Preso ventanilla


Erik Friedlander
septiembre 24, 2017, 8:45 pm
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tapa Nothing on Earth
Nothing on Earth (2014)

¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.

“Aasiaat” ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En “Maniitsoq”, el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de “Aurora”, aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.

Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.

Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/

Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco “Rings”, olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior “Rings”, aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Francesco Cataldo

tapa Spaces
Spaces (2013)

Hoy presentamos el último disco del guitarrista italiano Francesco Cataldo (Catania, 1975) que lleva por título ‘Spaces‘ (AlfaMusic, 2013). Este álbum ha sido grabado en la ciudad de Nueva York en septiembre de 2012 gracias a la invitación del contrabajista Scott Colley. Además de éste, están incluidos en el mismo, el saxo de David Binney, Salvatore Bonafede al piano, Clarence Penn a la batería y una colaboración de Erik Friedlander al violoncelo en ‘Vito Raccontami’. Este guitarrista se ha formado con todos los honores en el Conservatorio de Palermo y con clases particulares con músicos de la trayectoria de Adam Rogers, Enrico Rava o el mismo Rosario Giuliani.

Se trata de 13 canciones que funden la tradición de composición europea con la seriedad y profesionalidad de los intérpretes norteamericanos, una oportunidad de entendimiento entre dos concepciones que, en ocasiones, difieren. En temas como ‘Algerian Waltz’ o ‘A Phrygian Day’ se investiga en formas argelinas y frígias (lo que hoy sería Turquía), respectivamente. Por otra parte, nos propone una reflexión interesante sobre el uso de los silencios en la música y una fórmula particular para iniciar un viaje interno y de comprensión. En definitiva, una nueva propuesta que nace en Italia pero que propone una mezcla con el hacer de músicos de la Ciudad de los rascacielos.

En primer lugar nos gustaría saber más sobre su comienzo en la música ¿Cómo comenzó en la música? ¿Ser guitarrista fue su primera opción? ¿Cuándo comenzó en la música?
– Francesco Cataldo: Tuve los primeros contactos con la música cuando tenía 8 años. Empecé estudiando el piano en la localidad de Siracusa, con un buen maestro e incitado por mis padres, los cuales siempre fueron unos apasionados de la música clásica. A los 14 años paré con los estudios de piano clásico y empecé a estudiar la guitarra. Me enamoré perdidamente de este instrumento, por su sonido, por las distintas posibilidades del timbre que ofrece. De inicio tocaba la guitarra como autodidacta hasta los 16 años. Actuaba con unas bandas locales de rock tocando distintos géneros musicales: The Beatles, Jimi Hendrix, Génesis y el american hard rock, por llamarlo de alguna manera. A los 17 años, empecé realmente a tomar clases privadas de guitarra clásica en Siracusa y por fin, a los 23 años descubrí el jazz. Mientras estudiaba derecho, empecé a estudiar la guitarra jazz de forma privada en Catania y después de mi licenciatura seguí estudiando en el conservatorio de Palermo licenciándome en disciplinas musicales con especialización en jazz.

– Este último disco se ha titulado ‘Spaces‘ ¿Cómo decidió este título? Los nombres tienen relación a algunos lugares italianos ¿Son sus favoritos?
– F.C.: Efectivamente ‘Spaces‘ es el título del disco pero también una de las 13 pistas del álbum. La idea de los espacios, en este caso sonoros, me encantó desde que empecé a componer. Para mí, ‘Espacios’ significa dar a la música y a los instrumentos que la ejecutan una gran envergadura; creo que para conseguir eso, es fundamental una equilibrada utilización de las pausas en la escritura y en el arreglo. Siempre hay que recordar que cada nota que tocamos quita espacio al silencio. Crear ‘Espacios’ puede significar hacer dialogar a los instrumentos con equilibrio, sin protagonismo alguno, para evocar en el oyente una imagen, una persona querida o, en general, distintas experiencias de vida.
A menudo utilizo una imagen para aclarar este concepto: un círculo en el cual todos los instrumentos se encuentran equidistantes del centro, en el cual es el corazón de la música, digamos, para darle savia vital. Dos pistas del álbum, ‘Siracusa’ y ‘Ortigia’ están dedicada a mi ciudad: Siracusa. Ortigia es el casco antiguo de Siracusa, quiero a mi ciudad porque siempre es capaz de darme inspiración para mis composiciones.

