Preso ventanilla


Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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Baldo Martínez Grupo

tapa No Pais dos Ananos
No Pais dos Ananos (1996)

No Pais Dos Enanos” fue el primer disco grabado por el magnifico contrabajista gallego, Baldo Martinez. El álbum confirmó con creces las buenas perspectivas que éste creativo musico de jazz de España. La prestigiosa revista española “Cuadernos de Jazz” lo consideró segundo disco de jazz del año en 1996.

Fuente para la reseña: http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=1470&Itemid=306

Lista de temas – No Pais dos Ananos

1. No Pais Dos Ananos (6:15)
2. Pinocho (7:09)
3. Doniños (7:29)
4. Balada Para Area (5:51)
5. Mar Adentro (6:51)
6. Viejo Eimer (7:23)
7. Sospeita (4:39)

Lista de Músicos

Antonio Bravo: guitarra
Chefa Alonso: saxos
Pedro López: percusión
Pierluca Pineroli: batería
Baldo Martínez: contrabajo
tapa Juego de niños
Juego de Niños (1998)

Después del impacto producido por su primer disco: “No Pais dos Ananos”, este segundo era algo así como la hora de la verdad para saber si aquel excelente trabajo iba a tener la continuidad deseada. La confirmación de que aquello no fue algo pasajero no ha podido ser más rotunda: “Juego de Niños” sitúa a Baldo Martínez entre los músicos más imaginativos y brillantes que ha dado el jazz en este país.

El contrabajista ha tenido que afrontar un cambio de personal: vuelve David Herrington, que ya había participado en la gestación de la banda, y el lugar de Chefa Alonso lo ocupa Alejandro Pérez, un sólido y curtido saxofonista de querencias “bopperianas”. Sin embargo la personalidad del grupo se impone y el sonido sigue siendo tan compacto como antes e incluso hasta gana en matices con la introducción de nuevos instrumentos. Y es que el trío que Baldo forma con su inseparable Pedro López (con su sensacional empuje que esta vez queda fielmente reflejado en la grabación) y el inquieto guitarrista Antonio Bravo (un verdadero fuera de serie y uno de los pocos por aquí que se mueve en la onda más actual de su instrumento) es la base de la que van surgiendo nuevas ideas.

El uso de la zanfoña -un instrumento medieval- en “Zona Rústica” y el tema que da título al disco, revela el interés de Baldo por las músicas de raíz popular, conectando con una de las tendencias predominantes en el jazz europeo. Pero su papel aquí no pasa de la anécdota, y lo que predomina es un estilo que se acerca a las formas abiertas y el melodismo del quinteto de Dave Holland (“Azul de Madrugada”), o incluso al carácter aventurero de los grupos de Louis Sclavis (“La Laguna”), no en vano dos de los músicos citados por Baldo entre sus preferencias.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/baldomartinez.htm

Lista de temas – Juego de Niños

1. La Chalana (9:44)
2. Extramuros (9:17)
3. Historia De Una Melodía (7:51)
4. Azul de Madrugada (5:28)
5. Zona Rústica (9:17)
6. La Laguna (10:21)
7. Juego De Niños (8:03)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
David Herrington: trompeta, fiscorno, tuba
Alejandro Pérez: saxo tenor y soprano
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusión
Nirankhar Khalsa: tabla, 2,7
Carlos Beceiro: zanfoña, 5,7
tapa Nai
Nai (2001)

El hombre siempre ha soñado con viajar. Ha soñado con conocer territorios sin explorar o que en explorados permanezcan con la virginidad propia de su creación. Paisajes de ensueño en los que vivir la aventura humana del ser. Paisajes donde la emoción se convierte en el sentimiento. Paisajes que pueden ser visuales, pero que a su vez pueden ser sonoros. Paisajes reales como inspiración creativa. Paisajes reales vivificados desde la nostalgia de la distancia. Paisajes imaginarios soñados desde la utopía de la creación artística.

Utopías, realidades, emociones, nostalgias, colores, sonidos, matices… recogidos en una propuesta musical que nace de todo ello. Y todo ello nace a su vez de unos sabios dedos que desde Madrid pulsan un contrabajo con sentimiento gallego.

Sentimientos que impulsan a un extraordinario quinteto que muestra, con el origen geográfico de sus componentes, la capacidad universal de nuestros músicos, y de los que lo son ya en sentimiento y años entre nosotros.

Un “riesgo” altamente recomendado para oídos que buscan en la música ese “algo más”. Un tercer parto musical de un músico que tras “No País nos Ananos”(1996) y “Juego de Niños”(1998), presenta con “Nai” un proyecto que por su calidad “merece” ser olvidado por quienes con nuestro dinero deciden nuestro disfrute cultural. “Nai” como continuación de una vida musical, la de Baldo, que promete paisajes sonoros de extrema belleza.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/martinez_baldo_grupo_nai.html

Lista de temas – Nai

1. O Conxuro (9:17)
2. Paisaxes Galaicas (7:49)
3. O paso do tempo (9:43)
4. Camino de Bretun (5:30)
5. De Norte a Sur (7:29)
6. Los mundos de Argos (8:06)
7. Galería de recuerdos (6:17)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Alejandro Pérez: saxo tenor, soprano y clarinete bajo
David Herrington: trompeta y tuba
Antonio Bravo: guitarra
Pedro López: batería y percusiones acústicas y eléctricas
tapa Tusitala
Tusitala (2005)

La poesía da sentido a su música ó la música da sentido a su poesía: ambas disciplinas definen su obra.

Elaboración, sentimiento y magia. Cada instrumento, cada músico en su momento, ni más ni menos, en su justa medida. El combo como uno, cada uno como el todo, excelentes instrumentistas narran sus historias.*

Deja caer el láser donde quieras, este disco destila oro puro.

Juego de arcos del contrabajo y violín, percusión como palmas y,”flamenco cósmico”, en El Mundo de los Papalagi.

