Preso ventanilla


Bryan and the Aardvarks
abril 26, 2017, 11:33 pm
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tapa Heroes Of Make Believe
Heroes of Make Believe (2011)

El opus de Bryan Copeland, con cuatro años de preparación, documenta su tiempo en Nueva York, expresado como una serie de arrullos, preludios a sueños… aquellos que simbolizan nuestros ideales y objetivos, pero también el tipo que se manifiesta en un estado de pacífico sueño. Heroes of Make Believe, interpretado por su cuarteto Bryan & the Aardvarks, encuentra un terreno intermedio entre el jazz moderno y compases indie-pop que construye grandes mundos en las diminutas esquinas ambientales aisladas del universo de música.

Lo que esto significa es que estas son canciones que son melódicamente difusas y sus reflejos de gruesas capas de armonías y ritmos susurrantes, brillan tanto como las más hermosas estrellas en el cielo.

Un tercio de las pistas son improvisadas, que sólo sirven para poner más énfasis en la fuerza de la conexión entre los miembros del cuarteto, porque hay muy poco para diferenciar estas melodías de aquellas construidas sobre las composiciones. Todos ellos están conectados a la misma visión creativa. Una canción como “When Night Falls” tiene la misma deriva rítmica y resplandeciente belleza melódica como la suave balada “Soft Starry Night”.

Fabian Almazan es experto en utilizar tres sets de teclados de gran uso. “These Little Hours” tiene a Almazan lanzando cálidas notas en sintetizadores al aire, sacudido por las vibraciones de Dingman. Añadiendo algún piano, Almazan da la definición a sonidos brillantes. En “Where the Wind Blows” se destaca la elevación del piano de Almazan que lleva la canción a las más altas elevaciones. Y en “Still I Dream” se destacan las líneas deslizantes de Almazan en el Fender Rhodes.

El trabajo de Chris Dingman en vibraciones es la contribución más evidente a la presencia de ensueño de la música. En “Sunshine Through the Clouds”, las vibraciones centellean como estrellas, mientras el arco en el bajo de Copeland arco es tan grueso como la luz de la luna lo suficientemente densa como para ser agarrada. Copeland utiliza el arco para un fuerte efecto, también, en “Today Means Everything”, balanceando una vivaz cadencia con algunos bien ubicados cambios de humor.

Los sintetizadores de Almazan añaden un poco de florecer dramático a canciones como “When Night Falls” and “Still I Dream”, un armónico clarín que hace sonar a la canción como deshaciéndose en jirones, incapaz de contener toda esa belleza armónica. Dingman anda sin rodeos por centro de esta niebla armónica con notas pacientemente expresadas, como si perfilara el área en el espacio donde la melodía existe, y creando un camino para el oyente para que este lo siga.

Hay un puñado de interludios diseminados por todo el álbum. Estos representan la mayoría de los aspectos improvisacionales para este álbum, y parece ser pequeños clips de aquellas conversaciones, añadidas como breves transiciones armónicas entre canciones. Por sí solos, no serían particularmente especiales, pero como parte del flujo temático del álbum, proporcionan un impulso de sustancia embriagadora, lavados armónicos que sirven para mejorar las posteriores melodías, y darles un poco de gravedad.

El álbum termina con la animada “I’d Be Lost”, que echa algo de polvo entre las grandes declaraciones. Almazan y Dingman disparan algunas líneas impresionantes, pero el sencillo enfoque del tempo de Joe Nero proporciona a la canción su carácter eminentemente atractivo, con el contraste entre las rápidas entregas y un paseo casual.

Es una agradablemente animada despedida para un álbum que pasa la mayoría de su tiempo vagando, y esto acentúa la delicada belleza de la música mostrando cierta dureza.

Un álbum genuinamente hermoso. De la clase que es fácil escuchar muchas veces.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/bryan-the-aardvarks-heroes-of-make-believe/

Apunte: Bryan Copeland declara en su site de Bandcamp: “Heroes of Make Believe es una colección de canciones que he compuesto durante los 4 años pasados desde mi traslado a Nueva York. La música representa una culminación de mis experiencias de vida e influencias hasta hoy. El concepto del álbum comenzó con la composición de “Sunshine Through the Clouds” como un réquiem para mi difunto amigo Daniel Gilmer. Cada pieza en el álbum tiene un significado especial para mí y es una expresión de momentos muy importantes en mi vida. Cada canción es una encarnación del insoportable dolor, inmensa alegría, y todo lo que hay entre ellos, que he experimentado en toda mi vida.” Podemos agregar, que el álbum tiene una rara belleza que se sustenta en preciosas melodías indies, realzadas por el increíble brillo, calidez y cercanía que proporcionan el talentoso tándem compuesto por Fabian Almazan y Chris Dingman. Excelente obra. Muy disfrutable!

Track Listing

01. These Little Hours (7:20)
02. Where the Wind Blows (9:15)
03. Sunshine Through the Clouds (7:03)
04. When Night Falls (4:20)
05. Marmalade Sky (9:41)
06. Soft Starry Night (7:47)
07. Mysteria (0:45)
08. Still I Dream (6:45)
09. Insomnia (0:53)
10. Today Means Everything (6:57)
11. Just Before Dawn (1:29)
12. I’d Be Lost (7:27)

Artist List

Bryan Copeland: Bass
Fabian Almazan: Fender Rhodes/Piano/Synth
Chris Dingman: Vibes/Glockenspiel
Joe Nero: Drums

Link de descarga
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Marzio Scholten’s Identikit

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Garage Moi (2013)

“Voices, Echoes & Whispers” del guitarrista Marzio Scholten fue, para mi, uno de los highlights del 2012, sus melodías y arreglos magníficamente diseñados una confirmación que Scholten es uno de los mejores nuevos guitarristas de jazz en Europa.

