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Duski

tapa Duski
Duski (2017)

Aidan Thorne es uno de los mejores bajistas que emergen del sur de Gales, entre los que se incluyen Ashley John Long, Chris O’Connor y la estrella en ascenso Huw V Williams. He visto a Thorne tocar el contrabajo en una variedad de contextos, incluyendo actuaciones con el trombonista Gareth Roberts, los saxofonistas Ben Treacher y Martha Skilton. el baterista Ollie Howell y como parte de los grupos Burum, Coltrane Dedication y Slowly Rolling Camera. También ha acompañado a los músicos españoles Arturo Serra (vibes) y Juan Galiardo (piano) y ha grabado con Burum, Slowly Rolling Camera y Lacuna, el grupo del guitarrista Dan Messore.

Esta grabación debut de su grupo Duski representa la primera de Thorne como líder. El álbum presenta ocho composiciones originales del bajista, las melodías desarrolladas a través de un proceso de improvisación colectiva.

Duski comenzó en 2009 como un trío de jazz con Thorne junto al joven saxofonista tenor Greg Sterland y el incondicional de la escena del jazz galés Mark O ‘Connor a la batería. La banda ahora se ha expandido a cinco piezas con la adición del antiguo asociado Paul Jones en teclados y sintetizador (la pareja ha trabajado previamente en el trío Tryfan de Jones) y primero Tom Ollendorf y ahora Dan Messore en guitarra. Con Thorne especializándose en el bajo eléctrico de cinco cuerdas en esta banda, Jones manipulando tape loops y tocando una variedad de teclados y sintetizadores y Messore implementando una serie de pedales FX, Duski se ha transformado en un conjunto electroacústico que probablemente atraiga tanto a fanáticos de rock progresivo y alternativo como a seguidores del jazz de núcleo duro.

Hace dos años, en octubre de 2014, revisé una actuación de Duski, cuando presentaba a Ollendorff en la guitarra, en el Queens Head en Monmouth y firmé declarando “este es un grupo contemporáneo que toca música fresca y original que merece ser vista y escuchada”. Por lo tanto, es particularmente gratificante encontrar la música de Duski disponible en CD por fin.

El álbum comienza con la breve pero atmosférica “Intro”, una pieza brillante y poco estructurada que suena como si hubiera sido improvisada colectivamente. Fantasmales guitarra y teclados y amenazantes pulsos de bajo eléctrico forman el telón de fondo del inquietante silbido del saxo tenor de Sterland.

Varias de las piezas que el grupo interpretó en Monmouth han encontrado su camino en el álbum, incluida la episódica “Spare Part”, una especie de balada ambiental con Messore que proporciona el tipo de sonido de guitarra que no sonaría fuera de lugar en una grabación de Bill Frisell. Sterland es el otro solista destacado y contribuye con un saxo tenor maravillosamente encantador y conmovedor. Al igual que Frisell, Thorne, ha sido influenciado por otros aspectos de la cultura con la música y las películas de David Lynch como una fuente de inspiración particularmente importante. De hecho, la banda toca regularmente arreglos de canciones y temas de Twin Peaks en los conciertos, aunque sospecho que los problemas de derechos de autor pueden haber evitado que estos aparezcan en la grabación.

En el concierto de Monmouth, Thorne habitualmente introdujo sus composiciones como ‘canciones’ y es cierto que muchas de sus piezas poseen una calidad de canción. De hecho, muchos de sus temas son esencialmente muy simples, es la forma en que él y su banda los tratan lo que mantiene el interés del oyente. “Simple Song” es un ejemplo con sus flotantes grooves bass and drums y alegres melodías saxofónicas aliadas a un solo de Rhodes insidiosamente funky de Jones. Sterland es el otro solista destacado, mientras se estira melodiosamente innata en el tenor, mientras la consistentemente impresionante batería de O’Connor toca una tormenta detrás de él.

El breve “Interlude” es otra pieza que suena como si hubiera sido totalmente improvisada. El tenor de Sterland se asemeja vagamente a Garbarek sobre un fondo ambiente amenazante. Inquietante pero tentadoramente truncado, todo termina en poco más de un minuto.

En efecto, “Interlude” funciona como una especie de introducción a “Lakeside”, una de las piezas que la banda interpretó en el Queens Head. Presentado por Thorne en el bajo, esta fue otra melodía que exhibía una calidad de canción, algo encapsulada por las largas y altísimas líneas del melódico saxo tenor de Sterland, resaltadas por un retroceso vagamente inquietante de guitarras y teclados (incluidos los sonidos distintivos del sintetizador analógico MiniBrute de Jones) y un ritmo lento pero cada vez más insistente de bajo y batería.

La balada suavemente atmosférica “Two Hours Long” fue otra composición que apareció en Monmouth. Superficialmente bonita y con el sonido entrecortado del tenor de Sterland, la melodía se ve socavada silenciosamente por el sutilmente inquietante fondo ambiental. Aunque completamente instrumental, muchas de las canciones de Thorne poseen esa exquisita dinámica alegre / triste que distingue a gran parte del mejor indie rock.

Buscando una descripción adecuada de la música de Duski, me he referido regularmente a ella como “fusión inteligente”. Me gustaría pensar que “Another Simple Song” personifica esta descripción a medida que la banda sube los niveles de energía en una de las piezas más duras del disco. Largos solos de Sterland en el tenor, realmente extendiéndose por encima del excelente apoyo grupal. Jones lo sigue en el Rodhes y el influyente O’Connor también aparece con fuerza.

“Outro” cierra el álbum con otro fragmento de improvisación grupal de un minuto de duración, todo un saxo espeluznante, ruidos de graves de baja gama y electrónica de ruido blanco mientras Duski se dirige al espacio profundo.

Influenciado no solo por el jazz, sino también por el pop, el rock y las películas, Duski ha creado un sonido grupal distintivo, aunque un poco oscuro. Es refrescante ver una banda de “fusión” que se concentra en crear una atmósfera e intentar contar una historia, el enfoque en el color, la textura, la narrativa y el efecto emocional en lugar de una mera técnica instrumental y pura. El propio Thorne adopta un enfoque admirablemente sin ego de la música, ¡sin solos de bajo! – Pero no hay duda de que él es la fuerza impulsora y que es su concepto detrás de la identidad del grupo.

Si el álbum tiene un defecto es que es demasiado corto. Con tres breves episodios improvisados que puntúan la grabación, es justo decir que solo hay cinco composiciones completas. La actuación de Monmouth incluyó varias piezas más, totalmente agradables, además de las de David Lynch, que no han llegado al álbum, lo cual es una pena. En todos los demás aspectos, el debut de Duski es alto, en términos de reproducción, escritura y producción: el álbum fue grabado por el ingeniero Deri Roberts.

Y si alguien se pregunta sobre el nombre de la banda, Duski fue bautizado por el poeta Martin Daws, el Young People’s Laureate for Wales, que simplemente pensó que la música sonaba “dusky (oscura)”, tal vez no tan sorprendente, teniendo en cuenta la influencia de David Lynch / Twin Peaks.
También es un juego con la palabra galesa “Dysgu” que significa “aprender”, como en “Dysgu Cyfri”, una melodía del trombonista Gareth Roberts que significa “Aprender a contar”.

Fuente para la reseña: Ian Mann para https://www.thejazzmann.com/reviews/review/duski-duski

Apunte. Duski es una joven banda galesa y como joven, sin inhibiciones. De sonido melódico y atmosférico finamente elaborado, y tal como se repite en la reseña de Ian Mann, no reniega de ninguna fuente. Agradable fusión desde las islas, apta para una gran variedad de oidos.

