Preso ventanilla


Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

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Christian Scott aTunde Adjuah

tapa Stretch Music
Stretch Music (2015)

Escuchar la banda del joven trompetista negro Christian Scott aTunde Adjuah puede producir de todo, menos indiferencia. Desde el comienzo, su música te conmueve, hace emerger sensaciones viscerales, estremece por momentos, por momentos da lugar a ritmos y melodías festivas y dionisíacas, y por momentos convoca tensiones propias de la lucha, de la épica. Al mismo tiempo nos lleva a paisajes sonoros y emocionales que pueden también resultar familiares al amante de ciertas bandas de rock como Joy Division o Radiohead. Hay algo en ese paisaje musical que de alguna manera interpela al oyente.

El ensayista y activista por los derechos civiles (entre un largo etcétera) Leroi Jones señala, refiriéndose al jazz y su crítica, que “la música de los negros es esencialmente la expresión de una actitud, o una colección de actitudes, acerca del mundo, y solo secundariamente sobre el modo de hacer música.[…] Las notas de un solo de jazz, cuando aparecen, existen como tales por razones que son musicales pero solo de manera concomitante. Los alaridos de Coltrane no son ‘musicales’, pero son música, y una música muy conmovedora. Los gritos de Ornette Coleman son musicales solo una vez que se comprende la música que su actitud emocional intenta crear. Esta actitud es real, y quizás sea el aspecto más singular e importante de su música.”

En el caso del joven trompetista de Nueva Orleans y de su joven banda, ese mundo lleva la marca de la opresión, persecución y violencia policial de los negros afroamericanos en Estados Unidos, tal como pusieron nuevamente arriba de la mesa los nuevos casos de brutalidad policial racista la semana pasada, y que ha dado lugar a movimientos de lucha como #BlackLivesMatter.

Christian Scott aTunde Adjuah, a sus 33 años, ya es un músico, compositor y productor de jazz consagrado. Dirige una joven banda de tremendos músicos (Elena Pinderhughes, flauta; Braxton Cook, saxo alto; el exquisito Lawrence Fields, piano; Dominic Minix, guitarra; Kris Funn, contrabajo; y el alucinante Corey Fonville en batería) con la que gira por el mundo y con la que ya lleva grabados 8 discos. Forma parte de una generación de nuevos músicos de jazz norteamericanos tan disímiles como talentosos, entre los que podemos incluir a Robert Glasper, Kamasi Washington, Esperanza Spalding, Thundercat y su hermano Ronald Jr, entre otros, que comparten un afán por ir más allá las fronteras tradicionales del género, y acercarse a géneros populares en la juventud. Lo que significa, el lector ya habrá adivinado, que transitan por el universo del hip hop. En esto no hay originalidad, ya que es un camino que en su momento recorrió el último Miles Davis, que lejos de respetar las fronteras preestablecidas, encontró en el hip hop una estética y una energía bullendo desde una juventud oprimida. Por cierto, en este otro universo, hay un planeta con un campo gravitacional musical común enraizado en esa opresión racial alrededor del cual orbitan estas nuevas estrellas, se trata de Kendrik Lamar.

Pero en el caso de aTunde Adjuah sus influencias van más allá, y constituyen claramente su música, a la que él mismo llama, marcando esta amplitud, “stretch jazz”: “Estamos tratando de estirar –no reemplazar– las convenciones rítmicas, melódicas y armónicas del jazz para abarcar todas las formas, lenguajes y culturas posibles”, dice en uno de sus discos. Así, además de las notable amplitud de referencias dentro del jazz, desde las más obvias (Miles, Coltrane, Monk, etc.) hasta las del latin jazz, lo vemos tocando con raperos y portando su remera de Joy Division como un estandarte mientras algo de la oscuridad de la banda británica se cuela en sus composiciones. También lo podemos encontrar de repente compartiendo escenario con Tom Yorke y Flea y su banda Atoms For Peace, tocando “The eraser”. De hecho, el cantante de Radiohead es una de sus referencias musicales, comparten una amistad y su propia versión del tema es estremecedora.

