Preso ventanilla


Julian Lage

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Sounding Point (2009)

Con un descubridor como el vibrafonista Gary Burton (reveló en su momento la magia de Pat Metheny y el talento Kurt Rosenwinkel), poco tiene de meritorio anunciar el potencial de este joven guitarrista californiano que desde los cinco años ya llamó la atención de gente como Carlos Santana, Pat Metheny, Kenny Werner, Toots Thielemans, Martin Taylor o David Grisman, que lo incluyeron en sus respectivos proyectos.

Era de esperar, entonces, que su debut discográfico no tardaría en publicarse. “Sounding Point”: con un repertorio complejo, personal y compensado que ejemplifica el dote creativo y técnico del instrumentista con piezas hibridas entre lo clásico y el jazz contemporáneo como “Clarity” o “Familiar Posture”, algún trazo de empirismo modélico como “Constructive Rest” y la inclusión de alguna revisión bien planteada como aquel “Encore: All Blues” de Miles Davis o el “Alameda” de Elliot Smith.

Lo dicho, Julian Lage tiene lenguaje propio, cosas que contar y un talento creativo enorme; aún así y siendo este su primer trabajo, se intuye que en directo el guión de Lage debe transcurrir más fresco que en estudio, más intuitivo, con mayor naturalidad y menos encorsetado por un combo formado por Jorge Roeder (bajo), Tupac Mantilla (percusión, Aristides Rivas (violoncelo) y Ben Roseth (saxo) que están a su altura pero que se contaminan por mimetismo de ese estreñimiento vírico que crea el estudio de grabación.

Como ocurre en estos casos (de los llamados niños prodigio), Lage –antes de editar este primer álbum-, ha pisado los principales escenarios de jazz del mundo, ha trabajado con los mejores y ha recibido excelentes críticas allí por donde las seis cuerdas de su guitarra han sonado.

Reseña de Quim Cabeza para http://www.distritojazz.es/2011/02/julian-lage-sounding-point/

Track Listing – Sounding Point

01. Clarity (5:54)
02. All Purpose Beginning (7:16)
03. Familiar Posture (2:58)
04. The Informant (3:23)
05. Peterborough (0:46)
06. Long Day, Short Night (5:47)
07. Quiet, Through And Through (2:18)
08. Lil’ Darlin’ (5:20)
09. Tour One (4:27)
10. Alamenda (2:19)
11. Constructive Rest (2:39)
12. Motor Minder (5:54)
13. Encore: All Blues (7:14)
14. Hitchcock Prelude (2:09)

Artist List

Julian Lage: guitar; compositions (tracks: 1 to 3, 5, 7, 11, 12)
Béla Fleck: banjo (tracks: 4, 6, 10)
Jorge Roeder: bass (tracks: 1, 2, 7, 8)
Aristides Rivas: cello (tracks: 1, 2)
Chris Thile: mandolin (tracks: 4, 6, 10)
Tupac Mantilla: percussion (tracks: 1, 2, 8, 12)
Taylor Eigsti: piano (tracks: 9, 14)
Ben Roseth: saxophone (tracks: 1, 2, 5, 7, 12)

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Gladwell (2011)

Gladwell es el nombre de una ciudad imaginaria cuya vida y lugares son descritos por Lage y su banda a través de las distintas composiciones del disco. Esto nos da la medida de su planteamiento experimental, aunque como en toda música programática, a nadie se le ocurriría nada de ello de no leer las explicaciones del autor. Lo que esta música sí comunica de inmediato es la libertad de que goza la banda, y que empieza en su atípica formación y continúa por la riqueza del diálogo entre instrumentos o su aprovechamiento de las técnicas de estudio. Lo más notable es que este desapego de las convenciones no deja de mostrar una sólida escuela. El propio Lage encarna a la perfección este raro talento al unir su fértil imaginación con su conocimiento de estilos de raíz como el country y el blues, todo ello expresado por supuesto con impecable nitidez y un brillante dominio de la riqueza tímbrica de la guitarra.

Reseña de Leo Sánchez para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1569:julian-lage-group&catid=4:discos&Itemid=7

Track listing – Gladwell

01. 233 Butler (5:33)
02. Margaret (6:49)
03. Point the Way (2:12)
04. However Blake (6:27)
05. Freight Train (2:10)
06. Cathedral (2:09)
07. Listening Walk (4:28)
08. Cocoon (2:21)
09. Autumn Leaves (3:16)
10. Iowa Taken (9:06)
11. Listen Darkly (1:08)
12. Telegram (4:53)

Artist List

Julian Lage: electric guitar, acoustic guitar
Jorge Roeder: acoustic bass
Aristides Rivas: cello
Tupac Mantilla: drums, percussion
Dan Blake: tenor saxophone, melodica

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World’s Fair (2015)

No se dejen engañar por Julian Lage. Parecerá el tipo más dulce del mundo, modesto, pura calma californiana; su música, sencilla, sin esfuerzo, sin verdadero mérito. Nada más lejos. Lo más probable es que para el segundo cuatro (0:04) de este disco el oyente esté enganchado, y eso no se consigue siendo un peso pluma. Lage es, en realidad, una bestia de la guitarra, uno de los músicos más extraordinarios de hoy en día. El hecho de que lleva tocando toda la vida y que le encanta el instrumento le pone en una categoría que trasciende el puro virtuosismo, haciéndolo invisible, como inservibles serían las clasificaciones en estilos o géneros, aunque el “folk post-Internet” que acuña el anotador y también guitarrista Matt Munisteri no va desencaminado: aun con cierto sabor local, a pesar del instrumento acústico y las modas recientes esto no es —menos mal— un disco de “Americana”. Con temas como “Peru” y “Japan”, se trata más bien de la visión del mundo a través de los ojos de Lage. Su relato es muy evocador, tranquilo sin llegar a lo sombrío, a ratos enérgico y pletórico con momentos de un nivel guitarrístico escandaloso (su paleta tímbrica con la acústica es abrumadora). La única limitación aparente de Lage es su propia imaginación, y de momento parece lejos de agotarse.

