Preso ventanilla


OZMA

tapa Welcome Home
Welcome Home (2016)

« Fulano atraviesa con este álbum una nueva etapa »; es el tipo de frase comodín e inofensiva que se encuentra regularmente en la prensa profesional.. Pero he aquí, hay que reconocer, que esta fórmula totalmente hecha perfectamente se aplica a Ozma. Por una parte, los alsacianos se apuntan ahora en Cristal Records y son distribuidos por Harmonia Mundi, lo que no es nada. Por otra parte, Welcome Home, marca la vuelta “a casa” del trombonista Guillaume Nuss, que formó parte del grupo en sus tres primeros álbumes (Ozma, Electric Taxi Land y Strange Traffic). Tres de los miembros originales pues son reunidos en este sexto disco del que visualmente sólo da envidia de adquirirlo (y de hecho lamentarse al mismo tiempo de que no existe una versión en elepé). Podemos añadir que el dúo de composición Édouard Séro-Guillaume (bajo) / Stéphane Scharlé (batería) jamás fue tan complementario y deja una gran libertad a los “nuevos” (Julien Soro, saxofones y Tam de Villiers, guitarra) tanto en el disco como sobre el escenario. Pero dejemos de lado el alboroto para sumergirnos en el vivo sucesor de New Tales.

OZMA pertenece a esta nueva generación del jazz francés que cava sus influencias más allá de la esfera musical. Verdadero albergue español, Welcome Home combina un jazz moderno y accesible a las referencias obtenidas del rock, las músicas progresivas, e incluso del hard rock. Deliciosamente ritmado, « Krefeld mon amour », en homenaje a uno de los lugares regulares de paso de la banda entre nuestros vecinos germanos, juega con los diálogos animados entre el trombón de Guillaume Nuss y el saxofón de Julien Soro. Estos intercambios saltarines son una de las características de la música de OZMA, que se encuentran por ejemplo en « He Saved The Girl (Once Again) » y su segunda parte casi disco. Pero el grupo también sabe rodar los hombros y mostrar sus músculos. Desde « Electric Lament », se sienten venir algunos enervamientos, de pasajes a 220 voltios alimentados por la guitarra de Tam de Villiers. Un groove viril aparece así en punteado a lo largo del álbum, y particularmente en el casi heavy « Goldi Boldi ». Sospechamos que al dúo Séro-Guillaume / Scharlé gusta de las infidelidades al jazz con las formas musicales más peludas. Sin embargo, no abandona la ligereza; algunos títulos menos densos como « Flat Tire at Durban Market » y « Cashmere Weekend » permiten a los vientos expresar temas más libres y a la guitarra tomar prestado vías aéreas.

« Diversidad » es un adjetivo que encaja perfectamente a las diez composiciones de Welcome Home, álbum a la vez enérgico y delicado, legible y sofisticado. Contrariamente a la desafortunada señorita de la chaqueta, OZMA no sube en la silla de montar para darse un golpazo sino para conseguir una vuelta con gran pompa.

Fuente para la reseña: Jean-Philippe Haas para http://www.chromatique.net/chroniques/item/16102-welcome-home

Apunte: El premiado quinteto francés OZMA, nació en 2001 como un proyecto artístico con un objetivo claro e innovador: crear un repertorio de composiciones originales e improvisaciones colectivas sin fronteras estilísticas. Sus miembros son hijos de los ochenta: iniciados en jam sessions, con numerosas y variadas influencias de la música contemporánea, desde la electrónica al rock, a la música de jazz. El grupo crea una totalmente nueva y original música que trasciende las etiquetas tradicionales. Paralelamente a su repertorio original, OZMA implementa proyectos creativos en colaboración con artistas del extranjero (África, Canadá, India) y crea presentaciones en vivo que desarrollan la interacción entre la música y la imagen. OZMA desarrolla una línea artística plural, enraizadas en las distintas esferas de influencia de sus músicos. Un universo moderno y ecléctico de música creativa que OZMA ha compartido a través de seis álbumes y más de 250 conciertos en cuatro continentes.

