Preso ventanilla


Josiah Woodson

tapa Suite Elemental
Suite Elemental (2017)

30/40 años atrás músicos talentosos como Josiah Woodson no tenían ninguna dificultad para encontrar su camino en un sello de grabación de jazz de buen tamaño y cosechar las ventajas de la máquina corporativa para la promoción, la exposición y la penetración de mercado. Era la ruta tradicional entonces. Ahora los artistas jóvenes con algo para decir tienen que tomar su destino en sus propias manos, usando el equipo ‘arrancador’ de marketing disponible vía web, en la forma de redes sociales, video streaming, el crowd funding y la blogósfera. Woodson ha tomado esta ruta para su debut y mientras que internet ha hecho el mundo más pequeño, se ha hecho no menos abarrotado, lo que significa que la exposición es todavía un reto. Su background es bastante típico para un principiante del jazz, al menos en sus primeros años. Educado formalmente en la música en Ohio y Boston, obtuvo su educación musical tocando con músicos de la talla de Branford Marsalis, Billy Hart, Gary Bartz, David Sánchez, Danilo Pérez y Marcus Belgrave. En lugar de tomar la tradicional ruta del jazz a Nueva York, Woodson se trasladó a París donde vive y trabaja, siguiendo las huellas de Sidney Bechet, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Archie Shepp y, más recientemente, Logan Richardson.

Woodson toca trompeta, flugelhorn, flauta y guitarra en este álbum, pero él no es una banda de una persona. Su grupo, Quintessentiel, incorpora su actitud cosmopolita que destaca a miembros de Martinica, Australia, EE.UU y Francia.

El álbum de 6 pistas es el telón de fondo de una narrativa explorando el camino de un príncipe como él experimenta los cuatro elementos de la naturaleza -“Air”, “Eau”, “Feu” y “Terre” en camino a convertirse en rey. Woodson describe tanto la historia y la música como “una oportunidad para despertar la imaginación tanto como sea posible, para dar al oyente la oportunidad de crear su propia realidad en su mente, para imaginar lo que está sucediendo en la historia en sus propios términos”. Por la conformación de su música alrededor de tales universales, primarios, elementos constitutivos, Woodson nos permite ponernos dentro de su visión creativa; después de todo, ¿quién de nosotros no puede imaginar las texturas y tonos que encarnan el aire que respiramos o el agua que bebemos?

Dentro de mi cabeza hay asombro, armonía, alegría, imprevisibilidad y peligro, una mezcla de energías crudas, primordiales y constantes benignas eternas, conceptos con los que puedo relacionarme dentro de la interpretación musical de Woodson.

“Air” es optimista, ligero y de sonido fresco infundido por la trompeta y una buena performance en el solo de Rhodes del invitado Lovell Bradford. “Eau” brilla con flujos y reflujos, con Woodson líder en guitarra y flauta. Imagine una rápida secuencia de movimiento con el ritmo impulsado por la corriente, con remolinos más silenciosos y charcos en el borde del agua. “Feu” es más oscuro en el tono y se abre con una promesa de amenaza antes de estallar con chispas de energía. Ricardo Izquierdo en saxo tenor añade esa sensación de aprensión. “Terre” comienza con el bajo, como supongo que debería, con otro huésped neoyorquino, Peter Giron. Originalmente concebido como el inicio del set, es la pieza más fundamentada de la suite, con un espíritu juguetón. Si le gusta esta pista, a continuación, me gustaría instarle a que vea el vídeo de Youtube que incluye la lectura de Tarani Joy Woodson. La historia llega a su fin con el “Solstice” un optimista melodía liderada por la guitarra.

Woodson ha elaborado uno de los álbumes más estimulantes y alegres como he escuchado en mucho tiempo, para mis oídos, más sugerente, entretenido y sencillamente melódico, de muchos de los artistas más importantes del firmamento del jazz actual.