Reseña de Fernando Ortiz de Urbina para http://jazzofftherecord.blogspot.com.ar/2015/02/daniel-cano-julian-lage.html

Track Listing – World’s Fair

01. 40’s (3:50)
02. Peru (2:54)
03. Japan (4:11)
04. Ryland (3:16)
05. Double Stops (1:50)
06. Gardens (3:56)
07. Century (2:55)
08. Where or When (2:21)
09. Missouri (4:11)
10. Red Prairie Dawn (2:51)
11. Day and Age (2:41)
12. Lullaby (3:00)

Artist List

Julian Lage: guitar

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Arclight (2016)

Después de haber grabado el año pasado ‘Room’, junto con el guitarrista de rock Nels Cline, Julian Lage edita su cuarto álbum como líder, ‘Arclight’, y presenta el que es su nuevo trío, formado por dos pesos pesados del jazz actual, como son el contrabajista Scott Colley y el baterista Kelly Wollesen.

Los once temas que componen este disco son una buena muestra de las influencias e intereses del guitarrista californiano, pues hay composiciones de evidente inspiración brasileña (‘Supera’), pasando por el country (‘Ryland’) y acabando por el jazz manouche (‘Persian rug’), y todo ello sin olvidar, obviamente el jazz más moderno (‘Presley’) o el blues (‘Harlem blues’).

Tengo la impresión de que la carrera de Lage no ha debido ser nada fácil. Como es sabido el guitarrista fue considerado un niño prodigio , ya que con ocho años fue el protagonista de la película ‘Jules at Eight’k, a los trece lo pusieron a tocar en la entrega de los premio Grammy y desde los 15 años es miembro del Stanford Jazz Workshop de la prestigiosa Universidad de Stanford . Con este currículo es fácil que se le hubiese ido la cabeza y que, al igual que le ha pasado a decenas de niños, se hubiese perdido en el más absoluto olvido. Pues no. Ha sabido mantener (o se la han mantenido) la cabeza fría y ha llevado una carrera seria y sin prisa (sólo tiene 29 años).

Arclight’ es un disco muy correcto, acaso no especialmente emocionante, pero que deja ver que quienes están al frente de él tienen muchas notas y muchos acordes en sus manos y saben cómo hacer para que todo fluya de manera natural.

Reseña de Jaun Ez para http://www.distritojazz.com/discos-jazz/julian-lage-arclight

Track listing – Arclight

01. Fortune Teller (3:04)
02. Persian Rug (2:23)
03. Nocturne (3:19)
04. Supera (4:02)
05. Stop Go Start (3:32)
06. Activate (2:09)
07. Presley (4:12)
08. Prospero (3:08)
09. I’ll Be Seeing You (3:31)
10. Harlem Blues (3:28)
11. Ryland (4:02)

Artist List

Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Kenny Wollesen: drums, percussion

Apunte: ¿Qué decir de Julian Lage que ya no esté dicho en líneas anteriores, si desde pequeñito deslumbra al mundo con su prodigiosa musicalidad? Pertenece a esa raza de humanos nacida de una genética distinta, donde los cromosomas parecen haber sido reemplazados por notas musicales devenidas en sustancia biológica. Son los X-Men de la música. Nuestros mortales oídos les pertenecerán por siempre.

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Joel Harrison

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So Long 2nd Street (Free Country II with David Binney) (2004)

So Long 2nd Street del guitarrista (y aquí cantante) Joel Harrison, como indica su subtítulo, es la segunda entrega (que no parte) o mejor aún la continuación y evolución de Free Country (ACT, 2003).

Con respecto a este disco aparecen varias diferencias. La primera es la formación. Entre el grupo de músicos allí presentes sólo permanece el saxofonista David Binney. En cuanto a los invitados, aparecen de nuevo el magnífico pianista Uri Caine y el organista Rob Burger. En esta ocasión la lista de vocalistas invitados se reduce a Emile Cardinaux y al Total Praise Gospel Choir. Y he aquí otro de los grandes descubrimientos del disco. Joel Harrison aparece como un vocalista con un papel que va bastante más allá de lo puramente testimonial.

El planteamiento es bien sencillo: partir de una mayoría de temas pertenecientes a la música tradicional norteamericana que sirvan como un armazón para la improvisación de los músicos. Joel Harrison además de como cantante demuestra ser un buen guitarrista. Muy interesante. El saxofonista David Binney está a un gran nivel. Es un placer escucharle en los solos que ejecuta en “Galveston” o “I’ll Fly Away”. Entre el resto hay bonitos detalles por medio del acordeón, el órgano, el piano de Uri Caine y especialmente el acompañamiento discreto pero muy efectivo de Todd Isler con sus percusiones que aporta un bonito color a los diferentes temas.

En definitiva, Joel Harrison se encarga de romper el dicho de “nunca segundas partes fueron buenas”.

