Preso ventanilla


Fabian Almazan

tapa Personalities
Personalities (2011)

El CD del debut de Fabián Almazan, Personalities, comienza con el sonido de una aguja áspera cayendo en un viejo LP que se puede escuchar en el comienzo de la pista “Tres Lindas Cubanas”. El sonido de la aguja continúa a medida que el trío del pianista de jazz ejecuta la antigua cadencia de este danzón del siglo XIX, que se oye en casi todas las bodas, cumpleaños o fiestas de aniversario, donde los cubanos o cubanoamericanos se reúnen. Un poco más de dos minutos de la canción, entonces, el sonido de la aguja de repente se evapora y lo mismo ocurre con el decoroso arreglo, cuando Almazan, el bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole se adentran en una moderna improvisación melódica. El cambio dramático es eco de los cambios en la vida del propio Almazan: Tenía solamente 23 años cuando se unió a una de las grandes bandas del mundo del jazz, el quinteto de Terence Blanchard, después de pasar su infancia en Cuba, la escuela secundaria en Miami y la universidad en Nueva York. Muchas cosas le han sucedido en un corto período de tiempo, y él trata de incorporar a todos en su primera grabación como líder de la banda. “Una de las cosas que me gustan de la música folklórica es que lleva a cabo dos sentidos para el músico y para la audiencia”, dice Almazán, de 28 años, quien está al frente de su trío en el Blues Alley los sábados. “Primero, que mantiene viva la tradición. Y, segundo, que permite a la nueva generación revisar esa tradición. Un danzón está diseñado para una configuración de sala de baile donde se reúne la élite, por lo que la primera parte es muy formal. Pero hay una larga tradición de improvisar en la música cubana, como en el jazz, por lo que la segunda parte es donde los músicos añaden lo que saben. Esta es mi manera de honrar el lugar donde nací. Es parte de lo que soy, y yo quería que mi primer CD reflejara eso”. Si su versión de “Tres Lindas Cubanas” representa una especie de choque cultural, su versión del Cuarteto de cuerdas N º 10 de Shostakovich representa otra. Es una de las piezas favoritas de Almazan, desde sus años de estudiante de piano clásico, y su trío realiza el tercer movimiento lento con un cuarteto de cuerdas muy sentido. Pero Almazan también es un producto del siglo XXI de la era del microchip, y después de grabar los temas él los manipuló con procesadores para crear lamentos fantasmales, gorjeos y retumbes dentro de la melodía de Shostakovich. “Me gusta mucho ese movimiento”, dice el joven pianista. “Como ser humano, me sentí afortunado de haber escuchado esa pieza. Pero también me encanta la música de Johnny Greenwood de Radiohead, sobre todo su repertorio orquestal, de Pierre Boulez y de Harry Gregson Williams, el compositor de la película que hizo la música de ‘Shrek’. Los tres son sorprendentes en el control de sonido con la electrónica, y pensé que su enfoque sería trabajar bien con el adagio”. Un arreglo musical diferente se puede escuchar en la composición propia de Almazan, “La vida vicaria”, también en este CD. Su mano derecha toca rápidos arpegios, acordes rotos que se ciernen bellamente, pero nerviosa por encima de la sección rítmica, mientras que su mano izquierda toca los acordes oscuros y pisando fuerte. El contraste entre las dos partes crece hasta que la tensión es insoportable. Es como si cuanto más la mano derecha trata de empujar a la melodía en el lirismo romántico, más la mano izquierda se resiste. “Esa pieza fue inspirada por los padres adoptivos”, dice Almazan. “Cuando empecé en la música, yo estaba constantemente rodeado por los niños cuyos padres eran controladores. Me di cuenta de que estos padres realmente amaban a sus hijos, pero actuaban de forma equivocada y hacían sentirse a sus hijos miserables. Esa pieza estaba tratando de reflejar estas cosas. Todos los padres cometen errores, pero creo que mis padres fueron muy buenos al respetar mis decisiones como niño en términos de lo que yo quería hacer profesionalmente. Ellos estaban allí cuando necesitaba consejo, pero me dieron el espacio para descubrir las cosas por mi cuenta.” Otro original de Almazan en el álbum, “H.U.G.S (Historically Unrepresented Groups)”, que fue grabada originalmente por el Grupo de Terence Blanchard, fue escrita en el momento de la elección presidencial de 2008 como un tributo a Barack Obama. Almazan lo volvió a grabar para el álbum de su trío, y es la única pieza en la que interpreta a un teclado electrónico. El año pasado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Almazan interpretó “Hugs” con el Cuarteto de Brice Winston, una banda liderada por el ex saxofonista de Blanchard y respaldada por la sección rítmica actual de Blanchard. Almazán tocaba la melodía en el piano acústico, trabajando en el medio-tiempo con arpegios propios. Sin embargo, sus frases ondulantes hicieron más que solo esbozar los cambios, ellos crearon una melodía tarareable con un sentido elegante de romanticismo. Había una calidad cinemática en la interpretación de Almazan, y no es casualidad, porque su director y mentor Blanchard es, sin duda el más exitoso compositor de bandas sonoras de películas que también ha mantenido una carrera de jazz floreciente. Blanchard, que ha escrito la mayoría de la música de las películas de Spike Lee, ha utilizado a menudo sus compañeros de banda en las bandas sonoras y los ha educado en las formas de crear música para una narrativa visual. El verano pasado, Blanchard llevó a Almazán para tocar en la banda sonora de la película de George Lucas “Red Tails”. Almazán también asistió al Lab de compositores del Instituto Sundance del año pasado, gracias a la recomendación de Blanchard. Cada pocos días, un compositor profesional de musica para cine visita a los seis estudiantes, hablan de la forma de arte y establecen un reto de hacer el mismo clip de cinco minutos. Dos días más tarde, ellos se reencuentran para escuchar el trabajo de los otros, así como la partitura del compositor veterano para el mismo clip. “Me gusta mucho escribir para películas”, dice Almazan, “porque la música no es el eje central. La música es muy abstracta y se puede interpretar de muchas maneras, pero cuando se tiene una narrativa, hay un mensaje más claro para la audiencia. La música puede ser frustrante cuando se escribe y el público lo interpreta de una manera totalmente diferente a lo que usted pretende. Eso no sucede tan a menudo en el cine”. Almazan ya ha recibido una comisión para componer la banda sonora para la próxima película del director sudafricano Daniel Zimbler. Pero incluso en su proyectos fuera del cine, Almazan crea narraciones con su música instrumental, puede ser la historia de su infancia en La Habana, o de sus primeros conciertos en Manhattan, sus lecciones de piano clásico en Miami, sus experimentos electrónicos en Utah o la observación de los padres de todo el mundo.

