Preso ventanilla


Thomas Grimmonprez
enero 3, 2019, 10:13 pm
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tapa bleu
Bleu (2009)

Hace diez años, a principios del verano de 1999, el jurado del Concours National de Jazz de la Défense concedió una mención especial a un joven baterista de Lille, Thomas Grimmonprez. Este estudiante de François Jeanneau en el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse (primer premio en 1997) comenzó una carrera que lo ha convertido hoy en un músico muy apreciado por sus mayores (Martial Solal, Patrice Caratini, Laurent Cugny, Riccardo Del Fra) y reconocido por su papel en las formaciones a las que permanece fiel como el trío de Stéphane Kerecki .

Para su primer disco como líder en el sello Zig-Zag Territoires, Thomas Grimmonprez probablemente podría haber mostrado sus relaciones y jugado la carta de prestigiosos invitados. Prefirió encontrarse con viejos amigos en Lille. Una elección que al escuchar Bleu, grabado en las tierras de su infancia, no debe ser lamentada.

Al optar por un trío donde el piano eléctrico (Fender Rhodes) juega el papel principal del instrumento armónico, estuvo expuesto al riesgo de estar encerrado en una estética connotada (después del jazz-rock, las esferas de la electrónica ampliamente adoptaron este instrumento una vez más “de moda”). El talento y la experiencia de Jérémie Ternoy marcan la diferencia. Conocemos su facilidad en un teclado acústico (con su trío). Demuestra sobre el Fender, que es también un pianista capaz de crear colores sutiles tocando sobre sonoridades extendidas por un recurso bien dosificado a algunos efectos electrónicos.

Bleu: ocho composiciones de Thomas Grimmonprez que nos llevan a través de una sucesión de climas personales que tienen la simplicidad de la música pop (el muy hermoso tema “Sans nom”), una fragancia a menudo funky (“Sans glace”). Conservan de un extremo a otro la espontaneidad propia del jazz a través de un juego colectivo basado en un conocimiento de larga data entre los miembros de este trío (en “7040”). El baterista está allí para pilotear el proyecto sin forzar la línea. Su forma de tocar se caracteriza por una sensación de ritmo y pulsaciones danzantes que se basan en la presencia de platillos charleston (a veces realzados por una pandereta) y una hermosa musicalidad en los toms (“Sans nom”), incluso en ritmos binarios más vigorosos.

No dejaremos de saludar la presencia del bajista Christophe Hache por la calidad de su interpretación tanto en el nivel rítmico como en el melódico. Una cualidad que es particularmente notable en otro tema muy agradable: “Planeur”.

Bleu es una música que toca el corazón y el cuerpo, bailando ritmos y cantando melodías de manera simple y estrechamente entrelazadas.

Fuente para la reseña: Thierry Giard para http://www.culturejazz.fr/spip.php?article1258

Track Listing – Bleu

01. Bleu (6:18)
02. Sans glace (4:13)
03. Planeur (3:31)
04. Issue de secours (2:47)
05. Sans nom (6:57)
06. Sphère (4:19)
07. Presque énervant (6:20)
08. 7040 (5:05)

Artist List

Thomas Grimmonprez: drums, compositions
Jérémie Ternoy: Fender Rhodes
Christophe Hache: double bass

tapa kaleidoscope
Kaleidoscope (2016)

 
Los tríos de piano son legiones. La peculiaridad de este proviene en particular del lugar otorgado al Fender Rhodes: “Seducido por el sonido del Fender Rhodes, utilicé este instrumento para poder hacer que mis oyentes viajen a través de mis colores armónicos” (Grimmonprez). Además, Thomas Grimmonprez es bien conocido por los fanáticos del jazz belgas: forma parte del cuarteto de Phil Abraham, con Ron Van Rossum en piano y Sam Gerstmans en contrabajo, y ha tocado varias veces con la Orquesta de Jazz de Bruselas (especialmente durante un festival de jazz en Ciney, para el proyecto « Changing Faces », con David Linx). Egresado de los conservatorios de Lille y París, donde tuvo clases con Daniel Humair, participó en muchas formaciones importantes: el Patrice Caritini Ensemble (álbumes « Darling Nellie Gray » y « Latinidad » , entre otros), The New Decaband de Martial Solal (« Expo sans tableau »), la Big Band Lumière o Paris Jazz Orchestra de Nicolas Folmer. También formó parte del quinteto de Georgui Kornazov, el sexteto de Geoffroy Tamisier o el trío de Stéphane Kerecki, con Matthieu Donarier en saxofón (álbumes « Focus Dance » o « Sound Architects », con los invitados Bojan Z y Tony Malaby). Deseando afirmar su propia identidad, formó un trío con Jérémie Ternoy (piano) y Christophe Hache (contrabajo). El primero, después de haberse dedicado a la música clásica, continuó sus estudios de jazz en el Conservatorio de Lille, especialmente con Gérard Marais. Notado desde 2003 en la competencia jazz de la Défense, con su trío (Nicolas Mahieux en el bajo y Charles Duytschaever en la batería, trío con el que grabó el álbum “Bill”), multiplicó las colaboraciones: Gérard Marais (« Inner Village »), Jacques Mahieux (« Peaux d’âme », con Géraldine Laurent) pero también Magma. El segundo es también del Conservatorio de Lille. Director musical de Circum Grand Orchestra, también ha participado en diferentes formaciones del colectivo Muzzix, como el trío de Stefan Orins (álbum Liv, publicado recientemente aquí) y también lo escuchamos con Jean-Marc Padovani, Sébastien Texier, o Antoine Hervé.