Monólogo de contrabajo, réplica de violín (sin arco), diálogo a tres con trompeta. Discrepa, se queja con fuerza la guitarra (A.Bravo, ¡para cuando un disco a tu nombre!); se impone el violín, algo tiene de decir la trompeta (sutil, fresca e infinita), siempre presente la batería marcando el paso y llenando espacios en este juego sin fin. Susurro.

Gotas de esencia de lluvia, azul turquesa de profundas brumas marinas.”Pasajes de alteraciones conciénciales”. “Paisajes profundos en el fondo de tu mente”; nos ofrece en Octubre (Otoño en Galicia).

Eduardo Ortega, sueño de Lucifer, endiablado violinista que interpreta como los ángeles, en Desde los Godos y Danza Final.

“Los fiordos son gallegos, las rías son noruegas”; aires de “tango europeo” en Tusitala.

Esta obra abre sus labios para los oídos capaces de escuchar. Esta es tu obra maestra para todos. No olvides dejar de brillar, pero no brilles todo lo que puedas, pues la estrella que mucho brilla pronto agota su luz.

*Tusitala: significa, El narrador de historias

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/discos/2005_05_breves.htm

Lista de temas – Tusitala

1. El Mundo De Los Papalagi (5:23)
2. Susurro (7:02)
3. Desde Los Godos (5:46)
4. Octubre, Otoño en Galicia (10:01)
5. Tusitala (5:16)
6. Danza Final (7:08)
7. Desenfreno (9:32)

Lista de Músicos

Baldo Martínez: contrabajo
Pedro López: batería, percusión
Antonio Bravo: guitarra
David Herrington: trompeta
Eduardo Ortega: violín
tapa Vientos cruzados
Vientos cruzados (2016)

Han pasado ya veinte años desde que el Baldo Martínez Grupo nos sorprendiera gratamente con aquel No país dos Ananos (1996), al que luego le siguieron trabajos como Juego de Niños (1998), Nai (2001) o Tusitala (2005). Ahora –tras diferentes presentaciones en directo con este repertorio– la renovada formación liderada por el contrabajista llega con Vientos Cruzados, registrado en mayo de este año en Madrid y distribuido, una vez más, por Karonte.

Con este álbum, Baldo Martínez, continúa explorando la posibilidades de un jazz europeo rico en improvisaciones, libre y alejado de las raíces negras que caracterizan al jazz estadounidense. «Vientos Cruzados es el resultado de todas mis experiencias musicales, sobre todo las vividas en estos últimos años –comentó el músico gallego en declaraciones a Diariofolk–. En este tiempo he compartido proyectos con estéticas muy distintas y sobre todo han sido experiencias muy enriquecedoras, como las que he tenido con el Iberia Trío de Joachim Khün y otros tríos tan diversos como Triez, MBM o ¡Zas!, o proyectos más basados en la música de raíz como Sons-Nús o el Projecto Miño. Haciendo balance de todo ello, de la búsqueda continuada, la improvisación y el riesgo que todo ello supone, pienso que esos motores que mueven mi música están reflejados en este nuevo trabajo, no de una manera premeditada sino como resultado de lo que uno aprende mientras va haciendo».

Con respecto a los músicos que han participado en este disco, Baldo nos dice «no los he pensado por su instrumento, que también, sino sobre todo por lo que aportan con su personalidad y su musicalidad. Pedro López y David Herrington llevan tiempo apoyando y haciendo crecer mi música y diría que forman una parte imprescindible de ella. Juan Saiz, flautista y saxofonista, es un músico joven muy inquieto que aporta libertad, frescura y otro punto de vista a la hora de hacer música».

Vientos cruzados, cuyo título está inspirado en unos versos de José Hierro, ofrece siete cortes que se mueven aproximadamente entre los cinco y los doce minutos de duración, todos ellos compuestos por Baldo Martínez.

Reseña de http://www.diariofolk.com/noticia/baldo-martinez-este-disco-es-el-resultado-de-todas-mis-experiencias-musicales/

Lista de temas – Vientos cruzados

1. Abismo (7:03)
2. Ruta (7:02)
3. Vientos Cruzados (12:04)
4. Sombra (7:13)
5. Como el Mar (4:55)
6. Ao redor do Mundo (7:32)
7. El amante del riesgo (5:52)

Lista de Músicos

David Herrington: trompeta y fliscorno
Juan Saiz: flauta y saxo tenor
Pedro López: batería
Baldo Martínez: contrabajo

Todas las composiciones de Baldo Martínez

Apunte: En primer lugar decir que la única referencia en MQC/PV a Baldo Martínez es la relacionada con el posteo, allá por Julio de 2013, del disco MBM Trio, junto al guitarrista Antonio Bravo y la baterista Lucía Martínez. En segundo lugar, admito que ha sido un error no seguir investigando la música del contrabajista gallego de Ferrol. Pero bueno, nunca es tarde, cuando la música es de alto nivel y atemporal como la de Martínez. Baldo Martínez ha participado en múltiples proyectos con importantes músicos de la escena europea más vanguardista como son Carlos Actis Dato, Dominique Pifarely, Samuel Blaser, Ramón López o Joachim Kuhn, por mencionar algunos. Aquí el foco está puesto en los discos a nombre de su grupo, los cuales sorprenden por su originalidad, la excelencia de los músicos participantes y el talento para desarrollar un lenguaje propio que suma formas folklóricas, música contemporánea y las vertientes actuales del jazz, dando como resultado una propuesta sonora bien equilibrada y homogénea, sin rastros de costuras. Para escuchar atentamente. Altamente recomendable!.

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Algorhythm

tapa Segments
Segments (2015)

Este es el álbum debut del joven quinteto polaco Algorhythm, el cual está conformado por el trompetista Emil Miszk, el saxofonista Piotr Chęcki, el pianista Szymon Burnos, el bajista Krzysztof Słomkowski y el baterista Sławomir Koryzno. Esto presenta siete composiciones originales, cinco de Burnos y dos de Miszk.

