Preso ventanilla


Fabian Almazan

tapa Personalities
Personalities (2011)

El CD del debut de Fabián Almazan, Personalities, comienza con el sonido de una aguja áspera cayendo en un viejo LP que se puede escuchar en el comienzo de la pista “Tres Lindas Cubanas”. El sonido de la aguja continúa a medida que el trío del pianista de jazz ejecuta la antigua cadencia de este danzón del siglo XIX, que se oye en casi todas las bodas, cumpleaños o fiestas de aniversario, donde los cubanos o cubanoamericanos se reúnen. Un poco más de dos minutos de la canción, entonces, el sonido de la aguja de repente se evapora y lo mismo ocurre con el decoroso arreglo, cuando Almazan, el bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole se adentran en una moderna improvisación melódica. El cambio dramático es eco de los cambios en la vida del propio Almazan: Tenía solamente 23 años cuando se unió a una de las grandes bandas del mundo del jazz, el quinteto de Terence Blanchard, después de pasar su infancia en Cuba, la escuela secundaria en Miami y la universidad en Nueva York. Muchas cosas le han sucedido en un corto período de tiempo, y él trata de incorporar a todos en su primera grabación como líder de la banda. “Una de las cosas que me gustan de la música folklórica es que lleva a cabo dos sentidos para el músico y para la audiencia”, dice Almazán, de 28 años, quien está al frente de su trío en el Blues Alley los sábados. “Primero, que mantiene viva la tradición. Y, segundo, que permite a la nueva generación revisar esa tradición. Un danzón está diseñado para una configuración de sala de baile donde se reúne la élite, por lo que la primera parte es muy formal. Pero hay una larga tradición de improvisar en la música cubana, como en el jazz, por lo que la segunda parte es donde los músicos añaden lo que saben. Esta es mi manera de honrar el lugar donde nací. Es parte de lo que soy, y yo quería que mi primer CD reflejara eso”. Si su versión de “Tres Lindas Cubanas” representa una especie de choque cultural, su versión del Cuarteto de cuerdas N º 10 de Shostakovich representa otra. Es una de las piezas favoritas de Almazan, desde sus años de estudiante de piano clásico, y su trío realiza el tercer movimiento lento con un cuarteto de cuerdas muy sentido. Pero Almazan también es un producto del siglo XXI de la era del microchip, y después de grabar los temas él los manipuló con procesadores para crear lamentos fantasmales, gorjeos y retumbes dentro de la melodía de Shostakovich. “Me gusta mucho ese movimiento”, dice el joven pianista. “Como ser humano, me sentí afortunado de haber escuchado esa pieza. Pero también me encanta la música de Johnny Greenwood de Radiohead, sobre todo su repertorio orquestal, de Pierre Boulez y de Harry Gregson Williams, el compositor de la película que hizo la música de ‘Shrek’. Los tres son sorprendentes en el control de sonido con la electrónica, y pensé que su enfoque sería trabajar bien con el adagio”. Un arreglo musical diferente se puede escuchar en la composición propia de Almazan, “La vida vicaria”, también en este CD. Su mano derecha toca rápidos arpegios, acordes rotos que se ciernen bellamente, pero nerviosa por encima de la sección rítmica, mientras que su mano izquierda toca los acordes oscuros y pisando fuerte. El contraste entre las dos partes crece hasta que la tensión es insoportable. Es como si cuanto más la mano derecha trata de empujar a la melodía en el lirismo romántico, más la mano izquierda se resiste. “Esa pieza fue inspirada por los padres adoptivos”, dice Almazan. “Cuando empecé en la música, yo estaba constantemente rodeado por los niños cuyos padres eran controladores. Me di cuenta de que estos padres realmente amaban a sus hijos, pero actuaban de forma equivocada y hacían sentirse a sus hijos miserables. Esa pieza estaba tratando de reflejar estas cosas. Todos los padres cometen errores, pero creo que mis padres fueron muy buenos al respetar mis decisiones como niño en términos de lo que yo quería hacer profesionalmente. Ellos estaban allí cuando necesitaba consejo, pero me dieron el espacio para descubrir las cosas por mi cuenta.” Otro original de Almazan en el álbum, “H.U.G.S (Historically Unrepresented Groups)”, que fue grabada originalmente por el Grupo de Terence Blanchard, fue escrita en el momento de la elección presidencial de 2008 como un tributo a Barack Obama. Almazan lo volvió a grabar para el álbum de su trío, y es la única pieza en la que interpreta a un teclado electrónico. El año pasado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Almazan interpretó “Hugs” con el Cuarteto de Brice Winston, una banda liderada por el ex saxofonista de Blanchard y respaldada por la sección rítmica actual de Blanchard. Almazán tocaba la melodía en el piano acústico, trabajando en el medio-tiempo con arpegios propios. Sin embargo, sus frases ondulantes hicieron más que solo esbozar los cambios, ellos crearon una melodía tarareable con un sentido elegante de romanticismo. Había una calidad cinemática en la interpretación de Almazan, y no es casualidad, porque su director y mentor Blanchard es, sin duda el más exitoso compositor de bandas sonoras de películas que también ha mantenido una carrera de jazz floreciente. Blanchard, que ha escrito la mayoría de la música de las películas de Spike Lee, ha utilizado a menudo sus compañeros de banda en las bandas sonoras y los ha educado en las formas de crear música para una narrativa visual. El verano pasado, Blanchard llevó a Almazán para tocar en la banda sonora de la película de George Lucas “Red Tails”. Almazán también asistió al Lab de compositores del Instituto Sundance del año pasado, gracias a la recomendación de Blanchard. Cada pocos días, un compositor profesional de musica para cine visita a los seis estudiantes, hablan de la forma de arte y establecen un reto de hacer el mismo clip de cinco minutos. Dos días más tarde, ellos se reencuentran para escuchar el trabajo de los otros, así como la partitura del compositor veterano para el mismo clip. “Me gusta mucho escribir para películas”, dice Almazan, “porque la música no es el eje central. La música es muy abstracta y se puede interpretar de muchas maneras, pero cuando se tiene una narrativa, hay un mensaje más claro para la audiencia. La música puede ser frustrante cuando se escribe y el público lo interpreta de una manera totalmente diferente a lo que usted pretende. Eso no sucede tan a menudo en el cine”. Almazan ya ha recibido una comisión para componer la banda sonora para la próxima película del director sudafricano Daniel Zimbler. Pero incluso en su proyectos fuera del cine, Almazan crea narraciones con su música instrumental, puede ser la historia de su infancia en La Habana, o de sus primeros conciertos en Manhattan, sus lecciones de piano clásico en Miami, sus experimentos electrónicos en Utah o la observación de los padres de todo el mundo.

