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Baldo Martínez Grupo

tapa No Pais dos Ananos
No Pais dos Ananos (1996)

No Pais Dos Enanos” fue el primer disco grabado por el magnifico contrabajista gallego, Baldo Martinez. El álbum confirmó con creces las buenas perspectivas que éste creativo musico de jazz de España. La prestigiosa revista española “Cuadernos de Jazz” lo consideró segundo disco de jazz del año en 1996.

Fuente para la reseña: http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=1470&Itemid=306

Lista de temas – No Pais dos Ananos

1. No Pais Dos Ananos (6:15)
2. Pinocho (7:09)
3. Doniños (7:29)
4. Balada Para Area (5:51)
5. Mar Adentro (6:51)
6. Viejo Eimer (7:23)
7. Sospeita (4:39)

Lista de Músicos

Antonio Bravo: guitarra
Chefa Alonso: saxos
Pedro López: percusión
Pierluca Pineroli: batería
Baldo Martínez: contrabajo
tapa Juego de niños
Juego de Niños (1998)

Después del impacto producido por su primer disco: “No Pais dos Ananos”, este segundo era algo así como la hora de la verdad para saber si aquel excelente trabajo iba a tener la continuidad deseada. La confirmación de que aquello no fue algo pasajero no ha podido ser más rotunda: “Juego de Niños” sitúa a Baldo Martínez entre los músicos más imaginativos y brillantes que ha dado el jazz en este país.

El contrabajista ha tenido que afrontar un cambio de personal: vuelve David Herrington, que ya había participado en la gestación de la banda, y el lugar de Chefa Alonso lo ocupa Alejandro Pérez, un sólido y curtido saxofonista de querencias “bopperianas”. Sin embargo la personalidad del grupo se impone y el sonido sigue siendo tan compacto como antes e incluso hasta gana en matices con la introducción de nuevos instrumentos. Y es que el trío que Baldo forma con su inseparable Pedro López (con su sensacional empuje que esta vez queda fielmente reflejado en la grabación) y el inquieto guitarrista Antonio Bravo (un verdadero fuera de serie y uno de los pocos por aquí que se mueve en la onda más actual de su instrumento) es la base de la que van surgiendo nuevas ideas.

El uso de la zanfoña -un instrumento medieval- en “Zona Rústica” y el tema que da título al disco, revela el interés de Baldo por las músicas de raíz popular, conectando con una de las tendencias predominantes en el jazz europeo. Pero su papel aquí no pasa de la anécdota, y lo que predomina es un estilo que se acerca a las formas abiertas y el melodismo del quinteto de Dave Holland (“Azul de Madrugada”), o incluso al carácter aventurero de los grupos de Louis Sclavis (“La Laguna”), no en vano dos de los músicos citados por Baldo entre sus preferencias.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/baldomartinez.htm

Lista de temas – Juego de Niños

1. La Chalana (9:44)
2. Extramuros (9:17)
3. Historia De Una Melodía (7:51)
4. Azul de Madrugada (5:28)
5. Zona Rústica (9:17)
6. La Laguna (10:21)
7. Juego De Niños (8:03)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
David Herrington: trompeta, fiscorno, tuba
Alejandro Pérez: saxo tenor y soprano
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusión
Nirankhar Khalsa: tabla, 2,7
Carlos Beceiro: zanfoña, 5,7
tapa Nai
Nai (2001)

El hombre siempre ha soñado con viajar. Ha soñado con conocer territorios sin explorar o que en explorados permanezcan con la virginidad propia de su creación. Paisajes de ensueño en los que vivir la aventura humana del ser. Paisajes donde la emoción se convierte en el sentimiento. Paisajes que pueden ser visuales, pero que a su vez pueden ser sonoros. Paisajes reales como inspiración creativa. Paisajes reales vivificados desde la nostalgia de la distancia. Paisajes imaginarios soñados desde la utopía de la creación artística.

Utopías, realidades, emociones, nostalgias, colores, sonidos, matices… recogidos en una propuesta musical que nace de todo ello. Y todo ello nace a su vez de unos sabios dedos que desde Madrid pulsan un contrabajo con sentimiento gallego.

Sentimientos que impulsan a un extraordinario quinteto que muestra, con el origen geográfico de sus componentes, la capacidad universal de nuestros músicos, y de los que lo son ya en sentimiento y años entre nosotros.

Un “riesgo” altamente recomendado para oídos que buscan en la música ese “algo más”. Un tercer parto musical de un músico que tras “No País nos Ananos”(1996) y “Juego de Niños”(1998), presenta con “Nai” un proyecto que por su calidad “merece” ser olvidado por quienes con nuestro dinero deciden nuestro disfrute cultural. “Nai” como continuación de una vida musical, la de Baldo, que promete paisajes sonoros de extrema belleza.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/martinez_baldo_grupo_nai.html

Lista de temas – Nai

1. O Conxuro (9:17)
2. Paisaxes Galaicas (7:49)
3. O paso do tempo (9:43)
4. Camino de Bretun (5:30)
5. De Norte a Sur (7:29)
6. Los mundos de Argos (8:06)
7. Galería de recuerdos (6:17)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Alejandro Pérez: saxo tenor, soprano y clarinete bajo
David Herrington: trompeta y tuba
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusiones acústicas y eléctricas
tapa Tusitala
Tusitala (2005)

La poesía da sentido a su música ó la música da sentido a su poesía: ambas disciplinas definen su obra.

Elaboración, sentimiento y magia. Cada instrumento, cada músico en su momento, ni más ni menos, en su justa medida. El combo como uno, cada uno como el todo, excelentes instrumentistas narran sus historias.*

Deja caer el láser donde quieras, este disco destila oro puro.

Juego de arcos del contrabajo y violín, percusión como palmas y,”flamenco cósmico”, en El Mundo de los Papalagi.

Monólogo de contrabajo, réplica de violín (sin arco), diálogo a tres con trompeta. Discrepa, se queja con fuerza la guitarra (A.Bravo, ¡para cuando un disco a tu nombre!); se impone el violín, algo tiene de decir la trompeta (sutil, fresca e infinita), siempre presente la batería marcando el paso y llenando espacios en este juego sin fin. Susurro.

Gotas de esencia de lluvia, azul turquesa de profundas brumas marinas.”Pasajes de alteraciones conciénciales”. “Paisajes profundos en el fondo de tu mente”; nos ofrece en Octubre (Otoño en Galicia).

Eduardo Ortega, sueño de Lucifer, endiablado violinista que interpreta como los ángeles, en Desde los Godos y Danza Final.

“Los fiordos son gallegos, las rías son noruegas”; aires de “tango europeo” en Tusitala.

Esta obra abre sus labios para los oídos capaces de escuchar. Esta es tu obra maestra para todos. No olvides dejar de brillar, pero no brilles todo lo que puedas, pues la estrella que mucho brilla pronto agota su luz.

*Tusitala: significa, El narrador de historias

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/discos/2005_05_breves.htm

Lista de temas – Tusitala

1. El Mundo De Los Papalagi (5:23)
2. Susurro (7:02)
3. Desde Los Godos (5:46)
4. Octubre, Otoño en Galicia (10:01)
5. Tusitala (5:16)
6. Danza Final (7:08)
7. Desenfreno (9:32)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Pedro López: batería, percusión
Antonio Bravo: guitarra
David Herrington: trompeta
Eduardo Ortega: violín
tapa Vientos cruzados
Vientos cruzados (2016)

Han pasado ya veinte años desde que el Baldo Martínez Grupo nos sorprendiera gratamente con aquel No país dos Ananos (1996), al que luego le siguieron trabajos como Juego de Niños (1998), Nai (2001) o Tusitala (2005). Ahora –tras diferentes presentaciones en directo con este repertorio– la renovada formación liderada por el contrabajista llega con Vientos Cruzados, registrado en mayo de este año en Madrid y distribuido, una vez más, por Karonte.