– Tiene un quinteto con músicos como David Binney, Salvatore Bonafede, Scott Colley y Clarence Penn ¿Cómo escogió a estos músicos? ¿Cómo los encontró?
– F.C.: Todo empezó con Scott Colley. Yo no lo había conocido hasta entonces y le mandé un e-mail haciéndole mención de la idea de grabar un disco con mis composiciones. Después él escucho unas pistas y aunque no me conocía, pronto me invitó para grabar en Nueva York, en los Sear Sound Studios, famosa sala de grabación que cada año acoge artistas importantes como John Scofield, Pat Metheny o Bill Frisell etcétera. Entonces convoqué a los demás y organicé la grabación en el pasado septiembre de 2012. Ha sido un honor para mi ser el tercero músico italiano, después de Bollani y Pieranunzi, con el cual Colley haya colaborado en un proyecto de grabación. Los otros músicos con los cuales grabé el disco, no los conocía aparte de Bonafede, con el cual toqué muchas veces.

– ¿Cuáles son sus referencias desde el punto de vista musical? ¿Puede escoger a 5 de sus guitarristas favoritos?
– F.C.: Wes Montgomery, Jim Hall, Pat Metheny, Bill Frisell y John Scofield. Todos son unos artistas geniales y distintos entre sí, pero tienen en común lo que yo creo que es una de las cualidades más destacadas e importante para un músico de jazz: la síntesis. La capacidad de transmitir ideas musicales claras, directas y cada uno con una personalidad muy definida.

– ¿Cree en la fusión o prefiere una forma más conservadora de jazz, como se suele decir ‘straight ahead’ y más clásico?
– F.C.: Empecé a los 23 años estudiando el ‘bebop’ y luego empecé a escuchar y a estudiar a los demás músicos. Después de este recorrido, me resulta difícil, si no imposible, definir entre las varias ramas del jazz y elegir lo que más prefiero ¡A mi me gusta toda la música! ¡Y creo sin duda en las contaminaciones! En mis piezas he intentado fundir estilos diferentes pero siempre buscando mi personalidad. Confieso, además, que soy un estudioso apasionado de la obra de Bach y estoy muy inspirado por la música barroca y es probablemente mi base más grande. Bach y la música jazz son dos tipos de música que están desde un punto de vista histórico lejos pero muy cerca en términos de concepción de las arquitecturas musicales.

– ¿Sabe algo con respecto a la música española? ¿Y sobre Canarias?
– F.C.: Con lo que respecta a España siempre me encantó la tradición del flamenco, la pasión con la cual los grandes maestros llevaron adelante este espléndido género musical. Nunca he estado en las Islas Canarias pero me gustaría mucho visitarlas para aprender de sus tradiciones populares y musicales. Sé que a menudo acogen a músicos geniales de orquestas sinfónicas y de jazz, en particular el Canarias Jazz Festival. Espero tener pronto la posibilidad de ir para escuchar talentos locales y, a lo mejor, tocar con ellos.

– ¿Qué destaca del hecho de grabar en New York?
– F.C.: Eso, como he dicho, fue una invitación de Scott Colley. No estaba en mis planes pero enseguida lo preparé. New York es una metropoli fantástica, no cabe duda, hay espacio para todos los géneros musicales y para todas las formas de arte; además hay una profesionalidad excelente.

– Cuéntenos… ¿Cómo es el panorama del jazz en Italia? ¿Cuáles clubs son sus favoritos? ¿Puede decirnos algunos nombres destacados y que debamos conocer sobre ellos?
– F.C.: En Italia tenemos numerosos talentos de jazz de todas las edades. En particular tenemos grandes maestros de jazz que son muy apreciados en el extranjero como son los casos de Franco Cerri, Enrico Rava, Salvatore Bonafede o Franco D’Andrea y otros que han marcado un camino que luego prosiguieron los músicos de hoy, de forma excelente. En Italia se toca sobre todo en los clubes de jazz y en los festivales de jazz más bien en verano. Giré en distintos clubes, siempre dando mi máxima disponibilidad y profesionalidad. Creo que el estado actual de las instituciones públicas deberían colaborar más para llevar adelante y promover todas las distintas formas de arte en Italia.

