recomendatk/recomendatk-is-seeing-believing-liebman-ineke-laginha-cavalli-pinheiro-quintet/

Apunte: Este álbum, grabado en Portugal el 18 de Noviembre de 2014 y lanzado por el sello holandés fundado por el contrabajista Van de Geyn, reúne a músicos de diferentes nacionalidades: un estadounidense, dos portugueses, un italiano y un holandés, unidos por la experiencia de muchos años dentro de la International Association of Schools of Jazz Network, donde Liebman es el director artístico. El repertorio elegido abarca desde standards estadounidenses de renombre como “Slylark”, balada de Carmichael y “Old Folks” de Robinson, con Liebman en la flauta, con piezas conmovedoras del repertorio tradicional brasileño como “Coração Vagabundo” de Veloso y “Beatriz” de Lobo / Buarque para abrazar composiciones con un aspecto original y contemporáneo de Cavalli, Liebman y Pinheiro. Esta banda veterana es un “Quinteto de maestros”, un conglomerado con alta competencia pedagógica de jazz. No están luchando por la revolución o la innovación, sino dejando un testimonio de armonía artística con un resultado musical relajado y rico en swing, de sabor contemporáneo, sin presunciones pero con una sabia madurez artística y técnica.

Track Listing

01. Old Folks (7:07)
02. Coração Vagabundo (5:58)
03. Skylark (6:20)
04. Everybody’s Song but My Own (8:19)
05. Rainy Sunday (5:32)
06. I Remember You (6:38)
07. Is Seeing Believing? (8:22)
08. Ditto (4:54)
09. Beatriz (6:09)

Artist List

David Liebman: soprano and tenor saxophones, flute
Mário Laginha: piano
Ricardo Pinheiro: guitar
Massimo Cavalli: double bass
Eric Ineke: drums

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John Moulder
abril 7, 2019, 9:34 pm
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tapa Decade
Decade: Memoirs (2018)

Es difícil decir qué es lo más profundo: si las composiciones de Moulder, su ferocidad como guitarrista o sus dones como líder de la banda. Todos convergen en este álbum, una declaración importante de gran alcance expresivo y estilístico, desde la épica “Memoirs by the Sea” (Partes 1 y 2) y los conjuros de “One Last Call” hasta los susurros de guitarra acústica de “About Us”. Y el frágil lirismo de “Remembrance”. El pianista Gwilym Simcock, el saxofonista Tim Garland, el bajista Steve Rodby, el baterista Paul Wertico y el percusionista Ernie Adams brindan una amplia atmósfera, color y sustancia musical.

Fuente para la reseña: Howard Reich para https://www.chicagotribune.com/entertainment/music/reich/ct-ent-best-jazz-music-2018-1209-story.html

Apunte: Para registrar Decade: Memoirs, John Moulder se ha rodeado (como quizás nunca antes) de una alineación de ensueño: repasen la lista de artistas y se darán cuenta de lo que hablo. Como lo sugiere el título del álbum, predomina un ambiente nostálgico, pero optimista. Moulder suprime un poco su virtuosismo para dar lugar a sus compañeros con los que establece una química musical envidiable desarrollando estas contemplativas composiciones. Delicadeza, belleza y, paradójicamente, contundencia. Muy recomendable

Track Listing

1. Memoirs by the Sea Part 1 (6:42)
2. Memoirs by the Sea Part 2 (1:11)
3. One Last Call (6:27)
4. About Us (Introduction) (1:40)
5. About Us (5:43)
6. Remembrance (6:30)
7. Retreat Into Autumn (10:31)
8. African Sunset (5:18)
9. Gregory’s Hymn (6:08)

Artist List

John Moulder: electric, acoustic and nylon string guitars, all music
Gwilym Simcock: piano
Tim Garland: soprano saxophone, bass clarinet
Steve Rodby: acoustic bass
Paul Wertico: drums
Ernie Adams: percussion

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SLUGish Ensemble

tapa SLUGish Ensemble
An Eight Out Of Nine (2018)

Slow & Steady Records anuncia el lanzamiento del álbum debut de SLUGish Ensemble, An Eight Out Of Nine. Buscando la terapia musical como una relación que estaba llegando a su fin, el líder de SLUGish, Steven Lugerner, volvió a visitar una selección de grabaciones nostálgicas de muchos de sus artistas favoritos. “Comencé a hacer una lista de canciones que me arrancaban el corazón, mi alma y mis oídos”, escribe Lugerner. “La colección de canciones que escuchas en este álbum son todas las canciones que se han incorporado profundamente en mi espíritu musical”.