Ahora él regresa con su cuarto álbum como líder, esta vez liderando un nuevo proyecto de banda con el nombre de “Identikit”. Este nuevo quinteto destaca a Scholten en guitarra, junto a Lars Dietrich en saxo alto, Jasper Blom en tenor y una sección rítmica compuesta por Sean Fasciani en contrabajo y Kristijan Krajncan en batería.

Con la nueva banda, llega un nuevo sonido. Y para Garage Moi, Scholten entra en un nuevo territorio, mezclando influencias de rock alternativo e indie con el sonido de jazz contemporáneo. Mientras que algunos experimentos de cruces de género deja algo que desear, es claro desde el inicio que Scholten ha creado algo especial.

El álbum abre con una guitarra cool que marca el inicio de la edificante “Contragramma”, una melodía donde los dos saxos se combinan para reproducir el riff principal y también tejer uno alrededor del otro y la introducción hablada de The War Of The Worlds.

La pista del título es de tres minutos de gozoso pop-rock que se apresura a lo largo del primer minuto y medio antes de irse a la deriva por un territorio improvisacional más de ensueño hasta apagarse. Esto lleva a “Heisenberg”, una melodía que empieza lenta y tranquilamente, pero gradualmente acumula en intensidad. Jesper Blom entrega un maravilloso saxo tenor, antes de que Scholten intervenga con un solo de guitarra abrasador que realmente destaca su sonido único.

“The Great Race” comienza con algo de un ritmo arranque-parada durante el cual los dos saxos y la guitarra tocan en armonía antes de pasar a un estribillo pegadizo. Otro número destacado.

El tempo cae para “Fire And Snow”, la melodía que evoca al sonido de Voice, Echoes And Whispers, del mismo modo que “Revolution Is Everywhere” en ese álbum ahora puede ser visto como un gusto de lo que iba a venir con Garage Moi.

“We Are All Bankers” es otra melodía rockera con un estribillo que despierta, y como en muchas de las pistas del álbum, muestra feliz a Scholten repartiendo a sus saxofonistas grandes partes de las melodías, antes que tomar el centro de la escena con sus solos.

En la última sección del álbum se ve una secuencia de canciones tituladas “The Architect”, “The Architect II” y “The Architect III”. Los dos primeros temas son canciones uptempo con un claro sentir indie rock, mientras que la pista del cierre es un número más tranquilo con un ambiente más introspectivo.

Marzio Scholten es claramente un muy talentoso guitarrista que tiene su propio sonido, y es también un talentoso compositor y arreglador. Él ha tomado un paso audaz para crear algo completamente nuevo con Garage Moi y le ha rendido sus frutos con todo en el álbum encajando perfectamente. Este es un álbum que tiene un público potencial mucho más allá de las fronteras del jazz tradicional y definitivamente merece ser escuchado. Altamente recomendado.

Fuente para la reseña: Sean Smith para http://tokyojazznotes.blogspot.com.ar/2013/11/marzio-scholten-identikit-garage-moi.html

Track Listing – Garage Moi

1. Contragramma (5:24)
2. Garage Moi (2:52)
3. Heisenberg (7:00)
4. The Great Race (6:10)
5. Fire And Snow (8:14)
6. We Are All Bankers (4:31)
7. The Architect (5:05)
8. The Architect II (5:47)
9. The Architect III (3:31)

All compositions by Marzio Scholten.

Artist List

Marzio Scholten: guitar
Lars Dietrich: alto
Jasper Blom: tenor
Sean Fasciani: bass
Kristijan Krajncan: drums

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Here Comes A Riot (2015)

Para algunos de ustedes, puedo decir simplemente que el álbum Here Comes a Riot cae bajo la categoría de Brian Blade Fellowship y dejarlo en eso. Pero sólo porque creo que la música de la Fellowship debe ser universalmente conocida, esto no es así, y por lo tanto, para aquellos que no estén familiarizados con esa banda, permítanme comenzar diciendo que el quinteto Identikit elabora melodías que son tan bellas como duraderas. Todo el mundo sabe qué es una hermosa melodía, por lo que no hay necesidad de continuar con esa línea de conversación, pero la durabilidad…eso es lo que permite al guitarrista Marzio Scholten, el bajista Sean Fasciani, al baterista Niek de Bruijn, al saxo alto de Lars Dietrich y al saxofonista tenor de Jasper Blom marchar de solos y viajes grupales vagando lejos de aquella hermosa declaración de apertura de la melodía y aún siguen haciendo referencia a ella, como si la estuvieran llevando en su bolsillo trasero todo el tiempo.

Pero es más que simplemente hacer referencia a la melodía… el quinteto altera, remodela, aumenta su fuerza, se deja caer en un estado de vulnerabilidad… incluso cuando entran en una etapa de la canción tras otra, dando la impresión de viajar una gran distancia. Es un efecto ingenioso y un talento para no ser subestimado. Y mientras que la Brian Blade Fellowship tiende a enfatizar las influencias del jazz moderno y folk dentro de las composiciones, Identikit ejecuta una dirección diferente, adoptando en su lugar una forma de expresión indie-rock, y por eso estas cautivadoras melodías también son tan condenadamente divertidas.