Track Listing

1. Intro – Spare Part (9:48)
2. Simple Song (6:19)
3. Interlude (1:08)
4. Lakeside (6:20)
5. Two Hours Long (5:28)
6. Another Simple Song (7:48)
7. Outro (1:25)

Artist List

Greg Sterland: tenor saxophone
Dan Messore: guitar
Paul Jones: keyboards
Aidan Thorne: bass
Mark O’Connor: dums

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Bryan and the Aardvarks

tapa Sounds From The Deep Field
Sounds from the Deep Field (2017)

Bryan y los Aardvarks miran al cielo para Sounds From the Deep Field, el segundo álbum de la banda y el primero para Biophilia Records. No es de extrañar que la banda forme parte del nuevo y progresivo sello de Fabian Almazan ya que el pianista ha estado en la banda desde su inicio. El bajista y compositor Bryan Copeland lidera el grupo que, además de Almazan (que también toca sintetizadores), presenta a Chris Dingman (vibráfono), Jesse Lewis (guitarras) y Joe Nero (batería); en este álbum, se les une la vocalista Camila Meza y Dayna Stephens (Sintetizador EWI Wind). Al igual que los otros lanzamientos de Biophilia en el 2017, la música solo está disponible como descarga. Hay una opción donde puedes comprar la portada y la descarga.

Las influencias de Copeland para este álbum incluyen el trabajo de Carl Sagan, las exploraciones de los satélites de la NASA a medida que se alejan de la tierra y, musicalmente, el “rock” progresivo de artistas como Hatfield y The North, más el jazz progresivo de Tony Willams, Earthworks de Bill Bruford, Chick Corea, Jason Moran y otros. Este conjunto no imita a ninguno de los artistas mencionados, pero, para mis oídos, usa sus visiones para crear las suyas. Observe cómo la canción de apertura, “Supernova”, se mueve al poder de los acordes proporcionados por Lewis y Dingman, con la vocalización de la Sra. Meza como un instrumento adicional, y el solo de gran alcance de Almazan. La “apertura” de “Eagle Nebula” es creada por los remolinos del vibráfono y el piano, mientras Nero y Copeland enmarcan la composición. Lewis y la Sra. Meza construyen la melodía durante la primera mitad de la pista antes de abandonar la sección de ritmo. Dingman y Almazan se mueven uno alrededor del otro, como si flotaran en el espacio, hasta que la sección rítmica regrese para ayudar a la pieza a su emocionante conclusión. Copeland compuso “Soon I’ll Be Leaving This World” enfocado en el piano elegíaco de Almazan; tiene los primeros 90 segundos para sí mismo antes de que la batería entre, luego abandone el bajo para continuar sentando las bases. Cuando el resto de la banda entre (recuerda a “Salty Dog” de Procol Harum), el pianista continúa liderando el camino con una deslumbrante variedad de líneas largas y fluidas que se mueven hacia atrás y hacia la banda. Todos abandonan y Almazan lleva la pieza a su cierre en una melodía de ritmo siempre suave.

La Sra. Meza también canta las letras de Copeland en varias pistas. “The Sky Turned To Grey”, una canción sobre tormentas terrenales y cómo nos afectan. Lewis crea un poderoso solo sobre los acordes de piano y los ritmos solistas; ese sonido “potente” continúa cuando el solo termina y la voz vuelve a empujar la canción a su clímax. Las notas de apertura de la hermosa balada “Magnetic Fields” sugiere “September Song” de Kurt Weill -las letras son más esperanzadoras, una búsqueda de significado en un universo tan vasto. La música se abre para una fina vibración en solitario sobre un ritmo que sugiere un vals.

La música no es toda “espacial”. Los tambores funky de bordes duros abren el camino hacia “Strange New Planet” (esta es una melodía donde la influencia del “rock progresivo” es más notable). Lewis y el EWI de Dayna Stephens toman las líneas de la melodía, mientras que Dingman ofrece un contrapunto. Las potentes líneas de bajo del líder se unen con la batería para mantener la canción “rockeando”. Hay una “repetición” aún más dura de la pista, el corto “LV 426” varias pistas más tarde. A pesar del título de la canción final del álbum, “To Gaze Out The Cupola Module”, la pieza salta directamente de los altavoces, impulsada por los tambores “rotos” de Nero. El teclado electrónico de Almazan comparte el espacio en solitario con las vibraciones, intercambiando frases a medida que la canción se dispara.

Sounds From the Deep Field tiene muchos momentos gloriosos para los oyentes. Ya sea el potente piano de Fabian Almazan, el vibráfono de Chris Dingman, Jesse Lewis con sus líneas de guitarra, la voz terrosa pero digna de Camila Meza, el fuerte apoyo y empuje del batería Joe Nero, además del trabajo fundacional del líder (escucha cómo sus notas altas todavía se las arreglan para apuntalar “Tiny Skull Sized Kingdom”), esta música captura la imaginación.¿Funcionaría tan bien sin las hermosas obras de arte, las vistas de los cielos tomadas por el equipo del telescopio Hubble de la NASA, o las palabras de Carl Sagan? Ciertamente ayudan, pero es la visión de Bryan Copeland para esta música la que marca el camino y es una forma fascinante de seguir.

Fuente para la reseña: Richard B. Kamins para http://steptempest.blogspot.com/2017/05/sounds-of-gratitude-strength-and-wonder.html

Apunte: Según relata Bryan Copeland líder de este proyecto, se inspiró en las imágenes que el telescopio Hubble pudo registrar de los confines del espacio: “El Hubble Deep Field me inspiró de muchas maneras. Todo comenzó cuando mi esposa y yo estábamos de excursión y acampando en California hace un par de años. Pasamos un tiempo en el Parque Nacional Jedediah Smith Redwoods en el extremo norte de California, cerca de la frontera con Oregon. Esas secuoyas gigantes se encontraban entre las vistas más impresionantes que jamás haya experimentado. ¡Estaba absolutamente hipnotizado! Algunos de esos árboles tienen 3000 años. Esto me inició en el camino de un nuevo despertar existencial. Si puedes imaginar que eres uno de esos árboles y tienes la misma conciencia cognitiva que poseemos, la vida de un humano iría y vendría en un abrir y cerrar de ojos. Así que comencé a profundizar en este tren de pensamiento y todas las implicaciones de nuestro lugar en el mundo. Durante el apogeo de esto, leí un artículo sobre el Campo Profundo del Hubble, y fui golpeado con el exacto mismo sentimiento, excepto que a un nivel inimaginablemente más infinito. La NASA apuntó con el telescopio Hubble hacia, aparentemente, el agujero más vacío del espacio exterior, y cuando estudiaron la fotografía, descubrieron más de 3.000 galaxias en esta pequeña sección del espacio “vacío”. Tenía este deseo insaciable de expresar esta enormidad en mi música y compuse la mayor parte del álbum en aproximadamente un mes”. Como sea, todo se transforma en una anécdota cuando comienza a sonar la música que se mueve en delicados campos de un postbop melódico, enriquecido por el delicado toque del vibráfono y el armónico del piano, pero también abriéndose paso en momentos solistas más sofisticados y vanguardistas. Muy recomendable!.

Track Listing

01. Supernova (10:14)
02. Eagle Nebula (9:10)
03. Tiny Skull Sized Kingdom (6:29)
04. Soon I’ll Be Leaving This World (6:42)
05. The Sky Turned To Grey (6:04)
06. Strange New Planet (8:42)
07. Bright Shimmering Lights (4:52)
08. LV 426 (1:37)
09. Magnetic Fields (6:29)
10. To Gaze Out the Cupola Module (3:38)

Artist List

Bryan Copeland: bass
Camila Meza: vocals
Dayna Stephens: EWI
Jesse Lewis: guitar
Chris Dingman: vibes
Fabian Almazan: piano
Joe Nero: drums

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Ricardo Pinheiro / Miguel Amado

tapa Lab
LAB (2020)

En los últimos años, ha habido un proceso creciente de exploración de afinidades creativas entre músicos de diferentes territorios estéticos y diferentes generaciones. Un ejemplo de esta sana realidad es el álbum debut del proyecto LAB, el resultado de una asociación entre dos músicos con una sólida reputación en la escena nacional, con un viaje de casi dos décadas: el guitarrista Ricardo Pinheiro y el bajista Miguel Amado.