Track Listing

01. Krefeld Mon Amour * (4:40)
02. Magnus Effect ** (5:40)
03. Electric Lament * (3:46)
04. Concerto For Sharks ** (6:16)
05. Cashmere Weekend * (6:05)
06. Goldi Boldi * (4:06)
07. Flat Tire At Durban Market ** (4:58)
08. My Favorite Regret ** (6:34)
09. He Saved The Girl (Once Again) ** (3:47)
10. Cousin Howard ** (5:35)

* Composés par Stéphane Scharlé
** Composés par Édouard Séro-Guillaume

Artist List

Edouard Séro-Guillaume: basse, composition
Stéphane Scharlé: batterie, composition
Julien Soro: saxophones
Guillaume Nuss: trombone
Tam de Villiers: guitare

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Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

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FORQ
julio 30, 2016, 7:47 pm
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tapa FORQ
FORQ (2014)

Conformado por el fundador de Lost Tribe, Adam Rogers en guitarra (Michael Brecker, Chris Potter, Norah Jones, Joe Jackson, Cassandra Wilson, Paul Simon). el fundador de Rudder, Henry Hey en teclados (Jeff “Tain” Watts, Joe Locke, Chris Botti, Bill Bruford, Seamus Blake, David Bowie, Empire of the Sun), el fundador de Snarky Puppy y ganador de premio Grammy, Michael League en bajo (Kirk Franklin, Wayne Krantz/Ari Hoenig Quartet, Lalah Hathaway), y Jason “JT” Thomas en batería (Roy Hargrove’s RH Factor, Marcus Miller, D’Angelo), Forq es un conjunto estelar, pero con el espíritu y la coherencia de una banda de garaje.

Aunque establecido en la ciudad de Nueva York, el grupo mantiene un sutil acento de Texas, donde Michael League y Jason Thomas establecieron una rápida amistad y una relación musical a través de casi dos años de conciertos semanales con el legendario tecladista Bernard Wright en trío. Al trasladarse a la costa este, League se asoció con Henry Hey y Adam Rogers (quienes son vecinos del East Village, por coincidencia) para formar un grupo profundamente arraigado en aquel groove sureño distintivo, pero con el fuego y la inventiva por el cual Nueva York es conocida. Hey y Rogers contribuyen con todos los temas menos una de las pistas en el álbum debut de Forq, una mezcla de material feroz, juguetón y emotivo. Este es el cocktail Texas-encuentra-Manhattan que ha creado un sonido rico tanto en inteligencia musical como de bolsillo innegable.

Fuente para la reseña: http://www.ticketline.co.uk/forq#bio

Track Listing – FORQ

1. Grout (6:11)
2. Fire Song (5:12)
3. Starchy (5:52)
4. Mångata (7:53)
5. Viridiana (10:37)
6. Earflower (5:23)
7. Stella (8:10)
8. The Hard Way (6:21)

Artist List

Michael League: bass
Jason “JT” Thomas: drums
Henry Hey: keyboards
Adam Rogers: guitar

tapa Batch
Batch (2015)

La unión entre el bajista/compositor/productor Michael League y el conjunto de jazz-fusión Snarky Puppy ha sido fructuosa y próspera, con nueve álbumes hermosos y dos más en camino. Aunque él pueda parecer el bandleader modelo, ha sido conocido alrededor de Forq. La segunda producción discográfica de Forq es un signo seguro de buenos dientes, con el cuarteto capaz de League, Chris McQueen (guitarra), Henry Hey (teclados), y Jason Thomas (batería), empujando las expectativas de escucha mientras giran a través de una diversa mezcla de influencias.”Gerrard” comienza como algo entre “Take Five” de Dave Brubeck y “Third Stone From the Sun”de Jimi Hendrix antes de que los Doors entren sin permiso con un solo psicodélico de órgano. “Burr” suena a John Scofield que está de juerga con la Tribal Tech, como una borracha flauta Mellotron se tambalea a lo largo a un sucio blues shuffle. “Lenburu” sacude juntos los elementos de Weather Report, Brand X, y Headhunters-era-Herbie Hancock con condimento latino para una pista que realmente cocina. Si tiene un paladar para las travesuras musicales, hay un lugar para usted con Forq.