Reseña de https://www.cibercuba.com/noticias/2012/05/25/fabian-almazan-artista-de-jazz-toca-con-nuevos-aires-los-clasicos-cubanos

Track Listing – Personalities

01. String Quartet No. 10, Op. 118 – III. Adagio (8:33)
02. H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups) (7:12)
03. Personalities (9:18)
04. The Vicarious Life (5:21)
05. Grandmother Song (5:48)
06. Bola De Nieve (5:51)
07. Russian Love Story (6:48)
08. Sin Alma (6:02)
09. Tres Lindas Cubanas (4:59)
10. Una Foto (5:53)

Artist List

Fabian Almazan: piano, Fender Rhodes, electronics/audio manipulations
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Meg Okura: violin I (1, 3)
Megan Gould: violin II (1, 3)
Karen Waltuch: viola I (1, 3)
Noah Hoffeld: cello (1, 3)

tapa Rhizome
Rhizome (2014)

Rhizome es demasiado diverso para ser llamado álbum conceptual. Pero es un único arco, una profunda reflexión personal sobre nuestro momento actual. Un rizoma es un sistema de planta gigantesco en el cual plantas individuales sobre la tierra comparten un solo tallo subterráneo. Para Fabian Almazan es una metáfora de cómo la humanidad está toda conectada. Su álbum es una afirmación de la hermandad humana dentro de una dolorosa conciencia de su continua violación

Su trabajo con Terence Blanchard lo ha revelado como un brillante y expresivo pianista. Pero la complejidad de la materia en Rhizome requiere muchos recursos adicionales: una sección rítmica de la bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole, un cuarteto de cuerdas; la violinista de siete cuerdas, Ronit Kirchman; la guitarra y la inquietante voz de Camila Meza; un sintetizador. El logro de Almazan consiste en como él pone en orden todas estas contrastantes texturas y colores en un poderoso y conflictivo retrato de nuestro tiempo.

La pista del título fue motivada por la masacre de 26 personas, incluidos 20 niños en Sandy Hook Elementary School de Newtown, en Connecticut. Contra un oscuro fondo de cuerdas hirviendo silenciosamente y los gritos sin palabras de Meza, el piano elegíaco de Almazan y el solemne bajo de Oh sondean la esperanza en su luto. “Jambo”, con su violín de pánico y violencia de tambor, es una representación visceral de conflictos contemporáneos. El único standard, “Stormy Weather”, pertenece. Esto es una bellamente desolada y vacilante línea de piano de una sola nota dentro de los inquisitivos suspiros de las cuerdas.

Pero a veces la búsqueda de la fé de Almazan descubre momentos como “Hacia el Aire”, una conmovedora y ascendente mezcla de piano y violines. “A New Child in an Old Place” proviene de una visita a New Orleans, cuando Almazan vió niños jugando en el seno de la devastación causada por el huracán Katrina. Como el rizoma, los niños son una metáfora de la regeneración.

Este álbum es mucho más que los dones de Almazan como improvisador e instrumentista, pero sigue siendo una carrera cuando él se suelta, como en “Espejos” y desata su propia invención de piano en una ola tras otra dentro de la narrativa mayor.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para https://jazztimes.com/reviews/albums/fabian-almazan-rhizome/

Track Listing – Rhizome

01. Rhizome (8:25)
02. Jambo (6:56)
03. Espejos (6:08)
04. A New Child in a New Place (8:07)
05. Hacia el Aire (8:03)
06. The Elders (5:20)
07. Stormy Weather (4:04)
08. El Coqui’s Dream (2:05)
09. Sol del Mar (6:04)

Artist List

Fabian Almazan: piano
Megan Gould: violin
Tomoko Omura: violin
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Camila Meza: guitar, vocals
Ben Street: bass
Henry Cole: drums

tapa Alcanza
Alcanza (2017)

Cuando su disco debut, Personalities, fue lanzado en 2011, el pianista Fabian Almazan puso sobre aviso a todos: este era un músico sin miedo a tomar algunas grandes posibilidades con su oficio. Este álbum comenzaba con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerdas y electrónica, nada menos), y establecía efectivamente la trayectoria que Almazan ha continuado desde entonces, en los que fusiona lenguajes musicales basados en lo clásico, lo latino y el post-bop, en maneras que son siempre sorprendentes e innovadoras. Aunque ha demostrado ser un más que capaz sideman en todo tipo de contextos, no ha sido menor la dominación de los deberes del piano para la banda de Terence Blanchard desde 2007, su visión personal de sus propios proyectos siempre ha sido audaz y ambiciosa -sin miedo, realmente, a la hora de trascender géneros.

Después de Personalities, Almazan lanzó su segundo registro Rhizome en 2014, y al igual que su predecesor, incluye un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La novedad de aquel registro fue la vocalista y guitarrista Camila Meza, quien se ha convertido en un componente básico del ensamble de Almazan, junto con la bajista Linda Oh, el baterista Henry Cole y el cuarteto de cuerdas que incluye a Megan Gould y Tomoko Omura en violín, Karen Waltuch en viola, y Noé Hoffeld en cello. Con esta alineación ahora aclimatada en el lugar para la actual grabación de Almazan, Alcanza, el escenario se estableció para algo extraordinario. Y para estar seguro, esto es un triunfo absoluto.