Con este álbum, Baldo Martínez, continúa explorando la posibilidades de un jazz europeo rico en improvisaciones, libre y alejado de las raíces negras que caracterizan al jazz estadounidense. «Vientos Cruzados es el resultado de todas mis experiencias musicales, sobre todo las vividas en estos últimos años –comentó el músico gallego en declaraciones a Diariofolk–. En este tiempo he compartido proyectos con estéticas muy distintas y sobre todo han sido experiencias muy enriquecedoras, como las que he tenido con el Iberia Trío de Joachim Khün y otros tríos tan diversos como Triez, MBM o ¡Zas!, o proyectos más basados en la música de raíz como Sons-Nús o el Projecto Miño. Haciendo balance de todo ello, de la búsqueda continuada, la improvisación y el riesgo que todo ello supone, pienso que esos motores que mueven mi música están reflejados en este nuevo trabajo, no de una manera premeditada sino como resultado de lo que uno aprende mientras va haciendo».

Con respecto a los músicos que han participado en este disco, Baldo nos dice «no los he pensado por su instrumento, que también, sino sobre todo por lo que aportan con su personalidad y su musicalidad. Pedro López y David Herrington llevan tiempo apoyando y haciendo crecer mi música y diría que forman una parte imprescindible de ella. Juan Saiz, flautista y saxofonista, es un músico joven muy inquieto que aporta libertad, frescura y otro punto de vista a la hora de hacer música».

Vientos cruzados, cuyo título está inspirado en unos versos de José Hierro, ofrece siete cortes que se mueven aproximadamente entre los cinco y los doce minutos de duración, todos ellos compuestos por Baldo Martínez.

Reseña de http://www.diariofolk.com/noticia/baldo-martinez-este-disco-es-el-resultado-de-todas-mis-experiencias-musicales/

Lista de temas – Vientos cruzados

1. Abismo (7:03)
2. Ruta (7:02)
3. Vientos Cruzados (12:04)
4. Sombra (7:13)
5. Como el Mar (4:55)
6. Ao redor do Mundo (7:32)
7. El amante del riesgo (5:52)

Lista de Músicos

David Herrington: trompeta y fliscorno
Juan Saiz: flauta y saxo tenor
Pedro López: batería
Baldo Martínez: contrabajo

Todas las composiciones de Baldo Martínez

Apunte: En primer lugar decir que la única referencia en MQC/PV a Baldo Martínez es la relacionada con el posteo, allá por Julio de 2013, del disco MBM Trio, junto al guitarrista Antonio Bravo y la baterista Lucía Martínez. En segundo lugar, admito que ha sido un error no seguir investigando la música del contrabajista gallego de Ferrol. Pero bueno, nunca es tarde, cuando la música es de alto nivel y atemporal como la de Martínez. Baldo Martínez ha participado en múltiples proyectos con importantes músicos de la escena europea más vanguardista como son Carlos Actis Dato, Dominique Pifarely, Samuel Blaser, Ramón López o Joachim Kuhn, por mencionar algunos. Aquí el foco está puesto en los discos a nombre de su grupo, los cuales sorprenden por su originalidad, la excelencia de los músicos participantes y el talento para desarrollar un lenguaje propio que suma formas folklóricas, música contemporánea y las vertientes actuales del jazz, dando como resultado una propuesta sonora bien equilibrada y homogénea, sin rastros de costuras. Para escuchar atentamente. Altamente recomendable!.

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Ernst Reijseger with Mola Sylla and Serigne C.M. Gueye
diciembre 24, 2016, 7:31 pm
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tapa-janna
Janna (2003)

Janna es la grabación en la cual el extraordinario violoncelista e improvisador Ernst Reijseger colabora con el poeta e instrumentista senegalés Mola Sylla y el percusionista Serigne C.M. Gueye sobre un programa de canciones y poesía que borra las fronteras entre tradiciones europeas y africanas y crean algo completamente nuevo desde las ruinas. Esto sólo puede lograrse si cada miembro de este trío trae consigo la totalidad de su herencia musical a la mesa y lo coloca allí para ser oído, pillado, reformado, y moldeado por el fuego de la creación. Desde la apertura “Jangelma”, una canción/poema que ofrece una cáustica visión de la educación de los africanos francófonos, la voz de Sylla, entonando sus palabras tan deliberadamente y suavemente al principio, es completamente poseída por la emotividad creciente del toque de Reijseger y comienza a gritar su rabia y dolor. Esto es bruscamente contrastado con “Baba”, un himno percusivo de gratitud, donde canción, baile, e improvisación son entrelazados. La interacción entre instrumentos de percusión y el violoncelo en “Sang Xale Man” (“Cover Me Up”) es de otro mundo en su articulación como alma musical tan arraigada en la antigüedad es imposible creer que es una moderna composición/improvisación. Cada pieza está bastante extendida. Hay sólo ocho selecciones aquí, sumando casi un total de 70 minutos. Texturas, dinámicas y tonos son las inquietudes musicales que transmiten estas hermosas canciones, poemas e historias sin el compromiso o el respeto para la ceremonia. Esta es profundamente, maravillosamente, emocionalmente dada, música exploratoria que no puede ser clasificada, gracias a Dios.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/janna-mw0000035163

Track Listing

1. Jangelma [Mola Sylla] (12:42)
2. Baba [Mola Sylla] (6:42)
3. Sàng Xale Man [Mola Sylla, Traditional] (7:19)
4. Noon [Mola Sylla] (7:13)
5. Fier [Mola Sylla] (7:00)
6. Njaarelu Adiye [Mola Sylla] (8:32)
7. Doxandéem [Mola Sylla, Arrg. Mola Sylla, Serigne C.M. Gueye] (9:22)
8. Sicroula [Mola Sylla] (8:29)

Artist List

Ernst Reijseger: cello, percussion
Mola Sylla: vocals, nose flute, mbira, kongoma, xalam, bejjen
Serigne C.M. Gueye: soruba, djembe, bougarbou, leget

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Francesco Turrisi

¿Quién es Francesco Turrisi?

Francisco Turrisi ha sido definido por la prensa como un “alquimista musical” y un “políglota musical”, por la variedad de sus influencias y experiencias musicales. En 2015 acompañó a Bobby McFerrin para una gira por Italia, ha tocado la música de Steve Reich con el grupo avantgarde de Nueva York “Bang on a Can”, ha tocado con el bajista Barry Guy y la cantante griega Savina Yannatou y ha participado en mas de veinte conciertos con el grupo de música antigua “L’Arpeggiata” junto a Gianluigi Trovesi, (entre ellos en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Koln Philharmonie etc…)

Ha dejado su nativa Italia en 1997 para estudiar piano jazz y música antigua en el prestigioso Conservatorio Real de La Haya, donde obtuvo un BA y MA. Desde 2004 colabora con el grupo de música antigua L’Arpeggiata, con el que tocó en los festivales mas importantes en Europa y en el mundo (China, Turquía, Colombia, Rusia etc…). Colabora regularmente con la cantante italiana tradicional Lucilla Galeazzi, con los grupos irlandeses Yurodny (jazz contemporáneo con influencias balcánicas), Gregory Walkers (música antigua) Crash Ensemble y Resound (música contemporánea). Francisco también es líder de “Taquin”, un ensemble que experimenta intentando acercar los mundos del jazz contemporáneo, la música antigua y la música mediterránea. Y también fundador de Tarab (ensamble que crea un puente imaginario entre música tradicional irlandesa y mediterránea) y de Zahr (que busca lazos entre la música árabe e italiana).

Ha registrado 4 albumes como líder y 2 como co-líder para su sello Taquin Records y para el sello irlandés Diatribe Records
Su último álbum “Grigio” tiene como invitados a la cantante tradicional irlandesa Roisin El Safty, la cantante de música antigua catalana Clara Sanabras y el virtuoso de tambores Zohar Fresco.