Fuente para la reseña: Andy Hazell para http://ukvibe.org/album_reviews/josiah-woodson/

Apunte: Josiah Woodson, multiinstrumentista. Suite Elemental es una artesanía, en forma de disco, tan breve como gratamente sorprendente. Woodson conoce la historia y la cuenta junto a un elenco multicultural con un lenguaje aggiornado a estos tiempos. Para combatir con arte a los que quieren aislarnos unos de otros.

Track Listing

1. Air (7:54)
2. Eau (8:34)
3. Feu (9:16)
4. Terre (9:06)
5. Solstice (8:49)
6. [rep]Rise (1:30)

Artist List

Josiah Woodson: composition, trumpet, flugelhorn, guitar, flute
Ricardo Izquierdo: tenor sax
Daniel Gassin: piano
Zacharie Abraham: upright bass
Laurent-Emmanuel “Tilo” Bertholo: drums
Special Guests
Lovell Bradford: Rhodes
Peter Giron: upright bass
Ralph Lavital: guitar
Philippe Makaia: gwo ka

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Josh Moshier / Mike Lebrun
agosto 19, 2017, 9:03 pm
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tapa Joy Not Jaded
Joy Not Jaded (2009)

Los millennials están aquí.

El tecladista Josh Moshier y el saxofonista Michael Lebrun, un par de artistas de jazz establecidos en Chicago, nacidos en los 80, investigan profundamente en el mundo del jazz con Joy Not Jaded. En este set fino y de alta energía, la pareja y su banda trabajan un sonido de inclinación moderna que sigue fiel a la tradición post-bop.

El set de todo el material original -cinco melodías de la pluma de Moshier, seis de Lebrun- abre con “King’s Road” de Moshier, inspirado por paseos nocturnos sobre autopistas de Los Angeles (la noche es el único momento en que cualquier impulso puede lograrse allí). Una figura rítmica de piano repetida de cinco notas introduce el sonido que se enrolla en un groove de suave fluir apoyando el tono redondo del saxo tenor de Lebrun. “Avocado Soul”, (vaya figura en el título), mientras tanto, es un escaparate de la capacidad de la banda con una balada maravillosamente reflexiva.

Un compañero de Chicago, el guitarrista John Moulder, se une al grupo básico en “Jambo” (palabra swahili que significa “hola!”), formando una vibración de baile de conjunto exuberante y optimista que da paso a una vuelta introspectiva del saxofón. “Eleven Toe Waggle” destaca a la banda en su momento más funky, con el teclado eléctrico de Moshier que cambia de brillante a sucio. Llámelo brillando grunge.

“Known Unknowns” aligera el estado de ánimo, en una adorable melodía cadenciosa, ofreciendo, de nuevo, la limpieza, el tono exacto de la guitarra de John Moulder.

Joy Not Jaded, registrado en 2009, dice que la supuesta generación Millennial, a la cual Moshier y Lebrun pertenecen, está aquí. El futuro del jazz está vivo y bien en las manos de esta generación.

Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/joy-not-jaded-josh-moshier-oa2-records-review-by-dan-mcclenaghan.php

Apunte: Meses llevo escuchando este disco. Y no me agota. Si bien es un territorio musical bastante tradicional, el swing y la energía positiva que tiene Joy Not Jaded te lleva a pasear por donde quieras. La banda es un relojito y además cuenta con el siempre bienvenido John Moulder, aportando su talento y apadrinando musicalmente a los jóvenes Josh Moshier y Mike Lebrun. No se puede pedir mucho más. Disfrutad sin ataduras!!

Track Listing

01. King’s Road (6:35)
02. Jambo 6:16
03. Saturnine 5:06
04. The Second Handers (6:41)
05. Eleven Toe Waggle (7:10)
06. Avocado Soul (4:22)
07. Finally Done Still Frustrated (6:01)
08. Known Uknowns (7:06)
09. Sleepwalking (6:59)
10. Misfortunately Pleasant (5:27)
11. Who Shall Excel Them (8:06)

Artist List

Mike Lebrun: tenor saxophone
Josh Moshier: piano, Rhodes, Wurlitzer
Robert Meier: double-bass
Max Krucoff: drums
John Moulder: guitar (2-4, 8).