Reseña de https://www.cibercuba.com/noticias/2012/05/25/fabian-almazan-artista-de-jazz-toca-con-nuevos-aires-los-clasicos-cubanos

Track Listing – Personalities

01. String Quartet No. 10, Op. 118 – III. Adagio (8:33)
02. H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups) (7:12)
03. Personalities (9:18)
04. The Vicarious Life (5:21)
05. Grandmother Song (5:48)
06. Bola De Nieve (5:51)
07. Russian Love Story (6:48)
08. Sin Alma (6:02)
09. Tres Lindas Cubanas (4:59)
10. Una Foto (5:53)

Artist List

Fabian Almazan: piano, Fender Rhodes, electronics/audio manipulations
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Meg Okura: violin I (1, 3)
Megan Gould: violin II (1, 3)
Karen Waltuch: viola I (1, 3)
Noah Hoffeld: cello (1, 3)

tapa Rhizome
Rhizome (2014)

Rhizome es demasiado diverso para ser llamado álbum conceptual. Pero es un único arco, una profunda reflexión personal sobre nuestro momento actual. Un rizoma es un sistema de planta gigantesco en el cual plantas individuales sobre la tierra comparten un solo tallo subterráneo. Para Fabian Almazan es una metáfora de cómo la humanidad está toda conectada. Su álbum es una afirmación de la hermandad humana dentro de una dolorosa conciencia de su continua violación

Su trabajo con Terence Blanchard lo ha revelado como un brillante y expresivo pianista. Pero la complejidad de la materia en Rhizome requiere muchos recursos adicionales: una sección rítmica de la bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole, un cuarteto de cuerdas; la violinista de siete cuerdas, Ronit Kirchman; la guitarra y la inquietante voz de Camila Meza; un sintetizador. El logro de Almazan consiste en como él pone en orden todas estas contrastantes texturas y colores en un poderoso y conflictivo retrato de nuestro tiempo.

La pista del título fue motivada por la masacre de 26 personas, incluidos 20 niños en Sandy Hook Elementary School de Newtown, en Connecticut. Contra un oscuro fondo de cuerdas hirviendo silenciosamente y los gritos sin palabras de Meza, el piano elegíaco de Almazan y el solemne bajo de Oh sondean la esperanza en su luto. “Jambo”, con su violín de pánico y violencia de tambor, es una representación visceral de conflictos contemporáneos. El único standard, “Stormy Weather”, pertenece. Esto es una bellamente desolada y vacilante línea de piano de una sola nota dentro de los inquisitivos suspiros de las cuerdas.

Pero a veces la búsqueda de la fé de Almazan descubre momentos como “Hacia el Aire”, una conmovedora y ascendente mezcla de piano y violines. “A New Child in an Old Place” proviene de una visita a New Orleans, cuando Almazan vió niños jugando en el seno de la devastación causada por el huracán Katrina. Como el rizoma, los niños son una metáfora de la regeneración.

Este álbum es mucho más que los dones de Almazan como improvisador e instrumentista, pero sigue siendo una carrera cuando él se suelta, como en “Espejos” y desata su propia invención de piano en una ola tras otra dentro de la narrativa mayor.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para https://jazztimes.com/reviews/albums/fabian-almazan-rhizome/

Track Listing – Rhizome

01. Rhizome (8:25)
02. Jambo (6:56)
03. Espejos (6:08)
04. A New Child in a New Place (8:07)
05. Hacia el Aire (8:03)
06. The Elders (5:20)
07. Stormy Weather (4:04)
08. El Coqui’s Dream (2:05)
09. Sol del Mar (6:04)

Artist List

Fabian Almazan: piano
Megan Gould: violin
Tomoko Omura: violin
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Camila Meza: guitar, vocals
Ben Street: bass
Henry Cole: drums

tapa Alcanza
Alcanza (2017)

Cuando su disco debut, Personalities, fue lanzado en 2011, el pianista Fabian Almazan puso sobre aviso a todos: este era un músico sin miedo a tomar algunas grandes posibilidades con su oficio. Este álbum comenzaba con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerdas y electrónica, nada menos), y establecía efectivamente la trayectoria que Almazan ha continuado desde entonces, en los que fusiona lenguajes musicales basados en lo clásico, lo latino y el post-bop, en maneras que son siempre sorprendentes e innovadoras. Aunque ha demostrado ser un más que capaz sideman en todo tipo de contextos, no ha sido menor la dominación de los deberes del piano para la banda de Terence Blanchard desde 2007, su visión personal de sus propios proyectos siempre ha sido audaz y ambiciosa -sin miedo, realmente, a la hora de trascender géneros.

Después de Personalities, Almazan lanzó su segundo registro Rhizome en 2014, y al igual que su predecesor, incluye un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La novedad de aquel registro fue la vocalista y guitarrista Camila Meza, quien se ha convertido en un componente básico del ensamble de Almazan, junto con la bajista Linda Oh, el baterista Henry Cole y el cuarteto de cuerdas que incluye a Megan Gould y Tomoko Omura en violín, Karen Waltuch en viola, y Noé Hoffeld en cello. Con esta alineación ahora aclimatada en el lugar para la actual grabación de Almazan, Alcanza, el escenario se estableció para algo extraordinario. Y para estar seguro, esto es un triunfo absoluto.

En consonancia con la enorme visión de Almazan, este es un álbum conceptual, una suite de nueve movimientos de una hora de duración, que explora las preguntas de autodescubrimiento, identidad, y el lugar de los seres humanos en un complejo y a veces intimidante universo. La voz prístina de Meza da vida a la lírica que invita a la reflexión de Almazan, y aunque ella cante exclusivamente en español, la belleza y el esplendor de la música son más que suficientes para trascender las fronteras lingüísticas -un rasgo que caracteriza el cuerpo entero de trabajo de Almazan, así como su música tan a fondo desafía la categorización y clasificación.

Las dos cualidades más sorprendentes de la suite son su energía y su potencia emocional. Desde la apertura con “Vida absurda y Bella”, uno está inmerso en la infecciosa sinergia del ritmo e impulso de la música. Impulsado por la potencia percusiva del piano de Almazan, las ágiles línea de bajo de Oh, y los fluidos polirritmos de Cole, la música cambia hacia adelante, y las cuerdas son absolutamente esenciales para el proceso. Lejos de ser usadas como mera ornamentación, son integrales a la progresión de la suite, a veces en la declaración de los temas melódicos (como en el sublime movimiento de cámara, “Verla”), en otros ofreciendo el contrapunto cargado o la disonancia para acentuar el gusto picante de la música. Hay una inquieta y anhelante calidad de la música que es fascinante: incluso en sus momentos más tranquilos y más sombríos, uno siente la vida pulsando debajo, esperando a emerger con un estallido de energía creativa.

Y en cuanto a la vitalidad emocional del registro: es simplemente impresionante. Ya sea a través de la intensidad de “Mas”, con la vocalización creciente de Meza transportando al oyente a través de una meditación sobre los misteriosos propósitos de la vida, o el majestuoso lirismo de “Pater Familias”, dedicada al padre de Almazan, el alcance del sentimiento y la pasión abarcado por esta música es notable. Y aunque los temas musicales a menudo poseen un aspecto aparentemente simple, como folk, la música es decididamente no simplista: el barrido emocional de cada movimiento se ve reforzado por su complejidad rítmica. Escuchando los ademanes propulsivos de Almazan junto a la deslumbrante técnica multi-rítmica de Cole y las oleadas dinámicas de Oh hacen el arco melódico de “Pater Familias” aún más convincente y emocionalmente resonante.

Al examinar el registro, Almazan dijo que su intención era “sumir al oyente, para llevarlo completamente a otro lugar”. Con un álbum de este poderío, inflexiblemente creativo, lo ha hecho. Esta es música que exige ser escuchada y experimentada.

Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/alcanza-fabian-almazan-biophilia-records-review-by-troy-dostert.php

Track Listing – Alcanza

01. Alcanza Suite: I. Vida Absurda y Bella (5:43)
02. Alcanza Suite: II. Marea Baja (6:35)
03. Alcanza Suite: III. Verla (3:21)
04. La Voz De Un Piano (Fabian Almazan) (2:11)
05. Alcanza Suite: IV. Mas (feat. Camila Meza) (3:50)
06. Alcanza Suite: V. Tribu T9 (5:46)
07. La Voz De Un Bajo (Linda May Han Oh) (2:16)
08. Alcanza Suite: VI. Cazador Antiguo (5:56)
09. La Voz De La Percusión (Henry Cole) (1:05)
10. Alcanza Suite: VII. Pater Familias (8:39)
11. Alcanza Suite: VIII. Este Lugar (9:18)
12. Alcanza Suite: IX. Marea Alta (4:51)

Artist List

Fabian Almazan: piano, electronics
Camila Meza: voice and guitar
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Megan Gould: violin I
Tomoko Omura: violin II
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello

Apunte: Fabian Almazan nació el 16 de Abril de 1984 en La Habana, Cuba. A temprana edad comenzó a estudiar piano clásico en su patria. Junto a sus padres se exilia en Miami, Florida, pero allí no podía permitirse lecciones privadas de piano. Gentilmente, la pianista Conchita Betancourt le enseñó gratuitamente a Almazan durante más de tres años, permitiéndole hacer una audición en la New World School of the Arts de Miami, donde él estudió desde 1998 hasta 2002. En el 2003, Almazan se traslada a Nueva York, donde estudia con Kenny Barron en la Manhattan School of Music. Persiguiendo su licenciatura, estudia instrumentación y orquestación con Giampaolo Bracali. Bajo la tutela de Bracali, Almazan compone piezas para orquestas y conjuntos de cámara. En 2009, Almazan recibe el grado de Maestro de la Manhattan School of Music, y paralelamente estudia en privado con Jason Moran. Desde el año 2007 es un miembro permanente del quinteto del trompetista Terence Blanchard. En el año 2011 graba Personalities su primer álbum como líder el cual es bien recibido por la crítica especializada, algo que sucede nuevamente con su segundo álbum Rhizome del 2014 y finalmente llega este año su tercer entrega, sin dudas la más lograda, y también hay que decirlo, uno de los discos que seguramente encabezará las encuestas de revistas y sites a fin del presente año en el rubro “lo mejor de”. Hace varios días que vengo escuchando intensamente estas tres obras, y es gratamente sorprendente la evolución de una a la siguiente. De recrear su herencia musical tamizada por la impronta clásica adquirida desde la niñez hacia lo universal. Lo que sin dudas Fabián Almazan ha “alcanzado” es un estado de gracia, por así decirlo. “Alcanza” es musicalmente desbordante. Es grandioso sin pretender serlo: así de natural y profundas son las músicas creadas por Almazan. Al pianista le duele el mundo, la suerte de los expatriados, el destrato a la naturaleza, lo que pueda ocurrir con nuestros destinos y desde donde puede, él trabaja para curarnos. Y para nuestra buena suerte, tiene el don. “Alcanza” impresiona y realmente conmueve profundamente. Dos cosas más: una, aplaudo que las letras cantadas en estos discos sean en castellano, y dos, la letra de “Alcanza Suite: IV. Más” cantada como un ruego por Camila Meza, es de un sentimiento y humanidad estremecedora. En resumen: obra de arte exquisita, de lo mejor que he escuchado en los últimos años.

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Taylor Haskins

Tuve suerte de tropezarme tempranamente con la música de Taylor Haskins en mi transición de escuchar principalmente jazz del siglo pasado, previo a obsesionarme con el jazz de hoy.

Nativo de New Hampshire y actualmente residente en Nueva York, Haskins corta sus dientes durante veinte años en la escena de Nueva York, grabando música como líder de sesión y también como miembro de ensambles dirigidos por Guillermo Klein, Jamie Baum, Dave Holland, Alan Ferber, y Joel Harrison. Estos ensambles, como mucha de la propia música de Haskins, varían enormemente en términos de articulación, y cuánto uno influenció sobre el otro es una ecuación demasiada compleja de analizar minuciosamente, pero esto habla realmente de la franqueza con la cual Haskins ve la música y su buena voluntad para gravitar hacia sonidos difusos. Cuando se le preguntó acerca de esto, Haskins, explicó, “no tengo ninguna verdadera estrategia principal salvo la introspección profunda y la reflexión”, agregando, “como compositor, me encuentro trabajando como un pintor o el escultor, y la mayoría de las veces, el proceso en sí mismo es el que me revela la música”.

Proceso. Como muchos oyentes, tengo un proceso, también. Mis métodos para descubrir nuevos jazz son más regimentados ahora. Tengo asignaciones. Tengo mi propio sitio. Necesito ser eficiente. Pero me acuerdo con cariño los días y las noches en los que simplemente paseaba por los pasillos de Internet, siguiendo una ruta de un músico hacia el siguiente, un álbum al siguiente, viendo lo que apareció… ¿qué nuevo álbum o músico descubriría ese día?. Fue un momento como ese que descubrí la grabación de Haskins del 2002…
tapa Wake Up Call
Wake Up Call (2002)

Track Listing – Wake Up Call

01. You Have Everything You Need (3:57)
02. Equal Being (5:34)
03. Dream With You (3:11)
04. Hecuba (5:47)
05. Nadar (3:33)
06. Nomads (3:47)
07. Parking Lots (4:02)
08. Please Be Quiet, Please (4:12)
09. Wake Up Call (2:19)
10. Ooga Booga (3:58)
11. Precipice (4:46)
12. Live Free or Die (3:46)
13. Lost Poem (4:39)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, synthesizer
Ben Street: bass
Jeff Hirshfield: drums
Ben Monder: guitar
Aubrey Smith: lyrics (tracks: 3, 7), vocals [voice]
Yusuke Yamamoto: percussion, gong
Guillermo Klein: piano
Andrew Rathbun: tenor saxophone, sopranino saxophone
Regina Bellantese: violin

Wake Up Call golpea el mismo territorio donde Ben Allison se sitúa a sí mismo… el eje donde el post-bop se encuentra con el indie-pop, y claramente definidas, excepcionales melodías son aumentadas con desarrollo armónico y un enfoque rítmico que revela todas las complejidades y posibilidades avanzadas de estas simple y bonitas melodías.

Por ejemplo, el tintinear de la guitarra de Ben Monder que engrana con las llamadas sonoras de la trompeta de Haskins tienen una abundante personalidad en si mismo, pero cuando el resto del conjunto se levanta con un coro suave, pero en alza, la melodía solamente florece con colores brillantes y orgullosos. Y  “Dream With You” escarba en un ingenioso groove, añadiendo voces y efectos para producir algo tanto para casa, en la pista de baile, como para el sillón reclinable y auriculares. “Nomads” mantiene la melodía corta y simple, luego va revelando sus facetas más profundas con el piano de Klein que sirve como plataforma de lanzamiento para Haskins y Bellantese para entrelazar los patrones de vuelo de la trompeta y el violín. Y luego está el carácter original de “Please Be Quiet, Please”, que comienza con un raro lirismo que lentamente es eclipsado, revelando una calidad que insinúa una gran majestuosidad.

No me siento cómodo diciendo que fue un precursor de otras grabaciones seminales de indie-rock-jazz-fusión como Todd Sickafoose’s Tiny Resistors o las cosas interesantes que los Reed Wallsmith’s Blue Cranes están haciendo, pero esta no sería la primera instancia donde Haskins estuvo en la cúspide de la vanguardia, años antes de que comenzara a aburrirse del uso y el tiempo.