El ajuste clásico del quinteto de jazz y la música están bien dentro de la tradición mainstream del jazz, presentando una moderna, vital e interesante versión europea del idioma estándar del jazz, como de costumbre, empapado en el lirismo y melancolía polacos, lo que caracteriza al jazz polaco. Las composiciones están bien redondeadas y definitivamente no triviales, con muchos patrones rítmicos impares; en general crean una interesante experiencia de escucha. Personalmente creo que las dos composiciones de Miszk son las mejores del álbum, pero las de Burnos no se quedan atrás. El desarrollo dinámico y la atmósfera de estas piezas es bastante notable.

Los tres solistas actúan maravillosamente y tocan varios pasajes impresionantes y la sección de ritmo hace un trabajo magnífico que los apoya en todas partes, manejando los ritmos complejos de manera impecable y elegante. Nuevamente Chęcki parece ser el más impresionante solista en este álbum, pero sus colegas son todos músicos con talento y, con el tiempo, seguramente van a engrosar las filas de los músicos top del jazz polaco..

Este es, sin duda, un debut impresionante, que merece elogio y apoyo y como siempre me pregunto cómo estos jóvenes son capaces de producir música bien desarrollada y de tal madurez. Muy bien hecho!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://polish-jazz.blogspot.com.ar/2015/07/algorhythm-segments-2015.html

Track Listing – Segments

01. Procoptodon (5:53)
02. Segment IV (10:09)
03. Bolero (7:08)
04. Song for Bilbo (12:25)
05. Sorry for the Delay (6:43)
06. Segment III (9:02)
07. Deep Dive Narcosis (5:17)

Artist List

Emil Miszk: trumpet
Piotr Chęcki: saxophone
Szymon Burnos: piano
Krzysztof Słomkowski: double bass
Sławek Koryzno: drums

tapa Mandala
Mandala (2017)

Este es el segundo álbum del quinteto de jazz polaco Algorhythm, que presenta la misma formación de su primer disco. El álbum presenta once composiciones originales, tres de Miszk, tres de Burnos, dos coescritas por ambos y tres cortas piezas no acreditadas.

La música de este álbum es un significativo paso adelante en comparación con lo que el quinteto ofreció en su ya bastante excelente debut. Es mucho más complejo, diverso y ambicioso e incluye muchas vueltas y revueltas, capas polirrítmicas, métricas impares y dinámica multifacética dentro de cada composición. También están presentes algunas influencias de world music. Por lo tanto, nuevamente en comparación con su “straight ahead” álbum, este es un nuevo juego.

Las actuaciones son también más enérgicas y centradas, con toda la tripulación tomando parte en las actuaciones, contribuyendo y apoyándose mutuamente con firmeza. El trabajo en equipo en estas difíciles piezas es verdaderamente maravilloso. El sonido general del quinteto es muy contemporáneo y brilla con talento y atractivo, colocando a Algorhythm en la lista de conjuntos de jazz polaco que merecen ser observados muy de cerca y que son, sin duda, muy prometedores en su afán de superación.

Esto es jazz europeo en su mejor momento, de ruptura con talento, ideas y el coraje para explorar, antes que imitar, que es lo que la gran música trata. Me hace muy feliz ver al quinteto realizar ese paso de gigante y espero poder verlos pronto en el escenario. Mientras tanto, me saco el sombrero!!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://polish-jazz.blogspot.com.ar/2017/04/algorhythm-mandala-2017.html

Track Listing – Mandala

01. Mandala (Intro) (1:52)
02. Taco Taco (7:06)
03. Friendship (6:09)
04. VJ (5:07)
05. Kenef (1:35)
06. Mandala (3:09)
07. Ribbons (5:18)
08. Alpaca Dream (8:30)
09. Ambrosia (3:15)
10. Oizde (1:33)
11. Jasmine Vines (6:14)

Artist List

Emil Miszk: trumpet
Piotr Chęcki: tenor saxophone
Simon Burnos: piano
Krzysztof Słomkowski: double bass
Sławek Koryzno: drums

Apunte: En mi actividad habitual de curiosear diversas páginas web del mundo especializadas en jazz y otras músicas alternativas con el objetivo de saber que es lo que pasa allá afuera y ahora con el desarrollo musical, unos de mis sites preferidos es el especializado en jazz de origen polaco de los críticos y activistas musicales Maciej Nowotny, Adam Baruch y Tomasz Łuczak. Me llamó la atención que allí se destacaba como álbum del mes de Abril de 2017 a Mandala, el segundo disco del Quinteto Algorhythm, hasta entonces desconocido para mi; la combinación “nuevo grupo/disco recomendado” me resulta irresistible de comprobar, acto seguido me dije “si hay un segundo álbum, hubo un primero”, por lo que decidí comenzar por el principio. Por suerte encontré ambas obras y para no extenderme, debo decir simplemente que tanto Segments como Mandala pertenecen a esa clase de obras que si bien no revolucionaran el mundo de la música, son honestas, están bien compuestas, suenan globalmente bien organizadas y están muy bien tocadas, demostrando un alto grado de confianza en lo creado y lo que es finalmente más importante, logran que la audiencia sea por demás placentera. Altamente recomendable.

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Francis Drake
julio 9, 2017, 8:24 pm
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tapa Stories
Stories (2011)

Francis Drake es el nombre del trio formado por los músicos Max Frankl (guitarras clásica, acústica y eléctrica), Max von Mosch (saxofones tenor y soprano, clarinete) y Henning Sieverts (contrabajo y violonchelo). En Stories, han creado un ambiente de intermitentes arrestos agudos de sonido en un entorno tranquilo. Como el canto de los pájaros silvestres justo antes del amanecer, Mosch pone los gritos de sus vientos en la oscuridad, mientras la guitarra de Frankl es un flash de movimientos vistos entre los árboles y arbustos cercanos. Sieverts es la oscuridad, especialmente cuando pone las gruesas líneas del violonchelo sobre el sonido de todo lo demás.