Pero aquellas son solo algunas fuentes de inspiración del torbellino interior que levanta el “stretch jazz” de aTunde Adhjuah cuando lo escuchamos. La fuente, retomando a Leroi Jones, hay que buscarla en esa relación con el mundo social del artista. Y en este caso, ese contexto se hace explícito, y nos encontramos una búsqueda conciente del jazz como forma de expresión de denuncia, crítica y lucha: “Una de las cosas que me molesta de una gran cantidad de músicos es que sé que a diario ven una gran cantidad de cosas jodidas pasando, y tienen sentimientos sobre esas cosas. Pero en lugar de escribir sobre eso, ves canciones en sus álbumes llamadas ‘silla roja’… me importa un carajo una silla roja… Cuando la gente mire atrás dentro de 30 años y trate de averiguar lo que teníamos que decir, o cómo nos sentíamos acerca de cualquier cosa, no lo sabremos, porque la música se está plagando de ‘sillas rojas’.” (1)

En la mayoría de los temas, los títulos de los temas hablan por sí solos: “Danziger”, por ejemplo, hace referencia a los disparos policiales desde el puente Danziger seis días después de que el huracán Katrina azotara New Orleans, que se llevaron la vida de dos afroamericanos e hirieron a otros cuatro, ninguno de los cuales estaba armado ni había cometido ningún delito. Esta búsqueda estética abarca a toda la banda: una vez, grabando “Dred Scott”—inspirada por la historia del esclavo que demandó por su libertad ante la corte suprema y perdió, sufriendo una muerte cruel por tuberculosis— algo faltaba. “Habíamos grabado tres o cuatro veces —recuerda Kris Funn, el bajista—. Él paró toda la sesión y se puso serio como la mierda… prácticamente nos dio una biografía de 10 minutos de Dred Scott, y nos dijo ‘ahora pónganse en sus zapatos, y pongan el instrumento en sus manos. Y como sea que se sientan, pongan eso en su interpretación.’”

Las raíces esclavistas de la opresión del pueblo afroamericano son obviamente parte del universo de Christian Scott aTunde Adjuah, y el lo plantea de entrada: siguiendo una tradición bastante extendida en los 60s y 70s (recordar a Muhammad Alí, o el mismo Leroi Jones, que adoptó el de Amiri Baraka), agregó dos apellidos africanos al original legal. “Acepto el hecho de que ‘Scott’ sea parte de mi linaje y de mi historia —dice—, y no soy el tipo de persona ve en el nombre algo inherentemente malo, negativo o malicioso solo porque este viene de alguien que compró a tu familia. Pero en el otro extremo también reconozco que mi historia va más allá de los Estados Unidos.”

Proveniente de una familia humilde de artistas (padre artista visual, hermano director de cine, y un tío, Donald Harrison Jr., reconocido saxofonista alto, que lo inició en el instrumento), cuenta a quien quiera oir (se pueden leer varias entrevistas en la web) cómo sintió de chico la opresión de ser afroamericano. Cuando tenía diez años, por ejemplo, su amigo Byron murió en sus brazos luego de una balacera: “me afectó enormemente, porque era mi amigo. Pero eran todos mis amigos. Me acuerdo de ser chico y que te digan ‘cuando tengas 18, todos tus amigos van a estar muertos o en la cárcel’. Y vos pensás que es una broma cuando sos chico. Cuando tenés 14 y ves que pasa de verdad, te afecta.”

“Ku Klux Klan Police Department” (“Departamento de Policía Ku Klux Klan”, como se nombra popularmente a la policía por su racismo) abre el tremendo Yesterday You Said Tomorrow (Ayer dijiste mañana), su octavo disco, y el trompetista aprovecha en cada presentación en que puede para explicar el origen de la canción (y trata de hacerlo con todas, al punto de editar un disco con introducciones a algunos de sus temas). A continuación transcribimos su relato y dejamos al lector frente a frente con la música de Christian Scott aTunde Adjuah.

