Preso ventanilla


Peter Bernstein Trio
diciembre 23, 2010, 3:00 pm
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Monk (2008)

Uno pensaría que el cancionero de Thelonious Monk sería un camino más tomado por guitarristas de jazz, considerando la angulosidad y las actitudes escarpadas encontradas en la escritura de Monk. Aún, por cualquier motivo, los guitarristas generalmente no afluían a la música de Monk, aparte de los estándares habituales, haciendo el Peter Bernstein’s Monk Project aún más delicioso y refrescante. La intrigante y atrapante ejecución en el álbum -empáticamente fortificado por sus compañeros de trío, el bajista Doug Weiss y el maravilloso, ingenioso (e intrínsecamente Monk-mente) el baterista Bill Stewart- viene como ninguna verdadera sorpresa. Bernstein es un guitarrista que tiende a dignificar y estimular todo lo que él toca, y él es uno de esos mirones perennes en la escena de la guitarra, que cada vez merecen un mayor reconocimiento.

El trae su fluida, ágil, claramente tonal ejecución al trabajo, más bien que pezcar una rareza minimalista de Monk; las interpretaciones de Bernstein, sin embargo, muestran su respeto profundo por la música al alcance de la mano, y sus solos se tuestan en la lengua particular de cada melodía. De hecho, Bernstein parece estar en la misión de rescatar el cancionero de Monk de la previsibilidad. Él visiblemente evita “Straight, No Chaser”, por ejemplo, y empieza el juego con una serenidad “Let’s Cool One”. Él Toca “Well You Needn’t” en una bromista métrica de 5/8, y su trío toca trucos melodiosamente geométricos con “Brilliant Corners”.

Bernstein también trae una aptitud guitarrística especial para “Work” (también memorablemente tocó, sabio de guitarra, en el álbum tributo de Monk producido por Hal Willner algunos años atrás, por guitarristas a Chris Spedding y Peter Frampton). Sobre un campo más lírico, Bernstein toma los solos en “Monk’s Mood” y “Ruby, My Dear”, y sobredobla una guitarra de ritmo para el tema de cierre, “Reflections”.

Sin embargo familiar, el cancionero clásico de Monk está siempre disponible para un inteligente rediseño. El Monk de Bernstein es sólo eso, una inteligente, encantadora guitarra, arrojando nueva luz sobre la música que creíamos conocer.

Fuente para la reseña: Josef Woodard para http://jazztimes.com/articles/24413-peter-bernstein-trio-monk – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

01. Let’s Cool One (6:33)
02. Pannonica (4:34)
03. Work (4:22)
04. Brilliant Corners (4:47)
05. In Walked Bud (5:20)
06. Monk’s Mood (2:26)
07. Well You Needn’t (7:14)
08. Bemsha Swing (6:03)
09. Played Twice (4:38)
10. Ruby, My Dear 82:24)
11. Blues 5 Spot 86:23)
12. Reflections (4:01)

Artist List

Peter Bernstein: guitar
Doug Weiss: bass
Bill Stewart: drums

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Chris Potter Quartet
septiembre 18, 2010, 10:30 pm
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Lift: Live at the Village Vanguard (2004)

Justo cuando usted está a punto realmente de entrar en el solo funky del saxofonista tenor Chris Potter en “7.5”, el resto de la banda recarga, conducida por Kevin Hays en un teclado eléctrico que suena como el rintone de un teléfono móvil. Esto llama su atención, y la banda no deja que se vaya durante los quince minutos siguientes, con el solo de Hays comandando con el piano, y Potter y el compositor de la canción, el baterista Bill Stewart, haciendo un dueto atrapante, telepático. Stewart carga con el bajista Scott Colley antes de la vuelta de Potter, sombreado por el toque de Hays.

Colley propulsa “What You Wish” mientras Potter pone la línea sobre la cima, intensificando la composición, mientras sigue cada idea. Mientras el tema continúa, Hays toma su turno, generando tanto ímpetu como Potter antes que él. Potter inicia “Stella by Starlight” con una delicada lectura, la atmósfera manejada por los cepillos continuos de Stewart, el sólido bajo de Colley, y el piano de Hays prosperan, antes de que él abra su corazón y consiga el fuerte apoyo de la banda.