En consonancia con la enorme visión de Almazan, este es un álbum conceptual, una suite de nueve movimientos de una hora de duración, que explora las preguntas de autodescubrimiento, identidad, y el lugar de los seres humanos en un complejo y a veces intimidante universo. La voz prístina de Meza da vida a la lírica que invita a la reflexión de Almazan, y aunque ella cante exclusivamente en español, la belleza y el esplendor de la música son más que suficientes para trascender las fronteras lingüísticas -un rasgo que caracteriza el cuerpo entero de trabajo de Almazan, así como su música tan a fondo desafía la categorización y clasificación.

Las dos cualidades más sorprendentes de la suite son su energía y su potencia emocional. Desde la apertura con “Vida absurda y Bella”, uno está inmerso en la infecciosa sinergia del ritmo e impulso de la música. Impulsado por la potencia percusiva del piano de Almazan, las ágiles línea de bajo de Oh, y los fluidos polirritmos de Cole, la música cambia hacia adelante, y las cuerdas son absolutamente esenciales para el proceso. Lejos de ser usadas como mera ornamentación, son integrales a la progresión de la suite, a veces en la declaración de los temas melódicos (como en el sublime movimiento de cámara, “Verla”), en otros ofreciendo el contrapunto cargado o la disonancia para acentuar el gusto picante de la música. Hay una inquieta y anhelante calidad de la música que es fascinante: incluso en sus momentos más tranquilos y más sombríos, uno siente la vida pulsando debajo, esperando a emerger con un estallido de energía creativa.

Y en cuanto a la vitalidad emocional del registro: es simplemente impresionante. Ya sea a través de la intensidad de “Mas”, con la vocalización creciente de Meza transportando al oyente a través de una meditación sobre los misteriosos propósitos de la vida, o el majestuoso lirismo de “Pater Familias”, dedicada al padre de Almazan, el alcance del sentimiento y la pasión abarcado por esta música es notable. Y aunque los temas musicales a menudo poseen un aspecto aparentemente simple, como folk, la música es decididamente no simplista: el barrido emocional de cada movimiento se ve reforzado por su complejidad rítmica. Escuchando los ademanes propulsivos de Almazan junto a la deslumbrante técnica multi-rítmica de Cole y las oleadas dinámicas de Oh hacen el arco melódico de “Pater Familias” aún más convincente y emocionalmente resonante.

Al examinar el registro, Almazan dijo que su intención era “sumir al oyente, para llevarlo completamente a otro lugar”. Con un álbum de este poderío, inflexiblemente creativo, lo ha hecho. Esta es música que exige ser escuchada y experimentada.

Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/alcanza-fabian-almazan-biophilia-records-review-by-troy-dostert.php

Track Listing – Alcanza

01. Alcanza Suite: I. Vida Absurda y Bella (5:43)
02. Alcanza Suite: II. Marea Baja (6:35)
03. Alcanza Suite: III. Verla (3:21)
04. La Voz De Un Piano (Fabian Almazan) (2:11)
05. Alcanza Suite: IV. Mas (feat. Camila Meza) (3:50)
06. Alcanza Suite: V. Tribu T9 (5:46)
07. La Voz De Un Bajo (Linda May Han Oh) (2:16)
08. Alcanza Suite: VI. Cazador Antiguo (5:56)
09. La Voz De La Percusión (Henry Cole) (1:05)
10. Alcanza Suite: VII. Pater Familias (8:39)
11. Alcanza Suite: VIII. Este Lugar (9:18)
12. Alcanza Suite: IX. Marea Alta (4:51)

Artist List

Fabian Almazan: piano, electronics
Camila Meza: voice and guitar
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Megan Gould: violin I
Tomoko Omura: violin II
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello

Apunte: Fabian Almazan nació el 16 de Abril de 1984 en La Habana, Cuba. A temprana edad comenzó a estudiar piano clásico en su patria. Junto a sus padres se exilia en Miami, Florida, pero allí no podía permitirse lecciones privadas de piano. Gentilmente, la pianista Conchita Betancourt le enseñó gratuitamente a Almazan durante más de tres años, permitiéndole hacer una audición en la New World School of the Arts de Miami, donde él estudió desde 1998 hasta 2002. En el 2003, Almazan se traslada a Nueva York, donde estudia con Kenny Barron en la Manhattan School of Music. Persiguiendo su licenciatura, estudia instrumentación y orquestación con Giampaolo Bracali. Bajo la tutela de Bracali, Almazan compone piezas para orquestas y conjuntos de cámara. En 2009, Almazan recibe el grado de Maestro de la Manhattan School of Music, y paralelamente estudia en privado con Jason Moran. Desde el año 2007 es un miembro permanente del quinteto del trompetista Terence Blanchard. En el año 2011 graba Personalities su primer álbum como líder el cual es bien recibido por la crítica especializada, algo que sucede nuevamente con su segundo álbum Rhizome del 2014 y finalmente llega este año su tercer entrega, sin dudas la más lograda, y también hay que decirlo, uno de los discos que seguramente encabezará las encuestas de revistas y sites a fin del presente año en el rubro “lo mejor de”. Hace varios días que vengo escuchando intensamente estas tres obras, y es gratamente sorprendente la evolución de una a la siguiente. De recrear su herencia musical tamizada por la impronta clásica adquirida desde la niñez hacia lo universal. Lo que sin dudas Fabián Almazan ha “alcanzado” es un estado de gracia, por así decirlo. “Alcanza” es musicalmente desbordante. Es grandioso sin pretender serlo: así de natural y profundas son las músicas creadas por Almazan. Al pianista le duele el mundo, la suerte de los expatriados, el destrato a la naturaleza, lo que pueda ocurrir con nuestros destinos y desde donde puede, él trabaja para curarnos. Y para nuestra buena suerte, tiene el don. “Alcanza” impresiona y realmente conmueve profundamente. Dos cosas más: una, aplaudo que las letras cantadas en estos discos sean en castellano, y dos, la letra de “Alcanza Suite: IV. Más” cantada como un ruego por Camila Meza, es de un sentimiento y humanidad estremecedora. En resumen: obra de arte exquisita, de lo mejor que he escuchado en los últimos años.