Reseña de José Francisco Tapiz para http://www.tomajazz.com
Fuente para el apunte: http://joelharrison.com/discography/so-long-2nd-street

Apunte: “Mi objetivo en el primer CD, Free Country era localizar la confluencia entre Miles Davis y Johnny Cash. Esto me permitió combinar simples y eternas melodías country y de los Apalaches con arreglos e improvisación moderna y elaborada, para combinar melodías completamente vocales con aventuras instrumentales. Esta grabación continúa en esa línea, viajando a lo largo de las costuras de muchos estilos de música americana. A diferencia de la primera, sin embargo, he incluido aquí, canciones originales y he salido de las sombras como vocalista principal. Esto es más personal, una declaración íntima, un primer plano en vez de una mirada alejada. Algunos de mis momentos más privados están detallados aquí, enmarcados por las exuberantes improvisaciones de mi banda. Así, un diario de una ruptura, “So Long Second Street”, se sienta al lado de una reconstitución espiritual, “I’ll Fly Away”, y una meditación sobre la muerte se une con una desquiciada odisea del camino, “White Line Fever”. Los términos ‘ecléctico’ o ‘doblamiento de género’ son cada vez más sin significado. Country y jazz podrían ser la puerta de entrada para lo que estamos haciendo, pero estoy seguro de que no se puede etiquetar esta música como “Country-Jazz”. En su núcleo, lo que impulsa este proyecto son grandes canciones. Lo que es importante para mí no es la pureza de estilo, sino la pureza de intención y sentimiento. “Galveston” es una atemporal (si velada) canción anti guerra.”The water is wide” es uno de los más antiguos y más vívidos cuentos de anhelo en el canon western. “Oh Death” es un singularmente escalofriante grito desnudo a la parca -este grupo, a diferencia de otros que he tenido, no está tratando de contar nuevas historias. Estamos tratando de decir las viejas en una nueva forma.” (Joel Harrison)

Track Listing

01. Riding On The Midnight Train (4:42)
02. Galveston (5:21)
03. Shady Grove (4:59)
04. I Am The Light Of This World (4:56)
05. I’ll Fly Away (7:12)
06. So Long 2nd Street (4:11)
07. Waterbound (2:49)
08. The Water Is Wide (3:50)
09. Time Flies (4:28)
10. Oh Death (8:18)
11. White Line Fever (7:26)
12. Wichita Lineman (4:41)

Artist List

Joel Harrison: electric guitar, National Steel guitar, baritone guitar, voice
David Binney: saxophone
Gary Versace: accordion, organ, piano
Stephan Crump: acoustic bass
Dan Weiss: drums
Todd Isler: frame drums, hadjini, misc. percussion
Special Guests:
Uri Caine: piano
Rob Burger: organ
Emilie Cardinaux: voice
[[Total Praise Gospel Choir]]

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Wayne Horvitz
diciembre 7, 2015, 8:53 pm
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tapa Forever
Forever (2000)

La estatura estimada de Wayne Horvitz en la música moderna como compositor-ejecutante prolífico es innegable. En Forever, Horvitz y compañía proporcionan al oyente una desviación o un intermedio de las versiones anteriores de “Zony Mash” a medida que bajan el tono un poco, mientras persiguen una refinada elegancia en delicadamente melódicas y realmente conmovedoras piezas como “Ben’s Music” y la dulcemente sencilla “Tired”. Horvitz y el guitarrista Timothy Young continúan su atractiva mezcla de ricamente establecidos expresiones de acordes y sonoras líneas al unísono en “Prepaid Funeral” tanto que los acordes bien colocados del pianista y la escueta entrega habla por si sola. En esta pieza, los músicos levantan el calor tanto como persiguen la sutil dinámica y grooves de dedos golpeando via las articulaciones de piano de Horvitz estilo parador de carretera de Texas y el animado y aún intencionadamente frágil punteo y aguda fraseología del guitarrista eléctrico Timothy Young. En todas partes, el bajista Keith Lowe y el baterista Andy Roth sientan los sólidos pero a veces sueltos marcos con un notable grado de coherencia que, en última instancia, dejan comprensiva la pintura total. Los músicos representan un retrato o tela colorida o impresionista en la pieza titulada, “Little Man” cuando Horvitz y Young promulgan algo de un lamentable tema a través de lo escasamente implícito pero atractivo de los melódicos coros que ofrecen una luz tenue de esperanza!. Desde el comienzo hasta el final, los músicos alegorizan sentimientos personales y emocionales sin ser hoscos o excesivamente introspectivos; de ahí, la quintaesencia de la fina línea en la imaginaria arena impide que esta maravillosa grabación sea un desastre inducido por la sacarina…

Suponemos que Forever debería gozar de gran éxito mientras se expande la ya sustancial base de fans de Horvitz a un ámbito de mayor notoriedad. Aquí, las características definitorias del grupo presionan hacia adelante como Forever es todo acerca de cultivada y tranquila elegancia que avanza siempre tan suavemente.

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/american-bandstand-wayne-horvitz-songlines-recordings-review-by-glenn-astarita.php

Nota del Traductor: en la reseña original de Astarita se menciona al álbum con el título de “American Bandstand”, con el cual salió originalmente a la venta. El conductor televisivo y productor musical Dick Clark le entabló una acción legal por el título del disco, ya que Clark conducía un popular programa de televisión con el mismo nombre, hecho que obligó a Horvitz a re-editar el disco con el nombre definitivo de Forever.