Pinheiro ha desarrollado un trabajo relevante como líder de sus propias formaciones y como miembro de otros grupos, lo que se puede ver en numerosos registros y también en el campo académico. Su enfoque sigue siendo elegante y equilibrado, con elementos que van desde el jazz “mainstream” hasta el rock progresivo. También con importantes álbumes editados a su propio nombre, Amado es un bajista virtuoso y versátil, características que han motivado su participación en otros proyectos de diferente naturaleza, como el Lisbon Underground Music Ensemble (LUME), de Marco Barroso, formaciones lideradas por el guitarrista Pedro Madaleno, sPILL de André Fernandes, el quinteto de Rodrigo Gonçalves o el septeto del Hot Clube de Portugal. Los dos han cruzado colaboraciones en el pasado, en álbumes como “Song Form” (2013), de Pinheiro, y “The Long Rest” (2016), de Amado. Se repartieron también, con el baterista Bruno Pedroso, el liderazgo del proyecto Triology, que en 2014 dió origen al disco homónimo.

A este laboratorio, creado desde cero, trajeron composiciones de ambos e invitaron a dos de los jóvenes músicos más interesantes de la nueva generación del jazz nacional, el saxofonista Tomás Marques y el baterista Diogo Alexandre, ambos ganadores de la edición 2019 del Young Musicians Award en Categoría “Jazz”. Marques, oriundo de Estarreja, se ha destacado como miembro del proyecto Entre Paredes de Bernardo Moreira y Big Band Estarrejazz, además de liderar sus propios grupos, a saber, trío y quinteto, con Alexandre a la batería. Este último también se unió a la formación que grabó “Autotelic”, de Javier Subatin, un guitarrista argentino con sede en Portugal, y formó un dúo de saxofón / batería con el superlativo João Mortágua.

Esta red de complicidad se puede ver en una colección diversa de piezas en las que se reflejan múltiples influencias. “As UR” tiene un comienzo deudor de cierto pop-rock sofisticado, marcado por diálogos entre guitarra y saxofón (fundamentales en el abordaje del cuarteto) y una sección central con buenos solos de Marques y Amado, hasta que el motivo melódico se reanuda en final. “Black Light” no exhibe mucha prisa, con la guitarra expresiva de Pinheiro en estrecha interacción no solo con el saxofón, sino también con un dúo rítmico que participa activamente en la construcción del sonido.

“Canção de Embalar a Isabel” no defrauda el título, en su entrañable delicadeza, con las digitaciones de Pinheiro que sirven de base para que el saxofón dibuje una melodía suave. Los otros instrumentos aparecen después y agregan luz. “Isabelita” (¿es la misma Isabel?) mantiene el tono sereno, pero distante del formato tradicional de balada. “Learning How to Live”, en su atmósfera claustrofóbica basada en un motivo hipnótico, parece estar en deuda con los caminos que siguió David Bowie en el último “Blackstar” y es la mejor pieza del disco. El dinamismo de “Mar Picado” muestra al cuarteto exponiendo los niveles de cohesión, con Pinheiro notable creando texturas y Marques suelto como más nos gusta escuchar; Amado realiza su mejor solo en el álbum y el baterista demuestra ser capaz de dosificar explosión y contención. “When I See You Again” introducida con detalles de filigrana, cierra un registro sobrio y de audición placentera.

Fuente para la reseña: António Branco para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/17/ricardo-pinheiro-miguel-amado-lab-asur-music/

Apunte: LAB es el feliz encuentro intergeneracional de talentosos músicos portugueses, encabezados por los mayores Ricardo Pinheiro y Miguel Amado y los escasamente veinteañeros Diogo Alexandre y Tomás Marques. La energía juvenil se nota en cada tema, que abarcan, como no puede ser de otra manera, un amplio espectro musical que va desde el jazz contemporáneo más melódico (Canção De Embalar a Isabel) a la fusión más power (As U R) o a un rock cuasi industrial (Learning How to Live). Todos virtuosos, esquivan inteligentemente los excesos y el resultado se agradece con la necesidad de escuchar todo el álbum de nuevo. Párrafo aparte para los unísonos de Pinheiro y Marques y el desempeño suelto, potente y dinámico a lo largo de todo el álbum de Alexandre.

Track Listing

1. Mar Picado (9:21)
2. When I See You Again (7:03)
3. Isabelita (5:05)
4. Black Light (6:50)
5. As U R (7:35)
6. Learning How to Live (7:07)
7. Canção De Embalar a Isabel (5:16)

Artist List

Ricardo Pinheiro: guitarra eléctrica
Miguel Amado: bajo eléctrico
Tomás Marques: saxofón alto
Diogo Alexandre: batería

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Kneebody
mayo 17, 2019, 9:04 pm
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tapa Anti-Hero
Anti-Hero (2017)

“El noveno álbum de estudio del quinteto de jazz-rock acústico-eléctrico, Anti-Hero, es un asunto fangoso y sin alegría. Más que nunca, Kneebody se ha vuelto ambiciosamente antémico, yendo por encima de todo lo demás, pero esta vez la naturaleza pomposa de la música eclipsa cualquier indicio de diversión.” Steve Greenle para https://jazztimes.com/reviews/albums/kneebody-anti-hero-motema/

“Tan atractivo al instante como es Anti-Hero, no es una aventura rápida. Advertencia: antes de que se dé cuenta, permanecerá habitualmente en su apartamento, y lo acompañará a todas partes en el automóvil, reorganizando sus listas de reproducción. Sin embargo, no se preocupe, las escuchas repetidas revelan una profundidad digna de una relación a largo plazo (y es posible que simplemente se encuentre despejando un lugar en la mejor de las estanterías de 2017).” Mike Jacobs para https://www.allaboutjazz.com/anti-hero-kneebody-motema-music-review-by-mike-jacobs.php

“…Anti-Hero, en consecuencia, es un álbum con todas las marcas de un conjunto experimentado: controlado y cuidadoso, indulgente y satisfecho, frustrantemente desafiante. Es un disco que sufre por falta de fuerza limitante. El jazz en la era post-posmoderna se ha convertido en una bestia indomable y elaborada, y las bandas como Kneebody a veces parecen sufrir bajo el peso de todas las opciones disponibles para ellos.” Colin Fitzgerald para https://www.popmatters.com/kneebody-anti-hero-2495389946.html

“…No es que Kneebody desafíe los géneros, es simplemente que la banda se niega a ser acorralada por ellos. Como la mejor música improvisada, la paleta de sonidos de Kneebody toma influencias de muchas fuentes: la fusión de los 70, el heavy metal, el hip-hop, el bebop y el soul clásico, solo por mencionar algunos…Los músicos en Kneebody saben dónde ha estado esta música y dónde la quieren llevar. En Anti-Hero, han creado un vehículo que nos permite simplemente disfrutar del viaje.” Frank Alkyer para http://downbeat.com/reviews/detail/anti-hero

“Kneebody está bien establecido en este punto como uno de los líderes en jazz contemporáneo creativo, pero el hambre de sus primeros años aún no ha mostrado signos de desgaste. Esta es una banda aún en su período pico, y Anti-Hero es la prueba de ello.” S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2017/03/01/kneebody-anti-hero-2017/

Apunte: Al momento de buscar una reseña que contara un poco de que se trata Anti-Hero, me sorprendió la disparidad de opiniones que encontré en la web, tanto positivas como negativas. Me pareció interesante mostrar esas posturas. De todas maneras, si el álbum está en MQC/PV, obviamente entenderán que me gusta (mucho). Kneebody es en esencia una banda fusión de jazz-rock, aunque su sonido subraya la inutilidad de calificarla como tal en el sentido clásico del término: el placer más consistente que ofrece Kneebody y Anti-Hero es la forma en como se desenvuelven sus músicos como un solo organismo de una fuerza y lirismo que no están limitados por una sola tradición.