Lugerner también quería explorar la organización de un repertorio “no-jazz” para un conjunto completamente instrumental, con raíces de jazz como con SLUGish. Lugerner tomó prestada una técnica de composición de Dave Longstreth de Dirty Projectors, donde uno recrea de memoria una canción, después de un largo período de tiempo sin escucharla. Esta es la base de An Eight Out Of Nine, en la que Lugerner volvió a la misma pregunta una y otra vez: “¿Qué significa crear y componer algo que es humilde, que podría quedar atrapado en tu oído y obligarte a sentarte con él, incluso contra tu voluntad a veces?”

An Eight Out of Nine se registró en tres fases. En mayo de 2017, el bajista Todd Sickafoose (quien también coprodujo el álbum), la baterista Allison Miller (que estuvo en las actuaciones inaugurales de SLUGish en 2015) y la pianista Carmen Staaf se unieron a Lugerner en Fantasy Estudios en Berkeley, CA para grabar la capa fundamental de la música. Para la segunda fase, Lugerner se aisló en la cabaña de su familia en Arnold, California, y registró todas las sobregrabaciones de vientos de madera, incluidos el clarinete bajo, flauta y saxofones. La tercera fase invitó a los colaboradores regulares de Lugerner para hacer overdubs adicionales: el trombonista Danny Lubin-Laden (Monophonics, Brass Magic), el trompetista Max Miller-Loran (Invisible Inc., Watsky, Brass Magic), el vibrafonista Mark Clifford (Dirty Snacks Ensemble), la celista Crystal Pascucci, el guitarrista Justin Rock (Bastet, Never Weather) y el saxofonista tenor Daniel Rotem (Herbie Hancock, Usher). “Quería a propósito producir el álbum de una manera que rozara el proceso establecido de muchas grabaciones de jazz. Quería alejarme de las limitaciones que acompañaban a la grabación de un conjunto de este tamaño en una sala en vivo. En última instancia, este es mi intento sonoro de acercarme a la realización del ‘sonido’ que he estado imaginando en mi cabeza desde que empecé a componer y arreglar música”.

A pesar de ser reconocido en primer lugar como un saxofonista alto, An Eight Out Of Nine encuentra a Steven Lugerner explorando el registro más bajo de las vientos, específicamente el clarinete bajo y el saxofón barítono, que “me hablan en un nivel más primordial”, dice Lugerner. “Me siento más conectado con la voz humana”. De hecho, las melodías de los covers de este documento se cantan a través de estos caños bajos que Lugerner toca en todo el álbum.

“De vez en cuando, la magia musical se produce cuando un líder de banda se convierte en productor. Puede ser curador en el más alto nivel. Steven Lugerner ha demostrado que esto es cierto con su nuevo lanzamiento de SLUGish Ensemble. Ha creado un álbum que irradia intención, emoción, madurez compositiva y un uso magistral de la dinámica y el espacio”. – Allison Miller

Apunte: An Eight Out of Nine es un conjunto magistral de melodías que demuestra cómo la relación especial de un artista con las canciones, cualquier conjunto de canciones, incluido el indie rock reciente, puede convertirse en un catalizador para notables interpolaciones de jazz. Sin ahogar las melodías que fueron el objeto de recreación, esta joya sonora, de marcado lirismo, está llena de detalles y desvíos encantadores que difuminan las líneas entre el pop, el rhythm & blues, el jazz, la improvisación y el minimalismo. Uno de mis discos del último año, sin lugar a dudas.

Fuente para la reseña: https://www.broadwayworld.com/bwwmusic/article/Steven-Lugerners-Slow-Steady-Records-Announces-Release-of-SLUGish-Ensembles-An-Eight-Out-of-Nine-20180829

Track Listing

1. The Tower (7:52)
2. Be Brave (feat. Daniel Rotem) (5:53)
3. An Eight out of Nine (6:39)
4. Prisoners (6:30)
5. Red, Like Roses (7:52)
6. Looking at the Sun (4:56)
7. Bluebird (6:18)

Artist List

Steven Lugerner: Bass Clarinet, Baritone Saxophone, Bb Clarinet, Flute & Alto Flute
Carmen Staaf: Piano, Fender Rhodes, Wurlitzer
Todd Sickafoose: Acoustic Bass
Allison Miller: Drumset
Justin Rock: Electric and Acoustic Guitar
Danny Lubin-Laden: Trombone
Max Miller-Loran: Trumpet
Mark Clifford: Vibraphone
Crystal Pascucci: Cello
Daniel Rotem: Tenor Saxophone (soloist on “Be Brave”)