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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Baldo Martínez Grupo

tapa No Pais dos Ananos
No Pais dos Ananos (1996)

No Pais Dos Enanos” fue el primer disco grabado por el magnifico contrabajista gallego, Baldo Martinez. El álbum confirmó con creces las buenas perspectivas que éste creativo musico de jazz de España. La prestigiosa revista española “Cuadernos de Jazz” lo consideró segundo disco de jazz del año en 1996.

Fuente para la reseña: http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=1470&Itemid=306

Lista de temas – No Pais dos Ananos

1. No Pais Dos Ananos (6:15)
2. Pinocho (7:09)
3. Doniños (7:29)
4. Balada Para Area (5:51)
5. Mar Adentro (6:51)
6. Viejo Eimer (7:23)
7. Sospeita (4:39)

Lista de Músicos

Antonio Bravo: guitarra
Chefa Alonso: saxos
Pedro López: percusión
Pierluca Pineroli: batería
Baldo Martínez: contrabajo
tapa Juego de niños
Juego de Niños (1998)

Después del impacto producido por su primer disco: “No Pais dos Ananos”, este segundo era algo así como la hora de la verdad para saber si aquel excelente trabajo iba a tener la continuidad deseada. La confirmación de que aquello no fue algo pasajero no ha podido ser más rotunda: “Juego de Niños” sitúa a Baldo Martínez entre los músicos más imaginativos y brillantes que ha dado el jazz en este país.

El contrabajista ha tenido que afrontar un cambio de personal: vuelve David Herrington, que ya había participado en la gestación de la banda, y el lugar de Chefa Alonso lo ocupa Alejandro Pérez, un sólido y curtido saxofonista de querencias “bopperianas”. Sin embargo la personalidad del grupo se impone y el sonido sigue siendo tan compacto como antes e incluso hasta gana en matices con la introducción de nuevos instrumentos. Y es que el trío que Baldo forma con su inseparable Pedro López (con su sensacional empuje que esta vez queda fielmente reflejado en la grabación) y el inquieto guitarrista Antonio Bravo (un verdadero fuera de serie y uno de los pocos por aquí que se mueve en la onda más actual de su instrumento) es la base de la que van surgiendo nuevas ideas.

El uso de la zanfoña -un instrumento medieval- en “Zona Rústica” y el tema que da título al disco, revela el interés de Baldo por las músicas de raíz popular, conectando con una de las tendencias predominantes en el jazz europeo. Pero su papel aquí no pasa de la anécdota, y lo que predomina es un estilo que se acerca a las formas abiertas y el melodismo del quinteto de Dave Holland (“Azul de Madrugada”), o incluso al carácter aventurero de los grupos de Louis Sclavis (“La Laguna”), no en vano dos de los músicos citados por Baldo entre sus preferencias.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/baldomartinez.htm

Lista de temas – Juego de Niños

1. La Chalana (9:44)
2. Extramuros (9:17)
3. Historia De Una Melodía (7:51)
4. Azul de Madrugada (5:28)
5. Zona Rústica (9:17)
6. La Laguna (10:21)
7. Juego De Niños (8:03)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
David Herrington: trompeta, fiscorno, tuba
Alejandro Pérez: saxo tenor y soprano
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusión
Nirankhar Khalsa: tabla, 2,7
Carlos Beceiro: zanfoña, 5,7
tapa Nai
Nai (2001)

El hombre siempre ha soñado con viajar. Ha soñado con conocer territorios sin explorar o que en explorados permanezcan con la virginidad propia de su creación. Paisajes de ensueño en los que vivir la aventura humana del ser. Paisajes donde la emoción se convierte en el sentimiento. Paisajes que pueden ser visuales, pero que a su vez pueden ser sonoros. Paisajes reales como inspiración creativa. Paisajes reales vivificados desde la nostalgia de la distancia. Paisajes imaginarios soñados desde la utopía de la creación artística.