Como a menudo pasa cuando descubro un nuevo álbum de un nuevo (para mi) músico que pone a flote mi barco, inmediatamente intenté encontrar otra grabación de aquel artista. Esto es cuando detecté su grabación del 2006 …
tapa Metaview
Metaview (2006)

Track Listing – Metaview

01. Biorhythm (7:14)
02. Patience (5:20)
03. Interbeing (6:18)
04. Moodring (5:53)
05. Timespeed (6:31)
06. Trance Dance (5:32)
07. Cranes (3:05)
08. Call Me Tomorrow (3:41)
09. Nyah (2:00)
10. Zuma (5:06)
11. Itty Bitty Ditty (5:55)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, keyboards, percussion, compositions
Matt Penman: double bass
Mark Ferber: drums [drumset], gong
Adam Rogers: guitar
Andrew Rathbun: tenor saxophone, soprano saxophone

Un álbum con un definitivo sonido mainstream, pero de una manera progresiva pensando en lo que podría ser el siguiente paso en la evolución de lo mainstream… un entorno electro-acústico, en el que los grooves para las masas conviven pacíficamente con el calor post-bop para el jazz-de-corazón, y acompañado por una serie de melodías bien elaboradas que prosperan en cualquier medio.

El reflejo del sonido de Haskins en esta grabación son los grooves de “Biorhythm” con su oscura armonías de teclados y “Patience” con el electro-groove y dinamismo, sobre la cual la melodía se monta como rápidos bajo una corriente estable. Y luego está “Trance Dance” con su ritmo torrencial y solos salvajes y free, e “Interbeing”, que da la bienvenida a todas estas calidades bajo el mismo techo, mientras que “Zuma” los tiene estando de pie espalda con espalda.

En ese entonces, Metaview no se pareció a aquellos muchos otros álbumes cercanos en reputación en la multitud de grabaciones de jazz modernas. Este no es tanto el caso. En los últimos años se han visto más músicos abrazando un moderno electro-soul y groove, y aunque cada músico aprovecha este sonido general a donde su específica voz los obliga a ir, para la mayoría, es música que incita al movimiento. Esto cambia con la siguiente grabación de Haskins, me adelanto.

No fue mucho más después, en algún momento en 2010, que Haskins publicó un nuevo álbum, que, en mi opinión, se sitúa como la obra maestra de su desarrollo creativo (hasta ahora)…
tapa American Dream
American Dream (2010)

Track Listing – American Dream

01. Invocation: American Dream (3:21)
02. Theme from “Dead Man” (2:33)
03. Mustangs (Steve McQueen) (4:26)
04. Drifters (6:18)
05. Black Boxes (8:18)
06. No Regrets (5:08)
07. Pyramids (2:02)
08. Idlewild (2:59)
09. Everlong (3:24)
10. The Ballad of Michael Jackson (6:11)
11. The Monetary System Blues (6:05)
12. Johnsburg, Illinois (1:39)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, melodica
Ben Monder: guitar
Ben Street: acoustic bass
Jeff Hirshfield: drums

Taylor Haskins sabe cómo hacer una declaración de apertura. Los gritos desesperados de la pista del título “American Dream” introducen el álbum, sosteniendo la promesa de canciones sobre la esperanza y la angustia, y el drama inherente en ambos.

Golpeando a un sonido que bordea las tierras del Jazz/Americana recorridas por Bill Frisell, Haskins aporta un tono oscuro al sonido jazz-folk, una pesada atmósfera que promete una intensidad ardiente, y ninguna certeza para predecir cómo todo se sacudirá.

“Theme From Dead Man” colorea la melodía de Neil Young con enérgicas declaraciones llenas de alarde que van disminuyendo, atractivamente, en momentos de ensueño. “Mustangs” tiene una actitud vigorosa totalmente personificada por la guitarra de Monder, llena de lucha. “Drifters” muestra que el cuarteto sigue todo tipo de energía reprimida, y “Black Boxes” no es menor, aunque, cuando en el primero, las lágrimas del solo de trompeta de Haskins mientras Monder equilibra el calor con vacilantes notas de guitarra, en la última de las dos canciones, vuelve Monder nuevamente al papel de hacer que la temperatura vaya hacia arriba.

La segunda mitad del álbum ofrece la promesa de desamor para eclipsar la esperanza de la primera mitad del álbum, mostrando más de un tono pensativo en todas partes.”No Regrets” posee un tono de melancolía que no deja subir. La tristeza “Pyramids” es como tender la mano a un rayo de luz de la luna y comprender que no proporciona ningún calor. “Idlewild” suena arriba con trozos de brillante melodía, pero sus llamadas asordinadas son más contemplativas en naturaleza, acentuadas por el bajo murmullo del solo de bajo de Street. El álbum termina con una interpretación de “Johnsburg, Illinois” de Tom Waits, una selección que perfectamente enmarca el énfasis sobre lo agridulce del Sueño Americano.

Es un álbum impresionante, con toda clase de evocaciones, pero con una reserva que solamente emana desde una fortaleza del interior… un entramado de malhumor y amenaza.

Y no era nada como su próxima grabación, publicada un año más tarde, en 2011…
tapa Recombination
Recombination (2011)

Track Listing – Recombination

01. Morning Chorale (2:21)
02. Here Is the Big Sky (6:36)
03. Clouds Form Below Us (6:21)
04. Upward Mobility (5:07)
05. The Shifting Twilight (3:37)
06. A Lazy Afternoon (5:02)
07. Lurking Shadows (5:08)
08. Passing Through (7:07)
09. Riverstone (2:53)
10. Möbius (4:26)
11. Alberto Balsam (3:45)
12. Forgotten Memory of Something True (6:45)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, melodica, synths, computer
Ben Monder: guitar
Henry Hey: piano, synths
Todd Sickafoose: bass
Nate Smith: drums
Samuel Torres: percussion (3, 4, 9)

Considerando mi familiaridad con la música de Haskins hasta este punto y su tendencia a que su sonido evolucione de proyecto a proyecto, mirando hacia atrás, no estoy seguro de por qué esperaba de su grabación del 2011, Recombination, que siguiera líneas similares a “American Dream”. Porque no lo hizo, y aún hoy, años más tarde, mientras sigo recogiendo los pedazos de mis expectativas destrozadas, encuentro mi opinión de Recombination en un estado perpetuo de flujo, mi perspectiva cambiando junto con el paso del tiempo.

En cierto modo, esto combina los elementos predominantes de “Metaview” y “Wake Up Call”, aunque presentado con un sonido mucho más redondeado, desarrollado. La pista de apertura “Morning Chorale” es distorsionada armónicamente de manera encantadora, mientras “Here is the Big Sky choca en el espacio con un apetito rock ‘n roll, el cual cambia en el electro-groove de “Clouds Form Below Us”. Haskins excava aún más profundo en “Upward Mobility”, música de baile eléctrico que se atreve a dejar líneas melódicas que se aparta del espeso groove R&B, permitiendo prosperar a ambos elementos. “Lurking Shadows”, con su psicodélica vibración, continúa desarrollando la música de movimiento, trabajando un groove que se comporta como una elaborada cadencia, haciéndolo no menos provocativo en la obtención del movimiento del oyente, todavía diferenciándose de pistas anteriores. Los grooves son estupendos, pero cuando están homogeneizados… no tanto. La labor de Sickafoose, Hey, y Smith ofrecen todo tipo de variaciones en el ritmo.

