Preso ventanilla


Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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John Moulder

tapa-earthborn-tales-of-soul-and-spirit
Earthborn Tales of Soul and Spirit (2016)

En una temporada de fiestas de fin de año donde la melosidad musical es prácticamente inevitable en la radio y los centros comerciales, reconforta saber que hay una alternativa. Es que la nueva grabación del guitarrista de Chicago John Moulder “Earthborn Tales of Soul and Spirit” (“Historias Terrenas de Alma y Espíritu”), no ha sido concebida como un menú de fiestas y aborda la espiritualidad en formas mucho más profundas a las que estamos acostumbrados a escuchar en este momento del año. Así que no, no escucharán al gran guitarrista y conductor de Chicago ofrendar su versión de “Jingle Bells”, “Santa Baby” o “It’s the Most Wonderful Time of Year”. Pero su disco llega como un bálsamo a los oídos que anhelaban algo más.

Construida como un gran poema en tono de jazz -completo con la suma de una obertura, tres mini-suites y un ennoblecedor alegato final- “Earthborn Tales of Soul and Spirit” nos muestra a Moulder abordando preguntas profundas sobre el significado de la vida y el más allá. Sin letras o un argumento y ninguna palabra salvo por los títulos de las composiciones, Moulder nos introduce a un terreno de contemplación, prueba y ensimismamiento.

Seguro, si Ud. no conoce el nombre de su obra en tres movimientos “Journey to the East” (Viaje al Este) o su díptico “Soul in Twilight” (Alma en Penumbra), podría no descifrar los mensaje específicos que Moulder quiere expresar. Pero la naturaleza de búsqueda y el peso musical de su trabajo son inconfundibles, y aún más cuando él explica sus objetivos.

Porque Moulder creó “Earthborn Tales” como una serie de retratos de individuos que lo inspiraron (como a millones más). “Pensé que sería una idea piola expresar algunas cosas sobre personas que demostraron mucha espiritualidad o una forma inspirada de ser “, dice Moulder, a quien el Instituto de Jazz de Chicago le encargó “Earthborn Tales“, ejecutado en el Millennium Park en 2014. “Así que eso puso a girar la rueda: quizás yo tenga una manera particular de mirar al alma y el espíritu “, agrega Moulder, quien se ordenó como sacerdote católico pero recientemente dejó el ministerio. “Miro al alma como algo desde la profundidad y al espíritu como algo más trascendente — más desde las alturas, o como el cielo, si se quiere imaginar. Quise mirar a personas que me inspiraron en alguna de esas dimensiones y componer desde ahí “.

El disco comienza con “Earthborn Tales” (Cuentos Terrenales), una especie de levantador del telón para la música que está por venir, en la que Moulder se reúne con varios de los más consumados músicos de jazz de Chicago, más el saxofonista invitado Donny McCaslin (más conocido en estos días por su trabajo en la grabación de “Blackstar” de David Bowie).

Las desgarbadas melodías y las texturas amplias y despejadas que abren “Earthborn Tales” preparan el camino para varios retratos musicales fascinantes, comenzando con el ya mencionado “Journey to the East”. Su hechizante primera parte, exuberante segundo movimiento orquestal y su etéreo final nos cuentan un cuento particular.

” ‘Journey to the East’ conmemora el último viaje de Thomas Merton, justo antes de su muerte “, dice Moulder, refiriéndose al autor y activista político católico que murió en 1968 en Bangkok. “He encontrado que es un personaje tan interesante. Era un místico cristiano, un elocuente escritor espiritual, pero que realmente se abrió mucho en el final de su vida a otras religiones, otras espiritualidades, donde realmente encontró afinidades muy profundas para él.”

“Así que la primera parte (de ‘Journey to the East’) trata sobre el entusiasmo de su viaje a India. La segunda parte es realmente sobre el final de su vida … Y la tercera parte es una especie de insinuación sobre la vida después de la muerte “.

Y así transcurre el disco “Earthborn Tales“, con Moulder refiriéndose a vidas de figuras notables como puntos de partida para componer e improvisar.

Mucho de la expresión más poética de Moulder emerge en el díptico “Ruby’s Way”, que aborda el terror y el trauma que Ruby Bridges sufrió como la única niña afroamericana asistiendo a una escuela llena de blancos en New Orleans en 1960. Ella tuvo que ser acompañada por dos oficiales federales y tanto ella como su familia fueron objeto de abuso y aislamiento.

En el primer movimiento las líneas de la trompeta solitaria y pensativa de Marquis Hill representan los primeros momentos solitarios de Ruby en la escuela. Pero en la sección final, el crescendo rítmico en la música de Moulder resume el triunfo por el que Ruby y su familia tanto pagaron.

“Ella fue tratada tan mal y en muchas maneras tan cruelmente”, dice Moulder. “Pero su capacidad para transitar ese camino, con una gracia y espíritu y fuerza interior inimaginables — sólo el hecho de que haya podido hacerlo es asombroso”, agrega del momento que ha sido inmortalizado en la pintura de Norman Rockwell “The Problem We All Live With”.