La pista del título “Heres Comes a Riot” es breve y al grano, y su puro entusiasmo es casi tan contagioso como se obtiene. “Wilco” comienza en un estado de ensueño, luego muestra unos dientes afilados antes de finalmente encontrar una manera de dar una sola voz a los dos estados.“The Day We Lost It All” espira la melodía con la encantadora belleza de la escena parisina; me tiene pensando en artistas tales como Pierre Perchaud y Nicolas Moreaux, y luego, de repente, el quinteto solo prende fuego la maldita canción entera y ahora hablamos de una completamente nueva clase de belleza, una donde la melodía se tambalea y tiembla dentro de las olas de calor. “Erath” avanza por un groove un ratito, entonces de repente rompe en un galope y monta el ritmo como una batería de ondas entrecortadas, entra en un ojo de tormenta con el suave aliento de la melodía rasgueada con cuidado sobre la brisa, antes de la nueva entrada en la tormenta para el gran final. El álbum termina con “We Stand Alone”. El quinteto vuelve al expresionismo de ensueño que pagó grandes dividendos anteriormente en la grabación y, a continuación, la rampa hasta una ligera intensidad dramática que las señales de alto y claro que la conclusión se aproxima rápido en el horizonte. y luego aceleran hasta una ligera intensidad dramática que señala alto y claro que la conclusión se aproxima rápidamente en el horizonte.

Un álbum muy divertido de una banda que sabe cómo crear una bella melodía y qué hacer con ella cuando la construcción está terminada.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-identikit-here-comes-a-riot/

Track Listing – Here Comes A Riot

1. Here Comes A Riot 2:27
2. Wilco 7:10
3. The Day We Lost It All 5:09
4. Erath 7:32
5. We Stand Alone 4:58

Artist List

Marzio Scholten: guitars, compositions
Lars Dietrich: alto sax
Jasper Blom: tenor sax
Sean Fasciani: bass
Niek de Bruijn: drums

Apunte: El guitarrista holandès Marzio Scholten, 34 años, viene registrando desde el año 2008 una más que interesante discografía. Sus primeros tres discos, enrolados en la vertiente más tradicional del jazz contemporáneo de guitarra son “Motherland” (2008), “World Of Thought” (2010), “Voids, Echoes And Whispers” (2012), mientras que sus últimos dos, “Garage Moi” (2013) y “Here Comes A Riot” (2015), son desarrollados dentro de un concepto distinto, más de banda, donde el jazz es la plataforma pero es muy fuerte la impronta de rock indie y alternativo que le imprimen a las astutas e inteligentes composiciones de Scholten, sorprendiendo con bellas y potentes melodías que quedan dando vueltas por la cabeza aún cuando se han terminado. Puntos de contacto con otros grupos y/o artistas? Además del mencionado de la Fellowship Band, el empaste de los saxofonistas tiene un aroma a los arreglos que suele hacer David Binney con otros saxofonistas, y por el lado del rock y del sonido en forma global (por así decirlo) me recordó a la talentosa banda argentina Octafonic, aunque aquí la música es solo instrumental. Inteligente y divertido. Altamente recomendable!.

Password en ambos casos: presoventanilla



Jeremy Udden

tapa Torchsongs
Torchsongs (2006)

La experiencia que Jeremy Udden adquirió a travez de los seis años que compartió con la Either/Orchestra de Boston parece haberle dado al álbum debut del saxofonista una variedad de estados de ánimo. El álbum fue grabado en dos sesiones celebradas en 2003 y 2005, y varias de las composiciones fueron escritas mientras Udden estuvo confinado en su departamento por cuatro meses debido a un caso de vértigo severo. Esencialmente, Udden grabó dos grupos separados empleando a Ben Monder (guitarra), John Lockwood (bajo), Matt Wilson (batería) y el invitado Bob Brookmeyer (trombón de válvulas) para las sesiones del 2003, y Nathan Blehar (saxofón tenor), Tim Miller y Ben Monder (guitarras), Leo Genovese (teclados), Garth Stevenson (bajo) y Ziv Ravitz (batería) para las grabaciones del 2005.

Udden muestra la capacidad de tocar en diferentes estilos que van desde lírico a la vanguardia. El autor afirma que se han inspirado en Lee Konitz, y uno puede escucharlo en su técnica. La pista de apertura en Torchsongs, “Every Step”, una relajada composición mid-tempo, comienza con un lavado de mediados de los ’60, como si usted escuchara una sesión de Paul Desmond/Jim Hall con Udden (él toca el saxofón soprano en esta pista), con un “mood” RCA ; los cepillos de Wilson proporcionan una impresión bastante justa de Connie Kay.

El segundo track, “Tut Muffin”, toca al mismo tempo con un acompañamiento más moderno de Genovese en Fender Rhodes. Bob Brookmeyer aparece en “Marin” y, después de su solo, se entrelaza en contrapunto con el soprano de Udden sobre el trombón de válvula, como si esto fuera todavía de mediados de los ’50 en Pacific Jazz Records. Un cover fragmentario “Blinks”, de Steve Lacy, es mucho más cercano al free jazz. El solo “de fusión” de Genovese en el Rhodes pone el tono, mientras el baterista Ziv Ravitz y Monder proporcionan la disonancia.

El hit pop de los ’80 “Eternal Flame” proporciona una declaración de melodía conmovedora y el solo del alto de Udden, pero también establece un estridente solo de rock de Monder en la guitarra. Brookmeyer y Udden (en el alto) proporcionan la coda de cierre en el dueto “Afterthought”.

Fuente para la reseña: Michael P. Gladstone para http://www.allaboutjazz.com/torchsongs-jeremy-udden-fresh-sound-new-talent-review-by-michael-p-gladstone.php

Track Listing – Torchsongs

01. Every Step (6:13)
02. Tut Muffin (5:08)
03. Marin (4:57)
04. Fish Lake (5:51)
05. Blinks (5:35)
06. Eternal Flame (6:31)
07. Red Keys (8:04)
08. Indecision (8:00)
09. Wednesday (4:53)
10. Loaded (4:44)
11. Afterthought (1:44)

Todas las composiciones son de Jeremy Udden, excepto ‘Blinks’ de Steve Lacy y ‘Eternal flame’ de The Bangles.

