Preso ventanilla


Antonio Sánchez

Para una parte considerable de su base de fans, Antonio Sánchez instantáneamente trae a la mente un redoble en un tempo de paso ligero, balanceándose con la cámara a través de un laberinto de corredores en “Birdman or the Unexpected Virtue of Ignorance”. La banda de sonido de Sánchez para aquella película de Alejandro G. Iñárritu del 2014, concebida para solo de batería, es tanto un acto composicional como una hazaña percusiva, a pesar de que depende de su propia reproducción.

A Sánchez, que ha sido un importante baterista de jazz desde finales del siglo pasado, le quedaba casi nada para demostrar su capacidad para la orquestación dinámica -ha sido un sello distintivo de su trabajo con el guitarrista Pat Metheny, el vibrafonista Gary Burton y otros. Pero cuando “Birdman” levantó su perfil, él fue equilibrado y listo.

The Meridian Suite es el más ambicioso nuevo álbum de Sánchez, con la banda electro-acústica que él llama Migration. Se une a un doble álbum lanzado esta primavera, Three Times Three, en el que está al mando de tres tríos all-star -con socios como el saxofonista tenor Joe Lovano, el pianista Brad Mehldau, el guitarrista John Scofield y el bajista Christian McBride.

Three Times Three, mostrando el estilo despierto y adaptable de Sánchez en una sección de ritmo, habría sido un fuerte argumento en sus propios méritos. El juego es de buen gusto y asertivo, y las nuevas composiciones sirven como una forma de respetuoso pastiche. “Constellations”, una larga e intrincada pieza con Mehldau y el bajista Matt Brewer, emula la agridulce fluidez del propio trío de Mehldau. “Nooks and Crannies” montado en un dinámico y correoso groove se adapta perfectamente a Scofield y McBride.

tapa Three Times Three
Three Times Three (2014)

Track Listing

Disc 1

1. Nar-This (12:40)
2. Constellations (14:00)
3. Big Dream (8:13)

Disc 2

1. Fall 8:40
2. Nooks And Crannies (8:51)
3. Rooney And Vinski (6:28)
4. Leviathan (9:04)
5. Firenze (8:37)
6. I Mean You (7:53)

Artist List

Antonio Sanchez: drums
Joe Lovano: tenor sax
John Patitucci: bass, electric bass
Matt Brewer: acoustic and electric bass
Brad Mehldau: piano
John Scofield: guitar
Christian McBride: electric and acoustic bass

Pero The Meridian Suite pertenece a otro orden de realización. Inspirado por la continuidad sin costuras de “Birdman”, tal como es experimentado por el espectador, Sánchez compuso una suite de más de una hora cubriendo una extensión de estilos en un arco continuo. Él escribió con sus colaboradores en mente: Seamus Blake en el saxofón tenor y EWI (electronic wind instrument), John Escreet piano acústico y Fender Rhodes, y Matt Brewer en bajos acústico y eléctrico. Junto al ensamble a veces están el guitarrista Adam Rogers y la vocalista Thana Alexa, esposa de Sánchez.

El ondulante barrido del trabajo, el cual evoca ciertos recientes esfuerzos de Pat Metheny, se despliega con intuitiva lógica: motivos melódicos revolotean dentro y fuera de la imagen, regresando posteriormente en forma alternativa. Incluso cuando hay una clara ruptura -como en la comprimida e integrada fusión de “Channels of Energy”- parece que estalló de la idea anterior.

Sánchez ha desarrollado un gran sentido de la escala como compositor, y él aquí lo empuja al límite. Los veinte minutos finales de la suite, “Pathways of the Mind”, se desplazan desde un movimiento baladístico a estrellarse con una agitación modal, y luego en una repetición jazz-rock, antes de convertirse en un compás con simples dimensiones, aunque su elaboración es otra historia.

tapa The Meridian Suite
The Meridian Suite (2015)

Track Listing

1. Grids and Patterns (11:25)
2. Imaginary Lines (10:30)
3. Channels of Energy (8:25)
4. Magnetic Currents (3:53)
5. Pathways of the Mind (21:16)

Artist List

Antonio Sánchez: drums
Seamus Blake: tenor saxophon, electric wind instrument (EWI)
John Escreet: piano, Fender Rhodes
Matt Brewer: acoustic and electric bass

Special guests:
Thana Alexa: vocals
Adam Rogers: guitar

Fuente para la reseña: Nate Chinen para http://www.nytimes.com/2015/06/09/arts/music/review-antonio-sanchez-with-2-albums-the-meridian-suite-and-three-times-three.html?_r=0

¿Qué decía Sánchez sobre Three Times Three y The Meridian Suite?