Fuente para la reseña: Matt Swanseger para http://www.eriereader.com/article/forq–batch

Track Listing – Batch

1. Lymaks (6:14)
2. Crush (5:36)
3. Burr (5:02)
4. Ultra-Violet (5:21)
5. 635-South (2:28)
6. Lenburu (5:14)
7. Gerrard (7:58)

Artist List

Henry Hey: keyboards & khan
Chris McQueen: electric, baritone, & Hammertone guitars
Michael League: electric bass, Moog keybass, & celeste
Jason “JT” Thomas: drums, percussion, & celeste

Apunte: Impulsado por Michael League, bajista del grupo de jazz/fusión Snarky Puppy (tal vez el más mimado del momento en este género), FORQ es ante todo una reunión de amigos. League de manera simple, cruda y divertida declaraba sobre los propósitos de esta banda: “Teníamos la idea de empezar una banda que fuera grande en groove y exploración sónica, sin quedar atrapados en los enganches del moderno mundo del jazz. Nosotros queremos tocar mierda con personalidad, carácter y no cosas frikis y sesudas. También, queremos que la gente sacuda sus culos. Pienso que la banda tiene un muy duro sonido estilo NYC, que es industrial, pero también innovador, y también tiene algún serio sabor de Texas, considerando que dos de los muchachos son de allí (JT y Chris) y que todos vivimos allí durante diferentes períodos diferentes de tiempo”. Ya saben amigos, para subir el volumen y mover las cabezas.

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Ananke

tapa Stop That Train
Stop That Train! (2016)

Después de dos discos en trio, la formación del pianista de Bruselas Víctor Abel, se amplía, integrando a Quentin Manfroy en la flauta traversa y a Yann Lecollaire al clarinete bajo. Esto significa que si la estética moderna de Ananke es siempre reconocible, el sonido y la forma son ahora muy diferentes. Ambos sopladores, que también forman parte del conjunto de geometría variable MikMaak de Laurent Blondiau, en efecto están muy presentes, repartiéndose material temático e improvisaciones en un estilo fresco sin evocar dejar de evocar al de Aka Moon y de Antoine Prawerman y, a través de ellos, a Steve Coleman, aunque la energía aquí está más canalizad y las melodías son menos abstractas. Abel se destaca en el Fender Rhodes, coloreando los ritmos y soplando sobre las brasas en “Ebony”, en “Stenaï” y sobre todo en “In A Hurry”. Para las piezas más tranquilas, cambia de instrumento y de humor, prefiriendo el piano que sabe hacer cantar con delicadeza (en el misterioso “Lost”, así como en la sección final “Stop de That Train”). Todos los títulos son de la pluma del pianista que, para la escritura de sus composiciones, manifiestamente integró la llegada de ambos sopladores a su entorno, dejándoles todo el espacio necesario para brillar. De repente, su música, a veces lírica, a veces lúdica, ha evolucionado y ha tomado espesor y no cabe duda que en el escenario, el quinteto lleno de vitalidad es capaz de tirar serios arañazos. En este género de jazz actual, lo rítmico evidentemente es una variable esencial de la ecuación, aunque su valor solo puede inclinar la balanza hacia la opulencia o lo anodino. No hay preocupación con el bajista eléctrico Roméo Iannucci y el baterista Alex Rodembourg que, no contentos con haber asimilado el lenguaje del tándem Galland / Hatzigeorgiou, saben cómo erradicar todo vestigio de gravedad con un juego claro, sutil, incisivo y preciso. De una duración limitada (46 minutos) que permite aprehenderlo de un solo tirón sin fatiga auditiva, Stop That Train! es un disco compacto y sofisticado de donde emana también la impresión de escuchar un grupo apiñado cuyo juego colectivo fuerza la admiración (en su sitio muestran que se desempeñan en quinteto en el escenario desde hace algunos años). Ananke puede perseguir su camino con toda confianza guardando la misma configuración: ¡la fórmula del quinteto les va muy bien!

Fuente para la reseña: http://www.dragonjazz.com/nouveau.htm

Apunte: Continuando lo iniciado con Antoine Pierre seguimos dando una vueltita imaginaria por Bélgica escuchando sus sonidos. Hoy, es el caso del grupo Ananke, formado en el año 2003 por su líder el pianista y compositor Victor Abel, junto al bajista Roméo Iannucci y el baterista Alex Rodembourg. Con esta formación en trío grabaron dos álbumes en los años 2004 y 2007. En el 2012 registran un EP en Quinteto con la misma formación con la que grabaron recientemente Stop That Train!. Las composiciones de Victor Abel despliegan una música poderosa con una arquitectura rítmica elaborada, dejando un buen lugar a la improvisación, pero ante todo la música de Ananke es una música de grupo de muchos años de andanzas, de energías, de contrastes y de interacciones. Espero lo disfruten!