Después de un primer álbum, “Bleu”, lanzado en 2009, aquí está Kaleidoscope: “Once pinturas con diferentes identidades de sonido de las que emerge un caleidoscopio emocional y musical”. Si Jérémie Ternoy dedica varias playas al piano, con un lirismo melódico purificado (“Fragile Balance”), en complicidad con el contrabajo (hermoso solo en “The Nap”) y, a menudo, un delicado juego de escobillas de Thomas Grimmonprez (“Unspoken”), él usa Fender Rhodes más a menudo con sus colores fluidos (“Morning Running”, con solo de batería en patrones repetitivos, “Meeting Place”, “Spicy Chocolate”, “Fresh Wind” con platillos), a veces usando sonidos de « xénophones » a la manera de de Bojan Z (“Rain Dance”) o de yuxtaposición entre piano acústico y Rhodes (“Deep Breath”). Un álbum perfectamente realizado, un caleidoscopio real con atmósferas y colores variados.

Fuente para la reseña: Claude Loxhay para http://jazzaroundmag.com/?p=13816

Track Listing – Kaleidoscope

01. Morning Running (3:27)
02. Deep Breath (4:16)
03. Fragile Balance (5:43)
04. The Nap (5:43)
05. Rain Dance (4:57)
06. Peace of Mind (5:17)
07. Meeting Place (5:05)
08. Spicy Chocolate (4:10)
09. Sweet White Wine (5:10)
10. Fresh Wind (4:37)
11. Unspoken (4:39)

Artist List

Christophe Hache: double bass
Thomas Grimmonprez: drums, compositions
Jérémie Ternoy: electric piano, Concert Grand Piano

Apunte: Tanto en Bleu como en Kaleidoscope la música nos remite a sonidos viejos y amados, a los que nuestros oídos seguramente se han acostumbrado. Nada es realmente nuevo pero aún así el sonido es cristalino, nocturno y se siente afianzado el deseo de los músicos por tocar juntos, contando historias o simples emociones; como bien dijo Grimmonprez “…inspirado por sentimientos ya experimentados, dirigí un trabajo que me inspiró a pintar once pinturas con diferentes identidades de sonido. De estas once pinturas surge un “caleidoscopio” emocional y musical que es el espejo de mi alma: aquí un lugar resuena, allí murmura un suspiro, más allá surge una sensación gustativa, en otros lugares nace una vibración entre dos seres…”. Creo no equivocarme al decirles que ambos álbumes son disfrutables para un amplio espectro de oídos.

Password en ambos casos: presoventanilla



Enrico Pieranunzi, André Ceccarelli, Diego Imbert

tapa Ménage à Trois
Ménage a trois (2016)

Enrico Pieranunzi es probablemente uno de los pianistas europeos más originales y emocionantes. Domina toda la historia del piano de jazz con una preferencia por Bud Powell, Paul Bley y especialmente Bill Evans. El artista también tiene un conocimiento íntimo del repertorio impresionista-romántico europeo, incluyendo a Debussy, Maurice Schumann, Franz Liszt y Darius Milhaud. Para el artista romano, la música es una cuestión de melodía, sensualidad.

Tomó como esposa a la música clásica y al jazz como amante. O tal vez es al revés? No importa, este “inmoral” ménage a trois ha dado a luz ese toque sensual e incomparable que ha caracterizado a Enrico Pieranunzi desde sus inicios a mediados de la década del ’70. Seis meses después del lanzamiento del álbum “My Songbook” grabado con la cantante milanesa Simona Severini, el pianista vuelve con su nuevo proyecto grabado en trío, junto al baterista André Ceccarelli y el contrabajista Diego Imbert.

La poesía y el romance nunca están muy lejos en la obra de Enrico Pieranunzi, las once piezas de este Ménage a trois son las demostraciones más hermosas. Lejos de otros intentos fallidos para transformar temas clásicos de jazz, el proyecto a menudo toma la forma de un homenaje a las obras de Satie, Fauré, Poulenc y Debussy. El trío de choque está inspirado en las piezas de Bach, Liszt, Milhaud o Schumann, no las repite. La sensibilidad y la sensualidad de los arreglos de Pieranunzi y la interpretación de estos tres destacados músicos de jazz nos ofrecen aquí una unión perfecta entre melodías románticas y un implacable swing.

Fuente para la reseña: https://www.fip.fr/decouvrir/album-jazz/menage-trois-25533

Track Listing – Ménage a trois

01. Mr. Gollywogg (3:57)
02. 1ère Gymnopédie (3:47)
03. Sicilyan Dream (4:42)
04. Medley: La Plus Lente Que Lente / La Moins Que Lente (7:15)
05. Hommage À Edith Piaf (4:44)
06. Le Crépuscule (4:00)
07. Mein Lieber Schumann I (7:06)
08. Medley: Romance / Hommage À Milhaud (5:00)
09. Mein Lieber Schumann II (7:05)
10. Hommage À Fauré (4:38)
11. Liebestraum Pour Tous (4:18)

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
Diego Imbert: double bass
André Ceccarelli: drums

tapa Tribute to Charlie Haden
Tribute To Charlie Haden (2017)

Siempre fallamos en hablar de lo que amamos, afirmó el brillante semiólogo y escritor Roland Barthes. Un supuesto, esto, que tal vez se aplique en lo literario pero no en lo musical. Así lo demuestra el homenaje de Diego Imbert a Charlie Haden. Al maestro del contrabajo, que murió en 2014, el colega francés del instrumento le dedica uno de los álbumes más poéticos y emocionantes de los últimos años. Y para hacerlo, utiliza a su amigo italiano Enrico Pieranunzi (que ha grabado cuatro álbumes con Haden) y al cómplice transalpino André Ceccarelli. En la práctica, el mismo trío de “Ménage à trois” – elegante CD lanzado en 2016 – más un cuarteto de cuerdas, un oboe, un clarinete y una flauta. En el repertorio se encuentran composiciones del artista, piezas líricas y de encanto cinematográfico como “First Song”, “Nightfall” y “Silence” (colocado de manera significativa al cerrar la obra como un epitafio), todos firmando con extremo respeto por los originales y, sin embargo, con la libertad creativa del jazz.