Aunque su papel al interpretar la música es el de baterista, Antonio Sánchez ha incursionado en la composición debido a su formación musical integral, que incluye el estudio del piano, donde compone. En su haber cuenta con casi media decena de discos como líder de grupo.

Para este año, Sánchez publicará dos discos: uno de ellos es una larga suite de jazz, llamada The Meridian Suite. Se trata de una hora de música continua, sin ninguna interrupción. De cierta manera, comentó Antonio Sánchez, esa continuidad está ligeramente influenciada por el plano-secuencia de la película de Alejandro González Iñárritu.

Esta suite y su duración están en contraste con las composiciones: ”(las composiciones) son como cuentos cortos, yo quería desarrollar una novela: poder desarrollar mis personajes y mi trama a lo largo de una hora. ”Birdman” fue una buena manera de ver eso, que pareciera que no hay cortes. Descubrí muchas facetas de mi ser musical al no verme limitado a cinco, seis, siete ocho o diez minutos de duración… Surgieron muchas historias de mi ser que nunca hubieran salido… Fue una experiencia muy grata hacer este disco”. El baterista comentó que en la suite hay rock, jazz y otras influencias musicales: ”me gusta hacer música que no tenga reglas”, afirmó.

Three Times Three es el otro disco que publicará este 2015, se trata de un conjunto de tríos, tres formaciones diferentes en donde recurre a músicos como John Scofield, Joe Lovano y John Patitucci, entre otros. ”Lo más divertido fue escribir temas en el sonido individual de cada uno de estos músicos”.

Explicó la decisión de hacerlo en el formato de tríos: ”Lo quería hacer en trío porque muchas veces cuando hacemos lo que llaman all-star, muchas estrellas en un mismo disco, los resultados no son tan buenos. Pero con los tríos se puede limitar a un contexto musical más pequeño, para que cada quien luciera más”.

En relación a la composición y la interpretación, Antonio abundó en su método: ”Un artista tiene el deber de sacar a la luz todas sus influencias, de alguna manera… influencias musicales e influencias de vida. No lo hago de una manera consciente, siempre sale de una manera subconsciente que no puedo controlar… Lo que me gusta es dejar que la música se escriba sola, por decirlo de alguna manera. Los buenos temas se escriben casi solos, sirves como un vehículo para música: es la misma analogía para la música en vivo, las mejores noches me siento como un vehículo para que fluya la música”.

La recomendación para los jóvenes músicos es: ”Lo mejor es estudiar como loco, practicar como loco, y a la hora de componer y de tocar relajarte”. Otro proyecto próximo sería una beca que lleve su nombre para jóvenes músicos mexicanos. ”Lo que más placer me daría es ayudar a un compatriota cada determinado tiempo para que se venga a estudiar a una de las mejores escuelas”.

Extracto de un reportaje publicado en http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2015/583358/6/antonio-sanchez-de-la-composicion-de-jazz-al-cine.htm

