Preso ventanilla


Aaron Parks Little Big II
junio 25, 2020, 9:06 pm
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tapa Little Big II
Dreams of a Mechanical Man (2020)

“Hacer lo simple complicado es común; hacer lo complicado simple, increíblemente simple, eso es creatividad “. Estas palabras del legendario bajista / compositor Charles Mingus son una piedra de toque para Little Big, el cuarteto dirigido por el pianista Aaron Parks. La nueva grabación de la banda, Little Big II: Dreams of a Mechanical Man, se comunica con una claridad y simplicidad que oculta su máxima profundidad. “Quiero lanzar un hechizo”, explica Parks, “para adormecerte en un trance donde creas que sabes a dónde vas y luego llevarte a un lugar inesperado, casi sin darte cuenta de cómo llegaste allí”.

Esta nueva música continúa el cultivo de la banda de un lenguaje musical que combina la música creativa improvisada con una música más centrada en el groove (electrónica, indie-rock, hip-hop y psicodelia), pero sin un rastro de “fusión” educada o una sensación de que el la música está hecha de estilos dispares. Más bien, se siente perfectamente integrado, completo en sí mismo.

Dreams of a Mechanical Man es el segundo lanzamiento de Little Big en Ropeadope Records, grabado después de más de dos años de gira por Parks, el guitarrista Greg Tuohey, el bajista David “DJ” Ginyard y el baterista Tommy Crane. Una distinción principal de este nuevo álbum, según Parks, es que “hoy, la banda opera como un solo organismo. El primer disco fue sobre las melodías y la estética. Este álbum mantiene ese enfoque y también captura la química que hemos desarrollado en el camino, la forma en que esta banda se siente mientras hace música en el momento”.

Little Big de 2018 fue en sí mismo una especie de secuela del aclamado debut de Blue Note de Parks, Invisible Cinema, una grabación de 2008 que puso al compositor y al pianista en el centro de la conversación sobre cómo se estaba desarrollando el jazz en el nuevo siglo. Con Dreams of a Mechanical Man, Parks continúa explorando las posibilidades de cómo la música puede encontrar una voz que incorpore influencias de la música popular, la tradición del jazz, la composición clásica, y canciones folclóricas: ideas que ahora están encontrando su expresión más convincente y madura, ya que la composición, la interpretación y la producción se unen de maneras sorprendentes.

La asociación de producción con Chris Taylor, productor / bajista de Grizzly Bear y Department of Eagles, entre otros, también fue clave. “Fue un colaborador esencial en el estudio”, señala Parks, “agregando detalles brillantes. En la canción principal, por ejemplo, se le ocurrió la idea de una sección de percusión sobregrabada, que terminamos grabando en el vestíbulo del estudio. Es un toque sutil que ayuda a crear un fuerte sentido de lugar”. Taylor también fue fundamental para ayudar a la banda a encontrar sus mejores actuaciones, no las llamadas perfectas, sino las que capturaron a la banda en su forma más humana. “Nos ayudó a aceptar estos momentos de imperfección y crudeza, permitiendo que la música respire y cobre vida”.

“Supongo que se podría decir”, explica Parks, “vamos por y, no o. Estructura y libertad. Contención y abandono. La idea es que esta banda se sienta al mismo tiempo como una máquina bien aceitada y un equipo de improvisadores.”

Las voces de los compañeros de banda de Parks son cruciales en todo momento.  “¿Está todo bien?” y “¿Dónde ahora?” fueron totalmente improvisados en el estudio, porciones de exploraciones de forma libre más largas que se basan en la capacidad de la banda para obtener una lógica de la espontaneidad. “Esto”, dice Parks, “es la banda realmente siendo una banda, un ser vivo”.

2019 fue un año crítico para Aaron Parks, de 36 años. No solo viajó extensamente como líder con Little Big, sino que también fue un colaborador integral de “Waiting Game”, la aclamada grabación de la baterista Terri Lyne Carrington. Desde que se mudó a Nueva York desde Seattle para asistir a la Manhattan School of Music a los 16 años, Parks ha ido desarrollando gradualmente su voz distintiva. Por recomendación del legendario pianista Kenny Barron, se unió a la banda de Terence Blanchard durante cinco años y tres álbumes notables, seguido de su propio debut en Blue Note, que John Fordham de The Guardian declaró “una verdadera visión independiente” de “una estrella en rápido crecimiento”. También ha lanzado dos álbumes muy elogiados para ECM, el piano solista “Arborescence” y “Find The Way” con Ben Street y Billy Hart. Parks cofundó el supergrupo colectivo James Farm con Joshua Redman, Matt Penman y Eric Harland, y muchos otros lo han buscado como colaborador, incluyendo el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el trompetista Ambrose Akinmusire, el oudista Dhafer Youssef, la cantante Gretchen Parlato, y el baterista Kendrick Scott.

El propósito más grande de Dreams of a Mechanical Man, dice Parks, va más allá del desarrollo de ideas musicales. “Cada día nos llegan tantas noticias profundamente preocupantes, amplificadas por la forma en que consumimos medios. Es demasiado fácil para nuestros corazones sentirse abrumados y endurecidos. Para que podamos hacer el trabajo sistémico que debemos hacer para tener una oportunidad en esta Tierra, necesitaremos poder mostrarnos con nuestros corazones disponibles y completos. Debemos ser capaces de sentir”.

Parks, quien ha experimentado períodos de depresión, espera que las canciones y narraciones musicales presentadas en Dreams of a Mechanical Man puedan ofrecernos un poco de terapia. Esta es la música que tiene como objetivo hacer sonar la alarma sobre algunos de los problemas generales de nuestro planeta (“Attention, Earthlings”), nos pide que pensemos más profundamente (la canción principal “Dreams of a Mechanical Man”, evocando la historia de Pinocho y las enseñanzas de G.I. Gurdjieff), y nos invita a mirar hacia adentro para examinar cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con los demás en estos tiempos precarios (“Unknown”).

Fuente para la reseña: https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2020/05/aaron-parks-little-big-ii-dreams-of-a-mechanical-man/

Apunte: Aaron Parks y su banda parecen estar desde hace un par de años en “su zona”. Han logrado un grado de entendimiento y unidad conceptual tal, que deberían ser premiados al menos con un reconocimiento masivo de público. Su música tiene el don que, intuyo, todo artista debe desear: es inteligente, no exenta de complejidades, transmite emociones, capta la atención y a la vez es muy accesible; lo popular amalgamado con lo académico. “Debemos ser capaces de sentir” dice Aaron. Y de escuchar, agrego humildemente. Lo anoto en mi lista de discos notables del 2020.