“Esta es una canción que compuse sobre un tema realmente serio. Cuando compuse el tema, este se encontró en realidad con un montón de desprecio de mucha gente en esta cultura en particular. Nosotros tocamos stretch music, que es como llamamos a nuestra música, pero básicamente es una forma de jazz, y el tema fue compuesto a partir de una experiencia que tuve en mi barrio de Nueva Orleans con un grupo de oficiales de policía. Me arrastraron una noche, me apuntaron con sus armas sin ninguna razón, diciéndome que me desvista y que me tire al suelo, y –supongo– que los deje hacer lo que sea que quisieran hacerme. No había hecho nada malo, estaba volviendo a casa de una actuación con una gran banda llamada Soulive, este auto de policía sigue al mío por 9 cuadras, me tiran el vehículo encima, y lo próximo que se es que mi auto está todo rodeado, los jefes de policía salen del auto y me ponen un revolver en la cabeza, me dicen que salga del auto, me saque la ropa y me tire al suelo. No había hecho nada malo así que les pregunto por qué me están deteniendo, y me dicen que me calle, que ellos eran mis jefes, la autoridad, y que iba a hacer lo que ellos dijeran. A lo que les digo que yo pago mis impuestos y que no los considero mis jefes, y que me tienen que decir por qué me detienen. […] Lo próximo que me dice es que si no obedecía mi madre me iba a tener que buscar en la morgue. Al rato aparecieron oficiales de más alto rango, así que tenía varias patrullas apuntándome a las 3 am. Finalmente me permitieron irme.

Volví a casa de mi madre en Nueva Orleans, con una mezcla de sensaciones: enojado, pero también herido. Pensando en porqué lo habían hecho, vinieron a mi mente un montón de insultos racistas que me tiraron esos oficiales […] Volví a casa… Y después de pasar una noche terrible decidí que lo más inteligente que podía hacer era componer un tema que representara con precisión el rango de emociones que sentí en ese momento, de modo de iluminar a mucha gente que estas todas todavía pasan.[…] Yo nací en Nueva Orleans, y las cosas que ví y sentí mientras crecí contrastan con la brutalidad policial con la que veo hoy. La primera vez que escribí el tema, la gente me miraba como si estuviera siendo sensacionalista, como si lo que estaba diciendo no fuera cierto. […] Y es loco porque desde otras culturas te hacen ver como si todos acá fuéramos parte de un elemento criminal, y esta fuera nuestra vida normal, y nos mereciéramos lo que nos pasa. Completamente falso. […] Vamos a tocar este tema convencidos de que esta nueva generación tiene la oportunidad de crear su propia realidad… si no empezamos ahora, mis hijos o tus hijos van a heredar esa situación. Entonces, este último tema es un tema sobre el abrumador racismo contra los latinos, negros en especial afroamericanos que en este país específicamente distingue a la policía, y se llama ’Ku Klux Klan Police Department’.”

Excelente Nota de Juan Duarte para http://www.laizquierdadiario.com/El-jazz-como-denuncia-del-racismo-policial

Apunte: Desde su debut discográfico allá por el año 2002, la crítica especializada ha insistido (no sin razón) en querer atribuirle la herencia musical de Miles Davis a Christian Scott aTunde Adjuah. Con algunos altibajos en la calidad de sus registros, pareciera que con Stretch Music al menos una parte de esa herencia pudiera empezar a justificarse. En primer lugar en la toma y expresión de conciencia de pertenencia a su comunidad y en segundo lugar en el estiramiento de los límites de su música, partiendo casi del punto donde llegó Davis antes de su muerte. Como quiera que sean las cosas, Stretch Music es un grandísimo álbum de combativas declaraciones musicales. Espero lo disfruten.

Track Listing

01. Sunrise in Beijing (Feat. Elena Pinderhughes) (5:04)
02. TWIN (4:15)
03. Perspectives (4:22)
04. West of the West (8:07)
05. Liberation over Gangsterism (Feat. Elena Pinderhughes) (4:09)
06. The Corner (Feat. Braxton Cook) (1:34)
07. Of a New Cool (7:34)
08. Runnin 7’s (2:07)
09. Tantric (4:24)
10. The Last Chieftain (Feat. Matthew Stevens) (7:11)
11. The Horizon (2:10)

Artist List

Christian Scott aTunde Adjuah: Trumpet, Sirenette and Reverse Flugelhorn
Elena Pinderhughes: Flute
Braxton Cook: Alto, Straight Alto
Corey King: Trombone
Cliff Hines: Guitar
Lawrence Fields: Piano, Fender Rhodes
Kris Funn: Bass
Corey Fonville: Drums, SPD-SX pad (tracks 1, 2, 3, 4, 5, 7, 8, 9, 10)
Joe Dyson Jr.: Pan African Drums, SPD-SX (tracks 1, 2, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11)
Special Guests:
Matthew Stevens: Guitar (tracks 4, 5, 7, 10)
Warren Wolf: Vibes (tracks 3, 7)