Pero también hay un puñado de estándares que a su compañero de Ornette Coleman les encantó interpretar (“Lennie’s Pennies” de Tristano, por ejemplo) y especialmente las composiciones inspiradas en él, desde “Charlie’s Waltz” de Imbert hasta el intenso “Charlie Haden” de Pieranunzi. Y es precisamente la presencia del pianista romano la que marca la diferencia. Enrico tiene una marcha más y se siente: es perfecto tanto cuando acompaña a los solos de Imbert como improvisando; se las arregla para ser romántico sin caer nunca en la sensiblería o en el ejercicio de estilo fino por sí mismo; va al corazón de la música y no se pierde en el virtuosismo inútil.

La guinda sobre la torta, los arreglos de cuerdas: Pierre Bertrand los firma e incluso estos están al estilo de Haden y son decididamente refinados. Resultado? Un concentrado de “esprit de finesse” muy francés.

Fuente para la reseña: Ivo Franchi para https://www.musicajazz.it/diego-imbert-tribute-to-charlie-haden/

Track Listing – Tribute To Charlie Haden

01. First Song (6:15)
02. Charlie’s Waltz (4:54)
03. Charlie Haden (5:32)
04. Liberation Suite Part I (3:54)
05. Liberation Suite Part II (3:40)
06. Liberation Suite Part III (2:57)
07. Nightfall (5:18)
08. Last Dance In Paris (3:42)
09. Lennie’s Pennies (3:08)
10. Faith Of The Bass (7:25)
11. In The Wee Small Hours Of The Morning (6:28)
12. Silence (4:43)

Artist List

Diego Imbert: contrebasse
Enrico Pieranunzi: piano
André Ceccarelli: batterie
Pierre Bertrand: arrangements
Johann Renard & Caroline Bugala: violons
Grégoire Korniluk & Paul Colomb: violoncelles
Stéphane Chausse: clarinette
Anne-Cécile Cuniot: flûte
Ariane Bacquet: hautbois

tapa Monsieur Claude
Monsieur Claude. A Travel With Claude Debussy (2018)

Es conocida la costumbre de Enrico Pieranunzi con las monografías, signo de una concepción virtuosa del disco, como resultado de un proyecto coherente, y no como mera necesidad editorial: solo piense en las obras dedicadas a Duke Ellington (“Duke’s Dream”, 2017), Domenico Scarlatti (“Plays Domenico Scarlatti”, 2007), Ennio Morricone (“Play Morricone”, 2 vols, 2001-2002), Bill Evans (“Evans Remembered”, 2000) y Wayne Shorter (“Plays the Music of Wayne Shorter”, 2000).

En el centenario de la muerte de Claude Debussy (25 de marzo de 1918), el sello francés Bonsai Music publicó este Monsieur Claude. A Travel With Claude Debussy, grabado con la misma formación que en 2016, también para Bonsai Music, registró “Ménage à trois”: Pieranunzi está, por lo tanto, flanqueado por el baterista Andre “Dede” Ceccarelli y el bajista Diégo Imbert, mientras que el tenorista David El- Malek y la cantante Simona Severini dan su contribución como invitados. En ambos discos de este trío, el pianista romano busca una síntesis de sus dos identidades, la del intérprete clásico y la del jazzman, proponiendo composiciones que son adaptaciones de piezas de la tradición europea: si en “Ménage à trois” se abordaron varios autores (Bach, Schumann, Liszt, Fauré, Debussy), Monsieur Claude se centra naturalmente en el compositor del mismo nombre.

De hecho, nueve de las once piezas están construidas a partir de los trabajos de Debussy: “Mr. Golliwogg” (tomado de “Golliwogg’s Cake-walk”, el episodio final de “Children’s Corner”), ya estaba presente en Ménage à trois, y aquí se propone en una versión diferente. El material original permite a Pieranunzi crear estructuras bastante complejas, armónicas y rítmicamente animadas. Hay frecuentes cambios de tempo, que el trío resuelve con confianza, mostrando su armonía: esto es ejemplar en “L’autre ballade”, un reensamblaje de la “Ballade L.70”. Solo el enfoque rítmico revela el núcleo más genuinamente jazzero de este trabajo: como es habitual en Pieranunzi, surge la predilección por el swing, tanto en tempo medio como en tempo rápido (de manual la alternancia entre los dos metrónomos en “Blues for Claude”), por el jazz-vals (“Passepied Nouveau”, “Nuit de étoiles”) y por el funk (“Bluemantique”).

El eco de Debussy también se escucha en las dos composiciones completamente originales, “Blues for Claude” y “My Travel with Claude Debussy”: esta última es una espléndida miniatura de dos minutos para piano solo. En “Blues for Claude”, la imitación del modelo es incluso didáctica, ya que se trata de una pieza basada totalmente en la escala hexatonal, que Debussy ha utilizado y que se ha convertido en proverbial.