La pista de título es compleja, cambiando entre ritmos y solistas, de modo que son tres o cuatro temas en uno. Antes del final, la banda entra en una carrera a la línea de llegada, hasta que ellos la cruzan y repiten la melodía para culminar. “Okinawa” destaca al saxo soprano de Potter y un minimalista solo de piano repetido por el teclado simultáneo de Hays. El efecto es etéreo y lleno de gracia, sugiriendo un koto japonés

El programa cierra con una versión de Mingus de “Boogie Stop Shuffle” en dos partes. La primera, una intro solista, pone el tono redondo de Potter mostrando una cascada de notas antes de finalmente apuntar a la melodía, y la banda participando para darle swing a la melodía. Para abordar a Mingus sin una banda grande, usted necesita una banda que suene grande, y con Hays que se dobla en teclas eléctricas y acústicas, juntos al duro swing de Stewart y Colley, el cuarteto logra sonar el doble de su tamaño

Fuente para la reseña: Jeff Stockton para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=14467 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

1. 7.5 (14:57)
2. What You Wish (13:51)
3. Stella by Starlight (7:16)
4. Lift (11:58)
5. Okinawa (9:15)

6. Boogie Stop Shuffle Sax Intro (4:13)
7. Boogie Stop Shuffle (15:09)

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone
Scott Colley: double bass
Kevin Hays: piano, Fender Rhodes
Bill Stewart: drums

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Scott Colley
agosto 1, 2010, 10:30 pm
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Subliminal… (1998)

La escritura de Scott Colley alcanza nuevas alturas sobre este muy fino registro. Junto a Chris Potter en saxo tenor y clarinete bajo, Bill Carrothers en el piano y Bill Stewart en los tambores, el bajista entrega algunas de sus composiciones más memorables hasta el momento. “The End and the Beginning”, una balada extraordinariamente serena, se destaca entre todos los temas. Pero “Out of the Void” es también excelente, como son la pista del título y el velado saludo a Cole Porter, “Is What It Is”. (Carrothers presenta estos dos). Potter y Stewart también contribuyen con una composición cada uno, y el cuarteto descarga el clásico de Charlie Parker “Segment”, con los tambores solistas primero – algo que usted no oirá cada día. Un esfuerzo magnífico, bien redondeado, cohesivo.

Fuente para la reseña: David R. Adler para All Music Guide

Track Listing

1. Don’t Ever Call Me Again (5:48)
2. Subliminal… (8:13)
3. The End and the Beginning (4:34)
4. Turangalila (7:33)
5. Out of the Void (7:30)
6. Segment (5:35)
7. Is What It Is (6:07)
8. Impossible Vacation (6:11)
9. Verbatim (6:23)

Artist List

Scott Colley: bass
Chris Potter: tenor saxophone, bass clarinet
Bill Carrothers: piano
Bill Stewart: drums

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Adam Rogers
julio 12, 2010, 11:23 pm
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Time and the Infinite (2007)

Mientras Adam Rogers no es ningún extraño al cancionero de estándares, las tres grabaciones del guitarrista como líder, se han enfocado casi completamente en su desafío a composiciones aún accesibles. Art of the Invisible (Criss Cross, 2001) introdujo el cuarteto de guitarra/piano/bajo/batería que, con la adición del saxofón, desarrolla en un consistente quinteto para Allegory (Criss Cross, 2002) y Apparitions (Criss Cross, 2005).

Time and the Infinite aparea las cosas a un trío, y mientras hay todavía cuatro composiciones de Rogers, la mayoría del disco son enfocados los trabajos de estándares de Cole Porter, Charlie Parker, George Gershwin y otros. Pero cualquiera que conozca a Rogers sabe que cualquier melodía muy gastada va a ser acercada con inventiva. Mientras Rogers nunca pierde el sitio del corazón de melodías, como “Night and Day” y “I Loves You Porgy”, su nueva armonización y adición de complejidades métricas las mantienen modernas y relevantes.