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FORQ
julio 30, 2016, 7:47 pm
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tapa FORQ
FORQ (2014)

Conformado por el fundador de Lost Tribe, Adam Rogers en guitarra (Michael Brecker, Chris Potter, Norah Jones, Joe Jackson, Cassandra Wilson, Paul Simon). el fundador de Rudder, Henry Hey en teclados (Jeff “Tain” Watts, Joe Locke, Chris Botti, Bill Bruford, Seamus Blake, David Bowie, Empire of the Sun), el fundador de Snarky Puppy y ganador de premio Grammy, Michael League en bajo (Kirk Franklin, Wayne Krantz/Ari Hoenig Quartet, Lalah Hathaway), y Jason “JT” Thomas en batería (Roy Hargrove’s RH Factor, Marcus Miller, D’Angelo), Forq es un conjunto estelar, pero con el espíritu y la coherencia de una banda de garaje.

Aunque establecido en la ciudad de Nueva York, el grupo mantiene un sutil acento de Texas, donde Michael League y Jason Thomas establecieron una rápida amistad y una relación musical a través de casi dos años de conciertos semanales con el legendario tecladista Bernard Wright en trío. Al trasladarse a la costa este, League se asoció con Henry Hey y Adam Rogers (quienes son vecinos del East Village, por coincidencia) para formar un grupo profundamente arraigado en aquel groove sureño distintivo, pero con el fuego y la inventiva por el cual Nueva York es conocida. Hey y Rogers contribuyen con todos los temas menos una de las pistas en el álbum debut de Forq, una mezcla de material feroz, juguetón y emotivo. Este es el cocktail Texas-encuentra-Manhattan que ha creado un sonido rico tanto en inteligencia musical como de bolsillo innegable.

Fuente para la reseña: http://www.ticketline.co.uk/forq#bio

Track Listing – FORQ

1. Grout (6:11)
2. Fire Song (5:12)
3. Starchy (5:52)
4. Mångata (7:53)
5. Viridiana (10:37)
6. Earflower (5:23)
7. Stella (8:10)
8. The Hard Way (6:21)

Artist List

Michael League: bass
Jason “JT” Thomas: drums
Henry Hey: keyboards
Adam Rogers: guitar

tapa Batch
Batch (2015)

La unión entre el bajista/compositor/productor Michael League y el conjunto de jazz-fusión Snarky Puppy ha sido fructuosa y próspera, con nueve álbumes hermosos y dos más en camino. Aunque él pueda parecer el bandleader modelo, ha sido conocido alrededor de Forq. La segunda producción discográfica de Forq es un signo seguro de buenos dientes, con el cuarteto capaz de League, Chris McQueen (guitarra), Henry Hey (teclados), y Jason Thomas (batería), empujando las expectativas de escucha mientras giran a través de una diversa mezcla de influencias.”Gerrard” comienza como algo entre “Take Five” de Dave Brubeck y “Third Stone From the Sun”de Jimi Hendrix antes de que los Doors entren sin permiso con un solo psicodélico de órgano. “Burr” suena a John Scofield que está de juerga con la Tribal Tech, como una borracha flauta Mellotron se tambalea a lo largo a un sucio blues shuffle. “Lenburu” sacude juntos los elementos de Weather Report, Brand X, y Headhunters-era-Herbie Hancock con condimento latino para una pista que realmente cocina. Si tiene un paladar para las travesuras musicales, hay un lugar para usted con Forq.