Track Listing

01. For the Fallen (5:21)
02. Uprising (7:01)
03. Drum Battle (10:07)
04. Anti-Hero (5:59)
05. The Balloonist (3:31)
06. Mikie Lee (5:22)
07. Profar (4:43)
08. Carry On (3:03)
09. Yes You (6:23)
10. Austin Peralta (6:06)

Artist List

Ben Wendel: sax
Shane Endsley: trumpet
Kaveh Rastegar: bass
Adam Benjamin: keyboards
Nate Wood: drums

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Aaron Parks
febrero 27, 2019, 9:48 pm
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tapa Little Big
Little Big (2018)

Aaron Parks es un pianista de jazz que siempre ha parecido tener un corazón y un método que resistió las estructuras de jazz habituales. Por un lado, Parks era una estrella en alza. Era un prodigio en Seattle y estaba tocando y componiendo en la banda de Terence Blanchard a los 18 años, debutando en Blue Note hace diez años con Invisible Cinema, una grabación que no solo fue bien recibida sino que ha crecido en influencia a lo largo de los años. Luego pasó a grabar dos sesiones para los prestigiosos registros de ECM, además de tocar con el grupo de estrellas James Farm con Joshua Redman.

Eso es un montón de aclamación, sin embargo, siempre había algo misterioso acerca de Parks que coincide con el sonido de su música. No parecía estar en todas partes al mismo tiempo, y también estaba apareciendo en pequeños discos, con artistas menos famosos, como su papel pictórico en la creación de “Ocean Av”, la elegante y sutil grabación de la cantante Emma Frank en 2018. Más que nada, parecía que Parks, a pesar de su excelente interpretación en tantos lugares, nunca había completado realmente lo que había comenzado con Invisible Cinema .

Little Big, lo último de Parks, es la respuesta a este misterio. Utilizando la misma instrumentación que Invisible Cinema (guitarra, teclados, bajo y batería), la nueva grabación extiende muchas de las ideas rítmicas y texturales de la primera grabación. Sin embargo, también los amplía, explorando más moods, influencias y opciones. Lo que surge es un ensayo aún más sólido sobre lo que puede ser el jazz en el nuevo siglo: música creativa que combina la forma de la canción, la composición y la improvisación, pero ahora es uno que trabaja esos elementos a través del lente del rock moderno y el hip-hop, como así también la tradición del jazz clásico.

Little Big contiene moods y métodos que logran los objetivos del “jazz” de nuevas maneras. Por ejemplo, “Mandala” comienza como una simple línea de bajo que sube y baja como una canción de cuna en piano eléctrico, empezando a sonar como uno de los famosos ejercicios “Children’s Song” de Chick Corea. El trabajo de Parks suena tan simple como eso, al principio, pero luego desarrolla una complejidad en capas. No hay melodía más allá de esa línea de bajo, pero la canción mantiene el interés a través de un conjunto de modulaciones y transformaciones de textura. La guitarra de Greg Tuohey se mueve a lo largo de la melodía, pero se mezcla con los garabatos del sintetizador de Parks que avanzan lentamente hacia un “solo” tradicional, pero nunca llegan allí. Los tambores de Tommy Crane apenas están allí al principio, pero se vuelven cada vez más críticos para la creciente intensidad de la melodía. El resultado es una actuación llena de la conversación espontánea que asociamos con el “jazz”.

“Siren” es otro ejemplo de cómo Parks logra algo nuevo. La melodía comienza con una majestuosa melodía de piano (luego guitarra) sobre un sentimiento rítmico, creando solos encantadores para el bajista eléctrico David Ginyard y Parks. Pero la composición luego se mueve a una sección completamente nueva, con la guitarra de Tuohey en un modo de fusión perfectamente saturado, que se eleva hacia arriba cuando los bajos se contraen con los ecos de la cadera hacia arriba. Tuohey improvisa sobre esta sección, pero principalmente la banda se mantiene unida, avivando el fuego rítmico antes de que todo se enfríe hasta la melodía original, esta vez tocada en el bajo.

La melodía de apertura, “Kid”, funciona como una declaración de tesis para Little Big y como la respuesta más clara a Invisible Cinema.La sensación rítmica que genera la banda es un tartamudeo mágico, un conjunto de sutiles polirritmos que Parks genera solo desde el piano y luego son recogidos por la forma en que la batería y el bajo se empujan y se juntan. No es hip-hop, pero tampoco es jazz o rock. La forma en que Crane golpea contra el ritmo del piano no podría estar allí, pero durante años escuché el hip-hop, y luego Tuohey también lo hace, como un pincha discos. Cuando finalmente llega la melodía, resulta ser un riff que rueda, se repite y sorprende, solo un poco de fusión, pero con algo de esa sensación de M-BASE de rueda dentro de una rueda. Parks opta para el solo por un Fender Rhodes saturado, recordándonos que la textura será tan importante para esta salida como el ritmo.

Este tipo de impulso rítmico es el placer más insistente de Little Big. “Digital Society” también usa el piano para crear su pulso irresistible. A veces, Parks toca una sola nota con una sensación nerviosa y delicada del código Morse, creando una síncopa con una sola línea de pulsos. En otras ocasiones, toca acordes que parecen ser incluso octavo o cuarto de notas, pero que son compensados por otras notas en la banda izquierda o desde el bajo de Ginyard. El roce entre ellos convierte una técnica de rock básica en un guiso de acentos deslizantes y fuera de ritmo. Este tipo de trabajo de piano basado en el pulso también anima “Bells”, una canción que logra la hipnosis lírica, y también “Rising Mind”, que comienza con el toque de una sola nota y luego pasa a una sincopa tambaleante para toda la banda que soporta una melodía convincente para piano acústico y guitarra de tonos. El solo de Parks aquí puede ser su más lírico y agresivo en la grabación, rompiendo líneas a través del soporte de movimiento y tejido de la banda.

En otras ocasiones, Little Big es simplemente lírico. Dejado por su cuenta, Parks se inclina hacia la belleza. “Lilac” es una magnífica melodía para piano solo que se remonta a la clase de piano popular y folk que Keith Jarrett a veces tocaba a principios de los 70. “Hearth” es otra pieza solista con algunos movimientos armónicos similares que combinan jazz y una rebanada de gospel. Es una balada de sólo 90 segundos de duración, pero Parks le da una dosis completa de sentimiento, dejando las armonías suspendidas hasta el final de una frase, dejando su corazón en un extremo mientras escucha.

La otra calidad sobresaliente de la grabación es su excelencia como grabación y como producción. Los sonidos no solo son suntuosos -la riqueza, en lugar de cualquier tontería o graznido del sintetizador, la forma deliciosa y sedimentaria de Parks con el piano y el piano eléctrico, la sensación tridimensional de las partes del tambor con patadas, frunces y platillos para llegar a tus oídos desde el cálido centro de las pistas- pero la grabación se produce para evitar los clichés de una grabación de trío de guitarra/teclados. El álbum fue grabado por Daniel Schlett y mezclado por Chris Taylor, ingenieros con experiencia en indie-rock y otra música más nueva. El resultado, por ejemplo, en “Aquarium”, es una calidez de gasa, con una red de Fender Rhodes y una guitarra sostenida por una sección de ritmo que suena como un cojín y no como una pilotera.

“The Trickster” muestra cómo la producción está cuidadosamente pensada. Es una melodía lenta y angular para guitarra (con un susurro de sintetizador) sobre un groove funk medio dormido. En lugar de sonar pesado, aquí hay una suavidad, no una calidad de zumbido. Esta canción y “Profesor Strangeweather” (una melodía de los misteriosos sintetizadores de Parks) son, posiblemente, el tipo de música que Return To Forever podría haber hecho si la banda no se hubiera dejado llevar por su técnica y con un sonido de producción brillante y zumbante que hizo que tanta fusión de los ’70 sonara como jazz sobre cocaína.