El bajista Scott Colley está de vuelta, pero para esta fecha Rogers ha reclutado al baterista Bill Stewart -uno de los bateristas más melódicos y flexibles en la escena contemporánea. Es una combinación victoriosa que permite el ardiente “Night and Day” donde Rogers añade una barra de 3/4 adicional para poner alguna tensión, y un acompañamiento improvisado de final nudoso, que proporciona a Stewart una fundación desafiante para su solo. El preciso swing de “Cheryl” de Charlie Parker es colocado ligeramente descentrado haciéndolo un blues de trece barras, mientras el acercamiento bossa de Vincent Youmans en el clásico “Without a Song” es más franco, confiando en cambio en el sentido enfocado de Rogers de construcción de solo, para crear un sentido en curso de tensión y liberación.

La responsabilidad mayor de ser el único instrumento de cuerdas no es problema para Rogers. Sus solos adhieren a los cambios de cualquiera, por la implicación inherente de desarrollo melódico o por interjección de movimiento cordal, construyendo detallada y a menudo notablemente, hábiles frases lineales. Principalmente Rogers confía en un cuerpo caliente hueco de tono eléctrico, aunque él añade alguna diversidad textural con la cuerda de nylon de la guitarra acústica en el estándar “Young and Foolish” y su propio, teñido de latino, “Esteban”.

Las propias composiciones de Rogers, mientras se distinguen por una más aventurera construcción, permanecen en el contexto por la modernización que él aplica a los estándares que los rodean. La pista del título es un tema tranquilo que comienza en el territorio de Ralph Towner, pero en última instancia se abre en una sección más abstracta con la hermosa entrega del arco de Colley. “Ides of March” es aún más intrincada, aunque más notable para que la capacidad misteriosa y natural del trío, navegue por ella.

Las grabaciones anteriores de Rogers en Criss Cross han demostrado un significativo crecimiento. El cambio de contexto de Time and the Infinite, con su mezcla de composición original y frescas tomas de melodías familiares, presenta el nuevo lado de Rogers, pero uno que es totalmente compatible con su existente cuerpo de trabajo.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=25409 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Night and Day (5:37)
02. Elegy (5:42)
03. Time and the Infinite (3:22)
04. Young and Foolish (7:08)
05. Cheryl (6:44)
06. Esteban (5:23)
07. Without a Song (8:54)
08. Ides of March (5:23)
09. I Loves You Porgy (10:22)

Artist list

Adam Rogers: guitar
Scott Colley: bass
Bill Stewart: drums

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Seamus Blake
mayo 31, 2010, 10:30 pm
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Bellwether (2009)

Algunos álbumes son llamados por una época, un lugar, una experiencia, o aún una persona. Otros tienen un concepto. El saxofonista Seamus Blake toma un concepto con Bellwether (Jefe), un término para liderazgo o tendencia.

Nacido en Inglaterra y creciendo en Vancouver, Canadá, Blake ha ganado reconocimiento por las revistas Down Beat y JazzTimes, y ha finalizado primero en la Thelonious Monk Jazz Competition de 2002. Sus asociaciones incluyen a Mark Turner, Kurt Rosenwinkel, Larry Grenadier y Victor Lewis. Para Bellwether, Blake es acompañado por el guitarrista Lage Lund, el pianista David Kikoski, el bajista Matt Clohesy y el baterista Bill Stewart

“A Beleza Que Vem”, una de cinco composiciones de Blake, es un tema despreocupado que destaca al líder en el saxofón soprano, tocando la melodía en dúo con Lund. El bajo y la batería son sutiles, bordeando tiros y golpes de platillos estratégica y sutilmente colocados, acentuando el solo de Kikoski. Blake se estira plenamente en su solo, la música creciendo en intensidad, en un punto, como para señalar el final, pero él toca.

“Subterfuge”, otro original, destaca a Blake en el tenor. Guitarra y saxofón se mezclan en el liderazgo de una canción en tiempo 4/4, pero que, debido a la colocación de algunas notas creativas, a menudo suenan como firmadas en otro tiempo. El solo de Lund sutilmente se refiere a Pat Metheny, mientras Stewart da el kit entero durante su solo.