Track Listing

01. Attention, Earthlings (5:59)
02. Here (5:44)
03. Solace (7:13)
04. Friendo (6:34)
05. Is Anything Okay? (3:24)
06. The Shadow & The Self (7:20)
07. The Storyteller (6:29)
08. Dreams of a Mechanical Man (5:32)
09. My Mistake (4:54)
10. The Ongoing Pulse of Isness (7:16)
11. Where Now? (3:22)
12. Unknown (6:57)

Artist List

Aaron Parks: piano, synthesizers, Wurlitzer, Rhodes, celeste, vibraphone, glockenspiel, chimes, voice
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard Jr: bass
Tommy Crane: drums, percussion

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Let Spin
junio 22, 2020, 7:10 pm
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tapa Steal the Light
Steal The Light (2020)

Formado en 2014, Let Spin es un cuarteto eléctrico de Londres poblado por músicos que surgieron alrededor de una década antes como parte de una escena que los periodistas de música británicos llamaron perezosamente “punk jazz”. La música era ciertamente fuerte, irreverente y directa, pero la tocaban músicos graduados del conservatorio, un grupo demográfico no asociado con el punk en su manifestación original.

Ruth Goller y Chris Williams de Let Spin, fueron miembros de dos de los conjuntos más feroces de la época. La bajista eléctrica Goller se unió a Acoustic Ladyland del saxofonista tenor Pete Wareham en 2007. El alto saxofonista Williams fue un miembro fundador de Led Bib en 2003. El guitarrista eléctrico Moss Freed se dio a conocer por primera vez como líder del Moss Project, que fundó en 2009. El baterista Finlay Panter es quizás el miembro menos conocido de Let Spin, al menos en el Reino Unido, en parte porque ha pasado años en Berlín y también porque, aparte de Let Spin, su banda británica más destacada es Beats & Pieces Big Band, con sede en Manchester, un excelente conjunto pero dentro de un género que difícilmente sea el último grito.

Como unidad, Let Spin es tan fuerte como Fred Astaire y Ginger Rogers: Steal The Light es el tercer álbum del grupo y se nota. No busque melodías tarareables o estructuras de tema-solos-tema. La música es alta energía e intensa, pero también es intrincada y matizada; y aunque se toca con pasión, también es cerebral. Exige la atención del oyente y esa atención es recompensada. El álbum atraerá a cualquiera que disfrute del vaporoso saxofón alto y de “Disrespectful” (Rainy Day Records), disco debut de Marzo del 2020 del dúo de baterías JZ Replacement, otra grabación que equilibra finamente el visceralismo con el virtuosismo.

Como beneficio adicional, Steal The Light también está inmaculadamente producido y mezclado, por Alex Killpartrick en siete pistas y Kit Downes en otra. El sonido es nítido y contundente con cada instrumento brillando intensamente. Cosas preciosas en general.

Fuente para la reseña: Chris May para https://www.allaboutjazz.com/steal-the-light-let-spin-efpi-records

Apunte: Desafiando métricas, ritmos y melodías, Let Spin experimenta aventurandose más allá del mundo del jazz y del rock, logrando salir triunfante: Steal The Light exige atención, es cierto, pero el oyente obtendrá una experiencia auditiva fascinante; con pasajes donde muestran poder y convicción, también puede atraer la atención de un público rockero más exigente (por aquí y por allá se escuchan algunas ecos crimsonianos…). Recomendable!!.

Track Listing

1. Wormholes (6:04)
2. Sketch (5:06)
3. Bells (5:18)
4. Cosmoss (5:52)
5. Morecambe (5:05)
6. Los (4:45)
7. Ghostly (5:43)
8. The Aftermath (7:10)

Artist List

Moss Freed: electric guitar
Chris Williams: alto saxophone alto
Ruth Goller: electric bass
Finlay Panter: drums

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Chris Montague
junio 21, 2020, 9:22 pm
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tapa Warmer Than Blood
Warmer Than Blood (2020)

En una reciente entrevista de cierre con London Jazz News, se le preguntó al compositor de este CD, Chris Montague, cuál fue el primer álbum que compró como “músico de jazz”. La respuesta de Montague es interesante ya que dijo que cuando tenía 14/15 años compró una compilación de John McLaughlin en HMV en Newcastle (“¿Por qué no desde Windows?”, imagino al editor de BSH preguntándose). No es una mala elección para un joven aspirante a guitarrista adolescente, pero también es interesante por el mensaje que tomó de la música de McLaughlin. Él dijo: “Se sentía como una estética completamente diferente a las otras cosas en las que había estado, que estaba mucho más orientado al blues / rock”. Claramente le abrió los ojos a las posibilidades de tocar la guitarra y la música en general.

Aunque uno no pensaría en McLaughlin escuchando este álbum, definitivamente tiene su propia estética con paisajes sonoros constantemente variables y una cálida (> 98.6F) sensación emocional.

Aunque Montague ha estado involucrado en muchas grabaciones y con varios grupos conocidos, este álbum es el primero bajo su liderazgo y es maravilloso. La música es original e imaginativa, además de ser experimental e improvisada, pero sin las connotaciones negativas que a veces se unen (a menudo injustamente) a esas palabras. Algo de esto se debe a las sutiles composiciones de Montague y al toque de guitarra, pero gran parte también es el resultado de las complejas interacciones entre él y sus dos colegas; colaborador desde hace mucho tiempo, pianista y artista de grabación de ECM, Kit Downes, y la bajista eléctrica Ruth Goller. La ausencia de batería crea espacios para los tres que le dan a la música una delicadeza intrigante, tanto atractiva como estimulante.

La canción de apertura “Irish Handcuffs (Intro)” es un solo de guitarra improvisado bellamente tocado por Montague que conduce a la segunda pista, “Irish Handcuffs” con una estrecha interacción rítmica entre un piano ‘preparado’ y una guitarra mejorada electrónicamente con el bajo eléctrico allí, produciendo una mezcla muy vibrante e intrincada. Esta pieza demuestra la capacidad de Montague para integrar formas musicales inusuales con el uso del hocketting, una forma musical medieval con una rápida alteración de las notas entre dos voces (o en este caso, dos instrumentos) dando un sonido muy distintivo. Aparentemente, este efecto se usa en la música gamelan indonesia, siku andino, kuvutsi ruso, raras procesiones callejeras en Haití y King Crimson.

