Preso ventanilla


Marco Mezquida Trío
abril 14, 2017, 10:33 pm
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tapa My Friend Marko
My Friend Marko (2013)

Cualquier persona que esté al tanto de lo que sucede en el jazz español actual, sabe que Marco Mezquida es el pianista que más suena ahora mismo, como me comentaba Albert Cirera en una entrevista, Marco toca prácticamente todos los días. Cuando empieza Always late se me echa encima, como de golpe, un disco de hace 50 años, Money Jungle, el trabajo que Duke Ellington, Charles Mingus y Max Roach firmaron en 1962. Llámame exagerado si quieres, pero es así como lo siento. Checkpoint Charly, seguimos en el pasado, cuando el swing era imprescindible, la batería de Carlos Falanga lidera el tempo, el contrabajo de Marko Lohikari se permite pulsaciones clarificadoras y Mezquida nos habla de viejos tiempos, solo falta un poco de humo. My lady loves me in e-flat, desarrollo pianístico anárquico enlazado con todo el romanticismo de la música atemporal, las aguas van formando un cauce seguro, Lohikari explica su historia y poco a poco se construye el guión, el piano como si fuesen dos individuos en un solo cuerpo, un tema para dejar todo lo que estés haciendo, cerrar los ojos y dejar que fluya. Alice, una canción de amor (por que estarán tan desprestigiadas si son tan bonitas). Agustí for president, en honor a su admirado pianista Agustí Fernández (uno de los grandes del free) aunque al principio no lo parece, el tema irá ganando en libertad, más de siete minutos para poder jugar a crear sonoridades, la conjunción entre los tres músicos vuelve a demostrar que este tipo de jazz solo puede darse entre músicos que trabajan perfectamente juntos. Taiko es mou, arrastrando un compás (un vals) que quiere invitarte a soñar escenas de mil películas, casi esperas que una voz (oscura a ser posible) entre en escena, pero no, el trío se basta y se sobra para reinventarse cada minuto (uno de mis temas preferidos) sencillez y complejidad en una sola toma. Dama de Nit, es la composición sin etiquetas, si estuviese en otro disco posiblemente diríamos que es música contemporánea, supongo que Mezquida a la hora de componer no se plantea las etiquetas, sino que de todos sus registros usa aquellos que le convienen. Cançó de Matinada , los tambores tribales del argentino Carlos Falanga inician un tema que fue improvisado totalmente, al principio da la sensación que solo hay un ritmo donde dejan que Mezquida elabore, y nuestro hombre se suelta, como se suelta Keitt Jarreth cuando le viene en gana, sin prisas. Para cerrar, My friend Marko, un minuto de un solo de Marko Lohikari, un contrabajista sueco afincado en Barcelona al que también hay que seguir de cerca. Tengo la sensación que es un álbum que habrá que degustar sin prisas a lo largo del verano o de cincuenta años, nunca se sabe.

Reseña de Candido Querol para http://www.b-ritmos.com/novedad/marco-mezquida-trio

Lista de temas – My Friend Marko

01. Always Late (3:47)
02. Checkpoint Charly (4:55)
03. My Lady Loves Me In E-Flat (6:03)
04. Alice (5:24)
05. Agustí For President 7:48
06. Taiko 6:33
07. Dama de Nit (8:51)
08. Cançó de Matinada (6:53)
09. My Friend Marko (0:52)

Lista de artistas

Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

tapa Cantabile
Cantabile (2015)

Al frente de su trío habitual, Mezquida debuta junto al saxofonista norteamericano Bill McHenry, una de las voces más reputadas del jazz contemporáneo de Nueva York, con quien ha grabado el álbum ‘Cantabile‘. “Se lo propuse porque no es el prototipo del saxofonista virtuoso. Tiene algo al mismo tiempo primitivo y sofisticado. Me parece un artista de la melodía, de los pies a la cabeza”, asegura.

Juntos han grabado un disco accesible y luminoso que incluye un blues y un boogaloo, registros alejados de los territorios más oscuros que explora en sus conciertos en solitario. “También tiene cosas bastante rock. Creo que si soy músico es gracias a las canciones de The Beatles que escuché de pequeño. Pero lo siguiente que haga será un disco de ‘free jazz’. Con mi obra quiero crear una perspectiva artística, que haya una evolución. Que al final la gente venga a escucharme porque cada concierto sea diferente”.

Cantabile: una colección de piezas que son casi canciones, escritas a conciencia para equilibrar las fuerzas de un trío compacto que vuela ligero y un solista que habla despacio porque ya es sabio.

