Preso ventanilla


Greg Ward

tapa South Side Story
Greg Ward’s Fitted Shards

South Side Story (2010)

Como muchos músicos, el saxofonista/compositor de Chicago, Greg Ward (ahora establecido en New York) compatibiliza múltiples actividades: trabajando con nombres desde Al Jarreau a Von Freeman; grabando proyectos diversos con Mike Reed’s People, Places, and Things o con el artista electrónico Guillermo Scott Herren aka Prefuse 73; y aún conduciendo una orquesta para el artista de hip hop Lupe Fiasco. En este entorno cambiante, sería fácil perder la identidad, pero su brillantemente concebido y excepcionalmente ejecutado debut, South Side Story, demuestra lo contrario, revelando que Ward consiguió su propia magia.

La potente banda de Ward y su poderosa música son los frutos de un artista bastante enfocado buscando su propia voz, tanto que Ward declara en las liner notes del CD, “sentí que este álbum fue la manera más concisa para transmitir mi historia”. Esta música que se desarrolla es fresca, decisiva, y penetrante, recuerda en tono a cualquier número de realizaciones progresivas actuales, pero suena como nada más que la visión singularmente audaz de Ward.

La fortaleza de la música desecha cualquier noción de tentativa de encajar en un nicho; las Influencias de Ward abarcan una plétora de ideas y texturas, con clara composición e hirviente improvisación. Comenzando con “Segue”, un torbellino que arranca como una galáctica ópera rock, cambiando a un groove melódico con una infecciosa armonía de saxo/órgano.

A continuación, las pistas se desarrollan como capítulos de un libro, con inesperados y emocionantes eventos que acechan a la vuelta de cada esquina. El pulso de latido del corazón de “All In”; contiene un exuberante manto proporcionado por los coloridos sintetizadores de Ward, así como una sección donde Kirchner proporciona la exótica percusión. El contemplativo “Castle of Ice” es como la calma antes de la tormenta “Step Forward´s”, con su regeneración de distorsión y granulados tonos de órgano, así como los dardos de saxofón de Ward entre los cambios.

Las dos pistas más largas son poderosas afirmaciones de las intenciones de Ward. La pista del título, de once minutos y medio, comienza con callados susurros de los instrumentos. Creciendo en el impulso, se transforma en un potente spot para el piano solista de Rob Clearfield. Luego Ward se une a la refriega, y las dos voces líderes suben hasta las nubes. “Fitted Shards” es su contraparte -no sólo en longitud, sino también en creatividad- los temas disparan como fragmentos destrozados, así como Ward confirma, “la canción es acerca de los quebrantos, trozos rotos de todo lo que soy”. El grupo trae juntos perfectamente, como sólo músicos consumados pueden- una pieza que se mueve a través de intrincados canales con los sonidos de los salvajes teclados de Clearfiled, el enfurecido alto de Ward, y una conclusión que es tanto sublime como espiritual.

Incisivo y cerebral, el debut de Ward es tan cortante como el nombre de su grupo.

Fuente para la reseña: Mark Turner para https://www.allaboutjazz.com/south-side-story-nineteen-eight-records-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – South Side Story

1. Segue (2:54)
2. All In (6:54)
3. Castle of Ice (2:43)
4. Step Forward (8:46)
5. Instructions (2:08)
6. South Side Story (11:27)
7. Like Mozart (7:04)
8. University of Opportunity (6:45)
9. Fitted Shards (12:26)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone; composition
Rob Clearfield: keyboards, piano, synth
Jeff Greene: upright and electric bass
Quin Kirchner: drums, percussion

tapa Phonic Juggernaut
Greg Ward’s Phonic Juggernaut

Phonic Juggernaut (2011)

El trío Phonic Juggernaut de Greg Ward puede ser fuerte, también puede ser rápido, pero nunca puede ser descrito como fuera de control. El saxofonista de veinte y algo toma la alineación de jazz moderno saxofón/bajo/batería y adhiere a las tradiciones de jazz, no como un acto regresivo, sino como el avance de un sonido inteligente e innovador..

Este natural de Chicago convertido en neoyorquino puede ser escuchados con el baterista Charles Rumback y Mike Reed’s People, Places, and Things, así como con el conjunto electrónico Prefuse 73. Su lanzamiento inicial como líder, “South Side Story” (Nineteen Eight, 2010), fue una sesión en cuarteto, pero también incursiona en la escritura para conjuntos de cámara, orquestas y ballet.

Así como el baterista Tony Williams una vez propulsó a Miles Davis de su sonido de los años ’50 al jazz/rock de los años ’60, el baterista Damion Reid catapulta el sonido aquí, acortando el jazz con modernos beats. Reid, que también ocupa la silla del baterista en las bandas de los saxofonistas Steve Lehman y Rudresh Mahanthappa, empareja la energía de Ward golpe-por-golpe, paseando el sonido en todas partes; en su agitado dinamismo está la chispa constante aquí.

El disco se abre con el atronador “Above Ground”; un entrenamiento pesado que tiene un momento de pausa para el solo del bajista Joe Sanders. Ward toca con ferocidad, acompañado en todo momento por Sanders y Reid, y con una intensidad de sonido que recuerda los trabajos de finales de los ’80 de los saxofonistas Steve Coleman y Greg Osby.

Pero esto no es solo una versión trío de DIY hardcore rock. Los arreglos de Ward incluyen el ágil y pulido “Velvet Lounge Shut-In”, un vehículo para el bajo de Sanders para llevar la melodía, con algún hábil trabajo de tom-tom y platillo de Reid, mientras las progresivas capas de “This Ain’t In Book 3” comienza con el bajo inclinado y el amable saxofón, construyendo sobre el agresivo tamborileo una pared impenetrable de sonido.

La pieza de cierre, “Sectionate City”, es la única no escrita por Ward. La composición de Andrew Bird se convierte en una pieza de música electrónica, con el trío haciendo un jazz fusión un tanto lavado, pero mezclando elementos bajo un paraguas de jazz y haciéndolo de manera honesta.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para https://www.allaboutjazz.com/phonic-juggernaut-greg-ward-thirsty-ear-recordings-review-by-mark-corroto.php

Track listing – Phonic Juggernaut

1. Above Ground (11:24)
2. Leanin’ In (9:50)
3. Velvet Lounge Shut-In (11:12)
4. Phonic Juggernaut (8:42)
5. This Ain’t In Book 3 (7:09)
6. U.S. 4 (6:09)
7. Sectionate City (6:18)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone
Joe Sanders: bass
Damion Reid: drums

tapa Touch My Beloved's Thought
Greg Ward & 10 Tongues

Touch My Beloved’s Thought (2016)

Touch My Beloved’s Thought es una empresa audaz que se inspira en el drama, la pasión, y la presentación de la grabación de 1963 de Charles Mingus, Black Saint and Sinner Lady. El saxofonista de Chicago, Greg Ward, normalmente se inclina hacia la vanguardia del jazz moderno, con acercamientos al clásico hard bop y al free jazz, pero en Touch My Beloved’s Thought fue mucho más allá, creando una deslumbrante banda de sonido para un grupo compuesto por diez colegas de confianza.