Artist List

Jeremy Udden: saxes
Nathan Blehar: tenor saxophone
Ben Monder, Tim Miller: guitar
Leo Genovese: Fender Rhodes
John Lockwood, Garth Stevenson: bass
Matt Wilson, Ziv Ravitz: drums
Special Guest: Bob Brookmeyer: valve trombone

tapa Plainville
Plainville (2009)

Crisis de identidad: Los modelos a imitar de Jeremy Udden para su primer álbum eran Joe Henderson y Joe Lovano – pero él escuchaba a Beck y Wilco.

En su reseña del Village Voice sobre Plainville (Fresh Sound New Talent) de Jeremy Udden, Jim Macnie recordó cómo un amigo intentó clasificarlo como “jazz para fans de Wilco”. Como Macnie explicó, esa no es toda la historia con Udden o Plainville, pero no es un mal punto de partida.

Udden, de 31 años de edad, ha tomado el camino de una gran cantidad de jóvenes músicos de jazz de estos días -de Aaron Parks y Brian Blade a Julian Lage y Jim Black- esto es, sus influencias son tanto el folk o el rock, como el jazz. Y en lugar de recorrer el pop contemporáneo, ellos escriben material original basado en el pop que están escuchando. Cuando Udden -graduado en una maestría en el New England Conservatory (en adelante NEC) y ex miembro de la Boston’s Either/Orchestra- realizó su álbum debut, Torchsongs, en el 2006, él dijo que sus modelos eran álbumes clásicos del jazz moderno: Lush Life de Joe Henderson (Verve) y Rush Hour de Joe Lovano (Blue Note). Esos eran su idea de álbumes conceptuales de jazz. Pero los discos que él realmente estaba escuchando eran “Yankee Hotel Foxtrot” de Wilco (Nonesuch) y “Sea Change” de Beck (Interscope).

“Torchsongs” se repartió en partes iguales. “Marin” aporta logradamente un dúo entre Udden y uno de sus maestros del NEC, el gran trombonista y compositor Bob Brookmeyer. En su sentido del tiempo y sus armonías, es como el jazz que usted conoce. Pero otras canciones, como “Fish Lake”, parecían folk en sus progresiones de acordes. Y aunque “Fish Lake” incluyó solos, el mismo Udden no tocó ninguno.

Con “Plainville”, su inmersión en el pop y el folk es total. El tema de apertura comienza con el sonido de un armonio, seguido de un banjo metalico y la melodía quejumbrosa del alto de Udden antes de transformarse en un ritmo más parecido al trote de unos cascos de caballos. El rasguido de la guitarra acústica de “Christmas Song” sugiere un vals de Leonard Cohen. “Red Coat Lane” es otro vals, éste introducido por el saxo alto acentuado con un golpe rígido y sordo antes de que el banjo de Brandon Seabrook vaya llevando la melodía sobre un armonio que va resoplando gradualmente. Y “Curbs” y “Big Licks” se levantan con ritmos pesados y ásperas y discordantes guitarras eléctricas. A pesar de estos estallidos, el clima tiende hacia lo pastoral y elegíaco (el disco lleva el nombre de la ciudad natal de Udden’s en el sur de Massachusetts; incluso exhibe una foto en sepia del almacén de ramos generales en la tapa)

Los arreglos en su totalidad están bellamente balanceados, con una cadencia natural al cambiar texturas y algunas improvisaciones brillantes, ya sean las guitarras eléctricas de Ben Monder y Seabrook o el banjo de Seabrook y el saxo de Udden. En “Big Licks”, todo el mundo se calla mientras Udden construye líneas mezclando frases cortas y largas, trepando, zambulléndose, corriendo, amagando irse -como en el jazz- a armonías adyacentes, mientras el bajista Eivind Opsvik mantiene el tempo vagamente a su lado hasta que todos se unen para un nuevo crescendo.

Y aún así, dice Udden cuando lo llamamos por teléfono a Brooklyn, “Ni una sola de las canciones comenzaron como una influencia del jazz”. En su lugar, las piezas habitualmente comenzaban siendo escritas por Udden en guitarra. Y en cuanto a su identificación como un músico de jazz dice: “Si la gente pregunta, digo que toco el saxo, así que es jazz. Pero tocamos mayormente folk y rock. Es engañoso: esto es lo que escucho cuando escribo música. Si realmente tuviera tanta necesidad de audiencia, probablemente fundaría una banda de covers de los Beatles o algo así. El mundo del jazz, odio decirlo, pero es algo con lo que cada vez me identifico menos, aunque probablemente sea el único mundo que acepte esta música”.

Pero casi todos los músicos en el CD tienen antecedentes en el jazz. Nathan Blehar es otro graduado de NEC, en este caso uno que abandonó el saxo, que cambió por la guitarra acústica. Tocó el saxo en Torch Songs, pero aquí toca la guitarra de cuerdas de nylon “-típico fanático de Leonard Cohen-”, confirma Udden, que toca la introducción a “Christmas Song.”

El jazz habitualmente valora la complejidad rítmica y armónica. En Torch Songs, Udden dice que trató de escribir melodías simples, basadas en negras con armonías complejas. Para Plainville, intentó escribir melodías más complejas, en corcheas, sobre armonías más sencillas. Y viró a formas estrofa/estribillo más del pop y el folk que formas de composición continua más similares a las del jazz. “Curbs”, explica, combina el beat de “UMass” de los Pixies con una melodía saltarina que imitó de la cantante Joanna Newsom en “Bridges and Balloons”. “Habitualmente no le digo a la banda que es o que estoy tratando de hacer, por lo que toma vida propia”. El otro problema, dice, era “decidir qué era lo que iba a hacer de un tema instrumental, sin letra, algo interesante y que funcionara como un todo”.