Track Listing

1. Stop That Train (5:42)
2. Ebb And Flow (5:46)
3. Ebony (5:10)
4. Stenaï (6:18)
5. In a Hurry (5:43)
6. Wave (4:33)
7. Shadows (8:36)
8. Lost (3:53)

Enregistré au Studio Igloo en mai et octobre 2015

Artist List

Victor Abel: piano, Rhodes
Yann Lecollaire: clarinette basse
Quentin Manfroy: flûte
Roméo Iannucci: basse
Alex Rodembourg: batterie

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Adam Bałdych Damage Control

tapa Magical Theatre

Magical Theatre (2011)

Sobre el músico

Adam Bałdych es un violinista, compositor y productor musical, nacido en Gorzow Wlkp. (Polonia), el 18 de Mayo de 1986. Actualmente vive en la ciudad de Nueva York. Extraordinario artista creativo que actúa y graba con los mejores músicos polacos e internacionales.

Su apodo, “Demonio”, es probablemente la palabra que mejor define su emocional clase para tocar e improvisar. A los 16 años comenzó a actuar internacionalmente (Alemania, Polonia, Serbia, Hungría, Indonesia, España, Francia). Primero llamado “niño prodigio”, se desarrolló para ser nombrado como uno de los violinistas de jazz más interesantes en Europa. La música de Baldych es una extremadamente expresiva combinación de modernos flujos musicales. El virtuosismo, que es la marca registrada de lo que hace Adam en sus conciertos, una vista única llena de energía, joven entusiasmo, pero también un sonido maduro, que recibe la popularidad y el respeto tanto de la audiencia como de los críticos. Es autor de música para teatros y películas. Obtuvo una beca para la Berklee College of Music. Graduado con honores en la Music Academy / Jazz Department en Katowice (Polonia).

En 2007 sale de gira con el ganador del premio Grammy, Jim Beard, presentando su propia música combinada con las grandes composiciones de Jim. Año después, hace música con Leszek Mozdzer y Lars Daniellson para la película “Arne Treasure”. En 2009 graba un álbum llamado “Tribute to Seifert” con los más influyentes violinistas de hoy en día: Didier Lockwood, Pierre Blanchard, Jerry Goodman, Krzesimir Dębski y Christian Howes.

Como instrumentista ha cooperado y tocado con muchos grandes artistas como Jim Beard, John Benitez, Luluk Purwanto, Clarence Penn, Joe Sanders, Taylor Eigsti, Rene Van Helsdingen, Urszula Dudziak, Didier Labbe Quartet, Billy Cobham, Cezary Konrad, Nigel Kennedy, Grazyna Auguscik, Paulinho Garcia, Monty Waters.

Como líder y compositor trabaja en proyectos con el pianista Taylor Eigsti, el trompetista Igmar Thomas y el bajista John Benitez.

Sobre el disco

El violín mantiene una posición muy especial en la historia moderna del jazz polaco, y a excepción de Francia, ningún otro país europeo puede enorgullecerse de tal espléndida herencia en cuanto al uso del violín en el jazz se refiere. La primera generación de músicos de jazz polaco moderno incluye tres distinguidos violinistas de jazz: Michal Urbaniak (nacido en 1943), Zbigniew Seifert (nacido en 1946) y Krzesimir Debski (nacido en 1953). Cada uno de estos virtuosos y excepcionales compositores dejó su huella no sólo en el jazz polaco, sino también en el jazz europeo y escenas en el mundo del jazz. Por supuesto, cada uno de estos tres músicos ofrecieron un enfoque único y muy individual para violín, todo siendo innovadores y pioneros: Urbaniak contribuyó enormemente al desarrollo del jazz-fusión y el jazz-funk, Seifert al jazz moderno y al free-jazz y Debski a la amalgama del jazz y la música clásica contemporánea.