Apunte: Resulta difícil describir de manera apropiada las obras de un artista tan prolífico como inclasificable como es Wayne Horvitz. Horvitz, como John Zorn por ejemplo, es capaz de pasar de una obra de exquisita belleza sonora a otra absolutamente desconcertante e inaudible para nuestros pobres oídos mortales. En el intrincado derrotero musical de Horvitz a mediados de los 90 formó Zony Mash un grupo eléctrico orientado hacia el funk, a la manera de los Medeski, Martin and Wood. Por supuesto, entre medio de las grabaciones y actuaciones de Zony Mash, Horvitz desenchufó la banda y grabó un puñadito de discos bellísimos, como son Forever (2000), Sweeter Than the Day (2002) y A Walk in the Dark (2008) (estos dos últimos, publicados hace un tiempo atrás por MQC/PV). Forever como las obras unplugged de este cuarteto que le sucedieron, tienen una característica distintiva que es esa especie de collage que las identifica ubicadas tanto en la tradición más tradicional como en una modernidad bien vanguardista. Como con una buen obra pictórica, si nos acercamos vemos los detalles, los colores, las sombras, los brillos…si nos alejamos, disfrutamos la imagen completa, la belleza del todo. Horvitz usa los mismos elementos de siempre (odia que le digan que su música es “eclética”), pero gracias a su enfoque hacia la infinitud de la música, lo suyo suena exquisito y curador. Demos gracias a Horvitz!

Track listing

01. Ben’s Music (4:36)
02. Prepaid Funeral (5:45)
03. Love, Love, Love (4:43)
04. Capricious Midnight (3:18)
05. 9 To 4 (4:44)
06. In The Ballroom (5:19)
07. Forever (5:16)
08. Disingenuous Firefight (5:13)
09. Tired (5:26)
10. Little Man (3:35)
11. American Bandstand (5:08)

Artist List

Keith Lowe: acoustic bass
Wayne Horvitz: piano, compositions
Andy Roth: drums
Timothy Young: guitar

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Pete McCann

tapa Parable
Parable (1999)

Aprovechando las influencias que van desde John Scofield y Bill Frisell a Pat Metheny y Mike Stern, Pete McCann tiene un creativo, diverso esfuerzo de jazz-rock en Parable. Si define fusión como “jazz mezclado con rock y/o funk”, la forma de tocar la guitarra de McCann ciertamente puede ser considerada fusión. Pero Parable se inspira en el jazz eléctrico de vanguardia (especialmente, “Prime Time” de Ornette Coleman) así como en su escuela de fusión. McCann y sus compañeros Peter Epstein (saxofones soprano y alto), Bruce Huron (saxofón tenor), Tim Lefebvre (bajos acústico y eléctrico), y Matt Wilson (batería, percusión) tocan sobre todo dentro, pero no tienen miedo de aventurarse fuera cuando es apropiado. Esa yuxtaposición adentro/afuera es una de las cosas que hacen a Parable impredecible — otra es la diversidad de la escritura. Este CD va desde lo cerebral (“Victim Sweepstakes”, “Grimlock”) a lo serenamente reflexivo (“Patricia”, “Parable”) y al arrepentimiento (“Gone”). No debe confundirse con el clásico de los tempranos ‘ 60 de Oliver Nelson, “Hoedown” satisfactoriamente fusiona la angularidad de Coleman con toques de country y folk. Parable es una realización que entusiastas tanto de la fusión como de la vanguardia podrán apreciar.

Fuente para la reseña: Alex Henderson para http://www.allmusic.com/album/parable-mw0000236981

Track Listing – Parable

01. Grimlock (5:47)
02. Parable (7:23)
03. Mind Bender (2:50)
04. Open Gate (9:08)
05. Patricia (5:24)
06. Gone (6:14)
07. Hoedown (6:04)
08. Final Passing (3:01)
09. Search (6:51)
10. Victim Sweepstakes (5:01)
11. Hoevenen (2:51)
12. Sheriff Bob (4:44)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: soprano and alto saxophones
Bruce Huron: tenor saxophone
Tim Lefebvre: basses
Matt Wilson: drums, percussion

tapa You Remind Me Of Someone
You Remind Me of Someone (2000)

El guitarrista Pete McCann a veces es comparado tanto con John Scofield como con Pat Metheny, y usted podrá escuchar más de una sombra de este último en su tono untuoso y exuberante uso de reverberación en varias pistas de este álbum. Pero en el segundo esfuerzo de McCann también hay un poco de Bill Frisell en su enfoque de la melodía — escuchar el lento “Knew Blues” y los acordes abiertos y fraseo sesgado en “You Remind Me of Someone”. En “Ornery”, un tributo brillante al pionero del free jazz Ornette Coleman, McCann rinde homenaje no solamente a la notoria indiferencia de Coleman a la progresión de acordes durante los solos, sino también a la asombrosa capacidad para escribir, a veces, melodías francamente encantadoras. McCann también escoge bien sus pocos covers, entregando una pensativa interpretación de “I Love You” de Cole Porter y una interpretación ligeramente teñida de latina de la composición de Steve Swallow, “Falling Grace”. En todas partes, él está acompañado enérgica pero sensiblemente por el bajista John Hébert y el baterista Mike Sarin. Altamente recomendado.