La inspiración vino en forma de una comisión para honrar la obra maestra de de Mingus, y desde esto, la pieza fue desarrollada, como el original, con un acompañamiento de una producción de danza (coreografiada por Onye Ozuzu). La performance resultante, la única desde la cual esta grabación fue hecha, se estrenó en el Constellation de Chicago en Agosto de 2015.

Volver al álbum de Mingus seguramente enriquece la experiencia de audición, pero no es necesario, como Ward explica, la conexión a la pieza de Mingus fue más de inspiración y continuación en lugar de una reescritura. El compositor tomó fragmentos, intros, detuvo intervalos, y momentos fugaces como saltando de puntos para crear algo único. Incluso el título remite al subtítulo del original.

Arrancando con ‘Amanecer’, una secuencia de acordes tocados por los saxos atrae, como el oyente es atraído por las capas de la fanfarria de apertura. Enseguida la composición es sorprendente, especialmente cuando el tema es refundado una y otra vez, ganando en profundidad y peso. El solo de saxofón a la marca de 4 minutos es un delicioso descanso, especialmente contra el rico acompañamiento. La apertura realmente establece la escena -el siguiente ‘Singular Serenade’ rompe el gran sonido en un escenario más íntimo, impulsada por el piano y empapado en el blues. Hay una familiaridad vagamente fastidiosa a la melodía.

En ‘With All Sorrow, Sing a Song of Jubilee’, una balada, introducida por el piano, alberga un extendido solo de trombón que vuelve a un viejo estilo de jazz, pero lo suficientemente fresco como para subrayar cómo la buena música es atemporal. El siguiente ‘Grit’ es un perfecto encapsulamiento de una figura rítmica de Mingus, audaz y alegre, y algo para agarrar. Finalmente, escuchemos juntos al arreglo increíble de trompeta en ‘Round 3 ‘ -esto es una fantasía de cobre digna de perderse en ella. Pisa muy fuerte y grita y una línea de bajo tan suntuosa le hará llorar.

En Touch My Beloved’s Thought, temerarias voces y cambios sutiles trabajan de la mano con chisporroteantes solos y el enérgico labor del ensamble para traer este homenaje vivo.

En esta época conectada, cuando toda la música está disponible en cualquier momento y en cualquier lugar, y lo rico desde donde inspirarse siempre está fluyendo, se puede hacer una mirada retrospectiva pero hay que seguir avanzando. Es genial escuchar una obra que se creó en 2016 y apoyaría cualquier argumento sobre la vitalidad del jazz de hoy.

Fuente para la reseña: Paul Acquaro para http://www.freejazzblog.org/2016/10/greg-ward-10-tongues-touch-my-beloveds.html

Track Listing – Touch My Beloved’s Thought

1. Daybreak (6:48)
2. Singular Serande (4:02)
3. The Menacing Lean (6:32)
4. Smash, Push, Pull, Crash (0:45)
5. With All Your Sorrow, Sing a Song of Jubilance (5:47)
6. Grit (3:26)
7. Round 3 (6:20)
8. Dialogue of the Black Saint (4:41)
9. Gather Round, The Revolution Is At Hand (12:34)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone, compositions
Tim Haldeman: tenor saxophone
Keefe Jackson: tenor saxophone, baritone saxophone
Ben LaMarGuy: cornet
Russ Johnson: trumpet
Norman Palm: trombone
Christopher Davis: bass trombone
Dennis Luxion: piano
Jason Roebke: bass
Marcus Evans: drums

Apunte: Descubrí a Greg Ward por intermedio de su imprescindible “Touch My Beloved’s Thought” lanzado en el año 2016 por medio del sello discográfico de Dave Douglas. Quise saber más sobre él y busqué antecedentes. Me encontré con dos discos muy distintos entre si, y a la vez distintos a “Touch My Beloved’s Thought”. Cuarteto en su debut como líder, junto a un músico que está dentro del radar de MQC/PV como es el tecladista Rob Clearfield y que claramente lo ayuda a llevar la música a un lugar de difícil encasillamiento. “South Side Story” pasea con una mirada progresiva por las fronteras del jazz. Eso fue en el año 2010. En el año 2011 se prueba con un power jazz trío, lanzando “Phonic Juggernaut”, compartiendo los reflectores con el impresionante trabajo de Damion Reid en batería. Y, finalmente, su último trabajo como líder a la fecha, el mencionado “Touch My Beloved’s Thought”, es un exquisito blend de tradición inspirado en el genio de Mingus, con la amplitud de herramientas y conocimientos musicales de un músico del siglo XXI. A mi humilde entender, Greg Ward tiene lo necesario para aportar su grano de arena a la construcción de la evolución del jazz del siglo XXI.

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Laurent Stoutzer
agosto 27, 2017, 9:57 pm
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tapa Praxis
Praxis (2008)

Praxis: puesta en práctica de conceptos teóricos… Con este cuarteto, el guitarrista Laurent Stoutzer, pedagogo muy comprometido con la enseñanza del jazz en Estrasburgo y en el Bajo Rhin, presenta un interesante enfoque de las combinaciones posibles en la puesta en juego de un cuarteto.

Se percibe en este ex jugador de hockey una ciencia de las estrategias y las combinaciones en el arte de la composición. Pero, para ir al objetivo, es necesario un equipo de alto nivel !

Con Benjamin Moussay, pianista culto, sensible y muy abierto, dispone de un sólido apoyo armónico y creativo (“Stygmates”, “Nùstar”). Es el posicionamiento del contrabajo que aporta a este cuarteto un toque original. Arnaud Cuisinier tiene un juego preciso tanto pizzicato como con el arco, tanto solista como de acompañante (en “Ishima Iwa”, por ejemplo). Baterista atento y eficaz, Luc Isenmann se muestra muy particularmente en el diálogo guitarra/batería de “Duo”: un golpe seco de colores rock sobre la guitarra saturada, el juego sutil de platillos sobre las fases vaporosas del final…

Praxis pone en valor un fino guitarrista, con un rico bagaje musical, pero nunca demostrativo. Es por ello que este cuarteto funciona como un verdadero grupo favoreciendo el equilibrio de las voces en una música variada.