Apunte: El mexicano Antonio Sánchez saltó a la “fama” siendo parte de la banda de Pat Metheny desde el año 2002. Sánchez ha participado en gran cantidad de discos de otros talentosos músicos (los discos “Permutation” y “Stories” en trio junto al maestro Enrico Pieranunzi y Scott Colley son dos joyas del formato trio de piano que no pueden dejar de escuchar) y desde hace ya unos años viene registrando de manera regular sus propios discos como líder. Sin ir más lejos después de haber grabado el excelente “New Life” en el año 2013, en el último año se publicaron tres discos con Sánchez como líder: Three Times Three, la banda de sonido de la película “Birdman” y el recién aparecido The Meridian Suite. Three Times Three es un disco doble de nueve temas en total ejecutados por tres tríos diferentes: Sánchez, Brad Mehldau y Matt Brewer; Sánchez, Joe Lovano y John Patitucci, y finalmente Sánchez, John Scofield y Christian McBride. Todos músicos hiperconsagrados que colaboran con Sánchez para hacer un disco casi perfecto de jazz contemporáneo. Pero Sánchez tenía una carta más en la manga para este año con The Meridian Suite: junto a la banda Migration, Antonio brinda un resumen de su carrera de estos fecundos años: obviamente está allí la impronta del Metheny Group, pero lo más atractivo es la dinámica de todo el grupo que como las olas va y viene llevándonos para un lado u otro, sin dejar de tenernos atrapados esperando lo próximo que va a venir, aún cuando los temas son de una duración que conspira contra toda difusión radiofónica (el último tema, “Pathway Of The Mind” dura veintiún minutos…). Sánchez no deja de tocar absolutamente todo su kit de batería, pero jamás suena excesivo: todo lo que toca tiene un sentido y el espacio para su banda está asegurado, en especial para John Escreet que suena muy convincente (lo he escuchado a Escreet en otro contexto y siempre me ha dado la sensación de no tener absolutamente claro adonde quiere llegar). Aún no he escuchado la banda de sonido de “Birdman” pero aseguro que The Meridian Suite es uno de los discos del año y es el ejemplo perfecto de como la batería puede ser mucho más que la sección rítmica de una banda.

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Chick Corea Trio
febrero 1, 2015, 1:55 pm
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tapa Trilogy
Trilogy (2013)

Corea es como las mareas, va y viene. Este Trilogy no sé si hace una cosa o la otra, eso depende, como siempre, del punto de vista de cada uno. A sus setenta y tres años, Corea ha pasado por todos los caminos imaginables con mayor o menor fortuna, pero siempre con un notable grado de profesionalidad. Quiero decir que, sin entrar en personales juicios de valor sobre ello, cualquiera de esos caminos los ha recorrido de manera brillante y convincente.

En este triple cedé el pianista vuelve al trío rítmico convencional mezclando un variado repertorio de piezas propias con otras pertenecientes a esa memoria colectiva multicolor que son los standards. No faltan las temibles “coreanadas”, ya saben, ese afán exhibicionista que hace de Corea un músico capaz de lo más sublime pero también del pastiche más vergonzante. Esto último es aquí una anécdota pero está presente. La línea del pianismo “coreano” en Trilogy es bastante parecida a la que exhibió en ese disco faro del trío de piano “pos Evans” Now He Sings, Now He Sobs. En éste como en aquél la música del trío fluye tan natural que parece que no pueda ser de otra manera. McBride y Blade son un complemento a la altura del empeño.

Quizás este disco sea una especie de testamento musical del Corea acústico, una especie de muestrario, un legado eficaz y completo. La quinta estrella se escapa volando gracias a alguna de esas “coreanadas” mencionadas y especialmente, me resisto a ocultarlo, a una interpretación de más de diez minutos de Someday My Prince Will Come con el protagonismo de la inefable e indescriptible voz de Gayle Moran. Como es la última pieza del disco es fácil de obviar. A parte de ello, tres discos bastante recomendables.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3195

Apunte: Trilogy es una grabación en vivo de diferentes actuaciones del trío alrededor del mundo. Corea, con unos vitales y envidiables 73 años, demuestra junto a los excepcionales Blade y McBride que puede mantenerse en la cresta de la ola varios años más. Las apariciones de los invitados españoles Niño Josele y Jorge Pardo aportan mucho a la causa del trio, y por todo lo bueno incluido en este disco triple tendemos un manto de piedad sobre la versión de Someday My Prince Will Come que canta la esposa de Corea, Gayle Moran. Fans de Corea y los no tanto (aquellos que se abruman con su pirotecnia) podrán disfrutar esta colección que de alguna manera resume al Corea acústico. Saludos!