Algunas de las selecciones de Bellwether tienen un modo sinfónico, pero estando en modo sinfónico o cargado, la música es siempre cohesiva y expresiva. Cada músico brilla inidividualmente, pero nunca hay un momento en que se pierda el concepto grupal.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para www.allaboutjazz.com Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Dance Me Home (8:39)
02. A Beleza Que Vem (7:41)
03. Subterfuge (8:09)
04. The Song That Lives Inside (7:13)
05. Bellwether (8:33)
06. Minor Celebrity (10:09)
07. String Quartet in G Minor, Opus 10 (10:17)

Artist List

Seamus Blake: tenor and soprano saxophones
Lage Lund: guitar
David Kikoski: piano
Matt Clohesy: bass
Bill Stewart: drums

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Lage Lund
abril 21, 2010, 11:00 pm
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tapa Unlikely Stories
Unlikely Stories (2010)

Es un gran placer observar la evolución de un músico dando testimonio de su síntesis y su refinamiento de ideas. Este ha sido el caso del guitarrista noruego Lage Lund quién, en tres cortos años de grabación como líder, ha llegado a una nueva instancia creativa.

Las dos primeras grabaciones de Lund, Standards (Self Produced, 2007), y Early Songs (Criss Cross, 2008), mostraron el corriente sentido único del swing del guitarrista, y su considerable técnica. Ellos ciementaron su reputación que florece como una fuerza en el instrumento y como un intérprete digno de la tradición del jazz. Unlikely Stories, sin embargo, comprendido completamente de composiciones originales, encuentran al guitarrista reinventado. Mientras Lund recuerda a un improvisador muscular, él ha reducido ese concepto para satisfacer su estilo compositivo, evitando la mayor parte del vocabulario del jazz tradicional por uno más personal y de sonidos más provocativos.

En este álbum, la escritura al instante de Lund demuestra su capacidad de hacer nueva música convincente sin ignorar la precedente. Por un lado, Unlikely Stories, como la mayor parte del jazz contemporáneo de Nueva York, muestra una absorción cuidadosa de Wayne Shorter y Herbie Hancock, entre otras figuras del panteón del jazz de los años 1960. Por otro, es claro que Lund busca nuevos sonidos. Admirablemente, el compositor nunca permite la métrica impar, la armonía avanzada, o la pirotecnia para hacer otra cosa que contribuir a la música.

Como para la banda, Lund trabaja en un ajuste de cuarteto, unido al pianista Edward Simon, al bajista Ben Street y al baterista Bill Stewart. El estado de ánimo de Simon a veces con un conciso acompañamiento es una plataforma apropiada para el planeo del guitarrista y sus febriles improvisaciones. El telón rítmico de Street y de Stewart, espacioso e intenso, acentúa las melodías exóticas de Lund. Es evidente desde las primeras notas de “Swagger”, la primera pista del álbum, que Lund ha intentado hacer una declaración realmente contemporánea como un bandleadear.

Lo que es asombroso en este álbum es que la música no está sobreescrita, ni sobreejecutada. Lund ha compuesto una irresistible música moderna de manera particular para ser ejecutada por un conjunto pensativo. En una era de la historia del jazz donde el virtuosismo a menudo es apreciado a expensas de la maestría musical, es tranquilizante oír una grabación como esta.

Fuente: David Lighton para allaboutjazz – Traducción: La Bestia Políglota

Track listing:

01 – Swagger
02 – Folly
03 – Worms
04 – 12 Beats
05 – Truckstop Queen
06 – Drum
07 – Life at the Bottom of a Lake
08 – What We See

Artist list:

Lage Lund: guitar
Edward Simon: piano
Ben Street: bass
Bill Stewart: drums

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Marc Copland
enero 26, 2010, 1:00 am
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Softly (1998)

Una de las cosas más intrigantes sobre el pianista Marc copland es que él comenzó tocando el saxofón y estaba disfrutando de una carrera exitosa con ese instrumento, incluyendo un trabajo con el Chico Hamilton Quintet y un álbum con el guitarrista John Abercrombie, cuando decidió parar los motores y tomar el piano. Y luego de algunos años de estudio full time (y un cambio de nombre), fue capaz de establecerse como uno de los más excitantes, innovadores y técnicamente expertos de la escena de Nueva York.