Moulder construyó su suite “Ruby’s Way” de modo que “en su inicio quería que fuera triste, casi como música fúnebre, de modo de expresar la pena, la oscuridad y la sensación de caminar solo, aunque ella tuviera un par de oficiales acompañándola. Pero ese camino -sólo me lo estaba imaginando”. “En la segunda parte estaba tratando de retratar, de modo musical, esta sensación de su indomable espíritu humano y el modo en que los derechos civiles estaban avanzando y no iban a retroceder “.

Earthborn Tales” está inundada de todas estas historias, pero su elocuencia e imaginación musical no sorprenderá a quienes hayan seguido el trabajo de Moulder. El gozo que comunicó en “The Eleventh Hour: Live at the Green Mill” (2012), la sensación de serenidad que evocó en “Bifrost” (2009) y el discurso filosófico-religioso que emprendió en “Trinity” (2006) muestran un artista de una profundidad de pensamiento y sentimiento destacables.

En “Farther Reaches”, la pieza final de “Earthborn Tales“, Moulder rinde homenaje a un músico de jazz reverenciado, cuyas contemplaciones de lo divino abrieron una puerta para Moulder y muchos otros: John Coltrane. “Deberían llamarle la atención a uno por hacer John Coltrane, porque sólo John Coltrane puede hacer eso”, dice Moulder, cuyos expansivos solos de guitarra eléctrica en este movimiento sugieren no obstante que ha encontrado un camino propio. Es que “Farther Reaches” se posiciona como un cierre gratificante para toda esta empresa, otra significativa contribución de un singular artista de Chicago.

Fuente para la reseña: Howard Reich para http://www.chicagotribune.com/entertainment/music/reich/ct-jazz-john-moulder-ent-1221-20161220-column.html – Traducción: Nicolobo Ramos (enorme gracias para vos, Nico!!!)

Apunte: Nada más decir que “Earthborn Tales of Soul and Spirit” es una excelente obra musical, de un músico que ya hemos disfrutado en el pasado y que aquí se encuentra rodeado por un elenco estelar que trabaja para enfatizar la profunda espiritualidad que Moulder le imprime a sus composiciones. Discazo.

Track Listing

1. Earthborn Tales (7:05)
2. Journey to the East Pt.1 (6:31)
3. Journey to the East Pt. 2 (5:17)
4. Journey to the East Pt. 3 (2:15)
5. Soul in Twilight (Intro) (2:01)
6. Soul in Twilight (6:05)
7. Ruby’s Way Pt. 1 (6:24)
8. Ruby’s Way Pt. 2 (10:24)
9. Farther Reaches (7:30)

All music composed by John Moulder

Artist List

John Moulder: electric and acoustic guitars
Donny McCaslin: tenor saxophone
Marquis Hill: trumpet
Jim Trompeter: piano
Steve Rodby: acoustic bass
Paul Wertico: drums
Larry Gray: acoustic bass
Eric Hochberg: acoustic bass
Xavier Breaker: drums
Kalyan Pathak: tablas

Link de descarga
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Kevin MacKenzie

tapa Another New Horizon
Another New Horizon (2004)

MacKenzie a fines de la década del ’80 tocaba la guitarra para el John Rae Collective, luego se unió a Trío AAB, y al Scottish Guitar Quartet, formando Swirler, su propia productora de jazz funk. Las nueve piezas de Vital Signs reflejan dos lados de las propias actividades guitarrísticas de Kevin. Su front line esta dividida entre un extendido tumulto de lo que debe ser denominado como saxofones de jazz y violines folk.

Phil Bancroft (saxofón tenor) y Martin Kershaw (saxofón alto) son figuras claves en la siempre esforzada escena del jazz escocés, mientras que Chris Stout y Aidan O’Rourke tienen una similar posición importante en los reinos de folk montañes. El acordeón de Simon Thoumire sostiene el lado celta tradicional, y las filas de jazz son completadas por Chick Lyall (piano), Tom Lyne (bajo) y el director del sello Caber, Tom Bancroft (batería).

Estas descripciones folk-jazz son un exceso de simplificación, sólo para pintar un cuadro muy vívido de los ingredientes básicos de la música. La realidad es que todos los músicos están constantemente cruzándose, expresando una afinidad para ambos estilos, mezclándose con simpatía y comprensión. Las piezas de MacKenzie han sido escritas como resultado de haber ganado el Creative Scotland Award (una hazaña que ahora parece haber sido alcanzada por la mayoría de los miembros de su banda). Es administrado anualmente por el Scottish Arts Council, y apoya el desarrollo de proyectos especialmente adaptados.