Track Listing

CD1:

01. You’re My Everything (11:59)
02. Recorda Me (7:29)
03. The Song is You (13:54)
04. Work (5:14)
05. My Foolish Heart (9:20)
06. Fingerprints (10:22)
07. Spain (18:29)

CD2:

01. This is Now (12:42)
02. Alice in Wonderland (9:03)
03. It Could Happen to You (12:00)
04. Blue Monk (10:00)
05. Armando’s Rhumba (9:13)
06. Op. 11, no. 9 (10:43)
07. How Deep is the Ocean? (13:47)

CD3:

01. Homage (10:02)
02. Piano Sonata: The Moon (29:57)
03. Someday My Prince Will Come (10:21)

Artist List

Chick Corea: piano
Christian McBride: bass
Brian Blade: drums
Jorge Pardo: flute (CD1#4, CD1#6)
Niño Josele: guitar (CD1#4, CD1#6)
Gayle Moran: vocals (CD3#3)

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David Gilmore

tapa Numerology- Live At Ja77 Standard
Numerology: L1ve At Ja77 Standard (2012)

El guitarrista David Gilmore (¡no el guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour!) ha sido prolífico como acompañante, compositor y educador. ¿Líder? No tanto. Pero cuando ha tenido tiempo para hacer una grabación, esto ha hecho un impacto. Su primera, Ritualism (2001) fue nominada como “CD Debut” por aquel año por la Jazz Journalists Association. Su segundo álbum, Unified Presence, vino en el 2006 y destacaba las contribuciones de Ravi Coltrane (saxofón), Jeff “Tain” Watts (batería), Claudia Acuña (voz) y Christian McBride (contrabajo). Entre medio de aquellos álbumes, este antiguo miembro de Lost Tribe recibió una comisión de la Chamber Music America New Works Composer Grant que le permitió crear una pieza mayor, ““African Continuum”, que fue presentada al público durante 2003. Ha trabajado con una lista de luminarias de la música durante mucho tiempo como para catalogar aquí, pero se extiende desde Wayne Shorter y Dave Douglas hasta Joss Stone y Mavis Staples. Por lo tanto, de su historia podemos decir que él es experimentado, con logros, diversificado y respetado, y tiene su propia, sumamente desarrollada, visión musical.

Con estos atributos en el remolque, Gilmore sólo recientemente había intentado seguir a Unified Presence con un set de composiciones originales, en suma llamada Numerology. Este título refleja la búsqueda de Gilmore explorando musicalmente el principio del antiguo matemático Pitágoras, de que los números del 1 al 9 representan los “los principios universales y ciclos progresivos en la vida”. Pero no es sólo Gilmore el autor del concepto, para este registro que realiza en directo, en el Jazz Standard de la ciudad de Nueva York, y con una increíble banda. McBride, Watts y Acuña retornan, acompañados por Luis Perdomo (piano), Mino Cinelu (percusión) y Miguel Zenón (saxofón alto). Combinado con las propias capacidades de la guitarra de Gilmore, que son embriagadoras, diversas, fluídas y discriminativas, no hay forma en que este registro pueda fallar.

Y, desde luego, no lo hace.

Los nueve ciclos de Pitágoras están representados por los siete ciclos musicales de Gilmore (el primer track “Expansion”, representa los primeros tres), cada uno definido por las distintas, constatemente recurrentes construcciones melódicas que evolucionan, complementadas por los solos de Zenón, Perdomo y Gilmore. Mientras tanto, Gilmore ha elaborado algo sofisticado, entrelazando patrones rítmicos debajo de lo realizado maravillosamente por Watts, McBride y Cinelu: “Four: Formation”, por ejemplo, es un groove sincopado que solo es posible por tres de los mejores en sus respectivos instrumentos. Aquel groove continúa en forma ligeramente modificada en “Five: Change”, donde el tono limpio de Gilmore y los licks funky ponen un atractivo arco sobre la canción, antes del movimiento al disimulado “Six: Balance”, que es subrayado primero por la percusión cinética de Cinelu y luego por el alto ardiente de Zenón.