En cuanto a la rítmica, Udden dice que el baterista RJ Miller “es en gran medida un baterista de jazz, pero en este grupo su acercamiento es realmente el de un baterista de rock” ajustándose al rol asignado en cada pieza. “Tantos bateristas de jazz simplemente no tienen esa autocontención. Ni siquiera noté, hasta que mezclamos Plainville que RJ toca las escobillas sobre el tambor durante todo el tema. No toca ningún otro tambor en toda la pista”. Con menos intercambio entre solistas y sección rítmica, “hay que tomar la inspiración de algún otro lado”.

Si uno escucha como lo cuenta a Udden, se transformó en un músico de jazz casi por accidente. Se ríe al recordarse excitado cuando escuchó a un chico tocar “La Pantera Rosa” en tercer o cuarto grado (“todavía me gusta Mancini”), y fue entonces cuando escucho a una banda invitada con el saxofonista David Pope en tenor. “Usaba esos tiradores muy cool y tomaba los solos inclinándose mucho hacia atrás, tirando riffs en el saxo y era lo más cool que había visto jamás”. Aún así, Udden era un instrumentista algo abúlico hasta que su hermana se unió a la banda de marchas -“y entonces yo también me uní a la banda de marchas”-. Esto fue en la King Philip Regional High School de Wrentham, la cual es conocida por su currícula de música. Udden ensayaba tres horas por día, cuatro días a la semana, “y tenía el saxo en la boca todo ese tiempo. Así que logré suficiente técnica para entrar en la banda de jazz”. Otro punto de inflexión llegó luego de que su padre le dijo luego de una performance de la banda “Sería realmente una pena si no hicieras algo con esto”.

Así que, fue la NECs. Había comenzado a hacer algo y encontraba que tenía talento para eso, “por lo que seguí tomando el siguiente paso lógico”. Tocó en una banda de ska, luego en la banda de zapadas de Boston Miracle Orchestra, que teloneó a Phish en una ocasión. Se unió a la Either/Orchestra. Se tomó su tiempo de descanso cuando desarrolló síndrome de túnel carpiano. Cerca de su graduación, a la edad de 23 años, comenzó a preguntarse si ser un músico de jazz era lo que realmente quería hacer.

“Cuando estás incorporando tanta información, es difícil dejar ir esas cosas cuando estas tocando. Y necesitaba tomar distancia físicamente de Boston, distancia temporal del estudio y largos períodos sin tocar el saxo y sin escuchar jazz, para luego volver y decidir qué me gustaba y qué no me gustaba”.

Para Udden, la respuesta fue un acercamiento más sencillo, tanto en la ejecución como en la composición. Descubre que los ejecutantes que tocan a una velocidad del demonio lo ponen incómodo. “No es que sea el instrumentista más lento del mundo, pero sé que no soy el más veloz. Así que para mí, tocar tan rápido es como si tocara ejercicios. Mientras que si toco cosas más sencillas sobre un tempo medio, puedo tener la mente más despejada y puede ocurrir un verdadero acto de improvisación”. Recuerda una frase de uno de sus mentores, Lee Konitz: “Si la gente supiera cuan despejada está mi mente en realidad antes de tocar algunas cosas, sería muy embarazoso”.

Desde muy temprano Udden puso el foco en la calidad de su sonido y su tono aéreo y flotante es algo que comparte con Konitz, tanto como sus sorprendentes escaladas, las curvas y giros de sus líneas, algunas de las cuales son realmente veloces. A pesar de sus recelos, Udden aún habla como un músico de jazz, e improvisa como uno. Y cabe preguntarse si algún músico que no sea de jazz podría haber aparecido con algo como Plainville.

Fuente para la reseña Jon Garelick para http://thephoenix.com/boston/music/91570-slow-hand/?page=1#TOPCONTENT

Track Listing – Plainville

01. Plainville (5:48)
02. Red Coat Lane (4:13)
03. Curbs (6:06)
04. Christmas Song (4:58)
05. 695 (6:24)
06. Modest (5:49)
07. Big Lick (4:34)
08. The Reunion (3:34)
09. Empty Lots (7:31)

Artist List

Jeremy Udden: alto, soprano saxophones, cymbals (5)
Pete Rende: pump organ, Fender Rhodes, pedal steel guitar, Prophet
Brandon Seabrock: banjo, electric guitar, steel string acoustic guitar
Eivind Opsvik: bass
RJ Miller: drums
Nathan Blehar: nylon-string acoustic guitar (1, 4)
Mike Baggetta: electric guitar (9)
Justin Keller: tenor saxophone (9)

tapa Folk Art
Folk Art (2012)

Impulsado por el compulsivo banjo de Brandon Seabrook, el álbum del 2009, Plainville del saxofonista Jeremy Udden, fue una sorprendentemente original mezcla de jazz y americana, una especie de “Kind of Blue” de las raíces, que ha demostrado ser difícil de superar. En la música en su próxima etapa, la continuación más enchufada de Udden, “If the Past Seems So Bright”, tenía algunos grandes momentos, pero también algunos difusos. Perfeccionando su sonido en Folk Art, una vez más nos atrae con su inquitante moderación.