MacKenzie escribe algunos temas intrincados; su apertura “Cypriot Skies” detiene su progreso de pavoneo funky con intermitentes rupturas. El vigor de Vital Signs es inmediatamente evidente. Las tenaces cuerdas crean una sensación de urgencia, lo que le da una atmósfera de banda de sonido. “Lost Again” gira hacia lo free y amorfo, impartiendo un agitado aspecto.”I Saw U” vuelve al funk que creo termina siendo el ataque rítmico dominante en este set. “By Myself” es una tranquila excepción, plena de estruendos de tambores, violines cantantes y guitarra tiernamente tocada. A veces, MacKenzie puede ser sorprendentemente convencional en términos del sonido de amplificación escogido: caliente y suave, con tono líquido. Sin embargo, el líder guarda su tiro más grande para el final, “Winkel’s Rose Garden”, llegando a revelar sus influencias rock.

Fuente para la reseña: Martin Longley para http://www.bbc.co.uk/music/reviews/v5gb

Track Listing – Another New Horizon

01. Cypriot Skies (6:34)
02. 3’s Company (6:36)
03. Another New Horizon (7:49)
04. Lost Again (5:08)
05. Last Night (4:52)
06. I Saw U (6:07)
07. The Velvet Revolution (7:31)
08. By Myself (4:40)
09. Winkel’s Rose Garden (7:20)

Artist List

Kevin MacKenzie: guitar
Phil Bancroft: tenor saxophone
Martin Kershaw: alto saxophone
Chris Stout: fiddle
Aidan O’Rourke: fiddle
Simon Thoumire: concertina
Chick Lyall: piano
Tom Lyne: bass
Tom Bancroft: drums

tapa Chiasmus
Chiasmus (2008)

El primer set de composiciones originales de Kevin MacKenzie desde que grabó sus nueve piezas del proyecto del Creative Scotland Award en 2004, destaca la participación de un fino cuarteto con el saxofonista Julian Argüelles, el bajista Aidan O’Donnell y el baterista Alyn Cosker.

MacKenzie ha sido una notable presencia en la música folk escocesa en los últimos años, pero este disco se centra directamente en sus credenciales jazzeras, no sólo con una notoria inventiva solista, sino también como compositor.

El guitarrista teje sus característicamente fluidas líneas melódicas a través de las espaciosas texturas de la música en intrincada e imaginativa forma, mientras Argüelles está en un papel ideal tanto en el saxofón tenor como en el soprano, sostenidos por los flexibles y propulsivos tambores de Cosker. La elegante contemporaneidad y las oblicuas vueltas y giros de los temas de MacKenzie (que se suministran con títulos igualmente peculiares) encuentran una analogía visual en el arte abstracto de Toby Paterson para la caja del CD, creado en respuesta directa a la música.

Fuente para la reseña: Kenny Mathieson para https://www.list.co.uk/article/8508-kevin-mackenzie-chiasmus/

Track Listing – Chiasmus

01. No.7 (8:44)
02. The Fall of Stout (4:33)
03. Retro Specs (7:09)
04. Laurie’s waltz (4:43)
05. Sixes and Sevens (4:23)
06. Bing Sunrise (6:10)
07. One Day Soon (6:26)
08. Albaquirky (5:15)
09. Toby Moment (4:13)
10. A Strange Affair (6:16)
11. Trundling (6:20)
12. Hip Hoperation (6:58)

Artist List

Kevin Mackenzie: guitar
Julian Arguelles: saxophone
Aidan O’Donnell: bass
Alyn Cosker: drums

tapa East of East 7th Street
East of East 7th Street (2009)

Una fina colección de inteligente y a menudo absorbente jazz contemporáneo del guitarrista escocés Kevin MacKenzie, en colaboración con tres músicos del otro lado del Atlántico. MacKenzie es una figura familiar en la escena del jazz (y folk) escocés en una variedad de contextos, pero esta última excursión como líder refleja tanto el período que él pasó en Nueva York, como subsecuentes colaboraciones en Edinburgo con músicos establecidos en Nueva York como son Boris Kozlov (bajo) y Ben Perowsky (batería).

Ese núcleo de trío es aumentado por el penetrante e inventivo trabajo del saxofón tenor de Donny McCaslin en “Dr K’s Conundrum” y “The Life Sprinter”, dos de las doce composiciones de MacKenzie que integran el álbum. Las fluídas exploraciones del guitarrista de sus posibilidades melódicas y armónicas, están a la par de las inventivas contribuciones y la capacidad de interacción por parte de sus colegas.

Fuente para la reseña: Kenny Mathieson para https://www.list.co.uk/article/21809-kevin-mackenzie-east-of-east-7th-street/

Track Listing – East of East 7th Street

01. Between Here And The City (6:27)
02. The Last Minute (4:52)
03. You’ll Never Know (4:27)
04. Dr. K’s Conundrum (9:23)
05. Reclamation (5:10)
06. Spare Parts (3:51)
07. East 7th Street (5:39)
08. The Life Sprinter (7:53)
09. Noesis (4:27)
10. The Bunker (4:33)
11. Finlay Finally Finds his Feet (5:08)
12. Monopoly Money (5:56)

Artist List

Kevin MacKenzie: guitar
Boris Kozlov: bass
Donny McCaslin: sax
Ben Perowsky: drums

tapa Revenge Of The Hammer Ladies
Revenge Of The Hammer Ladies (2015)

Agradable cuarteto “straight-ahead” compuesto por el alto saxofonista Stillman, el guitarrista MacKenzie, el bajista Dave Ambrosio y el baterista Martin France. El cuarteto parece deleitarse en conversaciones amablemente construidas. Las melodías que saben volar cuando es necesario, los ritmos que se reúnen en una charla amable.