Ha tocado, colaborado y registrado con artistas del mundo del jazz, música clásica, música antigua y world music, entre ellos:
Bobby McFerrin, Dave Liebman, Gianluigi Trovesi, Nils Landgren, Wolfgang Muthspiel, Barry Guy, Gabriele Mirabassi, Savina Yannatou, Maria Pia de Vito, Theodosii Spassov, Gavin Bryars, Bang on a Can, Misia, The King’s Singers, Veronique Gens, Philippe Jaroussky, Pepe el Habichuela, Lucilla Galeazzi, Bijan Chemirani

Fuente para la biografía: http://www.francescoturrisi.com/biografia/

tapa-si-dolce-e-il-tormento
Si Dolce E Il Tormento (2009)

El nacido en Turín, Francesco Turrisi ha sido algo de un soplo de aire fresco en la escena de la música irlandesa desde su llegada a la isla esmeralda en 2006. En poco tiempo se ha ganado una reputación como un excelente pianista de jazz, percusionista y acordeonista; una voz original. Él puede ser encontrado tocando en el efervescente balcánico-condimentado Yurodny, o en Zahr, un grupo que explora el alcance y la influencia de la música árabe, y Tarab, un grupo que mezcla la música folklórica tradicional irlandesa con una abundancia de sabores mediterráneos. Este grabación debut del trío está fuertemente influenciada por los años de Turrisi como clavecinista en L’Arpeggiata, el muy alabado ensamble musical de Christina Pluhar. Su pasión por la música de siglos pasados se entrelaza con su personalidad como pianista de jazz y el resultado es un atrapante y consistentemente hermoso trabajo.

El título del álbum se traduce como “dulce es la tormenta”; sin embargo, aparte de un asalto sobre las teclas a lo Cecil Taylor, la música es en su mayor parte dulcemente seductora y balsámica, con una corriente de melancolía uniendo las piezas. En general la sensación que genera es similar a la inducida por el estado de contemplar la lluvia caer desde la comodidad de intramuros, con el ocasional estruendo de truenos y destellos de relámpagos en la música para acelerar el pulso.

En la pista del título de tres minutos de duración, Turrisi remonta la melodía bien conocida de Claudio Monteverdi (que data de 1624), acompañado por Brendan Doyle en clarinete y Richard Sweeney en theorbo, un laúd de cuello largo que trae una elegante cortesía a esta delicada miniatura. Turrisi se aparta para perseguir unas carreras que caen cuidadosamente en cascada, dejando a Doyle llevar la melodía.

“Salve Regina “, cuyo lirismo sigue tan naturalmente al de la apertura, ve a Turrisi conducir un trío de jazz más convencional, con Dan Bodwell que proporciona el bajo profundo y terroso, y Sean Carpio que emplea sutilmente el trabajo de platillo y aro. Aunque haya insinuaciones de la influencia del primer Keith Jarrett en la voz de Turrisi de vez en cuando, parece estar más fuertemente inflluenciado por períodos musicales y moods en contraposición a estilos individuales. Esta seductora pieza, y la primera mitad igualmente encantadora de “Ciaccona”, comparten un eterno elemento folk evocador del innovador “Jazz på svenska” (Megafon, 1964), del influyente pianista sueco Jan Johansson.

Con este fin, Turrisi tiene más en común con los gustos de Johansson, Bobo Stenson, Dag Arnesen, y Stefano Bollani que Jarrett. “Ciaccona” se desarrolla en un ejercicio de free jazz, con las meditaciones anteriormente líricas de Turrisi disolviéndose gradualmente, virando hacia la abstracción tempestuosa. En el contexto del álbum como un todo es la tormenta del título, que perfora y ayuda a definir más claramente las islas de serenidad tanto antes como después.

Turrisi es atraído por la forma corta, y el sonido barroco de “Passacaglia”, el bonito “Lamento di Paolo e Francesca”, y “Toccata” duran apenas tres minutos cada uno. El ligeramente más largo “Canzonetta Spirituale sopra la Nanna”, de Tarquino Merula, él único otro no original del álbum, ve a Turrisi mostrar sus cartas credenciales como uno de los pianistas más interesantes en la escena contemporánea del jazz. Sea cual sea la duración de la composición, Turrisi nunca sacrifica mood por excesiva muestra de destreza técnica. Los ocasionales solos extendidos de piano son aún más atractivos debido precisamente a su racionamiento.

Asimismo, las contribuciones de Brendan Doyle en el clarinete y clarinete bajo son sucintas y conmovedoras, especialmente en la preciosa “Passamezzo Antico”, cuya melodía recurrente se prolonga largo tiempo después de que el álbum ha finalizado.Sólo en “Variazioni sopra la Follia” hace que Doyle realmente levante algún vapor, desplegando una melodía suave al principio, que construye despacio, pero constantemente a un bluseado lamento coltraneano, una impresión realzada por el raro empleo de Turrisi de acordes de mano izquierda como acompañamiento, a lo McCoy Tyner. Turrisi, Carpio y Bodwell todos solos a su turno.

Cuando Bodwell camina bajo los reflectores, arranca sonidos silenciosamente poderosos y emotivos de las cuerdas de su bajo; la claridad excepcional de producción de este CD realmente son subrayados. De hecho, la presentación entera de esta música desde la producción al embalaje comparte la clase del sello ECM, una comparación que también se siente en la música misma.

La pista de cierre del álbum es la hermosa “La Monica”, que exhibe la ágil interacción del trío. El enfoque no ocupado del bajo por parte de Bodwell y los cepillos de Carpio complementan amablemente el estilo elegíaco, suelto de Turrisi y las tempranas melodías europeas/italianas.

En la combinación de los sonidos de Italia de hace siglos con un enfoque más moderno para el piano, Turrisi está, en cierto modo, describiendo los pasos de una rama del jazz, porque sin la influencia clásica europea mucho de lo que llegó a ser conocido como el jazz nunca habría llegado a pasar. El éxito de la música radica en el hecho de que suena familiar y totalmente fresca al mismo tiempo. Esto es una pequeña gema de un álbum, y Francesco Turrisi es claramente un nombre para seguir mirando.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/francesco-turrisi-si-dolce-e-il-tormento-by-ian-patterson.php–

Track Listing – Si Dolce E Il Tormento

01. Si Dolce è il Tormento (2:32)
02. Salve Regina (3:11)
03. Passacaglia (4:38)
04. Ciaccona (6:27)
05. Lamento di Paolo e Francesca (3:15)
06. Canzonetta Spirituale sopra la Nanna (5:46)
07. Passamezzo Antico (5:53)
08. Variazioni sopra la Follia (13:23)
09. Toccata (3:20)
10. La Monica (3:46)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums
Brendan Doyle: clarinet, bass clarinet
Richard Sweeney: theorbo (3, 5)

tapa-fotografia
Fotografía (2011)

Sería simplista llamar al pianista Francesco Turrisi un experimentador, aunque su música abarca multitud de influencias culturales, desde su Italia natal a lo largo y ancho del Mediterráneo, a caballo de los siglos, y absorbiendo de fuentes tan diversas como el barroco, aires moros y jazz; simplista, porque su música fluye de manera tan natural como un río sigue su lecho -está en Turrisi y de él, y esto lo dirige. Como en el memorable debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe, 2009), no hay ningún sentido de esfuerzo de fusión, ningún sentido de construcción cuidadosa; en Fotografia, hay en cambio, un muy natural sonido de confluencia de ideas y emociones.

Aunque Fotografia comparta el mismo neo-clasicismo, teñido de folk, y el aventurerismo de las franjas-de-jazz del debut de Turrisi, este es un ofrecimiento más oscuro, más impresionista, y aparentemente más conceptual como un todo. Inspirado por la tradición italiana de alentar a los niños a bosquejar pensierini -pequeños pensamientos- Turrisi crea edificaciones sonoras en torno a diversos temas, comprensiva e intuitivamente apoyado por el baterista João Lobo y el bajista acústico Claus Kaarsgaard. Los títulos —”I Am The Shadow Man”, “Remorse”, “A Thousand Pieces”, “Ants”, “Towards the Depths”— son sugestivos del impresionismo a veces sombrío en estas viñetas, aunque el lirismo de bello dolor está incorporado en Fotografia.