La mayor parte del álbum consiste en una suite ejecutada por un cuarteto incluyendo a Seabrook, el bajista Jeremy Stratton y el baterista Kenny Wollesen, con interludios de solo de guitarra acústicos por Nathan Blehar y Will Graefe. La lánguida y atmosférica música, dibuja la intensidad a partir de sus apareamientos: el alto saxofón de Udden derrama repentinas notas sobre el nervioso punteo de Seabrook en “Bartok”; Seabrook urgentemente puntea sobre las agitadas figuras de Wollesen en “Up”.”Our Hero” alardea de una animada melodía a lo Ornette Coleman.

La música corre el riego de convertirse en estática, pero Udden evita la monotonía a través de sus agudos contrastes texturales, amplia gama colorista y el mando atmosférico. Un saxofonista sotto voce, cuyas notas se rizan como el humo, tiene la clase de presencia estable, lírica que recuerda a íconos tales como Jimmy Giuffre, Lee Konitz y Wayne Shorter. Las dos pistas finales presentan a la banda Plainville, con Seabrook en guitarr eléctrica, Blehar en guitarra acústica, Pete Rende en Rhodes, Elvind Opsvik en bajo y RJ Miller en batería. Ellos son sólidos, pero tranquilos, sobre todo teniendo en cuenta la agitación que Seabrook ha creado en la guitarra.

Fuente para la reseña: Lloyd Sachs para http://jazztimes.com/articles/76737-folk-art-jeremy-udden

Track Listing – Folk Art

01. Prospect (Part 1) (5:43)
02. Train (1:57)
03. Up (5:22)
04. Portland (6:35)
05. Dress Variation (2:33)
06. Alexander (Part 2) (5:19)
07. Bartok (4:05)
08. Our Hero (Part3) (2:38)
09. Jesse (4:14)
10. Thomas (7:59)

Todos los temas son de Jeremy Udden, excepto “Jesse” de Pete Rende y “Thomas” & “Dress Variations” de Nathan Blehar.

Artist List

Jeremy Udden: alto & soprano saxes
Brandon Seabrook: banjo
Jeremy Stratton: bass
Kenny Wollesen: drums
Eivind Opsvik: bass
Pete Rende: Rhodes, Wurlitzer
Will Graefe: guitar
Nathan Blehar: nylon-string
RJ Miller: drums

Password en todos los casos: presoventanilla

Apunte: “Inquietante moderación” dice muy acertadamente Lloyd Sachs en su reseña de “Folk Art“, sobre el carácter musical de Jeremy Udden. Jeremy pertenece a una generación de músicos con muchísima información musical, con amplios y diversos gustos por diferentes géneros, y que no dudan en poner todo eso en una música personal y, en este caso, por momentos con genuina emoción. La evolución de Udden de un disco a otro, es siempre positiva buscando hacer cosas distintas con una mirada que parte desde una formación jazzera para ir con un espíritu indie a los territorios del folk y de la tradición norteamericana. Resumiendo: “Torchsongs” es un muy buen disco, “Folk Art” es excelente y “Plainville” es un verdadero discazo. Finalmente quiero agradecer especialmente a mi amigo Nicolobo Ramos que me ayudó con la traducción de las reseñas de los discos. Espero lo disfruten. Saludos!



SkyDive Trio
mayo 10, 2015, 10:45 pm
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tapa Sun Moee

Sun Moee (2015)

SkyDive Trio es el guitarrista Thomas T Dahl, el bajista Mats Eilertsen y el baterista Olavi Louhivuori. Si estos nombres suenan familiares, posiblemente es porque el trío constituye las tres quintas partes del disco SkyDive de Eilertsen, donde Tore Brunborg y Alexi Tuomarila son las otras dos, y las tres séptimas partes del proyecto “Rubicon” también de Eilertsen, donde Eirik Hegdal, Trygve Seim, Rob Waring y Harmen Fraanje son las partes restantes de la fracción.

Fracciones aparte, “Sun Moee” es tanto el título de una intensa y apasionante canción (Dahl) y un desinhibido y manipulador melódico álbum de trío de guitarra que vive una buena vida en el eco de Bill Frisell, Pat Metheny y ocasionalmente Terje Rypdal y Peter Green. Thomas T Dahl (quien ha escrito tres canciones, mientras que Eilertsen (3) y Louhivuori (1) completan el resto del material original) es la voz dominante del álbum con sus diferentes temperamentos de sonido, constante sentido melódico e impecable y cristalino fraseo, pero Eilertsen y Louhivuori también tienen papeles importantes en creatividad y sensibilidad en sus manos para la rica interacción del trío.

Por lo tanto, “Sun Moee” nunca se convierte en un especie de álbum de “solista con respaldo”, especialmente subrayado con el final, “Four Words”, pieza de timbre escultórica de Louhivuori que puede ser visto como una ruptura con el resto del repertorio del disco o como un muy interesante extensión del trío a travez de expresiones tonales y temporales.

Eso dice algo sobre esta fuerza creativa del trío que la versión de “Sour Times” de Portishead es, quizás, la pista menos interesante del álbum, y como tal podría fácilmente haber cedido lugar a más material original. Sin embargo, Sun Moee es un álbum que es fácil de querer, y un producto artesanal que viene con toda la autoridad del esfuerzo y maestría musical. Incluso en los casos en que la inspiración de esta obra maestra parece flotar peligrosamente, es difícil sentir nada de eso, salvo la alegría por los logros de este trío.