Password en todos los casos: presoventanilla



Henry Cole and The Afrobeat Collective

tapa Roots Before Branches
Roots Before Branches (2012)

Como un ascendente baterista de jazz en el medio actual, el sonido percusivo de Henry Cole ha surgido en obras de artistas seminales como Miguel Zenón, David Sánchez, y los hermanos Le Boeuf. Como sus pares, Cole está cambiando viejas ideas y canalizando nuevos conceptos dentro de la mezcla. El debut de Roots Before Branches, con su Afrobeat Collective, está repleto de frescas ideas que se resisten a ser fácilmente categorizadas.

Inspirado por la música de su patria en Puerto Rico, con gruesas dosis de Afrobeat, música underground de clubes, electrónica, jazz, y otros estímulos, las raíces profundas de Cole se exponen como nuevos retoños que surgen y se desarrollan incorporando todo, los sonidos de la calle, bailes, poesía, funk y estéticas del rock, para formar algo que es únicamente Cole-céntrico.

Lo cambiante del programa es vertiginoso y a la vez infeccioso. Un minuto es el sudoroso funky de “No eres tu, soy yo” que haría sentir orgulloso a Fela Kuti, o algunas feroces palabras del poeta/rapero Hermes Ayala en la punky “Trabájala”; en el siguiente, hay tensiones de blues-rock a lo Carlos Santana en “Una para Isabel” proporcionadas por el guitarrista Adam Rogers, o una fiesta interplanetaria en “Comienzo”, donde la rítmica danza de la plena, bomba, y el kit de batería sincopado de Cole, con voces étnicas y teclados electrónicos. Otra foto de la imaginación de Cole se encuentra en “Uncovered Fears”, basada en un poema de Mara Pastor, destacándose un elocuente recitado de Pastor, recortado contra un telón de cuerdas vestidas con una vibración de música clásica europea y la impronta cultural de Cole.

Y en este remolino de diferentes sonidos juntos, el jazz se adapta cómodamente como un guante, con finas contribuciones de Zenón, Sánchez y muchos otros, incluyendo entre ellos algunos dulces actos del Fender Rhodes de Soren Moller y el audaz bronce del trompetista Josh Evans en “Música para un sueño”. El programa finaliza con “Solo” con Cole y su kit en formato free, acompañado por el bajista eléctrico Ricky Rodríguez. No suena nada parecido al arquetípico solo de jazz y es un oportuno final para una brillante realización.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=41464#.Uapr2thqSg8

Apunte: estimados amigos, Roots Before Branches es, sin duda alguna un DIS-CA-ZO. Así, separadito en sílabas y con mayúsculas, por si no se entiende. Cole, habitual miembro de la banda del enorme Miguel Zenón se despachó con un álbum bien mestizo, transcultural, caliente, festivo, desbordante de talentos. A priori, la impresionante lista de músicos que acompaña a Cole podría generar alguna duda respecto a lo equilibrado del resultado global de la obra, pero no es así: el disco no tiene un minuto de desperdicio, incluso las letras que son recitadas en un par de temas son más que interesantes. Pregunta: ¿Cole tomó la onda del Santana de los 70 y la aggiornó al siglo XXI?. No abundaré en más comentarios; hay que cliquear sobre “PLAY”, levantar el volumen para que el groove y la demoledora sección de vientos te haga vibrar y disfrutar sin más. Disco adictivo, maldita sea!

Track Listing

01. Aurea V. (3:43)
02. Trabájala (5:06)
03. To Believe Without Seeing (7:15)
04. Año 2010 (2:03)
05. No eres tu, soy yo (4:54)
06. Comienzo (3:16)
07. Una para Isabel (7:46)
08. Solo dos veces (8:23)
09. Uncovered Fear (4:58)
10. Música para un sueño (7:35)
11. Solo (3:28)

Artist List

Henry Cole: drums, keyboards (2-10)
John Ellis: tenor sax
Billy Carrion Jr.: baritone sax
Juan Jose “Cheito” Quiñones: trumpet (1-9)
David “Piro” Rodriguez: trumpet (3)
Josh Evans: trumpet (10)
Soren Moller: Fender Rhodes (1-5, 7-10)
Sean Wayland: Fender Rhodes (6)
Egui Santiago: keyboards (1-5, 7-10)
Roy Guzman: guitar (1-5, 9)
Adam Rogers: guitar (7)
Ricky Rodriguez: bass (2, 3, 6-8, 10, 11)
Willy Rodriguez: bass (1, 9)
Pedro Perez: bass (4, 5)
Alberto “Beto” Torrens: bomba barril (1-5, 7-9)
Obanilu Allende: plena panderos (6), voice (6), bomba barril (10)
Bryant Huffman: shekere (1-5, 7-9)
Reynaldo de Jesus: shekere (10)
Hermes Ayala: voice (2-4)
David Sánchez: tenor sax ( 1, 3-5,) alto sax (2)
Luis Rosa “El Chupa”: baritone sax (4)
Jenny Scheinman: first violin (9)
Megan Gould: second violin (9)
Karen Waltuch: viola (9)
Noah Hoffeld: cello (9)
Mara Pastor: poetry reading (9)
Miguel Zenón: alto saxophone (2).