Siete pensierini corren desde la idiosincracia fractural de diez segundos de “Pensierino 1, in mille pezze”, a la extrañamente ingrávida “Pensierino 7, verso il basso”, la cual destaca a Turrisi en las entrañas del piano y hermosas figuras del bajo de Kaarsgaard. Entre medio, hay acordes dramáticos, arco temperamental y percusión tintineante sobre el vagamente siniestro “Pensierino 2, Sono l’uomo ombra ” y la melancolía de “Pensierino 3, rimorso “, con el lento walking bass de Lobo sugiriendo un triste ensimismamiento. El rápido y repetitivo motivo en “Pensierino 4, formicai” transporta la cabizbaja inclemencia de una hormiga en una misión, mientras “Pensierino 5, scarabocchio” tiene un arranque-parada, corriendo calidad. “Pensierino 6, il lago fantasma” mantiene un ambiente sereno y fantasmal en su marco barroco.

En lugar de encadenar estos pensierini juntos en una suite continua, Turrisi rompe con vuelos cortos de imaginación lírica. El solo piano de “Fotografia 1” exuda quietud contemplativa, aunque no sin una absorbente energía. Hay más de una narrativa para “Fotografia 2”, con su blues mediterráneo, y es de algún modo antiguo y moderno simultáneamente. Una interpretación sencilla de “Luiza” captura la vena blues de Antonio Carlos Jobim, con Turrisi empleando moderadamente la mano izquierda, descansando realmente. “Pensierosa (por Helen)” oscila entre meditativa y clásicamente elegante, y la innegablemente conmovedora “Lachrimae” tiene la rara belleza de una sonata de Beethoven, aunque, de nuevo, es esencialmente un inquietante blues.

En el punto medio y sujetando estas reflexivas piezas, están tres composiciones tradicionales italianas inspiradas en las interpretaciones del cantante Pino de Vittorio. El arco meditabundo de Kaarsgaard es el protagonista de la primera mitad de “Alla Caprinese”, que se mueve desde lo oscuro hacia la luz tal como el lirismo liviano como una pluma de Turrisi ilumina la pieza. “Attaccati li Tricci” I y II resaltan al Turrisi encantador, cayendo entre líneas arábigas, e inclinándose hacia el juego de manos con simples melodías.

Menos inmediatamente accesible que el primer CD de Turrisi, Fotografia, es, sin embargo, totalmente absorbente y apunta a un artista que se niega a permanecer quieto. El sombreado, matices y profundidad emocional hacen de esto un viaje encantador.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/fotografia-francesco-turrisi-diatribe-recordings-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Fotografía

01. Attaccati Li Tricci (5:09)
02. Fotografia I (2:45)
03. Pensierino I, In Mille Pezzi (0:52)
04. Luiza (2:16)
05. Pensierino II, Sono L’uomo Ombra (3:33)
06. Pensierosa (For Helen) (5:28)
07. Pensierino III, Rimorsa (2:52)
08. Alla Carpinese (7:32)
09. Pensierino IV, Formicai (2:36)
10. Lachrimae (For My Father) (4:37)
11. Pensierino V, Scarabocchio (2:45)
12. Pensierino VI, Il Lago Fantasma (3:18)
13. Fotografia II (2:55)
14. Pensierino VII, Verso Il Basso (4:36)
15. Attaccati Li Tricci II (11:06)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Claus Kaarsgaard: bass
João Lobo: drums

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Songs Of Experience (2013)

Originalmente me familiaricé con la música de Francesco Turrisi a través de su realización de 2011, “Fotografia”. Un álbum excelente que presentaba una alineación estándar de trío de piano, que se concentraba en un equilibrio entre la música de cámara y jazz infundido de folk. El resultado fue una agradable dualidad de elegancia y sencillez. En esta realización, Songs of Experience, Turrisi vuelve con el formato de trío, y mientras tiene a João retornando a los tambores, él sustituye la posición del bajo por el trompetista Fulvio Sigurta. Esto resulta en un álbum completamente diferente.Y mientras yo hubiera estado eminentemente contento con más de las cosas buenas, estoy encantado de presenciar la nueva dirección de Turrisi.

En su superficie, Turrisi ha grabado un álbum de jazz nórdico. Temperamental y sereno, las melodías fluyen y los ritmos gorjean y expansivos sonidos se reproducen en una tranquila esquina del mundo. De hecho, la influencia nórdica no es más que una extensión. Con sede en Dublín, pero sus raíces en suelo italiano, no es inexplicable que los sonidos de Escandinavia podrían haber llegado a la música de Turissi. Aparte del obvio efecto de la era digital volando las barreras geográficas para permitir que el expresionismo musical se disemine a través de la faz del planeta, también parece haber una tendencia donde el enfoque nórdico del jazz se mueve hacia al sur, así como el movimiento del jazz mediterráneo hacia al norte para encontrarlo.

Hay ejemplos en Bird is the Worm de músicos italianos desarrollando un jazz tranquilo influenciado por música folklórica local. Y mientras los modismos de la música popular Italiana difieren, es decir, de las de Copenhague, los rasgos que se fusionan con el jazz crean similitudes en el sonido Las contracorrientes de influencias son también resultado de músicos que se dirigen a otros países para estudiar, como Turrisi hizo cuando salió de Italia para estudiar en el Conservatorio Real de La Haya, en Holanda. Colaboraciones de diferentes músicas encuentran los lugares maleables donde existen similitudes y, por tanto, evocan nuevas ideas y nuevas expresiones y nuevos sonidos.

Pero esto es solo el hablar de influencias y tendencias de la música… dentro del béisbol, de interés principalmente para chiflados del jazz como yo. Tal vez como usted, también.

¿Cómo es la música?

El piano con una helada agudeza, la trompeta que expresa un cansancio y esperanza simultáneamente, y los tambores que dicen mucho hablando muy poco. Esta es la música que llena la habitación cuando una penetrante quietud ha echado raíces. Esta es la música que habla en voz baja, toma su tiempo para manifestarse, y es fantásticamente sugestiva cuando lo hace.

Algunas melodías, como “Incubo N.1” ofrecen una mezcla a lo Mingus de vanguardia y blues. Y “Birth” es una declaración exasperada de música de cámara… algo que, quizás, los admiradores de Wayne Horvitz puedan apreciar. Pero sobre todo somos presentados con melodías de elegancia y austeridad, con una tensión dramática continuamente mantenida al borde de estallar, y, lo que es más importante aún, de una belleza que se revela lentamente, desarrollándose de manera seductora de la primera a la última nota.

Excelente.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/francesco-turrisi-songs-of-experience/

Track Listing – Songs Of Experience

01. Nel Mezzo (6:17)
02. Uppon Lamire (1:52)
03. Le (Lullaby for Aoife Naima) (6:54)
04. Incubo n.1 (3:22)
05. Toccata Arpeggiata nello Stile Cromatico (2:57)
06. Incubo n.2 (5:10)
07. Birth (10:40)
08. Incubo n.3 (2:17)
09. Canto (10:21)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Fulvio Sigurtà: trumpet & flugelhorn
João Lobo: drums

tapa-grigio
Grigio (2013)

Para el pianista Francesco Turrisi música “vieja” es un término redundante. En el mundo del italiano establecido en Dublín toda la música existe en un continuo. El debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe Records, 2009) puede ser el único ejemplo del laúd medieval theorbo -laúd de cuello largo- en un contexto de jazz. “Fotografia” (Diatribe Records, 2011), una serie de improvisaciones de trio de piano que oscilaba entre la abstracción del free-jazz, y el lirismo de blues mediterráneo y brasileño. Para “Songs of Experience” (Taquin Records, 2013), Turrisi evitó el bajo en favor de la trompeta y el flugelhorn de Fulvio Sigurtà en piezas altamente melódicas y minimalistas, que dibujó igualmente desde las tradiciones clásicas y folk. En Grigio, Turrisi agrega barroco italiano, tradicional irlandés y canción hebrea a una paleta de colores.

