Preso ventanilla


Marco Mezquida Trío
abril 14, 2017, 10:33 pm
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tapa My Friend Marko
My Friend Marko (2013)

Cualquier persona que esté al tanto de lo que sucede en el jazz español actual, sabe que Marco Mezquida es el pianista que más suena ahora mismo, como me comentaba Albert Cirera en una entrevista, Marco toca prácticamente todos los días. Cuando empieza Always late se me echa encima, como de golpe, un disco de hace 50 años, Money Jungle, el trabajo que Duke Ellington, Charles Mingus y Max Roach firmaron en 1962. Llámame exagerado si quieres, pero es así como lo siento. Checkpoint Charly, seguimos en el pasado, cuando el swing era imprescindible, la batería de Carlos Falanga lidera el tempo, el contrabajo de Marko Lohikari se permite pulsaciones clarificadoras y Mezquida nos habla de viejos tiempos, solo falta un poco de humo. My lady loves me in e-flat, desarrollo pianístico anárquico enlazado con todo el romanticismo de la música atemporal, las aguas van formando un cauce seguro, Lohikari explica su historia y poco a poco se construye el guión, el piano como si fuesen dos individuos en un solo cuerpo, un tema para dejar todo lo que estés haciendo, cerrar los ojos y dejar que fluya. Alice, una canción de amor (por que estarán tan desprestigiadas si son tan bonitas). Agustí for president, en honor a su admirado pianista Agustí Fernández (uno de los grandes del free) aunque al principio no lo parece, el tema irá ganando en libertad, más de siete minutos para poder jugar a crear sonoridades, la conjunción entre los tres músicos vuelve a demostrar que este tipo de jazz solo puede darse entre músicos que trabajan perfectamente juntos. Taiko es mou, arrastrando un compás (un vals) que quiere invitarte a soñar escenas de mil películas, casi esperas que una voz (oscura a ser posible) entre en escena, pero no, el trío se basta y se sobra para reinventarse cada minuto (uno de mis temas preferidos) sencillez y complejidad en una sola toma. Dama de Nit, es la composición sin etiquetas, si estuviese en otro disco posiblemente diríamos que es música contemporánea, supongo que Mezquida a la hora de componer no se plantea las etiquetas, sino que de todos sus registros usa aquellos que le convienen. Cançó de Matinada , los tambores tribales del argentino Carlos Falanga inician un tema que fue improvisado totalmente, al principio da la sensación que solo hay un ritmo donde dejan que Mezquida elabore, y nuestro hombre se suelta, como se suelta Keitt Jarreth cuando le viene en gana, sin prisas. Para cerrar, My friend Marko, un minuto de un solo de Marko Lohikari, un contrabajista sueco afincado en Barcelona al que también hay que seguir de cerca. Tengo la sensación que es un álbum que habrá que degustar sin prisas a lo largo del verano o de cincuenta años, nunca se sabe.

Reseña de Candido Querol para http://www.b-ritmos.com/novedad/marco-mezquida-trio

Lista de temas – My Friend Marko

01. Always Late (3:47)
02. Checkpoint Charly (4:55)
03. My Lady Loves Me In E-Flat (6:03)
04. Alice (5:24)
05. Agustí For President 7:48
06. Taiko 6:33
07. Dama de Nit (8:51)
08. Cançó de Matinada (6:53)
09. My Friend Marko (0:52)

Lista de artistas

Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

tapa Cantabile
Cantabile (2015)

Al frente de su trío habitual, Mezquida debuta junto al saxofonista norteamericano Bill McHenry, una de las voces más reputadas del jazz contemporáneo de Nueva York, con quien ha grabado el álbum ‘Cantabile‘. “Se lo propuse porque no es el prototipo del saxofonista virtuoso. Tiene algo al mismo tiempo primitivo y sofisticado. Me parece un artista de la melodía, de los pies a la cabeza”, asegura.

Juntos han grabado un disco accesible y luminoso que incluye un blues y un boogaloo, registros alejados de los territorios más oscuros que explora en sus conciertos en solitario. “También tiene cosas bastante rock. Creo que si soy músico es gracias a las canciones de The Beatles que escuché de pequeño. Pero lo siguiente que haga será un disco de ‘free jazz’. Con mi obra quiero crear una perspectiva artística, que haya una evolución. Que al final la gente venga a escucharme porque cada concierto sea diferente”.

Cantabile: una colección de piezas que son casi canciones, escritas a conciencia para equilibrar las fuerzas de un trío compacto que vuela ligero y un solista que habla despacio porque ya es sabio.