Probablemente gustarán de esto los admiradores de las modernas grabaciones de ECM, así como admiradores del álbum “Ellipse” de Christophe Pays. Por el sello Doble Moon, cincuenta y dos minutos de trío de jazz moderno. Jazz de Alemania.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-recapping-the-best-of-2011-part-1/

Apunte: Stories es un disco de relajada libertad en sus improvisaciones y también muy democrático en la conformación del ensamble, ya que sus músicos comparten el primer plano en los distintos temas y aún dentro de un mismo tema. La música va del folk minimalista a sutiles disonancias, con el foco, como ya se sugiere desde los nombres del grupo y del disco, en la narración conjunta de historias improvisadas. Un bello viaje para apreciar sonidos, ritmos y melodías.

Track Listing

01. North End (5:34)
02. Der Panther I (5:09)
03. Der Panther II (4:18)
04. Der Panther III (3:20)
05. A Walk In The Woods (3:10)
06. Schnee (5:26)
07. Adieu Montreal (6:34)
08. Interlude (3:52)
09. Cien Años De Soledad (6:18)
10. Sum Sumus Mu (1:58)
11. Endlos (6:13)

Artist List

Henning Sieverts: acoustic bass, cello
Max Frankl: classical guitar, acoustic guitar, electric guitar
Max von Mosch: tenor saxophone, soprano saxophone, clarinet

Link de descarga
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Fabian Almazan

tapa Personalities
Personalities (2011)

El CD del debut de Fabián Almazan, Personalities, comienza con el sonido de una aguja áspera cayendo en un viejo LP que se puede escuchar en el comienzo de la pista “Tres Lindas Cubanas”. El sonido de la aguja continúa a medida que el trío del pianista de jazz ejecuta la antigua cadencia de este danzón del siglo XIX, que se oye en casi todas las bodas, cumpleaños o fiestas de aniversario, donde los cubanos o cubanoamericanos se reúnen. Un poco más de dos minutos de la canción, entonces, el sonido de la aguja de repente se evapora y lo mismo ocurre con el decoroso arreglo, cuando Almazan, el bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole se adentran en una moderna improvisación melódica. El cambio dramático es eco de los cambios en la vida del propio Almazan: Tenía solamente 23 años cuando se unió a una de las grandes bandas del mundo del jazz, el quinteto de Terence Blanchard, después de pasar su infancia en Cuba, la escuela secundaria en Miami y la universidad en Nueva York. Muchas cosas le han sucedido en un corto período de tiempo, y él trata de incorporar a todos en su primera grabación como líder de la banda. “Una de las cosas que me gustan de la música folklórica es que lleva a cabo dos sentidos para el músico y para la audiencia”, dice Almazán, de 28 años, quien está al frente de su trío en el Blues Alley los sábados. “Primero, que mantiene viva la tradición. Y, segundo, que permite a la nueva generación revisar esa tradición. Un danzón está diseñado para una configuración de sala de baile donde se reúne la élite, por lo que la primera parte es muy formal. Pero hay una larga tradición de improvisar en la música cubana, como en el jazz, por lo que la segunda parte es donde los músicos añaden lo que saben. Esta es mi manera de honrar el lugar donde nací. Es parte de lo que soy, y yo quería que mi primer CD reflejara eso”. Si su versión de “Tres Lindas Cubanas” representa una especie de choque cultural, su versión del Cuarteto de cuerdas N º 10 de Shostakovich representa otra. Es una de las piezas favoritas de Almazan, desde sus años de estudiante de piano clásico, y su trío realiza el tercer movimiento lento con un cuarteto de cuerdas muy sentido. Pero Almazan también es un producto del siglo XXI de la era del microchip, y después de grabar los temas él los manipuló con procesadores para crear lamentos fantasmales, gorjeos y retumbes dentro de la melodía de Shostakovich. “Me gusta mucho ese movimiento”, dice el joven pianista. “Como ser humano, me sentí afortunado de haber escuchado esa pieza. Pero también me encanta la música de Johnny Greenwood de Radiohead, sobre todo su repertorio orquestal, de Pierre Boulez y de Harry Gregson Williams, el compositor de la película que hizo la música de ‘Shrek’. Los tres son sorprendentes en el control de sonido con la electrónica, y pensé que su enfoque sería trabajar bien con el adagio”. Un arreglo musical diferente se puede escuchar en la composición propia de Almazan, “La vida vicaria”, también en este CD. Su mano derecha toca rápidos arpegios, acordes rotos que se ciernen bellamente, pero nerviosa por encima de la sección rítmica, mientras que su mano izquierda toca los acordes oscuros y pisando fuerte. El contraste entre las dos partes crece hasta que la tensión es insoportable. Es como si cuanto más la mano derecha trata de empujar a la melodía en el lirismo romántico, más la mano izquierda se resiste. “Esa pieza fue inspirada por los padres adoptivos”, dice Almazan. “Cuando empecé en la música, yo estaba constantemente rodeado por los niños cuyos padres eran controladores. Me di cuenta de que estos padres realmente amaban a sus hijos, pero actuaban de forma equivocada y hacían sentirse a sus hijos miserables. Esa pieza estaba tratando de reflejar estas cosas. Todos los padres cometen errores, pero creo que mis padres fueron muy buenos al respetar mis decisiones como niño en términos de lo que yo quería hacer profesionalmente. Ellos estaban allí cuando necesitaba consejo, pero me dieron el espacio para descubrir las cosas por mi cuenta.” Otro original de Almazan en el álbum, “H.U.G.S (Historically Unrepresented Groups)”, que fue grabada originalmente por el Grupo de Terence Blanchard, fue escrita en el momento de la elección presidencial de 2008 como un tributo a Barack Obama. Almazan lo volvió a grabar para el álbum de su trío, y es la única pieza en la que interpreta a un teclado electrónico. El año pasado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Almazan interpretó “Hugs” con el Cuarteto de Brice Winston, una banda liderada por el ex saxofonista de Blanchard y respaldada por la sección rítmica actual de Blanchard. Almazán tocaba la melodía en el piano acústico, trabajando en el medio-tiempo con arpegios propios. Sin embargo, sus frases ondulantes hicieron más que solo esbozar los cambios, ellos crearon una melodía tarareable con un sentido elegante de romanticismo. Había una calidad cinemática en la interpretación de Almazan, y no es casualidad, porque su director y mentor Blanchard es, sin duda el más exitoso compositor de bandas sonoras de películas que también ha mantenido una carrera de jazz floreciente. Blanchard, que ha escrito la mayoría de la música de las películas de Spike Lee, ha utilizado a menudo sus compañeros de banda en las bandas sonoras y los ha educado en las formas de crear música para una narrativa visual. El verano pasado, Blanchard llevó a Almazán para tocar en la banda sonora de la película de George Lucas “Red Tails”. Almazán también asistió al Lab de compositores del Instituto Sundance del año pasado, gracias a la recomendación de Blanchard. Cada pocos días, un compositor profesional de musica para cine visita a los seis estudiantes, hablan de la forma de arte y establecen un reto de hacer el mismo clip de cinco minutos. Dos días más tarde, ellos se reencuentran para escuchar el trabajo de los otros, así como la partitura del compositor veterano para el mismo clip. “Me gusta mucho escribir para películas”, dice Almazan, “porque la música no es el eje central. La música es muy abstracta y se puede interpretar de muchas maneras, pero cuando se tiene una narrativa, hay un mensaje más claro para la audiencia. La música puede ser frustrante cuando se escribe y el público lo interpreta de una manera totalmente diferente a lo que usted pretende. Eso no sucede tan a menudo en el cine”. Almazan ya ha recibido una comisión para componer la banda sonora para la próxima película del director sudafricano Daniel Zimbler. Pero incluso en su proyectos fuera del cine, Almazan crea narraciones con su música instrumental, puede ser la historia de su infancia en La Habana, o de sus primeros conciertos en Manhattan, sus lecciones de piano clásico en Miami, sus experimentos electrónicos en Utah o la observación de los padres de todo el mundo.