– El verano suele ser momento para festivales por toda Europa ¿Va a estar en alguno de ellos? ¿Está preparado para girar con este disco?
– F.C.: En este momento estoy organizando una gira con Alfa Music para presentar el disco en Europa. Estamos en fase de preparación pero en esta primavera debería tener ya un plan definitiva. Europa se encuentra ahora en el centro del jazz a nivel mundial y es u na verdadera encrucijada en la que circulan artistas de todo el mundo y donde la música puede encontrar todas las demás formas de arte.

– Usó en este disco dos tipos de guitarras (una eléctrica y otra barítono) ¿Por qué las usó? ¿Es ‘Your silence’ una especie de canción reflexiva?
– F.C.: Para este disco he elegido sobre todo una guitarra eléctrica Fender. En el Jazz, lo confieso, no es una guitarra habitual como esta y por eso quise experimentar un sonido ‘diferente’ en donde contamino la música con todos los géneros posibles. ‘Your Silence’ es una pieza dedicada a mi mujer, la toqué efectivamente con una barítono de 6 cuerdas para conseguir por medio de una sola guitarra un efecto ‘pianístico’. Esta guitarra barítono ha sido para mí, desde que la compré en Boston, como un rayo de luz porque me permite abarcar una gran gama de sonidos y octavas que acercan la guitarra al piano.

– ¿Qué piensa de su próximo futuro? ¿Está pensando en publicar algún disco más o es momento para girar y girar?
– F.C.: Pienso que es el momento de entregarse a los conciertos. Tengo ya la idea de como quiero hacer mi próximo disco pero de momento prefiero avanzar con la música en directo.

– ¿Recuerda su primer disco? Nos referimos, al primero que usted compró.
– F.C.: Fue ‘Kind of blue’, el primer disco de jazz que escuché. Ha sido un hito para mí. Desde aquel momento lo tengo como un punto de referencia a la hora de ‘meditar’ con el jazz.

– Como hemos dejado claro ha decidido grabar el disco en USA ¿Cree que el nivel de jazz de Europa está a la altura del de los States?
– F.C.: Creo que en Europa hay muchísimos talentos de alto nivel como también lo tienen los americanos. Cuando existe colaboración con los músicos de ese país es realmente interesante notar como la excelente técnica se funde con buenas composiciones europeas. Creo que precisametne la composición puede ser motivo de honor y orgullo para los músicos europeos.

– Nos encantaría tener una palabra o una frase de cada una de las canciones que componen el disco…
– F.C.: Our jazz; está dedicada a mi tío difunto hace unos años. Algerian Waltz; surge de una escala argelina que estudié hace unos años y obviamente la inspiración viene de ahí. Siracusa; como dije antes, dedicada a mi ciudad. Ortigia; lo mismo Sunrise in Rome; Eran las 6 de la mañana y estaba paseando cerca del Campidoglio. Spaces; intento dar respiro a la música. Vito (intro) Raccontami; está dedicada a mi abuelo por parte de mi padre, Vito, difunto hace unos años. Intento de evocar la sabiduría típica del abuelo que transmite a su nieto las experiencias de vida. Why; Your Silence; dedicadas a mis padres. Tourist in my town; surge de una sensación preciosa que tengo a menudo, la de ser un turista en mi ciudad, redescubrir cada día nuevos aspectos de mi tierra. Perugia; la escribí hace 3 años de vuelta del Umbria Jazz, Festival en el que tuve el honor de participar tocando con un sexteto. A Phyrigian day; tiene su origen simplemente en la idea de escribir un tema con sonoridades frígias, típicas de la música española pero con pequeñas e inesperadas ‘sorpresas’ armónicas.

– ¿Conoce al pianista Samuel Labrador, el canario ha editado un disco con el mismo nombre ‘Espacio’? ¿Hace falta espacio para vivir?
– F.C.: No, desafortunadamente no conozco a este artista. Espero conocerle pronto para poder apreciar su música. Sí creo que los ‘Espacios’ son fundamentales para todos, sean músicos o no. Creo que encontrar espacios en su cotidianidad es la llave para luego encontrarse a sí mismo, su propio yo, su propia alma.

– Siendo guitarrista ¿Tiene problemas de volumen con sus sesiones musicales?
– F.C.: Por suerte mis vecinos son muy pacientes y son personas simpáticas (risas). Habitualmente, evito tocar o escuchar música a alto volumen. Paso mis días tocando el piano y mis dos guitarras preferidas, una Takamine clásica y una Taylor acústica barítono de 8 cuerdas.