Para la mayor parte de Little Big, el estado de ánimo es muy tranquilo, incluso cuando los ritmos tiran y tiran con sincopa. “The Fool” coloca un ritmo triple insistente debajo de un backbeat, pero el arreglo es genial, y el solo de piano insiste en permanecer dentro de la sutileza de la melodía. De manera similar, “Small Planet” tiene una melodía de guitarra danzante construida sobre una figura de piano melancólica que sincroniza 4/4 veces con un patrón 3-3-2 de arpegios. Parks mueve esa figura a través de un paisaje de cambios armónicos, de modo que, cuando parece que es hora de un solo, la banda simplemente se mezcla, regresando a la melodía sin dejarte atrás, pero también sin perder tu interés.

“Good Morning” puede ser la pista más maravillosa de Little Big. Combinando el optimismo al estilo de Jarrett de la interpretación en solitario de Parks y el impulso rítmico de varias notas de piano, se vuelve casi bailable. Construida en la melodía de la canción hay una serie de figuras descendentes de gusanos musicales que repiten y crean interés. Todo esto, con la improvisación que viene en pequeños bocados y principalmente funciona el interés rítmico de la actuación, es un encanto, a escuchar repetidamente.

Pero también lo es todo Little Big, con su alegría pulsante y cómoda de principio a fin. Aaron Parks no solo ha compuesto una fuerte continuación de Invisible Cinema, sino que también ha aumentado la gama de los placeres que primero introdujo allí. Little Big suena como un universo amplio pero también consistente, un lienzo grande compuesto por un único artista con intención. Te llevará fácilmente a 2019.

Fuente para la reseña: Will Layman para https://www.popmatters.com/music-review-aaron-parks-little-big-2620304142.html

Apunte: En Diciembre del año 2008, cuando compartimos en MQC/PV Invisible Cinema (con Mike Moreno, Eric Harland y Matt Penman) sospechábamos que el bueno de Aaron tenía mucho para dar. Después de eso lo escuchamos en discos de varios artistas, arribó al prestigioso sello ECM, pero la belleza de su música y esa particular y esquiva cualidad para empatizar de manera inteligente con la audiencia apareció nuevamente, diez años después, con Little Big. No somos los mismos que hace diez años atrás, pero nos entusiasma de nuevo. Sonido impactante, melodías cantables, generosidad hacia sus compañeros, fusión del siglo XXI y un ambiente general de alegría y optimismo, lo cual es sumamente bienvenido y necesario por estos días. Obra de alta duración, Parks no guardó nada. Altamente recomendable

Track Listing

01. Kid (7:21)
02. Small Planet (6:12)
03. The Trickster (6:33)
04. Professor Strangeweather (4:24)
05. Lilac (2:21)
06. Aquarium (6:53)
07. Digital Society (7:56)
08. Siren (8:02)
09. Mandala (4:51)
10. Hearth (1:30)
11. The Fool (5:10)
12. Bells (5:37)
13. Rising Mind (4:21)
14. Good Morning (5:23)
15. Doors Open (2:58)

Artist List

Aaron Parks: piano, keyboards
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard: bass
Tommy Crane: drums

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Jessica Lurie

tapa Megaphone Heart
Megaphone Heart (2012)

Con el Jessica Lurie Ensemble, Lurie continúa demostrando su flexibilidad, combinando las tradiciones del jazz estadounidense con varios sonidos internacionales. Tanto sus saxofones como sus vocalizaciones tienen sus momentos en Megaphone Heart, pero el álbum está orientado a mostrar a sus compañeros. “Same Moon”, una pieza meditativa inspirada en la pérdida de un amigo, se basa alrededor del piano de Erik Deutsch, y toma casi todo su tiempo de ejecución para llegar a su núcleo emocional, pero sin arrastrarse en el camino. Las contribuciones de Brandon Seabrook tanto en la guitarra como en el banjo son notables, ya sea con los pliegues guiados de “A Million Pieces All in One” o el trabajo de guitarra más estridente en el disco. El ensamble experimenta no solo con estructuras y estilos, sino con sonidos, como en el rock espacial de “Boot Heels”. Ese tipo de juego tiene el mayor efecto en la canción principal, donde los simples efectos de megáfono atraviesan los encantadores tonos de apertura, creando una pieza fuera de balance lo suficiente como para tener su propio tono, sin convertirse en algo realmente extraño. Esto es el sonido de un ensamble fuertemente enfocado que reúne todo que ellos necesitan.

Fuente para la reseña: Justin Cober-Lake para https://www.popmatters.com/157320-jessica-lurie-ensemble-megaphone-heart-2495861764.html

Track Listing – Megaphone Heart

01. Steady Drum (:58)
02. A Million Pieces All In One (4:59)
03. Bells (6:17)
04. Megaphone Heart (7:03)
05. Same Moon (6:40)
06. Maps (7:00)
07. Der Nister (7:22)
08. Zasto (6:01)
09. Boot Heels (6:45)
10. Once (4:56)

Artist List

Jessica Lurie: alto, tenor, baritone saxophones, flute, voice, megaphones, production
Brandon Seabrook: guitar, banjo, tape recorder
Erik Deutsch: piano, electric piano, organ
Todd Sickafoose: acoustic bass. production
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Marika Hughes: cello
tapa Long Haul
Long Haul (2017)

El nuevo lanzamiento de Jessica Lurie, Long Haul (Chant, 2017) es una declaración no de un arduo viaje de resistencia, sino de su devoción por la artesanía que durante más de tres décadas la ha visto forjar una identidad musical de gran diversidad y profundidad. Su carrera personifica su experiencia como una fuerte mujer instrumentista, compositora y vocalista en un género dominado por hombres, inmerso en alegre revelación interpretativa. Al citar influencias que van desde klezmer, música cubana, hasta el jazz, la música de Lurie es su personal narrativa musical expresada de forma compositiva y embellecida con su ingenioso enfoque de la improvisación.

Sería muy fácil marcar este disco, y aquellos que Lurie ha grabado previamente, como una música de fusión, o una encrucijada musical que identifica la variación cultural. Pero si uno define el jazz como expresión de la condición humana, como la verdadera forma original de arte estadounidense, entonces la diversidad étnica y cultural de sus artistas y patrocinadores debe expresarse sin inhibición. En este sentido, Lurie es una artista de jazz que utiliza el trampolín cultural que es su raíz familiar y sus tradiciones. Lurie a menudo se refiere a su música como “canciones populares extrañas”, tomando la narrativa que es el legado judío de su padre, y su fascinación de toda la vida con varias formas, incluyendo la música clásica y el jazz.

La canción principal en muchos sentidos resume el viaje musical de Lurie hasta la fecha, su creativo “larga distancia” que se ha inspirado en un prisma ecléctico de colores tonales y rítmicos. Mis pensamientos se desviaron hacia Ravel al escuchar primero, con la pieza que se abre y se cierra a la deriva en un ostinato que desafía el paso del tiempo. La improvisación colectiva, destacada por la animada interacción entre el contralto de Lurie y el pianista Brian Marsella , puede imaginarse como cánticos budistas que se elevan del om colectivo. Estas derivaciones de ostinato rodean una melodía que proporciona una narración aparentemente sin fin, maravillosamente articulada por Lurie y Marsella.

Hay una resonancia sónica a lo largo de esta grabación proporcionada por la baterista Allison Miller , el bajista Todd Sickafoose y el guitarrista Mike Gamble . El sonido es una extraña sensación de Bill Frisell que recuerda a la obra maestra de Dave Douglas, “Strange Liberation” (Bluebird, 2004). Este sentimiento realmente sale a la luz en el estilo de Nueva Orleans, “Calder’s Circus”. La melodía se desliza desde el modo de marcha completa, al swing de núcleo duro, con solos de Lurie y la trombonista Naomi Moon Siegel en tonos jubilosos.

“Rare Flares” es un guiño al primer instrumento de Lurie, la flauta, y el legado judío de su padre. Hay rasgos melódicos que están inmersos en Klezmer, en la música clásica y, de hecho, en el enfoque ecléctico de Lurie hacia las armonías folks. Con Lurie en la flauta, hay una textura del este de Europa que Lurie y Marsella deconstruyen completamente, y reconstruyen, a través de la improvisación y la composición.