Adam Bałdych (nacido en 1986) es por supuesto un miembro de una generación diferente; uno incluso podría decir un niño de una época muy diferente. Sus predecesores vivieron y crearon bajo el régimen socialista, que, por supuesto, lejos de permitir la libertad de expresión y de las oportunidades para estudiar y desarrollar talentos musicales, y su vida era una historia de lucha constante con la realidad. Sus predecesores vivieron y crearon bajo el régimen socialista, que, por supuesto, lejos estaba de permitir la libertad de expresión y de dar oportunidades para estudiar y desarrollar talentos musicales, y su vida era una historia de lucha constante con la realidad. Bałdych creció en una “nueva” Polonia, liberada, democrática y llena de oportunidades. Esto no significa, obviamente, que su vida y su camino hacia el éxito fuese fácil. Considerado un niño prodigio, Bałdych comenzó a desarrollar y componer su carrera desde muy temprano, lo que explica su biografía realmente impresionante a la edad de 25 años. La lista de premios, notables actuaciones, sus créditos y grabaciones fácilmente podría pertenecer a un músico del doble de su edad o más.Y aún Bałdych considera este álbum como un punto pivotal de su carrera y aunque no es su grabación debut, esto sea seguramente un nuevo comienzo, con la esperanza de una carrera internacional.

Grabado con su banda llamada Damage Control, “Magical Theatre” es sin duda un álbum que debería exponerlo a las audiencias de todo el mundo. Bałdych compuso seis de las ocho composiciones presentes aquí y co-compuso una más con la última siendo compuesta por el tecladista de la banda. La banda incluye a dotados músicos jóvenes, que le proveen un excelente apoyo y ejecutan sus complejas composiciones con gracia y garbo. Lleno de espíritu juvenil y energía, el álbum fluye maravillosamente de una pista a la siguiente, cambiando estados de ánimo y atmósferas, pero siempre resultando fascinante.

No hay momentos pesados aquí, no hay partes aburridas ni rellenos -solo un flujo continuo de música encantadora, que mantiene cautivo al oyente.

Por supuesto, independientemente de lo buenos que los intérpretes puedan ser, la principal fortaleza de este álbum reside en la música contenida en el presente documento. Las composiciones de Bałdych simplemente son acertadas y su singular habilidad para fusionar la tradición del jazz, el romanticismo polaco y las técnicas contemporáneas de sonido funciona perfectamente. Un experimentado oyente podrá descubrir muchas delicadas sugerencias y referencias musicales en esta música, especialmente en los solos de Bałdych, pero seguramente alguien capaz de disfrutar de la buena música encontrará aquí cualidades estelares.

Estoy seguro de que Michal, Zbigniew y Krzesimir estarían orgullosos del continuador de su espléndido patrimonio. Lo que queda es la esperanza de que el mayor número posible de los conocedores de música acaben por descubrir esta joya y la mantengan en sus corazones. Ciertamente espero que esto suceda, como bien se merece!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://www.adambaruch.com/reviews_item.asp?item=103813

Apunte: Solo ampliar que luego de este discazo que es Magical Theatre, el “demonio” Adam Bałdych pasó a las huestes del prestigioso sello alemán ACT, donde ya tiene registrados tres discos como líder o co-líder, “Imaginary Room” (2012), “The New Tradition” (2014) y “Bridges” (2015), participando también en un par de discos de otro artista de la casa alemana, Iiro Rantala. Muy recomendable!

Track Listing

1. Welcome Pill (6:38)
2. The Room of Fear (6:58)
3. Party Place (6:25)
4. Princess Ballet Room (9:59)
5. Devil’s Kitchen (7:22)
6. Breaking Point (5:02)
7. The Room of Imagination (12:30)
8. The Game of Destiny (6:37)

Artist List

Piotr Żaczek: bass
Jakub Cywiński: double bass
Michał Bryndal: drums
Andrzej Gondek: guitar
Adam Sak: guitar [background] (tracks: 2, 3, 7)
Josh Lawrence: trumpet
Adam Bałdych: violin, electric Violin

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Babak Nemati Quartet
noviembre 27, 2015, 4:20 pm
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tapa Zarathustra
Zarathustra (2015)

Potente y embriagador, fuertemente evocador de la música tradicional persa y el jazz moderno. Con su segundo álbum Zarathustra, el Babak Nemati Quartet presenta fuegos artificiales musicales.