Después de “My Songbook” (2016), se renueva la colaboración entre Pieranunzi y Simona Severini, que se mide aquí con textos de Bourget (“Romance”, tocado en piano y voz), de Banville (“Nuit d’étoiles) y Apollinaire (“L’adieu”), además de interpretar un tema sin texto (“Rêverie”), que es casi un regreso a casa, a un clima cultural conocido, el de la literatura francesa según el siglo XIX y principios del XX, en el que estaba inspirado su álbum “La belle vie” (2011). Entre estas canciones, cuyo único defecto es alargarse en las colas menos significativas de lo necesario, “Nuit d’étoiles” se distingue por la elegancia de la interpretación y lo compacto del ensamble: la melodía se desarrolla en el registro más agradable bajo la voz de Severini, que expresa aquí su mejor sonido, transparente y firme.

Superponer el lenguaje del jazz a los pasajes de principios del siglo XX es una operación arriesgada, que para su éxito requiere dominar ambos idiomas sin dudarlo, de lo contrario, el resultado es grotesco. Pieranunzi demuestra con Monsieur Claude que es capaz de mantener su propia personalidad de autor, incluso cuando está empeñado en reescribir un tema musical tan exigente: lo que hace que el intento sea creíble y el resultado sea feliz.

Fuente para la reseña: Luca Casarotti para https://www.allaboutjazz.com/monsieur-claude-a-travel-with-claude-debussy-enrico-pieranunzi-bonsai-music-review-by-luca-casarotti.php

Track Listing – Monsieur Claude

01. Bluemantique (5:30)
02. Passepied nouveau (4:50)
03. L’autre ballade (5:35)
04. Romance (5:02)
05. Rêverie (7:45)
06. Cheveux (5:11)
07. Blues for Claude (4:27)
08. Nuit d’étoiles (8:11)
09. Mr. Golliwogg (5:35)
10. My Travel with Claude (2:04)
11. L’adieu (6:38)

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
André Ceccarelli: drums
Diego Imbert: bass
David El Malek: saxophone
Simona Severini: vocals

Apunte: Enrico tiene un espacio preponderante en MQC / PV y estas obras no podían faltar. Tres discos de jazz bastante tradicional pero seguramente muy disfrutable aún por aquellos oídos que gustan de la música que corre los límites, ya que el lirismo y swing de Pieranunzi no dejan lugar a la indiferencia. Espero lo disfruten!

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Erik Friedlander
diciembre 22, 2018, 2:05 pm
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tapa Artemisia
Artemisia (2018)
Erik Friedlander nos había encantado en 2015 con la publicación de “Oscalypso”, dedicada a Oscar Pettiford . En esa ocasión disfrutamos de la combinación de su chelo con el saxo tenor de Michael Blake, particularmente exitoso. Ahora, con Artemisia, Friedlander se presenta, siempre en cuarteto, flanqueado por el piano de Uri Caine, otro músico cuya ductilidad audaz es capaz de lidiar con una hermosa gama de contextos musicales.

También cambia la combinación de contrabajo y batería, con dos campeones como Mark Helias y Ches Smith. El resultado es la banda Throw a Glass: un escenario de considerable variedad plástica, tanto desde el punto de vista de la composición como de la improvisación, y la variedad de soluciones tonales y combinaciones instrumentales. El violonchelo del líder es naturalmente el primer responsable y protagonista de esta diversificación de roles, pasando con la facilidad que ya bien conocemos desde la función de un aliento de solista hasta el de refuerzo en las líneas de bajo, hasta el patrón de pinceladas anchas y densas.

Dicho esto, parece que el juego, con este personal instrumental y con estos músicos, se maneja de una manera verdaderamente maravillosa. Desde las primeras notas del CD se siente una síntesis, un enfoque del grupo, una especie de navegación ligera impulsada por un viento favorable. ¿Este es el misterioso viento de Picasso, quien modeló las seis esculturas llamadas Glass of Absinthe, expuestas al MoMA en Nueva York y una fuente de inspiración para este trabajo? Sin duda, la variedad de motivos melódicos, rítmicos y expresivos que Friedlander inculca en esta música es abundante. Esta abundancia se maneja con un raro sentido de equilibrio dinámico, que hace que la música sea siempre pulsante, aventurera, pero bien enfocada.

El motivo inspirador, la absenta, el hada verde, en el que el cuarteto ha trabajado durante más de un año, ha dictado a Friedlander y los demás músicos la oportunidad de meditar sobre la euforia, sobre los estados de percepción alterados y alucinados a los que también se refieren las esculturas de Picasso. Esto da una fuerte impresión a la fisonomía de las canciones, en las que los episodios contrastantes se alternan y se mezclan, pasando de los climas hipnóticos y suspendidos de “Artemisia” y “La Fée Verte” a los colores ellingtonianos de “Seven Heartbreaks”, a los complejos injertos de atmósferas y métricas de otras piezas, entre las que destacan “Blush”, “Drop by Drop”, “The Devil Made Liquid”. Pero la impresión final, en esta variedad, es precisamente la de gran consistencia.

Lo que también se destaca por la solidez del conjunto y por la riqueza de las intervenciones solistas, siempre orientadas a enriquecer el discurso, para brindar apoyo a la narración, tanto con la dosis precisa de ciertos episodios como a través del ímpetu y la imprudencia. Un trabajo precioso, que satisface totalmente la escucha emocional y analítica, así como la táctil para los afortunados que podrán ganar la lujosa caja lacada de edición limitada que contiene tres vinilos de diez pulgadas y las ilustraciones de Akino Kondoh.

