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Bardoscia – Alborada – Marcotulli

tapa Trigono
Trigono (2016)

Elegante trabajo entre el jazz y la clásica, Trigono remite en el título a la atípica formación, que podríamos definir como un “trío plural”, dado que los protagonistas son Marco Bardoscia, Rita Marcotulli y, como tercer vèrtice, el cuarteto de arcos Alborada.

El programa propuesto es cautivador, con músicas más originales siempre de inmediato atractivo, gracias al lirismo de los temas. Así como es muy apreciable la ejecución de todos los protagonistas, con los cuatro de Alborada siempre en primer plano de una textura dentro de la cual Marcotulli interviene a veces como soporte, otras improvisando en el género con modalidades que la caracterizan en aquellos contextos un poco “crossroad” en los cuales ha escrito importantes páginas en el pasado (The Woman Next Door, Koiné).

Sin embargo – y también a pesar de algunos momentos refinadísimos, como por ejemplo la única pieza firmada por la pianista, “Rappresenta” y de la estructura original y compleja – el trabajo despertaría quizás poca atención de un oyente de extracción jazzera si no fuera por algunos pasajes de la misma Marcotulli – el comienzo de “Mr. Hopkins” o el desarrollo de “ELM”, de Richie Beirach, para dar algunos ejemplos – y, sobre todo, de las frecuentes intervenciones de Bardoscia -autor de casi la mitad de las piezas- el cual da muestra en varias ocasiones de sus cualidades de instrumentista ofreciendo solos cantables de gran atractivo y acompañando con un sonido profundo y expresivo, resultando así un poco el protagonista del trabajo.

Para señalar la excelente aportación de Maria Pia De Vito, huésped en “I’m a Dreamer”, las dos ocasiones -en la apertura y cierre de álbum- del sagrado himno “Abide With Me” y -como cumbre de un trabajo de todos modos excelente- “Ninna Nanna per la piccola Sara”, de Barcoscia, conmovedor pasaje en que todos los protagonistas tienen la oportunidad de dar lo mejor de sí.

Neri Pollastri para https://www.allaboutjazz.com/trigono-marco-bardoscia-tuk-music-review-by-neri-pollastri.php

Apunte: Trigono no es una joya absoluta, pero tiene un alto contenido de belleza y poesía conmovedora; sus buenas intenciones, curan. Y eso ya es fabuloso.

Track Listing

01. Abide With Me • Take One (1:10)
02. Inside (4:24)
03. Rappresenta (4:42)
04. Andrea’s Milonga (3:59)
05. Mr. Hopkins (3:19)
06. Farfalla | Peace (7:06)
07. I’m A Dreamer (4:31)
08. Elm (5:51)
09. Ninna Nanna Per La Piccola Sara (5:25)
10. My Head (4:10)
11. J’adore La Pluie (4:07)
12. L’attesa (3:51)
13. Abide With Me • Take Two (3:16)

Musicisti

Marco Bardoscia: contrabbasso
Rita Marcotulli: pianoforte
Quartetto Alborada:
Anton Berovski: violino
Sonia Peana: violino
Nico Ciricugno: viola
Piero Salvatori: violoncello
Ospiti:
Maria Pia De Vito: voce
Paolo Fresu: pianoforte
Nguyen Le: chitarra elettrica

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Laurent Stoutzer
agosto 27, 2017, 9:57 pm
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tapa Praxis
Praxis (2008)

Praxis: puesta en práctica de conceptos teóricos… Con este cuarteto, el guitarrista Laurent Stoutzer, pedagogo muy comprometido con la enseñanza del jazz en Estrasburgo y en el Bajo Rhin, presenta un interesante enfoque de las combinaciones posibles en la puesta en juego de un cuarteto.

Se percibe en este ex jugador de hockey una ciencia de las estrategias y las combinaciones en el arte de la composición. Pero, para ir al objetivo, es necesario un equipo de alto nivel !

Con Benjamin Moussay, pianista culto, sensible y muy abierto, dispone de un sólido apoyo armónico y creativo (“Stygmates”, “Nùstar”). Es el posicionamiento del contrabajo que aporta a este cuarteto un toque original. Arnaud Cuisinier tiene un juego preciso tanto pizzicato como con el arco, tanto solista como de acompañante (en “Ishima Iwa”, por ejemplo). Baterista atento y eficaz, Luc Isenmann se muestra muy particularmente en el diálogo guitarra/batería de “Duo”: un golpe seco de colores rock sobre la guitarra saturada, el juego sutil de platillos sobre las fases vaporosas del final…

Praxis pone en valor un fino guitarrista, con un rico bagaje musical, pero nunca demostrativo. Es por ello que este cuarteto funciona como un verdadero grupo favoreciendo el equilibrio de las voces en una música variada.