Fuente para la reseña: Thierry Giard para http://www.culturejazz.fr/spip.php?article722

Apunte: Debut en MQC/PV del guitarrista y ex jugador de hockey Laurent Stoutzer. Stoutzer utiliza todos los medios de escritura posibles, desde la música antigua, a la música contemporánea e improvisada, la energía del rock y el jazz más vanguardista. Praxis es su primer disco como líder y además el nombre que tiene en la actualidad su grupo. La audiencia de Praxis por momentos puede resultar no sencilla, justamente por todo aquello que pone en juego Stoutzer en la escritura, pero en la dificultad también reside lo valioso: hay alguien aquí buscando un sonido propio, queriendo decir algo distinto. Espero lo disfruten!

Track Listing

1. Phantomatic (7:05)
2. Ishima iwa (4:42)
3. Mayana (7:58)
4. Fruit défendu (7:07)
5. Stygmates (9:22)
6. Neshama (5:52)
7. Nùstar (5:41)
8. Duo (3:24)

Artist List

Laurent Stoutzer: guitare
Benjamin Moussay: piano
Arnaud Cuisinier: contrebasse
Luc Isenmann: batterie

Link de descarga
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Baldo Martínez Grupo

tapa No Pais dos Ananos
No Pais dos Ananos (1996)

No Pais Dos Enanos” fue el primer disco grabado por el magnifico contrabajista gallego, Baldo Martinez. El álbum confirmó con creces las buenas perspectivas que éste creativo musico de jazz de España. La prestigiosa revista española “Cuadernos de Jazz” lo consideró segundo disco de jazz del año en 1996.

Fuente para la reseña: http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=1470&Itemid=306

Lista de temas – No Pais dos Ananos

1. No Pais Dos Ananos (6:15)
2. Pinocho (7:09)
3. Doniños (7:29)
4. Balada Para Area (5:51)
5. Mar Adentro (6:51)
6. Viejo Eimer (7:23)
7. Sospeita (4:39)

Lista de Músicos

Antonio Bravo: guitarra
Chefa Alonso: saxos
Pedro López: percusión
Pierluca Pineroli: batería
Baldo Martínez: contrabajo
tapa Juego de niños
Juego de Niños (1998)

Después del impacto producido por su primer disco: “No Pais dos Ananos”, este segundo era algo así como la hora de la verdad para saber si aquel excelente trabajo iba a tener la continuidad deseada. La confirmación de que aquello no fue algo pasajero no ha podido ser más rotunda: “Juego de Niños” sitúa a Baldo Martínez entre los músicos más imaginativos y brillantes que ha dado el jazz en este país.

El contrabajista ha tenido que afrontar un cambio de personal: vuelve David Herrington, que ya había participado en la gestación de la banda, y el lugar de Chefa Alonso lo ocupa Alejandro Pérez, un sólido y curtido saxofonista de querencias “bopperianas”. Sin embargo la personalidad del grupo se impone y el sonido sigue siendo tan compacto como antes e incluso hasta gana en matices con la introducción de nuevos instrumentos. Y es que el trío que Baldo forma con su inseparable Pedro López (con su sensacional empuje que esta vez queda fielmente reflejado en la grabación) y el inquieto guitarrista Antonio Bravo (un verdadero fuera de serie y uno de los pocos por aquí que se mueve en la onda más actual de su instrumento) es la base de la que van surgiendo nuevas ideas.

El uso de la zanfoña -un instrumento medieval- en “Zona Rústica” y el tema que da título al disco, revela el interés de Baldo por las músicas de raíz popular, conectando con una de las tendencias predominantes en el jazz europeo. Pero su papel aquí no pasa de la anécdota, y lo que predomina es un estilo que se acerca a las formas abiertas y el melodismo del quinteto de Dave Holland (“Azul de Madrugada”), o incluso al carácter aventurero de los grupos de Louis Sclavis (“La Laguna”), no en vano dos de los músicos citados por Baldo entre sus preferencias.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/baldomartinez.htm

Lista de temas – Juego de Niños

1. La Chalana (9:44)
2. Extramuros (9:17)
3. Historia De Una Melodía (7:51)
4. Azul de Madrugada (5:28)
5. Zona Rústica (9:17)
6. La Laguna (10:21)
7. Juego De Niños (8:03)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
David Herrington: trompeta, fiscorno, tuba
Alejandro Pérez: saxo tenor y soprano
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusión
Nirankhar Khalsa: tabla, 2,7
Carlos Beceiro: zanfoña, 5,7
tapa Nai
Nai (2001)

El hombre siempre ha soñado con viajar. Ha soñado con conocer territorios sin explorar o que en explorados permanezcan con la virginidad propia de su creación. Paisajes de ensueño en los que vivir la aventura humana del ser. Paisajes donde la emoción se convierte en el sentimiento. Paisajes que pueden ser visuales, pero que a su vez pueden ser sonoros. Paisajes reales como inspiración creativa. Paisajes reales vivificados desde la nostalgia de la distancia. Paisajes imaginarios soñados desde la utopía de la creación artística.

Utopías, realidades, emociones, nostalgias, colores, sonidos, matices… recogidos en una propuesta musical que nace de todo ello. Y todo ello nace a su vez de unos sabios dedos que desde Madrid pulsan un contrabajo con sentimiento gallego.

Sentimientos que impulsan a un extraordinario quinteto que muestra, con el origen geográfico de sus componentes, la capacidad universal de nuestros músicos, y de los que lo son ya en sentimiento y años entre nosotros.

Un “riesgo” altamente recomendado para oídos que buscan en la música ese “algo más”. Un tercer parto musical de un músico que tras “No País nos Ananos”(1996) y “Juego de Niños”(1998), presenta con “Nai” un proyecto que por su calidad “merece” ser olvidado por quienes con nuestro dinero deciden nuestro disfrute cultural. “Nai” como continuación de una vida musical, la de Baldo, que promete paisajes sonoros de extrema belleza.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/martinez_baldo_grupo_nai.html

Lista de temas – Nai

1. O Conxuro (9:17)
2. Paisaxes Galaicas (7:49)
3. O paso do tempo (9:43)
4. Camino de Bretun (5:30)
5. De Norte a Sur (7:29)
6. Los mundos de Argos (8:06)
7. Galería de recuerdos (6:17)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Alejandro Pérez: saxo tenor, soprano y clarinete bajo
David Herrington: trompeta y tuba
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusiones acústicas y eléctricas
tapa Tusitala
Tusitala (2005)

La poesía da sentido a su música ó la música da sentido a su poesía: ambas disciplinas definen su obra.

Elaboración, sentimiento y magia. Cada instrumento, cada músico en su momento, ni más ni menos, en su justa medida. El combo como uno, cada uno como el todo, excelentes instrumentistas narran sus historias.*

Deja caer el láser donde quieras, este disco destila oro puro.