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Bandapart

tapa Bandapart
Bandapart (2004)

Bandapart se formó en 2003 y el nombre de la banda se inspira en el título de una película de Jean Luc Godard. Este debut marcaría el inicio de la colaboración entre el guitarrista Jakob Bro y Søren Kjærgaard, extendiéndose a varios proyectos como Nicolai Munch-Hansen Sextet, Jakob Bro Nonet, “Baby Blue” de Steffen Brandt y White Trash.

Bandapart nació de la necesidad de formar un sonido en las fronteras entre el jazz, la música improvisada, el rock y la música clásica moderna, y con su álbum de debut de 2005, despegaron con un sonido de dimensiones escénicas, espacios polvorientos y de ensueño que recuerdan tanto a Duke Ellington como a Sonic Youth. Una característica de Bandapart es el entretejido del piano eléctrico Wurlitzer y la guitarra, que a menudo crean una gran cantidad de melodías y sonidos en múltiples capas.

Track Listing – Bandapart

01. Truckdrive (Søren Kjærgaard) (5:11)
02. Home (Jeppe Gram) (5:07)
03. In De Flat (Søren Kjærgaard) (4:34)
04. Quick and Simple (Jakob Bro) (6:44)
05. Mount Duke (Søren Kjærgaard) (7:54)
06. Masabumi (Søren Kjærgaard) (5:39)
07. Vitus (Jeppe Gram) (4:13)
08. St Gerbold (Søren Kjærgaard) (5:30)
09. Dead End (Jakob Bro) (7:39)

Artist List

Jakob Bro: Guitar, Vocals, Effects
Jeppe Gram: Drums
Jonas Westergaard: Acoustic Bass
Søren Kjærgaard: Electric Piano, Wurlitzer Organ, Loops
tapa Vision Du Lamarck
Vision du Lamarck (2007)

El segundo álbum de Bandapart, “Vision du Lamarck”, fue grabado en el legendario estudio Varispeed en Suecia. Las composiciones y los arreglos fueron realizados por Søren Kjærgaard durante su estadía en Mont Martre, París, en otoño de 2005. Vision du Lamarck es un trabajo ambicioso que presenta cuerdas adicionales, vientos y múltiples capas de guitarras, teclados y efectos.

Track Listing – Vision du Lamarck

01. Prelude No.1 (3:12)
02. Christianshavn (4:10)
03. Lightnin’ Hopkins (8:53)
04. Dusana (6:30)
05. Ambu (6:10)
06. Napoleon Syndrome (4:57)
07. In a Box (6:43)
08. Vision Du Lamarck (7:09)

Artist List

Jakob Bro: Guitar
Søren Kjærgaard: Keyboards
Jonas Westergaard: Bass
Jeppe Gram: Drums
Guest musicians:
Hedwig Rommel: Voice
Herb Robertson: Trumpet on “Lightnin’ Hopkins”
Ned Ferm: Reeds on “Napoleon Syndrome”
Peter Fuglsang: Reeds on “Napolean Syndrome”
Mads Hyhne: Trombone on “Lightnin’ Hopkins” and “Napoleon Syndrome”
and String players from The Royal Danish Orchestra.

Apunte: La música de Bandapart es un viaje que varía constantemente a través de un colorido paisaje sonoro, donde Jakob Bro y Søren Kjærgaard en una interacción telepática, tejen líneas entre sí, creando ricas e hipnóticas texturas. Rock noise, con estética jazzera en un espacio polvoriento y de ensueño. Vale la pena escuchar que hacía Bro antes de ser estrella de ECM

Password en ambos casos: presoventanilla



Edward Perraud
marzo 1, 2019, 8:17 pm
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tapa Espaces
Espaces (2018)

¡Aquí tienes un disco de jazz con un concepto original y ambicioso! El baterista Edward Perraud pensó cada título en términos de espacios. Cada composición está dedicada a un intervalo (el espacio entre dos notas). Por ejemplo, Space Time (# 5) gira en torno al séptimo fa / mi b que piensa en Thelonious Monk. Edward Perraud también piensa en el espacio acústico (el lugar donde se reproduce la música), el espacio entre dos sonidos en términos de frecuencia que constituye en sus ojos una especie de viaje sonoro en el tiempo y el espacio. También piensa en el espacio (el cosmos) donde no hay sonido (el espacio de los orígenes del mundo) y el espacio-tiempo. Cada pieza también se asocia en el folleto con una fotografía artística realizada por el músico que desea en relación con el