La canción principal “Warmer Than Blood” es una interpretación musical de un poema de Fiona Sampson que comienza “La bestia negra que duerme / bajo tus pies levantando / su espalda a veces enviándote / escalofríos por tu columna vertebral” y te da una idea de la atmósfera de esta pieza que es sutilmente oscura y misteriosa.

Se escribieron varias piezas para su familia. “FTM” para su hijo pequeño comienza lenta y meditativamente, pero se desarrolla hasta un final staccato más frenético y la pista “Moira”, inspirada en su abuela, es una improvisación de guitarra sincera y hermosa.

La única “melodía” melódica estándar en el álbum tal vez se le da apropiadamente el título “Not my Usual Type”, pero la calidad de la composición en todo el álbum se demuestra por el hecho de que no se destaca como algo diferente o un “alivio”, pero como otra buena pieza musical con su lugar entre todos las demás.

La última canción “Rendered” comenzó como una comisión para la apertura del piso Jimi Hendrix en la casa donde vivió Handel y, como no había mucha inspiración musical allí, aparentemente Montague comenzó frotando papel de manuscrito sobre papel de pared astillado (ahora que lo pienso, Hendrix se inclinó a frotar su guitarra contra ciertas partes delicadas de su cuerpo en la actuación en vivo). Pero, sin embargo, se creó: esta es otra pista musicalmente magnífica con hermosos sonidos repetitivos como de campana del piano y la guitarra y que termina con los sonidos del mar o el viento, o tal vez la sangre corriendo por las venas.

A lo largo del álbum, los tres músicos están en armonía intuitiva entre sí y han creado una música fantástica para ayudar a lidiar con el bloqueo. ¡Mi álbum del año!

Fuente para la reseña: JC para https://lance-bebopspokenhere.blogspot.com/2020/05/cd-review-chris-montague-warmer-than.html

Apunte: Desde que salió a la luz Warmer Than Blood, lo he escuchado varias veces y muy atentamente. Chris Montague puede estar satisfecho porque además de ser un álbum inteligente, amplio en sonidos y dinámicas aún sin contar con una batería, suena muy diferente a un típico disco de guitarrista, demostrando tener una voz muy propia. La elección de Montague de dos viejos amigos como socios en este proyecto está más que justificada por las excelentes contribuciones hechas tanto por Downes como por Goller. Muy recomendable!.

Track Listing

1. Irish Handcuffs (Introduction) (2:27)
2. Irish Handcuffs (5:21)
3. Warmer Than Blood (6:59)
4. FTM (6:52)
5. C Squad (3:34)
6. Not my Usual Type (4:27)
7. The Internet (6:02)
8. Moira (3:19)
9. Rendered (4:19)

Artist List

Chris Montague: guitar
Kit Downes: piano
Ruth Goller: electric bass

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Roberto Cecchetto
junio 21, 2020, 12:11 pm
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tapa Humanity
Humanity (2020)

Humanity es el nuevo álbum de Roberto Cecchetto, uno de los guitarristas más originales y eclécticos en la escena del jazz europeo, miembro de la histórica banda Electric Five de Enrico Rava, reconocida por su experimentación sonora y colaboraciones con los músicos más importantes del jazz europeo (Palle Danielsson, Richard Galliano, Paolo Fresu, Stefano Bollani, Paolino Dalla Porta, Lee Konitz, por nombrar algunos.) Cecchetto se empareja con Lionel Loueke en la guitarra y Alessandro Paternesi en la batería, entrelazando texturas sonoras ricas y creativas en composiciones refinadas y desafiantes de género. Las combinaciones melódicas suaves y una rica paleta armónica son características de las creaciones musicales de Cecchetto. Innovador virtuoso de la guitarra y compositor de origen africano occidental, Loueke es miembro de la legendaria banda de gira de Herbie Hancock y ha actuado con figuras destacadas del jazz contemporáneo. Loueke es uno de los guitarristas de estudio más demandados por los gurús mundiales del jazz como Wayne Shorter, Marcus Miller, Roy Hargrove y Charlie Haden. Lionel Loueke y Roberto Cecchetto se conocieron por primera vez en la ciudad de Nueva York, un encuentro que representó un hito artístico y personal. “Después de tocar con Roberto en Nueva York, rápidamente me di cuenta de que no estaba prohibido ningún territorio musical”, dice Loueke, “Nuestra conexión musical es evidente y nuestros estilos son complementarios, con un equilibrio e interacción únicos entre nuestros instrumentos. No puedo esperar para comenzar nuestro primer recorrido juntos”. Dos guitarristas extraordinarios y bien combinados con diferentes experiencias pero muy sintonizados entre sí. Unidos por una perspectiva similar, una fuerte pasión y curiosidad por nuevos horizontes. Su primera actuación había sido tan alucinante que decidieron retomar a este nuevo proyecto en dúo. Junto a ellos está el baterista Alessandro Paternesi, quien ha estado actuando durante más de una década y es uno de los bateristas italianos más buscados. Su intensa actividad de conciertos lo ha llevado a actuar junto con artistas respetados internacionalmente, incluidos Amil Stewart, Danilo Rea, Paolo Damiani, Gabriele Mirabassi, Javier Girotto, Fabio Zeppetella, Andrea Bocelli, Enzo Pietropaoli, Ada Montellanico, Franco Cerri.