Fuentes para la reseña: http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-festival-jazz-bill-mchenry-4701976 ; http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-bill-mchenry-festival-jazz-4706727

Lista de temas – Cantabile

01. Gira (3:16)
02. Jony Style (5:44)
03. Armando Rampas (5:09)
04. Radiohead Montsant Elevation (13:37)
05. Oh Mireia (3:25)
06. 1866 (8:05)
07. Menguante (7:30)
08. Managerini (7:51)
09. Cantabile (5:19)

All songs composed by Marco Mezquida, except #2 by Bill McHenry.
Recorded at 44.1 Studios in Girona, Spain, on April 14, 2015

Lista de artistas

Bill McHenry: saxofón tenor
Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

Apunte: Marco Mezquida, pianista y compositor menorquín (Maó, 1987). Licenciado en en 2009 en el ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña), a sus 28 años, Mezquida se ha convertido en uno de los músicos más valorados y solicitados del panorama jazzístico y las músicas improvisadas en España, como demuestra su intensa y versátil actividad concertística y creativa junto con muchos de los mejores músicos del país. Elogiado por su versatilidad y una potente y magnética personalidad musical, es uno de los artistas más completos y expresivos de su generación. Ha grabado más de 40 discos: 10 como líder y más de 30 grabaciones como sideman. Ha actuado en festivales de 25 países, en 4 continentes; así como en algunos de los clubes de jazz más emblemáticos del mundo, Blue Note de Nueva York, el SF Jazz de San Francisco, A Trane de Berlín, Sunside de París, Unterfarht de Munich, Bimhuis de Amsterdam, Porgy and Bess de Viena, BMC de Budapest, Jazz Station de Bruselas, JKF de San Petersburgo, o el Blue Train de Osaka. Una decena de premios jalonan su fulgurante carrera que combina sus proyectos con la docencia en el superior del Taller de Músics y el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona.

Password en ambos casos: presoventanilla



Avishai Cohen
febrero 21, 2016, 9:51 pm
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tapa Into the Silence
Into The Silence (2015)

Into The Silence supone el debut como líder de Avishai Cohen, trompetista israelí afincado en Nueva York. El disco llega poco tiempo después de su participación en el último trabajo de Mark Turner, también para la discográfica ECM.

Se trata de un álbum dedicado a su padre, recientemente fallecido, donde el trompetista vierte una colección de composiciones muy emotivas. Influido por el piano de Rachmaninov, que escuchaba sin parar durante las últimas semanas de vida de su padre y después de su fallecimiento, Cohen hace frente con la música a una amplia gama de sentimientos, y mediante la composición que da título al disco nos cuenta cómo es para él el silencio de la ausencia.

Si los últimos trabajos de Cohen con su trio Triveni se enfocaban sobre todo hacia la improvisación con un carácter extrovertido, Into The Silence tiene un enfoque mucho más interior. Para ello, el trompetista cuenta con dos de sus colaboradores habituales: el pianista Yonathan Avishai y el baterista Nasheet Waits, compañero también en Triveni. Junto a ellos, el bajista Eric Revis, un pilar de la Branford Marsalis Quartet durante décadas, y el saxofonista Bill McHenry, colaborador de Paul Motian y Andrew Cyrille, que aporta su sonido sobrio y sutil, y añade una amplia ración de sentimiento en algunos de los temas.

Si en boca de su fundador, Manfred Eicher, ECM nos ofrece los más bellos sonidos después del silencio, Into The Silence es un ejemplo de cómo las melodías surgidas de la sobriedad pueden transmitirnos un caudal de emociones y sentimientos.

Reseña de Carlos Monje para http://www.diariofolk.com/criticadisco/into-the-silence-avishai-cohen/

Apunte: En Into The Silence, Avishai Cohen reflexiona de manera emotiva, sutil y sin sensiblerías sobre los últimos días de vida de su padre. Yonathan Avishai en piano, interpreta de manera brillante el estado de ánimo de los temas y Nasheet Waits desde la batería controla la energía e interactúa con Cohen en una forma digna de destacar. El álbum a pesar de tener una temática que le cae como anillo al dedo al sello ECM, de alguna manera escapa a la standarización del sonido que por ahí suele imponer el sello a otros artistas; quiero decir con esto que aunque se trate de un homenaje al padre fallecido, los temas no suenan solemnes, por el contrario, la serena emoción se funde perfectamente con improvisaciones y exploraciones de los artistas. Into The Silence es de lo mejor publicado por Avishai Cohen y por el sello ECM recientemente. Que no es poco decir.