La segunda mitad del álbum cambia de tono. Esto comienza con “Passing Through”, una canción con un cambio atmosférico, colgada justo encima de una línea de bajo murmurantes y un suave traqueteo de la batería, y continúa en “Riverstone”, con la percusión de Torres añadiendo alguna agradable textura a la sección rítmica. El sentido de la primera mitad del álbum se comporta como un sol naciente y la última mitad como puesta de sol cimentada en el lugar con “Forgotten Memory of Something True”, como el sonido electro-folk encantador de la melódica de Haskins nada en la misma agua que las brillantes notas del teclado.

Me encuentro disfrutando Recombination más aquel tiempo me separa de lo que “American Dream” era y cómo fue que informó a mi deseo de querer más en la próxima grabación de Haskins. Es una de las experiencias más gratificantes en la escucha de música… para poder medir la evolución de la conectividad en el mismo flujo del tiempo como uno vive su propia vida. Es el tipo de cosa que unimos las música a momentos concretos de nuestra cronología.

Y en cuanto a las expectativas y el desarrollo y cambio del sonido de Haskins en el transcurso de su carrera discográfica, afirma, “estoy tratando de permanecer en una trayectoria lineal y seguir los consejos que Ornette [Coleman] me dió, cuando me reuní con él hace muchos años atrás: “No mires atrás'”, añadiendo que “nunca sé cuál es el siguiente paso. Mi trabajo es un reflejo de lo que soy en un determinado momento en el tiempo”.

Esto es quién es Taylor Haskins ahora, su realización del año 2014…
tapa Fuzzy Logic
Fuzzy Logic (2014)

Track Listing – Fuzzy Logic

01. Somewhere I’ve Never Travelled (3:05)
02. Four Moons (3:03)
03. Fuzzy Logic (5:04)
04. Comfortable Disease (5:33)
05. Airwaves (7:37)
06. Perspective (5:33)
07. Too Far (4:02)
08. Conviction (4:59)
09. I Believe In You (1:46)
10. Take It With Me (3:03)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, drone flute, melodica
Ben Monder: guitar
Kermit Driscoll: bass
Jeff Hirshfield: drums
Joyce Hammann: violin
Lois Martin: viola
Jody Redhage: cello

No tiene sentido hablar de Fuzzy Logic, la nueva grabación de Taylor Haskins, sin primero hablar del trío de cuerdas. De los muchos sonidos que representan la progresión de la cambiante voz de Haskins a lo largo de los años, este es el primero que incorpora las cuerdas. Se crea un contexto en el que el álbum entero puede ser descrito.

Fuzzy Logic tiene una atractiva calidad monocromática. El grado de cambio de una pista del álbum a la siguiente, se mide por sus sutilezas y matices, y las mareas cambiantes de luces y sombras.Cada una de las grabaciones de Taylor Haskins tienen una personalidad individual, distintas unas de otras, y cada una de las personalidades poseen ciertas peculiaridades y características que son contrarias a sus representaciones generalizadas.

Fuzzy Logic es la más consistente y redondeada pieza de trabajo de Haskins hasta la fecha… una perspectiva estabilizada que difumina las líneas entre canciones y da la impresión de una expresión larga y sostenida. Esto hace que el álbum suene vasto e interminable, y aunque su desarrollo nunca amenaza con dejar al oyente sin aliento, eso no implica que no haya momentos en los que la música amenaza con robar ese aliento. Parte este efecto es debido a la ubicua presencia del trío de cuerdas, pero igualmente causativo son los nombres familiares para las grabaciones de Haskins que retornan al redil de Fuzzy Logic. La guitarra camaleónica de Ben Monder continúa expresando su mutabilidad entre los momentos de contemplación melódica, ardiente expresionismo, y la excavación profunda en un espeso groove. Jeff Hirshfield está de vuelta en el asiento del baterista, habiendo sido parte tanto de “Wake Up Call” y “American Dream”. Kermit Driscoll es un nombre nuevo en las grabaciones de Haskins, pero el veterano bajista ha sido un colaborador esencial de otros artistas, de manera más relevante como miembro del equipo de Bill Frisell, ayudando a desarrollar el sonido jazz/americana que evoca “American Dream” de Haskins. Y luego, por supuesto, el trío de cuerdas de Jody Redhage, Joyce Ammann y Lois Martin.

De la misma forma que el autor Michael Chabon es un maestro de los párrafos iniciales de una novela, Taylor Haskins elabora algunas majestuosas declaraciones de apertura en sus álbumes. La melancólica apertura de “Somewhere I’ve Never Traveled” es un rayo de luz solar cortando un banco de nubes oscuras, el zumbido de la flauta nativa americana un evocador subtexto para otra melodía optimista.

Y los cambios de tono en “Four Moons”, en la cual la línea de bajo pulsante de Driscoll instila un sentido de urgencia a la melodía… un efecto que tira a las cuerdas y a la trompeta de Haskins en su órbita. Los tonos más oscuros cambian a tonos ligeros en la pista del título “Fuzzy Logic”, anclados por la cuidadosa guitarra de Monder trazando notas hacia arriba, yendo a la deriva y golpeados por el insistente trabajo de batería de Hirshfield. El trío de cuerdas agudiza el tono en “Comfortable Disease”, bancando la asombrosa armonía de la melodía angular de Haskins, un efecto que oscila al extremo opuesto del espectro con la interpretación del conjunto de la escultural melodía “Airwaves” de Thomas Dolby. Haskins ensancha la extensión de la fuerte melodía de Dolby, permitiéndose ir cuidadosamente a la deriva donde Dolby había decidido elevarse.

Los tonos claros son explorados en la recta final del álbum. La balada de “Perspective” se mueve con la efímera gracia de un penacho de humo, con la armonía de la trompeta y cuerdas proporcionando su diminuta calidez y suave resplandor. Y “Too Far” abre con armoniosas declaraciones de cuerdas y trompeta, estirando lentamente la melodía en una manera ordenada y luego inmediatamente se ajustan para recomenzar. “Conviction” juega un poco con el tempo, tanto la melodía como el ritmo engañan las expectativas de donde caerá el siguiente zapato, superponiendo una lenta melodía con rápido ritmo pensante.

Los tonos ligeros y matices continúan con “I Believe In You” una breve melodía, una idea de una canción, y tan exquisitamente creada para personificar, quizás, el latido de corazón de esta grabación. Hay una pizca de perfección en como inmaculadamente esta canción está diseñada, de la manera en que árboles enormes y deslumbrantes arreglos florales son empequeñecidos por la gloriosa simplicidad de la semilla de la que provienen.

Haskins finaliza el álbum con una versión de “Take It With Me” de Tom Waits. La agridulce tristeza inherente de una canción del Tom Waits “Mule Variations”, encaja perfectamente con este álbum de expresionismo monocromático de nubes-oscuras-en-un-día-soleado. Es un poco una repetición de álbumes anteriores. Haskins cerraba “American Dream” con una versión de “Johnsburg, Illinois” (del álbum “Swordfishtrombones”) y como hizo en la canción final de “Recombination”, finaliza Fuzzy Logic en la melódica… un instrumento de viento que se parece un poco a un teclado y suena un poco como una armónica, y que transmite una tristeza y una calidez que son igualmente encantadores. Este tipo de cosas comunes son bonitas y sutiles ataduras entre álbumes de diferentes personalidades, ilustrando que aparentes diferencias son simplemente facetas de expresiones similares.

Es una sublime conclusión a un álbum encantador.