Fuente para la reseña: https://www.forcedexposure.com/Catalog/cecchetto-roberto-humanity-cd/VVJ.134CD.html

Apunte: Humanity es el resultado de un muy distendido encuentro entre los guitarristas Cecchetto y Loueke, en el que el eclecticismo de Cecchetto un músico que se desplaza desde lo más tradicional a lo experimental sin problemas y de manera solvente, encuentra un punto intermedio dentro del sonido inconfundible de Loueke, sonido que se integra de partes más o menos iguales de guitarra y canto o vocalizaciones del nacido en Benin. No hay oscuridad en Humanity, ni revoluciones musicales, solo tres excelentes músicos entregando temas que difuminan los géneros y en general siempre transmiten alguna forma de esperanza o de cierta alegría, lo que resulta muy bienvenido en estos tiempos

Track Listing

1. Faces (9:02)
2. Humanity (7:37)
3. Are You Ready? (4:41)
4. Camille (6:47)
5. Life Process (5:33)
6. Vicions (4:35)
7. Origin (5:33)
8. Step By Step (6:51)

Artist List

Roberto Cecchetto: guitar
Lionel Loueke: guitar
Alessandro Paternesi: drums

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Ted Poor

tapa You Already Know

You Already Know (2020)

El baterista Ted Poor , mejor conocido por su trabajo con artistas folks y rockeros independientes, hace su debut como líder con este esfuerzo minimalista de jazz You Already Know, producido por Blake Mills. Además de Poor, cuyas reflexivas partes de batería se escuchan claramente desde la apertura de “Emilia” a través de las nueve pistas, es el saxofonista Andrew D’Angelo, quien tiene el foco en ocho de las pistas, el rockero independiente Andrew Bird y el multi-instrumentista Rob Moose.

Ted Poor, establecido en Seattle, se ha convertido rápidamente en uno de los bateristas más solicitados en todos los géneros debido a su conjunto de habilidades conmovedoras y su gusto ecléctico. Además de su trabajo con Andrew Bird, ha compartido el escenario con artistas como Bill Frisell, Pat Metheny, Kurt Rosenwinkel, Cuong Vu y demás. También ha colaborado con productores y artistas como Mitchell Froom, Blake Mills y Tony Berg. Ahora residente de Seattle, Poor es actualmente profesor asistente de estudios de jazz en la Universidad de Washington.

El álbum, en cierto sentido, suena como esos álbumes de loft de Nueva York de los años setenta de la talla de David Murray y Oliver Lake. Algunos incluso, pueden compararlo con las sesiones posteriores de Coltrane con el baterista Rashied Ali y, aunque de forma similar, el expresivo D’Angelo juega con mucha más moderación que el explorador Coltrane de ese período, y él y Poor parecen empeñados en la delicadeza, creando una balada contemplativa, tipo ambiente, en lugar de espiritual. También se les unen otros en la mayoría de las pistas. La ejecución de D’Angelo es ciertamente evocadora, y la batería de Poor es notablemente astuta, no llamativa y en apoyo de la melodía, utilizando cada aspecto del kit cuando es necesario en lugar de buscar explosiones de sonido.

El debut de Poor proviene de un lugar completamente diferente y de algunos eventos fortuitos.

Poor y D’Angelo se conocieron por casualidad hace tres años en Seattle hace tres años, descubrieron que compartían algunas ideas musicales y sabían que colaborarían en algún momento, eventualmente estableciendo las sesiones iniciales como un dúo. Luego, como el destino lo tendría, Poor tocó en el disco de su amigo Blake Mills. Mills encontró las grabaciones convincentes y propuso terminar el trabajo en el álbum juntos y lanzar la música en New Deal, la nueva impresión de Blake a través de Verve / Universal Music Group. “Estaba realmente agradecido de cuán reservado era Blake en sus elecciones como productor”, recuerda Poor. “Blake era muy consciente de mantener los oídos del oyente en los dos instrumentos principales y de entrar y salir lo más rápido posible con las otras cosas”. ¡El registro ahora se publica como New Deal / Impulse! No se equivoquen, este es un álbum de jazz.

Además de los dos músicos principales, Poor y D’Angelo, “To Rome” presenta al favorito de los fanáticos independientes Andrew Bird, con quien Poor graba y realiza giras (junto a Madison Cunningham, quien también presentó a Poor en su debut de Verve Forecast Who Are You Now ) . “Only You” se expande sobre un motivo parecido a un mantra que Poor siente proporciona “forma y emoción que surge de eso”. “New Wonder” es una pieza de improvisación para la que Poor ensombreció la melodía de saxo de Andrew D’Angelo en el piano en la legendaria cámara de eco de Sound City Studio. Cuando el sonido cercano del piano fue silenciado, dejó lo que Poor llama un “halo reluciente” de reverberación y espacio. La hipnotizante pista refleja maravillosamente la naturaleza de improvisación (y conversación) del álbum.

Aunque parece que ya sabes que está en un camino divergente de los artistas y álbumes folklóricos que Poor ha tocado y apoyado, no lo ve exactamente de esa manera. Poor, irónicamente, cree que todavía es un álbum folklórico … no en el sentido de la clasificación de género, sino “más la idea de la música como tradición oral, la música como canción”. Como se mencionó anteriormente, no traigas ninguna ilusión falsa de folk o indie-pop, este es un álbum de jazz, y muy bueno en eso.

Fuente para la reseña: Jim Hynes para https://glidemagazine.com/240637/drummer-ted-poor-debuts-with-andrew-dangelo-andrew-bird-blake-mills-on-minimalist-jazz-you-already-know-album-review/

Apunte: En Marzo, hace apenas un par de meses atrás antes de la pandemia, le preguntaron a Ted Poor ¿cómo describirías la música en You Already Know?, a lo cual Poor respondió “La música es una celebración del espacio: espacio para que la batería resuene y transmita un sentimiento, y para que la melodía baile y empuje contra ese sentimiento. Es principalmente una colección de duetos con el saxofonista Andrew D’Angelo y el sonido del disco se centra en la batería y el saxo en todo momento. Al principio hay una simplicidad en esa combinación, pero de ese mundo sónico emerge una tremenda profundidad y sutileza. Estoy encantado de presentar la batería de esta manera”. De mi parte, puedo confirmar que si bien es un álbum de un dúo, los agregados efectuados en la producción final de Blake Mills son brillantes, siempre con la consigna de menos es más; en You Already Know todo parece tan simple, desprovisto de complejidades innecesarias, que resulta imprescindible escuchar repetidamente esta obra para convencerse de que tan notablemente bien suena. Lo anoto como unos de mis candidatos a discos notables del año 2020.