La fascinación de Gilmore por la world music se sitúa en un primer plano en “Eight: Manifestation”, combinando capas de ritmos africanos occidentales con igualmente complejas armonías de jazz; aunque el guitarrista no haga solos en esta pista, su internacionalmente consciente modelo de ritmo juega una gran parte con Watts y Cinelu en fluir sobre aquellas capas de un modo congruente.

Los talentos vocales de Acuña no están aquí para cantar las letras, pero desempeñan un papel en la armonización de las principales líneas temáticas. Su presencia indica la importancia para Gilmore que no importa cuán sofisticadas se pueden poner las cosas, la melodía no desaparecerá, y usted puede seguir escuchando, asegurándose de que la melodía tiene clara definición, sobre todo en las pistas “Expansion”, “Seven: Rest” y “Nine: Dispersion”.

Un documento bien tramado, mezclado y editado, Numerology: L1ve At Ja77 Standard captura el vigor de una banda tocando en el momento, con una fidelidad cuasi de estudio. La captación sumamente desarrollada de David Gilmore, tanto de composición como de técnica no se demuestre lo suficiente, pero él hace que la espera de 5-6 años entre registros, lo merezca.

Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2012/11/02/david-gilmore-numerology-live-at-the-jazz-standard-2012/

Apunte: Sin dejar de destacar los (muchos) méritos de David Gilmore como germen de este proyecto, la fuerza de Numerology: L1ve At Ja77 Standard radica fundamentalmente en el altísimo nivel de interpretación y química entre todos los músicos. Entre los músicos, claro está, hay varios de nuestros más recientes héroes. No voy a enumerarlos, porque ustedes los podrán identificar rápidamente. Clásico, moderno y amplio en las fuentes musicales de las que se nutre, desde lo compositivo. Caliente, virtuoso, entretenido, sutil, desde la audiencia, que al menos en mi caso, me permite decir que es el primer discazo que escucho este 2013. Qué bien ha empezado el año! Salud!

Track Listing

1. Zero to Three: Expansion (5:14)
2. Four: Formation (6:50)
3. Five: Change (6:53)
4. Six: Balance (7:53)
5. Seven: Rest (12:39)
6. Eight: Manifestation (3:58)
7. Nine: Dispersion (12:56)

Artist List

David Gilmore: guitar
Christian McBride: bass
Jeff ‘Tain’ Watts: drums
Miguel Zenón: alto saxophone
Luis Perdomo: piano
Mino Cinelu: percussion
Claudia Acuña: vocals

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Ron Blake

Sonic Tonic (2005)

En esta doble edición limitada (producido por la cantante/bajista Meshell Ndegeocello), el saxofonista Ron Blake explorando otros géneros, no resta mérito a su capacidad de tocar algunos firmemente improvisados y originales temas de jazz. Incluso cuando enamorándose de la tendencia del ‘nu’ jazz para conectarse con los disc jockeys, mantiene las cosas separadas. Hace un álbum de jazz primero (el disco 1), y luego permite que separar tierra para los turntablistas (los que hacen música con las bandejas giradiscos) para remezclar cinco de los temas originales (disco 2).

Blake inmediatamente pisa el acelerador (ayudado por la sólida batería de Chris Dave y la línea de bajo de Christian McBride) con el Coltraneano “Invocation” . El cambio repentino del tenor al soprano es de algún modo evocador de “Native Dancer” de Wayne Shorter. Es difícil no ser cautivado por el modo en que Blake da el Ellingtoniano “Dance of Passion” (el original por Johnny Griffin es hermosamente adornado por acotaciones africanas); o por su propio, caribeño condimentado “Tom Blake (Revisited)”. Si con “Shades of Brown” uno quizás oye los ecos distantes de la escritura del joven Joshua Redman o Roy Hargrove, la manera de Blake entrega la perla emotiva en “Pure Imagination”, trae a John Coltrane al cuadro. “Pissarro’s Floor” inmediatamente sigue y suavemente hace esto; con temblor, batería ilimitada y haciendo foco en el piano Fender Rhodes (de las manos sabias de Michael Caín) una alfombra perfecta para el monólogo del tenor de Blake sólidamente expresivo.