Reseña de https://www.cibercuba.com/noticias/2012/05/25/fabian-almazan-artista-de-jazz-toca-con-nuevos-aires-los-clasicos-cubanos

Track Listing – Personalities

01. String Quartet No. 10, Op. 118 – III. Adagio (8:33)
02. H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups) (7:12)
03. Personalities (9:18)
04. The Vicarious Life (5:21)
05. Grandmother Song (5:48)
06. Bola De Nieve (5:51)
07. Russian Love Story (6:48)
08. Sin Alma (6:02)
09. Tres Lindas Cubanas (4:59)
10. Una Foto (5:53)

Artist List

Fabian Almazan: piano, Fender Rhodes, electronics/audio manipulations
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Meg Okura: violin I (1, 3)
Megan Gould: violin II (1, 3)
Karen Waltuch: viola I (1, 3)
Noah Hoffeld: cello (1, 3)

tapa Rhizome
Rhizome (2014)

Rhizome es demasiado diverso para ser llamado álbum conceptual. Pero es un único arco, una profunda reflexión personal sobre nuestro momento actual. Un rizoma es un sistema de planta gigantesco en el cual plantas individuales sobre la tierra comparten un solo tallo subterráneo. Para Fabian Almazan es una metáfora de cómo la humanidad está toda conectada. Su álbum es una afirmación de la hermandad humana dentro de una dolorosa conciencia de su continua violación

Su trabajo con Terence Blanchard lo ha revelado como un brillante y expresivo pianista. Pero la complejidad de la materia en Rhizome requiere muchos recursos adicionales: una sección rítmica de la bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole, un cuarteto de cuerdas; la violinista de siete cuerdas, Ronit Kirchman; la guitarra y la inquietante voz de Camila Meza; un sintetizador. El logro de Almazan consiste en como él pone en orden todas estas contrastantes texturas y colores en un poderoso y conflictivo retrato de nuestro tiempo.

La pista del título fue motivada por la masacre de 26 personas, incluidos 20 niños en Sandy Hook Elementary School de Newtown, en Connecticut. Contra un oscuro fondo de cuerdas hirviendo silenciosamente y los gritos sin palabras de Meza, el piano elegíaco de Almazan y el solemne bajo de Oh sondean la esperanza en su luto. “Jambo”, con su violín de pánico y violencia de tambor, es una representación visceral de conflictos contemporáneos. El único standard, “Stormy Weather”, pertenece. Esto es una bellamente desolada y vacilante línea de piano de una sola nota dentro de los inquisitivos suspiros de las cuerdas.

Pero a veces la búsqueda de la fé de Almazan descubre momentos como “Hacia el Aire”, una conmovedora y ascendente mezcla de piano y violines. “A New Child in an Old Place” proviene de una visita a New Orleans, cuando Almazan vió niños jugando en el seno de la devastación causada por el huracán Katrina. Como el rizoma, los niños son una metáfora de la regeneración.