Así que entendemos que este es un álbum de ideas, música elaborada y un enfoque intensamente creativo. Cada pieza nos invita a un viaje musical introspectivo donde el espacio y el tiempo se suspenden. Los colores contemporáneos con ambientes refinados donde la escritura y la improvisación se combinan crean atmósferas fascinantes. La asociación de tres músicos (Paul Ley al piano, Bruno Chevillon al contrabajo y Edward Perraud a la batería) es particularmente efectiva. Sujeto a ser receptivo al concepto, aquí hay un álbum inventivo que seducirá a los exigentes aficionados.

Fuente para la reseña: http://music-actu.over-blog.com/2018/09/edward-perraud-espaces.html

Apunte: Para un álbum que fue pensado y elaborado con la idea rectora (Ver Liner Notes) de que cada composición esté dedicada a un intervalo de tiempo musical (espacio entre dos notas), resulta casi una paradoja que lo que el oyente recepta sea una música atrapante, sensual, creativa, estimulante, que se suspende en el tiempo, salta de un lugar a otro o nos sorprende en el silencio. Una lección de trío. Altamente recomendable.

Liner Notes

« La música es lo que hay entre las notas ». Isaac Stern

“En medio de una noche en junio de 2016, me despierto con un destello de luz y sonido, solo sueño con la teoría musical (¡un hecho raro!) Y la siguiente frase se me viene de la cabeza”: « Cada intervalo musical alcanza su punto máximo en diferentes momentos de la historia del lenguaje tonal occidental ». Después de reflexionar, cada compositor tendría, en mi opinión, inconscientemente, su propio intervalo de predilección, una quintaesencia de su estilo resumida en dos notas, influyendo así en cada corriente de la historia de la música.

Así particularmente me hace eco la tercera, especialmente importante de W. A. Mozart en la llamada era clásica, donde siento un equilibrio perfecto de lenguaje tonal: su edad de oro (de ahí este título que tengo elegido para el tercio mayor). Luego, recuerde la sexta y octava de Brahms, la quinta y el papel armónico de Debussy, la séptima superior de Satie, el tritón de Bartok, la cuarta justa de Coltrane, y así sucesivamente.

Así que la idea central de mi proyecto de composición cae sobre mí como una manzana de un manzano, como una obviedad: « Escribe una obra entera para celebrar los intervalos, en la que cada composición es una ofrenda a uno de los 12 intervalos del lenguaje tonal incluido. dentro de una octava ». Me sumerjo en una profunda introspección nutrida escuchando cada intervalo: el tono medio, el tono, el tercio menor, el tercero mayor, el cuarto, el cuarto aumentado, el quinto, el sexto menor, el sexto mayor, el séptimo menor, el séptimo mayor y la octava. Sus colores íntimos se revelan lentamente, a veces tengo la sensación de encontrar todo el espacio que se pone en el abismo. Debemos tratar de establecer un puente entre la escucha del sonido, la teoría musical y la física de partículas, para encontrar una mística de los intervalos y sus movimientos secretos. Un “regreso a lo básico” por excelencia …

La idea de intervalo también debe tomarse como un punto de partida de una nota a otra, una excursión; cada paso, incluso uno pequeño, es un gran viaje. Cada modo de vibración transforma la materia misma. La analogía con la física de partículas no es solo simbólica. En física, la naturaleza misma de una partícula depende de cómo vibra su parte elemental más pequeña (los quarks), un poco como los armónicos de un espectro de sonido. Al igual que los intervalos, es por lo tanto la pequeña idea de ESPACE .

¿Por qué el título es “Espacios” en plural?

Porque hay varios espacios en juego …

– Primero, el espacio acústico que representa el lugar donde la música se despliega y existe, la propagación de una onda en un medio (aire o agua).
– Luego el espacio entre dos sonidos
– Obviamente tenemos el espacio que designa el cosmos (que significa el orden en griego) donde, como dijo el filósofo Blaise Pascal, ¡no hay sonido!
– También estoy pensando en el espacio-tiempo y la teoría de la relatividad de Einstein.
– Finalmente tuve el deseo de cavar el espacio visual que me inspira y alimenta. Intento con varios discos para tejer conexiones con momentos que fotografío en mi vida como músico nómada. Desde hace algún tiempo he notado vínculos muy fuertes, que se vuelven casi inseparables de mi forma de hacer e imaginar música. El espacio visual es una puerta adicional al mundo musical que estoy tratando de construir.