Lleno de pasión, entusiasmo y virtuosismo, los cuatro músicos se embarcan en un viaje musical a través del espacio y del tiempo. Este excepcional álbum multifacético crea un puente musical entre oriente y occidente, mostrando todo el espectro del jazz moderno. Baladas sentimentales se combinan con figuras rítmicas de rock, métricas irregulares son combinadas hábilmente con estupendos ritmos y melodías orientales.

Este álbum incluye todas las formas, desde estrictas composiciones a la música free, la improvisación y la interacción, exhibiendo el cuarteto su caleidoscópico y muy característico sonido y lenguaje musical. Esto es emocionante, enérgica música contemporánea, con sofisticada interacción.

Fuente para la reseña: http://www.babaknemati.com/CD/

Apunte: Zarathustra es el excelente segundo disco del cuarteto liderado por Babak Nemati, guitarrista nacido en Teherán (Irán) y emigrado a la edad de 8 años hacia Suiza, donde actualmente reside. A los 14 años, aproximadamente, Nemati se interesó por la guitarra, siendo autodidacta al comienzo y luego tomando clases de guitarra clásica, lo que lo llevó más tarde a explorar estilos como el blues, rock, funk y el pop. Por ese entonces, sus principales influencias eran Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Pink Floyd y James Brown. Después de tener algunas experiencias con bandas escolares, comienza a liderar sus propios ensambles. Reconoce que tocar música tiene un rol extremadamente importante en su vida, por lo que se decide a estudiar música. En el desarrollo de sus estudios se involucra con el jazz y la música electrónica, siendo influenciado por artistas tales como Miles Davis, John Coltrane, Charlie Parker, Keith Jarrett, Chick Corea, Pat Metheny, John Scofield y Mike Stern.  Graduado en el WIAM (Winterthurer Institut für aktuelle Musik), actualmente está participando en varias bandas y proyectos de estudio, siendo sus más grandes pasiones sus dos ensambles de jazz, el Babak Nemati Trio y el Babak Nemati Quartet.

Track Listing

01. Caspian Sea (6:41)
02. Dear Old Man (7:30)
03. Zarathustra (5:50)
04. Hope (6:16)
05. The Elephant Song (9:15)
06. Bazaar (5:04)
07. Dance Of The Dervish (5:28)
08. So Little Time (8:14)
09. Way Down East (5:00)

Artist List

Babak Nemati: guitars
Carles Peris: tenor sax / sopran sax
Beat Gisler: bass
Olaf Ryter: drums

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Pete McCann

tapa Parable
Parable (1999)

Aprovechando las influencias que van desde John Scofield y Bill Frisell a Pat Metheny y Mike Stern, Pete McCann tiene un creativo, diverso esfuerzo de jazz-rock en Parable. Si define fusión como “jazz mezclado con rock y/o funk”, la forma de tocar la guitarra de McCann ciertamente puede ser considerada fusión. Pero Parable se inspira en el jazz eléctrico de vanguardia (especialmente, “Prime Time” de Ornette Coleman) así como en su escuela de fusión. McCann y sus compañeros Peter Epstein (saxofones soprano y alto), Bruce Huron (saxofón tenor), Tim Lefebvre (bajos acústico y eléctrico), y Matt Wilson (batería, percusión) tocan sobre todo dentro, pero no tienen miedo de aventurarse fuera cuando es apropiado. Esa yuxtaposición adentro/afuera es una de las cosas que hacen a Parable impredecible — otra es la diversidad de la escritura. Este CD va desde lo cerebral (“Victim Sweepstakes”, “Grimlock”) a lo serenamente reflexivo (“Patricia”, “Parable”) y al arrepentimiento (“Gone”). No debe confundirse con el clásico de los tempranos ‘ 60 de Oliver Nelson, “Hoedown” satisfactoriamente fusiona la angularidad de Coleman con toques de country y folk. Parable es una realización que entusiastas tanto de la fusión como de la vanguardia podrán apreciar.