En su álbum de Savoy Jazz, el excelente trío de Copland (con el bajista Gary Peacock y el baterista Bill Stewart) se une a dos superestrellas del saxofón, Michael Brecker y Joe Lovano, así como con un trompetista con mucho futuro, Tim Hagans. Copland y amigos se muestran en una variedad de tríos, cuartetos, y ajustes de quinteto en una interesante selección de, sobre todo, estándares, más tres finos originales de Copland.

La excepcionalmente fluida ejecución de Copland está marcada por la sutileza, la economía, y un toque excepcionalmente sensible. Él brilla en las versiones de trío de “My Foolish Heart” y dos temas de Cole Porter, “I Love You” y “So in Love”. El álbum abre con una toma de extraña métrica, más rápida que de costumbre de “Softly as in a Morning Sunrise” de Oscar Hammerstein, destacando el impresionante trabajo del gigante del tenor, Lovano, en una canción asociada (al menos en la mente de este escritor) con John Coltrane.

De forma refrescante, Copland también mira lo contemporáneo (bien, al menos los años ‘ 70) del mundo pop para tomar material, aunque con resultados surtidos. “Blue” de Joni Mitchell es presentado en una malhumorada, algo serpenteante versión que nunca termina de salir. La lenta toma funk del clásico soul de Marvin Gaye, “What’s Going On”, es más acertada, con un groove sólido puesto por la sección de ritmo y algunos agradables giros de Brecker.

Fuente para la reseña Joel Roberts para www.allaboutjazz.com Traducción: La Bestia Políglota!

Track Listing

01. Softly As In A Morning Sunrise (7:04)
02. I Love You (5:51)
03. Country Home (7:24)
04. So In Love (9:34)
05. Blue (6:37)
06. What’’s Going On (6:19)
07. Not A Ballad (9:03)
08. Three Stories (4:32)
09. My Foolish Heart (8:57)

Artist List

Marc Copland: piano
Tim Hagans: trumpet
Joe Lovano: tenor saxophone
Michael Brecker: tenor saxophone
Gary Peacock: bass
Bill Stewart: drums

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Franck Amsallem
enero 18, 2010, 10:31 pm
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tapa Out a Day
Out a Day (1992)

Sobre el autor

Franck Amsallem nació en 1961 en Oran (Argelia), su familia posee una amplia colección de discos y Franck descubre a Ray Charles junto con Glenn Miller y los Four Tops. Así, en la adolescencia, Franck se deja seducir por el ritmo y las sonoridades del blues y del swing. Ingresa al Conservatorio de Niza, ciudad francesa donde pasa su infancia, y donde, considerado demasiado adulto para el piano, se dedica al saxofón clásico, obteniendo algunos éxitos y algún premio.

Sin embargo no deja el piano olvidado y su nombre empieza a ser famoso por toda la Costa Azul francesa. Trabaja mucho en Montecarlo, aprende centenas de standards y a los 17 años John Lewis lo selecciona para su “Leçon de musique”. Participa en un festival junto a Jerry Bergonzi, Michael Brecker y Richie Cole. Estos últimos lo empujan a viajar a los Estados Unidos con el fin de perfeccionarse. En 1981, entra en el Berklee College para profundizar su aprendizaje en el jazz. En Boston, Franck Amsallem, se deja seducir por la “Big Band” de Herb Pomeroy, con el cual descubre la profesión de la escritura y los arreglos para la gran orquesta. Se queda 3 años y gana varios premios. Sin embargo, el deseo de partir queda muy presente y desembarca en Nueva York a fines de 1985.

