Preso ventanilla


Jakob Bro
abril 16, 2017, 2:05 pm
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tapa Gefion
Gefion (2015)

Ser guitarrista en ECM es cargar con una herencia muy pesada ya que la editora alemana fue la primera en percibir los cambios que la guitarra introdujo en el jazz. Cambios – entiéndase – en el sentido de la innovación y de la creatividad porque sí hubo otros cambios, pero en la dirección de la indecencia.

Metheny, Towner, Abercrombie, Frisell, Gismonti (y hasta Derek Bailey) reposicionaron la guitarra en el jazz y abrieron nuevos lenguajes para el instrumento que Manfred Eicher, responsable del sello, supo identificar y promover. Hoy, la posición de la empresa es diferente, mas interesada en mantener el lenguaje del sonido que la ayudó a definirse, como quien cuida un patrimonio. En este contexto, la relación con Jakob Bro es de convivencia, pues parece una forma de retomar la grandeza del pasado para intentar encontrar nuevos usos: un patrimonio vivo.

El sonido de este guitarrista danés funde el brillo melódico de Frisell con la acidez de Abercrombie. El músico comenzó su carrera discográfica en 2003 y llega a uno de los Olimpos de las grabaciones de jazz como líder (ya había grabado anteriormente con el grupo de Paul Motian el álbum “Garden of Eden” en 2004 y después, en 2009, “Dark Eyes”, con Tomasz Stanko), después de 10 discos editados.

En el proceso de digestión y exploración de todas las innovaciones de los años 70 y 80, a las que hoy asistimos en las más diversas áreas creativas, escuchamos con placer el regreso del baterista noruego John Christensen que, a la par de DeJohnette, fue el músico que puso como base las primeras sesiones rítmicas de la casa (Jarrett, Garbarek, Weber, Towner, Rava, Abercrombie, etc.). Reescuchamos con placer su sonido metálico, con el uso intensivo de los platillos cortado con el bombo, y notamos que ahora esta más abierto y abstracto que en otros tiempos

En el contrabajo está el americano Thomas Morgan que ha integrado los diferentes grupos de Bro desde 2011. Ya lo escuchamos en “Communion”, de Joao Lencastre, en una de las grabaciones de André Matos y en otros discos de ECM con Abercrombie y Taborn. Tiene un sonido fuerte y seguro que se integra particularmente bien en el plano musical conciso y simple del guitarrista, manteniendo clara y nítida la estructura melódica.

El disco suena magníficamente inviernoso en sucesivas audiciones. Alegremente lento, es música para ir a ver la lluvia en el campo, con temas de una belleza serena y contemplativa. Previsible en cuanto al sonido, pero no por eso menos interesante en la música, escuchamos una guitarra bellísima, con composiciones que resuelven con elegancia y sorpresa los lugares comunes. Las guitarras de ECM comienzan a regresar a casa.

Fuente para la reseña: Gonçalo Falcão para http://www.distrijazz.com/es/smartblog/77_jakob-bro-trio-cr%C3%ADtica-ao-disco-gefion-na-jaz

Track Listing – Gefion

01. Gefion (10:36)
02. Copenhagen (4:26)
03. And they all came marching out of the woods (4:34)
04. White (5:09)
05. Lyskaster (4:18)
06. Airport Poem (3:32)
07. Oktober (4:21)
08. Ending (2:46)

Rainbow Studio, Oslo, November 1-2, 2013

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Jon Christensen: drums
tapa Streams
Streams (2016)

Streams es el segundo disco para el sello discográfico ECM Records del guitarrista danés Jakob Bro. Antes de su primer compacto, Gefion, Jakob Bro ya había aparecido en este mismo sello bajo las grabaciones del legendario baterista Paul Motian, Garden of Eden, y del trompetista polonés Tomasz Stanko, Dark Eyes. En todos estos proyectos, Bro había dejado siempre su marca personal, tal y como hace de nuevo en su más reciente trabajo, Streams.

Para esta ocasión el guitarrista danés se ha servido de una formación en trío conformado por Thomas Morgan al contrabajo y Joey Baron a la batería. El repertorio de Streams es original del líder de la sesión y la música resultante se mueve entre las reflexiones musicales, la delicadeza, la melodía y las notas musicales no expresadas, en muchas ocasiones tanto o más importantes que las emitidas.

En este trabajo en conjunto (que es como se podría calificar), necesario para los propósitos del guitarrista, la sección rítmica a veces sirve de colchón sonoro para que el líder pueda desplegar su discurso musical entre contemplativo y aeróbico, lo que provoca un juego de espacios sonoros brillantes y emotivos, llenos de riqueza y sutileza. Jakob Bro así mismo sabe imprimir en algunas composiciones cierto carácter explorador, como el homenaje que lleva a cabo al baterista Paul Motian en la composición “PM Dream” y donde Joey Baron da una lección de templanza interpretativa; o de carácter distorsionador como en el tema “Full moon Europa”, o la extraordinaria graduación sonora de “Sisimiut”. También hay que apuntar la pieza a solo que interpreta Bro en “Heroines”.