Fuente para la reseña: Matt Swanseger para http://www.eriereader.com/article/forq–batch

Track Listing – Batch

1. Lymaks (6:14)
2. Crush (5:36)
3. Burr (5:02)
4. Ultra-Violet (5:21)
5. 635-South (2:28)
6. Lenburu (5:14)
7. Gerrard (7:58)

Artist List

Henry Hey: keyboards & khan
Chris McQueen: electric, baritone, & Hammertone guitars
Michael League: electric bass, Moog keybass, & celeste
Jason “JT” Thomas: drums, percussion, & celeste

Apunte: Impulsado por Michael League, bajista del grupo de jazz/fusión Snarky Puppy (tal vez el más mimado del momento en este género), FORQ es ante todo una reunión de amigos. League de manera simple, cruda y divertida declaraba sobre los propósitos de esta banda: “Teníamos la idea de empezar una banda que fuera grande en groove y exploración sónica, sin quedar atrapados en los enganches del moderno mundo del jazz. Nosotros queremos tocar mierda con personalidad, carácter y no cosas frikis y sesudas. También, queremos que la gente sacuda sus culos. Pienso que la banda tiene un muy duro sonido estilo NYC, que es industrial, pero también innovador, y también tiene algún serio sabor de Texas, considerando que dos de los muchachos son de allí (JT y Chris) y que todos vivimos allí durante diferentes períodos diferentes de tiempo”. Ya saben amigos, para subir el volumen y mover las cabezas.

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Jessica Lurie

tapa Tiger Tiger
Tiger Tiger (2005)

Un delicado homenaje a la música popular y una fusión de diferentes tradiciones culturales: estos son los principales elementos que hacen de Tiger Tiger un álbum eficaz. Jessica Lurie, alto saxofonista conocida por el gran público sobre todo por colaboraciones con artistas del calibre de Bill Frisell, se presenta en este álbum alternándose entre el saxófon y la voz. Y se trabaja a menudo para oír la diferencia: uno y otro son tratados de modo pasional y caliente, tanto que el uno retoma y continúa el discurso empezado por el otro. Manifiesto del disco podría ser “Surfarara”, una pieza recuperada de la tradición popular siciliana pero filtrada tanto por un estilo puramente jazzístico como por el influjo “árabe” del oud. Naturalmente, el acercamiento no tiene nada forzado: son bien conocidas las uniones que la música del Sur de Italia tiene con la tradición árabe y medioriental.

Excelente en todo el álbum el aporte de la batería y las percusiones de Zeno De Rossi, siempre particularmente acertado y capaz de dar un mood único y personal a cada pieza. Justo para aumentar la mezcla de estilos, inmediatamente después de “Surfarara” viene “Panonza 2”, que después de una corta introducción de saxofón solista, rompe en un tenso funky del que se adueña el bajo eléctrico de Siniscalco: un entreacto de menos de dos minutos, pero decididamente acertado. Todavía en primer plan el bajo eléctrico de Siniscalco en el bonito “Trauma e Discourse”, escrito por la misma Lurie, frenético e intenso. Sobre la estela de ritmos bastante corridos también está “The Panther” en el que se entrelazan diálogos entre el acordión de Sinigaglia y el saxofón. Y aún: “If Only One Were An Indian” es el recitado de una poesía de Kafka sobre un sutil acompañamiento de contrabajo y acordión, un esquema dialógico que se repite, aunque de forma diferente, en el atmosférico “The 43rd Day”.

Entonces, de “Everybody’s Got To Eat Sometimes” una especie de homenaje jazzísticamente releído, muy original, del r’n’b, con la caliente voz de Lurie especialmente adecuada a este rol -a la melancólica “Imagine Mobile”, de la burlesca y cabaretera “Devils Song” (una suerte de variación del tema de “Everybody’s Got To Eat Sometimes”), a las piruetas hard bop de “Baba Yaga’s Seven League Boots”, el disco es una exitosa mezcla de almas musicales intensamente diferentes, que pero vienen a encontrarse en unidad gracias a la sobresaliente personalidad musical de cada miembro individual del grupo, cosa que le regala a Tiger Tiger una insospechada consistencia de fondo.

Fuente para la reseña: Diego D’angelo para http://www.jazzconvention.net/recensioni/recensione444.html

Apunte: En el año 2005, Lurie grabó el excelente “Licorice & Smoke”, para el cual agrupó una banda de tremendos músicos (Nels Cline, Todd Sickafoose, Scott Amendola). Ese mismo año, un poco después, en Italia y con músicos italianos, grabó Tiger Tiger. Jazz, folk, funk, klezmer, música latina, vanguardia, son los ingredientes principales que pone Lurie en la olla donde cocina su música. El sabor final lo da el carácter festivo, el humor, el desenfado y el talento (por supuesto!) con que afrontan las composiciones. No sé si es una obra mejor o peor que “Licorice & Smoke”; en todo caso es un muy buen testimonio de lo todo lo bueno que hacía Lurie por esos días. Saludos!