Utopías, realidades, emociones, nostalgias, colores, sonidos, matices… recogidos en una propuesta musical que nace de todo ello. Y todo ello nace a su vez de unos sabios dedos que desde Madrid pulsan un contrabajo con sentimiento gallego.

Sentimientos que impulsan a un extraordinario quinteto que muestra, con el origen geográfico de sus componentes, la capacidad universal de nuestros músicos, y de los que lo son ya en sentimiento y años entre nosotros.

Un “riesgo” altamente recomendado para oídos que buscan en la música ese “algo más”. Un tercer parto musical de un músico que tras “No País nos Ananos”(1996) y “Juego de Niños”(1998), presenta con “Nai” un proyecto que por su calidad “merece” ser olvidado por quienes con nuestro dinero deciden nuestro disfrute cultural. “Nai” como continuación de una vida musical, la de Baldo, que promete paisajes sonoros de extrema belleza.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/martinez_baldo_grupo_nai.html

Lista de temas – Nai

1. O Conxuro (9:17)
2. Paisaxes Galaicas (7:49)
3. O paso do tempo (9:43)
4. Camino de Bretun (5:30)
5. De Norte a Sur (7:29)
6. Los mundos de Argos (8:06)
7. Galería de recuerdos (6:17)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Alejandro Pérez: saxo tenor, soprano y clarinete bajo
David Herrington: trompeta y tuba
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusiones acústicas y eléctricas
tapa Tusitala
Tusitala (2005)

La poesía da sentido a su música ó la música da sentido a su poesía: ambas disciplinas definen su obra.

Elaboración, sentimiento y magia. Cada instrumento, cada músico en su momento, ni más ni menos, en su justa medida. El combo como uno, cada uno como el todo, excelentes instrumentistas narran sus historias.*

Deja caer el láser donde quieras, este disco destila oro puro.

Juego de arcos del contrabajo y violín, percusión como palmas y,”flamenco cósmico”, en El Mundo de los Papalagi.

Monólogo de contrabajo, réplica de violín (sin arco), diálogo a tres con trompeta. Discrepa, se queja con fuerza la guitarra (A.Bravo, ¡para cuando un disco a tu nombre!); se impone el violín, algo tiene de decir la trompeta (sutil, fresca e infinita), siempre presente la batería marcando el paso y llenando espacios en este juego sin fin. Susurro.

Gotas de esencia de lluvia, azul turquesa de profundas brumas marinas.”Pasajes de alteraciones conciénciales”. “Paisajes profundos en el fondo de tu mente”; nos ofrece en Octubre (Otoño en Galicia).

Eduardo Ortega, sueño de Lucifer, endiablado violinista que interpreta como los ángeles, en Desde los Godos y Danza Final.

“Los fiordos son gallegos, las rías son noruegas”; aires de “tango europeo” en Tusitala.

Esta obra abre sus labios para los oídos capaces de escuchar. Esta es tu obra maestra para todos. No olvides dejar de brillar, pero no brilles todo lo que puedas, pues la estrella que mucho brilla pronto agota su luz.

*Tusitala: significa, El narrador de historias

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/discos/2005_05_breves.htm

Lista de temas – Tusitala

1. El Mundo De Los Papalagi (5:23)
2. Susurro (7:02)
3. Desde Los Godos (5:46)
4. Octubre, Otoño en Galicia (10:01)
5. Tusitala (5:16)
6. Danza Final (7:08)
7. Desenfreno (9:32)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Pedro López: batería, percusión
Antonio Bravo: guitarra
David Herrington: trompeta
Eduardo Ortega: violín
tapa Vientos cruzados
Vientos cruzados (2016)

Han pasado ya veinte años desde que el Baldo Martínez Grupo nos sorprendiera gratamente con aquel No país dos Ananos (1996), al que luego le siguieron trabajos como Juego de Niños (1998), Nai (2001) o Tusitala (2005). Ahora –tras diferentes presentaciones en directo con este repertorio– la renovada formación liderada por el contrabajista llega con Vientos Cruzados, registrado en mayo de este año en Madrid y distribuido, una vez más, por Karonte.