Finalmente señalar el excepcional trabajo que desarrollan Thomas Morgan y Joey Baron, excelentes a lo largo de toda la grabación, atentos siempre al discurso musical del líder, no se puede esperar menos de dos de los mejores músicos de acompañamiento que hay en la actualidad.

Reseña de Joan Carles Abelenda para http://jazzrecordings.blogspot.com.ar/2016/12/jakob-bro-streams.html

Track Listing – Streams

01. Opal (4:40)
02. Heroines (5:35)
03. PM Dream (9:37)
04. Full Moon Europa (10:19)
05. Shell Pink (8:17)
06. Heroines (Solo) (2:33)
07. Sisimiut (7:30)

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Joey Baron: drums

Apunte: dejé pasar un largo tiempo para despegarme de joyas como “Time”, “December Song” o “Balladeering” para escuchar estos trabajos de Bro. Apenas vió la luz Gefion, tenía muy frescos esos discos con Konitz, Frisell y Motian y debo decir que no lo sentí como un paso hacia adelante. También hay que decir (y no es ningún gran descubrimiento) que estaba casi cantado que Bro inevitablemente fuera a grabar en algún momento como líder para ECM. Manfred Eicher tiene el marco exacto para las pinturas y texturas de Bro. En estos dos álbumes continúa de manera sencilla, donde lo menos es más, intentando mostrar que el mundo puede ser bello. Para eso cuenta con la ayuda de exquisitos músicos que comulgan perfectamente con su propuesta, en especial Joey Baron que está simplemente magnífico a lo largo de todo Streams. El barco de Bro cambia de tripulantes pero no cambia de dirección. Y está bien, no hay ley escrita o algo por sentado que diga que debe olvidar todo lo hecho y arrancar de nuevo. Seguramente, ya llegaran otros vientos.

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Ralph Towner
junio 29, 2010, 11:12 pm
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Solstice (1975)

Cuando Ralph Towner explota en la escena de jazz contemporáneo a mediados de los años 70, los oyentes estaban bien concientes de su imponente talento como miembro de Oregon. Pero cuando Solstice fue publicado en el sello ECM, esto elevó el caché del brillante guitarrista a un nivel mucho más alto, sobre todo como compositor. Con el extramundano saxofón soprano curvo y la ejecución de flauta de Jan Garbarek, la percusión exacta de Jon Christensen, y los sonidos únicos del bajo de Eberhard Weber, la música en este álbum elevó el estilo europeo del jazz de ECM y la música improvisada a un nuevo reino de puro expresionismo. Simplemente puesta esta música es increíblemente hermosa. El increíble “Oceanus” comienza con la guitarra de Towner que cae a torrentes, seguida por el hinchado y sinfónico bajo de Weber, una línea de batería con mucho swing de Christensen con el atmosférico y dramático soprano de Garbarek poniendo timbres contrastantes, simétricos y colores inusuales. “Nimbus” abre con alguna asombrosa técnica armónica de Towner, más si se considera la naturaleza acústica de su instrumento. Un tema circular en un implícito 3/4 debajo 4/4, conduce a flautas sobregrabadas de Garbarek; el soprano en 6/8 es toda una identificación como un sonido puro ECM. “Piscean Dance” es un entrenamiento funky entre Towner y Christensen; un ejercicio de confluencia intuitiva. Otras partes del disco son orientadadas espacialmente como el relajado, libre y obsesionante “Red & Black”; “Visitation” con múltiples sonidos de percusión de flexatone y cocteleras bajo el bajo de Weber y la extraterrestre flauta de Garbarek. El maravilloso piano de Towner es oído en “Drifting Petals”: un bonito y pensativo vals con líneas de armonía, junto a la flauta de Garbarek, luego Towner cambia a la guitarra en un más profundo discurso con el cuarteto. Tan frío como el estudio noruego (Oslo) donde ellos grabaron, “Winter Solstice” no es tan profundo cuanto telepático, mientras los músicos usan las técnicas de inicio/parada, otra vez insertando un ritmo 3/4 en una ecuación 4/4. De las muchas excelentes grabaciones que él ha ofrecido, Solstice es el logro supremo de Towner como un líder que dirige esta agrupación definitiva de camaradas ECM, quien absolutamente define el sonido del sello para ese marco de tiempo, y para todo los tiempos.

Reseña intrincada de Michael G. Nastos para http://www.cduniverse.com/productinfo.asp?pid=7727746 – Traducción complicada: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

1. Oceanus (11:05)
2. Visitation (2:37)
3. Drifting Petals (7:01)
4. Nimbus (6:31)
5. Winter Solstice (4:03)
6. Piscean Dance (4:16)
7. Red And Black (1:19)
8. Sand (4:08)

Grabado en Arne Bendiksen Studio, Oslo, Noruega en Diciembre de 1974.