“A Tiger For William Kentridge”, presenta una demolecularización rítmica en capas de tiempo variable, destacando sonidos del guitarrista Gamble. Lurie toca un cortante solo que salta y salta a través de los pliegues armónicos proporcionados por sus compañeros. La melodía que entra y sale juguetea, desciende, tropieza y se desliza, y en última instancia aterriza en un montón colectivo.

La música en Long Haul se siente como si estuviera tirando en direcciones opuestas, creando un arco perfecto. En diversos casos, es similar al minimalismo, o el triunfo del ostinato. En otros, se mueve entre paisajes musicales trotamundos, mientras habla sobre la estética personal de donde surge la narrativa de Lurie. Lo más importante es que emana la fuerza, el coraje y la ventaja ecléctica implacable que hemos llegado a esperar de un proyecto Lurie.

Fuente para la reseña: Paul Rauch para https://www.allaboutjazz.com/long-haul-jessica-lurie-chant-records-review-by-paul-rauch.php

Track Listing – Long Haul

1. A Tiger for William Kentridge (7:05)
2. Spark (6:30)
3. Rare Flares (3:26)
4. 3 X Heather’s 17 (5:27)
5. Long Haul (For Jim Lurie) (7:05)
6. Calder’s Circus (5:18)
7. Straight Out of Everything (4:30)
8. Lost and Found (9:35)
9. Patience (5:08)

Artist List

Jessica Lurie: alto saxophone
Brian Marsella: piano
Mike Gamble: guitar
Todd Sickafoose: acoustic bass
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Naomi Seigel: trombone

Apunte: Dos enormes álbumes de una gran artista. El rasgo común en estas obras, ciertamente, es su eclecticismo. Asombrosamente, eso no atenta en absoluto contra la fuerte consistencia del discurso musical que tienen Lurie y su ensamble, que indudablemente sienten propia esa mixtura y disfrutan lo que hacen. La música es inteligente, rica su escritura, enérgica, accesible y emotiva en su expresión. Altamente recomendable!

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Isamu McGregor
marzo 11, 2018, 11:05 pm
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tapa Live at the Baked Potato
Live At The Baked Potato! (2012)

Isamu McGregor es un joven pianista y compositor que nació y se crió en Los Angeles, pero ahora está establecido en la ciudad de Nueva York, tras terminar sus estudios en el curso de jazz en la Universidad de Nueva York. Con sólo 23 años años, McGregor es un músico muy versátil que ha trabajado en una amplia variedad de géneros de jazz con algunos de los grandes nombres de la escena del jazz en Nueva York. Constantemente ocupado él es un prolífico sideman, pero también conduce sus propios proyectos. En el 2010 su trío de piano acústico Origin Blue, junto al bajista Evan Crane y el baterista Jeff Hatcher, lanzó el sumamente prometedor “May I Say You Something?”, una grabación que fue reseñada en este site.

McGregor continúa dividiendo su tiempo entre las costas Este y Oeste, y su más reciente grabación representa algo de un retorno a las raíces. Una de las principales influencias musicales de McGregor fue una grabación en vivo hecha en el famoso club de jazz de Los Ángeles, The Baked Potato, por el tecladista Greg Mathieson en 2000. Así describe McGregor este álbum con el guitarrista Michael Landau (ex Miles Davis), el bajista Abraham Laboriel y el baterista Vinnie Colaiuta: “loco y fuerte, rítmico y exageradamente groovy! Fue este registro en particular que despertó mi interés en las posibilidades inherentes de la música jazz”.

Doce años después McGregor está excesivamente orgulloso de haber realizado su propio “Live at the Baked Potato”, un desvergonzado disco de fusión con McGregor en piano eléctrico y sintetizador (él está acreditado en “teclas”) junto al guitarrista Deen Anbar, Evan Marien en bajo eléctrico y Gene Coye en la batería. Sin embargo, a pesar de los adornos retro, la intrepidez y brio juvenil del cuarteto asegura que este es un registro que crepita con una energía e inteligencia que es inequívocamente contemporánea.

La capacidad de McGregor de moverse convincentemente entre teclados acústicos y eléctricos asegura que él rutinariamente sea comparado con Chick Corea y tal es su habilidad y técnica (clásicamente entrenado, afilado en jazz) que la analogía no es completamente imaginaria. La fluidez de Marien en el bajo eléctrico se deriva claramente de escuchar al gran Jaco Pastorius, Anbar es un ardiente e inventivo guitarrista con fuertes inclinaciones rock y Coye es un baterista funky pero flexible.

El programa consiste enteramente de originales de McGregor, a excepción de “Grover” del Philadelphia Experiment, el supergrupo funk consistente en el tecladista Uri Caine, el bajista Christian McBride y el baterista Ahmir “Questlove” Thompson.

El tema de apertura “Rainbows in Transit” establece la escena, que se construye con el solo apacible de McGregor acumulando cuidadosamente capas de funkiness**, para culminar en un solo estratoférico de Anbar, pesadamente tratado. El guitarrista utiliza su despliegue de efectos articuladamente en todo y combina brillantemente con los variados sonidos de teclado de McGregor.

“A Simple Science” juega con tartamudeantes ritmos funk con los cuatro instrumentistas engranando juntos. El trabajo del teclado de McGregor es consistentemente inventivo, el bajista Marien se destaca a lo largo con Anbar rompiendo filas hacia el cierre.

Un tema de ciencia ficción parece correr a través de muchos de los títulos del álbum, quizás un homenaje al álbum de Corea de 1973 “Hymn of the Seventh Galaxy”, la primera grabación eléctrica de Return to Forever con Bill Connors aún en la silla del guitarrista. Mikal Gilmore, de Rolling Stone, habló de aquel álbum “líneas arqueadas llenas de gracia” y “ardiente fuego cruzado” pasando a describir el álbum como “una última estocada valiente antes de que la fusión fuera funked**”. Las virtudes de aquella grabación pueden ser aplicada también a McGregor y sus colegas. La larga “When The Lights Fell from The Sky” incorpora el espacio etéreo brillante, poder funk de la casa y deslumbrante trabajo instrumental de McGregor y el baterista Coye, en un tour de force de 11 minutos de dinámica cambiante.

El cuarteto se estira por 14 minutos en el groove funk de Philadelphia Experiment, “Grover”, moviendo nuevamente hacia arriba y abajo los engranajes. No todo es martillo y tenazas, McGregor y sus colegas presentan una admirable madurez en la forma de construir y liberar la tensión. Esto permite a McGregor, Anbar y Marien la oportunidad de demostrar sus habilidades solistas, con el elocuentemente líquido pero irresistible bajo funky de Marien, destacándose como un particular highligth.

“Theme Music for a Super Slow-Motion Fight Scene” encuentra a McGregor soleando febrilmente sobre el piano eléctrico sobre un groove de bajo que se filtra antes de la entrega a la fiereza de Anbar, que otra vez se dirige a la estratosfera. El enérgico tocar de Coye es excelente en todas partes y él remata la obra con una dinámica característica del tambor.

“You and Your Milky Ways” comienza a sonar como el primer Weather Report trilling con cuidadosos sintetizadores y Rhodes, con Coye y Marien proporcionando una sutil corriente submarina funk. La segunda mitad de la pieza es más insistente, con acordes dentados que se entrelazan y ritmos que conducen a la liberación eventual y a un impulso distintivo de los tambores de Coye

“Urban Dragon Slayers” es pura fusión con una profunda influencia de rock. Esto es un tour de force para Anbar que realmente rockea, frasea y solea con jubiloso aplomo. Bajo muscular, teclados apuntalando y tambores afanosamente poderosos completa el cuadro. ¿Retro? ¿excesivo?, bien, tal vez, pero no olvide que estos tipos jóvenes experimentan las emociones embriagadoras de esta clase de música por primera vez. La audiencia de LA amó esto.