Track listing

01. The Place That You Come From (3:48)
02. Hunger Artist Theme (3:41)
03. Surfarara (7:51)
04. Panonza 2 (1:37)
05. The Panther (6:34)
06. If Only One Were An Indian (1:56)
07. Trauma & Discourse (4:30)
08. The 43rd Day (3:23)
09. Everybody’s Got To Eat Sometimes (4:15)
10. Imagine Mobile (6:54)
11. Wires (2:57)
12. Devils Song (4:32)
13. Baba Yaga’s Seven League Boots 6:36
14. Panonza 1 (0:44)
15. Undeclared (5:18)

Artist List

Jessica Lurie: alto saxophone, voice, effects
Zeno De Rossi: drums, bongos & tambourine
Danilo Gallo: double bass
Marco Siniscalco: electric bass, electronics, tracks 4,7,10,13 & 14
Thomas Sinigaglia: accordion

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Jason Lindner

tapa Now vs Now
Now vs. Now (2009)

En el debut del proyecto Now vs. Now, el tecladista y compositor Jason Lindner se aferra a un enfoque multilingüe y multifacético para transmitir un mensaje mundial de paz a través de la no-violencia. El grupo incluye a Panagiotis Andreou en el bajo eléctrico y al baterista Mark Guiliana, proporcionando un núcleo para el grupo multiétnico de artistas; Lindner ha decidido aumentar su trío: Baba Israel recita su poesía así como proporciona la base de beat-box; el trompetista Avishai Cohen y la saxofonista Anat Cohen añaden ambos la coloración de los bronces; Yosvany Terry pasa con la percusión Afrocubana en el chekere; Kurt Rosenwinkel se destaca en la guitarra; el poeta Frances Velasquez Guevara, el hombre de la conga Pedrito Martinez y los bajistas Andreou y MeShell Ndegeocello (quien produce el álbum) actúan de vez en cuando como vocalistas.

“Time Together”, “Can’t Chase Time” y “Far”, destacan a Baba Israel, presentando la fundación comunal t musical del álbum. La marea de la música es contemporánea, atmosférica y notablemente rítmica. El teclado y el piano acústico de Lindner trabajan los cambios encima de las predominantes combinaciones eléctricas de teclado/bajo, ampliadas consistentemente por los tambores. Acaricia las teclas del piano en la ondulante línea melódica de la pieza central, “Friendship and Love (aka Pretty Three)”.

Los vocalistas masculinos y femeninos y los solos instrumentales, proporcionan esporádica calidad tonal y textura a una música ya expansiva y diversa. La última pista, “Ahimsa”, completa el circuito de significado para un cuidadosamente diseñado registro de Lindner, con un lujosamente expresado y persistente ostinato de piano, entremezclado con palabras habladas por Arun Gandhi, que convergen en la idea de No Hacer Daño.

Fuente para la reseña Lyn Horton para http://www.allaboutjazz.com/now-vs-now-jason-lindner-anzic-records-review-by-lyn-horton.php

Apunte: No hacer daño. O no hagas daño. Ese es el corto pero casi revolucionario mensaje de Jason Lindner en su disco Now vs. Now. Para eso se vale de una música bien mestiza, cosmopolita, de alta energía positiva y por momentos sensual. Mucho tiene que ver en esto Panagiotis Andreou y Mark Guiliana, compañeros bien power para la riqueza rítmica del disco. Disco que después de oído por primera vez, seguramente volverán a escuchar. Lindner, Andreou y Guiliana lanzaron un segundo disco en el año 2013 (“Earth Analog”) ya bajo la denominación grupal de Now vs. Now. Recomendable especialmente para aquellos que les gustan los grupos eléctricos como el del propio Guiliana, lo último de McCaslin o de los grupos Rudder, FORQ, o Snarky Puppy. Disfrutad! Saludos!