Fuente para la reseña: Giuseppe Segala para https://www.allaboutjazz.com/artemisia-erik-friedlander-skipstone-records review-by-giuseppe-segala.php

Apunte: Después de una prohibición de casi 100 años, en el 2007 fue legalizada en EEUU la absenta, famosa bebida alcohólica que induce alucinaciones. Friedlander, que no había probado ni una sola gota de esta bebida antes de este proyecto, se sintió interesado por los efectos del consumo de absenta luego de ver la muestra de Picasso en el MoMA. Contrariamente a lo que uno podría suponer de un artista vanguardista como Friedlander, la inspiración lo llevó a caminos más tradicionales: “Sentí que quería ser tradicional”, dijo. “Es quizás la segunda vez que uso el piano en mis más de 20 discos. Nunca he usado una sección de ritmo estándar con el violonchelo, y sentí que estaba lista para eso. Hacer una declaración. Quiero decir, se trata de la absenta y su historia como alucinógena, pero también es, en cierto modo, una declaración sobre el tradicional cuarteto de jazz. Pero con el chelo en lugar de trompeta o saxo”. En cuanto a cómo la música se sincroniza con la bebida, Friedlander ve ambas cosas relacionadas con ideas como “perseguir lo alto” y “perseguir la euforia”. Para él, esos momentos de éxtasis se producen cuando su banda, llamada Throw a Glass, está en su punto más espontáneo. “Quiero que las piezas se toque correctamente, obviamente”, admite. “Pero estoy más interesado en encontrar esos pequeños milagros diarios que ocurren dentro de la actuación, donde los músicos tienen una sincronicidad repentina, un contrapunto repentino o un final acordado. Esos momentos que obtienes en cualquier actuación. Si tienes media docena de esos momentos, es mágico. Así que estoy buscando ese momento dorado cuando aparece el arco iris. Cuando los músicos tienen este pensamiento juntos, como uno solo”. Respecto al encanto de escribir un álbum conceptual, Friedlander explica que “puede ser una plataforma para examinar la propia creatividad, una forma de mirar tanto hacia adentro como hacia afuera, con una posible colisión de esas vistas siempre a la vuelta de la esquina. Que profundice en lo que es mi proceso”, dice. “De qué se trata y de dónde viene. Es un proceso de dar y recibir. Escribes, exploras, escribes, exploras, y los dos comienzan a influirse
mutuamente. Muy pronto tienes algo”.

Fuente para el apunte: Brad Farberman para https://jazztimes.com/features/erik-friedlander-and-throw-a-glass-see-green/

Track Listing

01. The Great Revelation (7:10)
02. Artemisia (6:28)
03. Seven Heartbreaks (5:30)
04. The Devil Made Liquid (5:30)
05. Sparkotropic (7:56)
06. La Fée Verte (5:10)
07. As They Are (6:31)
08. Tulips Brush Against My Legs (3:40)
09. Blush (7:59)
10. Drop By Drop (6:45)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Uri Caine: piano
Mark Helias: bass
Ches Smith: drums

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Henri Texier 6

tapa Sky Dancers
Sky Dancers (2016)
No muchos músicos tienen una identidad tan fuerte que puedan ser reconocidos en la primera escucha, ya sea porque tienen un sonido realmente personal o porque identifican de inmediato la marca de su escritura. El contrabajista Henri Texier es uno de ellos: tiene un sonido y una escritura absolutamente personales. Y este nuevo álbum no es una excepción a la regla: las nueve composiciones originales de Sky Dancers se refieren, de inmediato, al universo personal del bajista parisino. De “Comanche” a “Navajo Dream”, a través de “Hopi” o “Mapuche”, Henri Texier una vez más rinde homenaje a los amerindios que ya había celebrado, en 1993, con el álbum « An Indian’s Week » grabado por su Azur Quartet con Michel Portal y Louis Sclavis como invitados. Aquí es particularmente a estos “bailarines del cielo” a los que rinde homenaje. De hecho, de acuerdo con las palabras de Texier: “Sky Dancers es el nombre que reciben los amerindios del noreste de América del Norte que, gracias a su supuesta ausencia de vértigo, construyen rascacielos, especialmente los de Nueva York, y bailando en las vigas, allá arriba en el cielo”. En este nuevo álbum, encontramos a los tres cómplices del Hope Quartet, su anterior formación: Sebastien Texier, el saxo alto y el clarinete premium en “Paco Atao” (está presente junto a su padre desde « Mosaïc Man » en 1998 ); François Corneloup, voluble en el saxofón barítono (ya estaba allí en el álbum « Mad Nomads » en 1995, luego en « Vivre » y « “Water Alert ») y François Moutin, preciso y siempre justo, en la batería. En guitarra, sucediendo a Noël Akchoté y Manu Codjia, encontramos a Nguyên Lê, uno de los guitarristas más personales de la escena francesa actual que si bien jamás había formado parte de una de las formaciones de Henri Texier, ya se habían cruzado, en 2012, para el álbum « 3+3 » del trío Romano-Sclavis-Texier, con los también invitados Enrico Rava (trompetista) y el pianista Bojan Z. Por fin, al piano y en los teclados, descubrimos al joven treinteañero Armel Dupas al que Texier había descubierto, por casualidad, en un pequeño jazz-bar en Vendée. Graduado del Conservatorio de París, Armel Dupas acompañó a la cantante Sandra Nkaké, formó el dúo de electro-jazz Water Babies, grabó a su nombre « Upriver » y compuso música de cine para Arnaud Despléchin, Michel Gondry o Christophe Honoré: una hermosa tarjeta de presentación . El álbum se abre con “Mic Mac” tocado en quinteto sin guitarra: la oportunidad de escuchar hermosos solos de barítono, viola, piano y bajo, con este pizzicati voluble específico de Texier. A partir de “Dakota Mab” y su lado “indio” inducido por los tambores de Luis Moutin, Nguyên Lê se une al grupo, con su sonoridad luminosa, en paralelo al piano eléctrico de Armel Dupas. Las melodías siguen brillando y los ritmos endiablados con “Mapuche”, “Comanche” y “Cloud Warriors” (tocados sin guitarra). “He Was Just Shining”, dedicado a Paul Motian, es más tranquilo, como en el álbum « Respect » grabado en 1997, con Lee Konitz, Bob Brookmeyer, Steve Swallow y el baterista de la Electric Bebop Band, como “Hopi”, un hermoso intercambio entre piano y guitarra y el bajo, tocado sin sopladores y François Moutin con escobillas, mientras que “Navajo Dream” es un solo de bajo. El álbum termina con “Paco Atao”, con Sebastien Texier en el clarinete y Henri Texier en el arco, en un clima más oscuro. Una cosa es segura, siempre nos llena un álbum de Henri Texier: la belleza luminosa de las melodías, el encanto de los ritmos que sirven una amplia gama de sonidos, con músicos que muestran una verdadera complicidad empática. En resumen, este es uno de los álbumes más emocionantes de los últimos meses.