Track Listing

01. Life And Death (9:19)
02. Dream Like A Child (15:31)
03. Into The Silence (12:13)
04. Quiescence (5:11)
05. Behind The Broken Glass (8:13)
06. Life And Death – Epilogue (2:44)

Grabado en La Buissonne, Pernes-les-Fontaines, Julio 27-29, 2015

Artist List

Avishai Cohen: trumpet
Yonathan Avishai: piano
Eric Revis: bass
Nasheet Waits: drums
Bill McHenry: tenor saxophone

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Nicolas Moreaux

tapa Fall Somewhere
Fall somewhere (2013)

Gloria a Jordi Pujol, productor de genios y reclutador de talentos, hasta la eternidad. Talentos por los que la mayoría de las veces va a los clubs al otro lado del Atlántico donde sus picos siempre son bastante geniales.

El álbum que nos presenta del joven contrabajista Nicolas Moreaux no es una excepción a la regla. Tiene, hay que decirlo bien, un poco sorprendido a su mundo. Em primer lugar, porque el contrabajista había desaparecido un poco del radar. Lo habíamos seguido, por cierto, al lado de músicos franceses que gustan mucho, como Pierre Perchaud u Olivier Bogé y Tigran Hamasyan (tres músicos a los que se encuentra aquí) o Sophie Alour.

Luego, porque no estaba verdaderamente como un “líder de opinión” jazzistico. Y por último, porque, para su segundo opus (tras “Beatnick” en 2009), enfrentar un doble álbum es un enorme desafío. Y fuerza a reconocer que el muchacho ha tenido éxito en toda la línea y esta entrada da un gran golpe en su discografía. Nicolas Moreaux tiene bellas cosas para decir y dispone de músicos excepcionales para decirlas. Matrimonio acertado y soberbio, todo en refinadas armonías. Con un consumado sentido de la escritura y de los arreglos, confiando parte de la carga a los músicos, Nicolas Moreaux navega sutilmente entre un jazz mainstream y un sutil jazz neoyorquino, a los cuales añade una hermosa pizca de pop moderno destilado bastante juiciosamente. Hay una emoción que aflora. Hay una suerte de poesía moderna.

3 saxos lo acompañan en este asunto. 3 saxos que triangulan sobre soberbios entramados y sobre los fondos bluseros de Pierre Perchaud o de David Doruzka. Y si la música se acomoda a este jazz moderno, sabe hacer su negocio con buenos viejos grooves post bop a la imagen de los dos guitarristas en rondas swingueantes (“A Joyful”) y de una rítmica tan rica como gravitacional.

Hay algo de encantador en este disco, de fascinante en esta música. Cautivante y dulce. Profunda y aérea.

Un placer.

Fuente para la reseña: Jean-Marc Gelin http://www.lesdnj.com/article-nicolas-moreaux-fall-somewhere-116639497.html

Apunte: Escuchar Fall Somewhere fue una bellísima sorpresa. El CD 1 es absolutamente impecable, va creciendo de a poco, casi inocentemente, para terminar arrollándote con una marea de buenas y gratas sensaciones en “Oak”, una verdadera gema. “Oak” es uno de mis temas preferidos, pero no de este disco, sino de todos los discos que he venido escuchando en el último año y medio (al menos). Todo está muy bien dosificado en esta obra: composiciones, intervenciones solistas, el “interplay” entre los músicos. El CD 2 no está en un nivel tan parejo y alto como el CD 1, pero aún así tiene muy buenas cosas. Coincido plenamente con Jean-Marc Gelin: es un disco encantador y la música es fascinante y apta para una amplia gama de oídos. Dato para los seguidores de guitarristas: Pierre Perchaud y David Doruzka se destacan en Fall Somewhere; son buenos players conocidos en MQC/Preso y si no han escuchado sus propias obras, recomiendo hacerlo. Resumiendo: dis-ca-zos.

Track listing

CD 1

01. Far (9:10)
02. Summer Fishing (8:30)
03. Guatemala (5:49)
04. Baroc (6:04)
05. Way to Reykjavik (5:34)
06. Oak (12:07)

CD 2

01. Each Other’s Light (4:52)
02. Cool Water (4:22)
03. The incall (9:06)
04. Fall Somewhere (8:38)
05. A joyful… (9:36)

All compositions written by Nicolas Moreaux, except “Cool Water” by Frida Anderson-Sister Fay

Artist List

Nicolas Moreaux: bass
Bill McHenry: tenor sax
Christophe Panzani: tenor sax
Olivier Bogé: alto sax
Pierre Perchaud: guitars
David Doruzka: guitars
Antoine Paganotti: drums
Karl Jannuska: drums