Fuente: La reseña original en inglés de todos los discos de Taylor Haskins pertenece a Dave Sumner, para http://www.birdistheworm.com/i-listen-to-all-of-this-taylor-haskins-fuzzy-logic-and-everything-else/

Apunte: Taylor Haskins está siendo aclamado como una de las voces más originales en la trompeta de hoy en día. Ha actuado, grabado y ha salido de gira por el mundo tocando con una amplia variedad de músicos en sus más de 24 años de carrera, incluyendo la Orquesta de Artie Shaw y la Maynard Ferguson’s ‘Big Bop Nouveau’ y más recientemente con el grupo de Richard Bona. En la actualidad Taylor suele actuar y grabar con Guillermo Klein y su grupo ‘Los Guachos’, con la Big Band de Dave Holland (con quien ganó un premio Grammy en el año 2005 por el álbum “Overtime”), con la Big Band de Alan Ferber (nominado para un premio Grammy en el año 2015 por el álbum ‘March Sublime’), y más recientemente con Nels Cline y su proyecto ‘Lovers’. Su carrera como líder se compone de este puñado de cinco discos, los cuales tienen cada uno de ellos diferentes direcciones musicales, pero todas ellas agrupadas en un jazz moderno, abierto a sonoridades varias pero fundamentalmente rock y folk. Si a este atractivo combo le sumamos el mesurado lirismo de su trompeta, la destreza para la escritura y los brillantes elencos que lo acompañan (entre los cuales están, por citar algunos, Ben Monder, Adam Rogers, el propio Klein, Todd Sickafoose y Henry Hey) el disfrute sonoro está asegurado. Buen provecho!!

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Jakob Bro
abril 14, 2013, 4:22 pm
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tapa Balladeering
Balladeering (2009)

A lo largo de todo el proceso de grabación de Balladeering, el guitarrista danés Jakob Bro fue seguido de cerca por el cineasta Sune Blicher, quien documentó las sesiones que tuvieron lugar en los famosos estudios Avatar de Nueva York, capturando en imágenes, la poesía de la música. Un motivo recurrente en la película son los músicos absortos en la escucha, y esta particular formulación también encuentra su lugar en las fotos de Robert Lewis que embellecen el álbum, convirtiéndose en una metáfora de la propia música y el espíritu de la creación.

Más que nada, Bro se puede denominar “un músico que escucha”. Él crea sus poéticas composiciones como estructuras abiertas que invitan a la interpretación. Esto es el regalo especial de Bro, que es capaz de hacer una música tanto melódicamente encantadora, como no cerrada a patrones predefinidos.

La apertura, “Weightless”, es un ejemplo de como una simple figura melódica de guitarra es expandida y superada en una textura translúcida de sonidos, con el toque plumoso del baterista Paul Motian trabajando alrededor del complejo tapiz de líneas de guitarra creadas por Bro y su colega guitarrista Bill Frisell.

En “Evening Song”, el legendario saxofonista Lee Konitz se une al cuarteto y toca con un tono que parece encarnar la belleza y el dolor de la vida, en tanto que “Terrace Place”, con su leve disonancia y carácter melancólico, encuentra a los músicos hablando un lenguaje unificado, donde las cuerdas y loops de los guitarristas son doblados y se complementan con el soplido circular de Konitz y los elegantes, casi invisibles, patterns de bajo de Ben Street.

Balladeering es una verdadera obra de arte, que reúne a lo mejor en los participantes; Konitz no ha tocado mejor en algún tiempo. El álbum, sin embargo, no es sobre el esplendor individual, más bien es una prueba de jazz como una forma de arte de audiencia, que invita a lo inesperado y trasciende egos. Tanta belleza sólo es posible si las composiciones no limitan el potencial de la música. Aquí, todas las posibilidades están abiertas y el resultado es una música que es infinitamente rica en su democrática belleza.

Nota: Balladeering está disponible tanto como un CD simple, como una caja de lujo, que incluye el álbum en CD, un vinilo y el fascinante documental de Blicher sobre el ‘ making of ‘ del disco, “Weightless: A Recording Session with Jakob Bro”.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=34901#.UVZIpjc_QU8

Apunte: Domingo al mediodía. Otoño nos regala hoy un hermoso y cálido día de sol. Por mi cabeza pasa desde hace varios días la necesidad de escuchar (una vez más) y decir algo de Balladeering. Comienzo a encender el fuego para el tradicional asadito argento y, paralelamente Bro, Frisell, Konitz, Motian y Street empiezan a tocar. Poesía, contemplación, calma, expresivos silencios, espacios abiertos, deambular despreocupadamente sin rumbo fijo, son palabras y frases que vienen a mi mente mientras los temas se van sucediendo. Se reafirma en mi, la idea de que Bro es antes que guitarrista, una suerte de director de cine que tiene bosquejos de lo que quiere, pero que confía plenamente en que los actores elegidos improvisen e interpreten desde sus propias sabidurías. En los álbumes anteriores que hemos escuchado de Bro, Mark Turner y Chris Cheek eran quienes expresaban claramente el tono y las emociones; en Balladeering esa tarea queda casi exclusivamente en las manos del brillante Lee Konitz, mientras que Bro y Frisell se dedican a crear atmósferas plenas de preciosos detalles sonoros. Balladeering, a mi entender, hasta el año 2009 representa un paso evolutivo en la búsqueda artística de Jakob Bro. El disco llegó a su fin y empezó a correr “Time” editado en el 2011, pero mi asadito está pronto (como dicen los amigos uruguayos), así que por el momento doy “stop”, pero continuará…

Track Listing

1. Weightless (5:30)
2. Evening Song (4:38)
3. Vraa (7:12)
4. Starting Point (Acoustic Version) (4:17)
5. Greenland (7:15)
6. Terrace Place (5:00)
7. Sort (3:58)
8. Starting Point (Electric Version) (6:05)

Track Listing

Jakob Bro: guitar
Bill Frisell: guitar
Lee Konitz: alto saxophone
Ben Street: bass
Paul Motian: drums

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Jakob Bro

tapa The stars are all new songs 1
The Stars Are All New Songs Vol. 1(2008)

La transición del talento prometedor al artista bien establecido no es siempre fácil y algunos músicos parecen condenados a ser colocados en la eterna categoría “nueva voz interesante”. Claramente no es el caso con el joven guitarrista danés Jakob Bro, que se ha hecho uno de los principales estilistas en una nueva generación de guitarristas de jazz que incluyen a sus colegas en la banda de Paul Motian, Steve Cardenas y Ben Monder.

La evolución de Bro como artista ha sido un viaje hacia la simplicidad. Al principio de su carrera él escribió melodías muy complejas bajo la fuerte inflluencia del vanguardismo de Ornette Coleman. Ahora él ha encontrado una nueva estética que, en lugar de llenar el aire con notas, deja crecer a las melodías con silencios y espacios. La marca registrada de Bro se ha convertido en la creación de simples y encantadoras melodías que siempre insinúan más. Ha creado una nueva clase de complejidad que está determinada por lo que está alrededor de la forma y no por lo que está en ella. Su música muestra una respiración de tiempo similar a la música de Tomasz Stanko y Paul Motian, músicos a los cuales Bro acompaña en sus respectivas bandas.