Fuente para la reseña: Claude Loxhay para http://jazzaroundmag.com/?p=11634

Apunte: En el año 2014 tuve la suerte de presenciar un concierto de Henri Texier y su grupo en la ciudad de Córdoba, Argentina. Hasta el día de hoy lo recuerdo como uno de los mejores que he visto en mi vida. La música sonaba como lo describe la reseña: luminosa, rítmica, compleja, pero a la vez accesible, y con músicos que se podía ver disfrutar el encuentro grupal que ya, a estas alturas de sus vidas debe ser casi un ritual ineludible. Sky Dancers es eso: un líder con sus viejas obsesiones, que se sienta detrás y deja hacer a sus amigos, que recuerda a sus viejos amigos (Paul Motian; en Córdoba también lo hizo) y que, fundamentalmente, no se la creyó nunca: “A veces se emplea la palabra “leyenda” al referirse a mí. No estoy disconforme por el hecho de ser reconocido, pero me da escalofríos. Me importa un carajo ser una leyenda”. Escuchar Sky Dancers hace bien. Obra de manera sanadora.

Track Listing

01. Mic Mac (11:07)
02. Dakota Mab (8:20)
03. Clouds Warriors (7:48)
04. He Was Just Shining (9:33)
05. Mapuche (7:34)
06. Hopi (7:48)
07. Navajo Dream (1:52)
08. Comanche (11:38)
09. Paco Atao (4:05)

Artist List

Henri Texier: bass
Sébastien Texier: alto saxophone, clarinet
François Corneloup: baritone saxophone
Armel Dupas: piano
Nguyên Lê: electric guitar
François Moutin: drums

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Nicolas Moreaux

tapa Far Horizons
Far Horizons (2018)

Muy espontáneamente queremos decir que hay mucho volumen en la música de Nicolas Moreaux . De hecho, es muy denso y no nos sorprenderá ver que, además de los saxofonistas Olivier Bogé y Christophe Panzani , la brillante guitarra de Pierre Perchaud , y el sólido juego en el bajo, hay dos bateristas, en este caso Karl Jannuska y Antoine Paganotti. Esto es inusual y ayuda a dar esa impresión de poder colosal. La escritura y los arreglos también participan. Los saxofones y la guitarra a veces se encuentran en la sección y finalmente uno puede tener la sensación, muy agradable, de una ruptura inquebrantable. Incluso en “Bird Symbolic”, una pieza que podría estar relacionada con una balada, hay algo que proviene de una fuerza silenciosa. El álbum termina con “I’ve Seen You In Me”, una dulzura de un poco menos de 5 ‘, para un aterrizaje tranquilo después de habernos sacudido como debería por esta gira por horizontes lejanos.

Fuente para la reseña: Gilles Gaujarengues para https://www.citizenjazz.com/Nicolas-Moreaux-3476308.html

Apunte: En su tercer obra, Nicolas Moreaux expone su visión de la música que busca en las entrañas de nuestras humanidades. Aquí no hay urgencia. Se trata de tomarse el tiempo para escuchar, intercambiar y contemplar. La música es intensa, e invita tanto al canto y al trance, como a la contemplación, abriendo horizontes sublimes, barridos por el viento del jazz. Es cierto: somos fans de Moreaux desde la primer hora. Altamente recomendable!

Track Listing

1. The Bard (6:48)
2. Out Of Trouble (5:05)
3. Bird Symbolic (8:20)
4. Music Of The Heart (5:21)
5. Far Horizons (6:10)
6. Lord Of Goodness (4:25)
7. Sister Soul (6:42)
8. To Blossom (8:42)
9. I’ve Seen You (4:50)

Artist List

Nicolas Moreaux: doublebass
Olivier Bogé: alto saxophone, piano
Christophe Panzani: tenor saxophone
Pierre Perchaud: guitar
Karl Jannuska: drums
Antoine Paganotti: drums

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Password: presoventanilla



Jack Radsliff
diciembre 18, 2018, 9:42 pm
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tapa Migrations Patterns
Migration Patterns (2017)

¿De dónde vino este álbum?

La primera vez que apareció en mi radar, Acción de Gracias se acercaba en el calendario, lo que indicaba no solo pavo relleno, sino también la preparación de las listas de “Best Of” de final de año. Naturalmente, todavía estaba llegando a las listas de nuevos lanzamientos en varios sitios, pero no con el mismo celo que la mayoría del resto del año. Noviembre es un mes de liquidación de lanzamientos de calidad, y diciembre es típicamente una zona muerta, desolada como el invierno de Chicago a las 3AM. Hice adiciones a mi lista de seguimiento, envié algunas solicitudes de promoción y, al mismo tiempo, me preparé para la inevitable fusión de la selección de un puñado de álbumes de los cientos que merecen una mención como lo mejor que 2017 tenía para ofrecer.