Fuentes para la reseña: http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-festival-jazz-bill-mchenry-4701976 ; http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-bill-mchenry-festival-jazz-4706727

Lista de temas – Cantabile

01. Gira (3:16)
02. Jony Style (5:44)
03. Armando Rampas (5:09)
04. Radiohead Montsant Elevation (13:37)
05. Oh Mireia (3:25)
06. 1866 (8:05)
07. Menguante (7:30)
08. Managerini (7:51)
09. Cantabile (5:19)

All songs composed by Marco Mezquida, except #2 by Bill McHenry.
Recorded at 44.1 Studios in Girona, Spain, on April 14, 2015

Lista de artistas

Bill McHenry: saxofón tenor
Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

Apunte: Marco Mezquida, pianista y compositor menorquín (Maó, 1987). Licenciado en en 2009 en el ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña), a sus 28 años, Mezquida se ha convertido en uno de los músicos más valorados y solicitados del panorama jazzístico y las músicas improvisadas en España, como demuestra su intensa y versátil actividad concertística y creativa junto con muchos de los mejores músicos del país. Elogiado por su versatilidad y una potente y magnética personalidad musical, es uno de los artistas más completos y expresivos de su generación. Ha grabado más de 40 discos: 10 como líder y más de 30 grabaciones como sideman. Ha actuado en festivales de 25 países, en 4 continentes; así como en algunos de los clubes de jazz más emblemáticos del mundo, Blue Note de Nueva York, el SF Jazz de San Francisco, A Trane de Berlín, Sunside de París, Unterfarht de Munich, Bimhuis de Amsterdam, Porgy and Bess de Viena, BMC de Budapest, Jazz Station de Bruselas, JKF de San Petersburgo, o el Blue Train de Osaka. Una decena de premios jalonan su fulgurante carrera que combina sus proyectos con la docencia en el superior del Taller de Músics y el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona.

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Charles Lloyd & the Marvels

tapa I Long to See You
I Long to See You (2016)

No he tenido ocasión de escuchar la grabación anterior de Charles Lloyd (“Wild Man Dance: Live at Wroclaw Philharmonic, Wroclaw, Poland, November 24, 2013”), que supuso su regreso al sello Blue Note en 2015, tras 30 años de ausencia. I Long to See You está también editado por el veterano sello de la nota azul, y supone una grata sorpresa de parte de un saxofonista que, la verdad, nunca me ha apasionado.

En esta ocasión le secundan nada menos que Bill Frisell y Greg Leisz, además de los habituales Reuben Rogers y Eric Harland; un potente equipo capaz de levantar cualquier cosa que le pongan por delante. Lo que les pone Lloyd por delante es un variado cóctel en que aparecen tanto clásicos espirituales, repasos a temas ya conocidos de Lloyd, un buen puñado de versiones (Dylan, Ed McCurdy, Billy Preston/Bruce Fisher) y alguna nueva composición del saxofonista.

La rítmica suena robusta y bien cohesionada como de costumbre, la combinación de Frisell y Leisz es ganadora sobre el papel y en los surcos (es una delicia dejarse enredar por sus cuerdas combinadas, por ejemplo en Shenandoah), y el propio Lloyd consigue estar a la altura sin los excesos, salidas de tono y blandas soluciones que han lastrado otras grabaciones suyas. Vibrante resulta la revisión del Masters of War de Dylan, con esa batería sobria, insistente, y el bajo ominoso de Rogers remachando constantemente el ritmo; atractivo el zumbón ritmillo, de aires orientales, en Sombrero Sam; y, en fin, particularmente emotivas resultan las interpretaciones de La Llorona y el precioso You Are So Beautiful (que Norah Jones sostiene sin excesivo brillo pero con convicción).

I Long to See You puede no ser un disco excepcional, pero es una de esas grabaciones que se devoran con tremendo placer, que te envuelven con un sonido voluminoso, pleno de matices, y que puedes pinchar una y otra vez sin desfallecer. ¡Bien por Charles Lloyd!

Reseña de Ricardo Arribas para http://www.jazzitis.com/discos/charles-lloyd-the-marvels-i-long-to-see-you/

Apunte: De sonido cristalino y lírico, con momentos exploratorios y de serena espiritualidad, I Long to See You es uno de los grandes discos editados en el año 2016. Aunque Charles Lloyd es el líder, su rol parece ser el de moverse libre y elegantemente por la telaraña que tejen de manera mansa Frisell y Leisz de sonoridades folk, un juego que, por otra parte, los hombres de las cuerdas dominan con exquisita maestría. En particular, mis highligths son “Masters Of War” (tema inicial del disco que marca el ambiente general), “Shenandoah” (donde quiera que vaya Frisell, está este tema), y “Barche Lamsel” (dieciseis minutos de exploración sonora con clima de temperatura ascendente; brillante). “You Are So Beautiful” el tema que canta Norah Jones, humilde y respetuosamente, creo que no encaja con el resto del repertorio. Tal vez sea una concesión que el veterano saxofonista haya tenido que hacer con Blue Note. Vaya a saber. Aún con este detalle, lo importante es que globalmente I Long to See You es muy disfrutable. Saludos!

Track Listing

01. Masters Of War (8:05)
02. Of Course, Of Course (6:03)
03. La Llorona (6:02)
04. Shenandoah (6:23)
05. Sombrero Sam (7:31)
06. All My Trials (5:02)
07. Last Night I Had The Strangest Dream (4:50)
08. Abide With Me (1:22)
09. You Are So Beautiful (6:05)
10. Barche Lamsel (16:25)

Artist List

Charles Lloyd: tenor saxophone, flute
Bill Frisell: guitar
Greg Leisz: steel guitar
Reuben Rogers: bass
Eric Harland: drums
Willie Nelson: voice
Norah Jones: voice

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Stuart McCallum & Mike Walker
abril 2, 2017, 8:51 pm
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tapa Beholden
Beholden (2014)

Los guitarristas de Manchester, Mike Walker y Stuart McCallum son ambos bien conocidos tanto nacional como internacionalmente, Walker por su trabajo con The Impossible Gentlemen y McCallum con The Cinematic Orchestra. Su primer encuentro fue hace 20 años atrás cuando Stuart era estudiante de Mike. Esta reciente colaboración musical surgió en la oportunidad de una jam en la fiesta de un amigo mutuo y su relación musical y personal fue inmediatamente evidente. Beholden, el álbum debut del dúo, y el primero para el nuevo sello Shell-Like Records, es un nuevo y emocionante capítulo en la carrera de los guitarristas.