Aquellas son solamente algunas muestras de la escritura clara de Blake (la mayor parte de los temas llevan su firma). “Sonic Tonic” es un preciosamente talentoso niño, una criatura inquieta cuya vitalidad es por mucho, su calidad especial. Incuestionablemente mucho se debe a una banda que no tiene precio. El tono magnífico de Blake es una voz refinada, expresiva, muscular; una parte indispensable de un cuento musical encantador. Brillante.

Fuente para la reseña: Lara Bellini para http://www.bbc.co.uk/music/reviews/33rg – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Invocation (8:23)
02. Chasing the Sun (5:19)
03. Your Warm Embrace (1:51)
04. Dance of Passion (5:31)
05. The Windmills of Your Mind (6:04)
06. Shades of Brown (4:31)
07. Sonic Tonic (7:12)
08. Tom Blake (Revisited) (5:37)
09. Pure Imagination (4:43)
10. Pissarro’s Floor (8:32)

Artist List

Ron Blake: tenor & soprano saxophone, flute
Michael Cain: piano, keyboards
Christian McBride: bass
Chris Dave: drums
Terreon Gully: drums
David Gilmore: guitar
Reuben Rogers: electric bass
Josh Roseman: trombone
Gilmar Gomes: percussion
Vincent Chauncey: french horn
Marcus Rojas: tuba
Sean Jones: flugelhorn
Greg Hutchinson: drums
Pedro Martinez: congas

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Russell Malone
marzo 14, 2010, 11:13 pm
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Heartstrings (2001)

El ejemplo de Wes Montgomery es tan inculcado en la cultura de la guitarra de jazz que tarde o temprano, cada uno quiere un espacio en la ejecución con una sección de cuerda. No todos tienen esa oportunidad, pero cuando usted ha firmado para un sello principal con un responsable aficionado a los arreglos lujosos como Tommy LiPuma, sus posibilidades de hacer un álbum de cuerda van a estar a su alcance. Así Russell Malone encorda el álbum, una relajada, llevadera, ejecución de hora de medianoche de diez pistas pulidas a la perfección por un círculo de profesionales que parecen inclinarse a sumar otro álbum con la firma de Montgomery al catálogo de Vigor. ¿Cómo sabe usted que Malone tenía a Montgomery en la cabeza? Solamente escuche las primeras notas de la pista de título de Milt Jackson que abre el álbum; esto es exactamente la misma figura rítmica que condujo el álbum Bumpin de Montgomery. Estilísticamente, aunque Malone tiene su propio nombre, toca con un tono básico suave, algo delgado, resistiéndose a la tentación de complacerse de las grandes octavas patentadas de alguien. La cuerda manda, ya sea si es escrita por Johnny Mandel, Alan Broadbent, o Dori Caymmi – stringmen experto en todo – tendiendo a sonar como una alfombra brillante, sofisticada, asordinada agradeciendo de no tratar de llenar cada espacio y esquina de la escena sonora. Sería difícil de montar una sección de ritmo más distinguida en 2001 – el pianista Kenny Barron, el bajista Christian McBride, y el baterista Jeff “Tain” Watts- que ésta, pero ellos están solamente alrededor para mantener que las cosas rueden con normalidad. Malone hace un trabajo sobre todo hermoso con “Why Try to Change Me Now” – y hay una melodía de su propiedad, “Loved Ones” que cabe a la perfección en el modelo. Aún para todos sus regalos, Malone no entrega los destellos infartantes de melodía inspirada improvisada que hizo de los álbumes orquestales de Montgomery tan escuchables durante décadas. Esto es el ingrediente crucial que Montgomery se llevará con él a la tumba.

Fuente para la reseña: All Music Guide – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: la reseña de All Music Guide lo trata como a un disco-más-de-un-guitarrista-émulo-de-Wes, pero más allá de eso, yo no espero encontrar día de por medio, un disco que cambie la dirección de la música o que te conmueva profundamente; sólo espero escuchar algo que me guste, que sea agradable y curador de los pesares diarios; este disco es uno de ellos.