En la Manhattan School of Music, toma clases de composición para gran orquesta con Bob Brookmeyer, y de piano clásico con Phil Kawin. La influencia de ellos lo acompañará mucho tiempo. Y la profesión entra en él gracias a la inolvidable experiencia del jazz neoyorquino, primero como acompañante y luego como líder. Obtiene el segundo premio al Great American Jazz competition, en la ciudad de Jackson (Brad Mehldau obtiene el tercero). A las 28 años, en 1990, con la ayuda de la National Endowment for the Arts que le otorgó una beca, Franck graba un trío “Out a Day” con Gary Peacock y Bill Stewart.

Franck, llamando la atención a primer vista, colabora en “New York Stories” al lado de Joshua Redman y Roy Hargrove en Blue Note. Luego entra en un largo periodo de colaboración con el saxofonista Tim Ries. Obtiene 4 estrellas otorgadas por Down Beat, y Jazz Times califica el disco de “irresistible”. Unánimemente “On Second Thought” fue considerado como un disco de una gran intensidad, una grabación en vivo perfecta desde todo punto de vista. Franck ha acompañado a Gerry Mulligan o Harry Belafonte en gira, ha participado en las formaciones de Maria Schneider o de Joe Chambers, ha compuesto para big bands, orquestas de cuarto y orquestas a cuerdas, “Nuits” para cuarteto de jazz y orquestras a cuerdas presentado en Rumania, Bulgaria, Francia y los Estados Unidos. Su actividad sigue siendo muy importante en todo el mundo.

Sobre el disco

Esta grabación debut fue presentada en 1992 y también en 1997 como “Another Time” (si usted tiene una copia, confíe en nosotros: va a ser coleccionable). La escritura es exquisita “… And Keep This Place In Mind For a Better One is Hard To Find” y las dos pistas siguientes, “Running After Eternity” y “Dee” está entre lo más fino para un trío de piano de lo que hemos oído en muy mucho tiempo. Aquellos que siguen, “On Your Own” y “Affreusement Votre (Horribly Yours)”, son casi igualmente buenos.
El enorme sonido de Peacock extiende la mano y abraza las melodías, mientras Stewart, que era poco conocido en 1990 cuando la grabación fue hecha, toca con delicadeza y gracia.

Fuente para la reseña: http://www.infomediarios.com

Track Listing

1. Out a Day (9:14)
2. For the Record (5:44)
3. How Deep Is the Ocean? (Berlin) (8:21)
4. And Keep This Place in Mind for a Better One Is Hard to Find (6:20)
5. Running After Eternity (5:59)
6. Dee (6:33)
7. On Your Own (9:28)
8. Affreusment V’ortre (Horribly Yours) (7:26)
9. A Time for Love (5:50)

Recorded at Clinton Studios, New York, New York in July 1990

Artist List

Franck Amsallem: piano y composiciones, excepto donde se indica.
Gary Peacock: bass
Bill Stewart: drums

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Peter Bernstein + 3
septiembre 5, 2009, 10:40 pm
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Heart’s Content (2003)

Nacido el 3 de septiembre de 1967 en la ciudad de Nueva York, el guitarrista Peter Bernstein ha sido parte de la escena del jazz en Nueva York y en el extranjero desde 1989. Durante aquel tiempo participó en más de 60 grabaciones y en numerosos festivales, conciertos y actuaciones en clubes con músicos de todas las generaciones.

Como líder, Peter ha hecho cinco grabaciones para el sello Criss Cross Jazz. El último, Heart’s Content, destaca una sección de ritmo de primeras figuras como Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Bill Stewart. Bernstein tiene un enfocado concepto musical que destaca un tono puro y frases cantantes. Él escoge notas con cuidado y crea solos inteligentes e interesantes. Peter es también un prolífico compositor. Junto a “Blood Count” de Billy Strayhorn y la canción “Dedicated to You” el CD ofrece seis composiciones de Bernstein.