Walker y McCallum son ambos bien conocidos por sus trabajos en la guitarra eléctrica. Sin embargo, para este nuevo dúo, usan cuatro guitarras diferentes acústicas para re-imaginar y re-esculpir sus propias composiciones originales y algunos bien conocidos standards de jazz en frescas formas. Walker y McCallum admiten compartir influencias de Pat Metheny a Bill Frisell, Bon Iver a Jerry Douglas y Gerald Finzi a Kelly Joe Phelps y aceptando mutuamente la musicalidad y la riqueza de la experiencia, evocan una combinación de relajada felicidad y sublimado anhelo, creando música que es un bálsamo para el alma.

Fuente para la reseña: http://www.moremusic.org.uk/events/194/walker-mccallum

Track Listing – Beholden

01. Beholden (4:04)
02. Clockmaker (3:54)
03. Trois Pour Deux (3:32)
04. When I Fall in Love – Part 1 (3:04)
05. When I Fall in Love – Part 2 (2:18)
06. Triple Bypass (2:45)
07. Wallenda’s Last Stand (4:55)
08. Lightsome (4:38)
09. Sally (1:58)
10. Where Do We Go (4:43)
11. Black Orpheus (7:54)

Artist List

Stuart McCallum: guitar
Mike Walker: guitar

tapa The Space Between
The Space Between (2016)

The Space Between es el álbum de seguimiento al primer álbum de este interesante dúo de guitarras, “Beholden”. Ambos guitarristas británicos, amigo de largo tiempo, procedentes del noroeste de Inglaterra (de la zona de Greater Manchester, para ser exactos) probablemente no necesitan introducción porque han estado haciendo olas en la escena de jazz y más allá desde hace años.

El tema de apertura, paradójicamente titulado “And Finally” comienza con una melodía que bromea casi pervirtiendo aquel tema más conocido de Beethoven “Ode To Joy”. Esto también contiene un poco del trabajo más provocativo de guitarra eléctrica de Mike Walker que se encuentra en el álbum.

“Alfie”, de Burt Bacharach, no necesita mucho comentario aparte de decir que es elegantemente ejecutado por las dos guitarras entrelazadas suntuosamente. La pastoral “Moment”, adornadas con cuerdas, tiene un intrigante efecto de fondo que se aproxima al sonido de un distante tren a vapor pero esto no hace mella en todo el encanto de la lírica melodía recurrente.

“Yewfield” es la encarnación misma del término pastoral, pero también exuda una cualidad a lo Pat Metheny. “String Quartet In G Minor (excerpt from the 3rd movement)” de Debussy está arreglada y expertamente tocada por Stuart McCallum, mostrando una interpretación profundamente dulce. Su título es algo irónico, ya que el dúo emplea un cuarteto de cuerdas real para cuatro de los temas aquí, pero no en esta pieza.

La fílmica pista del título en ocasiones es aumentada por las cuerdas, sirviendo para enfatizar su lánguido e hipnótico sentir. Walker entrega un acompañamiento blusero a la lánguida guitarra acústica de McCallum en “As The Trees Waltz”, siendo el dúo acompañado por el cuarteto de cuerdas en la sección central para agregar peso emocional. El standard “My Ideal” de Richard A. Whiting y Newell Chase es dado en una relajada interpretación, con los cristalinos tonos de la guitarra de Walker sonando cercanos a Bill Frisell.

El número final, “Sky Dancer” es sostenido por efectos percusivos tipo tabla, añadiendo un ambiente ligeramente Oriental, pero a medio camino, es adornado crucialmente por el solo de guitarra eléctrico de Walker que centellea. Aunque, en términos generales, en el álbum, el guitarrista es sobrio, él no lo es aquí y esta vivacidad es definitivamente su punto fuerte. Las seis nuevas piezas aquí presentadas fueron compuestas por McCallum y el álbum coherentemente destaca la originalidad y la compatibilidad natural de estos dos virtuosos guitarristas. Esto es un álbum que usted al instante quiere escuchar otra vez.