Fuente para la reseña: Rick Anderson para http://www.allmusic.com/album/you-remind-me-of-someone-mw0000106325

Track Listing – You Remind Me of Someone

01. Knew Blues (4:53)
02. You Remind Me Of Someone (6:23)
03. Pollock (5:30)
04. Falling Grace (4:35)
05. Mr. Fritters (4:44)
06. Inquisition (6:43)
07. I Love You (4:13)
08. Letting Go (5:05)
09. Ornery (5:45)
10. The Patriot (4:49)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: saxophones
John Hébert: acoustic bass
Mike Sarin: drums, percussion

tapa Most Folks
Most Folks (2006)

Fundado en 1999, OmniTone es un sello de jazz establecido en Brooklyn dedicado a la liberación de nuevas grabaciones “de jazz aventurero y escuchable” de los principales creativos improvisadores de hoy. En esta mezcla impresionante de straight-ahead, post-bop y jazz latino, el establecido en New York, Pete McCann, finalmente toma el centro de la escena después de años de ser un sideman para artistas como Kenny Wheeler, Kenny Garrett, Dave Liebman, el Mahavishnu Project, Peter Erskine y Curtis Stigers. Creando una actuación multifacética y de moods oscilantes diseñada para atraer tanto a sofisticados fans de jazz como a la mayoría de la gente, así es como McCann y su quinteto alterna desde la alta energía a asuntos en claves bajas. El guitarrista revela su hábil sentido de la improvisación desde el inicio, teniendo un rápido solo a unos pocos minutos de la apertura de la pista del título, atizado por los resoplantes tambores y cepillos de Mark Ferber y el cool groove del bajista John Hébert. McCann es un gran músico de conjunto también, aliviando dentro y afuera la melodía del exhuberante saxo alto de John O’Gallagher en “Jojo’s Waltz” y doblando perfectamente con su saxman en los segmentos de apertura de la pieza de jazz progresivo “About Face”. Mientras McCann y su feliz equipo parece estar más en casa en el modo up tempo, (la vigorosa “Split Decision” viene a la mente), ellos no están encima tocando raro e intrigante en números más lentos, hipnóticos y ambient como “Hunter Gatherer”. Esto es un fuerte registro de jazz indie que marca la aparición en solitario de un guitarrista que no debería mantenerse al margen mucho más.

Fuente para la reseña: Jonathan Widran para http://www.allmusic.com/album/most-folks-mw0000726577

Track Listing – Most Folks

01. Most Folks (5:35)
02. Jojo’s Waltz (6:18)
03. Rack ‘Em Up (5:43)
04. Las Tias (6:40)
05. About Face (3:27)
06. Yes, My Friend (7:51)
07. Hunter Gatherer (3:12)
08. JM (6:23)
09. Third Wheel (4:30)
10. Split Decision (2:41)
11. Worth (4:52)

Artist List

Pete McCann: guitar
John O’Gallagher: alto, soprano sax
Mike Holober: piano
John Hébert: bass
Mark Ferber: drums, percussion

tapa Extra Mile
Extra Mile (2009)

Pete McCann puede ser una especie de un superhombre de la guitarra, considerando su trabajo con bandas lideradas por Patti Austin, Lee Konitz, Kenny Wheeler, Dave Liebman, Kenny Garrett, Peter Erskine, Gary Thomas, Greg Osby, Brian Blade y María Schneider.

Desde que se trasladó a New York en 1989, McCann ha prestado sus habilidades a estos líderes diversos, mostrando su acercamiento camaleónico. Él está igualmente cómodo tocando jazz pre y post-bop, así como fusión eléctrica, acústica, latina y rock, todo lo cual está expuesto en su cuarto álbum solista, Extra Mile.

Después del swing aparentemente sin esfuerzo de la apertura “Fielder’s Choice”, McCann abre su maleta de sonidos, tocando licks inspirados en Stevie Ray Vaughn yuxtapuestos con algunos ágiles vagabundeos acústicos. Cada composición original sobre la grabación revela más de las muchas facetas de McCann, ninguna de las cuales podría haber sido lograda sin el apoyo dado por el bajista Matt Clohesy y el baterista Mark Ferber. Su pegamento sostiene juntos los diversos serpenteos.

El empleo de artistas invitados -como el saxofonista John O’Gallagher y el pianista Henry Hey- permite a McCann bifurcarse en múltiples direcciones. O’Gallagher camina en línea recta en la imperturbable pista del título y en el ardiente blues “Isosceles”. Como McCann, el saxofonista tiene un oído ecléctico, con gustos muy amplios, pero nunca disperso en su acercamiento.

Hey brilla en todas partes, pero en “Rhodes Less Traveled” se le permite estirarse en el piano eléctrico tanto como McCann absolutamente chisporrotea en la guitarra. Otras pistas estelares incluyen el dueto guitarra/bajo acústico de “Pi”, el retro-jazz-rock de “Angry Panda” y la urgente y muy memorable electricidad a lo Weather Report de “Stasis”

Pete McCann puede intentar volar bajo el radar, pero sus facultades como un guitarrista superhéroe ciertamente son reveladas en este álbum excepcional.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para http://www.allaboutjazz.com/extra-mile-pete-mccann-nineteen-eight-records-review-by-mark-corroto.php

Track Listing – Extra Mile

01. Fielder’s Choice (7:19)
02. Isosceles (5:38)
03. Stasis (5:07)
04. Extra Mile (6:09)
05. Angry Panda (5:32)
06. Tributary (5:30)
07. Pi (5:34)
08. Hybrid (4:07)
09. Lonesome Prairie Dog (8:30)
10. Rhodes Less Traveled (3:57)

Artist List

Pete McCann: electric guitar, acoustic guitar
John O’Gallagher: alto saxophone
Henry Hey: piano, Fender Rhodes piano
Matt Clohesy: acoustic bass, electric bass
Mark Ferber: drums