Común a todas las grabaciones de Turrisi en un mayor o menor grado, es la vena de música barroca/temprana que traspasa su música. La novedad aquí, sin embargo, es el empleo de Turrisi de un cantante. Tres números cantados muy bellamente por Clara Sanabras, “Che Si Puo Fare?”, “Augellin” y “Canzonette spiritual sopra la nanna” ilustra la fuerza melódica y la profundidad lírica de los lamentos italianos del siglo XVII. Turrisi ha tocado estas canciones con L’Arpeggiata, pero el impulso rítmico del bajista Dan Bodwell y el baterista Sean Carpio se combinan con las volteretas de las líneas de jazz de Turrisi para formar un marco completamente contemporáneo para la música, cuyos temas de amor y angustia -y la indiferencia del mundo- son eternos.

Tres canciones tradicionales irlandesas interpretadas por le cantante de canto gaélico Róisín Elsafty enfatiza la universalidad del blues. “Elenaor a run”, una canción del siglo XVII, muestra la hermosa voz de Elsafty, con una sutil presencia de Turrisi en piano y Ebow. El lamento de “Sile Beag Ni Chonnallain” y el evocador arrullo que es “Seoithin Seo” podrían traer una lágrima al ojo de un verdugo. Estas tres canciones están en el CD de Elsafty, “Má bhíonn tú liom Bí liom” (Vertical Records, 2007) -altamente recomendado para quienes deseen mojar un dedo en la canción tradicional irlandesa. La banda de Turrisi, Tarab, mezcla música folk irlandesa y del mundo, pero estas melodías con Elsafty están más cercanas al espíritu de la tradición irlandesa que las que él se ha comprometido a registrar hasta ahora.

El firme adorno circular de Turrisi forma la espina dorsal de la impresionista pista del título. El tambor de cuadro de Zohar Fresco proporciona un pulso moderado, mientras la violoncelista Kate Ellis y el saxofonista soprano Nick Roth -ambos de Tarab- evocan líneas distraídamente armónicas. “Hadasha” del saxofonista John Zorn también embarca desde un implacable piano ostinato, aunque los bestiales gritos del violoncelo y el saxofón le dan un ambiente vanguardista, más abstracto. “Maoz trsur” es una canción tradional hebrea arreglada por Roth; desde su intro minimalista de piano y bajo, la voz sin palabras de Fresco se junta al revoloteo del saxofón alto y al moderado violoncelo en apacible unión, parecido a un rezo. Las simples líneas melódicas de Turrisi “Tu Ridi” doblan a una cadenciosa influencia árabe.

El virtuosismo de piano de Turrisi toma un asiento trasero en sus hábiles tratamientos de las canciones tradicionales que atraviesan un milenio. Sobre la superficie, puede parecer haber poco que una la canción italiana barroca con el himno hebreo o el lamento irlandés, pero el manifiesto en los arreglos de Turrisi es el espíritu esencial humano común al verso y la música a través del tiempo y las culturas. Otra asombrosa adición a la corta pero sumamente impresionante discografía de Turrisi.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/grigio-francesco-turrisi-diatribe-records-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Grigio

01. Che si può fare (4:43)
02. Grigio (4:48)
03. Eleanór a rún (5:58)
04. Hadasha (4:41)
05. Augellin (5:07)
06. Maoz tsur (3:52)
07. Síle Bheag Ní Chonnalláin (3:52)
08. Canzonetta spirituale sopra la nanna (7:01)
09. Tu ridi (3:09)
10. Seoithín seó (3:29)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Nick Roth: soprano sax
Kate Ellis: cello
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums

special guests:

Zohar Fresco: frame drums, percussion and vocals
Róisín Elsafty: vocals
Clara Sanabras: vocals

Apunte: El pianista italiano Francesco Turrisi, establecido en Dublin, es el arquetipo del músico de jazz moderno, tomando su inspiración en una amplia variedad de fuentes, desde el jazz y lo arábigo pasando por el barroco y la música popular Italiana, y a partir de esto, desarrolló en los últimos años esta serie de excelentes realizaciones, destacándose como una voz original e inconfundible. El tipo y calidad de la música, así como la estética de su presentación tiene muchos puntos de contacto con el espíritu del sello ECM, por lo que me animo a decir que en algún momento Manfred Eicher pondrá sus ojos en él y lo invitará a grabar en la casa alemana. Tómense el tiempo para escuchar esta música. Va a contrapelo de las urgencias diarias. Espero la disfruten.

Password en todos los casos: presoventanilla



Anna Garano
noviembre 9, 2015, 11:08 pm
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tapa Lessness
Lessness (2014)

“Ausencia en estado puro” parece la más acertada definición para el original vocablo beckettiano “Lessness”, así como el estado inspirador más fecundo para el trabajo de la experimentada guitarrista, solista y autora de filiación latina y mediterránea, pero evidentemente abierta a sugestiones y a experimentaciones cross-over, por otra parte enunciado por la composición del sugestivo line-up. Así que nos disponemos a la escucha de un potencial mosaico estilístico señalado por las contribuciones de la vocalista-performer armenia Anaïs Tekerian, llamada no solamente a dar color a los materiales armenio-caucásico ya afrontados por la líder, la rapsódica, crepitante aparición de la trompeta de Flavio Davanzo, las concentradas y crepusculares figuraciones de un inspirado y políglota Doug Wieselman y naturalmente las incursiones y contrapuntos de un Marc Ribot no sólo en pausa de restauración por las concitaciones aylerianas de su reciente Live at Village Vanguard y por su febril laboratorio Ceramic Dog, que con fácil mano importa las tensiones de lo sembrado sabiamente en sus variadas exploraciones, aunque manteniéndose aquí a buena distancia de las cargas subversivas de compañías zornianas y sus alrededores.

La andadura, exploratoria y osmótica, de la guitarra flamenca, (que útilmente actúa fuera del vínculo estilístico) esboza sin asperezas, plásticas melodías procediendo por líneas limpias y tesituras gentiles, declinando estilemas de musicalidad disciplinada y límpida, que tiene en cuenta una sensibilidad de varias cunas de civilización expresiva abierta a las interfaces contemporáneas, señalada por predominantes colores y humores de espíritu nocturno, en un soundscape controlado, evocador y formal, de dimensión personal, conmemorativo e íntimo.

Fuente Aldo Del Noce para http://www.jazzconvention.net/index.php?option=com_content&view=article&id=2385%3Aanna-garano-lessness&catid=2%3Arecensioni&Itemid=11

Track Listing

01. Imagine (si ceci cessait) (4:43)
02. Mantos Negros I (4:01)
03. Mantos Negros II (2:29)
04. Mantos Negros III (2:11)
05. Golden Wings (3:51)
06. Dance (4:18)
07. La Rosa Enflorece (4:13)
08. Avre Tu Puerta Cerrada (3:20)
09. Hashul (4:34)
10. Il Tempo delle Rane (4:10)
11. Lessness I (2:03)
12. Lessness II (1:32)
13. Aletis (4:49)
14. Pack up the Moon (to Mitja) (1:57)

Musicisti

Anna Garano: chitarra
Marc Ribot: chitarra (1, 5, 10)
Flavio Davanzo: tromba (13)
Anaïs Tekerian: voce (7)
Doug Wieselman: clarinetto basso (8)

Link de descarga
Password: presoventanilla



Jessica Lurie

tapa Tiger Tiger
Tiger Tiger (2005)

Un delicado homenaje a la música popular y una fusión de diferentes tradiciones culturales: estos son los principales elementos que hacen de Tiger Tiger un álbum eficaz. Jessica Lurie, alto saxofonista conocida por el gran público sobre todo por colaboraciones con artistas del calibre de Bill Frisell, se presenta en este álbum alternándose entre el saxófon y la voz. Y se trabaja a menudo para oír la diferencia: uno y otro son tratados de modo pasional y caliente, tanto que el uno retoma y continúa el discurso empezado por el otro. Manifiesto del disco podría ser “Surfarara”, una pieza recuperada de la tradición popular siciliana pero filtrada tanto por un estilo puramente jazzístico como por el influjo “árabe” del oud. Naturalmente, el acercamiento no tiene nada forzado: son bien conocidas las uniones que la música del Sur de Italia tiene con la tradición árabe y medioriental.