Fuente para la reseña: Roger Farbey para https://www.allaboutjazz.com/the-space-between-stuart-mccallum-edition-records-review-by-roger-farbey.php%20target=blank

Track Listing – The Space Between

01. And Finally (5:26)
02. Alfie (5:28)
03. Moment Us (6:03)
04. Yewfield (5:27)
05. String Quartet In G Minor (excerpt from the 3rd movement) (2:08)
06. The Space Between (6:08)
07. As The Trees Waltz (5:00)
08. My Ideal (5:25)
09. Sky Dancer (7:11)

Artist List

Stuart McCallum: acoustic guitar, electronics
Mike Walker: electric guitar
Plus:
Laura Senior, Gemma South: violin
Lucy Nolan: viola
Peggy Nolan: cello on tracks 1,3,6,7

Apunte: Beholden, en su mayoría grabado en un set de estudio en Manchester, más “Black Orpheus” grabado en vivo en el Club Cinnamon de Altrincham, representó un buen corolario para el saludable reencuentro entre dos guitarristas amigos de largo tiempo que desconectaron sus guitarras eléctricas para divertirse un rato con distintas variantes acústicas. Seguramente, con el buen sabor de boca que les dejó ese primer encuentro musical, vuelven con el recientemente editado The Space Between, el cual es un paso hacia adelante, más pensado y elaborado con el agregado de un cuarteto de cuerdas que le sienta perfectamente bien al ambiente emocionalmente relajado que estos guitarristas han sabido generar. Espero lo disfruten!

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Jean-Marie Machado & Didier Ithursarry
marzo 26, 2017, 9:36 pm
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tapa Lua
Lua (2016)

La historia del jazz nos ha demostrado que los directores de orquesta podían desarrollar afinidad con algunos de sus músicos, hasta optar por el dúo y su conversación desnuda que permite, más allá de la connivencia, la intimidad. Lo que hizo Duke Ellington con Johnny Hodges, o, más cerca nuestro, Andy Emler con Thomas de Pourquery. Desde hace varios años, Didier Ithursarry es un miembro recurrente de las formaciones de Jean-Marie Machado, pudimos oírle así “Fiesta Nocturna”, “La fête à Boby”, “Lagrima Latina”, o, entre los actuales proyectos del pianista, en el programa Pictures For Orchestra. También se sabe, ya lo ha hecho con Dave Liebman, que al pianista le gusta colocar sus socios de juego en contextos casi opuestos, recurriendo a su capacidad de influir sobre el color orquestal como a su personalidad de solista.

El dúo que se refiere es una de las consecuencias lógicas de lo que Jean-Marie Machado y Didier Ithursarry han cultivado juntos. No ha sido decidido, les sucedió. La música que proponen es naturalmente el reflejo de una hermosa complicidad, los dos instrumentos a menudo evolucionan juntos, sin que un reparto preciso de los papeles hubiera estado visiblemente determinado. Ambos solistas y acompañantes, no por turnos sino en un mismo impulso, con surgimientos, comentarios, elevaciones líricas u ornamentos que parecen destinados a poner en valor el juego del otro, más que a cualquiera fin decorativo. Los intercambios son serenos, casi púdicos.

De esta negativa a utilizar los efectos de oposición, se desprende una música muy cálida y fluida que encuentra su belleza en las curvas más que en las rupturas. Sucede que Jean-Marie Machado aporta el contraste, rebotes por la utilización de dinámicas casi Monkianas en los graves, como en « JSB ». Pero en conjunto, la empatía de ambos hombres se materializa por dos apretadas declaraciones. El repertorio, composiciones de uno y del otro para dos estéticas distintas, así como dos segundas lecturas, favorece este tipo de intercambios, con melodías esmeradas entre las que ambos músicos extraen líricos filamentos.

La tensión existe sin embargo, explotada con precaución como durante la improvisación intensa de « Broussailles », la lectura de « Vuelta » donde el piano se hace urgente y el acordeón ardiente, donde todavía los cambios de climas de « Lézanafar »”, una composición con cajones, donde los arabescos que adora el pianista son revueltos por pasajes más graves. Pero en Lua es ante todo cuestión de dulzura, esa dulzura que se emparenta más con una fuerza vital que con una timidez. Así va de la sensualidad de « Sentier évanoui », el juego aéreo que muestra el dúo sobre « No Church But Songs » o de la interpretación sensible y despojada de « Lua », que concluye el álbum en conmovedora comunión.

Es con igual sinceridad que el dúo revisita « Perseguição » de Avelino De Souza y Carlos da Maia, o « Nocturne N°1 » de Chopin. La melancolía cantante del fado y el refinamiento de la escritura romántica, no contentos con dar lugar a dos hermosos momentos de música, son evidentemente muy adecuados al diálogo delicado y cautivante.

Fuente para la reseña: Olivier Acosta para http://www.citizenjazz.com/Jean-Marie-Machado-Didier-Ithursarry.html

Apunte: Machado e Ithursarry venían trabajando juntos en el colectivo “Jean-Marie Machado Danzas”. Allí hacían (y hacen) una colorida música, con influencias de gran cantidad de músicas del mundo, tal como ha venido siendo la característica principal de la discografía de Machado. De ese ir y venir por escenarios, se ve que decidieron hacer el disco a dúo. Sin caer en la obvia melancolía tanguera, hacen en “Lua” un muy lindo disco con la variedad estilística habitual y algunos temas que son realmente bellísimos (“Perseguição”, “Nocturne N°1” y “No Church But Songs”). Espero lo disfruten.