Este álbum es mucho más que los dones de Almazan como improvisador e instrumentista, pero sigue siendo una carrera cuando él se suelta, como en “Espejos” y desata su propia invención de piano en una ola tras otra dentro de la narrativa mayor.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para https://jazztimes.com/reviews/albums/fabian-almazan-rhizome/

Track Listing – Rhizome

01. Rhizome (8:25)
02. Jambo (6:56)
03. Espejos (6:08)
04. A New Child in a New Place (8:07)
05. Hacia el Aire (8:03)
06. The Elders (5:20)
07. Stormy Weather (4:04)
08. El Coqui’s Dream (2:05)
09. Sol del Mar (6:04)

Artist List

Fabian Almazan: piano
Megan Gould: violin
Tomoko Omura: violin
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Camila Meza: guitar, vocals
Ben Street: bass
Henry Cole: drums

tapa Alcanza
Alcanza (2017)

Cuando su disco debut, Personalities, fue lanzado en 2011, el pianista Fabian Almazan puso sobre aviso a todos: este era un músico sin miedo a tomar algunas grandes posibilidades con su oficio. Este álbum comenzaba con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerdas y electrónica, nada menos), y establecía efectivamente la trayectoria que Almazan ha continuado desde entonces, en los que fusiona lenguajes musicales basados en lo clásico, lo latino y el post-bop, en maneras que son siempre sorprendentes e innovadoras. Aunque ha demostrado ser un más que capaz sideman en todo tipo de contextos, no ha sido menor la dominación de los deberes del piano para la banda de Terence Blanchard desde 2007, su visión personal de sus propios proyectos siempre ha sido audaz y ambiciosa -sin miedo, realmente, a la hora de trascender géneros.

Después de Personalities, Almazan lanzó su segundo registro Rhizome en 2014, y al igual que su predecesor, incluye un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La novedad de aquel registro fue la vocalista y guitarrista Camila Meza, quien se ha convertido en un componente básico del ensamble de Almazan, junto con la bajista Linda Oh, el baterista Henry Cole y el cuarteto de cuerdas que incluye a Megan Gould y Tomoko Omura en violín, Karen Waltuch en viola, y Noé Hoffeld en cello. Con esta alineación ahora aclimatada en el lugar para la actual grabación de Almazan, Alcanza, el escenario se estableció para algo extraordinario. Y para estar seguro, esto es un triunfo absoluto.

En consonancia con la enorme visión de Almazan, este es un álbum conceptual, una suite de nueve movimientos de una hora de duración, que explora las preguntas de autodescubrimiento, identidad, y el lugar de los seres humanos en un complejo y a veces intimidante universo. La voz prístina de Meza da vida a la lírica que invita a la reflexión de Almazan, y aunque ella cante exclusivamente en español, la belleza y el esplendor de la música son más que suficientes para trascender las fronteras lingüísticas -un rasgo que caracteriza el cuerpo entero de trabajo de Almazan, así como su música tan a fondo desafía la categorización y clasificación.

Las dos cualidades más sorprendentes de la suite son su energía y su potencia emocional. Desde la apertura con “Vida absurda y Bella”, uno está inmerso en la infecciosa sinergia del ritmo e impulso de la música. Impulsado por la potencia percusiva del piano de Almazan, las ágiles línea de bajo de Oh, y los fluidos polirritmos de Cole, la música cambia hacia adelante, y las cuerdas son absolutamente esenciales para el proceso. Lejos de ser usadas como mera ornamentación, son integrales a la progresión de la suite, a veces en la declaración de los temas melódicos (como en el sublime movimiento de cámara, “Verla”), en otros ofreciendo el contrapunto cargado o la disonancia para acentuar el gusto picante de la música. Hay una inquieta y anhelante calidad de la música que es fascinante: incluso en sus momentos más tranquilos y más sombríos, uno siente la vida pulsando debajo, esperando a emerger con un estallido de energía creativa.

Y en cuanto a la vitalidad emocional del registro: es simplemente impresionante. Ya sea a través de la intensidad de “Mas”, con la vocalización creciente de Meza transportando al oyente a través de una meditación sobre los misteriosos propósitos de la vida, o el majestuoso lirismo de “Pater Familias”, dedicada al padre de Almazan, el alcance del sentimiento y la pasión abarcado por esta música es notable. Y aunque los temas musicales a menudo poseen un aspecto aparentemente simple, como folk, la música es decididamente no simplista: el barrido emocional de cada movimiento se ve reforzado por su complejidad rítmica. Escuchando los ademanes propulsivos de Almazan junto a la deslumbrante técnica multi-rítmica de Cole y las oleadas dinámicas de Oh hacen el arco melódico de “Pater Familias” aún más convincente y emocionalmente resonante.

Al examinar el registro, Almazan dijo que su intención era “sumir al oyente, para llevarlo completamente a otro lugar”. Con un álbum de este poderío, inflexiblemente creativo, lo ha hecho. Esta es música que exige ser escuchada y experimentada.

Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/alcanza-fabian-almazan-biophilia-records-review-by-troy-dostert.php

Track Listing – Alcanza

01. Alcanza Suite: I. Vida Absurda y Bella (5:43)
02. Alcanza Suite: II. Marea Baja (6:35)
03. Alcanza Suite: III. Verla (3:21)
04. La Voz De Un Piano (Fabian Almazan) (2:11)
05. Alcanza Suite: IV. Mas (feat. Camila Meza) (3:50)
06. Alcanza Suite: V. Tribu T9 (5:46)
07. La Voz De Un Bajo (Linda May Han Oh) (2:16)
08. Alcanza Suite: VI. Cazador Antiguo (5:56)
09. La Voz De La Percusión (Henry Cole) (1:05)
10. Alcanza Suite: VII. Pater Familias (8:39)
11. Alcanza Suite: VIII. Este Lugar (9:18)
12. Alcanza Suite: IX. Marea Alta (4:51)

Artist List

Fabian Almazan: piano, electronics
Camila Meza: voice and guitar
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Megan Gould: violin I
Tomoko Omura: violin II
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello

Apunte: Fabian Almazan nació el 16 de Abril de 1984 en La Habana, Cuba. A temprana edad comenzó a estudiar piano clásico en su patria. Junto a sus padres se exilia en Miami, Florida, pero allí no podía permitirse lecciones privadas de piano. Gentilmente, la pianista Conchita Betancourt le enseñó gratuitamente a Almazan durante más de tres años, permitiéndole hacer una audición en la New World School of the Arts de Miami, donde él estudió desde 1998 hasta 2002. En el 2003, Almazan se traslada a Nueva York, donde estudia con Kenny Barron en la Manhattan School of Music. Persiguiendo su licenciatura, estudia instrumentación y orquestación con Giampaolo Bracali. Bajo la tutela de Bracali, Almazan compone piezas para orquestas y conjuntos de cámara. En 2009, Almazan recibe el grado de Maestro de la Manhattan School of Music, y paralelamente estudia en privado con Jason Moran. Desde el año 2007 es un miembro permanente del quinteto del trompetista Terence Blanchard. En el año 2011 graba Personalities su primer álbum como líder el cual es bien recibido por la crítica especializada, algo que sucede nuevamente con su segundo álbum Rhizome del 2014 y finalmente llega este año su tercer entrega, sin dudas la más lograda, y también hay que decirlo, uno de los discos que seguramente encabezará las encuestas de revistas y sites a fin del presente año en el rubro “lo mejor de”. Hace varios días que vengo escuchando intensamente estas tres obras, y es gratamente sorprendente la evolución de una a la siguiente. De recrear su herencia musical tamizada por la impronta clásica adquirida desde la niñez hacia lo universal. Lo que sin dudas Fabián Almazan ha “alcanzado” es un estado de gracia, por así decirlo. “Alcanza” es musicalmente desbordante. Es grandioso sin pretender serlo: así de natural y profundas son las músicas creadas por Almazan. Al pianista le duele el mundo, la suerte de los expatriados, el destrato a la naturaleza, lo que pueda ocurrir con nuestros destinos y desde donde puede, él trabaja para curarnos. Y para nuestra buena suerte, tiene el don. “Alcanza” impresiona y realmente conmueve profundamente. Dos cosas más: una, aplaudo que las letras cantadas en estos discos sean en castellano, y dos, la letra de “Alcanza Suite: IV. Más” cantada como un ruego por Camila Meza, es de un sentimiento y humanidad estremecedora. En resumen: obra de arte exquisita, de lo mejor que he escuchado en los últimos años.

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Gérard Marais Quartet
junio 15, 2017, 11:00 pm
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tapa Inner Village
Inner Village (2015)

Quien es Gérard Marais?

Gérard Marais estudia la guitarra clásica con Martial Faraill y trabaja la armonía y la composición con Suzanne Roussel. Es durante sus estudios de Letras Modernas en la Sorbonne que encuentra a los músicos del Dharma Quintet, grupo que integra desde 1971. Observado por Michel Portal, participa en el registro de “Splendid Yzlement”.

En los años 80 se suceden dúos de música improvisada (Raymond Boni, Joseph Dejean), pequeñas formaciones (trio Levallet/Marais/Pifarely, trio de Stu Martin) y proyectos escritos como el “Big Band de Guitares”, en el cual reúne a los mejores guitarristas de su generación, todo de estilos combinados.

Compone las primeras OPERA-JAZZ (La Baraque Rouge, Mister Cendron, Sextet). En los años 90, crea varias formaciones “temáticas”: el sexteto Katchinas, el Cuarteto Opéra sobre una relectura instrumental de la música compuesta para la ópera “Mister Cendron”, las cuerdas de « Natural Reserve », el trío con Aldo Romano y Emmanuel Bex, el dúo con Renaud Garcia-Fons. Por último, estos últimos años, se ha interesado, a menudo en compañía de Michel Godard por la música barroca. También participa en la gran aventura de Zhivaros, colectivo de músicos líderes, compositores, que se esforzaron por abrir la escena musical de París durante una década, junto a Didier Levallet, Henri Texier, Claude Barthélémy, Jacques Mahieux y Sylvain Kassap.

Gérard Marais ha conciliado sus actividades artísticas con la enseñanza, en el CIM desde 1979 a 1983, luego funda el departamento jazz en el Conservatorio de Bagnolet, y entre 1988 y 2010 enseña en el Conservatorio Nacional de la Región de Lille.

Sobre el disco

Lectores atentos, lectores exhaustivos, ustedes han notado en septiembre de 2015 en este blog un concierto del cuarteto de Gérard Marais.

Ya es hora de hablar del álbum Inner Village de este cuarteto.

Cuando los líderes están dispuestos a ponerse al servicio de otro líder, usted puede estar seguro de que este es un grande. Esta teoría jazzística aquí se verifica de nuevo.

Gérard Marais es el compositor, arreglador, líder de este álbum. Planta sus uñas todo el tiempo. Para acompañarlo, uno de sus antiguos alumnos, Jérémie Ternoy al piano, el Jefe del Bajo en Francia, el Señor Henri Texier y un baterista melodista, Christophe Marguet.

Esta música es la evidencia misma. Ningún pavoneo, ningún efecto. Los títulos están pegados a la música.

“Seregenti” (n°4) y usted está en un parque natural de África del Este (Tanzania). Leones y ñus, todos bailan con nosotros. “Lonesome Queen” (n°6) donde la soledad de una mujer es casi tan conmovedora como la “Lonely Woman” de Ornette Coleman. “Latin breakfast” (n°7) le da ganas de tomar el desayuno bailando. “Katchinas” (n°9) concluye el álbum con el impulso de los espíritus, los de los indios Hopis de Arizona.

En resumen, como lo indica el título del álbum, “Inner Aldea Song” (n°5), esta música es un viaje a la vez interior y exterior. Perderse para encontrarse, esta es la idea. No es nueva, pero es tan hermosa que hay que instalarse en la plaza de la aldea interior, dejarnos llenar de música e irse con ella.

Fuente para la reseña: Guillaume Lagrée para http://lejarsjasejazz.over-blog.com/search/Gerard%20Marais/

Apunte: Navegando la página web de Marais sorprende la cantidad de discos que tiene grabados principalmente como miembro de algún grupo. También sorprende que su anterior grabación a Inner Village date de trece años antes!!. Esto nos habilita a pensar que nombrar un disco como “Inner Village” podría suponer encontrarnos composiciones reflexivas y complejas, que de alguna manera ponga en música todo ese tiempo vivido sin publicar nada, sobre todo teniendo en cuenta que Marais ya tiene 72 años. Todo lo contrario. La música es simple, jovial, despreocupada, celebratoria y atrapa con su buen humor y la evidente camaradería que hay entre estos talentosos músicos amigos. Lo tengo muy, pero muy escuchado a Inner Village y cada vez que lo hago lo disfruto como un buen paseo, una buena copa o una charla con amigos. Muy recomendable!