Track Listing

1. Emilia (4:51)
2. Only You (5:23)
3. Kasia (4:46)
4. To Rome (4:38)
5. New Wonder (4:05)
6. At Night (5:15)
7. United (3:17)
8. Push Pull (2:47)
9. Reminder (2:59)

Artist List

Ted Poor: drums
Andrew D’Angelo: saxophone
Blake Mills: guitar
Sebastian Steinberg: acoustic bass
Paul Kowert: acoustic bass
Andrew Bird: violin
Rob Moose: violin

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Kristjan Randalu
mayo 31, 2020, 8:16 pm
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tapa Absence
Absence (2018)

Con un don para la textura y la improvisación, así como una gran capacidad para comprender la forma y la estructura, el pianista estonio Kristjan Randalu, un ex alumno de John Taylor y Django Bates, establece su propia postura dramática cargada de profundidad en su disco debut en ECM, Absence. La obra comprende nueve originales para trío rigurosamente estructurados, que combinan jazz, vanguardia, composición clásica y moderna con un toque cuidadosamente cultivado. Completan la banda el guitarrista estadounidense Ben Monder, un pilar en la escena de Nueva York, y el baterista finlandés Markku Ounaskari, cuyos cortes templados califican a la perfección para tonificar la capa inferior.

“Forecast” se inicia como una reflexión pianística de rubato, que se convierte en una continuidad galopante. La impetuosidad rítmica, que adquiere una dimensión diferente con la espaciosa guitarra de Monder, se interrumpe más tarde para que el guitarrista pueda expresar su hermoso lirismo sobre la discreta batería. Randalu también ofrece un momento colorido, transmitiendo una ligereza impresionante, incluso cuando se utilizan secuencias rápidas de notas para delinear su lógico fraseo.

“Lumi” tiene dos variaciones. En el primero, los soplos de platillos de Ounaskari tienen la compañía de un piano disperso, luego se unen enigmáticos y parpadeantes acordes de guitarra. Monder se embarca en un impresionante toque de guitarra, mientras desliza armonías, contrastando con el líder de la banda, quien, momentos después, interviene con barridos melódicos y movimientos de fuga para lograr una textura muy unida.

“Sisu” trae las progresiones armónicas bien definidas de una canción pop, moldeada, sin embargo, con refinamiento erudito. El flujo obedece a una simple triple métrica y los tonos de ensueño rivalizan con la amable “Adaption II”, donde el piano y la guitarra trabajan hombro con hombro sobre una articulación de platillos de bajo perfil.

La ambigüedad inicial y el misterio de “Escapism”, cuya tensión es creada por las notas agudas de Randalu en oposición a remolinos instantáneos de tonos profundos, se detiene por completo para lanzar una sección final melódica relajada adornada con tambores cepillados. Si esta pieza te pone un poco incómodo al principio, “Adaption I” es siniestro, con su oscura mezcla de vibraciones misteriosas de guitarra y espirales de piano flotantes. Antes de que la canción principal cierre la grabación en contemplación pacífica, el métrico de 3/4 “Partly Clouded” avanza con un riff de piano perpetuo que se mueve entre registros con agudeza ágil. La guitarra ruminativa es bastante descriptiva y sus carreras rápidas causan lujuria. A su vez, el pianista descubre líneas punzantes con un sentimiento auténtico, extraído de los vocabularios clásico y del jazz.

Este trío, cuyos miembros no son imitadores sino constructores de su propio lenguaje, adopta la disciplina y encuentra coherencia en el ensamblaje de su estética musical.

Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/4/2/kristjan-randalu-absence-album-review

Apunte: El pianista estonio Kristjan Randalu, discípulo de los pianistas británicos John Taylor y Django Bates, se une nuevamente a Ben Monder luego de aquel primer muy feliz encuentro que quedó registrado en el álbum “Equilibrium” (2012, Fresh Sound Records), que supimos publicar en MQC/PV hace un tiempo atrás. Al dúo, se le suma el baterista Markku Ounaskari, a quien Randalu conoce bien por haber trabajado juntos en el proyecto “Helsinki Songs” de Trygve Seim. En Absence el paisaje sonoro que crean Ounaskari y fundamentalmente Monder (como pez en el mar), rodea al piano trayendo un rico tapiz de sonidos que permiten que la música fluya, incluso en momentos donde parece presentarse un enfoque más free: allí el trío vuelve a una disciplina colectiva que asegura que las composiciones siempre se mantengan enfocadas. Para escuchar y disfrutar atentamente.

Track Listing

1. Forecast (9:34)
2. Lumi I (5:09)
3. Sisu (4:52)
4. Lumi II (3:23)
5. Escapism (6:07)
6. Adaption I (3:07)
7. Adaption II (5:54)
8. Partly Clouded (5:13)
9. Absence (4:47)

Artist List

Kristjan Randalu: piano
Ben Monder: guitar
Markku Ounaskari: drums

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Jakob Sørensen

tapa Bagland
Bagland (2015)

Jakob Sørensen es un joven trompetista y compositor de Dinamarca. Como parte de sus estudios en la Academy of Music en Aarhus, pasó un año en Berlín, una ciudad con una próspera escena de jazz, poblada por jóvenes músicos imaginativos. Además de dirigir su propio quinteto Bagland, Sørensen también toca con los tríos Elm y Elliott (ambos con otros miembros de Bagland) y con las bandas de pop / rock Maskinvad, Xylop y Dad Rocks.

Bagland es la palabra danesa para “circunscripción” y sirve como título de álbum y como nombre de la banda de Sørensen que también incluye al guitarrista Alex Jønsson, al pianista Mathias Jæger, al bajista Frederik Sakham.

La música es una celebración de las raíces nórdicas del grupo y tiene un tono inconfundiblemente escandinavo.
Bagland se grabó en una ubicación costera remota (sombras aquí del álbum seminal “Dis” de Jan Garbarek), y algo de la atmósfera de los alrededores, más el sentido de aislamiento y unidad de propósito del grupo se abre paso en la música. Las composiciones de Sørensen son evocadoras y a menudo tienen una fuerte calidad pictórica, algo reforzado por el empaque del álbum de estilo ECM con sus melancólicas pero hermosas imágenes del galardonado fotógrafo Kirsten Klein.

La pieza de apertura “Vindeltrappen” establece de inmediato el estado de ánimo para el álbum. Hay una breve introducción de Sørensen en la trompeta solista resplandeciente y melancólica, antes de que Jønsson y Sakham establezcan una especie de vamp melódico que proporciona la plataforma para las extensiones posteriores de la trompeta de Sørensen, de tono susurrante y respirable que sugiere la influencia de otros escandinavos, Henriksen, Eick y Molvaer junto a Miles Davis y Tomasz Stanko. El solo de piano de Jæger es fluidamente lírico y el apoyo discreto de Jønsson, Sakham y Lesner es justo lo que necesita la música.