Grabado durante el Festival de Jazz de Edinburgo en el Castle Sound Studio de esa ciudad. Este es el segundo encuentro entre Kevin y Loren y fueron directamente al estudio.

Fuentes para la reseña http://www.birdistheworm.com; http://www.cdbaby.com/cd/kevinmackenzieandlorenst

Track Listing – Revenge Of The Hammer Ladies

01. Revenge Of The Hammer Ladies (5:39)
02. Big Cat (5:40)
03. Fearless Dreamer (5:49)
04. Butterfly (7:45)
05. Her Love Was Like Kryptonite (6:29)
06. Gone (5:53)
07. The Brothers Breakfast (7:30)
08. The Nuckins (5:01)

Artist List

Loren Stillman: alto sax
Kevin MacKenzie: guitar
Dave Ambrosio: bass
Martin France: drums

Apunte: Kevin MacKenzie es un músico muy activo en la escena folk y jazzera de Escocia desde fines de los ’80. Miembro fundador de The John Rae Collective, The Kevin Mackenzie Quartet, gira por Canadá y algunos países de Europa hasta que en el ’91 parte para Nueva York, para estudiar con John Abrecrombie y Barry Harris, entre otros, logrando actuar además junto a músicos tales como Joe Locke, Adam Rogers, Roberta Picket, Craig Handy, Ben Perowski y Victor Jones. En 1992 retoma su cuarteto en Escocia y gira junto a Robben Ford, Bob Berg, Mike Stern y Ornette Coleman. Su carrera comienza a expandirse, forma parte de otros grupos “The Giant Stepping Stanes”,”Coolgroove”, “Swirler”, “Trio ABB”, “Scottish Guitar Quartet”, “The Simon Thoumire Three” etc, etc, abordando todo tipo de géneros musicales pero enfocado particularmente en la música tradicional escocesa y el jazz. MacKenzie es un respetado profesor particular y es profesor invitado en Broughton High School, Strathclyde University, Newcastle University, Edinburgh University y muchas otras. Habiendo participado a lo largo de estos años en más de cincuenta grabaciones discográficas, las obras compartidas en PV/MQC corresponden a sus álbumes como líder o co-líder, como es el caso del recientemente editado “Revenge Of The Hammer Ladies” junto a saxofonista Loren Stillman.

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Joel Harrison

1273Digipak
1300Digipak
tapa Infinite Possibility
Joel Harrison String Choir

The Music of Paul Motian (2011)

La enigmática singularidad de Paul Motian como baterista se continúa en su faceta compositiva. Piezas breves hasta el esquematismo, de una calma orientalista que suena a vaciamiento o de una arisca angulosidad, hay en ellas algo del aprendizaje de una lógica particular similar a la que supone introducirse en el corpus monkiano, quizás la mayor influencia en el baterista, si bien las piezas de Motian son misterios a plena vista. Joel Harrison, guitarrista ducho en discos conceptuales (sobre el country, George Harrison o el jazz rock) se plantea un reto más; interpretarlas con un cuarteto de cuerdas y dos guitarras, un entorno nada natural para ello. Claves en el triunfo que es The Music of Paul Motian son esta intuición y la aproximación de Harrison a este material, desde el punto de vista de un compositor, no de un intérprete, algo muy palpable en cómo da lógica individual a cada una de las piezas, cómo introduce cuidadosamente los episodios improvisatorios y en cómo emplea los instrumentos en la trama camerística del sexteto de cuerdas.

Porque The Music of Paul Motian es un disco en el que el oyente acostumbrado a la música de cámara se sentirá mucho más cómodo que el que base su dieta exclusivamente en combos jazzísticos. Hay en él una claridad y una gracia clásica que no fuerza las convenciones del formato del cuarteto de cuerda, y un lenguaje cromático muy asentado, sin nuevas técnicas, con algún detalle etno, como en el precioso arreglo de Etude, una de las mejores piezas del disco. Junto a ella destacan la ingravidez de “It Should Have Happened a Long Time ago”, la arremolinada “Drum Music”, la melancolía de “Cathedral Song” y “From Time to Time” y los arreglos de dos temas asociados a Motian, “Jade Visions” y “Misterioso”, éste el más convencionalmente jazzístico. Digamos que no ha sido un disco realizado a vuela pluma: desde el primer chispazo a su realización final dista algo más de una década. A la altura que la singularidad y la excelencia de Motian merecen.

Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1671:joel-harrison-string-choir catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – The Music of Paul Motian

01. It Should Have Happened A Long Time Ago (5:20)
02. Drum Music (4:11)
03. Cathedral Song (5:34)
04. Misterioso (6:35)
05. Mode V1 (6:24)
06. Owl Of Cranston (4:37)
07. Jade Visions (4:37)
08. Split Decision (2:29)
09. Etude (7:24)
10. Mumbo Jumbo (1:06)
11. Conception Vessel (3:15)
12. From Time To Time (3:35)

Artist List

Christian Howes: violin
Sam Bardfeld: violin
Mat Maneri: viola
Peter Ugrin: viola
Dana Leong: violoncello
Joel Harrison: guitar
Liberty Ellman: guitar

Joel Harrison 7

Search (2012)

Pocas carreras en la actualidad presentan un progreso como el de Joel Harrison, sostenido álbum a álbum. Tras discos en los que tramaba encuentros con un cuarteto de cuerdas, el legado del jazz-rock, géneros como el country o su soberbio diálogo con la obra de Paul Motian, Search es el álbum del Harrison-compositor. Cuatro piezas largas, un denso estudio para piano solo y dos versiones forman un disco que parte del “deseo”, afirma Harrison, “de traer influencias de la música clásica a mi escritura jazzística”. Que una de las versiones escogidas sea de la pieza coral de “O Sacrum Convivium”, de Olivier Messiaen, da pistas de la “música clásica” a la que se refiere. Por ejemplo, hay mucho de Philip Glass en su escritura para las cuerdas en fases y de la plasticidad de un John Adams. Como éste, Harrison es un compositor para el que el movimiento continuo es fundamental, ya se trate de una pieza pastoril irresistiblemente ascensorial como “Grass Valley and Beyond” o la profundamente sentida de “A Magnificent Death”. Por distintas que éstas sean, están unidas por el impulso a cantar algo noble que mueve la obra de Harrison.

El detalle de lo escrito no deja aparte la improvisación porque si algo resulta incuestionable en la carrera del guitarrista es su olfato para formar grupos, en este caso unos 7 fantásticamente empastados, de alcance semiorquestal y de mentalidad estructural en sus partes improvisadas. Harrison claramente escribe por secciones, con una particular atención para las cuerdas, y consigue un logro fundamental en el engarce de la rítmica formada por Stephan Crump y Clarence Penn. Su guitarra, en una incesante labor de conjunto y textura, raramente ocupa el primer plano guardado para un dramático Donny McCaslin. En una pieza tan guitarrística como el “Whipping Post” de los Allman Brothers, segunda de las versiones del disco, destina de hecho el dueto original a unos incandescentes Leong y McCaslin. Harrison sigue buscando, pero lo que es más, sigue encontrando.

Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2423:joel-harrison-7-&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Search

1. Grass Valley and Beyond (11:15)
2. A Magnificent Death (15:00)
3. All the Previous Pages are Gone (8:24)
4. The Beauty of Failure (6:24)
5. Whipping Post (8:26)
6. O Sacrum Convivium (6:19)
7. Search (2:18)

Artist List

Joel Harrison: guitar
Donny McCaslin: tenor saxophone
Gary Versace: piano, Hammond B-3
Christian Howes: violin
Dana Leong: cello
Stephan Crump: bass
Clarence Penn: drums

Joel Harrison 19

Infinite Possibility (2013)

Una de las muchas cosas sobre Joel Harrison es que él no es un esclavo de su instrumento. Muchos guitarristas escriben música a la manera de un guitarrista, independientemente del género. Y pueden culparles? Viejos hábitos son difíciles de romper. Porque es tan agradable ver a cualquier guitarrista dedicarse con entusiasmo y usar su energía para escribir la música en una manera que no fácilmente conviene a las seis cuerdas (y sin embargo muchas cuerdas están implicadas). Y como el Joel Harrison 7 abruptamente da paso a Joel Harrison 19, la música del hombre aún no ha caído en ninguna trampa guitarra-centrada. Pero si ustedes han escuchado el álbum previo de Harrison, “Search”, o ha tenido la oportunidad de ver al Joel Harrison 7 en los últimos dos años, más o menos, usted sabrá que su marca de jazz vibra en una longitud de onda diferente. Incluso en un mar lleno de muchos contemporáneos únicos, él todavía es original. Una de las razones es porque sus canciones son completamente buenas, memorables, nunca inútilmente distantes. Lo otro es debido a que él siempre tiene tremendos talentos junto a él.

Infinite Possibility es la primera incursión dentro de la escritura big band, y las 19 piezas del ensamble que conformó para el estudio es una lista seria; Ben Kono, Ned Rothenberg, Ben Wendel, Taylor Haskins, Curtis Fowlkes, Kermit Driscoll, tantos músicos que ya tienen su propia y voluminosa carrera solista. Y Infinite Possibility puede estar lleno de canciones de Harrison, pero el show es la Orquesta. Hay solos aquí y allá, con los solistas recibiendo los créditos apropiados en las liner notes, pero esto no es música de Big Band que es solo-conducida. Incluso Harrison mismo practica una gran moderación, salvándose arriba por grandes momentos como su enfrentamiento entre él y sus vientos en “Dockery Farms”. Es como un movimiento de nubes de tormenta.