Additional guests:
Tigran Hamasyan: piano on “Oak”
Frida Anderson: vocals on “Cool Water”

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Reid Anderson
abril 22, 2012, 4:20 pm
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The Vastness of Space (2000)

En The Vastness of Space, el tercer álbum de Reid Anderson para Fresh Sound/New Talent, el bajista/compositor intenta algo completamente diferente y posiblemente aún más original y atrevido. En lugar de Ethan Iverson en el piano, está Ben Monder en la guitarra. El alto saxofonista Andrew D’Angelo y el saxofón tenor de Bill McHenry constituyen la primera línea, con Marlon Browden detrás de los tambores. Esta es la alineación con la que Anderson actuó en vivo durante el año 2000. La vibración total de la banda es la materia prima y suelta, permitiendo a la nueva hornada de melodías de Anderson, respirar y fluir con comodidad en un fácil “grooving”. Muchas de las melodías tienen, casi, la calidad de himno, y las progresiones de acordes y ritmos son a veces más cercana al rock que al jazz. Pero eso no quiere decir que sea “jazz-rock” o fusión de algún tipo familiar. Tampoco se ajusta al avant-garde o se incorpora a los terrenos del post-bop. Incluso más que en los dos álbumes previos de Anderson, se trata de música no categorizable, y, al mismo tiempo, totalmente accesible. Casi cada pista tiene lo que solamente puede ser un gancho, haciendo que cada uno escuche un satisfactorio retorno a melodías o patrones de acordes que rápidamente quedan grabados en el cerebro. The Vastness of Space no es en absoluto un registro “soplador”. “Prehensile Dream”, de hecho, no destaca casi ningún solo. La cautivante melodía simplemente se repite, con mayor urgencia, y hasta los mismos arpegios de guitarras con que se inicia la melodía, vuelve a ponerle fin. Del mismo modo, “Reclusive” y “Melismatic Clouds of Joy” construiyen melodías en extáticos gritos (aún tristes), aprovechando la potencia del ensamble para conducir el punto a casa. Fresh Sound/New Talent está construyendo una sólida reputación mediante la grabación de algunos de los artistas de jazz más subvalorados. The Vastness of Space es, seguramente, uno de los mejores proyectos del sello realizados hasta la fecha. También es un nuevo avance de Anderson, un bajista y compositor de raros regalos, que merece ser escuchado y valorado por un público más amplio.

Fuente para la reseña: David R. Adler para http://www.allmusic.com/album/the-vastness-of-space-r536714/review

Apunte: Reid Anderson es más conocido como miembro de The Bad Plus. The Bad Plus (que se completa con Ethan Iverson en piano y Dave King en batería) existe desde aproximadamente el año 1989, pero de manera oficial desde el año 2000, año que coincide con el momento de aparición de este muy buen disco solista de Anderson. A pesar de contar con solistas de la talla de Monder, D’Angelo o McHenry, la fortaleza de The Vastness of Space está en el enfoque que ha hecho Reid Anderson en la composición antes que en la improvisación: tanto es así que las melodías una vez escuchadas, quedan dando vueltas en la cabeza. Eso no quiere decir que los solistas no luzcan. Por el contrario. Las melodías se enriquecen con los diálogos y los “viajes” que emprenden de manera entrelazada D’Angelo y McHenry. Es un ejercicio estimulante y placentero seguir de cerca las intervenciones de ambos saxofonistas. Por otra parte, el estilo y sonido de Ben Monder (posicionado por la crítica especializada en algún lugar entre Jim Hall y John Abercrombie) le sienta de maravillas a las composiciones de Anderson. La versatilidad de los músicos les permite flotar e ir de una dirección a otra con absoluta autoridad. El pulso rockero del cual habla la reseña de David Adler está, y sin dudas le agrega vitalidad a la obra completa. De alguna manera, The Vastness of Space sentó las bases de los posteriores discos de The Bad Plus, siendo “Prehensile Dream” y “Silence Is the Question” de las piezas favoritas del trío. Absolutamente recomendable.

Track Listing:

1. The Enthusiast (7:28)
2. Talons (8:35)
3. Foxy (5:20)
4. Prehensile Dream (6:21)
5. The Owl (7:51)
6. Reclusive (6:26)
7. Melismatic Clouds of Joy (6:53)
8. The Captain (8:21)
9. Silence Is the Question (7:16)

Artist List

Reid Anderson: Bass
Marlon Browden: Drums
Ben Monder: Guitar
Andrew D’Angelo: Alto Saxophone
Bill McHenry: Tenor Saxophone

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