Juego de arcos del contrabajo y violín, percusión como palmas y,”flamenco cósmico”, en El Mundo de los Papalagi.

Monólogo de contrabajo, réplica de violín (sin arco), diálogo a tres con trompeta. Discrepa, se queja con fuerza la guitarra (A.Bravo, ¡para cuando un disco a tu nombre!); se impone el violín, algo tiene de decir la trompeta (sutil, fresca e infinita), siempre presente la batería marcando el paso y llenando espacios en este juego sin fin. Susurro.

Gotas de esencia de lluvia, azul turquesa de profundas brumas marinas.”Pasajes de alteraciones conciénciales”. “Paisajes profundos en el fondo de tu mente”; nos ofrece en Octubre (Otoño en Galicia).

Eduardo Ortega, sueño de Lucifer, endiablado violinista que interpreta como los ángeles, en Desde los Godos y Danza Final.

“Los fiordos son gallegos, las rías son noruegas”; aires de “tango europeo” en Tusitala.

Esta obra abre sus labios para los oídos capaces de escuchar. Esta es tu obra maestra para todos. No olvides dejar de brillar, pero no brilles todo lo que puedas, pues la estrella que mucho brilla pronto agota su luz.

*Tusitala: significa, El narrador de historias

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/discos/2005_05_breves.htm

Lista de temas – Tusitala

1. El Mundo De Los Papalagi (5:23)
2. Susurro (7:02)
3. Desde Los Godos (5:46)
4. Octubre, Otoño en Galicia (10:01)
5. Tusitala (5:16)
6. Danza Final (7:08)
7. Desenfreno (9:32)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Pedro López: batería, percusión
Antonio Bravo: guitarra
David Herrington: trompeta
Eduardo Ortega: violín
tapa Vientos cruzados
Vientos cruzados (2016)

Han pasado ya veinte años desde que el Baldo Martínez Grupo nos sorprendiera gratamente con aquel No país dos Ananos (1996), al que luego le siguieron trabajos como Juego de Niños (1998), Nai (2001) o Tusitala (2005). Ahora –tras diferentes presentaciones en directo con este repertorio– la renovada formación liderada por el contrabajista llega con Vientos Cruzados, registrado en mayo de este año en Madrid y distribuido, una vez más, por Karonte.

Con este álbum, Baldo Martínez, continúa explorando la posibilidades de un jazz europeo rico en improvisaciones, libre y alejado de las raíces negras que caracterizan al jazz estadounidense. «Vientos Cruzados es el resultado de todas mis experiencias musicales, sobre todo las vividas en estos últimos años –comentó el músico gallego en declaraciones a Diariofolk–. En este tiempo he compartido proyectos con estéticas muy distintas y sobre todo han sido experiencias muy enriquecedoras, como las que he tenido con el Iberia Trío de Joachim Khün y otros tríos tan diversos como Triez, MBM o ¡Zas!, o proyectos más basados en la música de raíz como Sons-Nús o el Projecto Miño. Haciendo balance de todo ello, de la búsqueda continuada, la improvisación y el riesgo que todo ello supone, pienso que esos motores que mueven mi música están reflejados en este nuevo trabajo, no de una manera premeditada sino como resultado de lo que uno aprende mientras va haciendo».

Con respecto a los músicos que han participado en este disco, Baldo nos dice «no los he pensado por su instrumento, que también, sino sobre todo por lo que aportan con su personalidad y su musicalidad. Pedro López y David Herrington llevan tiempo apoyando y haciendo crecer mi música y diría que forman una parte imprescindible de ella. Juan Saiz, flautista y saxofonista, es un músico joven muy inquieto que aporta libertad, frescura y otro punto de vista a la hora de hacer música».

Vientos cruzados, cuyo título está inspirado en unos versos de José Hierro, ofrece siete cortes que se mueven aproximadamente entre los cinco y los doce minutos de duración, todos ellos compuestos por Baldo Martínez.

Reseña de http://www.diariofolk.com/noticia/baldo-martinez-este-disco-es-el-resultado-de-todas-mis-experiencias-musicales/

Lista de temas – Vientos cruzados

1. Abismo (7:03)
2. Ruta (7:02)
3. Vientos Cruzados (12:04)
4. Sombra (7:13)
5. Como el Mar (4:55)
6. Ao redor do Mundo (7:32)
7. El amante del riesgo (5:52)

Lista de Músicos

David Herrington: trompeta y fliscorno
Juan Saiz: flauta y saxo tenor
Pedro López: batería
Baldo Martínez: contrabajo

Todas las composiciones de Baldo Martínez

Apunte: En primer lugar decir que la única referencia en MQC/PV a Baldo Martínez es la relacionada con el posteo, allá por Julio de 2013, del disco MBM Trio, junto al guitarrista Antonio Bravo y la baterista Lucía Martínez. En segundo lugar, admito que ha sido un error no seguir investigando la música del contrabajista gallego de Ferrol. Pero bueno, nunca es tarde, cuando la música es de alto nivel y atemporal como la de Martínez. Baldo Martínez ha participado en múltiples proyectos con importantes músicos de la escena europea más vanguardista como son Carlos Actis Dato, Dominique Pifarely, Samuel Blaser, Ramón López o Joachim Kuhn, por mencionar algunos. Aquí el foco está puesto en los discos a nombre de su grupo, los cuales sorprenden por su originalidad, la excelencia de los músicos participantes y el talento para desarrollar un lenguaje propio que suma formas folklóricas, música contemporánea y las vertientes actuales del jazz, dando como resultado una propuesta sonora bien equilibrada y homogénea, sin rastros de costuras. Para escuchar atentamente. Altamente recomendable!.

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Ernst Reijseger with Mola Sylla and Serigne C.M. Gueye
diciembre 24, 2016, 7:31 pm
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Janna (2003)

Janna es la grabación en la cual el extraordinario violoncelista e improvisador Ernst Reijseger colabora con el poeta e instrumentista senegalés Mola Sylla y el percusionista Serigne C.M. Gueye sobre un programa de canciones y poesía que borra las fronteras entre tradiciones europeas y africanas y crean algo completamente nuevo desde las ruinas. Esto sólo puede lograrse si cada miembro de este trío trae consigo la totalidad de su herencia musical a la mesa y lo coloca allí para ser oído, pillado, reformado, y moldeado por el fuego de la creación. Desde la apertura “Jangelma”, una canción/poema que ofrece una cáustica visión de la educación de los africanos francófonos, la voz de Sylla, entonando sus palabras tan deliberadamente y suavemente al principio, es completamente poseída por la emotividad creciente del toque de Reijseger y comienza a gritar su rabia y dolor. Esto es bruscamente contrastado con “Baba”, un himno percusivo de gratitud, donde canción, baile, e improvisación son entrelazados. La interacción entre instrumentos de percusión y el violoncelo en “Sang Xale Man” (“Cover Me Up”) es de otro mundo en su articulación como alma musical tan arraigada en la antigüedad es imposible creer que es una moderna composición/improvisación. Cada pieza está bastante extendida. Hay sólo ocho selecciones aquí, sumando casi un total de 70 minutos. Texturas, dinámicas y tonos son las inquietudes musicales que transmiten estas hermosas canciones, poemas e historias sin el compromiso o el respeto para la ceremonia. Esta es profundamente, maravillosamente, emocionalmente dada, música exploratoria que no puede ser clasificada, gracias a Dios.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/janna-mw0000035163