Estos son los espacios que quiero revelar en este disco. Al menos celebrar la maravilla que se puede sentir al tratar de conectar una cosa con otra, como un espacio último, el del imaginario: un espacio mental tan fértil.

Que esta música te lleve a este espacio donde las palabras se detienen … Entonces, si la magia opera, aunque sea por un momento, el silencio de estos espacios infinitos nos asustará un poco menos. [Edward Perraud]

Track Listing

01. Élévation (3:20)
02. Collapse (6:43)
03. Tone It Down (5:35)
04. Melancholia (4:31)
05. Space Time (4:42)
06. Tocsin (6:58)
07. Sixième sens (1:57)
08. La dernière carte (3:31)
09. Just One Dollar (6:49)
10. Cinéma (3:06)
11. Laps (3:54)
12. L’âge d’or (6:46)
13. Hiatus (3:16)
14. Singularity (3:43)

Artist List

Edward Perraud: drums
Bruno Chevillon: piano
Paul Lay: bass

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Exit North

tapa Book of Romance and Dust
Book Of Romance And Dust (2018)

Anyway , Opiates : huellas de un flujo creativo que parece finalmente haber encontrado su camino en el proyecto Exit North, y desde aquí listo para sumergirse en el vasto océano de la música de nuestros tiempos. Con Book Of Romance And Dust, Thomas Feiner reúne las piezas de una carrera artística deliberadamente fragmentada, reuniendo esas energías cultivadas en los proyectos de discos demacrados que desde 1993 han sido objeto de atención constante por parte de fanáticos obstinados y motivados.

Exégesis perfecta de ese romanticismo noir. de la vieja Europa, el debut de Exit North nació bajo las mejores esperanzas creativas, con una formación que además de dos viejos conocidos de Feiner, el pianista Ulf Jansson y el productor y multi-instrumentista Charles Storm, también hace uso de la presencia de Steve Jansen, ex Japan y hermano del más famoso David Sylvian, a quien el músico conoció en 2017 durante las grabaciones del álbum “Slope”.

En la cubierta monocromática y helada, que captura la imagen de un bote de remos hundido en un lago congelado, se encuentra la esencia de la música de Exit North, sin una dimensión temporal y física bien definida: impalpable, minimal, cinemática, nocturna. Thomas Feiner y sus compañeros se aventuran en ese terreno intermedio que músicos como Mark Hollis, Scott Walker y David Sylvian han marcado a fuego, a veces moviéndose con cautela como si quisieran evitar emular gestos nobles del pasado, en algunos momentos bosquejan uniones con un cierto tipo de jazz experimental y esotérico valiéndose también de la preciosa colaboración de Lars Danielsson, sembrando emociones y recogiendo soledad, en un proceso físico y cerebral que tiene los contornos de la poesía y el romanticismo.

Los cinco minutos y veinte segundos de “Bested Bones” son suficientes para capturar completamente la atmósfera conmovedora y surrealista del álbum, una canción que Feiner ya había publicado en 2012 y que repite aquí para rendir homenaje a la memoria de Robbie Lloyd-Wilson, amigo y músico miembro del Autumn Chorus, quien murió en 2016 y está presente aquí en los coros. El piano y el contrabajo se ajustan a algunas notas a la manera de Japan de “Nightporter”, y luego envuelven lentamente los arcos, los teclados y la voz de barítono de Thomas Feiner, quien excava en el surco que Scott Walker y Nick Cave han hecho familiar.

Todas las canciones están inspiradas en el piano por Ulf Jansson, quien dicta las pautas sobre las cuales se encuentran una infinidad de pistas melódicas nunca oprimidas por adornos innecesarios, libres para vagar entre ecos ambient o delicias tímbricas que evocan a Jon Hassell (“Short Of One Dimension”), hasta tocar vértices de auténtica belleza en la centroeuropea “Lesson In Doubt” (al principio titulada “The Russian”).

Exit North usó el mismo esquema que The Blue Nile en “Hats”, eliminando todo lo que era superfluo; de ahí el encanto cinematográfico y nocturno de “Sever Me” y “Spider”, e incluso cuando las canciones parecen tomar forma, la esencialidad de los arreglos le da un encanto austero que parece ser el hijo de “Spirit Of Eden” de Talk Talk, que preserva una espiritualidad ascética, incluso cuando la tensión rítmica parece estar presionando (“Passenger’s Wake”), o cuando la melodía se compromete con la frugalidad (“Another Chance”).