Apunte: Músico de músicos, Pete McCann tiene el talento y la versatilidad para tocar muy bien gran cantidad de estilos: fusión, jazz, rock, country, folk, etc, etc. La discografía como líder que aquí compartimos (a la cual le falta su última producción, “Range” del 2014), tiene la particularidad de ser amplia en los géneros abarcados, lo cual tiene la contra de que un álbum puede perder consistencia ante tanta oferta, pero por otro lado tiene la potencial fortaleza de llegar a mayor cantidad de público. Con esto quiero decir que todos los discos de McCann nos dejan algo. Y ese algo no es solo aquellos temas que estén más relacionados con el género con el cual más nos identificamos, sino también el enfoque moderno y bastante vanguardista con el que la banda completa aborda el repertorio: si observan las listas de los artistas que acompañan a McCann podrán apreciar que todos ellos son brillantes improvisadores y líderes de sus propios proyectos musicales en los cuales no temen de tomar riesgos. En definitiva: McCann es otro guitar-hero que trae MQC/PV a vuestra consideración para que saquen sus propias conclusiones. Que lo disfruten! Salud!

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Bill Frisell
marzo 3, 2014, 3:18 pm
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tapa Big Sur
Big Sur (2013)

En el corazón del Big Sur, un territorio de incalculable valor paisajístico y natural que dio título a una de las novelas más famosas de Jack Kerouac, hay un enclave llamado Glen Deven Ranch, al que muchos músicos «folkies» de la zona se refieren como «el paraíso». Los novecientos acres de este idílico rancho de la costa californiana fueron gestionados con mimo durante décadas por la escritora Virginia Mudd y su marido, hasta que en 2001 decidieron donar todo el terreno a la fundación Big Sur Land Trust (BSLT) con una sola condición: debía convertirse en refugio para la creación artística, especialmente la musical.

El BSLT estableció entonces el programa «Artist-in-Residence», que consiste en la cesión de una cabaña, un pequeño estudio de grabación y víveres para ocho semanas, durante las que el músico es libre de hacer lo que le dé la gana en su búsqueda de la inspiración. En realidad, las opciones para distraerse son pocas, pues no hay teléfonos móviles, ordenadores, televisión ni mucho menos coches. Sólo largos paseos por los acantilados y ocasionales encuentros con otros compositores en mitad del bosque. De esta experiencia surgen discos tan maravillosos como el que ahora nos presenta un Bill Frisell rendido a la misma fascinación que conquistó a Kerouac.

Sin correo electrónico

«Oh, amigo», exclama el guitarrista cuando se le pide que describa el paraje. «Es lo más espectacular que hayas visto en tu vida. Está al borde del mar, donde rompen las olas del Pacífico, y la felicidad parece ascender por las rocas con la espuma salada arrastrada por el viento. Sólo hay una carretera, que se adentra en un bosque antediluviano salpicado de pequeñas cabañas, y serpentea hacia lo alto hasta que llega a una cima imponente, desde la que contemplas belleza en todas direcciones».

La idea de escribir una nueva partitura de esta manera nació unas millas más al norte, en Monterrey. Su histórico festival de jazz le propuso crear piezas originales para ser interpretadas en la edición de este año, y recomendó solicitar plaza en Glen Deven Ranch para su composición. Frisell reconoce que al principio sólo le pareció «una idea curiosa, divertida», pero no tardó mucho en percatarse del alcance que aquello tendría no sólo sobre su modus operandi, sino también sobre su filosofía vital. «Cuando pasaron unos días, la conjunción de soledad y espacios abiertos tuvo un fuerte efecto en mí –asegura–, empecé a encontrar todo un universo de sensaciones en mi interior. Y lo que es más importante: me di cuenta de que ese universo estaba completamente oprimido por la vida moderna. Sin correo electrónico, ni atascos, ni «smartphones», empiezas a mirar dentro de ti instantáneamente, y es realmente increíble lo que puedes encontrar».

En «Big Sur» también caben el jazz, el country y hasta un poco de «rock’n’roll»

Frisell empezó a descivilizarse. «Llegó un momento en el que dejó de importarme la hora. Especialmente cuando más aislado me sentía. Recuerdo una fortísima tormenta que duró dos días seguidos, en los que me quedé recluido en mi cabaña sin electricidad, sólo escuchando los truenos, el crepitar de los árboles y los ruidos de los animales. Sentí paz, y a la vez miedo, porque es un bosque muy oscuro y hay pumas, osos, muchos peligros… Mi mente iba de un lado a otro descontrolada, pero en el fondo la sensación era de un gran respeto. No paré de escribir».

De la atenta observación, escucha y reflexión surgieron títulos de lo más gráfico como «Hawks» («Águilas»), «Cry Alone» («Llorar en soledad»), «A beautiful View» («Una vista preciosa») o «Walking Stick» («Bastón para caminar»), entre los que, con mucho sentido, aparece «We all love Neil Young» («Todos queremos a Neil Young») como homenaje al paradigma del compositor naturalista. «Sólo iba a ser una exclusiva para el Festival de Monterrey, pero el resultado fue tan gratificante que finalmente decidimos grabarlo para su publicación».

Con gracia y metodología

En «Big Sur» –grandísimo álbum para viajes en carretera, por cierto– no sólo suena «folk» de violines etéreos y arpegios ensoñadores a ritmo de vals, también caben el jazz, el country y hasta un poco de «rock’n’roll», que se entremezclan con gracia y también con metodología, al haber tres o cuatro melodías que se repiten a lo largo del disco a modo de variaciones.