Track Listing

1. Jangelma [Mola Sylla] (12:42)
2. Baba [Mola Sylla] (6:42)
3. Sàng Xale Man [Mola Sylla, Traditional] (7:19)
4. Noon [Mola Sylla] (7:13)
5. Fier [Mola Sylla] (7:00)
6. Njaarelu Adiye [Mola Sylla] (8:32)
7. Doxandéem [Mola Sylla, Arrg. Mola Sylla, Serigne C.M. Gueye] (9:22)
8. Sicroula [Mola Sylla] (8:29)

Artist List

Ernst Reijseger: cello, percussion
Mola Sylla: vocals, nose flute, mbira, kongoma, xalam, bejjen
Serigne C.M. Gueye: soruba, djembe, bougarbou, leget

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Francesco Turrisi

¿Quién es Francesco Turrisi?

Francisco Turrisi ha sido definido por la prensa como un “alquimista musical” y un “políglota musical”, por la variedad de sus influencias y experiencias musicales. En 2015 acompañó a Bobby McFerrin para una gira por Italia, ha tocado la música de Steve Reich con el grupo avantgarde de Nueva York “Bang on a Can”, ha tocado con el bajista Barry Guy y la cantante griega Savina Yannatou y ha participado en mas de veinte conciertos con el grupo de música antigua “L’Arpeggiata” junto a Gianluigi Trovesi, (entre ellos en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Koln Philharmonie etc…)

Ha dejado su nativa Italia en 1997 para estudiar piano jazz y música antigua en el prestigioso Conservatorio Real de La Haya, donde obtuvo un BA y MA. Desde 2004 colabora con el grupo de música antigua L’Arpeggiata, con el que tocó en los festivales mas importantes en Europa y en el mundo (China, Turquía, Colombia, Rusia etc…). Colabora regularmente con la cantante italiana tradicional Lucilla Galeazzi, con los grupos irlandeses Yurodny (jazz contemporáneo con influencias balcánicas), Gregory Walkers (música antigua) Crash Ensemble y Resound (música contemporánea). Francisco también es líder de “Taquin”, un ensemble que experimenta intentando acercar los mundos del jazz contemporáneo, la música antigua y la música mediterránea. Y también fundador de Tarab (ensamble que crea un puente imaginario entre música tradicional irlandesa y mediterránea) y de Zahr (que busca lazos entre la música árabe e italiana).

Ha registrado 4 albumes como líder y 2 como co-líder para su sello Taquin Records y para el sello irlandés Diatribe Records
Su último álbum “Grigio” tiene como invitados a la cantante tradicional irlandesa Roisin El Safty, la cantante de música antigua catalana Clara Sanabras y el virtuoso de tambores Zohar Fresco.

Ha tocado, colaborado y registrado con artistas del mundo del jazz, música clásica, música antigua y world music, entre ellos:
Bobby McFerrin, Dave Liebman, Gianluigi Trovesi, Nils Landgren, Wolfgang Muthspiel, Barry Guy, Gabriele Mirabassi, Savina Yannatou, Maria Pia de Vito, Theodosii Spassov, Gavin Bryars, Bang on a Can, Misia, The King’s Singers, Veronique Gens, Philippe Jaroussky, Pepe el Habichuela, Lucilla Galeazzi, Bijan Chemirani

Fuente para la biografía: http://www.francescoturrisi.com/biografia/

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Si Dolce E Il Tormento (2009)

El nacido en Turín, Francesco Turrisi ha sido algo de un soplo de aire fresco en la escena de la música irlandesa desde su llegada a la isla esmeralda en 2006. En poco tiempo se ha ganado una reputación como un excelente pianista de jazz, percusionista y acordeonista; una voz original. Él puede ser encontrado tocando en el efervescente balcánico-condimentado Yurodny, o en Zahr, un grupo que explora el alcance y la influencia de la música árabe, y Tarab, un grupo que mezcla la música folklórica tradicional irlandesa con una abundancia de sabores mediterráneos. Este grabación debut del trío está fuertemente influenciada por los años de Turrisi como clavecinista en L’Arpeggiata, el muy alabado ensamble musical de Christina Pluhar. Su pasión por la música de siglos pasados se entrelaza con su personalidad como pianista de jazz y el resultado es un atrapante y consistentemente hermoso trabajo.

El título del álbum se traduce como “dulce es la tormenta”; sin embargo, aparte de un asalto sobre las teclas a lo Cecil Taylor, la música es en su mayor parte dulcemente seductora y balsámica, con una corriente de melancolía uniendo las piezas. En general la sensación que genera es similar a la inducida por el estado de contemplar la lluvia caer desde la comodidad de intramuros, con el ocasional estruendo de truenos y destellos de relámpagos en la música para acelerar el pulso.

En la pista del título de tres minutos de duración, Turrisi remonta la melodía bien conocida de Claudio Monteverdi (que data de 1624), acompañado por Brendan Doyle en clarinete y Richard Sweeney en theorbo, un laúd de cuello largo que trae una elegante cortesía a esta delicada miniatura. Turrisi se aparta para perseguir unas carreras que caen cuidadosamente en cascada, dejando a Doyle llevar la melodía.

“Salve Regina “, cuyo lirismo sigue tan naturalmente al de la apertura, ve a Turrisi conducir un trío de jazz más convencional, con Dan Bodwell que proporciona el bajo profundo y terroso, y Sean Carpio que emplea sutilmente el trabajo de platillo y aro. Aunque haya insinuaciones de la influencia del primer Keith Jarrett en la voz de Turrisi de vez en cuando, parece estar más fuertemente inflluenciado por períodos musicales y moods en contraposición a estilos individuales. Esta seductora pieza, y la primera mitad igualmente encantadora de “Ciaccona”, comparten un eterno elemento folk evocador del innovador “Jazz på svenska” (Megafon, 1964), del influyente pianista sueco Jan Johansson.