Link de descarga
Password: presoventanilla



Miguel Zenón




Sobre Miguel Zenón

Miguel Zenón nació el 30 de diciembre de 1976 en Santurce, un distrito de San Juan, Puerto Rico. Comenzó a tocar música a los 10 años. “en el edificio donde vivía con mi familia. Había un señor mayor que, si pasabas su examen, te daba clases de música gratis. Y yo lo busqué”, recuerda Zenón. “El fué quien me enseño a leer música, solfeo, esas cosas. Nos habían dado unas flautas dulces en la escuela primaria, y cuando mi maestro de música en la escuela escuchó cuanto había aprendido, sugirió que fuera a la Escuela Libre de Música, la escuela secundaria para las artes de San Juan.

En la Escuela Libre, y por los próximos seis años, estudió saxo con Angel Marrero. En el 11vo grado descubrió el jazz, pero no había enseñanza de jazz en la escuela y, cuenta Zenón, “tuve que aprender la armonía de jazz de oído”. Un año después, Zenón fué aceptado al colegio Berklee de Boston (Berklee College of Music), pero, cuenta Zenón, “ mi familia no podía pagar la matrícula … por ello decidí quedarme en Puerto Rico y estudiar música en casa”. Pero resultó que al año siguiente, en la primavera de 1995, Berklee envió profesores a la isla para conducir talleres y otorgar becas y Zenón ganó una beca que le permitió enrolarse en la escuela

En Berklee, Zenón no solamente recibió su primera educación formal sobre jazz sino que se encontró con un mundo de músicos jóvenes y talentosos que compartían su hambre de conocimiento, tal como el pianista panameño Danilo Pérez. En 1998, alentado por Pérez, Zenón se mudó a la ciudad de Nueva York para estudiar para
una maestría en la Manhattan School of Music. Esta movida también lo llevó a conocer al saxofonista puertorriqueño David Sánchez, eventualmente sumándose a su sexteto, y también a otros músicos y grupos tales como el bajista Charlie Haden, la Mingus Big band, la Vanguard Jazz Orchestra, el saxofonista Steve Coleman, el pianista y director de banda Guillermo Klein, y la San Francisco Jazz Collective.

Zenón recibió su maestría en el 2001. Ese año también grabó su primer álbum como líder Looking Forward (en el sello Barcelonés Fresh Sound New Talent). Debutó en Marsalis Music en 2004 con Ceremonial, el cual fue seguido por Jíbaro, en 2005, y, el año pasado, Awake. En el 2008 también recibió la prestigiosa beca Guggenheim, la beca MacArthur, también llamada “beca de los genios,” y grabó Esta Plena, su cuarto disco para Marsalis Music.

Looking Forward (2001)

El saxofonista alto Miguel Zenón ha hecho un nombre por sí mismo como un distinguido sideman y miembro de la banda de David Sánchez.Su ardiente debut como líder, Looking Forward, gira en torno a un cuarteto compuesto del pianista Luis Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el percusionista Antonio Sánchez. Los percusionistas invitados William Cepeda y Pernell Saturnino aparecen en un puñado de cortes; David Sánchez, el guitarrista Ben Monder, y el trompetista Diego Urcola, cada uno hacen cameos a lo largo del camino. Aunque la música de Zenón sin duda le debe mucho a Sánchez (los dos hasta emplean gran parte del mismo personal), su capacidad para los matices y la sorpresa le diferencia.Escuche alguno de sus finales monstruosos y seguramente usted estará de acuerdo. Su alto de bordes duros y alta velocidad, sugiere rastros de Greg Osby; sus composiciones, al igual que las de Sánchez, mezclan formas indígenas latinas con muy avanzadas armonías, líneas y ritmos de jazz. Además de la densa interacción de “El Bloque” y “El Cruze”, y el swing abrasador de “Yochabel”, Zenón ofrece una reveladora toma de Bach, titulada “J.S.B.”, un canto español/avant garde llamado “Anxiety”, y apasionantes interpretaciones de las canciones de Silvio Rodríguez, Rafael Hernández, y Juanito Marques. El establece todo esto con un rubato “Prayer #1 (Blessing)”, y cierra con “Prayer #2 (Thanksgiving)”, multitrackeando hipnóticas flautas bajo una improvisación danzante del saxo alto. Zenón cruza enfocado, imaginativo, y muy elocuente, atenuando cortes con enorme sensibilidad.

Fuente para la reseña: David R. Adler para http://www.allmusic.com/album/looking-forward-r579055/review

Track Listing

01. Prayer #1 (Blessing) (Zenón) (2:15)
02. Looking Forward (Zenón) (7:04)
03. Yochabel (Zenón) (6:52)
04. Pequeña Serenata Diurna (Rodriguez) (6:45)
05. Campanitas de Cristal (Hernandez) (7:24)
06. Anxiety (Zenón) (5:50)
07. El Bloque (Zenón) (6:50)
08. J.S.B. (Zenón) (7:42)
09. Alma Con Alma (Marques) (6:32)
10. El Cruze (Zenón) (8:04)
11. Prayer #2 (Thanksgiving) (Zenón) (3:14)

Artist List

Miguel Zenón: alto saxophone, percussion on 10, background vocals on 6, flutes on 11
Antonio Sánchez: drums, all except 11, background vocals on 6
Luis Perdomo: piano, all except 6,11, background vocals on 6
Hans Glawischnig: bass, background vocals on 6
Pernell Saturnino: bomba drum and background vocals on 6, cajon on 8 congas and percussion on 10, bomba drum on 11
David Sánchez: tenor saxophone on 2,7
William Cepeda: bomba drum on 2,7,11, bomba drum, lead vocal and percussion on 6
Diego Urcola: trumpet on 10
Ben Monder: electric guitar on 10

Nuevo link de descarga

Ceremonial (2004)

El joven sello Marsalis Music sigue produciendo grabaciones interesantes con una mentalidad de crear música que exprese tanto individualidad, como sustancia. Las grabaciones del último año destacan a “Country Libations” del guitarrista Doug Wamble y el instrumental “Other Hours” de Harry Connick Jr., lo que ha creado nuevos y progresistas enfoques. El saxofonista alto Miguel Zenón sigue en ese camino en 2004 con su auspiciosa grabación Ceremonial.