Le corresponde en todo caso a “Losing” la tarea de condensar todas las ambiciones de un álbum fino y conceptualmente intenso; es en efecto en estos nueve minutos que Feiner, Jansen, Storm y Jansson logran capturar toda aquella fragilidad del ánimo humano que parece ser el leit-motiv del proyecto: las notas de piano se reducen al mínimo, la canción es trémula, los sonidos enrarecen, mientras que la voz de Anna Bylund capta un último toque de alegría, antes de que el silencio caiga en notas solitarias y heladas.

Book Of Romance And Dust es el manifiesto sonoro de cuatro músicos que parecen haberse dado cuenta del tiempo perdido en el diseño de lo que es natural y simple para ellos, es decir, la melancolía del alma que vive en la incertidumbre y la duda, en constante expectativa de un momento efímero de felicidad que reconforte la mente, y en esto, Exit North no tiene rivales válidos en la actualidad.

Fuente para la reseña: Gianfranco Marmoro para http://www.ondarock.it/recensioni/2018-exitnorth-bookofromanceanddust.htm

Apunte: En el año 2008 Thomas Feiner, rescatado por David Sylvian y su sello Samadhisound, marcó un hito en el desierto de la industria musical, aunque seguramente nunca lo supo, y si lo hubiera sabido, vaya a saber si le importaba. Se trató de la edición de su disco “The Opiates – Revised” que no era más que la afirmación explícita de la redefinición de la música épicamente romántica y profunda. Una verdadera gema que resistió (y resiste) el paso del tiempo. Muchos fanáticos en todo el mundo esperamos pacientemente más en todos estos años. Feiner, en cuentagotas, daba algunos indicios en su página web en Bandcamp. Temas sueltos, bocetos, no mucho más. Motivado por Steve Jansen, en el año 2014 nace la idea de un proyecto, al cual se sumaron el pianista Ulf Jansson y el productor musical Charles Storm. Ese proyecto devino en la banda Exit North y la materialización de Book Of Romance And Dust, una cautivadora colección de nueve canciones registradas en Göteborg, envueltas en una variedad de colores instrumentales invernales que incluyen piano, sintetizador, trompeta, armonio y una sección de cuerdas dirigida por Mikael Backegård. Finalmente, como en el pasado, vuelvo a pedirle a Thomas: por favor, no demoren tantos años en volver a grabar, muchachos…

Track Listing

01. Bested Bones (5:20)
02. Short Of One Dimension (5:53)
03. Sever Me (4:24)
04. Passenger’s Wake (3:58)
05. North (4:57)
06. Lessons In Doubt (4:05)
07. Spider (4:43)
08. Losing (9:11)
09. Another Chance (4:00)

Artist List

Ulf Jansson: Piano, Keyboards
Charles Storm: Synthesisers, Treatments, Guitars, Bass, Voices
Steve Jansen: Keyboards, Drums, Percussion, Sound Design, Backing Vocals
Thomas Feiner: Lead Vocals, Trumpet, Additional Piano, Additional Guitar, Harmonium

Strings
Max Wulfson: Violin I
Hanna Eliasson: Violin II
Tuula Fleivik Nurmo: Viola
Jung Hyun Byun: Cello
Hans Adler: Double Bass

Strings conducted by Mikael Backegård
“Lessons In Doubt”, Mikael Backegård
“Bested Bones” & “Another Chance”, Mikael Backegård & Thomas Feiner
“Sever Me”, Thomas Feiner, orchestrated by Max Wulfson

Additional Vocals
Fyfe Dangerfield: “Bested Bones”
Robbie Lloyd-Wilson: “Bested Bones”
Hedda Älveby: “Bested Bones” & “Short Of One Dimension”
Anna Bylund: “Losing”

Additional Contributors
Lars Danielsson: Double Bass (“Bested Bones”, “Spider” & “Lessons In Doubt”)
Richard Hauer: Guitar (“North”)
Mattias Tell: Acoustic Guitar ( “Short Of One Dimension”)
Bashar Sharifah: Cello ( “Another Chance”)
Isak Eldh: Field Recording (“Losing)
‘Saxophobia’ sample (“Another Chance”) courtesy of Saidera Records

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