Track Listing

01. Time Together (1:44)
02. Can’t Chase Time (1:40)
03. Seven Ways (6:12)
04. Friendship And Love (Aka Pretty Three) (6:21)
05. FAR (8:02)
06. Worrisome (5:29)
07. Big Pump (5:20)
08. Subterranean Train -Travelin’ (4:27)
09. New Jersey Ballad (3:17)
10. Ahimsa (6:24)

Artist List

Jason Lindner: keyboards/piano
Panagiotis Andreou: vocals, electric bass
Mark Guiliana: drums
Baba Israel: beatboxer, vocals
Pedrito Martinez: congas, vocals
Yosvany Terry: chekere
Avishai Cohen: trumpet (3, 10)
Anat Cohen: saxophone and pandeiro (10)
Kurt Rosenwinkel: guitar (10)
Francis Velasquez Guevara: vocals (5)
MeShell Ndegneocello: vocals (7)

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Eric St-Laurent & Osmose

eric-st-laurent-osmose
Eric St-Laurent & Osmose feat. David Binney (2000)

Nacido y criado en Montreal, St-Laurent estudió improvisación en Nueva York antes de trasladarse a Berlín donde él giró tanto con grandes y pequeños nombres de las escenas musicales alemana y escandinava.

Desde que retornó a Toronto, Canadá, St-Laurent ha grabado y girado con Till Bronner, Dave Liebman, Dave Douglas, Rebekka Bakken, Slide Hampton, Luc de la Rocheliere, Sylvie Paquette, Richard Underhill, David Binney, Jojo Mayer, Carlos Del Junco, Bernard Primeau y ha representado a Canadá en The International Guitar Summit en Niza (MIDEM)

Ganador del premio SOCAN por la mejor composición original en el Montreal Jazz Festival y el premio a la mejor banda en el Vienne (Francia) Jazz Festival, St-Laurent ha participado en más de 50 grabaciones, produciendo múltiples álbums, compuso partituras para cortometrajes y teatro y girado extensamente en Europa y Canadá

En el año 2013, St-Laurent publicó “Dale”, junto al bajista Jordan O’Connor y el percusionista Michel DeQuevedo.

Fuente para la reseña: http://www.canadianjazzarchive.org/en/musicians/eric-st-laurent.html

Apunte: En el período de tiempo que St-Laurent estuvo en Alemania lideró el proyecto “Osmose”, una banda de jazz-rock con sección de ritmo muy correcta y ajustada conformada por músicos europeos y sumó para la grabación de este disco a un viejo compañero, un tal David Binney, en el saxo alto. En este contexto, St-Laurent y Binney (impecable: en el juego que le gusta jugar) se reparten solos, tocan al unísono, extienden lindas melodías y buena energía para la alegría de nuestros oídos. Temaso del disco: “En Marge Des Fluteaux”, para escuchar una y otra vez. Actualmente, St-Laurent tiene un trío en el que explora de manera más calma, músicas del mundo, en especial las de raíces afro-cubanas.

Track Listing

01. Circumstances (4:58)
02. Mozzin (5:03)
03. Homy Maroni (5:34)
04. En Marge Des Fluteaux (7:57)
05. Zart (5:50)
06. Black Olives (3:23)
07. Maydays (6:37)
08. Fish Pen (5:59)
09. Thomy’s Paradise (5:19)
10. Crystal Silence (4:40)

Artist List

Eric St-Laurent: guitar
Bene Aperdannier: piano
Jan Peter Eckelmann: drums
Björn Werra: bass
Special Guest:
David Binney: alto saxophone

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Mike Walker
abril 26, 2015, 1:21 pm
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tapa Madhouse
Madhouse and the Whole Thing There (2008)

El álbum debut del guitarrista Mike Walker es sorprendentemente corto, alrededor de cuarenta cinco minutos, lo que es una buena idea teniendo en cuenta que hoy en día parece casi una obligación llenar con ochenta minutos de sonido cada CD, lo cual no todo necesariamente merece escucharse. Calidad en lugar de cantidad es la palabra clave aquí. Sin embargo esto es una bien considerada misión de seis pistas, con una inusual apertura, el latino “A Real Embrace”, evocando a un muy temprano Return to Forever, Antonio Carlos Jobim o incluso Hatfield and The North. Curiosamente, para un primer álbum de un guitarrista bajo su propio nombre, hay sólo un mero atisbo de guitarra acústica muy sutil de este track, con algunos solos relajados al estilo de Stan Getz. Algunas discretas cuerdas también son lanzadas en la mezcla, pero nunca resultan empalagosas.