– ¿Quiere mandarle un saludo a los lectores de ‘Canción a quemarropa’ y ‘Creativacanaria.com?
– F.C.: Muchas gracias Héctor, de todo corazón por darme la posibilidad de presentar mi música y deseo a todos los lectores de esta magífica revista que escuchando mi disco reciban emociones positivas. Además espero que mi música pueda ayudar a cada uno a encontrar sus propios ‘espacios’ interiores.

Reseña y reportaje de Héctor Martín Gonzalez para http://www.creativacanaria.com/index.php/cancion-a-quemarropa/5953-europa-se-encuentra-ahora-en-el-centro-del-jazz-a-nivel-mundial

Apunte: Si la historia es como la cuenta Cataldo, es casi como tocar el cielo con las manos: enviarle un mail a Scott Colley y que te invite a ir a grabar a Nueva York suena como un cuento de hadas. Pero si además, también vienen otros muchachos como Binney, Penn o Friedlander a dar una mano en las composiciones de Francesco, es para pensar que el contrabajista algo realmente bueno debe haber visto en él. Spaces no es el disco de un guitarrista omnipresente, por el contrario, los espacios (valga el juego de palabras) son muchas veces ocupados por Binney que, damos gracias, no trabaja nunca a reglamento. Curiosamente, más de una vez, Cataldo elige tocar al unísono con Binney, jugando muy cómodo de igual a igual con el saxofonista. Aunque sus temas hablen del entorno en que vive, por influencias musicales, “el sonido Cataldo” está más cerca de Nueva York que de su Siracusa natal. El sabor europeo (e italiano en particular) viene del melodioso piano de Salvatore Bonafede, pero la dinámica impuesta por el resto de los músicos y en particular por Clarence Penn (brillante todo el tiempo) no nos hace olvidar de que esto tiene una marcada impronta neoyorquina. Resumiendo: Spaces resulta una recomendable y disfrutable obra de principio a fin. Salud!

Track listing

01. Our Jazz [Prologue] (5:57)
02. Algerian Waltz (7:21)
03. Siracusa (5:06)
04. Ortigia (6:49)
05. Sunrise in Rome (6:59)
06. Spaces (8:47)
07. Vito (Intro) – Raccontami (4:02)
08. Why (5:01)
09. Your Silence (6:57)
10. Tourist in My Town (4:33)
11. Perugia (4:41)
12. A Phrygian Day (6:57)
13. The Rain and Us [Epilogue] (2:28)

All tracks composed by Vito Cataldo (Siae) except Vito (Intro) by S. Bonafede and E. Friedlander

Artist List

Francesco Cataldo: electric & baritone guitar, arrangements
David Binney: sax
Salvatore Bonafede: piano
Scott Colley: double bass
Clarence Penn: drums
Erik Friedlander: cello on 7

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Niño Josele

tapa Española

Española (2009)

Las «inquietudes» guían la carrera de Niño Josele, un guitarrista de gustos heterogéneos que da rienda suelta al flamenco, el jazz y la música caribeña en su nuevo disco, «Española», un trabajo «con mucha fuerza musical» que supone «otra manera de ver la música y el flamenco».

La búsqueda de nuevos registros ha caracterizado la carrera del artista almeriense, que experimentó «un cambio personal y musical» cuando compuso «Paz», el tercero de sus discos. «Me di cuenta de lo abierta que puede ser la música más allá del flamenco, que es lo que estaba acostumbrado a tocar», declara en una entrevista con Efe.

En opinión de Niño Josele, la fusión sólo es «real» cuando «sale del corazón y tiene coherencia». «Si yo hago algo sobre jazz, lo hago dentro de mi cadencia, que es el flamenco», declara este músico precoz que, con apenas catorce años, ya era guitarra titular en la Peña El Taranto, el local flamenco con más solera de Almería.

En un mundo «mezclado» que demanda «cosas nuevas a gritos», Niño Josele opina que el flamenco puede ser un interesante vehículo para alcanzar esas novedades. «Al ser una música de raíz, con una cultura asentada, puede combinar con otros estilos sin problemas».