Fuente para la reseña: Terje Mosnes para Jazzinorge.no

Apunte: Mats Eilertsen es un músico conocido en nuestro blog: en el pasado, hemos escuchado sus álbumes como líder y otros como compañero de ruta del pianista Tord Gustavsen. En esta oportunidad, junto a dos de sus músicos habituales decide nombrar al trío como uno de sus álbumes (“SkyDive”, 2011, editado también por el sello Hubro), y también cede el protagonismo a la guitarra de Thomas Dahl. Este no es un típico trío de guitarra de jazz, ya que la música que se escucha tiene sonoridades de un indie-rock reflexivo y también (como corresponde a gran parte de la música nórdica) algo de ambient. Las referencias a Metheny y Frisell que se hacen sobre Dahl en la reseña son ciertas, pero tampoco son excesivas, apenas ciertos detalles de sonido. En resumen, sin llegar a ser excepcional Sun Moee es un muy buen disco que confirma la calidad y solidez de la discografía de este grupo de músicos nucleados alrededor de Mats Eilertsen.

Track Listing

1. Bravo (5:03)
2. Talbot (7:49)
3. Slow Turn (6:50)
4. Sour Times (6:31)
5. Signs (3:56)
6. Sun Moee (7:48)
7. Becks Back (6:22)
8. Four Words (6:27)

Artist List

Thomas T Dahl: guitars
Mats Eilertsen: double bass
Olavi Louhivuori: drums

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Chris Morrisey
abril 1, 2014, 12:27 pm
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tapa North Hero
North Hero (2013)

Hasta ahora, la gran variedad ha distinguido a Chris Morrissey. En 2009, su debut, “The Morning World”, fue vigoroso pero pixelado, como un fotomosaico: cada una de las pistas era un punto de una bala de lo que el bajista podría ser. North Hero es una más centrada, intensa y, en última instancia más bonita foto de quién es él.

Morrissey no es ni la mitad en lo que concierne a género como a las necesidades emocionales de sus canciones, aunque es difícil de ignorar los elementos identificables del indie-rock: bordes duros, sencillez folk y espíritu DIY (N. del T: Do It Yourself, hazlo tu mismo). Aquella estética que tiene que ver con el pianista Aaron Parks (cuyo “Invisible Cinema” del 2008 es un Rosetta Stone para el indie-jazz), el saxofonista Mike Lewis, el baterista Mark Guiliana y la producción de David King (The Bad Plus). En la página de inicio del álbum, Morrisey también cita una “escuela de pensamiento del medio-oeste” (para lectores costeros, esto se traduce, aproximadamente, como un sobreentendido lirismo)

En “The Spirit of Chanhassen”, los acordes de piano à la ZZ Top en “La Grange”, palpitan bajo una melodía que es limpia y urgente. “Minor Silverstein” da margen de maniobra al tranquilo fuego de Lewis; su melodía es un crujido, un nudo flojo tirando. El cuarteto tiene un ángulo adecuadamente conservador paseando por el territorio del jazz en “Midland, Texas Picnic Area”, y Guiliana golpea el camino con miradas de forastero en “Roman Subway”.

La banda es ajustada en todas partes, pero en “Electric Blanket” -la pista final del álbum- ellos alcanzan un sonido que es más grande, magnífico y de algún modo más hermoso que la suma de sus partes. Morrisey ha sido un músico para todas las sesiones. En North Hero, él suena como que su momento ha llegado.

Fuente para la reseña: Zach Hindin para http://jazztimes.com/articles/107968-north-hero-chris-morrissey

Apunte: North Hero transita por los caminos fronterizos entre el jazz y el rock indie. Y lo hace convincentemente y con muy buenos resultados. De alguna manera, es la misma veta en la que excavan Ben Allison en su último disco (“The Stars Look Very Different Today”), y en los que aquí hemos escuchado de Dylan Ryan, Sand (“Sky Bleached”) y de Kneebody (“The Line”). Parece ser que poco a poco, tal vez por un tema generacional, es una de las principales corrientes por las cuales se moverá el “jazz” y sus alrededores en los próximos años. No es casualidad que Parks y Guiliana sean de esta partida, ya que son dos jovenes músicos que vienen colaborando con muchos artistas consagrados y además tienen sus propios proyectos orientados en esta dirección. Disfrutemos esto y apuntemos a Morrisey para ver hacia donde evoluciona en el futuro. Su primer disco, “The Morning World”, se puede escuchar completo en el sitio que Morrisey tiene en bandcamp.

Track Listing

1. The Spirit of Chanhassen (5:08)
2. Minor Silverstein (4:47)
3. Midland Texas Picnic Area (6:21)
4. Roman Subway (6:14)
5. One Worn Mile (5:44)
6. Hands Crystals Anderson (5:20)
7. Lullaby for Twins (3:57)
8. Electric Blanket (8:07)

Artist List

Chris Morrissey: bass
Aaron Parks: piano
Mike Lewis: saxophone
Mark Guiliana: drums

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Sweet Billy Pilgrim


Crown and treaty (2012)

Empezar preguntándome una única palabra que defina la música de Sweet Billy Pilgrim es complicarme la vida gratuitamente, y pensar irremediablemente en ‘belleza’ es opositar a crítico petulante del mes sin discusión alguna. Expongamos mi defensa antes de ser juzgado. Llana y simplemente, me es imposible encontrar otra palabra que defina mejor la música del conjunto inglés. Ya en el anterior álbum, “Twice born men”, un conjunto de temas de espíritu folk pasados por el tamiz del laptop, apoyados en la subyugante voz de Tim Elsenburg, y grabados artesanalmente en el cobertizo de su jardín, la belleza fluía a borbotones entre los surcos del disco, recibiendo fantásticas críticas en su país.

En su tercera entrega, “Crown and treaty”, consiguen pulir todavía más la fórmula, recogen influencias de otros estilos, aceleran el ritmo de algunos temas y firman una cantidad ingente de singles potenciales (“Archaeology” o “Blood is big expensive”, entre otras) que me obligan irremediablemente a confirmar que estamos ante un disco bello y emocionante.