Finalmente tenemos “Big Sky” que me imagino fue interpretado como un bis. Surge casi de manera subliminal, como si viniera desde las profundidades del espacio. Marien es el primer solista, fluido y elocuente en el bajo fretless encima de la guitarra y el teclado brillante y los suavemente bulliciosos tambores de Coye. El solo de sintetizador de McGregor es un recordatorio de cuán bueno este difamado instrumento puede sonar en el contexto adecuado y tocado por un apropiado par de manos.

Este estilo de fusión no es un tipo de música que escucho muy a menudo en estos días, pero me sorprendió lo mucho que disfruté de este álbum. La escritura de McGregor es consistentemente imaginativa y atractiva, y aplicando el conocimiento contemporáneo a lo que son esencialmente estilos de los ’70 asegura que la música no cae en las viejas trampas de destellos, grandilocuencia y excesos. Sí, McGregor y sus colegas se deleitan mostrando sus dotes pero esto no es técnica por la técnica en si misma, aquí hay verdadera inteligencia y sustancia junto al joven brío. “Live at the Baked Potato!” otra vez notifica que McGregor es un verdadero talento a mirar.

Fuente para la reseña: Ian Mann para http://www.thejazzmann.com/reviews/review/live-at-the-baked-potato/
**Nota del traductor: dificil de encontrar una expresión en castellano!!!

Track Listing – Live At The Baked Potato!

1. Rainbow In Transit (8:58)
2. A Simple Sience (9:47)
3. When The Lights Fell From The Sky (11:08)
4. Grover (14:16)
5. Theme Music For A Super Slow-Motion Fight Scene (9:36)
6. You And Your Milky Ways (9:17)
7. Urban Dragon Slayers (5:45)
8. Big Sky (9:27)

Artist List

Isamu McGregor: keyboards
Evan Marien: bass
Gene Coye: drums
Deen Anbar: guitar

tapa Resonance
Resonance (2017)

En este álbum, su segundo como líder desde Live at the Baked Potato del 2012, el pianista/tecladista Isamu McGregor sigue perfeccionando su enfoque para elaborar un inteligente y desafiante jazz fusión. Con el bajista Evan Marien y el baterista Gene Coye nuevamente a su lado, él consigue los socios adecuados para navegar por sus laberínticas composiciones e invita al saxofonista tenor Seamus Blake, al clarinetista bajo Bennie Maupin y al guitarrista Deen Anbar para mejorar el alcance y la diversidad estilística del registro.

Una cosa queda clara desde la pista de apertura (“The Dreamer”) en adelante: McGregor no tiene ningún interés en crear algo estático o monótono. Cada una de estas siete pistas proporciona muchos giros y vueltas, pero “The Dreamer”, en más de 10 minutos de longitud, es en particular resplandeciente con tempos, moods y compases cambiantes, tal como uno podría esperar de un sueño que se mueve en un número de direcciones diferentes. Si bien esto es de vez en cuando un poco demasiado inconexo, ciertamente nunca falla en sostener el interés, y el preciso trabajo del bajo de Marien y la ágil batería de Coye lo sostiene todo junto admirablemente.

McGregor tiene igual afecto por el piano y el sintetizador, y utiliza ambos abundantemente en todo el registro. Creativas multicapas le permite el seguimiento de partes de teclado en una serie de canciones, que normalmente funciona correctamente aunque hacen que la música se sienta algo menos espontánea e inmediata. En cualquier caso, McGregor es muy calificado como tecladista, y tanto usando elaboradas partes de sintetizador o bien el piano sin adornos, él es capaz de articular sus ideas de manera eficaz. Su sutil toque el piano es escuchado para un especialmente fuerte efecto en el solitario cover de la grabación, “Because”, de Lennon/McCartney, que McGregor interpreta sin acompañamiento. Esta es una encantadora y clásicamente influenciada interpretación, comenzando con una reserva impresionante, con sólo las insinuaciones más débiles de la melodía, antes de construir un poderoso final con acordes autoritarios, trémolos y descendentes pasajes de registros superiores.

Los invitados de McGregor también son empleados amablemente. El solo de Blake en “Relentless” es maravilloso en los límites desde la belleza encantadora al altísimo poder, y el arco de su performance es esencial a la trayectoria total de la pieza. El clarinete de bajo de Maupin añade un ambiente misterioso “The Drifter”, y la guitarra arenosa de Anbar presta la textura funky a “Thor vs. James Brown”, una pista que también destaca algunas fabulosas carreras de bajo de Marien, además del solo incendiario de Anbar durante la última mitad del corte.

Con fuerte maestría musical y reflexivas composiciones, la segunda grabación de McGregor tiene mucho que ofrecer. Es una prometedora realización de un tecladista con ambición y habilidades de sobra.

Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/resonance-isamu-mcgregor-ghost-note-review-by-troy-dostert.php

Track Listing – Resonance

1. The Dreamer (10:18)
2. Relentless (7:22)
3. Halfway There (6:29)
4. Because (5:17)
5. The Drifter (9:57)
6. Thor vs. James Brown (8:17)
7. The Tao of Flying (8:17)

Artist List

Isamu McGregor: piano/keyboards
Evan Marien: bass
Gene Coye: drums
Seamus Blake: tenor sax (2)
Bennie Maupin: bass clarinet (5)
Deen Anbar: guitar (6)

Apunte: Isamu McGregor nació el 5 de Setiembre de 1989 en Los Angeles, en el seno de una familia musical. A los 5 años comenzó a tomar lecciones de piano clásico, cosa que hizo durante los siguientes diez años. Mientras estaba en le escuela media tomó contacto con el disco “Live at the Baked Potato” de Greg Mathieson, hecho seminal para enfocar su interés por las posibilidades del jazz como lenguaje musical. Ya en la “high school” cambió la dirección de su piano clásico a hacer jazz todo el tiempo. Sus influencias musicales, como es para la mayoría de los artistas desarrollados a fines del Siglo XX y en en actual XXI, son sumamente amplios; en el caso de McGregor van de Art Tatum a Red Hot Chili Peppers, de Herbie Hancock a Led Zeppelin o de Lenny Kravitz a Rage Against the Machine. Ha tocado y girado con un importante número de artistas como son Colbie Caillat, Richard Bona, Tortured Soul, Virgil Donati, Natalia Lafourcade, Bennie Maupin, Sadao Watanabe, Wayne Krantz, Ari Hoenig, Keith Carlock, Lenny Pickett, Gregoire Maret, Seamus Blake y muchos más. Sus discos como líder, “Live At The Baked Potato!” y “Resonance” lo muestran desarrollando un jazz fusión (su primer y fuerte amor musical) del Siglo XXI vital, poderoso e inteligente, evitando las trampas del género y manteniéndonos conectados con su música sin apabullarnos con tecnicismos. Muy recomendables!

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Adam Rogers
diciembre 25, 2017, 5:02 pm
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tapa DICE
DICE (2017)

En algún momento en el tiempo, la fusión perdió su camino. Algunos dicen que nunca realmente tuvo una dirección lo suficientemente firme, existiendo sólo como un símbolo de exceso, potencia y virtuosismo para empezar. Pero quienes están empapados de este tipo de música de los ’70s y principios de los ’80s, sabemos la verdad: una mezcla perfecta de líneas trepidantes, un melodicismo “un paso más allá”, hazañas de atrevidos e impresionantes grooves, llevaron la música a grandes alturas en su primera década, llegando a un punto que nunca ha sido igualado o duplicado desde entonces.

En lugar de vivir en una celebración de convergencia estilística y unidad, la fusión se convirtió en una palabra sucia en los decenios que siguieron, desdeñada por una creciente facción de puristas, enredada por quienes ponen la complejidad y el atletismo por encima de la accesibilidad, y oscurecida por aquellos que realmente nunca escucharon el mensaje de la manera correcta en primer lugar. Pero todo no es perdido. El guitarrista Adam Rogers ha entregado DICE, recordándonos las virtudes de esta muy calumniada música, mientras la extiende a un nuevo reino de su propia creación.