Fuente para la reseña: Alex Henderson para http://www.allmusic.com/album/parable-mw0000236981

Track Listing – Parable

01. Grimlock (5:47)
02. Parable (7:23)
03. Mind Bender (2:50)
04. Open Gate (9:08)
05. Patricia (5:24)
06. Gone (6:14)
07. Hoedown (6:04)
08. Final Passing (3:01)
09. Search (6:51)
10. Victim Sweepstakes (5:01)
11. Hoevenen (2:51)
12. Sheriff Bob (4:44)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: soprano and alto saxophones
Bruce Huron: tenor saxophone
Tim Lefebvre: basses
Matt Wilson: drums, percussion

tapa You Remind Me Of Someone
You Remind Me of Someone (2000)

El guitarrista Pete McCann a veces es comparado tanto con John Scofield como con Pat Metheny, y usted podrá escuchar más de una sombra de este último en su tono untuoso y exuberante uso de reverberación en varias pistas de este álbum. Pero en el segundo esfuerzo de McCann también hay un poco de Bill Frisell en su enfoque de la melodía — escuchar el lento “Knew Blues” y los acordes abiertos y fraseo sesgado en “You Remind Me of Someone”. En “Ornery”, un tributo brillante al pionero del free jazz Ornette Coleman, McCann rinde homenaje no solamente a la notoria indiferencia de Coleman a la progresión de acordes durante los solos, sino también a la asombrosa capacidad para escribir, a veces, melodías francamente encantadoras. McCann también escoge bien sus pocos covers, entregando una pensativa interpretación de “I Love You” de Cole Porter y una interpretación ligeramente teñida de latina de la composición de Steve Swallow, “Falling Grace”. En todas partes, él está acompañado enérgica pero sensiblemente por el bajista John Hébert y el baterista Mike Sarin. Altamente recomendado.

Fuente para la reseña: Rick Anderson para http://www.allmusic.com/album/you-remind-me-of-someone-mw0000106325

Track Listing – You Remind Me of Someone

01. Knew Blues (4:53)
02. You Remind Me Of Someone (6:23)
03. Pollock (5:30)
04. Falling Grace (4:35)
05. Mr. Fritters (4:44)
06. Inquisition (6:43)
07. I Love You (4:13)
08. Letting Go (5:05)
09. Ornery (5:45)
10. The Patriot (4:49)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: saxophones
John Hébert: acoustic bass
Mike Sarin: drums, percussion

tapa Most Folks
Most Folks (2006)

Fundado en 1999, OmniTone es un sello de jazz establecido en Brooklyn dedicado a la liberación de nuevas grabaciones “de jazz aventurero y escuchable” de los principales creativos improvisadores de hoy. En esta mezcla impresionante de straight-ahead, post-bop y jazz latino, el establecido en New York, Pete McCann, finalmente toma el centro de la escena después de años de ser un sideman para artistas como Kenny Wheeler, Kenny Garrett, Dave Liebman, el Mahavishnu Project, Peter Erskine y Curtis Stigers. Creando una actuación multifacética y de moods oscilantes diseñada para atraer tanto a sofisticados fans de jazz como a la mayoría de la gente, así es como McCann y su quinteto alterna desde la alta energía a asuntos en claves bajas. El guitarrista revela su hábil sentido de la improvisación desde el inicio, teniendo un rápido solo a unos pocos minutos de la apertura de la pista del título, atizado por los resoplantes tambores y cepillos de Mark Ferber y el cool groove del bajista John Hébert. McCann es un gran músico de conjunto también, aliviando dentro y afuera la melodía del exhuberante saxo alto de John O’Gallagher en “Jojo’s Waltz” y doblando perfectamente con su saxman en los segmentos de apertura de la pieza de jazz progresivo “About Face”. Mientras McCann y su feliz equipo parece estar más en casa en el modo up tempo, (la vigorosa “Split Decision” viene a la mente), ellos no están encima tocando raro e intrigante en números más lentos, hipnóticos y ambient como “Hunter Gatherer”. Esto es un fuerte registro de jazz indie que marca la aparición en solitario de un guitarrista que no debería mantenerse al margen mucho más.