Hay un sentimiento misterioso de “adonde va esto?” en la música, compartiendo más en común con los arreglos de Gil Evans para los legendarios álbums de Miles Davis que con las cosas de la era del swing. De hecho, llamarlo big band es bastante engañoso (yo uso el término porque Harrison se refiere a ella como tal en las liner notes). En la superficie, la primera mitad de “Remember” es más clásica contemporánea que jazz. El conductor J.C. Sanford ha renunciado a la batuta de la John Hollenbeck Large Ensemble y a la Alice Coltrane Orchestra, entonces está apenas fuera de su elemento en este proyecto de jazz-encuentra-clásica-encuentra-esteroides. La presencia de James Shipp en el vibráfono, tiene la extraordinaria capacidad para establecer el tono para la apertura “As We Gather All Around Her”, que también establece el tono para el álbum entero; un sutil sentido de posibilidad, pelando capas de una forma que no se diferencia de la mano corriendo la cortina en la cubierta del álbum. La suave voz de Everett Bradley se encuentra tan cómoda en la mezcla que también podría ser un instrumento de viento. A su tiempo, Laila Biali tiene una parte vocal en “Remember”; ella también podría ser un theremin.

Infinite Possibility no puede ser más recomendable. Las canciones fluyen y la música se re-energiza a si misma. Escuchando a Infinite Possibility, me encontré olvidando una y otra vez que escuchaba a una orquesta de 19 piezas tocando música compuesta por un guitarrista de jazz. Harrison y sus compatriotas pueden atropellar las fronteras jazzeras de sus instrumentos tan bien, que es verdaderamente reconfortante. Esto nos muestra que hay mucho más que se puede hacer en este sentido, a partir de ahora cada vez que nos parezca.

Fuente para la reseña: John Garrat para http://www.popmatters.com/review/173813-joel-harrison-19-infinite-possibility/

Track Listing – Infinite Possibilty

1. As We Gather All Around Her (10:05)
2. Dockery Farm (8:56)
3. Remember (5:50)
4. The Overwhelming Infinity Of Possibility (9:26)
5. Highway (8:52)
6. Blue Lake Morning (9:41)

Todos los temas compuestos por Joel Harrison

Artist List

Joel Harrison: guitar – electric
Michel Gentile: flute
Ned Rothenberg: saxophone, clarinet, flute
Ben Kono: saxophone, oboe, english horn, flute
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ben Wendel: tenor saxophone
Rob Scheps: tenor saxophone, clarinet, flute
Andy Laster: baritone saxophone
Seneca Black: trumpet
Taylor Haskins: trumpet
Dave Smith: trumpet
Justin Mullen: trumpet
Alan Ferber: trombone
Jacob Garchik: trombone
Curtis Fowlkes: trombone
Ben Stapp: tuba
Joseph Daley: tuba, euphonium
Daniel Kelly: piano, keyboards
Kermit Driscoll: bass
James Shipp: vibes, marimba, hand percussions
Rob Garcia: drums
Everett Bradley: vocals
Laila Biali: vocals
J.C. Sanford: conductor

Password en todos los casos: presoventanilla

Apunte: Joel Harrison es un músico que se reinventa todo el tiempo. En los últimos tres años ha hecho tres obras de una calidad poco común. Capaz de una relectura imaginativa de la belleza abstracta y etérea de las composiciones del inmenso Paul Motian, como de armar una Big Band para seguir explorando posibilidades artísticas: 6, 7 o 19 músicos cuidadosamente elegidos, son medios para alguien que entiende que el cambio es movilizador, que eventualmente se puede equivocar en el trayecto, pero que siempre se rescata algo (o mucho, como en este caso) positivo. En The Music Of Paul Motian, las versiones de “Owl Of Cranston”, “Etude” o “From Time To Time” por ejemplo, son de una profunda belleza, dentro de un álbum que por la expresividad de las cuerdas y el carácter camarístico que tiene, ya de por si es delicado y de una solemnidad bien entendida, no de acartonamiento. En Search, Harrison experimenta con influencias de la música clásica trayéndolas a su visión del jazz y conserva cello (Dana Leong repite) y violín en la instrumentación del disco, algo que comparte con la estructura armada para The Music Of Paul Motian. Las largas piezas (“Grass Valley and Beyond” y “A Magnificent Death”) son muy ricas, tanto en sus cambiantes climas y pasajes instrumentales, como en las intervenciones solistas. Dicho sea de paso la resolución final de “A Magnificent Death”, de los últimos dos minutos y medio, aproximadamente, es de una brillante escritura. “All the Previous Pages are Gone” parece un compendio del conocimiento enciclopédico de Harrison de las diferentes corrientes del jazz desde casi su nacimiento, con partes estructuradas y otras improvisadas bastantes cercanas al free. “The Beauty Of Failure” es una sentida balada(?) con Donny McCaslin remarcando una frase emotivo que hace de este tema lo más cercano a un tema tradicional, pero no por eso menos bello. La versión de “Whipping Post” es muy buena, con las partes cantadas reemplazadas por el tenor de McCaslin, pero me pasa algo particular: tengo marcada a fuego la impresionante versión de Frank Zappa que viene en el álbum “Them Or Us”, con lo cual las comparaciones saltan cada vez que la escucho. “O Sacrum Convivium”, otra pieza de cansino desarrollo, es la única oportunidad de escuchar a Harrison en primera persona, con la banda apenas sonando por detrás, pero son solo unos instantes iniciales, ya que McCaslin aparece prontamente a decir su discurso y el tema se va deambulando con los aportes mansos de todos los músicos. Cierra el disco un corto tema (“Search”) con el piano solo creando un clima de expectación, que concuerda plenamente con el título del disco y del tema. Pero Harrison, como ya dije anteriormente, es un músico inconformista y proyecto tras proyecto cambia de dirección y experimenta con nuevas instrumentaciones y miradas sobre la música contemporánea. Es el mismo tipo de inquietud que anima a otros músicos talentosos como por ejemplo John Hollenbeck, con el cual lo asocio mentalmente. Harrison en Search armó un septeto; Hollenbeck alterna entre su quinteto y el gran ensamble. Infinite Possibility muestra justamente, algunas de las incontables puertas que se abren al disponer de una instrumentación tan variada. El panorama auditivo es tan amplio, tantos climas, matices y detalles que cuanto más atenta(s) sea(n) la(s) escucha(s) más grande será el disfrute. Esto no se cocina en un solo hervor, pero vale la pena meterse en la olla.