Con este álbum, Baldo Martínez, continúa explorando la posibilidades de un jazz europeo rico en improvisaciones, libre y alejado de las raíces negras que caracterizan al jazz estadounidense. «Vientos Cruzados es el resultado de todas mis experiencias musicales, sobre todo las vividas en estos últimos años –comentó el músico gallego en declaraciones a Diariofolk–. En este tiempo he compartido proyectos con estéticas muy distintas y sobre todo han sido experiencias muy enriquecedoras, como las que he tenido con el Iberia Trío de Joachim Khün y otros tríos tan diversos como Triez, MBM o ¡Zas!, o proyectos más basados en la música de raíz como Sons-Nús o el Projecto Miño. Haciendo balance de todo ello, de la búsqueda continuada, la improvisación y el riesgo que todo ello supone, pienso que esos motores que mueven mi música están reflejados en este nuevo trabajo, no de una manera premeditada sino como resultado de lo que uno aprende mientras va haciendo».

Con respecto a los músicos que han participado en este disco, Baldo nos dice «no los he pensado por su instrumento, que también, sino sobre todo por lo que aportan con su personalidad y su musicalidad. Pedro López y David Herrington llevan tiempo apoyando y haciendo crecer mi música y diría que forman una parte imprescindible de ella. Juan Saiz, flautista y saxofonista, es un músico joven muy inquieto que aporta libertad, frescura y otro punto de vista a la hora de hacer música».

Vientos cruzados, cuyo título está inspirado en unos versos de José Hierro, ofrece siete cortes que se mueven aproximadamente entre los cinco y los doce minutos de duración, todos ellos compuestos por Baldo Martínez.

Reseña de http://www.diariofolk.com/noticia/baldo-martinez-este-disco-es-el-resultado-de-todas-mis-experiencias-musicales/

Lista de temas – Vientos cruzados

1. Abismo (7:03)
2. Ruta (7:02)
3. Vientos Cruzados (12:04)
4. Sombra (7:13)
5. Como el Mar (4:55)
6. Ao redor do Mundo (7:32)
7. El amante del riesgo (5:52)

Lista de Músicos

David Herrington: trompeta y fliscorno
Juan Saiz: flauta y saxo tenor
Pedro López: batería
Baldo Martínez: contrabajo

Todas las composiciones de Baldo Martínez

Apunte: En primer lugar decir que la única referencia en MQC/PV a Baldo Martínez es la relacionada con el posteo, allá por Julio de 2013, del disco MBM Trio, junto al guitarrista Antonio Bravo y la baterista Lucía Martínez. En segundo lugar, admito que ha sido un error no seguir investigando la música del contrabajista gallego de Ferrol. Pero bueno, nunca es tarde, cuando la música es de alto nivel y atemporal como la de Martínez. Baldo Martínez ha participado en múltiples proyectos con importantes músicos de la escena europea más vanguardista como son Carlos Actis Dato, Dominique Pifarely, Samuel Blaser, Ramón López o Joachim Kuhn, por mencionar algunos. Aquí el foco está puesto en los discos a nombre de su grupo, los cuales sorprenden por su originalidad, la excelencia de los músicos participantes y el talento para desarrollar un lenguaje propio que suma formas folklóricas, música contemporánea y las vertientes actuales del jazz, dando como resultado una propuesta sonora bien equilibrada y homogénea, sin rastros de costuras. Para escuchar atentamente. Altamente recomendable!.