Oriundo de San Juan de Puerto Rico, la nueva grabación de Zenón no solo trae persuasiones latinas, sino también una mezcla refinada de influencias contemporáneas, clásicas y globales. La grabación empieza con composiciones que son melódicas, pero que dejan un amplio margen para la improvisación. La forma de tocar de Zenón es estar plenamente al mando, tanto en los libres solos como en los diversos ritmos. Su instrumento tiene un ligero tono ácido que es fluído y motivador con sentimiento. Las habilidades de escritura de Zenón y su influencia, han aparecido en grabaciones del pianista Danilo Perez y son de interés particular. Respaldado por un potente cuarteto, la música está bien pensada y ejecutada con destreza y espíritu.

La apertura “Leyenda” comienza con la caliente voz del alto de Zenón y se desarrolla en una melodía gradualmente optimista que insinúa las cosas por venir. “Ceremonial” y “Transfiguration” traen encantos latinos añadiendo emotivos ritmos y voces con un sentido moderno. El cuarteto está en llamas en el complejo y funky “Mega”, con percusión extrema de “Tito” Matos, que silenciosamente se mezcla en la tranquila pieza “A Reminder of Us”.

El tour de force de la composición “Morning Chant”, combina un riguroso hard bop y cánticos espirituales, en una única forma, con los solos con bravura del pianista Luis Perdomo y la adición de highligths percusivos del baterista Antonio Sánchez, detrás de las rápidas líneas del alto de Zenón. El interesante “440” incluye un contagioso patrón rítmico con algún buen trabajo solista del bajista Hans Glawischnig. La grabación finaliza con el cuarteto ofreciendo sus corazones en “Ya” y la interpretación de Zenón del himno “Great Is Thy Faithfulness”. Altamente recomendable.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=12921

Track Listing

1. Leyenda (9:18)
2. Ceremonial (9:45)
3. Transfiguration (6:36)
4. Mega (6:48)
5. A Reminder Of Us (6:38)
6. Morning Chant (8:15)
7. 440 (7:41)
8. Ya (6:43)
9. Great Is Thy Faithfulness (8:17)

Artist List

Miguel Zenon: alto saxophone
Luis Perdomo: piano, Fender Rhodes
Hans Glawischnig: bass
Antonio Sanchez: drums
Additional personnel
Luciana Souza: vocals
Hector “Tito” Matos: percussion

Nuevo link de descarga

Awake (2008)

El saxofonista alto Miguel Zenon entrega su grabación más provocadora hasta la fecha con Awake, mostrando su crecimiento como intérprete y artista conceptual. Ya sea actuando con la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, el SF Jazz Collective o liderando sus propios grupos, la tonalidad penetrante y su fiereza a la hora de tocar, es siempre identificable. No es una tarea sencilla, cuando se está ante una gran cantidad de fuertes jovenes alto-saxofonistas, que incluyen a Rudresh Mahanthappa, Loren Stillman y Steve Lehman.

Zenon trajo frescas interpretaciones de la música rural de su Puerto Rico natal en “Jíbaro” (Marsalis Music, 2005); en Awake agrega cambios en la composición e instrumentos, que incluyen al Fender Rhodes, un cuarteto de cuerdas en dos pistas y otros tres músicos en vientos, para una de las pistas. Continuando con sus excitantes e introspectivas ideas musicales, el saxofonista proviene del mismo molde de artistas como el pianista Danilo Pérez, el baterista Dafnis Prieto y el saxofonista Yosvany Terry Cabrera, quienes cantan nuevas canciones en el jazz contemporáneo latino.

Estas ideas son las primeras que se notan en “Awakening – Prelude”, donde el saxofón alto se une a las cuerdas, creando un cinemáticamente rico tema de música clásica/jazz. Esto sigue en “Camaron” con el excepcional cuarteto de Zenon, que destaca a los miembros (desde hace mucho tiempo) Hans Glawischnig en bajo, y al pianista Luis Perdomo (en el Rhodes), y al nuevo y excitante baterista, Henry Cole. El modus operandi del cuarteto se oye en “Ulysses in Motion”, donde la interacción es perfecta, y también en “Penta”, que contiene los mismos y difíciles movimientos rítmicos que marcaron la intuición de Zenon en “Jibaro”.

“Awakening – Interlude” es otro highlight y, desafortunadamente, el único track que cuenta con más instrumentos de vientos. Lo que en primer lugar aparece como sonidos cacofónicos, son, de hecho, un armonioso torbellino de solos que culminan al iniciar la pieza central de doce minutos, “Santo”, una brillante composición que incluye impresionantes solos, extenuantes cambios, e incluso voces cantando, evocadoras del “Morning Chant” del disco “Ceremonial” (2004, Marsalis Music)

Las pistas restantes son igualmente satisfactorias, y si hay una crítica, sería que debería experimentar con más cuerdas y vientos invitados en más pistas. Pero Awake es sobresaliente, justifica las reiteradas escuchas y representa un nuevo capítulo en la evolución de Miguel Zenon.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=28895

Track Listing

01. Awakening – Prelude (3:44)
02. Camaron (7:43)
03. Penta (7:33)
04. The Missing Piece (7:41)
05. Ulysses in Motion (7:05)
06. Awakening – Interlude (5:24)
07. Santo (12:03)
08. Lamamilla (5:57)
09. Third Dimension (9:59)
10. Awakening – Postlude (2:23)

Artist List

Miguel Zenon: alto saxophone
Luis Perdomo: piano, Fender Rhodes
Hans Glawischnig: bass
Henry Cole: drums, percussion
Judith Insell: viola (1, 8)
Orlando Wells: violin (1, 8)
Marlene Rice: violin (1, 8)
Nioka Workman: cello (1, 8)
Tony Malaby: tenor sax (6)
Michael Rodriguez: trumpet (6)
Ben Gerstein: trombone (6)

Nuevo link de descarga

Esta Plena (2009)

Mezclando sofisticación intelectual con la fuerza y la sabiduría de la calle, la música de Esta Plena sugiere una suma del trabajo del saxofonista y compositor Miguel Zenón. Es música basada en la plena, un género tradicional, original de Puerto Rico, la tierra natal de Zenón, pero reinterpretada con la sensibilidad, las técnicas y las herramientas del jazz del siglo XXI. Este es el primer trabajo de Zenón desde que recibió las becas MacArthur y Guggenheim el año pasado, la primera vez que un artista de jazz ha recibido ambos galardones en un mismo año.