Con este fin, Turrisi tiene más en común con los gustos de Johansson, Bobo Stenson, Dag Arnesen, y Stefano Bollani que Jarrett. “Ciaccona” se desarrolla en un ejercicio de free jazz, con las meditaciones anteriormente líricas de Turrisi disolviéndose gradualmente, virando hacia la abstracción tempestuosa. En el contexto del álbum como un todo es la tormenta del título, que perfora y ayuda a definir más claramente las islas de serenidad tanto antes como después.

Turrisi es atraído por la forma corta, y el sonido barroco de “Passacaglia”, el bonito “Lamento di Paolo e Francesca”, y “Toccata” duran apenas tres minutos cada uno. El ligeramente más largo “Canzonetta Spirituale sopra la Nanna”, de Tarquino Merula, él único otro no original del álbum, ve a Turrisi mostrar sus cartas credenciales como uno de los pianistas más interesantes en la escena contemporánea del jazz. Sea cual sea la duración de la composición, Turrisi nunca sacrifica mood por excesiva muestra de destreza técnica. Los ocasionales solos extendidos de piano son aún más atractivos debido precisamente a su racionamiento.

Asimismo, las contribuciones de Brendan Doyle en el clarinete y clarinete bajo son sucintas y conmovedoras, especialmente en la preciosa “Passamezzo Antico”, cuya melodía recurrente se prolonga largo tiempo después de que el álbum ha finalizado.Sólo en “Variazioni sopra la Follia” hace que Doyle realmente levante algún vapor, desplegando una melodía suave al principio, que construye despacio, pero constantemente a un bluseado lamento coltraneano, una impresión realzada por el raro empleo de Turrisi de acordes de mano izquierda como acompañamiento, a lo McCoy Tyner. Turrisi, Carpio y Bodwell todos solos a su turno.

Cuando Bodwell camina bajo los reflectores, arranca sonidos silenciosamente poderosos y emotivos de las cuerdas de su bajo; la claridad excepcional de producción de este CD realmente son subrayados. De hecho, la presentación entera de esta música desde la producción al embalaje comparte la clase del sello ECM, una comparación que también se siente en la música misma.

La pista de cierre del álbum es la hermosa “La Monica”, que exhibe la ágil interacción del trío. El enfoque no ocupado del bajo por parte de Bodwell y los cepillos de Carpio complementan amablemente el estilo elegíaco, suelto de Turrisi y las tempranas melodías europeas/italianas.

En la combinación de los sonidos de Italia de hace siglos con un enfoque más moderno para el piano, Turrisi está, en cierto modo, describiendo los pasos de una rama del jazz, porque sin la influencia clásica europea mucho de lo que llegó a ser conocido como el jazz nunca habría llegado a pasar. El éxito de la música radica en el hecho de que suena familiar y totalmente fresca al mismo tiempo. Esto es una pequeña gema de un álbum, y Francesco Turrisi es claramente un nombre para seguir mirando.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/francesco-turrisi-si-dolce-e-il-tormento-by-ian-patterson.php–

Track Listing – Si Dolce E Il Tormento

01. Si Dolce è il Tormento (2:32)
02. Salve Regina (3:11)
03. Passacaglia (4:38)
04. Ciaccona (6:27)
05. Lamento di Paolo e Francesca (3:15)
06. Canzonetta Spirituale sopra la Nanna (5:46)
07. Passamezzo Antico (5:53)
08. Variazioni sopra la Follia (13:23)
09. Toccata (3:20)
10. La Monica (3:46)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums
Brendan Doyle: clarinet, bass clarinet
Richard Sweeney: theorbo (3, 5)

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Fotografía (2011)

Sería simplista llamar al pianista Francesco Turrisi un experimentador, aunque su música abarca multitud de influencias culturales, desde su Italia natal a lo largo y ancho del Mediterráneo, a caballo de los siglos, y absorbiendo de fuentes tan diversas como el barroco, aires moros y jazz; simplista, porque su música fluye de manera tan natural como un río sigue su lecho -está en Turrisi y de él, y esto lo dirige. Como en el memorable debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe, 2009), no hay ningún sentido de esfuerzo de fusión, ningún sentido de construcción cuidadosa; en Fotografia, hay en cambio, un muy natural sonido de confluencia de ideas y emociones.

Aunque Fotografia comparta el mismo neo-clasicismo, teñido de folk, y el aventurerismo de las franjas-de-jazz del debut de Turrisi, este es un ofrecimiento más oscuro, más impresionista, y aparentemente más conceptual como un todo. Inspirado por la tradición italiana de alentar a los niños a bosquejar pensierini -pequeños pensamientos- Turrisi crea edificaciones sonoras en torno a diversos temas, comprensiva e intuitivamente apoyado por el baterista João Lobo y el bajista acústico Claus Kaarsgaard. Los títulos —”I Am The Shadow Man”, “Remorse”, “A Thousand Pieces”, “Ants”, “Towards the Depths”— son sugestivos del impresionismo a veces sombrío en estas viñetas, aunque el lirismo de bello dolor está incorporado en Fotografia.

Siete pensierini corren desde la idiosincracia fractural de diez segundos de “Pensierino 1, in mille pezze”, a la extrañamente ingrávida “Pensierino 7, verso il basso”, la cual destaca a Turrisi en las entrañas del piano y hermosas figuras del bajo de Kaarsgaard. Entre medio, hay acordes dramáticos, arco temperamental y percusión tintineante sobre el vagamente siniestro “Pensierino 2, Sono l’uomo ombra ” y la melancolía de “Pensierino 3, rimorso “, con el lento walking bass de Lobo sugiriendo un triste ensimismamiento. El rápido y repetitivo motivo en “Pensierino 4, formicai” transporta la cabizbaja inclemencia de una hormiga en una misión, mientras “Pensierino 5, scarabocchio” tiene un arranque-parada, corriendo calidad. “Pensierino 6, il lago fantasma” mantiene un ambiente sereno y fantasmal en su marco barroco.

En lugar de encadenar estos pensierini juntos en una suite continua, Turrisi rompe con vuelos cortos de imaginación lírica. El solo piano de “Fotografia 1” exuda quietud contemplativa, aunque no sin una absorbente energía. Hay más de una narrativa para “Fotografia 2”, con su blues mediterráneo, y es de algún modo antiguo y moderno simultáneamente. Una interpretación sencilla de “Luiza” captura la vena blues de Antonio Carlos Jobim, con Turrisi empleando moderadamente la mano izquierda, descansando realmente. “Pensierosa (por Helen)” oscila entre meditativa y clásicamente elegante, y la innegablemente conmovedora “Lachrimae” tiene la rara belleza de una sonata de Beethoven, aunque, de nuevo, es esencialmente un inquietante blues.