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Algorhythm

tapa Segments
Segments (2015)

Este es el álbum debut del joven quinteto polaco Algorhythm, el cual está conformado por el trompetista Emil Miszk, el saxofonista Piotr Chęcki, el pianista Szymon Burnos, el bajista Krzysztof Słomkowski y el baterista Sławomir Koryzno. Esto presenta siete composiciones originales, cinco de Burnos y dos de Miszk.

El ajuste clásico del quinteto de jazz y la música están bien dentro de la tradición mainstream del jazz, presentando una moderna, vital e interesante versión europea del idioma estándar del jazz, como de costumbre, empapado en el lirismo y melancolía polacos, lo que caracteriza al jazz polaco. Las composiciones están bien redondeadas y definitivamente no triviales, con muchos patrones rítmicos impares; en general crean una interesante experiencia de escucha. Personalmente creo que las dos composiciones de Miszk son las mejores del álbum, pero las de Burnos no se quedan atrás. El desarrollo dinámico y la atmósfera de estas piezas es bastante notable.

Los tres solistas actúan maravillosamente y tocan varios pasajes impresionantes y la sección de ritmo hace un trabajo magnífico que los apoya en todas partes, manejando los ritmos complejos de manera impecable y elegante. Nuevamente Chęcki parece ser el más impresionante solista en este álbum, pero sus colegas son todos músicos con talento y, con el tiempo, seguramente van a engrosar las filas de los músicos top del jazz polaco..

Este es, sin duda, un debut impresionante, que merece elogio y apoyo y como siempre me pregunto cómo estos jóvenes son capaces de producir música bien desarrollada y de tal madurez. Muy bien hecho!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://polish-jazz.blogspot.com.ar/2015/07/algorhythm-segments-2015.html

Track Listing – Segments

01. Procoptodon (5:53)
02. Segment IV (10:09)
03. Bolero (7:08)
04. Song for Bilbo (12:25)
05. Sorry for the Delay (6:43)
06. Segment III (9:02)
07. Deep Dive Narcosis (5:17)

Artist List

Emil Miszk: trumpet
Piotr Chęcki: saxophone
Szymon Burnos: piano
Krzysztof Słomkowski: double bass
Sławek Koryzno: drums

tapa Mandala
Mandala (2017)

Este es el segundo álbum del quinteto de jazz polaco Algorhythm, que presenta la misma formación de su primer disco. El álbum presenta once composiciones originales, tres de Miszk, tres de Burnos, dos coescritas por ambos y tres cortas piezas no acreditadas.

La música de este álbum es un significativo paso adelante en comparación con lo que el quinteto ofreció en su ya bastante excelente debut. Es mucho más complejo, diverso y ambicioso e incluye muchas vueltas y revueltas, capas polirrítmicas, métricas impares y dinámica multifacética dentro de cada composición. También están presentes algunas influencias de world music. Por lo tanto, nuevamente en comparación con su “straight ahead” álbum, este es un nuevo juego.

Las actuaciones son también más enérgicas y centradas, con toda la tripulación tomando parte en las actuaciones, contribuyendo y apoyándose mutuamente con firmeza. El trabajo en equipo en estas difíciles piezas es verdaderamente maravilloso. El sonido general del quinteto es muy contemporáneo y brilla con talento y atractivo, colocando a Algorhythm en la lista de conjuntos de jazz polaco que merecen ser observados muy de cerca y que son, sin duda, muy prometedores en su afán de superación.