Las melodías de Sørensen son directas e instantáneamente atractivas, pero él y su banda las tratan de maneras interesantes. “Pelsfrakker” incluye un imaginativo solo de guitarra de Jønsson, mientras se extiende apoyado por el sonido militar del loop de Lesner, prácticamente una constante en toda la pieza. Sin embargo, a pesar de los adornos marciales, la pieza nunca pierde su sentido esencial de la melodía, algo alentado por la trompeta del líder.

La breve pero encantadora “Op Ned Henover” comienza con un diálogo encantador entre la elocuente y cálida trompeta de Sørensen y el suave sonido Friselliano de Jønsson con la guitarra, subrayada por el platillo de Lesner, el rumor de los mazos y el redoble de las manos. A medida que la pieza evoluciona, Jønsson emprende un solo conciso, encantador y altamente inventivo antes de que el motivo de piano de estilo minimalista e insistente de Jaeger, brinde un puente hacia la siguiente “Forandringens Fortivlelse”, la pieza más larga del álbum. Significando “La desesperación del cambio”, esta composición primero parece desarrollarse gradualmente con los arpegios de piano de Jæger que finalmente conducen a la genial majestad de la trompeta solista magníficamente elocuente de Sørensen. Un cambio de ritmo hace que el grupo retroceda y Sakham ofrece un largo solo de contrabajo acompañado solo por los sonidos de la pequeña percusión de Lesner. A continuación, Lesner acompaña el diálogo de cierre entre Jæger y Jønsson y la pieza termina con los sonidos de campanas de viento generados por el percusionista. Tomada en su conjunto, la pieza representa un viaje musical fascinante y absorbente.

“Bagland” en sí comienza con la seductora melodía de trompeta de Sørensen antes de ensombrecerse en un territorio más libremente estructurado como lo impulsó Jæger en el piano, antes de resolverse rápidamente con el regreso del tema inicial de Sørensen.

“Marehalmens Flugt” es otra épica, con un poco menos de nueve minutos. La introducción rumiante de contrabajo en solitario de Sakham abre el proceso, y finalmente establece un pulso y un ritmo sobre el cual sus colegas pueden construir. El desarrollo es gradual y sin prisas, con énfasis en la construcción de melodías y ambientes. Olsson ofrece el primer solo, un asunto de combustión lenta y completamente absorbente que evita las técnicas llamativas. El guitarrista favorece un sonido fresco y claro que revela la influencia de músicos contemporáneos, como su compatriota Jakob Bro y Kurt Rosenwinkel, con sede en Nueva York. La trompeta de Sørensen susurra seductoramente y luego se eleva dramáticamente en otra interpretación segura y la pieza termina con los suaves y límpidos sonidos del piano de Jæger aliados a la guitarra delicadamente escogida de Jønsson.

Las virtudes de “Algo bonito” se expresan adecuadamente en su título. La pieza ve al quinteto central aumentado por los clarinetes gemelos de Nellie Parsager Jensen y Sofie Kirk Østergaard, quienes juegan un papel destacado en el arreglo. Un pasaje conjunto de clarinete, casi clásico en su estructura y pureza, marca el comienzo de la pieza. Los dos clarinetes se entrelazan seductoramente con la trompeta de Sørensen por encima de la figura de contrabajo del co-compositor Sakham.

En poco más de un minuto y medio, la encantadora miniatura que es “Flyver Vaek I Evik Sol” actúa como un epílogo efectivo.

Tengo que decir que, como la mayoría de los otros comentaristas, incluido Peter Bacon de The Jazz Breakfast, me impresionó mucho Bagland. Aunque la música es inconfundiblemente “Scandi-jazz”, se las arregla para evitar la mayoría de los clichés asociados con el género y al mismo tiempo continúa sonando decididamente antiestadounidense. En otras palabras, a Sørensen, de veintiséis años, se le ocurrió un sonido muy propio. Es un sonido que a menudo es hermoso, pero que va más allá de la mera belleza para producir música encantadora e interesante.

Sørensen impresiona con la madurez tanto de su escritura como de su interpretación, su trompeta es una mezcla seductora de lo seguro y lo vulnerable y su técnica es excelente en todo momento. Virtudes similares se pueden atribuir al siempre imaginativo Jønsson, posiblemente el otro intérprete sobresaliente en este disco a pesar de las excelentes contribuciones de Jæger, Sakham y Lesner: me gustó la batería colorida, llena de carácter pero siempre sutil. Quizás sea un poco insolente elegir contribuciones individuales porque, como su nombre en grupo sugiere, Bagland es una banda muy buena con una fuerte identidad colectiva.

Fuente para la reseña: Ian Mann para https://www.thejazzmann.com/reviews/review/jakob-sorensen-bagland

Apunte: La música en Bagland se desplaza serenamente por un mundo de profundas melodías, sorprendiendo con un ambiente generalmente informal, relajado y también engañosamente simple, demostrando una madurez musical envidiable para la juventud del líder de la banda. El tono claro, limpio, flexible y alegre de Jakob ilumina ese terreno azotado por el viento como el de la tapa del disco, lo que lo convierte de alguna manera, en un lugar muy acogedor. Un lugar, por lo menos, para escuchar.

Track Listing

1. Vindeltrappen (6:54)
2. Pelsfrakker (5:40)
3. Op Ned Henover (2:28)
4. Forandringens Fortvivlelse (9:14)
5. Bagland (2:27)
6. Marehalmens Flugt (8:50)
7. Something Pretty (3:34)
8. Flyver Væk i Evig Sol (1:32)

Artist List

Jakob Sørensen: trumpet
Alex Jønsson: guitar
Mathias Jæger: piano
Frederik Sakham: doublebass
Frej Lesner: drums
Nellie Parsager Jensen: clarinet
Sofie Kirk Østergaard: clarinet

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Sun Speak
mayo 29, 2020, 8:24 pm
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tapa Moon Preach
Moon Preach (2019)

El dúo instrumental del guitarrista Matt Gold y el percusionista Nate Friedman, conocido como Sun Speak, crea paisajes sonoros texturizados y melifluos complejos y vibrantes con medida espontaneidad. En su cuarto lanzamiento, Moon Preach , el tecladista / compositor Dan Pierson se une al grupo y aporta fondos sonoros inquietantemente dramáticos a los diez originales cautivadores.