Track listing:

01. Heartstrings (Milt Jackson) 6:36
02. How About Me? (Irvin Berlin) 5:12
03. Loved Ones (Russell Malone) 3:28
04. You Needed Me (Randy Goodrum) 3:46
05. Handful of Stars (Jack Lawrence & Ted Shapiro) 4:34
06. Wind in the Willow (Jack Segal & Marvin Fisher) 5:30
07. Why Try to Change Me Now? (Cy Coleman & Joseph McCarthy) 5:05
08. The Bad and the Beautiful (David Raksin) 2:50
09. Guess I’ll Hang My Tears Out to Dry (Sammy Cahn) 5:45
10. What a Friend We Have in Jesus (traditional) 3:13

Artist List

Russell Malone: guitar
Kenny Barron: piano
Christian McBride: bass
Jeff “Tain” Watts: drums

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Joe Lovano
marzo 5, 2010, 11:30 pm
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Quartets – Live At The Village Vanguard (1996)

Nominado como el Álbum de Jazz del Año por los lectores de la Downbeat Magazine, este CD doble destaca al saxofonista tenor Joe Lovano durante dos apariciones en Village Vanguard grabado entre diez meses de plazo. Salvo el líder, el par de cuartetos son completamente diferentes y ellos destacan los dos lados de Lovano. La primera sesión destaca al líder en un estimulante cuarteto sin piano, empatando el ingenio y la creatividad con el flügelhornista Tom Harrell. Mientras la música es más cercana a Ornette Coleman que a Gerry Mulligan (por nombrar a dos grupos famosos sin piano), el tono de Harrell se parece más estrechamente a Chuck Mangione que a Don Cherry, aunque por suerte él es mucho más inventivo. Los cuatro originales de Lovano son aventureros y todo el sonido de los músicos es como si ellos lo estiraran. El segundo disco muestra a Lovano en un cuarteto más convencional. El repertorio (solamente cuenta con un original esta vez) cubre a John Coltrane, Thelonious Monk, Miles Davis, Charles Mingus, y Gordon Jenkins y encuentra al tenorman mostrando sus raíces en Sonny Rollins. La sección de ritmo en la segunda grabación (el pianista Mulgrew Miller, el bajista Christian McBride, y el baterista Lewis Nash) es excelente en el acompañamiento (casi desafiante) para Lovano. En ambos casos, Joe Lovano es oído en su mejor forma, haciendo esto fácilmente recomendable.

Live at the Village Vanguard fue nominado para un Premio Grammy en 1997 como la Mejor Performance Instrumental de Jazz, Individual o en Grupo. “Duke Ellington’s Sound Of Love” fue nominado en 1997 al Grammy como el Mejor Solo Instrumental de Jazz.

Reseña de Scott Yanow – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: esta es una colaboración de un amigo de MQC; muchísimas gracias piernodoyuna !!!

Disc 1

01. Fort Worth [Set 2] (Lovano)
02. Birds of Springtime Gone By [Set 1] (Lovano)
03. I Can’t Get Started [Set 1] (Duke/Gershwin)
04. Uprising [Set 3] (Lovano)
05. Sail Away [Set 2] (Harrell)
06. Blues Not to Lose [Set 3] (Boyd)
07. Song and Dance [Set 2] (Lovano)

Disc 2

01. Lonnie’s Lament [Set 2] (Coltrane)
02. Reflections [Set 2] (Monk)
03. Little Willie Leaps [Set 1] (Davis)
04. This Is All I Ask [Set 2] (Jenkins)
05. 26-2 [Set 2] (Coltrane)
06. Duke Ellington’s Sound of Love [Set 3] (Mingus)
07. Sounds of Joy [Set 1] (Lovano)

Grabado en vivo en The Village Vanguard, New York, el 12 de Marzo de 1994 (Disco 1) y el 20 y 22 de Enero de 1995 (Disco 2).