No pasó mucho tiempo después de que envié mis votos y finalicé la lista “Best Of” de mi propio sitio, que realmente tuve que sentarme con Migration Patterns de Jack Radsliff .

Sucede todos los años. Un excelente nuevo álbum llega a las estanterías a fin de año y se pierde en el diluvio de grabaciones de temas festivos que dominan los ciclos de lanzamiento de noviembre y diciembre. Cada año hay una gema, un diamante en la nieve, y se menciona en la edición del año siguiente. Es inevitable. Lo que no se espera es que sea una grabación debut. Una grabación debut de producción propia.

Algunas olas son engañosas. Entran a raudales lentamente, te envuelven y te lavan, aparentemente inofensivas hasta que la corriente subterránea te agarra y te aleja de la costa, y de repente, la inmensidad escarpada del mar se vuelve increíblemente clara. Esa es una melodía en Migration Patterns . Las melodías resuenan con una belleza nítida, pero la subyacente corriente armónica es lo que desencadena la magnitud de esa belleza. El lavado rítmico que sigue, simplemente conduce ese punto a casa. De la manera que la Brian Blade Fellowship Band puede hacer que una pieza de diez minutos se sienta como un viaje épico, el sexteto de Radsliff hace lo mismo con la apertura de la pista “Ruby”. El conjunto aligera el ambiente con el boyante “61 North”, cambiando la influencia un poco de la nueva escuela a la vieja escuela. La pista del título insinúa una balada que luego se convierte en un cambio de juego de manos en algo mucho más salvaje y libre. “Breathe” es una melodía que se deja ir y se observa mientras se desplaza hacia el horizonte. También es un precedente de “Vero” y el regreso a la creciente intensidad melódica que marca esta excelente grabación. Incluso cuando Radsliff termina la grabación con el sublime blues de “From the Lectern”, el impacto emocional acumulado hasta ese punto amplifica la resonancia de una melodía que se ajusta más a la luz de la luna que a la magnitud.

Todavía no estoy seguro de dónde vino este álbum, pero debería terminar en todas tus bibliotecas de música.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para https://www.birdistheworm.com/recommended-jack-radsliff-migration-patterns/

Apunte: Jack Radsliff es un guitarrista / compositor nacido y criado en el área de la Bahía de San Francisco. Actualmente reside en Portland, Oregon. Jack ha desarrollado una reputación como sideman que lo ha llevado a trabajar con algunos de los nombres más importantes del Pacífico Noroeste, incluidos Tony Glausi, Joshua Hettwer, Idit Shner, Siri Vik, Evynne Hollens y muchos más. Jack se ha presentado en muchos lugares importantes de Oregon (SHEDD, Hult Center, WOW Hall, Jazz Station, Michelle’s Pianos, Tower Theatre, etc.) y muchos más en la costa oeste (Cafe Pink House de Saratoga, Sound Room de Oakland, etc.). Antes de mudarse a Portland, Jack se centró en su papel como maestro, trabajando con estudiantes como profesor privado y como profesor de posgrado en la Universidad de Oregon, donde obtuvo su Maestría en Música.

Track Listing

1. Ruby (8:55)
2. 61 North (4:47)
3. Migration Patterns (8:19)
4. Breathe (1:55)
5. Vero (7:48)
6. The Wick (7:55)
7. From The Lectern (4:38)

All songs written by Jack Radsliff

Artist List

Jack Radsliff: guitar
Joshua Hettwer: tenor sax / clarinet
Tony Glausi: trumpet / flugelhorn
Torrey Newhart: piano
Milo Fultz: bass
Ken Mastrogiovanni: drums

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Password: presoventanilla



Jessica Lurie

tapa Megaphone Heart
Megaphone Heart (2012)

Con el Jessica Lurie Ensemble, Lurie continúa demostrando su flexibilidad, combinando las tradiciones del jazz estadounidense con varios sonidos internacionales. Tanto sus saxofones como sus vocalizaciones tienen sus momentos en Megaphone Heart, pero el álbum está orientado a mostrar a sus compañeros. “Same Moon”, una pieza meditativa inspirada en la pérdida de un amigo, se basa alrededor del piano de Erik Deutsch, y toma casi todo su tiempo de ejecución para llegar a su núcleo emocional, pero sin arrastrarse en el camino. Las contribuciones de Brandon Seabrook tanto en la guitarra como en el banjo son notables, ya sea con los pliegues guiados de “A Million Pieces All in One” o el trabajo de guitarra más estridente en el disco. El ensamble experimenta no solo con estructuras y estilos, sino con sonidos, como en el rock espacial de “Boot Heels”. Ese tipo de juego tiene el mayor efecto en la canción principal, donde los simples efectos de megáfono atraviesan los encantadores tonos de apertura, creando una pieza fuera de balance lo suficiente como para tener su propio tono, sin convertirse en algo realmente extraño. Esto es el sonido de un ensamble fuertemente enfocado que reúne todo que ellos necesitan.