Un disco «sin etiquetas»

El músico ha plasmado esta idea en «Española», un álbum «sin etiquetas» que ha producido el cineasta Fernando Trueba. «Fernando es un maestro al que admiro», proclama el guitarrista, que se dejó aconsejar por Trueba en la elección de colaboradores como el saxofonista Ralph Bowen o el trompetista Michael Philip.

«Son cosas que se le ocurren a Fernando, que sabe mucho y tiene una discografía inmensa», asegura Niño Josele antes de reconocer, humilde, que «no conocía» a varios de los músicos que han grabado «Española» junto a él. «Aún estoy aprendiendo jazz, pero poco a poco voy mejorando», comenta con una sonrisa pícara.

No obstante, Niño Josele señala que la «colaboración estelar» es la del saxofonista Phil Woods, «un grande a la altura de Charlie Parker» que participa en dos canciones del álbum. «En principio sólo iba a tocar en “¿Es esto una bulería?”, pero luego escuchó “Waltz for Bill” y dijo que la melodía era bellísima», aclara.

En «Española», su quinto trabajo en solitario, Niño Josele ha homenajeado las figuras de «tres grandes maestros»: Bebo Valdés, con el tema «Zapateado para Bebo»; Paco de Lucía, con «Camino de Lucía», y Bill Evans, pianista al que ya dedicó «Paz» y a quien ahora rinde tributo con “Waltz for Bill». «Estoy enamorado de su música», confiesa el artista andaluz.

La rumba, un género despreciado por los puristas del flamenco, tiene su espacio con «Gloria bendita», una de las composiciones más destacadas del disco. «Es imposible decir si el “look” es flamenco o popero; sólo sé que quería que tuviera aire cubano», declara Niño Josele.
El músico defiende que «Española» es «un disco en el que cada canción tiene su momento» y que «depende del estado de ánimo» del oyente. «Fernando (Trueba) me dice que él escucha la rumba por las mañanas, porque le encanta empezar el día con energía», confiesa Niño Josele entre risas.
Artista respetuoso con «los códigos del flamenco», Niño Josele afirma que su nuevo álbum es «otro rollo» que grabó «sin saber qué iba a salir». «Cuando te metes a componer no piensas en qué estás buscando, sino que te dejas llevar por lo que haces, dejando que salga», explica.
A sus 35 años, este hombre «tímido y curioso» fija entre sus objetivos prioritarios «seguir aprendiendo». «Sobre todo a tocar la guitarra», bromea Niño Josele, que la semana pasada actuó seis noches seguidas en Nueva York, donde presentó en primicia «Española».

 

Fuente para la reseña: edición del 02/11/2009 de http://www.abc.es/20091102/cultura-musica/nino-josele-200911021711.html

Track Listing

1. Española (7:31)
2. ¿Es esto una bulería? (6:47)
3. Camino de Lucía (rondeña) (6:28)
4. Gloria bendita (rumba) (3:33)
5. Waltz for Bill (4:07)
6. Zapateado para Bebo (3:31)
7. Balcón de luna (seguiriya) (2:59)
8. A contratiempo (bulería-tumbao) (4:14)
9. La partida (4:31)

Intérpretes:

Niño Josele: guitarra
Phil Woods: saxo alto
Javier Colina: bajo
Alain Pérez: bajo eléctrico
Guillermo McGill: batería
Piraña: percusión
Ángel “Papo” Vázquez: trombón
John Benítez: bajo
Dafnis Prieto: batería
Pedro Martínez: percusión
Ralph Bowen: saxo soprano
Michael Philip Mossman: trompeta
Douglas Purviance: trombón barítono
Mark Feldman: violín
Joyce Hammann: violín
Lois Martin: viola
Erik Friedlander: cello

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Cyro Baptista’s Banquet of the Spirits
febrero 5, 2010, 10:30 pm
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Infinito (2009)

El multitalentoso percusionista Cyro Baptista quizás tenga el más deslumbrantemente ecléctico curriculum vitae de la música contemporánea. Ha tocado y grabado con jazzeros mainstream como Herbie Hancock y Wynton Marsalis; experimentalistas como John Zorn y Laurie Anderson; iconos del pop como Sting y Paul Simon y estrellas brasileñas como Milton Nascimento e Ivan Lins. Y puede ser el único artista en el mundo que puede contar tanto a Yo Yo Ma como Snoop Dogg entre sus créditos.