En el punto medio y sujetando estas reflexivas piezas, están tres composiciones tradicionales italianas inspiradas en las interpretaciones del cantante Pino de Vittorio. El arco meditabundo de Kaarsgaard es el protagonista de la primera mitad de “Alla Caprinese”, que se mueve desde lo oscuro hacia la luz tal como el lirismo liviano como una pluma de Turrisi ilumina la pieza. “Attaccati li Tricci” I y II resaltan al Turrisi encantador, cayendo entre líneas arábigas, e inclinándose hacia el juego de manos con simples melodías.

Menos inmediatamente accesible que el primer CD de Turrisi, Fotografia, es, sin embargo, totalmente absorbente y apunta a un artista que se niega a permanecer quieto. El sombreado, matices y profundidad emocional hacen de esto un viaje encantador.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/fotografia-francesco-turrisi-diatribe-recordings-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Fotografía

01. Attaccati Li Tricci (5:09)
02. Fotografia I (2:45)
03. Pensierino I, In Mille Pezzi (0:52)
04. Luiza (2:16)
05. Pensierino II, Sono L’uomo Ombra (3:33)
06. Pensierosa (For Helen) (5:28)
07. Pensierino III, Rimorsa (2:52)
08. Alla Carpinese (7:32)
09. Pensierino IV, Formicai (2:36)
10. Lachrimae (For My Father) (4:37)
11. Pensierino V, Scarabocchio (2:45)
12. Pensierino VI, Il Lago Fantasma (3:18)
13. Fotografia II (2:55)
14. Pensierino VII, Verso Il Basso (4:36)
15. Attaccati Li Tricci II (11:06)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Claus Kaarsgaard: bass
João Lobo: drums

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Songs Of Experience (2013)

Originalmente me familiaricé con la música de Francesco Turrisi a través de su realización de 2011, “Fotografia”. Un álbum excelente que presentaba una alineación estándar de trío de piano, que se concentraba en un equilibrio entre la música de cámara y jazz infundido de folk. El resultado fue una agradable dualidad de elegancia y sencillez. En esta realización, Songs of Experience, Turrisi vuelve con el formato de trío, y mientras tiene a João retornando a los tambores, él sustituye la posición del bajo por el trompetista Fulvio Sigurta. Esto resulta en un álbum completamente diferente.Y mientras yo hubiera estado eminentemente contento con más de las cosas buenas, estoy encantado de presenciar la nueva dirección de Turrisi.

En su superficie, Turrisi ha grabado un álbum de jazz nórdico. Temperamental y sereno, las melodías fluyen y los ritmos gorjean y expansivos sonidos se reproducen en una tranquila esquina del mundo. De hecho, la influencia nórdica no es más que una extensión. Con sede en Dublín, pero sus raíces en suelo italiano, no es inexplicable que los sonidos de Escandinavia podrían haber llegado a la música de Turissi. Aparte del obvio efecto de la era digital volando las barreras geográficas para permitir que el expresionismo musical se disemine a través de la faz del planeta, también parece haber una tendencia donde el enfoque nórdico del jazz se mueve hacia al sur, así como el movimiento del jazz mediterráneo hacia al norte para encontrarlo.

Hay ejemplos en Bird is the Worm de músicos italianos desarrollando un jazz tranquilo influenciado por música folklórica local. Y mientras los modismos de la música popular Italiana difieren, es decir, de las de Copenhague, los rasgos que se fusionan con el jazz crean similitudes en el sonido Las contracorrientes de influencias son también resultado de músicos que se dirigen a otros países para estudiar, como Turrisi hizo cuando salió de Italia para estudiar en el Conservatorio Real de La Haya, en Holanda. Colaboraciones de diferentes músicas encuentran los lugares maleables donde existen similitudes y, por tanto, evocan nuevas ideas y nuevas expresiones y nuevos sonidos.

Pero esto es solo el hablar de influencias y tendencias de la música… dentro del béisbol, de interés principalmente para chiflados del jazz como yo. Tal vez como usted, también.

¿Cómo es la música?

El piano con una helada agudeza, la trompeta que expresa un cansancio y esperanza simultáneamente, y los tambores que dicen mucho hablando muy poco. Esta es la música que llena la habitación cuando una penetrante quietud ha echado raíces. Esta es la música que habla en voz baja, toma su tiempo para manifestarse, y es fantásticamente sugestiva cuando lo hace.

Algunas melodías, como “Incubo N.1” ofrecen una mezcla a lo Mingus de vanguardia y blues. Y “Birth” es una declaración exasperada de música de cámara… algo que, quizás, los admiradores de Wayne Horvitz puedan apreciar. Pero sobre todo somos presentados con melodías de elegancia y austeridad, con una tensión dramática continuamente mantenida al borde de estallar, y, lo que es más importante aún, de una belleza que se revela lentamente, desarrollándose de manera seductora de la primera a la última nota.

Excelente.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/francesco-turrisi-songs-of-experience/

Track Listing – Songs Of Experience

01. Nel Mezzo (6:17)
02. Uppon Lamire (1:52)
03. Le (Lullaby for Aoife Naima) (6:54)
04. Incubo n.1 (3:22)
05. Toccata Arpeggiata nello Stile Cromatico (2:57)
06. Incubo n.2 (5:10)
07. Birth (10:40)
08. Incubo n.3 (2:17)
09. Canto (10:21)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Fulvio Sigurtà: trumpet & flugelhorn
João Lobo: drums

tapa-grigio
Grigio (2013)

Para el pianista Francesco Turrisi música “vieja” es un término redundante. En el mundo del italiano establecido en Dublín toda la música existe en un continuo. El debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe Records, 2009) puede ser el único ejemplo del laúd medieval theorbo -laúd de cuello largo- en un contexto de jazz. “Fotografia” (Diatribe Records, 2011), una serie de improvisaciones de trio de piano que oscilaba entre la abstracción del free-jazz, y el lirismo de blues mediterráneo y brasileño. Para “Songs of Experience” (Taquin Records, 2013), Turrisi evitó el bajo en favor de la trompeta y el flugelhorn de Fulvio Sigurtà en piezas altamente melódicas y minimalistas, que dibujó igualmente desde las tradiciones clásicas y folk. En Grigio, Turrisi agrega barroco italiano, tradicional irlandés y canción hebrea a una paleta de colores.

Común a todas las grabaciones de Turrisi en un mayor o menor grado, es la vena de música barroca/temprana que traspasa su música. La novedad aquí, sin embargo, es el empleo de Turrisi de un cantante. Tres números cantados muy bellamente por Clara Sanabras, “Che Si Puo Fare?”, “Augellin” y “Canzonette spiritual sopra la nanna” ilustra la fuerza melódica y la profundidad lírica de los lamentos italianos del siglo XVII. Turrisi ha tocado estas canciones con L’Arpeggiata, pero el impulso rítmico del bajista Dan Bodwell y el baterista Sean Carpio se combinan con las volteretas de las líneas de jazz de Turrisi para formar un marco completamente contemporáneo para la música, cuyos temas de amor y angustia -y la indiferencia del mundo- son eternos.