También llamada “beca de los genios”, la beca MacArthur es un premio al trabajo realizado yes dada sin precondiciones o requerimientos. La Fundación MacArthur ha dicho que la beca ha sido un reconocimiento a la labor de Zenón por haber “tomado de varios estilos del jazz y la música de Puerto Rico, su tierra natal, para crear un sonido complejo y accesible que desborda con emoción”.

Por otro lado, Esta Plena es resultado directo de la beca Guggenheim, que le fue otorgada a Zenón para composición.

Esta Plena puede ser vista como una continuación de Jibaro, el brillante trabajo en 2005 en el que el saxofonista reinterpretó la música jíbara (campesina) de Puerto Rico. “Definitivamente [este trabajo] está conectado con la idea detrás de Jíbaro, en el sentido de que tomamos algo muy folclórico y lo pusimos en un contexto de jazz”, explica Zenón. “Pero en este disco fuimos un paso más al incorporar algunos de los instrumentos de esta música y tener letras y canciones cantadas, algo central a este género. Y esta vez, por el apoyo de la Guggenheim, la investigación fue más extensa y más profunda (que en Jibaro)”.

“Inicialmente, lo que impulsó estos proyectos [Jíbaro y Esta Plena] fue mi deseo personal de saber más sobre mi propia cultura”, dice Zenón. “Cuando me fuí de Puerto Rico, me sumergí de lleno en el jazz por mucho tiempo, por lo cual no estaba realmente trabajando con nada que tuviera que ver con la música de Puerto Rico. Por supuesto fuí expuesto a esta música de pequeño, pero no fué hasta mucho más tarde, cuando comencé a escribir mi propia música, que le empecé a prestar atención. Ahí fué cuando decidí explorar esta música y aprender más sobre mis raíces, quién realmente soy, de donde vengo, y sentí que era importante estudiar esta música a un nivel profundo, desde sus fundamentos. Así comenzó esto.”

En sus notas para este trabajo, Zenón define a la plena como “un producto de la colonización española, combinando síncopas rítmicas africanas con armonías y cadencias europeas”. Desde que surgió en el siglo XIX en Ponce, una ciudad en el sur de Puerto Rico, la plena ha sido la música de los más pobres, siendo sus letras una suerte de diario oral. Los pleneros, como los cantantes de plena son llamados, acompañados por los ritmos de los panderos, explica Zenón, “describen los eventos en la vida de todos los días en la vida de las clases más pobres de Puerto Rico. Estas letras eventualmente se expandieron hasta incluir temas patrióticos, de protesta social, de amor, de humor, y también simplemente de celebración de la plena y el pandero”.

Zenón dice que abordó Esta Plena como una unión de dos grupos musicales, su cuarteto de jazz y un grupo de plena, tocando al mismo tiempo. Es una idea que exije músicos muy especiales y comprometidos con el proyecto y Zenón ha contado por los últimos 5 años con el mismo cuarteto que incluye a Luis Perdomo en piano; Hans Glawischnig en contrabajo, y Henry Cole en batería. Esta continuidad es rara en el jazz.

“He sido tan afortunado de tener el mismo grupo de músicos conmigo todo este tiempo,” dice Zenón. “Cuando tocas con la misma gente por tanto tiempo, tu básicamente sabes como tocan, como van a reaccionar (frente a una nueva pieza de música) y como van a traer su personalidad a cada tema. Por eso, después de un tiempo, empiezas a escribir para esos músicos específicamente, escribes la canción pensado en cómo van a tocarla.”

En parte como un guiño a la tradición, en parte como una manera de enriquecer el proyecto, la mitad de los temas en Esta Plena tienen letra y son cantados.

“Inicialmente no iba a escribir letras”, dice Zenón. “Inicialmente planeaba escribir canciones instrumentales. Pero cuanto más escuché esta música, más me interesé en escribir letras. Me dí cuenta que esto era muy diferente a Jibaro en que la música jíbara es en realidad una familia de estilos de diferentes áreas (de la isla), mientras la plena es un ritmo. No es ni siquiera variaciones de un ritmo, es un ritmo. Por eso busqué maneras de usar ese ritmo de diferentes maneras, y el agregar letras me ayudó a darle variedad a la música”.

Para su sorpresa, al ir escribiendo las canciones para Esta Plena Zenón descubrió que “en realidad no sentía que el saxo era el foco de la música. Sentí que todo (en esta música) era acerca de los panderos, y que todo estaba armado alrededor de ellos”, explica. “Sí, es mi disco y tomo mis solos, claro. Pero cuando escribí la música, todo salió de los panderos y de los patrones rítmicos que ellos tocan. A menudo, el saxo solo es parte de la textura, especialmente en las canciones con letra.”

Por todo lo personal que este proyecto ha sido para Zenón, trabajar con música popular con profundas raíces en la cultura popular tiene también historia dentro de la tradición del jazz. Hasta los músicos de bebop, creadores de uno de los estilos más intelectual y emocionalmente complejos en la historia de la música popular, mantuvieron su conexión con los blues, en parte como referencia musical, en parte como lugar para conectar con su audiencia.