Track Listing

01. Sentier Évanoui (6:34)
02. Aspirer La Lumière (6:09)
03. JSB (5:17)
04. Perseguição (5:16)
05. Vuelta (4:09)
06. Lézanafar (7:55)
07. Broussailles (3:32)
08. Nocturne N°1 (5:26)
09. No Church But Songs (5:02)
10. Lua (3:55)

Artist List

Jean-Marie Machado: piano, compositions (1, 2, 6, 7, 9)
Didier Ithursarry: accordion, compositions (3, 5, 10)

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The Paul Wertico Trio
marzo 25, 2017, 6:31 pm
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the-paul-wertico-trio-live-in-warsaw_29614646
Live In Warsaw (1998)

Si tu conocimiento de Paul Wertico se limita a su trabajo con el Pat Metheny Group, podrías no darte cuenta del alcance de la habilidad de este hombre. En Vivo en Varsovia muestra otro lado de un baterista que es más conocido por su delicadeza que por sus rápidas manos.

Grabado en una noche durante una gira de dos semanas por Alemania y Polonia en Octubre de 1994, En Vivo en Varsovia incluye también al talentoso guitarrista John Moulder y a Eric Hochberg en bajo. Los tres nativos de Chicago despliegan gran química al encarar improvisaciones sin fronteras, ardiente fusión, grooves profundos, intervalos impresionistas e incluso un blues en un tema. En el corazón de cada corte hay una increíble ejecución polirrítmica de batería por Wertico.

En Vivo en Varsovia contiene ocho pistas, siete de las cuales son originales. Seis de estos números exceden los seis minutos de longitud, pero sólo uno de ellos se torna tedioso: la apertura “Toms For Talia” (Tones para Talia) un interesante -aunque demasiado largo- solo de batería. Moulder y Hochberg se unen a Wertico en “Cowboys and Africans” (Vaqueros y Africanos), de intensa rítmica, que comienza con el bajo tocado con arco de Hochberg y fluye hasta fogosos ritmos y un solo especialmente caliente de Moulder.

Los tres ejecutantes comparten el foco en la chispeante interpretación de nueve minutos de “Softly As In A Morning Sunrise” (Suavemente Como En Un Amanecer); Hochberg entrega impactantes solos en la diáfana “Little e” (Pequeña e) y en la sónicamente libre “8×12”. El bajista forja una sólida sociedad con Wertico de principio a fin.

Increíblemente, el guitarrista Moulder también resulta ser un sacerdote católico. Antes de este disco, la única canción en la que alguna vez había escuchado a un cura tocar era “Kumbyah”. Las estiradas maestras de cuerdas del Padre Moulder invitan a compararlo con otro guitarrista celestial, John Scofield, particularmente en “Time For The Blues” (Tiempo de Blues). El padre también se torna etéreo en un par de pistas, incluyendo la acertadamente denominada “Magical Space” (Espacio Mágico).

El sonido directo a DAT captura cada nítido matiz de la performance percusiva de Wertico. De hecho en muchos tramos jurarías que estas escuchando dos bateristas.

Si te entusiasma el jazz intrépido de guitarras o una excepcional ejecución de batería de jazz, nada mejor que En Vivo en Polonia, del Paul Wertico Trio.

Fuente para la reseña: Ed Kopp para https://www.allaboutjazz.com/live-in-warsaw-paul-wertico-igmod-review-by-ed-kopp.php – Traducción: Nicolobo Ramos!!

Apunte: pocos días atrás hicimos un re-post del disco Don’t Be Scared Anymore (editado en el año 2000) del Wertico Trío y recordé que también tenía en mis archivos este disco del mismo trío, editado dos años antes, producto de grabaciones en vivo por Europa. Me pareció una buena oportunidad para seguir escuchando la camaleónica guitarra del Padre Moulder, que, con la química del trío actuando en vivo, pasa por diferentes estilos con grandes aciertos; por supuesto es también muy placentero escuchar a Wertico, un baterista muy recordado por los admiradores del Metheny Group.

Track Listing

01. Introduction (0:08)
02. Toms For Talia (Drum Intro) (6:04)
03. Cowboys and Africans (7:40)
04. Little ‘e’ (9:11)
05. Time for the Blues (4:46)
06. Softly, As in a Morning Sunrise (9:27)
07. Magical Space (6:55)
08. Give The Drummer’s Sum (3:45)
09. 8 x 12 (6:06)
10. Closing Announcements (0:36)

Artist List

Paul Wertico: drums
John Moulder: guitar
Eric Hochberg: bass

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John Moulder

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Earthborn Tales of Soul and Spirit (2016)

En una temporada de fiestas de fin de año donde la melosidad musical es prácticamente inevitable en la radio y los centros comerciales, reconforta saber que hay una alternativa. Es que la nueva grabación del guitarrista de Chicago John Moulder “Earthborn Tales of Soul and Spirit” (“Historias Terrenas de Alma y Espíritu”), no ha sido concebida como un menú de fiestas y aborda la espiritualidad en formas mucho más profundas a las que estamos acostumbrados a escuchar en este momento del año. Así que no, no escucharán al gran guitarrista y conductor de Chicago ofrendar su versión de “Jingle Bells”, “Santa Baby” o “It’s the Most Wonderful Time of Year”. Pero su disco llega como un bálsamo a los oídos que anhelaban algo más.