Fuente para la reseña: Justin Cober-Lake para https://www.popmatters.com/157320-jessica-lurie-ensemble-megaphone-heart-2495861764.html

Track Listing – Megaphone Heart

01. Steady Drum (:58)
02. A Million Pieces All In One (4:59)
03. Bells (6:17)
04. Megaphone Heart (7:03)
05. Same Moon (6:40)
06. Maps (7:00)
07. Der Nister (7:22)
08. Zasto (6:01)
09. Boot Heels (6:45)
10. Once (4:56)

Artist List

Jessica Lurie: alto, tenor, baritone saxophones, flute, voice, megaphones, production
Brandon Seabrook: guitar, banjo, tape recorder
Erik Deutsch: piano, electric piano, organ
Todd Sickafoose: acoustic bass. production
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Marika Hughes: cello
tapa Long Haul
Long Haul (2017)

El nuevo lanzamiento de Jessica Lurie, Long Haul (Chant, 2017) es una declaración no de un arduo viaje de resistencia, sino de su devoción por la artesanía que durante más de tres décadas la ha visto forjar una identidad musical de gran diversidad y profundidad. Su carrera personifica su experiencia como una fuerte mujer instrumentista, compositora y vocalista en un género dominado por hombres, inmerso en alegre revelación interpretativa. Al citar influencias que van desde klezmer, música cubana, hasta el jazz, la música de Lurie es su personal narrativa musical expresada de forma compositiva y embellecida con su ingenioso enfoque de la improvisación.

Sería muy fácil marcar este disco, y aquellos que Lurie ha grabado previamente, como una música de fusión, o una encrucijada musical que identifica la variación cultural. Pero si uno define el jazz como expresión de la condición humana, como la verdadera forma original de arte estadounidense, entonces la diversidad étnica y cultural de sus artistas y patrocinadores debe expresarse sin inhibición. En este sentido, Lurie es una artista de jazz que utiliza el trampolín cultural que es su raíz familiar y sus tradiciones. Lurie a menudo se refiere a su música como “canciones populares extrañas”, tomando la narrativa que es el legado judío de su padre, y su fascinación de toda la vida con varias formas, incluyendo la música clásica y el jazz.

La canción principal en muchos sentidos resume el viaje musical de Lurie hasta la fecha, su creativo “larga distancia” que se ha inspirado en un prisma ecléctico de colores tonales y rítmicos. Mis pensamientos se desviaron hacia Ravel al escuchar primero, con la pieza que se abre y se cierra a la deriva en un ostinato que desafía el paso del tiempo. La improvisación colectiva, destacada por la animada interacción entre el contralto de Lurie y el pianista Brian Marsella , puede imaginarse como cánticos budistas que se elevan del om colectivo. Estas derivaciones de ostinato rodean una melodía que proporciona una narración aparentemente sin fin, maravillosamente articulada por Lurie y Marsella.

Hay una resonancia sónica a lo largo de esta grabación proporcionada por la baterista Allison Miller , el bajista Todd Sickafoose y el guitarrista Mike Gamble . El sonido es una extraña sensación de Bill Frisell que recuerda a la obra maestra de Dave Douglas, “Strange Liberation” (Bluebird, 2004). Este sentimiento realmente sale a la luz en el estilo de Nueva Orleans, “Calder’s Circus”. La melodía se desliza desde el modo de marcha completa, al swing de núcleo duro, con solos de Lurie y la trombonista Naomi Moon Siegel en tonos jubilosos.

“Rare Flares” es un guiño al primer instrumento de Lurie, la flauta, y el legado judío de su padre. Hay rasgos melódicos que están inmersos en Klezmer, en la música clásica y, de hecho, en el enfoque ecléctico de Lurie hacia las armonías folks. Con Lurie en la flauta, hay una textura del este de Europa que Lurie y Marsella deconstruyen completamente, y reconstruyen, a través de la improvisación y la composición.

“A Tiger For William Kentridge”, presenta una demolecularización rítmica en capas de tiempo variable, destacando sonidos del guitarrista Gamble. Lurie toca un cortante solo que salta y salta a través de los pliegues armónicos proporcionados por sus compañeros. La melodía que entra y sale juguetea, desciende, tropieza y se desliza, y en última instancia aterriza en un montón colectivo.

La música en Long Haul se siente como si estuviera tirando en direcciones opuestas, creando un arco perfecto. En diversos casos, es similar al minimalismo, o el triunfo del ostinato. En otros, se mueve entre paisajes musicales trotamundos, mientras habla sobre la estética personal de donde surge la narrativa de Lurie. Lo más importante es que emana la fuerza, el coraje y la ventaja ecléctica implacable que hemos llegado a esperar de un proyecto Lurie.

Fuente para la reseña: Paul Rauch para https://www.allaboutjazz.com/long-haul-jessica-lurie-chant-records-review-by-paul-rauch.php

Track Listing – Long Haul

1. A Tiger for William Kentridge (7:05)
2. Spark (6:30)
3. Rare Flares (3:26)
4. 3 X Heather’s 17 (5:27)
5. Long Haul (For Jim Lurie) (7:05)
6. Calder’s Circus (5:18)
7. Straight Out of Everything (4:30)
8. Lost and Found (9:35)
9. Patience (5:08)

Artist List

Jessica Lurie: alto saxophone
Brian Marsella: piano
Mike Gamble: guitar
Todd Sickafoose: acoustic bass
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Naomi Seigel: trombone

Apunte: Dos enormes álbumes de una gran artista. El rasgo común en estas obras, ciertamente, es su eclecticismo. Asombrosamente, eso no atenta en absoluto contra la fuerte consistencia del discurso musical que tienen Lurie y su ensamble, que indudablemente sienten propia esa mixtura y disfrutan lo que hacen. La música es inteligente, rica su escritura, enérgica, accesible y emotiva en su expresión. Altamente recomendable!

Password en ambos casos: presoventanilla