David Binney

tapa The Luxury of Guessing
Luxury Of Guessing (1995)

Luxury Of Guessing es uno de los eslabones perdidos de la cadena Binney que MQC / Presoventanilla está intentando recuperar. Meses (si, meses) que rota y se disfruta en el pen drive, hasta que “New Life” de Antonio Sánchez me recordó que tenía esta asignatura pendiente con el bueno de Binney. No hay reseñas disponibles de este disco en la web. Escarbé hasta el último y recóndito site y me resultó imposible encontrar alguna, así que el apunte se transforma en reseña, con las debidas disculpas del caso.

Luxury Of Guessing (Audioquest, 1995) es el segundo álbum que registró David Binney como líder. Aquí pueden encontrarse las seminales ideas que luego se expandieron en, por ejemplo, los excelentes “Free to Dream”, “Balance”, “South” o “Welcome to Life”, por citar algunos. Como de costumbre, Binney se rodeó de talentos desbordantes para elaborar su música bien contemporánea, que abreva de diferentes géneros musicales. Luxury Of Guessing es pura y potente belleza musical, trascendente, absolutamente brillante en su concepción y composición y, además, astutamente arreglada para mostrar las fortalezas de cada performer sin caer en excesos de virtuosismo. Binney no defrauda nunca. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Omen (1:20) [David Binney]
02. See How Fine My Address Was (7:27) [David Binney]
03. The Three Stars (5:08) [David Binney]
04. Without You (4:09) [David Binney]
05. Meddler (7:38) [David Binney]
06. Surrounding As Influence (1:21) [David Binney]
07. Watch Your Head (5:42) [Ben Monder]
08. Rue De Fishes (7:43) [Scott Colley]
09. Dream Of Five Places (5:14) [David Binney]
10. Cochise (5:53) [David Binney]
11. The Luxury Of Guessing (4:29) [David Binney]
12. Last Of The Day (4:17) [David Binney]

Artist List

David Binney: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Steve Armor: trombone
Uri Caine: piano
Ben Monder: guitar
Scott Colley: bass
Jeffrey Hirshfield: drums
Daniel Sadnownick: percussion

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Password: presoventanilla



Antonio Sánchez
junio 9, 2013, 11:24 am
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tapa New Life
New Life (2013)

Usted puede haber asistido a un concierto del vibrafonista Gary Burton o del guitarrista Pat Metheny y, al igual que muchos otros se encuentra incapaz de dejar de centrar la atención en el baterista, Antonio Sánchez. Su presencia, exuda una suerte de magnetismo rítmico que ha respaldado a músicos tales como Chick Corea, Miguel Zenón y Metheny durante los últimos 13 años.

Cuando él libera un disco como líder tocando sus composiciones originales, su arsenal es expuesto plenamente. New Life sigue al disco doble Live In New York (CAM Jazz, 2010) grabado en Jazz Standard en el 2008. Golpeando con un frente de dos vientos, Sánchez emplea al saxofón tenor de Donny McCaslin y al saxofón alto de David Binney, más aquí incluye al recientemente descubierto genio del piano, John Escreet y para completar su sección de ritmo al bajista Matt Brewer, ganador 2009 de la competición Thelonious Monk International Jazz. Con Escreet en la alineación, la composiciones de Sánchez tienen precedencia sobre una simple sesión de vientos. “Uprising and Revolutions” abre el disco con una balada que se cuece a fuego lento, luego a medias y después furiosa, con turbulentas energías de Binney, McCaslin y Escreet, empujados contra la caldera que se arremolina continuamente revuelta por Sanchez. “Medusa” es un vehículo apropiado para que los dos saxofonistas se enreden, las jocosidades de McCaslin versus los sondeos de prueba de Binney. La energía controlada de Sánchez le permite a su banda expandir sus sonidos sin límites. El funky “The Real McDaddy” abre con los dos vientos y la batería sola, y luego gira en algo que podría confundirse con un tema de Curtis Mayfield reversionado por Tower Of Power. Con el toque de Escreet en el Fender Rhodes aquí y en “Minotaur”, la banda se transforma en una festiva banda de heavy groove.