Construida como un gran poema en tono de jazz -completo con la suma de una obertura, tres mini-suites y un ennoblecedor alegato final- “Earthborn Tales of Soul and Spirit” nos muestra a Moulder abordando preguntas profundas sobre el significado de la vida y el más allá. Sin letras o un argumento y ninguna palabra salvo por los títulos de las composiciones, Moulder nos introduce a un terreno de contemplación, prueba y ensimismamiento.

Seguro, si Ud. no conoce el nombre de su obra en tres movimientos “Journey to the East” (Viaje al Este) o su díptico “Soul in Twilight” (Alma en Penumbra), podría no descifrar los mensaje específicos que Moulder quiere expresar. Pero la naturaleza de búsqueda y el peso musical de su trabajo son inconfundibles, y aún más cuando él explica sus objetivos.

Porque Moulder creó “Earthborn Tales” como una serie de retratos de individuos que lo inspiraron (como a millones más). “Pensé que sería una idea piola expresar algunas cosas sobre personas que demostraron mucha espiritualidad o una forma inspirada de ser “, dice Moulder, a quien el Instituto de Jazz de Chicago le encargó “Earthborn Tales“, ejecutado en el Millennium Park en 2014. “Así que eso puso a girar la rueda: quizás yo tenga una manera particular de mirar al alma y el espíritu “, agrega Moulder, quien se ordenó como sacerdote católico pero recientemente dejó el ministerio. “Miro al alma como algo desde la profundidad y al espíritu como algo más trascendente — más desde las alturas, o como el cielo, si se quiere imaginar. Quise mirar a personas que me inspiraron en alguna de esas dimensiones y componer desde ahí “.

El disco comienza con “Earthborn Tales” (Cuentos Terrenales), una especie de levantador del telón para la música que está por venir, en la que Moulder se reúne con varios de los más consumados músicos de jazz de Chicago, más el saxofonista invitado Donny McCaslin (más conocido en estos días por su trabajo en la grabación de “Blackstar” de David Bowie).

Las desgarbadas melodías y las texturas amplias y despejadas que abren “Earthborn Tales” preparan el camino para varios retratos musicales fascinantes, comenzando con el ya mencionado “Journey to the East”. Su hechizante primera parte, exuberante segundo movimiento orquestal y su etéreo final nos cuentan un cuento particular.

” ‘Journey to the East’ conmemora el último viaje de Thomas Merton, justo antes de su muerte “, dice Moulder, refiriéndose al autor y activista político católico que murió en 1968 en Bangkok. “He encontrado que es un personaje tan interesante. Era un místico cristiano, un elocuente escritor espiritual, pero que realmente se abrió mucho en el final de su vida a otras religiones, otras espiritualidades, donde realmente encontró afinidades muy profundas para él.”

“Así que la primera parte (de ‘Journey to the East’) trata sobre el entusiasmo de su viaje a India. La segunda parte es realmente sobre el final de su vida … Y la tercera parte es una especie de insinuación sobre la vida después de la muerte “.

Y así transcurre el disco “Earthborn Tales“, con Moulder refiriéndose a vidas de figuras notables como puntos de partida para componer e improvisar.

Mucho de la expresión más poética de Moulder emerge en el díptico “Ruby’s Way”, que aborda el terror y el trauma que Ruby Bridges sufrió como la única niña afroamericana asistiendo a una escuela llena de blancos en New Orleans en 1960. Ella tuvo que ser acompañada por dos oficiales federales y tanto ella como su familia fueron objeto de abuso y aislamiento.

En el primer movimiento las líneas de la trompeta solitaria y pensativa de Marquis Hill representan los primeros momentos solitarios de Ruby en la escuela. Pero en la sección final, el crescendo rítmico en la música de Moulder resume el triunfo por el que Ruby y su familia tanto pagaron.

“Ella fue tratada tan mal y en muchas maneras tan cruelmente”, dice Moulder. “Pero su capacidad para transitar ese camino, con una gracia y espíritu y fuerza interior inimaginables — sólo el hecho de que haya podido hacerlo es asombroso”, agrega del momento que ha sido inmortalizado en la pintura de Norman Rockwell “The Problem We All Live With”.

Moulder construyó su suite “Ruby’s Way” de modo que “en su inicio quería que fuera triste, casi como música fúnebre, de modo de expresar la pena, la oscuridad y la sensación de caminar solo, aunque ella tuviera un par de oficiales acompañándola. Pero ese camino -sólo me lo estaba imaginando”. “En la segunda parte estaba tratando de retratar, de modo musical, esta sensación de su indomable espíritu humano y el modo en que los derechos civiles estaban avanzando y no iban a retroceder “.

Earthborn Tales” está inundada de todas estas historias, pero su elocuencia e imaginación musical no sorprenderá a quienes hayan seguido el trabajo de Moulder. El gozo que comunicó en “The Eleventh Hour: Live at the Green Mill” (2012), la sensación de serenidad que evocó en “Bifrost” (2009) y el discurso filosófico-religioso que emprendió en “Trinity” (2006) muestran un artista de una profundidad de pensamiento y sentimiento destacables.