Si bien el mencionado proyecto se centra claramente en un estilo específico de música, la verdad es que realmente no importa como llamen a esto. Fusión para modernistas, el arte del groove postmoderno, y jazz electro-hypno son todas descripciones absolutamente finas que dicen bastante sin realmente decir algo absoluto. Las palabras solamente no bastan. Simplemente tienes que escuchar esto para realmente obtenerlo. Rogers, el bajista Fima Ephron, y el baterista Nate Smith traen su larga historia juntos a través de gestos agresivos, fluídos grooves, desvíos alucinantes y abrasadores solos. Si el nombre “Trio of Doom” no hubiera sido adoptado, estos muchachos podrían tomarlo, sin ninguna excepción.

Mientras que la posición de Rogers como uno de los mejores guitarristas en esta tierra fue creada hace bastante tiempo, DICE deja claro que él no es de dormirse en los laureles. Con “L The Bruce”, Rogers trae una peculiar sensibilidad en línea con una coreografía de apretada rítmica, en “Flava”, él ataca los sentidos, a través de “Elephant” combina líneas lisas y alucinante técnica y, durante un viaje a través de “Crazy” (asociado con Patsy Cline) guarda los grandes cañones y se centra en la pura belleza de la canción como vista a través de un prisma vidrioso. En una pista Rogers podría estar entregando el solo para finalizar todos los solos, pero en otra podía reducir la esencia de Mississippi Fred McDowell en un raga espiritual melódicamente atractivo de seis minutos. Usted no sabe adonde va a llegar Adam Rogers desde un momento o una canción a la siguiente, pero usted sabe que va a ser algo.

Hay muchos puntos en el disco donde el trabajo de producción y overdubs añaden mucho a la mezcla -el uso de loops y samples para espesar el entorno, es un barniz complementario pintado encima del jugueteo del trío, las submarinas adiciones a “Sea Miner”- pero dichas mejoras no deberían quitarle las crudas verdades en torno a estos tres. Cuando se mira más allá de todo ello, lo que queda es un increíblemente sofisticado “power-and-pocket” trío que es tan inteligente como muscular. DICE, no sorprendentemente, lo entrega en cada nivel.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para https://www.allaboutjazz.com/dice-adam-rogers-self-produced-review-by-dan-bilawsky.php

Apunte: En plan “Hendrix Experience”, Adam Rogers ha entregado con DICE unos de los discos más intensos, divertidos y estimulantes del año 2017. Rockeando, funkeando, deformando todo, Rogers & Co le dan vida a la fusión del Siglo XXI. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Dice (6:51)
02. Chronics (8:21)
03. Sea Miner (6:30)
04. The Mystic (For Fred McDowell) (6:06)
05. The Interlude (2:20)
06. Flava (5:22)
07. Elephant (4:22)
08. Crazy (4:53)
09. Lthe Bruce (7:58)
10. Seven (3:05)

Artist List

Adam Rogers: electric guitars, clarinet, bass clarinet, Korg ms 20 synthesizer; Mellotron; Koestler wind organ; Fender Rhodes; percussion; samples, loops
Fima Ephron: electric bass
Nate Smith: drums

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OZMA

tapa Welcome Home
Welcome Home (2016)

« Fulano atraviesa con este álbum una nueva etapa »; es el tipo de frase comodín e inofensiva que se encuentra regularmente en la prensa profesional.. Pero he aquí, hay que reconocer, que esta fórmula totalmente hecha perfectamente se aplica a Ozma. Por una parte, los alsacianos se apuntan ahora en Cristal Records y son distribuidos por Harmonia Mundi, lo que no es nada. Por otra parte, Welcome Home, marca la vuelta “a casa” del trombonista Guillaume Nuss, que formó parte del grupo en sus tres primeros álbumes (Ozma, Electric Taxi Land y Strange Traffic). Tres de los miembros originales pues son reunidos en este sexto disco del que visualmente sólo da envidia de adquirirlo (y de hecho lamentarse al mismo tiempo de que no existe una versión en elepé). Podemos añadir que el dúo de composición Édouard Séro-Guillaume (bajo) / Stéphane Scharlé (batería) jamás fue tan complementario y deja una gran libertad a los “nuevos” (Julien Soro, saxofones y Tam de Villiers, guitarra) tanto en el disco como sobre el escenario. Pero dejemos de lado el alboroto para sumergirnos en el vivo sucesor de New Tales.

OZMA pertenece a esta nueva generación del jazz francés que cava sus influencias más allá de la esfera musical. Verdadero albergue español, Welcome Home combina un jazz moderno y accesible a las referencias obtenidas del rock, las músicas progresivas, e incluso del hard rock. Deliciosamente ritmado, « Krefeld mon amour », en homenaje a uno de los lugares regulares de paso de la banda entre nuestros vecinos germanos, juega con los diálogos animados entre el trombón de Guillaume Nuss y el saxofón de Julien Soro. Estos intercambios saltarines son una de las características de la música de OZMA, que se encuentran por ejemplo en « He Saved The Girl (Once Again) » y su segunda parte casi disco. Pero el grupo también sabe rodar los hombros y mostrar sus músculos. Desde « Electric Lament », se sienten venir algunos enervamientos, de pasajes a 220 voltios alimentados por la guitarra de Tam de Villiers. Un groove viril aparece así en punteado a lo largo del álbum, y particularmente en el casi heavy « Goldi Boldi ». Sospechamos que al dúo Séro-Guillaume / Scharlé gusta de las infidelidades al jazz con las formas musicales más peludas. Sin embargo, no abandona la ligereza; algunos títulos menos densos como « Flat Tire at Durban Market » y « Cashmere Weekend » permiten a los vientos expresar temas más libres y a la guitarra tomar prestado vías aéreas.

« Diversidad » es un adjetivo que encaja perfectamente a las diez composiciones de Welcome Home, álbum a la vez enérgico y delicado, legible y sofisticado. Contrariamente a la desafortunada señorita de la chaqueta, OZMA no sube en la silla de montar para darse un golpazo sino para conseguir una vuelta con gran pompa.

Fuente para la reseña: Jean-Philippe Haas para http://www.chromatique.net/chroniques/item/16102-welcome-home

Apunte: El premiado quinteto francés OZMA, nació en 2001 como un proyecto artístico con un objetivo claro e innovador: crear un repertorio de composiciones originales e improvisaciones colectivas sin fronteras estilísticas. Sus miembros son hijos de los ochenta: iniciados en jam sessions, con numerosas y variadas influencias de la música contemporánea, desde la electrónica al rock, a la música de jazz. El grupo crea una totalmente nueva y original música que trasciende las etiquetas tradicionales. Paralelamente a su repertorio original, OZMA implementa proyectos creativos en colaboración con artistas del extranjero (África, Canadá, India) y crea presentaciones en vivo que desarrollan la interacción entre la música y la imagen. OZMA desarrolla una línea artística plural, enraizadas en las distintas esferas de influencia de sus músicos. Un universo moderno y ecléctico de música creativa que OZMA ha compartido a través de seis álbumes y más de 250 conciertos en cuatro continentes.

Track Listing

01. Krefeld Mon Amour * (4:40)
02. Magnus Effect ** (5:40)
03. Electric Lament * (3:46)
04. Concerto For Sharks ** (6:16)
05. Cashmere Weekend * (6:05)
06. Goldi Boldi * (4:06)
07. Flat Tire At Durban Market ** (4:58)
08. My Favorite Regret ** (6:34)
09. He Saved The Girl (Once Again) ** (3:47)
10. Cousin Howard ** (5:35)

* Composés par Stéphane Scharlé
** Composés par Édouard Séro-Guillaume

Artist List

Edouard Séro-Guillaume: basse, composition
Stéphane Scharlé: batterie, composition
Julien Soro: saxophones
Guillaume Nuss: trombone
Tam de Villiers: guitare

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Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

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