La falta de una guitarra plena está compensada en la segunda pista, “Owed to J.C.”, título que hace un juego de palabras dedicado al poeta de Manchester John Cooper Clarke (Walker mismo proviene de Greater Manchester, en el Reino Unido). Este es un real revulsivo con algunos sorprendentemente buenos blues guitar, reminiscentes de Buddy Guy en su momento más feroz. “In Two Minds” es otra moción, y aunque breve, le da a Walker la oportunidad de soltarse en sus cortes menos bluesy y más jazzeros. Dicho esto, no es un relajado Joe Pass se encuentra con la convención George Benson; está bien, y verdaderamente se mete en el territorio de Allan Holdsworth pero afortunadamente sin la Synthaxe.

“Still Slippy Underfoot” es un breve y silencioso tema-puente a miles de millas de distancia del anterior, y que otra vez ofrece un trabajo de guitarra poco abierto confiando en el clarinete para suministrar una melodía pastoral. A continuación, por medio de yuxtaposición, un par de voces sampleadas introducen de manera surrealista “I’ll Tell ‘im”, que comienza con la picante guitarra de Walker a la cabeza. Algunos finos solos de cañas de Iain Dixon asumen la mayoría de la pista, pero cuando Walker finalmente se pone al solo de su fuzz guitar, simplemente explota en adelante por la energía contenida e imaginación.

La última pista, “Dad Logic”, lo tiene a Walker flexionando sus músculos musicales una vez más con un buen trabajo de guitarra eléctrica. Sin repetirse, sin clichés, solo pura brillantez y todas los cosas del manicomio entero bellamente compuestas y arregladas. Un maldito buen guitarrista y un maldito buen álbum.

Fuente para la reseña: Roger Farbey para http://www.allaboutjazz.com/madhouse-and-the-whole-thing-there-mike-walker-hidden-idiom-review-by-roger-farbey.php

Apunte: Si hay algo que le sobra a Mike Walker es buen humor, además de una excelente técnica para tocar jazz, blues, funk o fusión en el orden que sea. Porque tanto en este disco como en los que lo descubrimos junto a The Impossible Gentlemen (“The Impossible Gentlemen”, 2011 e “Internationally Recognised Aliens”, 2013) lo que prima es el carácter celebratorio, una buena (no boba!) energía positiva, esa especie de andar despreocupado de quien encara la vida con optimismo, aún cuando las cosas provengan de un manicomio. Bueno, solo eso. Lo demás es darle “Play” al reproductor que sea y disfrutar. Saludos!

Track Listing

01. A Real Embrace (9:32)
02. Owed To JC (9:51)
03. In Two Minds (3:26)
04. Still Slippy Underfoot (1:43)
05. I’ll Tell ‘im (12:05)
06. Dad Logic (9:11)

Artist List

Mike Walker: electric guitar, acoustic guitar, vocals
Iain Dixon: tenor sax, baritone sax, clarinets
Myke Wilson: drums
John Ellis: electric piano, organ
Sylvan Richardson: bass guitar
Djamila Skoglund-Voss: vocals
Kirsty Almeida: vocals
Laura Hassell: vocals
Georgina Bromilow: vocals
Evette Walker: vocals
Paul Bentley: vocals
Caju: percussion (1), vocals
Jack Walker: vocals
Nikki Iles: piano (6)
Paul Kilvington: Synthesizer (1, 4, 6)
Les ‘Cizerace’ Chisnall: piano (6)
Alan Tokely: french horn ( 1, 4, 5)
Suzanne Higgins: flute (6)
John Helliwell: melodica (1)
Chris Manis: conga, pandeiro, percussion (1, 3, 6)
En Hudson: harp (1)
Mark Heart: spoken voice (2)
Paul Newton: trumpet (2, 6)
Neil Yates: trumpet (2, 6)
Andy Schofield: alto sax (2, 6)
Madhouse Strings (1)

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