Pero espere, aún hay más. Sánchez ofrece una profunda balada de blues con “Nighttime Story” y la pieza central del álbum es la canción del título del mismo. En casi 15 minutos, la canción es un guiño a Metheny, con la vocalización de Thana Alexa y una composición en constante expansión. Raramente un álbum creado en estudio pida tanto una actuación en vivo, como New Life lo hace.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=44095#.UbOs09hqSg8

Apunte: Exactamente no sé cual será la “nueva vida” a la que se refiere el mexicano Antonio Sanchez con el nombre que titula a esta colección de temas, todos ellos de su propia autoría (atentis con este detalle que no es menor!). Lo que si queda claro es que ha sido muy sabia la decisión de compartir la producción del disco con David Binney. Binney rodeó a la potencia natural de Sánchez con unos tremendos músicos, todos habitués de esta esquina, que han sabido ganarse largamente nuestro aprecio. New Life es música melódica y rítmica, de fuerte intensidad, energética, de alto impacto, que en manos de estos músicos alcanza un alto grado de complejidad. “El tercero (disco) es cuando los artistas empiezan a encontrar su voz y definitivamente estoy encontrando el camino que más me gusta en cuestión de composición y liderazgo de un grupo”, dijo Sanchez en un reportaje previo a la presentación del disco en Guadalajara, México. Creo que lo que nos dice Sánchez, al menos en su caso, es absolutamente cierto: New Life es lo mejor de Sánchez a la fecha y sin dudas un excelente disco. Altamente recomendable.

Track Listing

1. Uprising and Revolutions (8:51)
2. Minotaur (8:53)
3. New Life (14:23)
4. Nighttime Story (6:39)
5. Medusa (8:24)
6. The Real McDaddy (8:52)
7. Air (7:39)
8. Family Ties (8:46)

Artist List

Antonio Sanchez: drums, vocals, additional keyboards
Donny McCaslin: tenor saxophone
David Binney: alto saxophone
John Escreet: piano, fender rhodes
Matt Brewer: acoustic bass, electric bass
Thana Alexa: vocals (3).

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Donny McCaslin

In Pursuit (2007)

Donny McCaslin ha demostrado una evidente progresión en los últimos años, tanto en su faceta de instrumentista como a nivel conceptual, y buena prueba de ello es su recienteIn Pursuit. En él el saxofonista se rodea de unos músicos de ensueño, y sabe llevar a la banda para que todo el mundo se concentre en un objetivo común.

A lo largo de los nueve cortes que componen el CD, McCaslin dosifica a sus acompañantes, crea mucho espacio armónico y varía las texturas, aprovechando al percusionista Pernell Saturnino en guiños latinos (“A Brief Tale”, “Send Me A Postcard”, “Fast Brazil” y “Village Natural”, en 5/4). El líder y David Binney (productor de la sesión) entrelazan sus discursos en “Madonna”, mientras Ben Monder abstrae su acompañamiento mostrando trozos de armonía en base a los que sus compañeros desarrollan sus improvisaciones. Dicha abstracción llega a su máximo nivel en “Sea Of Expectancy”, que presenta una colorista introducción de casi cinco minutos. McCaslin y Binney combinan a la perfección, el primero con un sonido más duro, el segundo más dulce, mientras Scott Colley y Antonio Sánchez manejan el entramado rítmico con discreción y sabiduría. El máximo nivel de intensidad se alcanza en el último tema, el largo “Festival In 3 Parts”, con un rockero Ben Monder, cuya obsesiva línea melódica queda marcada en el subconsciente del oyente.

In Pursuit no sólo sirve para reivindicar la figura en alza de Donny McCaslin, también es otro logro para músicos como David Binney, Ben Monder o Scott Colley, que llevan tiempo dando que hablar en la escena neoyorquina y a los que se augura un excelente futuro.

Reseña de Artuto Mora Rioja para http://www.tomajazz.com/discos/breves.php?d=2008-07-01#dm_ip

Track Listing

1. A Brief Tale (4:13)
2. Descarga (6:35)
3. Madonna (10:00)
4. Sea Of Expectancy (8:10)
5. In Pursuit (5:11)
6. Village Natural (4:35)
7. Send Me A Postcard (3:15)
8. Fast Brazil (7:47)
9. Festival In 3 Parts (11:42)

Todas las composiciones por Donny McCaslin

Artist List

Donny McCaslin: saxo tenor, flauta, flauta alto
David Binney: saxo alto
Ben Monder: guitarras
Scott Colley: contrabajo
Antonio Sánchez: batería
Pernell Saturnino: percusión

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Password: musicaquecuelga.blogspot.com