La cuarta grabación de Baptista en el sello Tzadik de Zorn, y su segundo con su banda Banquet of the Spirits, es presentada como una colección “de canciones pop experimentales brasileñas”. Pero es diferente de cualquier música pop que usted probablemente escucha en la radio, si usted la sintoniza en Sao Paolo o Nueva York. Infinito es una exuberante, aventurera, de vez en cuando frenética mezcla de músicas de jazz, funk, brasileña, Afro/Cubanas y otras latinoamericanas tejidas juntas dentro de una sola composición. “Kwanza”, una melodía escrita por el tecladista Brian Marsella, por ejemplo, comienza con una fusión funky-eléctrica de Miles, apareada con percusión latina antes del cambio de ritmo; la dinámica e instrumentación revelan una dulce melodía folk. Pero a pesar de las fuentes de amplio rango e inspiraciones, la música nunca suena forzada o torpe; el sonido es perfecto y orgánico, debido a la visión de la música altamente desarrollada del líder, como un arte global que existe más allá de las divisiones artificiales de nacionalidad o género.

Baptista toca una enorme serie de instrumentos de percusión de Brasil y del mundo entero, así como instrumentos caseros como un caño de gas, la manguera de una aspiradora y algo que llamó un teléfono de agua. Un corte, “In Vitrous”, destaca una colección de instrumentos sobre todo hechos de cristal. Su grupo principal (Marsella, Shanir Blumenkranz en el bajo y oud y Tim Keiper en batería) es aumentado con invitados incluyendo la gran guitarra brasileña de Romero Lubambo, el mago de la electrónica Ikue Mori y la saxofonista y estrella del clarinete, Anat Cohen. Varias melodías, como la del título, el magnífico “Adeus Às Filhas” y la vívida “Cantor Cuidadoso” tiene vocalizaciones, pero el énfasis en todas partes está sobre la alegre exploración instrumental. Infinito es un convite alegre, parecido a un carnaval para los oyentes que aprecian la música sin fronteras.

Fuente para la reseña: Joel Roberts para http://www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: La reseña dice hacia el final “…para los oyentes que aprecian la música sin fronteras”. Es así, un disco alegre y profundo a la vez; en definitiva para el disfrute de todos nosotros.

Track listing

01. Infinito Coming (5:14)
02. Batida de Coco (5:50)
03. In Vitrous (2:53)
04. Kwanza (5:08)
05. Noia (4:29)
06. Adeus as Filhas (7:09)
07. Coronation of a Slave Queen (1:42)
08. Cantor Cuidadoso (2:14)
09. Pro Flavio (6:41)
10. Blindman (2:05)
11. Infinito Going (3:51)

Artist List

Cyro Baptista: percussion, vocals
Brian Marsella: keyboards, melodica
Tim Keiper: drums
Shanir Blumenkranz: bass, oud
Kevin Breit: guitar
Erik Friedlander: cello
Romero Lubambo: guitar
Ikue Mori: electronics
Anat Cohen: clarinet, saxophone
Zé Mauricio: conga
Chikako Iwahori: surdo
Scott Kettner: alfaia
Anne Pope: caixa
Sergio Brandao: bass

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Fred Hersch
enero 9, 2010, 10:30 pm
Filed under: Scott Colley | Etiquetas: , , , , , ,

Personal Favorites (2006)

Este es un compilado del celebrado pianista Fred Hersch, de sus más queridas grabaciones para Chesky, y escoge el material de tres discos: “Forward Motion” (1991), “Dancing in the Dark” (1993) y “The Fred Hersch Trio Plays” (1994). The New Yorker llamó a Hersch “…un poeta del piano” y Downbeat lo ha citado como “…uno del pequeño puñado de músicos brillantes de su generación.”

Fuente para la reseña: http://www.chesky.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Track listing

01. Secret Love (5:46)
02. Played Twice (3:25)
03. For All We Know (7:13)
04. Child’s Song (6:22)
05. Evanessence (5:12)
06. I Fall In Love Too Easily (5:36)
07. Professor K. (5:26)
08. Forward Motion (3:56)
09. Iris (6:17)
10. Nostalgia (5:38)
11. Out of Nowhere (5:06)
12. If I Should Lose You (5:05)

Artist List

Fred Hersch: piano
Drew Gress: bass
Tom Rainey: drums
Rich Perry: tenor sax
Erik Friedlander: cello
Scott Colley: bass

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