Fuente para la reseña: Thierry Giard para http://www.culturejazz.fr/spip.php?article722

Apunte: Debut en MQC/PV del guitarrista y ex jugador de hockey Laurent Stoutzer. Stoutzer utiliza todos los medios de escritura posibles, desde la música antigua, a la música contemporánea e improvisada, la energía del rock y el jazz más vanguardista. Praxis es su primer disco como líder y además el nombre que tiene en la actualidad su grupo. La audiencia de Praxis por momentos puede resultar no sencilla, justamente por todo aquello que pone en juego Stoutzer en la escritura, pero en la dificultad también reside lo valioso: hay alguien aquí buscando un sonido propio, queriendo decir algo distinto. Espero lo disfruten!

Track Listing

1. Phantomatic (7:05)
2. Ishima iwa (4:42)
3. Mayana (7:58)
4. Fruit défendu (7:07)
5. Stygmates (9:22)
6. Neshama (5:52)
7. Nùstar (5:41)
8. Duo (3:24)

Artist List

Laurent Stoutzer: guitare
Benjamin Moussay: piano
Arnaud Cuisinier: contrebasse
Luc Isenmann: batterie

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Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Josiah Woodson

tapa Suite Elemental
Suite Elemental (2017)

30/40 años atrás músicos talentosos como Josiah Woodson no tenían ninguna dificultad para encontrar su camino en un sello de grabación de jazz de buen tamaño y cosechar las ventajas de la máquina corporativa para la promoción, la exposición y la penetración de mercado. Era la ruta tradicional entonces. Ahora los artistas jóvenes con algo para decir tienen que tomar su destino en sus propias manos, usando el equipo ‘arrancador’ de marketing disponible vía web, en la forma de redes sociales, video streaming, el crowd funding y la blogósfera. Woodson ha tomado esta ruta para su debut y mientras que internet ha hecho el mundo más pequeño, se ha hecho no menos abarrotado, lo que significa que la exposición es todavía un reto. Su background es bastante típico para un principiante del jazz, al menos en sus primeros años. Educado formalmente en la música en Ohio y Boston, obtuvo su educación musical tocando con músicos de la talla de Branford Marsalis, Billy Hart, Gary Bartz, David Sánchez, Danilo Pérez y Marcus Belgrave. En lugar de tomar la tradicional ruta del jazz a Nueva York, Woodson se trasladó a París donde vive y trabaja, siguiendo las huellas de Sidney Bechet, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Archie Shepp y, más recientemente, Logan Richardson.

Woodson toca trompeta, flugelhorn, flauta y guitarra en este álbum, pero él no es una banda de una persona. Su grupo, Quintessentiel, incorpora su actitud cosmopolita que destaca a miembros de Martinica, Australia, EE.UU y Francia.

El álbum de 6 pistas es el telón de fondo de una narrativa explorando el camino de un príncipe como él experimenta los cuatro elementos de la naturaleza -“Air”, “Eau”, “Feu” y “Terre” en camino a convertirse en rey. Woodson describe tanto la historia y la música como “una oportunidad para despertar la imaginación tanto como sea posible, para dar al oyente la oportunidad de crear su propia realidad en su mente, para imaginar lo que está sucediendo en la historia en sus propios términos”. Por la conformación de su música alrededor de tales universales, primarios, elementos constitutivos, Woodson nos permite ponernos dentro de su visión creativa; después de todo, ¿quién de nosotros no puede imaginar las texturas y tonos que encarnan el aire que respiramos o el agua que bebemos?

Dentro de mi cabeza hay asombro, armonía, alegría, imprevisibilidad y peligro, una mezcla de energías crudas, primordiales y constantes benignas eternas, conceptos con los que puedo relacionarme dentro de la interpretación musical de Woodson.

“Air” es optimista, ligero y de sonido fresco infundido por la trompeta y una buena performance en el solo de Rhodes del invitado Lovell Bradford. “Eau” brilla con flujos y reflujos, con Woodson líder en guitarra y flauta. Imagine una rápida secuencia de movimiento con el ritmo impulsado por la corriente, con remolinos más silenciosos y charcos en el borde del agua. “Feu” es más oscuro en el tono y se abre con una promesa de amenaza antes de estallar con chispas de energía. Ricardo Izquierdo en saxo tenor añade esa sensación de aprensión. “Terre” comienza con el bajo, como supongo que debería, con otro huésped neoyorquino, Peter Giron. Originalmente concebido como el inicio del set, es la pieza más fundamentada de la suite, con un espíritu juguetón. Si le gusta esta pista, a continuación, me gustaría instarle a que vea el vídeo de Youtube que incluye la lectura de Tarani Joy Woodson. La historia llega a su fin con el “Solstice” un optimista melodía liderada por la guitarra.