Mientras era estudiante en la The New School, Peter encontró al legendario guitarrista Jim Hall, que le pidió que participara en su Invitational Concert como la parte del JVC Jazz Festival de 1990. El acontecimiento presentó a guitarristas tales como John Scofield y Pat Metheny y fue grabado en CD por Music Masters. Hall una vez dijo que Peter “… ha prestado atención al pasado, así como al futuro. Él es uno de los guitarristas jóvenes más impresionantes que he oído. Toca lo mejor de ellos, todo con swing, lógica, sentimiento y el gusto”. Aquel mismo año, Peter fue descubierto por el saxofonista alto Lou Donaldson y participó en la primera de cuatro grabaciones con él. Fue miembro regular de su grupo a lo largo de los años 1990. “Algunas personas solamente lo tienen”. Dijo Donaldson . “… la mayor parte del tiempo uno tiene que enseñarle a alguien que hacer, pero Peter lo sabe todo”.

Peter también ha tocado con el legendario baterista Jimmy Cobb (Cobb’s Mob), el organista Larry Goldings, el Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell, y Eric Alexander y ha actuado en Norteamérica, Europa y Asia y ha hecho numerosas apariciones en televisión.

Peter ha enseñado en la Julliard School, el Berklee College of Music, North Texas State University, la New School Jazz Program y en el Jazz Conservatory de Amsterdam.

Peter se ha ganado el respeto de sus pares y mentores. Ha sido reconocido tanto por los críticos cuanto los lectores en una encuesta de la Downbeat Magazine durante los tres años pasados. Él sigue afilando su estilo de escritura e interpretación y ha desarrollado una voz distintiva e inolvidable de su guitarra completamente propia.

Fuentes para la reseña: www.allaboutjazz.com; www.freshsoundrecords.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: hay un par de frases de la reseña que se ajustan perfectamente a lo que se escucha en este disco: “frases cantantes” y “escoge notas con cuidado y crea solos inteligentes e interesantes“. Tal cual. El modo prolijo en que Bernstein hilvana las frases (con Mehldau en el mismo plan) con su guitarra, le permite a uno ir siguiendo (y disfrutando) sin problemas, el “canto” de la misma. Sin estridencias, con un repertorio dentro de un estilo clásico dentro del jazz contemporáneo y neoyorkino, Bernstein y compañía se las arreglan para hacer un buen álbum de energía contenida; dentro de un nivel muy parejo de todas las composiciones, los temas que más me gustaron son “Heart’s Content”, “Constant Conversation”, la balada “Dedicated to You” y “Simple as That”; en un disco en que los roles principales están a cargo de Bernstein y Mehldau, este último en menor medida, me hubiera gustado escucharlo a Bill Stewart un poco más jugado (recordar lo brillante que está en Modinha, New York Trio Recordings, Vol 1), pero eso no debe haber estado en los planes de la producción del album.

Track Listing:

1. Little Green Men (P.Bernstein) (7:42)
2. Heart’s Content (P.Bernstein) (7:09)
3. Relativity (P.Bernstein) (8:41)
4. Constant Conversation (P.Bernstein) (8:12)
5. Dedicated to You (Cahn / Chaplin) (7:12)
6. Simple as That (P.Bernstein) (8:32)
7. Public Domain (P.Bernstein) (6:59)
8. Blood Count (B.Strayhorn) (2:50)

Artist List

Brad Mehldau: Piano, Liner Notes
Bill Stewart: Drums
Peter Bernstein: Guitar
Larry Grenadier: Bass

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Bill Carrothers
julio 11, 2009, 10:38 pm
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Home Row (2008)

Aunque justamente grabado por Pirouet Records debido a una recomendación del artista de grabación de Pirouet, Marc Copland, Home Row captura una sesión de grabación de 1992 por un trío de piano conducido por el pianista Bill Carrothers que fue guardada y olvidada por mucho tiempo. Con el renombrado bajista Gary Peacock y el baterista Bill Stewart, el trío dejó algunas expresiones intensamente líricas, que finalmente están siendo oídas por primera vez. El álbum ejerce una sofisticación y una energía no siempre expuesta por este trío.