Esto es jazz europeo en su mejor momento, de ruptura con talento, ideas y el coraje para explorar, antes que imitar, que es lo que la gran música trata. Me hace muy feliz ver al quinteto realizar ese paso de gigante y espero poder verlos pronto en el escenario. Mientras tanto, me saco el sombrero!!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://polish-jazz.blogspot.com.ar/2017/04/algorhythm-mandala-2017.html

Track Listing – Mandala

01. Mandala (Intro) (1:52)
02. Taco Taco (7:06)
03. Friendship (6:09)
04. VJ (5:07)
05. Kenef (1:35)
06. Mandala (3:09)
07. Ribbons (5:18)
08. Alpaca Dream (8:30)
09. Ambrosia (3:15)
10. Oizde (1:33)
11. Jasmine Vines (6:14)

Artist List

Emil Miszk: trumpet
Piotr Chęcki: tenor saxophone
Simon Burnos: piano
Krzysztof Słomkowski: double bass
Sławek Koryzno: drums

Apunte: En mi actividad habitual de curiosear diversas páginas web del mundo especializadas en jazz y otras músicas alternativas con el objetivo de saber que es lo que pasa allá afuera y ahora con el desarrollo musical, unos de mis sites preferidos es el especializado en jazz de origen polaco de los críticos y activistas musicales Maciej Nowotny, Adam Baruch y Tomasz Łuczak. Me llamó la atención que allí se destacaba como álbum del mes de Abril de 2017 a Mandala, el segundo disco del Quinteto Algorhythm, hasta entonces desconocido para mi; la combinación “nuevo grupo/disco recomendado” me resulta irresistible de comprobar, acto seguido me dije “si hay un segundo álbum, hubo un primero”, por lo que decidí comenzar por el principio. Por suerte encontré ambas obras y para no extenderme, debo decir simplemente que tanto Segments como Mandala pertenecen a esa clase de obras que si bien no revolucionaran el mundo de la música, son honestas, están bien compuestas, suenan globalmente bien organizadas y están muy bien tocadas, demostrando un alto grado de confianza en lo creado y lo que es finalmente más importante, logran que la audiencia sea por demás placentera. Altamente recomendable.

Password en ambos casos: presoventanilla



Francis Drake
julio 9, 2017, 8:24 pm
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Stories (2011)

Francis Drake es el nombre del trio formado por los músicos Max Frankl (guitarras clásica, acústica y eléctrica), Max von Mosch (saxofones tenor y soprano, clarinete) y Henning Sieverts (contrabajo y violonchelo). En Stories, han creado un ambiente de intermitentes arrestos agudos de sonido en un entorno tranquilo. Como el canto de los pájaros silvestres justo antes del amanecer, Mosch pone los gritos de sus vientos en la oscuridad, mientras la guitarra de Frankl es un flash de movimientos vistos entre los árboles y arbustos cercanos. Sieverts es la oscuridad, especialmente cuando pone las gruesas líneas del violonchelo sobre el sonido de todo lo demás.

Probablemente gustarán de esto los admiradores de las modernas grabaciones de ECM, así como admiradores del álbum “Ellipse” de Christophe Pays. Por el sello Doble Moon, cincuenta y dos minutos de trío de jazz moderno. Jazz de Alemania.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-recapping-the-best-of-2011-part-1/

Apunte: Stories es un disco de relajada libertad en sus improvisaciones y también muy democrático en la conformación del ensamble, ya que sus músicos comparten el primer plano en los distintos temas y aún dentro de un mismo tema. La música va del folk minimalista a sutiles disonancias, con el foco, como ya se sugiere desde los nombres del grupo y del disco, en la narración conjunta de historias improvisadas. Un bello viaje para apreciar sonidos, ritmos y melodías.

Track Listing

01. North End (5:34)
02. Der Panther I (5:09)
03. Der Panther II (4:18)
04. Der Panther III (3:20)
05. A Walk In The Woods (3:10)
06. Schnee (5:26)
07. Adieu Montreal (6:34)
08. Interlude (3:52)
09. Cien Años De Soledad (6:18)
10. Sum Sumus Mu (1:58)
11. Endlos (6:13)

Artist List

Henning Sieverts: acoustic bass, cello
Max Frankl: classical guitar, acoustic guitar, electric guitar
Max von Mosch: tenor saxophone, soprano saxophone, clarinet

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