Woodson ha elaborado uno de los álbumes más estimulantes y alegres como he escuchado en mucho tiempo, para mis oídos, más sugerente, entretenido y sencillamente melódico, de muchos de los artistas más importantes del firmamento del jazz actual.

Fuente para la reseña: Andy Hazell para http://ukvibe.org/album_reviews/josiah-woodson/

Apunte: Josiah Woodson, multiinstrumentista. Suite Elemental es una artesanía, en forma de disco, tan breve como gratamente sorprendente. Woodson conoce la historia y la cuenta junto a un elenco multicultural con un lenguaje aggiornado a estos tiempos. Para combatir con arte a los que quieren aislarnos unos de otros.

Track Listing

1. Air (7:54)
2. Eau (8:34)
3. Feu (9:16)
4. Terre (9:06)
5. Solstice (8:49)
6. [rep]Rise (1:30)

Artist List

Josiah Woodson: composition, trumpet, flugelhorn, guitar, flute
Ricardo Izquierdo: tenor sax
Daniel Gassin: piano
Zacharie Abraham: upright bass
Laurent-Emmanuel “Tilo” Bertholo: drums
Special Guests
Lovell Bradford: Rhodes
Peter Giron: upright bass
Ralph Lavital: guitar
Philippe Makaia: gwo ka

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Josh Moshier / Mike Lebrun
agosto 19, 2017, 9:03 pm
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tapa Joy Not Jaded
Joy Not Jaded (2009)

Los millennials están aquí.

El tecladista Josh Moshier y el saxofonista Michael Lebrun, un par de artistas de jazz establecidos en Chicago, nacidos en los 80, investigan profundamente en el mundo del jazz con Joy Not Jaded. En este set fino y de alta energía, la pareja y su banda trabajan un sonido de inclinación moderna que sigue fiel a la tradición post-bop.

El set de todo el material original -cinco melodías de la pluma de Moshier, seis de Lebrun- abre con “King’s Road” de Moshier, inspirado por paseos nocturnos sobre autopistas de Los Angeles (la noche es el único momento en que cualquier impulso puede lograrse allí). Una figura rítmica de piano repetida de cinco notas introduce el sonido que se enrolla en un groove de suave fluir apoyando el tono redondo del saxo tenor de Lebrun. “Avocado Soul”, (vaya figura en el título), mientras tanto, es un escaparate de la capacidad de la banda con una balada maravillosamente reflexiva.

Un compañero de Chicago, el guitarrista John Moulder, se une al grupo básico en “Jambo” (palabra swahili que significa “hola!”), formando una vibración de baile de conjunto exuberante y optimista que da paso a una vuelta introspectiva del saxofón. “Eleven Toe Waggle” destaca a la banda en su momento más funky, con el teclado eléctrico de Moshier que cambia de brillante a sucio. Llámelo brillando grunge.

“Known Unknowns” aligera el estado de ánimo, en una adorable melodía cadenciosa, ofreciendo, de nuevo, la limpieza, el tono exacto de la guitarra de John Moulder.

Joy Not Jaded, registrado en 2009, dice que la supuesta generación Millennial, a la cual Moshier y Lebrun pertenecen, está aquí. El futuro del jazz está vivo y bien en las manos de esta generación.

Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/joy-not-jaded-josh-moshier-oa2-records-review-by-dan-mcclenaghan.php

Apunte: Meses llevo escuchando este disco. Y no me agota. Si bien es un territorio musical bastante tradicional, el swing y la energía positiva que tiene Joy Not Jaded te lleva a pasear por donde quieras. La banda es un relojito y además cuenta con el siempre bienvenido John Moulder, aportando su talento y apadrinando musicalmente a los jóvenes Josh Moshier y Mike Lebrun. No se puede pedir mucho más. Disfrutad sin ataduras!!

Track Listing

01. King’s Road (6:35)
02. Jambo 6:16
03. Saturnine 5:06
04. The Second Handers (6:41)
05. Eleven Toe Waggle (7:10)
06. Avocado Soul (4:22)
07. Finally Done Still Frustrated (6:01)
08. Known Uknowns (7:06)
09. Sleepwalking (6:59)
10. Misfortunately Pleasant (5:27)
11. Who Shall Excel Them (8:06)

Artist List

Mike Lebrun: tenor saxophone
Josh Moshier: piano, Rhodes, Wurlitzer
Robert Meier: double-bass
Max Krucoff: drums
John Moulder: guitar (2-4, 8).

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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