Mientras muchos de los temas muestran que la complicada calidad algunas veces los hacen caer dentro del reino de la improvisación, algunas baladas cruzan de manera diferente como manifiestan los dichos de la prensa, “Carrothers desarrolla un encantador y fino lenjuaje baladístico que atraviesa desde el impresionismo a la esfera del blues y el gospel”. Esto es más evidente en su interpretación de doce minutos “Jesus’ Last Ballad” de Toots Theilemans. El final del álbum “Ballad of Billy Milwaukee” es especialmente movilizante y el número caliente que no posee estos elementos, pero sin embargo es una obra musical llena de gracia.

La música aquí de verdad desafía al intelectual, presentando viejos estándares en la nueva luz como “My Heart Belongs To Daddy” de Cole Porter, “Off Minor” de Thelonious Monk y “Lost in The Stars” de Kurt Weill que son casi irreconocibles con todos los giros y vueltas que Carrothers aporta, resultando además en una expresión más hermosa. Home Row no es fácil de escuchar, pero seguramente es algo interesante que puede ser apreciado por los aficionados al jazz, mereciendo ser oído más vale tarde que nunca.

Fuente para la reseña: Edward Blanco para http://ejazznews.com – Traducción: La Bestia Políglota

Apunte: El disco comienza con una luminosa pieza como es “When Will The Blues Leave”, donde sobre una base con mucho swing, Carrothers toca sus intrincados solos; también hay lugar para los solos de Peacock y Stewart; me da la sensación por lo que viene después, que es un tema donde los tres muestran sus credenciales (como si hiciera falta!) a modo de presentación. “Jesus’ Last Ballad” es el primer gran tema del disco; algo más de doce minutos de diferentes climas y estados de ánimo; comienza un poco introspectivo con el piano solo y en el momento en que entran los cepillos y el contrabajo adquiere la profundidad de una elegante balada, sin llegar a lo extremadamente emocional. Brillante Peacock subrayando las líneas voladas de Carrothers y en el solo que ejecuta, promediando el tema. El tema es largo pero no en vano; no tiene ni un segundo de más. “A Squirrel’s Tale” es otra cosa; con cambios de ritmos y Carrothers demostrando todo su poder inventivo a la hora de estrujar las melodías, apoyado en los dialogos con dos músicos de tantos recursos como Peacock y Stewart. “Hope Song” es otra muy buena balada; suave, pero nunca sentimental; la mirada angular de Carrothers (como la de Copland) no dejan resquicio para el sentimentalismo; es como si dijeran “voy a llegar a vos, pero desde otro lado, no por el camino más corto”. “My Heart Belongs To Daddy” de Porter, aquí, es otro tema. Una rápida base de platillos y contrabajo lo deja exhausto a Carrothers en uno de los temas más up-tempo del disco.”Off Minor” de Monk nos ofrece otro gran solo de Peacock y los giros libertarios de Carrothers alrededor de esa base monolítica de Peacock-Stewart. El dialogo inicial de piano y contrabajo en “Lost In The Stars” presagia otra gran canción; y así es. El tema parece extenderse en una larga intro, de la cual uno espera una salida redentora, pero se va extendiendo en un tenso clima como de expectación hasta cambiar en forma leve y apagarse suavemente. “Home Row” es un alegre tema (ojo: la alegría como la entienden Carrothers y Cía…) en un estilo similar a “My Heart Belongs To Daddy”.Ultimo tema: “Ballad Of Billy Milwaukee”. Y tal vez el mejor tema del disco. Vuelvo a lo de antes: se puede escuchar el sentimiento con la que está tocada esta balada, pero hay una postura irrenunciable de Carrothers de ir por ese camino más pedregoso para llegar hasta tu corazón.

Track Listing

1. When Will The Blues Leave (5:54)
2. Jesus’ Last Ballad (12:23)
3. A Squirrel’s Tale (6:20)
4. Hope Song (5:44)
5. My Heart Belongs To Daddy (8:22)
6. Off Minor (6:16)
7. Lost In The Stars (5:13)
8. Home Row (7:07)
9. Ballad Of Billy Milwaukee (4:20)

Artist List

Bill Carrothers: piano
Gary Peacock: bass
Bill Stewart: drums

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