Ahí da su puntada ese espíritu jazzístico influido por Miles Davis, más evidente en otras grabaciones de Frisell (aquí el guiño manifiesto está en «Gather good things»). «Toda mi vida me ha costado expresar mis sentimientos con palabras, pero con la música es diferente. En ese sentido, Davis ha sido una gigantesca influencia para mí, me siento identificado con su lenguaje basado en el instinto animal».

Nota de Ignacio Serrano para http://www.abc.es/cultura/cultural/20130603/abci-cultural-bill-frisell-jazz-201306031338.html

Apunte: Indudablemente, el Glen Deven Ranch debe ser un lugar de ensueño: Frisell declara que allí “empecé a encontrar todo un universo de sensaciones en mi interior”. La música y los oyentes somos los beneficiarios de la inspiración que le llegó a uno de nuestros músicos preferidos. Junto al 858 Quartet ampliado con la presencia del fundamental Rudy Royston, Frisell brinda, sin llegar a ser excepcional, parte de lo mejor de sus últimos años. Frisell graba mucho, a veces demasiado (perdón por la impertinencia), y recuerdo que su último disco con el 858 Quartet fue “Sign Of Life”, a mi entender, carecía justamente de la calidez que uno presume de los “signos de vida”. Felizmente, las artesanías sonoras de Big Sur suenan honestas, abiertas, luminosas, volátiles, bienintencionadas, livianamente melancólicas. Naturalmente vivas.

Track Listing

01. The Music of Glen Deven Ranch (Frisell) (3:46)
02. Sing Together Like a Family (Frisell) (4:22)
03. A Good Spot (Frisell) (0:53)
04. Going to California (Frisell) (3:17)
05. The Big One (Frisell) (2:44)
06. Somewhere (Frisell) (1:32)
07. Gather Good Things (Frisell) (5:31)
08. Cry Alone (Frisell) (3:18)
09. The Animals (Frisell) (1:39)
10. Highway 1 (Frisell) (4:51)
11. A Beautiful View (Frisell) (4:05)
12. Hawks (Frisell) (4:40)
13. We All Love Neil Young (Frisell) (1:39)
14. Big Sur (Frisell) (3:05)
15. On the Outlook (Frisell) (2:01)
16. Shacked Up (Frisell) (4:11)
17. Walking Stick (for Jim Cox) (Frisell) (4:10)
18. Song for Lana Weeks (Frisell) (4:14)
19. Far Away (Frisell) (4:36)

Artist List

Bill Frisell: guitar
Jenny Scheinman: violin
Eyvind Kang: viola
Hank Roberts: cello
Rudy Royston: drums

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Bill Frisell
julio 9, 2013, 10:41 pm
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tapa Disfarmer
Disfarmer (2009)

Cuando el guitarrista y el compositor Bill Frisell vió las fotografías de Mike Disfarmer, supo que había encontrado un alma gemela. Disfarmer tomó hechizantes fotografías de personas en la Arkansas rural en los años 1950 que tienen el realismo y la inquietante claridad de Walker Evans. Frisell, que es bien conocido tanto por sus proyectos Americana como por su reconocido trabajo en el jazz como proveniente de un muchacho excéntrico, desarrolló un proyecto con el que hizo giras tocando su inspirada música mientras mostraba las fotografías en una pantalla grande con la banda improvisando en vivo. Compartiendo esta versión de estudio del proyecto están los colaboradores habituales de Frisell, Greg Leisz en guitarra steel y mandolina, Jenny Scheinman en violín y Viktor Krauss en el bajo.

La música refleja las austeras imágenes perfectamente, desde “Focus” que usa un motivo de violín repetido para crear la tensión hasta el divertido cover de “That’s Alright Mama” de Arthur “Big Boy” Crudup. Frisell usa las fotografías para crear la música que refleja un tiempo y un lugar que era único para América. La música es a menudo apacible y la melancolía y las performances son bastante cortas, como los fragmentos de memoria que se manifiestan en un sueño. Pero para su crédito, Bill Frisell nunca deja a la música hacerse reverencial o demasiado sentimental, permanece vital y peculiar desde la pista de apertura “Disfarmer Theme” que trabaja en algunos de sus loops de guitarra con marca registrada y sutiiles y excelentes efectos electrónicos.

Este es un álbum muy agradable, y uno de los proyectos de “Americana” más finos de Frisell. La música debe ser escuchada con un oído paciente, pero la belleza de la música y la naturaleza sin adorno de la fotografía de Disfarmer hacen de esto una experiencia irresistible.

Fuente para la reseña: Tim Niland para http://jazzandblues.blogspot.com – Traducción: La Bestia Políglota

Apunte: allá por el 23/10/2009, el Cartero Mayor de MQC hacía su Séptima entrega a domicilio. El objeto del deseo era este Disfarmer, de Bill Frisell, que decidí reflotar en el Preso para aquellos que estén interesados de encontrar puntos de contacto con “Mama Rosa” de Brian Blade y “Quiver” de Ron Miles. Disfarmer está en una onda similar a “Good Dog, Happy Man”, con sentimiento y emoción, la que mejor me sienta a mi (ojo!): esa exploración del country-folk americano profundo, pasado por sus disonancias, con las dosis justas de “friselltronics”, acompañado por sus fieles laderos Leisz y Krauss (quienes entienden como nadie esta vertiente de Frisell) y la violinista Jenny Scheimann, otra conocida de MQC. Al ser un disco de muchos temas de corta duración, los pocos temas en un registro más abstracto e incómodo, pasan rápidamente sin llegar a molestarte. Gran disco.