Excelente en todo el álbum el aporte de la batería y las percusiones de Zeno De Rossi, siempre particularmente acertado y capaz de dar un mood único y personal a cada pieza. Justo para aumentar la mezcla de estilos, inmediatamente después de “Surfarara” viene “Panonza 2”, que después de una corta introducción de saxofón solista, rompe en un tenso funky del que se adueña el bajo eléctrico de Siniscalco: un entreacto de menos de dos minutos, pero decididamente acertado. Todavía en primer plan el bajo eléctrico de Siniscalco en el bonito “Trauma e Discourse”, escrito por la misma Lurie, frenético e intenso. Sobre la estela de ritmos bastante corridos también está “The Panther” en el que se entrelazan diálogos entre el acordión de Sinigaglia y el saxofón. Y aún: “If Only One Were An Indian” es el recitado de una poesía de Kafka sobre un sutil acompañamiento de contrabajo y acordión, un esquema dialógico que se repite, aunque de forma diferente, en el atmosférico “The 43rd Day”.

Entonces, de “Everybody’s Got To Eat Sometimes” una especie de homenaje jazzísticamente releído, muy original, del r’n’b, con la caliente voz de Lurie especialmente adecuada a este rol -a la melancólica “Imagine Mobile”, de la burlesca y cabaretera “Devils Song” (una suerte de variación del tema de “Everybody’s Got To Eat Sometimes”), a las piruetas hard bop de “Baba Yaga’s Seven League Boots”, el disco es una exitosa mezcla de almas musicales intensamente diferentes, que pero vienen a encontrarse en unidad gracias a la sobresaliente personalidad musical de cada miembro individual del grupo, cosa que le regala a Tiger Tiger una insospechada consistencia de fondo.

Fuente para la reseña: Diego D’angelo para http://www.jazzconvention.net/recensioni/recensione444.html

Apunte: En el año 2005, Lurie grabó el excelente “Licorice & Smoke”, para el cual agrupó una banda de tremendos músicos (Nels Cline, Todd Sickafoose, Scott Amendola). Ese mismo año, un poco después, en Italia y con músicos italianos, grabó Tiger Tiger. Jazz, folk, funk, klezmer, música latina, vanguardia, son los ingredientes principales que pone Lurie en la olla donde cocina su música. El sabor final lo da el carácter festivo, el humor, el desenfado y el talento (por supuesto!) con que afrontan las composiciones. No sé si es una obra mejor o peor que “Licorice & Smoke”; en todo caso es un muy buen testimonio de lo todo lo bueno que hacía Lurie por esos días. Saludos!

Track listing

01. The Place That You Come From (3:48)
02. Hunger Artist Theme (3:41)
03. Surfarara (7:51)
04. Panonza 2 (1:37)
05. The Panther (6:34)
06. If Only One Were An Indian (1:56)
07. Trauma & Discourse (4:30)
08. The 43rd Day (3:23)
09. Everybody’s Got To Eat Sometimes (4:15)
10. Imagine Mobile (6:54)
11. Wires (2:57)
12. Devils Song (4:32)
13. Baba Yaga’s Seven League Boots 6:36
14. Panonza 1 (0:44)
15. Undeclared (5:18)

Artist List

Jessica Lurie: alto saxophone, voice, effects
Zeno De Rossi: drums, bongos & tambourine
Danilo Gallo: double bass
Marco Siniscalco: electric bass, electronics, tracks 4,7,10,13 & 14
Thomas Sinigaglia: accordion

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Password: presoventanilla



Omar Sosa

tapa Calma
tapa Alma
tapa Eggun
¿Quién es Omar Sosa?

Omar Sosa es un prestigiado músico que ha llevado su cultura y sus raíces siempre por delante, que ha logrado crear una música de un gran gusto y nivel por el ámbito internacional, desarrollándose principalmente en el piano y como compositor.

Nació en la ciudad de Camagüey, la ciudad interior más grande de Cuba, en 1965. Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de música de su ciudad en su adolescencia, iniciándose en la marimba y la percusión como buen cubano, para luego tomar el piano como instrumento base cuando pasó a la Escuela Nacional de Música, y completó su educación formal en el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde se inició en el mundo del jazz.

Su estilo musical es predominantemente influenciado por el jazz, pero mezclado con sus raíces afro cubanas, y hasta con toques modernos de música tan aparentemente distinta como puede ser el hip-hop, el funk y electric beats. Uno de sus distintivos es el género llamado spoken word, donde vuelca sus letras de tintes políticos, sociales y espirituales en sus canciones. Su música se describe como una expresión de humanismo y de la santería cubana, jugando con varios elementos del free jazz, world music y el avant-garde.

Sus influencias están marcadas preponderantemente por la música afro-cubana tradicional y la música clásica como Chopin y Bartok, además de los grandes pianistas del jazz como Monk, Hancock, Chick Corea, Keith Jarret y su gran maestro, Chucho Valdés. Con una apariencia extravagante, muy personal y característica en escenario, usando batas estilo africanas y un gorro blanco extraño en la cabeza, lo han hecho resaltar, además de la forma particular de tocar el piano. Se suele presentar en directo con varias formaciones, ya sea en cuarteto, septeto o con orquesta completa, forma un “rumbón” tan sabroso y especial en cada uno de sus conciertos, muy a su manera, que lo han llevado a presentarse por los más prestigiosos festivales y foros alrededor del mundo.

En el año 1993 se mudó a Ecuador, donde se sumergió en las tradiciones folklóricas de la región de la costa noroeste, cuya herencia africana incluye la tradición distintiva de la marimba. Dos años más tarde se trasladó a San Francisco, California, donde se empapó de inmediato de la escena del jazz latino y se dio a conocer rápidamente en el gremio internacional del género, empezando a hacer colaboraciones con diversos colegas.

Su carrera discográfica comenzó en 1997, con el lanzamiento de su primera grabación como solista de piano, Omar Omar, dando base a seguir con la grabación de alrededor de 22 discos como líder de su banda durante su ya extensa carrera, que lo han llevado a obtener cinco nominaciones al Grammy en total. Destacan varios como “Prietos”, “Afreecanos”, “Bembon”, “Sentir” y “Mulatos”.

Una de sus características es que suele trabajar con una extensa variedad de músicos de América, África, Asia, Europa e India. Ha colaborado con gente como Steve Argüelles, Julio Barretto, Mino Cinelu, Miguel “Angá” Díaz, Marque Gilmore, Trilok Gurtu, Gustavo Ovalles, Carlos “Patato” Valdés; cantantes como: Lázaro Galarraga, El Houssaine Kili, Xiomara Laugart, María Márquez; con los maestros Paquito D’Rivera, Luis Depestre, Leandro Saint Hill, entre muchos otros.

Omar colaboró recientemente una vez más con Greg Landau para grabar el disco con la cantante peruana Susana Baca. Una de sus diversas bandas es Afreecanos, que combina afro pop y jazz con una variedad de instrumentos europeos. Esta banda, que incluye músicos de África, Cuba, Brasil y Francia, lanzó un CD en 2009 y se fue en una gira mundial a principios de 2010.