Como el título, The Stars Are All New Songs Vol. 1, implica que el álbum es la primera parte de una trilogía que podría resultar ser el trabajo más ambicioso de Bro, aún. Los músicos involucrados habla del más alto nivel artístico: los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek, los guitarristas Bill Frisell y Kurt Rosenwinkel, y el baterista Paul Motian están entre los nombres enlistados, pero el álbum no es sobre esas “estrellas”, sino que es sobre las canciones, la música. Todos los nombres establecidos, con sus sonidos individuales, logran apartarse y hacerse parte del mundo de las composiciones de Bro, un mundo que es de verdad. Desde la apertura “Sound Flower”, con el entrelazado de tonos de Frisell y Bro, parecidos a una campana, se revela un singular universo de sonido que es orgánico como una flor. La mayoría de los tracks están construídos alrededor del cuarteto de Bro, Frisell, Motian y el excelente bajista Ben Street. Sin embargo, algunos de los highlights incluyen las suaves y aterciopeladas voces de Cheek y Turner. Cheek forma equipo con el legendario ícono del jazz danés, Jesper Zeuthen, en el despreocupado y melódico “The Boy From Saladan”, mientras Turner, Zeuthen y Andrew D’Angelo crean una pared de sonido en el inspirado vals “Duke Ellington Boulevard” y en el track a lo Mingus, “Drumscapes”. En todo, Bro maneja todos los aspectos del mundo del sonido.

Desde las soñadoras, surrealistas, abstractas, líneas melódicas de “Reconstructing A Dream”, que ve contribuyendo a Rosenwinkel, a la sentida balada, “Eugenie”, Bro conserva una única visión artística. The Stars Are New Songs Vol. 1 es el paso siguiente en el proceso creativo de Bro. Muchos proyectos se alinean en el futuro y es imposible saber cual será su siguiente paso, pero este álbum claramente acentúa que Bro ha encontrado su propio camino a las estrellas y los amantes del jazz moderno se estarían engañando si no lo escucharan.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=29632#.UVZFTjc_QU8

Apunte: repasando la lista de músicos intervinientes, uno no puede menos que sorprenderse al ver la calidad de todos ellos, pero, como bien señala Jakob Baekgaard en la reseña traducida, aquí las estrellas son las nuevas canciones de Bro. Como parece ser su zona de confort, la calma, las lentas melodías, son los rasgos distintivos de Bro, que es más bien un detallista del sonido de su guitarra antes que un virtuoso extremo. “Origin” o “Waltzing Trees” tranquilamente podrían haber estado en la lista de temas del disco “Good Dog, Happy Man” de Frisell: tal es el grado de similitud que tienen por momentos los universos sonoros de Bro y Frisell. A mi humilde entender, las nuevas canciones se enriquecen, ganan en emoción, cuando intervienen los instrumentos de viento, en especial Turner y Cheek: “The Boy From Saladan”, efectivamente es un gran tema; “Duke Ellington Boulevard”, es otro. De los temas sin participación de los instrumentos de vientos, “Reconstructing A Dream” logra transmitir un clima onírico. El álbum cierra de manera plácida, con la balada “Eugenie”, con las guitarras languideciendo dulcemente, mientras el maestro Motian deleita con recursos mínimos, sutiles y exactos.

Track Listing

1. Sound Flower (5:35)
2. Origin (4:48)
3. The Boy From Saladan (5:47)
4. Romantics (4:25)
5. Duke Ellington Boulevard (4:55)
6. Waltzing Trees (5:36)
7. Reconstructing A Dream (5:28)
8. Drumscapes (2:54)
9. Eugenie (5:12)

Artist List

Bill Frisell: guitar
Kurt Rosenwinkel: guitar
Jakob Bro: guitar
Chris Cheek: tenor sax
Mark Turner: tenor sax
Jesper Zeuthen: alto sax
Andrew D’Angelo: bass clarinet
Ben Street: bass
Paul Motian: drums

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Jakob Bro
marzo 31, 2013, 11:30 pm
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tapa Pearl River
Pearl River (2007)

A veces, encontrar un buen disco de jazz es un poco como la pesca: a veces sacas algo y a veces nada. La búsqueda está siempre preparada para que una frase en particular, un beat o melodía, transporte a la mente a un estado de felicidad: el estado llamado jazz. Encontrar por casualidad un álbum como Pearl River parece a un hallazgo afortunado. Como encontrar una perla en un río. Pero hay algo más que la simple suerte implicada en el caso del guitarrista danés Jakob Bro. Durante un largo período de tiempo, Bro ha sido una de las figuras principales en la escena del floreciente jazz danés. Sus múltiples credenciales incluyen trabajar con el aclamado grupo Beautiful Day y el trompetista Jakob Buchanan, pero principalmente, Bro es conocido internacionalmente como un miembro de la banda de Paul Motian. Pearl River es la tercera realización de Bro como líder, encontrándose en excelente compañía junto al baterista Paul Motian, el bajista Ben Street y los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek. Los cuatro músicos alcanzan un alto nivel de interacción y sofisticación melódica. Es notable como Bro ha desarrollado su propio estilo lírico con una leve inspiración en Bill Frisell, John Abercrombie y Jim Hall. La apertura, “Verse”, encuentra a Motian haciendo alguna delicada cepillada, mientras Street establece una estructura abierta alrededor de las fluídas líneas de Bro. La pista del título introduce a Turner y a Cheek. El “mood” es todavía contemplativo, con los saxofones entrelazándose en una lenta danza. Recogiendo la herencia de Lee Konitz y Warne Marsh, es una alegría escuchar a Turner y a Cheek intercambiar ideas al mismo tiempo, manteniendo la estrecha estructura, evocadora de una fuga de Bach. El sonido cool de Turner está perfectamente balanceado por la manera de tocar de Cheek, más caliente y velada. Las sensibles composiciones de Bro parecen exponer lo mejor de ambos. El desinterés intelectual que a veces actúa como un talón de Aquiles, especialmente para Turner, es evitado por un complejo lirismo que es también evidente en la balada “Elephant”. “Red Hook Railroad” es el épico highlight del álbum, con largos tonos de Bro imitando el estilo de Bill Frisell, pintando la imagen del paso de un solitario tren.Street toca un abandonado y abstracto groove, mientras los tonos de Cheek y Turner cuelgan en el aire. Yendo desde lo abstracto a lo melódico, “Welcome” es atractivo por su simple belleza. La fortaleza de Cheek y Turner “cantando” la bella melodía, muestra cuánto los dos saxofonistas se han desarrollado como baladistas. John Coltrane una vez dijo que la cosa más difícil de hacer es tocar directamente una melodía y hacerlo bien. Este es el arte que los dos saxofonistas aquí alcanzan. Exquisitamente grabado por James Farber. Pearl River no es solo un álbum de un talentoso guitarrista de jazz tocando junto a muy buenos músicos. Es una prueba de que Jakob Bro ya está haciendo definitivas declaraciones musicales. Sus composiciones y ejecuciones son de la más alta calidad, mostrando a un artista no satisfecho a conformarse con algo menos que lo bello. Esta perla es un tesoro musical que bien merece la búsqueda.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=26554#.UVY3tTc_QU8

Apunte: con Sidetracked decíamos que Bro mostraba una música cruzada por géneros, en cambio aquí, en Pearl River, sin teclados y sin programaciones, la cosa está más ajustada a los esquemas del jazz moderno. Indudablemente, se nota la influencia que tiene sobre Bro, el hecho de haber sido partícipe de la banda del gran Paul Motian. Si hay algo que se mantiene respecto a Sidetracked, es el intento de Bro de componer simples, brumosas y bellas melodías, apuntaladas por los platillos de Motian y subrayadas por los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek. Para aprovechar estos días feriados y prestar atención a estos muchachos.