Tres canciones tradicionales irlandesas interpretadas por le cantante de canto gaélico Róisín Elsafty enfatiza la universalidad del blues. “Elenaor a run”, una canción del siglo XVII, muestra la hermosa voz de Elsafty, con una sutil presencia de Turrisi en piano y Ebow. El lamento de “Sile Beag Ni Chonnallain” y el evocador arrullo que es “Seoithin Seo” podrían traer una lágrima al ojo de un verdugo. Estas tres canciones están en el CD de Elsafty, “Má bhíonn tú liom Bí liom” (Vertical Records, 2007) -altamente recomendado para quienes deseen mojar un dedo en la canción tradicional irlandesa. La banda de Turrisi, Tarab, mezcla música folk irlandesa y del mundo, pero estas melodías con Elsafty están más cercanas al espíritu de la tradición irlandesa que las que él se ha comprometido a registrar hasta ahora.

El firme adorno circular de Turrisi forma la espina dorsal de la impresionista pista del título. El tambor de cuadro de Zohar Fresco proporciona un pulso moderado, mientras la violoncelista Kate Ellis y el saxofonista soprano Nick Roth -ambos de Tarab- evocan líneas distraídamente armónicas. “Hadasha” del saxofonista John Zorn también embarca desde un implacable piano ostinato, aunque los bestiales gritos del violoncelo y el saxofón le dan un ambiente vanguardista, más abstracto. “Maoz trsur” es una canción tradional hebrea arreglada por Roth; desde su intro minimalista de piano y bajo, la voz sin palabras de Fresco se junta al revoloteo del saxofón alto y al moderado violoncelo en apacible unión, parecido a un rezo. Las simples líneas melódicas de Turrisi “Tu Ridi” doblan a una cadenciosa influencia árabe.

El virtuosismo de piano de Turrisi toma un asiento trasero en sus hábiles tratamientos de las canciones tradicionales que atraviesan un milenio. Sobre la superficie, puede parecer haber poco que una la canción italiana barroca con el himno hebreo o el lamento irlandés, pero el manifiesto en los arreglos de Turrisi es el espíritu esencial humano común al verso y la música a través del tiempo y las culturas. Otra asombrosa adición a la corta pero sumamente impresionante discografía de Turrisi.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/grigio-francesco-turrisi-diatribe-records-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Grigio

01. Che si può fare (4:43)
02. Grigio (4:48)
03. Eleanór a rún (5:58)
04. Hadasha (4:41)
05. Augellin (5:07)
06. Maoz tsur (3:52)
07. Síle Bheag Ní Chonnalláin (3:52)
08. Canzonetta spirituale sopra la nanna (7:01)
09. Tu ridi (3:09)
10. Seoithín seó (3:29)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Nick Roth: soprano sax
Kate Ellis: cello
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums

special guests:

Zohar Fresco: frame drums, percussion and vocals
Róisín Elsafty: vocals
Clara Sanabras: vocals

Apunte: El pianista italiano Francesco Turrisi, establecido en Dublin, es el arquetipo del músico de jazz moderno, tomando su inspiración en una amplia variedad de fuentes, desde el jazz y lo arábigo pasando por el barroco y la música popular Italiana, y a partir de esto, desarrolló en los últimos años esta serie de excelentes realizaciones, destacándose como una voz original e inconfundible. El tipo y calidad de la música, así como la estética de su presentación tiene muchos puntos de contacto con el espíritu del sello ECM, por lo que me animo a decir que en algún momento Manfred Eicher pondrá sus ojos en él y lo invitará a grabar en la casa alemana. Tómense el tiempo para escuchar esta música. Va a contrapelo de las urgencias diarias. Espero la disfruten.

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Anna Garano
noviembre 9, 2015, 11:08 pm
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tapa Lessness
Lessness (2014)

“Ausencia en estado puro” parece la más acertada definición para el original vocablo beckettiano “Lessness”, así como el estado inspirador más fecundo para el trabajo de la experimentada guitarrista, solista y autora de filiación latina y mediterránea, pero evidentemente abierta a sugestiones y a experimentaciones cross-over, por otra parte enunciado por la composición del sugestivo line-up. Así que nos disponemos a la escucha de un potencial mosaico estilístico señalado por las contribuciones de la vocalista-performer armenia Anaïs Tekerian, llamada no solamente a dar color a los materiales armenio-caucásico ya afrontados por la líder, la rapsódica, crepitante aparición de la trompeta de Flavio Davanzo, las concentradas y crepusculares figuraciones de un inspirado y políglota Doug Wieselman y naturalmente las incursiones y contrapuntos de un Marc Ribot no sólo en pausa de restauración por las concitaciones aylerianas de su reciente Live at Village Vanguard y por su febril laboratorio Ceramic Dog, que con fácil mano importa las tensiones de lo sembrado sabiamente en sus variadas exploraciones, aunque manteniéndose aquí a buena distancia de las cargas subversivas de compañías zornianas y sus alrededores.

La andadura, exploratoria y osmótica, de la guitarra flamenca, (que útilmente actúa fuera del vínculo estilístico) esboza sin asperezas, plásticas melodías procediendo por líneas limpias y tesituras gentiles, declinando estilemas de musicalidad disciplinada y límpida, que tiene en cuenta una sensibilidad de varias cunas de civilización expresiva abierta a las interfaces contemporáneas, señalada por predominantes colores y humores de espíritu nocturno, en un soundscape controlado, evocador y formal, de dimensión personal, conmemorativo e íntimo.

Fuente Aldo Del Noce para http://www.jazzconvention.net/index.php?option=com_content&view=article&id=2385%3Aanna-garano-lessness&catid=2%3Arecensioni&Itemid=11

Track Listing

01. Imagine (si ceci cessait) (4:43)
02. Mantos Negros I (4:01)
03. Mantos Negros II (2:29)
04. Mantos Negros III (2:11)
05. Golden Wings (3:51)
06. Dance (4:18)
07. La Rosa Enflorece (4:13)
08. Avre Tu Puerta Cerrada (3:20)
09. Hashul (4:34)
10. Il Tempo delle Rane (4:10)
11. Lessness I (2:03)
12. Lessness II (1:32)
13. Aletis (4:49)
14. Pack up the Moon (to Mitja) (1:57)

Musicisti

Anna Garano: chitarra
Marc Ribot: chitarra (1, 5, 10)
Flavio Davanzo: tromba (13)
Anaïs Tekerian: voce (7)
Doug Wieselman: clarinetto basso (8)

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