Anualmente realiza más de 100 conciertos en seis continentes, Omar ha aparecido en lugares tan diversos como el Blue Note (Nueva York, Milán y Tokio), del Carnegie Hall Zankel Hall, el Museo de Boston de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Artes de Detroit, el Walker Art Center, el Getty Center, Barbican de Londres y la Reina Isabel Hall, de Glasgow Royal Concert Hall, y la Haus der berlinés Kulturen der Welt. Ha participado en incontables festivales entre los que se encuentran: Monterey Jazz, JVC Jazz, Montreal Jazz, Marciac Jazz, Mar del Norte Jazz, Helsinki, Grenoble Jazz, Montreux Jazz, Nápoles Jazz, Ravenna Jazz, Roma Jazz, Spoleto, WOMAD, y el festival internacional de Jazz de Ciudad del Cabo.

Asimismo, Omar Sosa recibió un premio a la trayectoria de los Asociados del Smithsonian en Washington DC en 2003, por su contribución al desarrollo del jazz latino en los Estados Unidos. Ha recibido dos nominaciones de la Radio 3 World Music Awards de la BBC, en 2004 y 2006. En 2003, Omar Sosa recibió un premio por la Asociación de Periodistas de jazz de Nueva York por su álbum “Sentir”.

Uno de sus grandes trabajos ha sido el disco que grabó con el reconocidísimo chelista y compositor Jaques Morelenbaum, junto con la Big Band de North German Radio de Hamburgo. El álbum fue grabado en 2007 y 2008 en los estudios de NDR en Hamburgo y cuenta con arreglos de Jaques Morelenbaum, de temas extraídos de discos anteriores como: “Spirit Of The Roots” de 1999, “Bembón” del 2000, y “Afreecanos” del 2008. Celebraron algunas actuaciones en directo con la Big Band, una de ellas en el festival Banlieues Bleues de Paris y en el famoso Palau de la Música en Barcelona, con Morelenbaum como director de orquesta.

Su música ha sido usada para películas y para la televisión, colaboró en 2008 en la banda sonora para el documental de PBS, “El juez y el general”, y completó la banda sonora de la película de 2010, “El último vuelo del flamenco”, producida por Fado Filmes en Lisboa, Portugal.

En 2011, Omar lanzó su quinta grabación de piano solo, Calma, que recibió una nominación al Latin Grammy, compuesto por 13 improvisaciones de piano solo, fusionando elementos estilísticos del jazz, nueva música clásica, ambient, y la electrónica.

En enero de 2012, colaboró con el trompetista italiano Paolo Fresu, en el disco titulado Alma, contando nuevamente con la colaboración del violonchelista Jaques Morelenbaum. Su actual trabajo musical se titula: Eggun: The Experience Afri-Lectric, lanzado en febrero del 2013, que juega con diversas expresiones de la cultura espiritual africana; Sosa lo describe como un tributo a los espíritus de aquellos que se han ido antes que nosotros, tanto en nuestras familias personales como de aquellos que sirven como nuestros guías espirituales. El álbum empezó con la experimentación que le gusta siempre hacer en cada disco, indagando en lo que el bautizó como “Afri-Lectric”, por un encargo que se le encomendó en el 2009 por el festival de jazz de Barcelona para componer y producir un homenaje a los clásicos de Miles Davis del disco “Kind Of Blue” por el motivo de su 50 aniversario. Basándose en varios elementos musicales y motivos de “Kind Of Blue”, Omar escribió una suite de la música que honra el espíritu de libertad en el trabajo seminal de Davis. El disco cuenta con 15 temas, llenos de sonidos de trompetas y dos saxofones, basado en la raíz de la música africana, mezclado con texturas de jazz, este se enriqueció aún más por el uso sutil y acertado de algunos elementos electrónicos, sin perder el corazón africano.

Omar Sosa ha sabido combinar bien sus raíces con la música contemporánea, llevándolo a ser uno de los mejores músicos hoy en día, es un visionario musical con un toque y un gusto exquisito por aportar nuevos sonidos a la música con gran talento y un viaje a nuevos paisajes sonoros, para satisfacer los gustos más refinados de cualquier escucha.

Biografía publicada en http://acidconga.com/recomendacion/omar-sosa

Calma (2011)

El último disco de Omar Sosa (Camagüey, 1965), tiene algo (o mucho) de disco zen; su audición produce en el oyente sensaciones de tranquilidad, calma, sosiego, equilibrio y reposo. Y es que esto es la Calma, título del disco, “estado de la atmósfera cuando no hay viento. Paz, tranquilidad”. O si se prefiere, dicho de otra manera, la mística de la quietud. (También es cierto que, según el estado en el que el oyente se encuentre, puede darle un ataque de taquicardia y de ansiedad debido a tanta quietud).

Esta no es la primera vez que Sosa se enfrenta en una grabación al piano solo, de hecho este es el quinto disco en su carrera que se enfrenta a semejante reto, y el resultado final no ha podido ser más positivo. Grabado en Brooklyn el 14 de octubre e 2009 en una sola sesión, recoge trece temas que son una continua improvisación, tanto en lo referente a temas nuevos como a revisiones de creaciones antiguas; como es el caso de las versiones de Aguas, basada en Across Africa y Dance Of Reflection, basada en Muevete en D.

En palabras del propio pianista: “Cada título inspira el siguiente y la improvisación es la base de la expresión musical. Quería tocar desde el principio hasta el final sin pensar en los temas, simplemente sentir a donde me llevaban las notas, siguiendo la voz de mi alma. Es posible hacer una viaje de la mano del silencio, la esperanza, el optimismo y la tristeza”. Se podrá decir más alto pero no más claro.

Como suele suceder en los trabajos de Sosa, en su piano hay, por supuesto, elementos jazzísticos, que conviven amigablemente con influencias tan dispares como los sonidos étnicos o la música clásica de los impresionistas del siglo XIX (léase, Satie). Todo ello conforma, en las manos de este pianista, una música amable y agradecida, tanto para el músico como para el oyente.
Con Calma estamos en presencia de uno de los mejores discos que se pueden escuchar de piano sólo. No se lo pierdan.

Reseña de José Manuel Pérez Rey http://www.distritojazz.es/2011/04/omar-sosa-calma/

Track Listing Calma

01. Sunrise (3:51)
02. Absence (4:02)
03. Walking Together (3:39)
04. Esperanza (5:24)
05. Innocence (3:28)
06. Oasis (3:13)
07. Aguas (3:41)
08. Looking Within (5:05)
09. Dance of Reflection (3:47)
10. Autumn Flowers (3:44)
11. Reposo (3:34)
12. Madre (3:24)
13. Sunset (4:05)

Artist List

Omar Sosa: electric piano (tracks: 3,6), electronics, Grand Piano

Alma (2012)

El disco es el resultado de la colaboración de dos grandes músicos de la escena jazzística actual, una mezcla de jazz y música cubana y universal, melódica y emotiva. Alma es un extraordinario y elaborado trabajo musical: fresco e innovador, cálido y emotivo. Un encuentro de dos experimentados y prolíficos músicos contemporáneos. “Nuestra premisa es la libertad y siempre buscando la comunicación, en ocasiones a través de la espiritualidad. El lirismo es parte de nuestra forma de comunicarnos a través de la música”, explica Omar Sosa.

Sobre su encuentro con Paulo Fresu, Sosa explica que se conocieron en Lituania hace ya varios años, pero no comenzaron a colaborar hasta hace cuatro, “aunque nuestro primer encuentro fue en Cerdeña en el marco del Festival que él dirige llamado Time in jazz y de ahí decidimos hacer algo más juntos”.

En cuanto a su más que prolífica carrera, plagada de discos en solitario, Sosa defiende que “simplemente intento traducir el mensaje que llega a mí, no fuerzo absolutamente nada”. En su opinión, “la música llega y yo lo único que hago es buscar la manera de plasmarla. El resto es trabajar continuamente para estar listo y no dejar que pase ninguna oportunidad”.