Un dron suave y de otro mundo realza el silencio en el nocturno “Jagged Midnight”. Gold elocuentemente rasguea la melancólica melodía, mientras los tambores de Friedman se filtran y galopan agilmente. Las líneas contemplativas de Gold fluyen con elegancia hipnótica y resuenan en un fondo compacto y armónico.

La mayor parte de la música es tan cinematográfica que podría servir como estudio para las bandas sonoras. Por ejemplo, el místico “Quilt” comienza con un intercambio entre acordes de guitarra densos y ritmos de batería que resuenan contra sintetizadores boyantes. Los patrones repetitivos evolucionan en una interacción nostálgica y anhelante entre los miembros del trío, a medida que la pieza se vuelve más intrincada y multicolor con la cantidad justa de ruido para darle un toque apasionado.

Del mismo modo, es fácil conjurar diferentes imágenes mientras se escucha, por ejemplo, “Rubato”. Se abre con refranes cuasi-barrocos que avanzan sobre tambores retumbantes, creando el ambiente expectante de una película. Las cuerdas abrasadoras de Gold irrumpen con un toque dramático, posiblemente señalando el clímax de los eventos. Luego, la actuación colectiva se suaviza, volviéndose lírico e introspectiva, quizás demostrando la resolución de conflictos. La pista concluye con sereno romanticismo mientras termina la “historia”.

La sinergia interna del trío es notable y esencial en la elaboración de estas melodías fascinantes, la más intrigante de las cuales es quizás “Foxon”. La percusión angular y fluida de Friedman contrasta con la cáustica guitarra de Gold. A medida que la música despega, oleadas de notas ardientes inundan los tambores galopantes y se alternan con segmentos disonantes, resultando así en un ambiente visceral y conmovedor.

Gold y Friedman juntos hacen, a falta de una mejor descripción, alquimia musical. Esto es más cierto en Moon Preach que en sus anteriores e igualmente excelentes álbumes, gracias al uso sublime de teclados eléctricos por parte de Pierson. Este trabajo cautivador nutre la imaginación y mueve el alma.

Fuente para la reseña: Hrayr Attarian https://www.chicagojazzmagazine.com/post/cd-review-sun-speak-moon-preach

Apunte: Nacido en Long Island y actualmente residente en Chicago, donde llegó con poco más de veinte años, el guitarrista Matt Gold ha estado haciendo música con una variedad de artistas de jazz de vanguardia como el baterista Makaya McCraven y el saxofonista Greg Ward, así como con sus propios grupos: su trío con el baterista Jeremy Cunningham y el bajista Ryan Doherty, el dúo Sun Speak con el baterista / percusionista Nate Friedman y el dúo cantautor Storm Jameson con el guitarrista Jim Tashjian. Además este muy inquieto artista tiene su propio sello musical (Flood Music) y ha organizado desde el 2015 una serie de conciertos con el mismo nombre para presentar música nueva en una franja de géneros, que reúne a los mundos de cantautores y bandas instrumentales y de improvisación. De padres con una rica vida musical sin ser músicos profesionales, recientemente, Matt Gold ha dicho “siento que soy producto de estar expuesto a una amplia variedad de sonidos y tener la oportunidad de explorar la ejecución de música desde una edad temprana de una manera divertida y significativa”. Sun Speak con Moon Preach da fé que esa exploración es rica, sensible y creativa.

Track Listing

01. Alaska (4:26)
02. Jagged Midnight (4:13)
03. Mbira (3:39)
04. Foxon (5:01)
05. Roost (2:59)
06. Offhue (3:07)
07. Quilt (6:31)
08. Rubato (4:16)
09. Low Light (4:07)
10. Davlin (4:00)

Artist List

Matt Gold: guitar, bass, lap steel, analog synthesizer, harmonium
Nate Friedman: drums, percussion
Dan Pierson: Wurlitzer, analog synthesizer

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Gregg Belisle-Chi

tapa Book of Hours
Book of Hours (2019)

Te daré un vistazo detrás del telón de como opera Vinyl Anachronist: obtengo música de los sellos de jazz y obtengo música de los sellos de indie rock. Los dos mundos rara vez chocan. Cuando recibí Book of Hours de Gregg Belisle-Chi por correo, no estaba seguro de qué mundo estaba siendo representado. Gregg Belisle-Chi, un guitarrista con sede en Brooklyn, tiene un sonido en Book of Hours que cierra la brecha, pero de una manera que se inclina fuertemente hacia el indie rock, con sus fuertes dosis de guitarra eléctrica y un cuarteto que incluye al bajista Matt Aronoff, el baterista Michael W. Davis y al organista de Wurlitzer Dov Manski. Es un atuendo de rock despojado, aunque instrumental, y ni una sola vez pensé “oh, esto es jazz”.

Gregg Belisle-Chi ha tocado con Bill Frisell, y quizás esa sea la clave. Frisell siempre se ha sentado a horcajadas sobre esa cerca, a veces saltando hacia abajo a ambos lados y corriendo un poco antes de volver a saltar. Obviamente, Belisle-Chi está influenciado por esta estética, haciendo música que encaja entre géneros, y con suerte se exprime en un pequeño y bonito lote vacante propio, al menos con Book of Hours. En el pasado, Belisle-Chi ha hecho muchas cosas diferentes. Su primer álbum, “Tenebrae” , fue compuesto para guitarra y voz, y la continuación, “I Sang to You and the Moon”, presentó guitarra, voz, bajo y trompeta. Book of Hours se concibió originalmente como un álbum para un conjunto de jazz / cámara de nueve piezas. No voy a dudar de las elecciones de Belisle-Chi aquí, pero algo me dice que la versión podría no haber sido tan original e inesperada.

Book of Hours está organizado como una suite de ocho partes “basada en el texto y la historia de la misa ordinaria”, que se refiere a una misa que se realiza en momentos en que la ocasión real no es importante. (No soy católico, así que sí, tuve que “Wiki” eso.) Ese concepto parece muy distante de la ejecución, ya que gran parte de esto suena como un cuarteto de rock apretado, improvisando aquí y allá. Los movimientos individuales están etiquetados correctamente: kyrie, gloria, credo, sanctus , etc., y ahí es cuando comienzas a sentir los temas recurrentes que podrías experimentar en una misa. Cada movimiento refleja el espíritu y el estado de ánimo de cada una de esas partes tradicionales, algo que debe parecer aún más obvio para aquellos que tienen más conocimiento sobre las masas católicas que este pagano impío.