Javier Burgueño para http://www.go-mag.com/es/discos/folktronica/sweetbillypilgrim-crownandtreaty-review_r2654/

Apunte: Cuando David Sylvian los reclutó para su sello Samadhisound dijo: “Mientras que los músicos hoy en día son algo así como científicos moleculares solitarios que experimentan cosillas en un charquito al fondo del jardín, y que la mayoría de ellos obtienen como resultado un endeble y simpático monstruito, Sweet Billy Pilgrim logran producir un universo entero”. Con semejante concepto de parte del Chamán de Samadhisound, tiempo atrás encarrilé mis oídos hacia “Twice Born Men” y no me defraudó. Los ví aparecer de nuevo con Crown and treaty (ya por fuera de Samadhisound), y tuve ciertos temores, porque había leído a críticos ingleses hablando de “candidato a mejor disco del año 2012” y otras loas por el estilo. Y uno es medio desconfiado, vió?. Escuchado varias veces Crown and treaty, me puse a jugar con mis amigos y nos preguntamos: la manera de cantar de Tim Elsenburg tiene un aire a Thom Yorke? Si, tiene. En ciertos temas se parece a Thomas Feiner? Si, se parece. Es esto pop? Si y no; suena folkie, pero tambien hay arreglos “prog” que deforman la cosa y la pertenencia se vuelve difusa; la guitarra en “Archaeology” a que suena? Suena con unos giros claramente frippeanos. Pero… y las canciones? Las canciones son eso: canciones bellas, algunas, bellísimas, convincentes, emotivas, el faro de este excelente disco. Porque lo experimental que podía haber tenido “Twice Born Men”, se ha concentrado en enriquecer a las canciones, que no destilan un solo estado de ánimo, sino que son como la vida misma, cambiantes, definitivamente vivas…Adictivo, con estribillos que quedan dando vueltas en la cabeza, pegadizo en el mejor sentido y la voz de Elsenburg desnudando sentimientos y transmitiendo genuina emoción, coincido con los que dicen que Crown and treaty es de lo mejor que nos pudo pasar este año.

Track Listing

1. Joyful Reunion (5:36)
2. Archaeology (5:20)
3. Blakefield Gold (4:21)
4. Arrived At Upside Down (6:13)
5. Blood is Big Expense (5:33)
6. Brugada (4:38)
7. Kracklite (6:24)
8. Shadow Captain (3:09)
9. Blue Sky Falls.(8:34)

Artist List

Tim Elsenbug: vocals, guitars, keyboards, samples, harmonium
Jana Carpenter: acoustic guitar, vocals, cymbals, samples, keyboards
Anthony Bishop: banjo, bass, vocals
Alistair Hamer: drums, percussion, samples, vocals
Phil Chamberlain: saxophones (1)

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Regina Spektor
abril 28, 2008, 10:03 pm
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11:11

Entro al blog de mi hijuelo Jpi y a un costado veo un tag que dice “Mujeres que amo”. Debajo una foto de Alejandra Pizarnik y una poesía en prosa de la tremenda escritora argentina. Más abajo, una foto de Regina y un temita colgado “The Ghost of Corporate”. Escuché y me mató.

Regina Spektor nació en Moscú en 1980. Gracias a la Perestroika, emigró con su familia a New York. Como no se permitía el ingreso de ningún objeto soviético, no pudo llevar su piano. Tuvo que practicar escalas en mesas y ventanas, en pisos con teclados imaginarios y en tablas de lavar. Hija de judíos rusos, padre violinista y madre profesora de música (enseña en una escuela pública en Vermont), Regina cambió a los clásicos rusos por el jazz, el blues y el rock con influencias punk. Eleven Eleven” es su primer disco, de producción totalmente casera, grabado en un solo día. Instrumentación minimalista (el piano, y ocasionalmente una baqueta con la que percusiona su silla). Personaje del ambiente indie y anti-folk neoyorkino, su popularidad llegó de la mano de The Strokes. Cuenta la leyenda que Paul Casablanca, cantante de The Strokes, la escuchó una noche en un pub y se la llevó de telonera a la gira norteamericana de la banda.

Lo primero que sorprende gratamente es la afinadísima voz de Regina. Su timbre. Su vocalización perfecta. Pero por sobre todas las cosas su expresividad. Hablamos de una artista de 23 años. Quizá esa expresividad tenga que ver con que ella misma es la compositora de todos los temas del disco. Canciones de cabaret (“Love affair”), conviven con el blues (“Rejazz” / “2.99 Cent Blues”), con historias al mejor estilo Dylan (“Back of a Truck”), con experimentos pop con aires hip hop, como el interesante “Pavlov´s Daughter”. Un punto altísimo del disco es “I Want to Sing” un blues a capella, de perfecta ejecución que no tiene nada que envidiarle a hitos del género que sería antipático mencionar.

Un disco con mucha exploración y muy logrado, con una potencia expresiva que seduce. Una joven cantante rusa sentada al piano en el Bronx—Regina vive allí—¿se imaginan una imagen más poderosa y valiente?

Posteo y reseña del perro proletario

Track Listing

01. Love Affair (2:22)
02. Rejazz (3:37)
03. Back Of A Truck (5:52)
04. Buildings (4:43)
05. Marry Ann (2:56)
06. Flyin (1:59)
07. Wasteside (2:22)
08. Pavlov’s Daughter (7:43)
09. 2.99 Cent Blues (3:33)
10. Braille (4:55)
11. I Want To Sing (3:56)
12. Sunshine (2:23)

Link de descarga
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word: musicaquecuelga.blogspot.com