Respecto a la apostilla de ser el músico cubano menos cubano, Sosa dice que “la cubanía no se define con un tumbao. Se puede ser 100% cubano tocando música contemplativa. Aunque en lo personal me interesa mucho más ser un músico universal que solamente cubano en su forma estética. Creo que en esta vida hay mucho, mucho que aprender y para esto aunque debes tener tus raíces claras, debes esta totalmente abierto a recibir los mensajes vengan de donde vengan”. Por último, en cuanto a su visión general del jazz, defiende que “es una filosofía, la filosofía de la libertad y creo que aun falta mucho para ser realmente libres, vivimos dentro de demasiados arquetipos estéticos y sociales impuestos por la sociedad que no dejan que la libertad sea un elemento base en nuestra vida. Todas estas limitaciones, esto sin duda se reflejan en el arte porque la música es una de sus manifestaciones y no escapa a esa falta extrema de libertad, algo que es básico en el jazz”.

Fuente para la reseña: http://www.granadahoy.com/article/ocio/1394072/sosa/se/puede/ser/cubano/tocando/musica/contemplativa.html

Track Listing Alma

01. S’Inguldu (5:35)
02. Inverno Grigio (5:28)
03. No Trance (3:36)
04. Alma (5:49)
05. Angustia (4:34)
06. Crepuscolo (3:15)
07. Moon On The Sky (5:59)
08. Old D Blues (6:36)
09. Medley: Niños (4:00)
10. Nenia (5:23)
11. Under African Skies (7:28)
12. Rimanere Grande! (2:58)

Artist List

Omar Sosa: piano [acoustic], sampler, other [Fender Rhodes, Microkorg, multieffects], percussion, vocals
Paolo Fresu: trumpet, flugelhorn, percussion, whistle, other [multieffects]
Jacques Morelenbaum: cello

Eggũn: The Afri-Lectric Experience (2013)

En estado de gracia. Así se encuentra el pianista de Camagüey tras una década larga de proyectos fascinantes que tenían su semilla aún más lejos, en ese enorme disco que es “Bembón” (2000), pero que con “Mulatos” (2004) se sintetizaba definitivamente en ese peculiar estilo que mezcla las raíces afro-cubanas de su música con la experimentación, la libertad absoluta, la espiritualidad siempre presente y un amor por la tradición jazzística que amalgama el conjunto, entretejiendo las costuras con el fuerte hilo de la herencia. Omar Sosa ha demostrado a lo largo de una sólida carrera, que se inició a mediados de los noventa en Estados Unidos y que ha tenido su mejor desarrollo desde que se instaló definitivamente en Barcelona a finales de esa misma década, su pasión por la música sin fronteras, su compromiso con la creación pura, su voluntad de probar encuentros imposibles. Caminos distintos que él ha hecho sin miedo a perderse, buscando la conexión entre sonidos a priori inconexos y que ha acabado encontrando a base de puro talento, el suyo y el de la pléyade de ilustres colaboradores, que como en su caso, no han tenido miedo del salto al vacío. Dhafer Youssef, Steve Argüelles, Mark Weinstein, Jaques Morelenbaum, la NDR BigBand, Paolo Fresu… son sólo algunos de los nombres que han salpicado sus últimos trabajos y que explican la fascinación que nace de su música.

Por eso resulta especialmente estimulante acercarse a la versión discográfica que acaba de publicarse del proyecto que Omar puso en marcha para el Festival de Jazz de Barcelona de 2009: una revisión del “Kind of Blue” de Miles Davis como tributo al cincuenta aniversario de la histórica grabación. Omar, lógicamente, no se limitó a hacer una versión más o menos personal del disco, si no que compuso una obra nueva inspirada por el álbum de Davis, reinterpretando los elementos a su expresiva manera e incluyendo unos delicados interludios a manera de cojinetes sobre los que pivotan los otros temas. Unos interludios, breves y mágicos, inspirados en el piano de Bill Evans en los que Omar se deja llevar con total libertad.

Una Afri-Lectric Experience, como él mismo subtitula su obra, en la que acompañado por Joo Kraus, Childo Tomas, Marque Gilmore, Leandro Saint-Hill, John Santos y una larga nómina de colaboradores, asistimos a una ceremonia que va más allá de los tópicos. Jazz latino, música africana, homenaje a los clásicos, tributo… sí, todo eso y mucho más. Eggũn (palabra africana que vendría a traducirse por Ancestro, el espíritu de los seres queridos que velan por nosotros) es un álbum extraordinario al que uno debe acercarse sin complejos para dejarse llevar a continuación, flotando en la inmensidad de los sonidos que lo conforman, y así disfrutar de una experiencia musical única a cargo, como no podía ser de otra manera, del pianista más atípico del panorama del jazz actual.

Reseña de Carlos Pulido para http://etnika.com/world/blog/2013/02/19/omar-sosa-eggun-the-afri-lectric-experience/

Track Listing Eggũn

01. Alejet (Omar Sosa) (7:27)
02. El Alba (Omar Sosa) (8:49)
03. Interludio, Pt. 1 (Omar Sosa) (0:56)
04. Alternativo Sketches (Omar Sosa) (9:04)
05. Interludio, Pt. 2 (Omar Sosa) (0:36)
06. Madre Mia (Omar Sosa) (8:47)
07. Interludio, Pt. 3 (Omar Sosa) (0:50)
08. So All Freddie (Omar Sosa) (8:23)
09. Interludio, Pt. 4 (Omar Sosa) (0:57)
10. Rumba Connection (Omar Sosa) (9:19)
11. Interludio, Pt. 5 (Omar Sosa) (1:05)
12. Angustiado (Omar Sosa) (7:42)
13. Angustiado Reprise (Omar Sosa) (2:43)
14. Interludio, Pt. 6 (Omar Sosa) (0:33)
15. Calling Eggun (Omar Sosa) (6:22)

Artist List

Omar Sosa: piano, Fender Rhodes, electronics; samples
Marque Gilmore: acousti-lectric drums; effects programming, drum loop production
Childo Tomas: electric bass, kalimba, vocals
Joo Kraus: trumpet, flugelhorn, electronic effects
Leandro Saint-Hill: alto saxophone, clarinet, flute
Peter Prfelbaum: tenor saxophone, soprano saxophone, bass saxophone, melodica, caxixi
Lionel Loueke: electro-acoustic guitar, vocals
Marvin Sewell: guitars
Pedro Martinez: percussion
John Santos: clave, chereke, waterphone, panderetas, tambora, guiro, quijada
Gustavo Ovalles: percussion

Apunte: el envión que generó Paolo Fresu me llevó a la escucha de “Alma“, hermoso disco grabado con Omar Sosa, el artista que nos ocupa hoy en particular. De ahí a escuchar detenidamente otras dos de sus últimas producciones fue la obvia e inmediata consecuencia. Solo, en dúo o muy acompañado musicalmente, el afán de Omar Sosa es “crear un mundo sonoro que pueda llevar de un lado hacia otro, de la electrónica a lo acústico, de lo latino a lo africano”; justamente por la calidez que conlleva lo latino y lo africano, es difícil no sentirse a gusto con lo que propone este autodefinido “percusionista al que le gusta tocar el piano”. Esto tampoco significa que vamos a escuchar al estereotipo del latin-jazz; muy por el contrario, en estas obras la música muchas veces expresa estados de ánimo y vivencias personales muy profundas: basta ver los nombres de varios de los temas para intuir hacia donde se dirigen las cosas. “La calma no es parte de la cotidianeidad, pero sigue siendo parte de la verdad interior del ser humano. Todos la necesitamos para poder pensar claramente”, asegura Sosa, sobre la tranquilidad perdida en un mundo “complejo y agresivo”. En la amplia discografía de Omar Sosa estos son tres discos muy recomendables. Salud!

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