“Tener esta conexíón con las raíces le dá a la música una base firme, y me da a mí mucha libertad para probar cosas y aún tener una fundación sólida”, dice Zenón. “Esa raíz folklórica es tan esencial en la música. Es la música más pura. Es música de la gente. Es música que puede empezar una fiesta en cualquier lado. Es sencilla, básica y accesible, pero al mismo tiempo tan profunda. Eso es lo que quiero hacer con este trabajo, tratar de mantener la música viva, en la calle”.

Para Zenón, Esta Plena no es un viaje más a casa, pero un redescubrimiento.

Fuente para la reseña: http://www.miguelzenon.com/presskit/estapena_bio_es.pdf

Track Listing

01. Villa Palmeras (7:04)
02. Esta Plena (7:47)
03. Oyelo (6:15)
04. Residencial Llorens Torres (4:53)
05. Pandero y Pagode (8:24)
06. Calle Calma (4:38)
07. Villa Coope (8:58)
08. Que Será de Puerto Rico? (8:01)
09. Progreso (9:16)
10. Despedida (6:48)

Artist List

Miguel Zenon: alto saxophone, background vocals
Luis Perdomo: piano
Hans Glawischnig: acoustic bass
Henry Cole: drums
Hector “Tito” Matos: lead vocals, percussion (requinto)
Obanilu Allende: background vocals, percussion (segundo)
Juan Gutierrez: background vocals, percussion (seguidor)

Nuevo link de descarga

Apunte: luego de haber degustado el excelente “Alma Adentro: The Puerto Rico Songbook” me dediqué (entre otras cosas) a buscar y escuchar atentamente lo anterior de Miguel Zenón, exceptuando “Jíbaro”. Esta retrospectiva incompleta entonces, es para mostrarles a un artista muy talentoso, inquieto, con una obra solida y personal, pero fundamentalmente a una persona comprometida con sus raíces y con su espíritu de hacerlas progresar en la época que le toca vivir.

En todos los casos, password: presoventanilla



Miguel Zenón
diciembre 11, 2011, 12:59 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , ,


Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook (2011)

El saxofonista y compositor puertorriqueño Miguel Zenón acaba de lanzar al mercado su nueva producción discográfica, “Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook”. En esta nueva propuesta musical el saxofonista rinde tributo a cinco de los compositores más sobresalientes del pentagrama nacional: Rafael Hernández, Tite Curet Alonso, Pedro Flores, Bobby Capó y Sylvia Rexach.

Con novedosos arreglos musicales, Zenón aborda clásicos del pentagrama nacional como “Silencio”, “Perdón”, “Incomprendido”, “Olas y arenas”, “Tiemblas”, “Temes”, “Juguete”, “Amor” y “Perfume de gardenia”. Y con la genialidad que le caracteriza las viste con elegancia de jazz.

En “Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook” Zenón es acompañado por su reconocido cuarteto (compuesto por el pianista Luis Perdomo, el baterista Henry Cole y el bajista Hans Glawischnig) además de un conjunto de vientos de diez músicos, dirigidos y orquestados por el compositor argentino Guillermo Klein.

La producción que acaba de editarse esta semana añade otro logro al extenso curriculum de sus 34 años. Este talentoso santurcino, egresado de la Escuela Libre de Música de Puerto Rico, Berklee College of Music y Manhattan School of Music, tiene ya seis discos como líder, que han ganado el aplauso de la crítica especializada. Entre ellos, “Esta plena” fue escogida por la Fundación Nacional para la Cultura Popular entre las 20 producciones más sobresalientes de 2009, así como recibió dos nominaciones a los premios Grammy (“Mejor Solo de Jazz” y “Mejor Album de Latin Jazz”) y una para el Grammy Latino (“Mejor Album de Latin Jazz”).

Además de haber grabado y tocado con algunas de las principales figuras del mundo del jazz contemporáneo como lo son Charlie Haden, The SFJAZZ Collective y Steve Coleman, Zenón fue distinguido en 2008 con la otorgación del fondo Guggenheim y la MacArthur Fellowship, esta última conocida como la “Beca Genio”.

Apunte: categorizar a Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook dentro del latin-jazz es, por lo menos, un acto de mezquindad. Es un álbum tan rico melódicamente, redondito en las improvisaciones y complejo en los brillantes arreglos orquestales de Guillermo Klein (que, justo es decir, abrevan de diferentes géneros musicales), que el encasillamiento dentro de una vertiente del amplio espacio del jazz no le hace justicia. Zenón muestra a la audiencia del mundo la riqueza de los compositores de su tierra, pero no deja atrás su propia adquisición de data musical del siglo XXI, y por si esto fuera poco el tipo está en una forma excepcional para transmitir la pasión y el calor de su patrimonio musical. Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook no tiene un segundo de desperdicio; sin dudas uno de los discos más recomendables del año 2011.

Fuete para la reseña: http://www.prpop.org/noticias/sept11/llega-zenon-con-alma-adentro-922011-3.shtml

Track Listing

01. Juguete (6:46)
02. Incomprendido (6:58)
03. Silencio (9:34)
04. Temes (6:11)
05. Perdón (7:28)
06. Alma adentro (6:55)
07. Olas y arenas (7:01)
08. Amor (5:59)
09. Perfume de gardenias (6:48)
10. Tiemblas (7:24)

Artist List

Miguel Zenón: alto saxophone
Luis Perdomo: piano
Hans Glawischnig: bass
Henry Cole: drums

Orquesta
Guillermo Klein: conductor
Nathalie Joachim: flute
Domenica Fossati: flute
Julietta Curenton: flute
Romie De Guise-Langlois: clarinet
Carol McGonnell: bass clarinet, clarinet
James Austin Smith: oboe
Brad Balliett: bassoon
Keve Wilson: English horn
Jennifer Kessler: French horn
David Byrd-Marrow: French horn

Nuevo link de descarga
Password: presoventanilla