Artist List

Joe Lovano – Tenor, Soprano and C-Melody Saxophone

Set One
Tom Harrell: Trumpet, Flugelhorn
Anthony Cox: Bass
Billy Hart: Drums

Set Two
Mulgrew Miller: Piano
Christian McBride: Bass
Lewis Nash: Drums

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Ryan Kisor
noviembre 10, 2009, 10:30 pm
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One the One (1993)

Sobre el músico

Ryan Kisor nació el 12 de Abril de 1973 en Sioux City, Iowa. Comenzó a tocar en una orquesta de baile local a la edad de 10 años, tomando lecciones clásicas a los 12 y, hallado e inspirado por Clark Terry a los 15, asistiendo al último campo de jazz del verano, tocando con varias bandas de primeras figuras de escuelas superiores. En noviembre de 1990 ganó la competición de trompeta en el Thelonius Monk Institute a la edad de 17 años, batiendo, entre otros a Nicholas Payton y Marcus Printup. Después de graduarse en la escuela superior en 1991, se fue a la Manhattan School of Music, y más tarde estudió con Lew Soloff, entre otros. Ha grabado bastante extensamente, tanto como líder como acompañante, y con pequeños y grandes grupos. Algunos de sus puntos altos: The Mingus Big Band (que todavía toca cada Jueves por la noche en “The Fez”, bajo el “Time Cafe”, en el East Village de New York), The Michel Camilo Big Band (que aunque solo existió con el propósito de grabar el álbum “One More Once”, fue, probablemente, una de las mejores big bands de latin jazz registradas de memoria reciente), la Lincoln Center Jazz Orchestra, Gerry Mulligan, Wynton Marsalis, Wycliffe Gordon, Horace Silver, y Walter Blanding. Kisor ha celebrado su cumpleaños número 36, por lo que lo mejor, es probable, esté por venir.

Fuente para la biografía: www.jazztrumpetsolos.com

Sobre el álbum

Realmente estoy perplejo sobre por qué hay sólo una revisión para este álbum. Tan perplejo de hecho, que me obligan a escribir mi primera revisión de un álbum. Realmente es asombrosa la ejecución de Kisor a los 19 años.
Sostenido por Chris Potter, Mulgrew Miller, Christian McBride y Lewis Nash, este grupo realmente empasta bien. El arreglo de trompeta, saxofón alto y tenor en todos los encabezados, añade mucha personalidad a estas melodías, que pensativamente han sido escogidas para este disco. Este álbum no sufre de la dureza de la programación (tanto demasiado uniforme o demasiado diverso). Hay melodías que queman, conducen, con swing, groove y solos que realmente elevan al oyente y ayuda a llevar las melodías a “aquel” lugar especial. Kisor explota en la escena con un ardiente tono moderno, con asombrosa técnica. Esta es la clase de ejecución, pienso, que muchos admiradores del jazz esperaron que Wynton Marsalis repartiera en su auge, siguiendo la herencia de Freddie Hubbard. Las destacadas melodías incluyen un ardiente blues, “Remembering Tomorrow”, donde Ryan realmente muestra su arte, “Valhalla”, una composición de Potter, “Darn that Dream” realizado como un dúo con Mulgrew, y el congelante cierre “Beatitudes”. A usted no le va a ir mal verificando este álbum. Kisor ahí pone los estándares más altos para los trompetistas de jazz.

Comentario de Thomas J. Lee para www.amazon.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: Potter y Kysor (que toca como un veterano!) se alternan las voces en este disco de bop moderno, con buenas intervenciones de Miller y la sólida base de McBride-Nash. Buenas melodías, swing y virtuosismo para entregar un disco que no pretende para nada cambiar la historia del jazz moderno, pero si hacerte pasar un agradable momento, que no es poco, y de paso, ir descubriendo a un trompetista como Kysor.

Track Listing

01. On the One (5:53)
02. Far Away (5:50)
03. Remembering Tomorrow (4:59)
04. Thinking of You (7:29)
05. Groovin’ (7:01)
06. Valhalla (5:18)
07. Distant Present (7:22)
08. Punjab (6:50)
09. Darn That Dream (6:40)
10. Beatitudes (9:19)

Artist List

Ryan Kisor: trumpet
Chris Potter: saxophone
Mulgrew Miller: piano
Christian McBride: bass
Lewis Nash: drums

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