Afortunadamente, Book of Hours de Gregg Belisle-Chi no requiere que te conviertas para entender. Tomado al pie de la letra, este es un álbum impresionante de jazz-rock que nunca es aburrido, incluso en sus momentos más reflexivos. Al igual que con Frisell, Gregg Belisle-Chi es un músico que puede extraer una cantidad máxima de emoción a partir de un mínimo de técnica llamativa. El Wurlitzer de Manski es un contribuyente vital, que trae consigo gran parte del misterio que sentimos de la parte sagrada de las masas, esa sensación de estar rodeados de espíritus y fantasmas y cosas que nunca entenderemos. Book of Hours se suma a ese sentido divino de singularidad, de algo que no presenta respuestas fáciles, sino una multitud de excelentes preguntas.

Fuente para la reseña Marc Phillips para https://parttimeaudiophile.com/2019/03/28/gregg-belisle-chi-book-of-hours-the-vinyl-anachronist/

Apunte: Book of Hours habita un lugar donde la improvisación y la composición se encuentran y conviven jazz, rock, prog, indie y lo clásico. Belisle-Chi puede tocar con suma destreza y sensibilidad momentos muy delicados y otros bastante más crudos, sin perder el equilibrio; un equilibro entre lo ligeramente cerebral y un mesurado lirismo. Book of Hours es una obra de arte cuidadosamente elaborada e impecablemente ejecutada

Track Listing

1. Aurora (2:56)
2. Kyrie (6:51)
3. Zuhr (2:34)
4. Gloria (12:17)
5. Credo (6:20)
6. Dusk (4:33)
7. Sanctus (6:36)
8. Agnus Dei (7:12)

Artits List

Gregg Belisle-Chi: guitar
Dov Manski: Wurlitzer
Matt Aronoff: electric bass
Michael W. Davis: drums

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Alex Jønsson
mayo 27, 2020, 7:33 pm
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tapa Heathland
Heathland (2020)

Para el nuevo álbum de Alex Jønsson, Heathland, los escasos pastizales azotados por el viento de su tierra natal de Jutland proporcionan la inspiración. Este paisaje único evoca un tiempo olvidado e intacto por la civilización humana. Aquí, la naturaleza trabaja silenciosamente en soledad, y los implacables vientos del norte disuaden a la mayoría de los forasteros. Es un lugar que el guitarrista danés Alex Jønsson conoce bien, ya que creció allí como sus generaciones de antepasados antes que él. A pesar de la inspiración romántica y natural, Heathland es el primer álbum que Jønsson toca junto a un bajo eléctrico interpretado por Jens Mikkel Madsen.

Los momentos suaves de este álbum son hermosos en su vulnerabilidad y poéticos en sus matices. Los efectos de guitarra en ‘Icicles’ sugieren una incertidumbre y fragilidad. El juego de Alex está lleno de emoción y tiene una madurez refinada más allá de sus años. Su suave ataque de cuerda se suma al suave efecto de inclinación. La dinámica de ‘The Sun is Slowly Rising’ es perfecta, con aumentos de volumen sobregrabados y acordes de tremolo. Los tambores constantes de Andreas Skamby invocan una antigua actuación ritualista de los demás.

Sin embargo, el álbum evita ser unidimensional con el brutal ‘… y Darkness Crept In’ donde la banda se balancea, empleando distorsión y ruido de octavas. En ‘Re: Herr Sehr Schwer’, la banda deslumbra con un estallido de optimismo americano que surca con gran fluidez. Es una pista que proporciona un poco de alivio ligero y no se cansará después de repetidas jugadas. El enérgico solo del baterista Andreas es apasionado y agrega un pasaje existencial de prog-rock cuando se combina con las misteriosas olas armónicas de Alex.

El álbum se aleja de la tonalidad occidental para el expresivo ‘Paul’. Los sonidos generados por los músicos dan un ambiente más íntimo y una experiencia personal. El toque punteado de Alex no está pulido a propósito y los disparos de Andreas y los frenéticos rollos de percusión le dan a esta pista un timbre distintivo.

Terminando con el suave ‘Emu’, las vívidas melodías de Alex retratan un sentimiento melancólico frente al sonido de la percusión texturizada. Al principio, parece una pieza sin mucha profundidad, pero la disposición en capas y las variaciones aparecen a medida que avanza la pieza. El movimiento armónico se vuelve estático, sin embargo, la emoción y la creatividad se mantienen a través de la batería enérgica y las estoicas líneas de bajo. Es un final solemne pero cautelosamente optimista para los procedimientos.

‘Heathland’ es un trabajo reflexivo y experimental fundado en el amor de Jønsson por Dinamarca, pero también muestra influencia de otras culturas musicales en las composiciones. El enfoque moderno y variado de Alex para su trabajo significa que incluso en los momentos delicados las piezas son significativas.

Fuente para la reseña: Fred Neighbour para http://ukvibe.org/album_reviews/alex-jonsson/

Apunte: Hay quietud y tensión, con algunos eventuales escapes distorsionados. Hay tambores y platillos que casi no marcan ritmos, reflejan expectación o reflexión mientras bajo y guitarra se entrelazan sin ninguna clase de apuro. Hay lirismo en la ocasional inclinación melancólica de la música y la sensación de grandes espacios abiertos. Hay ciertos puntos de contactos entre Alex Jønsson y su coterráneo Jakob Bro, aunque el sonido de Alex sea, tal vez, más indie. Todo eso hay, como corresponde a la buena música danesa.

Track Listing

1. Heathland (2:39)
2. Stillness (4:31)
3. …and Darkness Crept In (3:56)
4. Out of Shape (2:40)
5. Icicles (3:54)
6. The Sun Is Slowly Rising (6:11)
7. Paul (6:06)
8. Re: Herr Sehr Schwer (3:04)
9. Emu (4:45)

Artist List

Alex Jønsson: guitar
Jens Mikkel Madsen: bass
Andreas Skamby: drums

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