Track Listing

1. Verse (3:22)
2. Pearl River (8:14)
3. Elephant (3:18)
4. Black Is All Colors At Once (4:11)
5. Red Hook Railway (7:32)
6. Welcome (5:33)
7. Mosquito Dance (4:50)
8. Chinatown (3:26)
9. 3X3 (4:53)

Artist List

Jakob Bro: guitar
Ben Street: double bass
Paul Motian: drums
Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone

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Jakob Bro

tapa Sidetracked
Sidetracked (2005)

Sidetracked es el segundo álbum de Jakob Bro, el cual se destaca como un original híbrido entre el jazz, la música ambient y la electrónica. Después de haberse desempeñado principalmente, en distintas constelaciones relacionadas con el jazz, este álbum presenta otra dimensión del universo musical de Bro. Su característico sonido de guitarra ha sido reducido a un mínimo, a favor de la electrónica, acordes sintetizados y beats programados, combinado con un número de músicos especialmente invitados tocando en varios de los tracks. Sidetracked se destaca como una mezcla vibrante de ideas musicales y géneros suspendidos en un refrescante y excitante cruce de campos -algo que también se pone de manifiesto por el hecho de que el álbum fue recompensado con dos premios de la música danesa en el año 2006, uno por “Danish Jazz Release of the Year” y el otro por “Crossover Release of the Year”

Apunte: Primera incursión en el mundo de Jakob Bro, que como veremos en los próximos posteos es bien particular porque la música que Bro ofrece es un contemplativo y atmosférico cruce de géneros. En Sidetracked, Bro toca solo (eventualmente) guitarra acústica y se concentra en generar sutiles capaz electrónicas y detalles de sonido para crear bellas melodías y allanar el camino a Mark Turner, Chris Cheek y Chris Speed, las verdaderas voces solistas de este disco. Ejemplo de esto último que les digo (y mis highligths) son los bellos temas “A Head Full Of Stars”, “Freedom Beach”, “Hometown Melodies” y “Twilight Detour”. Para escuchar sin apuros, Sidetracked es un álbum manso y tranquilo que se disfruta de principio a fin.

Fuente para la reseña: http://www.jazzloft.com/p-53385-sidetracked.aspx

Track Listing

01. Introduction (:51)
02. The Dark Side (5:37)
03. Three To See The King (3:02)
04. A Head Full Of Stars (5:00)
05. Freedom Beach (4:39)
06. Sleep (4:10)
07. Out Of Time (3:22)
08. Dear Old South (1:31)
09. Hometown Melodies (4:15)
10. Green Sky (4:46)
11. Twilight Detour (4:14)

Artist List

Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone
Chris Speed: saxophone, clarinet
Ben Street: bass
Jonas Westergaard: bowed bass
Jakob Bro: acoustic guitar, programming
Rune Borup: keyboards, programming

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Edward Simon


La Bikina (1998)

La Bikina es la grabación de 1998 del pianista Edward Simon en el relativamente nuevo sello Mythology Records. Nativo de Venezuela, Simon hizo su chapoteo grande en la escena de jazz norteamericana con la banda del saxofonista Bobby Watson a finales de los años ’80. Simon también ha girado y registrado como un muy requerido sideman, junto al trombonista Robin Eubanks, al saxofonista Greg Osby y al trompetista Terence Blanchard. La Bikina destaca los saxofones de David Binney y Mark Turner y un elenco de apoyo igualmente adecuado.

La composición de Simon, “Uncertainty”, destaca un sentido latino subyacente, aumentado por el exuberante fraseo de Simon y su rítmica mano izquierda en las teclas que emiten un aire de tensión relajada. El movimiento temático aquí es gradual, aún el sondeo. El acercamiento multidimensional de Simon se presta bien, mientras los solos en racimos, colocan el énfasis en progresiones de acordes, carreras rápidas de una nota sola y límites de melodía. El baterista/percusionista Adam Cruz utiliza los Pans para agregar color y balance a esta interesante melodía, mientras David Binney (saxo alto) y Mark Turner (saxo tenor) hacen girar algunos buenos coros. “Uncertainty” presenta una atmósfera festiva. Los pensamientos de beber a sorbos, heladas margaritas cerca de una playa, vienen a la memoria. “The Process” es, en cierto modo, una balada de lamento, que es un escaparate del profundo sentido de desarrollo composicional de Simon mientras el caluroso contenido melódico emerge de nuevo. Simon es particularmente experto en mantener el interés del oyente.

El corte del título, es una pieza extendida con suaves, pero pronunciados trazos de cuernos de Binney, Turner y el trompetista Diego Urcola. Aquí, la interacción de Simon es una reminiscencia de Bill Evans por su matiz y la utilización de los armónicos. Varios adornos latinos trabajan allí el camino, en el cual se puede incluir la celebración del torero triunfante o, quizás, un desfile festivo. El ritmo se calienta y habla mucho en favor del baterista Adam Cruz que sirve como catalizador con una prominente conducción beat. Cruz no es molesto aún cuando es un actor principal en todas partes de esta grabación. Lecciones para ser aprendidas por muchos bateristas que tienden a dominar, en lugar de mantener el tempo con estilo y sensibilidad. Cruz es un hábil veterano y lo muestra.

“La Bikina” se desarrolla bien con algunos solos ardientes de Binney y Turner, y dispone de un agradable y memorable gancho melódico. Fácilmente, el highlight del CD es su unidad, que es ya decir bastante. Gente, no hay material de relleno en esta grabación. Simon tiene una bonita pluma y sus arreglos son imaginativos y superiores. La Bikina es una jubilosa celebración y otra elegante producción de Mythology Records. Recomendado.

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=3343#.UFet6q6HrKQ

Apunte: Mythology Records es el sello propiedad de Binney. Dolores y David Binney aparecen en los agradecimientos especiales de parte de Edward Simon en las liner notes del disco. Es más que lógico, ya que Dolores es la productora ejecutiva del disco y Binney es el productor asociado a Simon. Como habitualmente nos pasa en este espacio, vamos revisando la historia hacia atrás y luego entendemos mejor las cosas. Bien. Simon elabora sus composiciones rescatando su herencia cultural venezolana, hábilmente entrelazada con sus conocimientos del jazz tradicional y moderno. Pero tampoco se agota allí. El dúo Binney-Simon tiene una manera de arreglar los temas, donde una frase se repite y todos van aportando capas de sonido, de manera creciente, haciendo que la carga expresiva conjunta de la música vaya llegando a una tensión insostenible, para luego encontrar una salida calma, como redentora. Esto último ha quedado en evidencia en los discos que ya hemos escuchado del dúo, y aquí encontraremos muchas de las simientes de lo que vino en años posteriores a esta grabación. Como bien menciona la reseña, “La Bikina” tiene todo lo necesario para ser un gran disco: buenas composiciones, gancho melódico, vibrantes improvisadores y un sostén permanente de la atención del oyente. Una pequeña mención para “Quinta Anauco”: su melodía es de un romanticismo demoledor.

Track Listing

1. The Prayer (Simon, Simon) (1:18)
2. Uncertainty (Simon) (8:03)
3. The Process (Simon) (6:55)
4. El Manicero, Pt. 1 (Gilbert, Simons, Sunshine) (8:41)
5. La Bikina (Fuentes) (14:35)
6. Quinta Anauco (Romero) (10:49)
7. The Cha Cha (Simon) (2:24)
8. Ericka (Simon) (6:52)
9. El Manicero, Pt. 2 (Gilbert, Simmons, Sunshine) (7:47)

Artist List

Edward Simon: piano, arrangements, composer
Adam Cruz: drums, pans, percussion
Ben Street: bass
Mark Turner: tenor saxophone
David Binney: alto saxophone
Pernel Saturnino: percussion
Diego Urcola: trumpet
Milton Cardona: vocals

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