En “Farther Reaches”, la pieza final de “Earthborn Tales“, Moulder rinde homenaje a un músico de jazz reverenciado, cuyas contemplaciones de lo divino abrieron una puerta para Moulder y muchos otros: John Coltrane. “Deberían llamarle la atención a uno por hacer John Coltrane, porque sólo John Coltrane puede hacer eso”, dice Moulder, cuyos expansivos solos de guitarra eléctrica en este movimiento sugieren no obstante que ha encontrado un camino propio. Es que “Farther Reaches” se posiciona como un cierre gratificante para toda esta empresa, otra significativa contribución de un singular artista de Chicago.

Fuente para la reseña: Howard Reich para http://www.chicagotribune.com/entertainment/music/reich/ct-jazz-john-moulder-ent-1221-20161220-column.html – Traducción: Nicolobo Ramos (enorme gracias para vos, Nico!!!)

Apunte: Nada más decir que “Earthborn Tales of Soul and Spirit” es una excelente obra musical, de un músico que ya hemos disfrutado en el pasado y que aquí se encuentra rodeado por un elenco estelar que trabaja para enfatizar la profunda espiritualidad que Moulder le imprime a sus composiciones. Discazo.

Track Listing

1. Earthborn Tales (7:05)
2. Journey to the East Pt.1 (6:31)
3. Journey to the East Pt. 2 (5:17)
4. Journey to the East Pt. 3 (2:15)
5. Soul in Twilight (Intro) (2:01)
6. Soul in Twilight (6:05)
7. Ruby’s Way Pt. 1 (6:24)
8. Ruby’s Way Pt. 2 (10:24)
9. Farther Reaches (7:30)

All music composed by John Moulder

Artist List

John Moulder: electric and acoustic guitars
Donny McCaslin: tenor saxophone
Marquis Hill: trumpet
Jim Trompeter: piano
Steve Rodby: acoustic bass
Paul Wertico: drums
Larry Gray: acoustic bass
Eric Hochberg: acoustic bass
Xavier Breaker: drums
Kalyan Pathak: tablas

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Marzio Scholten’s Identikit

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Garage Moi (2013)

“Voices, Echoes & Whispers” del guitarrista Marzio Scholten fue, para mi, uno de los highlights del 2012, sus melodías y arreglos magníficamente diseñados una confirmación que Scholten es uno de los mejores nuevos guitarristas de jazz en Europa.

Ahora él regresa con su cuarto álbum como líder, esta vez liderando un nuevo proyecto de banda con el nombre de “Identikit”. Este nuevo quinteto destaca a Scholten en guitarra, junto a Lars Dietrich en saxo alto, Jasper Blom en tenor y una sección rítmica compuesta por Sean Fasciani en contrabajo y Kristijan Krajncan en batería.

Con la nueva banda, llega un nuevo sonido. Y para Garage Moi, Scholten entra en un nuevo territorio, mezclando influencias de rock alternativo e indie con el sonido de jazz contemporáneo. Mientras que algunos experimentos de cruces de género deja algo que desear, es claro desde el inicio que Scholten ha creado algo especial.

El álbum abre con una guitarra cool que marca el inicio de la edificante “Contragramma”, una melodía donde los dos saxos se combinan para reproducir el riff principal y también tejer uno alrededor del otro y la introducción hablada de The War Of The Worlds.

La pista del título es de tres minutos de gozoso pop-rock que se apresura a lo largo del primer minuto y medio antes de irse a la deriva por un territorio improvisacional más de ensueño hasta apagarse. Esto lleva a “Heisenberg”, una melodía que empieza lenta y tranquilamente, pero gradualmente acumula en intensidad. Jesper Blom entrega un maravilloso saxo tenor, antes de que Scholten intervenga con un solo de guitarra abrasador que realmente destaca su sonido único.

“The Great Race” comienza con algo de un ritmo arranque-parada durante el cual los dos saxos y la guitarra tocan en armonía antes de pasar a un estribillo pegadizo. Otro número destacado.

El tempo cae para “Fire And Snow”, la melodía que evoca al sonido de Voice, Echoes And Whispers, del mismo modo que “Revolution Is Everywhere” en ese álbum ahora puede ser visto como un gusto de lo que iba a venir con Garage Moi.

“We Are All Bankers” es otra melodía rockera con un estribillo que despierta, y como en muchas de las pistas del álbum, muestra feliz a Scholten repartiendo a sus saxofonistas grandes partes de las melodías, antes que tomar el centro de la escena con sus solos.

En la última sección del álbum se ve una secuencia de canciones tituladas “The Architect”, “The Architect II” y “The Architect III”. Los dos primeros temas son canciones uptempo con un claro sentir indie rock, mientras que la pista del cierre es un número más tranquilo con un ambiente más introspectivo.

Marzio Scholten es claramente un muy talentoso guitarrista que tiene su propio sonido, y es también un talentoso compositor y arreglador. Él ha tomado un paso audaz para crear algo completamente nuevo con Garage Moi y le ha rendido sus frutos con todo en el álbum encajando perfectamente. Este es un álbum que tiene un público potencial mucho más allá de las fronteras del jazz tradicional y definitivamente merece ser escuchado. Altamente recomendado.