Fuente para la reseña: Jonathan Widran para http://www.allmusic.com/album/most-folks-mw0000726577

Track Listing – Most Folks

01. Most Folks (5:35)
02. Jojo’s Waltz (6:18)
03. Rack ‘Em Up (5:43)
04. Las Tias (6:40)
05. About Face (3:27)
06. Yes, My Friend (7:51)
07. Hunter Gatherer (3:12)
08. JM (6:23)
09. Third Wheel (4:30)
10. Split Decision (2:41)
11. Worth (4:52)

Artist List

Pete McCann: guitar
John O’Gallagher: alto, soprano sax
Mike Holober: piano
John Hébert: bass
Mark Ferber: drums, percussion

tapa Extra Mile
Extra Mile (2009)

Pete McCann puede ser una especie de un superhombre de la guitarra, considerando su trabajo con bandas lideradas por Patti Austin, Lee Konitz, Kenny Wheeler, Dave Liebman, Kenny Garrett, Peter Erskine, Gary Thomas, Greg Osby, Brian Blade y María Schneider.

Desde que se trasladó a New York en 1989, McCann ha prestado sus habilidades a estos líderes diversos, mostrando su acercamiento camaleónico. Él está igualmente cómodo tocando jazz pre y post-bop, así como fusión eléctrica, acústica, latina y rock, todo lo cual está expuesto en su cuarto álbum solista, Extra Mile.

Después del swing aparentemente sin esfuerzo de la apertura “Fielder’s Choice”, McCann abre su maleta de sonidos, tocando licks inspirados en Stevie Ray Vaughn yuxtapuestos con algunos ágiles vagabundeos acústicos. Cada composición original sobre la grabación revela más de las muchas facetas de McCann, ninguna de las cuales podría haber sido lograda sin el apoyo dado por el bajista Matt Clohesy y el baterista Mark Ferber. Su pegamento sostiene juntos los diversos serpenteos.

El empleo de artistas invitados -como el saxofonista John O’Gallagher y el pianista Henry Hey- permite a McCann bifurcarse en múltiples direcciones. O’Gallagher camina en línea recta en la imperturbable pista del título y en el ardiente blues “Isosceles”. Como McCann, el saxofonista tiene un oído ecléctico, con gustos muy amplios, pero nunca disperso en su acercamiento.

Hey brilla en todas partes, pero en “Rhodes Less Traveled” se le permite estirarse en el piano eléctrico tanto como McCann absolutamente chisporrotea en la guitarra. Otras pistas estelares incluyen el dueto guitarra/bajo acústico de “Pi”, el retro-jazz-rock de “Angry Panda” y la urgente y muy memorable electricidad a lo Weather Report de “Stasis”

Pete McCann puede intentar volar bajo el radar, pero sus facultades como un guitarrista superhéroe ciertamente son reveladas en este álbum excepcional.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para http://www.allaboutjazz.com/extra-mile-pete-mccann-nineteen-eight-records-review-by-mark-corroto.php

Track Listing – Extra Mile

01. Fielder’s Choice (7:19)
02. Isosceles (5:38)
03. Stasis (5:07)
04. Extra Mile (6:09)
05. Angry Panda (5:32)
06. Tributary (5:30)
07. Pi (5:34)
08. Hybrid (4:07)
09. Lonesome Prairie Dog (8:30)
10. Rhodes Less Traveled (3:57)

Artist List

Pete McCann: electric guitar, acoustic guitar
John O’Gallagher: alto saxophone
Henry Hey: piano, Fender Rhodes piano
Matt Clohesy: acoustic bass, electric bass
Mark Ferber: drums

Apunte: Músico de músicos, Pete McCann tiene el talento y la versatilidad para tocar muy bien gran cantidad de estilos: fusión, jazz, rock, country, folk, etc, etc. La discografía como líder que aquí compartimos (a la cual le falta su última producción, “Range” del 2014), tiene la particularidad de ser amplia en los géneros abarcados, lo cual tiene la contra de que un álbum puede perder consistencia ante tanta oferta, pero por otro lado tiene la potencial fortaleza de llegar a mayor cantidad de público. Con esto quiero decir que todos los discos de McCann nos dejan algo. Y ese algo no es solo aquellos temas que estén más relacionados con el género con el cual más nos identificamos, sino también el enfoque moderno y bastante vanguardista con el que la banda completa aborda el repertorio: si observan las listas de los artistas que acompañan a McCann podrán apreciar que todos ellos son brillantes improvisadores y líderes de sus propios proyectos musicales en los cuales no temen de tomar riesgos. En definitiva: McCann es otro guitar-hero que trae MQC/PV a vuestra consideración para que saquen sus propias conclusiones. Que lo disfruten! Salud!

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