Track Listing

1. Baron Noir (G. Marais) (7:22)
2. Le Rouge et le Noir (G. Marais) (7:08)
3. Quand les Mahs (G. Marais) (4:17)
4. Serengeti (G. Marais) (6:20)
5. Inner Village (G. Marais) (4:11)
6. Lonesome Quenn (G. Marais) (5:27)
7. Latin Breakfast (G. Marais) (3:15)
8. Think Nocturne (G. Marais) (5:27)
9. Katchinas (G. Marais) (4:07)

Artist List

Gérard Marais: guitare électrique, compositions, arrangements
Jérémie Ternoy: piano
Henri Texier: contrebasse
Christophe Marguet: batterie

Link de descarga
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OZMA

tapa Welcome Home
Welcome Home (2016)

« Fulano atraviesa con este álbum una nueva etapa »; es el tipo de frase comodín e inofensiva que se encuentra regularmente en la prensa profesional.. Pero he aquí, hay que reconocer, que esta fórmula totalmente hecha perfectamente se aplica a Ozma. Por una parte, los alsacianos se apuntan ahora en Cristal Records y son distribuidos por Harmonia Mundi, lo que no es nada. Por otra parte, Welcome Home, marca la vuelta “a casa” del trombonista Guillaume Nuss, que formó parte del grupo en sus tres primeros álbumes (Ozma, Electric Taxi Land y Strange Traffic). Tres de los miembros originales pues son reunidos en este sexto disco del que visualmente sólo da envidia de adquirirlo (y de hecho lamentarse al mismo tiempo de que no existe una versión en elepé). Podemos añadir que el dúo de composición Édouard Séro-Guillaume (bajo) / Stéphane Scharlé (batería) jamás fue tan complementario y deja una gran libertad a los “nuevos” (Julien Soro, saxofones y Tam de Villiers, guitarra) tanto en el disco como sobre el escenario. Pero dejemos de lado el alboroto para sumergirnos en el vivo sucesor de New Tales.

OZMA pertenece a esta nueva generación del jazz francés que cava sus influencias más allá de la esfera musical. Verdadero albergue español, Welcome Home combina un jazz moderno y accesible a las referencias obtenidas del rock, las músicas progresivas, e incluso del hard rock. Deliciosamente ritmado, « Krefeld mon amour », en homenaje a uno de los lugares regulares de paso de la banda entre nuestros vecinos germanos, juega con los diálogos animados entre el trombón de Guillaume Nuss y el saxofón de Julien Soro. Estos intercambios saltarines son una de las características de la música de OZMA, que se encuentran por ejemplo en « He Saved The Girl (Once Again) » y su segunda parte casi disco. Pero el grupo también sabe rodar los hombros y mostrar sus músculos. Desde « Electric Lament », se sienten venir algunos enervamientos, de pasajes a 220 voltios alimentados por la guitarra de Tam de Villiers. Un groove viril aparece así en punteado a lo largo del álbum, y particularmente en el casi heavy « Goldi Boldi ». Sospechamos que al dúo Séro-Guillaume / Scharlé gusta de las infidelidades al jazz con las formas musicales más peludas. Sin embargo, no abandona la ligereza; algunos títulos menos densos como « Flat Tire at Durban Market » y « Cashmere Weekend » permiten a los vientos expresar temas más libres y a la guitarra tomar prestado vías aéreas.

« Diversidad » es un adjetivo que encaja perfectamente a las diez composiciones de Welcome Home, álbum a la vez enérgico y delicado, legible y sofisticado. Contrariamente a la desafortunada señorita de la chaqueta, OZMA no sube en la silla de montar para darse un golpazo sino para conseguir una vuelta con gran pompa.

Fuente para la reseña: Jean-Philippe Haas para http://www.chromatique.net/chroniques/item/16102-welcome-home

Apunte: El premiado quinteto francés OZMA, nació en 2001 como un proyecto artístico con un objetivo claro e innovador: crear un repertorio de composiciones originales e improvisaciones colectivas sin fronteras estilísticas. Sus miembros son hijos de los ochenta: iniciados en jam sessions, con numerosas y variadas influencias de la música contemporánea, desde la electrónica al rock, a la música de jazz. El grupo crea una totalmente nueva y original música que trasciende las etiquetas tradicionales. Paralelamente a su repertorio original, OZMA implementa proyectos creativos en colaboración con artistas del extranjero (África, Canadá, India) y crea presentaciones en vivo que desarrollan la interacción entre la música y la imagen. OZMA desarrolla una línea artística plural, enraizadas en las distintas esferas de influencia de sus músicos. Un universo moderno y ecléctico de música creativa que OZMA ha compartido a través de seis álbumes y más de 250 conciertos en cuatro continentes.

Track Listing

01. Krefeld Mon Amour * (4:40)
02. Magnus Effect ** (5:40)
03. Electric Lament * (3:46)
04. Concerto For Sharks ** (6:16)
05. Cashmere Weekend * (6:05)
06. Goldi Boldi * (4:06)
07. Flat Tire At Durban Market ** (4:58)
08. My Favorite Regret ** (6:34)
09. He Saved The Girl (Once Again) ** (3:47)
10. Cousin Howard ** (5:35)

* Composés par Stéphane Scharlé
** Composés par Édouard Séro-Guillaume

Artist List

Edouard Séro-Guillaume: basse, composition
Stéphane Scharlé: batterie, composition
Julien Soro: saxophones
Guillaume Nuss: trombone
Tam de Villiers: guitare

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