Track Listing

01. Disfarmer Theme [05:38]
02. Lonely Man [01:16]
03. Lost Night [01:50]
04. Farmer [01:03]
05. Focus [02:27]
06. Peter Millers Discovery [04:43]
07. Thats Alright Mama [03:10]
08. Little Girl [03:43]
09. Little Boy [01:16]
10. No One Gets in [02:47]
11. Lovesick Blues [02:49]
12. I Cant Help it [03:50]
13. Shutter Dream [04:27]
14. Exposed [02:13]
15. The Wizard [01:52]
16. Think [04:38]
17. Drink [04:30]
18. Play [01:33]
19. I Am Not A Farmer [03:37]
20. Small Town [01:01]
21. Arkansas Pt. 1 [01:53]
22. Arkansas Pt. 2 [02:20]
23. Arkansas Pt. 3 [01:55]
24. Lost Again, Dark [02:06]
25. Natural Light [03:00]
26. Did You See Him [02:07]

Artist List

Bill Frisell: guitars, loops, music box
Greg Leisz: steel guitar, mandolin
Jenny Scheinman: violin
Viktor Krauss: bass instrument, upright bass

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Jeffrey Luck Lucas


Hell Then Divine (2004)

La autenticidad es una pendiente resbaladiza cuando se critica música (o cualquier forma de arte). Los entusiastas que alaban lo puro, el folk montañés de un Doc Watson ignoran el hecho que él fue descubierto tocando “Great Balls of Fire” en una Gibson eléctrica y tuvo que animarse a grabar las canciones acústicas y las melodías de violín de su casa rural. Otis Redding logró hacernos sentir la angustia cuando él cantó “Pain In My Heart” sin llegar a convertirse en un drogadicto o en un miserable alcohólico. Entonces, ¿qué significa en términos de autenticidad que Jeffrey Luck Lucas viva en algún lugar urbano de la ciudad de San Francisco, en lugar de las zonas rurales polvorientas de Texas, pero que suena a un Billy Joe Shaver en una nube de Valium? Nada, postularía -mientras él, o cualquier artista, nos haga creerlo.

En su primer disco en solitario, el ex miembro de los Morlocks masculla su camino a través de diez cuentos de amor, lujuria, y pérdidas, a lo largo de una cama que amalgama tradicionales instrumentos country -guitarra eléctrica y acústica, steel, batería, bajo- con violonchelos, platillos inclinados y guitarra, vasos de agua, sintetizador Moog, dulcimer de bambú, y algo llamado generador de funciones. La oscuridad resultante conspira para crear un estado de sueño donde recurrentes imágenes de agua (“Slower Than The Water”), fuego (“We Were On Fire”), y ambos (“Burnt Water”) tocan algo elemental en el subconsciente, sin pasar por el prosencéfalo, haciendo que a menudo la inteligibilidad de las letras no tengan importancia en el efecto global. Palabras y líneas asoman de las canciones, a veces mal oídas, pero eso está bien.

La capacidad de Lucas para realizar todo este trabajo es, sin duda en función de su innato y desmesurado talento, pero es probable que también sea una función de su formación clásica en orquestación y composición. La fusión del sugestivo pedal steel de David Phillips y la perfecta guitarra eléctrica de Chris Mullhauser con atemporales atmósferas sónicas, revela algo más que una ética de banda de garage; todavía más asombroso, él logra hacerlo sin una pizca de preciosidad artística. Hell Then Divine es un impresionante debut que administra ser a la vez arraigado y etéreo, garantizado para hacer creyentes a quienes escuchen con la mente abierta. ¿Auténtico? Usted apuesta.

Fuente para la reseña: Michael Ross para http://www.puremusic.com/lucklucasrev.html

Apunte: el disco que nos faltaba escuchar del atormentado Jeffrey Luck Lucas; el debut solista. Country/folk negro. Lamentos de eternos perdedores. Noches oscuras. Gente común, con las defensas bajas, peleando como puede con sus demonios interiores. La atmósfera que envuelve a este set de canciones es infecciosamente embriagadora y de ensoñación; se pega a la piel como el tufo que uno imagina en esos antros, como el de la portada del disco. Alguien me dijo días pasados respecto a querer más de Jeffrey Luck Lucas: “somos insaciables”; bueno, creo que eso provocan estos personajes complejos y a la deriva. El disco podrá ser mejor o peor que otros pero nos gusta, que le vamos a hacer…

Track Listing

01. Cascade (3:39)
02. Sway to the Roll (4:16)
03. Old Mexico (6:57)
04. Slower to the Water (4:22)
05. We Were On Fire (4:30)
06. Radio Towers at Night (1:23)
07. The Devil On Me (5:53)
08. Shine (6:39)
09. On the Llano (3:37)
10. Midnight, Texas (4:51)
11. Burnt Water (5:44)

Artist List

Jeffrey Luck Lucas: Cello, Acoustic Guitar, Electric Guitar, Keyboards, Percussion, Lead Vocals, Backing Vocals, Audio Generator
Desmond Shea: Trumpet, Keyboards, Percussion
J. J. Russell: Bass
Jason Smith: Drums
Chris Mullhauser: Electric Guitar
Michael Myers: Saxophone [Tenor]
Adam Anderson: Steel Guitar, Electric Piano
David Phillips, Tom Heyman (track: 8): Steel Guitar [Pedal]
Carolyn O’Brien: Viola, Violin
Alison Alstrom: Backing Vocals (track: 2)
Janis Tanaka: Backing Vocals (tracks: 5, 7, 10)
Liana Allday: Backing Vocals (tracks: 1, 3, 8)
Wendy Allen: Backing Vocals (tracks: 3, 4)

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