Fuente para la reseña: Sean Smith para http://tokyojazznotes.blogspot.com.ar/2013/11/marzio-scholten-identikit-garage-moi.html

Track Listing – Garage Moi

1. Contragramma (5:24)
2. Garage Moi (2:52)
3. Heisenberg (7:00)
4. The Great Race (6:10)
5. Fire And Snow (8:14)
6. We Are All Bankers (4:31)
7. The Architect (5:05)
8. The Architect II (5:47)
9. The Architect III (3:31)

All compositions by Marzio Scholten.

Artist List

Marzio Scholten: guitar
Lars Dietrich: alto
Jasper Blom: tenor
Sean Fasciani: bass
Kristijan Krajncan: drums

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Here Comes A Riot (2015)

Para algunos de ustedes, puedo decir simplemente que el álbum Here Comes a Riot cae bajo la categoría de Brian Blade Fellowship y dejarlo en eso. Pero sólo porque creo que la música de la Fellowship debe ser universalmente conocida, esto no es así, y por lo tanto, para aquellos que no estén familiarizados con esa banda, permítanme comenzar diciendo que el quinteto Identikit elabora melodías que son tan bellas como duraderas. Todo el mundo sabe qué es una hermosa melodía, por lo que no hay necesidad de continuar con esa línea de conversación, pero la durabilidad…eso es lo que permite al guitarrista Marzio Scholten, el bajista Sean Fasciani, al baterista Niek de Bruijn, al saxo alto de Lars Dietrich y al saxofonista tenor de Jasper Blom marchar de solos y viajes grupales vagando lejos de aquella hermosa declaración de apertura de la melodía y aún siguen haciendo referencia a ella, como si la estuvieran llevando en su bolsillo trasero todo el tiempo.

Pero es más que simplemente hacer referencia a la melodía… el quinteto altera, remodela, aumenta su fuerza, se deja caer en un estado de vulnerabilidad… incluso cuando entran en una etapa de la canción tras otra, dando la impresión de viajar una gran distancia. Es un efecto ingenioso y un talento para no ser subestimado. Y mientras que la Brian Blade Fellowship tiende a enfatizar las influencias del jazz moderno y folk dentro de las composiciones, Identikit ejecuta una dirección diferente, adoptando en su lugar una forma de expresión indie-rock, y por eso estas cautivadoras melodías también son tan condenadamente divertidas.

La pista del título “Heres Comes a Riot” es breve y al grano, y su puro entusiasmo es casi tan contagioso como se obtiene. “Wilco” comienza en un estado de ensueño, luego muestra unos dientes afilados antes de finalmente encontrar una manera de dar una sola voz a los dos estados.“The Day We Lost It All” espira la melodía con la encantadora belleza de la escena parisina; me tiene pensando en artistas tales como Pierre Perchaud y Nicolas Moreaux, y luego, de repente, el quinteto solo prende fuego la maldita canción entera y ahora hablamos de una completamente nueva clase de belleza, una donde la melodía se tambalea y tiembla dentro de las olas de calor. “Erath” avanza por un groove un ratito, entonces de repente rompe en un galope y monta el ritmo como una batería de ondas entrecortadas, entra en un ojo de tormenta con el suave aliento de la melodía rasgueada con cuidado sobre la brisa, antes de la nueva entrada en la tormenta para el gran final. El álbum termina con “We Stand Alone”. El quinteto vuelve al expresionismo de ensueño que pagó grandes dividendos anteriormente en la grabación y, a continuación, la rampa hasta una ligera intensidad dramática que las señales de alto y claro que la conclusión se aproxima rápido en el horizonte. y luego aceleran hasta una ligera intensidad dramática que señala alto y claro que la conclusión se aproxima rápidamente en el horizonte.

Un álbum muy divertido de una banda que sabe cómo crear una bella melodía y qué hacer con ella cuando la construcción está terminada.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-identikit-here-comes-a-riot/

Track Listing – Here Comes A Riot

1. Here Comes A Riot 2:27
2. Wilco 7:10
3. The Day We Lost It All 5:09
4. Erath 7:32
5. We Stand Alone 4:58

Artist List

Marzio Scholten: guitars, compositions
Lars Dietrich: alto sax
Jasper Blom: tenor sax
Sean Fasciani: bass
Niek de Bruijn: drums

Apunte: El guitarrista holandès Marzio Scholten, 34 años, viene registrando desde el año 2008 una más que interesante discografía. Sus primeros tres discos, enrolados en la vertiente más tradicional del jazz contemporáneo de guitarra son “Motherland” (2008), “World Of Thought” (2010), “Voids, Echoes And Whispers” (2012), mientras que sus últimos dos, “Garage Moi” (2013) y “Here Comes A Riot” (2015), son desarrollados dentro de un concepto distinto, más de banda, donde el jazz es la plataforma pero es muy fuerte la impronta de rock indie y alternativo que le imprimen a las astutas e inteligentes composiciones de Scholten, sorprendiendo con bellas y potentes melodías que quedan dando vueltas por la cabeza aún cuando se han terminado. Puntos de contacto con otros grupos y/o artistas? Además del mencionado de la Fellowship Band, el empaste de los saxofonistas tiene un aroma a los arreglos que suele hacer David Binney con otros saxofonistas, y por el lado del rock y del sonido en forma global (por así decirlo) me recordó a la talentosa banda argentina Octafonic, aunque aquí la música es solo instrumental. Inteligente y divertido. Altamente recomendable!.

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