Artist List

Ralph Towner: 12-string guitar, classical guitar, piano
Eberhard Weber: cello, bass instrument
Jan Garbarek: flute, soprano saxophone, tenor saxophone
Jon Christensen: drums, percussion

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Rita Marcotulli

Koine (2002)

Perdido en la profusión de conciertos en el festival de jazz de Londres del año pasado, la actuación solista de la pianista italiana Rita Marcotulli con el saxofonista británico Andy Sheppard fue una gema pasada por alto. El piano de Marcotulli tocó fuertes demostraciones insinuantes de Chick Corea y Keith Jarrett, pero su colorido fondo muestra radicalmente sus propios proyectos. Marcotulli ha tocado el jazz americano y la fusión con Dewey Redman y Billy Cobham, con músicos suecos, el acompañamiento en vivo a películas de
François Truffaut, y mucho más.

Este set es sobre un amplio barrido a través de los horizontes Marcotulli, con el fresco jazz/pop escandinavo (con la etérea voz de Anja Garbarek) junto al canto vocal africano, ayudado por la tecnología e intrincados dúos de improvisación. En el centro está aquella fructífera conexión con Sheppard, y mucha de la música silenciosamente desarrollada, a veces parando diálogos centrados en la expresiva interacción entre las melodías de Marcotulli y las líneas flojas y fluídas del bronce de Sheppard.

La experiencia sueca de Marcotulli, es reflejada en la presencia de la hija de Jan Garbarek, Anja, en la voz -una vocalización minimalista y teñida de pop, equivalente al sonido del saxofón soprano de Jan- y la incondicional sección de ritmo de ECM, Palle Danielsson, Jon Christensen y Anders Jormin.

Marcotulli entonces se muda al lejano este para una sociedad con el
notable percusionista armenio Arto Tuncboyaciyan. Esto fácilmente podría ser parpadeante libro de etnicismos contemporáneo, con poco para enfocar esto, pero con el gancho de marketing de la world music -y en una primera ocasional escucha, esto es exactamente lo que parece. Pero la inteligencia pensativa de Marcotulli como líder y su manera de tomar diversas músicas como experiencias vividas más bien que recuerdos, paga una atención más cerrada. Al principio la pianista y Sheppard se entrelazan suavemente sobre un palpitante groove electrónico. Entonces, en “Interference”, la voz de Garbarek surge como un misterioso himno pop, por momentos vaporoso luego agudo como un alfiler.

“Afromenia” de Tuncboyaciyan se mueve del sonoro canto vocal a un
sentido latino con la vuelta del bailable saxofón soprano de Sheppard.Y el extraordinario falsete de Lena Willemark en “Lena’s Story” completa el amplio espectro cultural y musical del set. Permanece fragmentario, y de vez en cuando un poco tentativo, pero algunos sonidos en “Koine” se repiten en su cabeza durante mucho tiempo después.

Fuente para la reseña: John Fordham para www.guardian.co.uk Traducción: La Bestia Políglota!

Track Listing

01. G. Continuo (Marcotulli) (6:27)
02. Fragment 1 (Marcotulli/Garbarek) (1:08)
03. Interference (Marcotulli/Garbarek) (3:00)
04. Afromenia (Marcotulli) (4:27)
05. Fragment 2 (Marcotulli) (0:34)
06. Il Richiamo (Marcotulli) (8:33)
07. Numeri (Marcotulli/Testa) (4:37)
08. Koine (Marcotulli) (4:27)
09. Just Feel (Marcotulli) (2:06)
10. Fuori Dal Tempo (Marcotulli) (0:50)
11. E Per Non Fare la Fine Di Quella Talpa (Marcotulli) (4:13)

Artist List

Rita Marcotulli: piano (on all tracks) harmonium (on 5); voice (on 7)
Andy Sheppard: saxophone (on 1,3,5)
Javier Girotto: saxophone (on 1,8), pipe flute (on 4)
Joachim Milder: saxophone (on 4)
Stanley Ray Adams: trombone (on 1)
Gianmaria Testa: electric guitar (on 5); voice (on 5)
Michele Ascolese: acoustic guitar (on 7)
Anders Jormin: double bass (on 1,2,3,5)
Palle Danielsson: double bass (on 4)
Luca Bulgarelli: double bass (on 7)
Audun Kleive: drums (on 3,4,5,6)
Jon Christensen: drums (on 4)
Roberto Gatto: drums (on 2)
Arto Tuncboyaciyan: percussion (on 3,6); voice (on 3,6)
Metaxu: electronic effects (on 1,2,4,5,6,7,8)
Pasquale Minieri: electronic effects (on 3,6)
Rodolfo Calandrelli: electronic effects (on 4)
Anja Garbarek: voice (on 2)
Lena Willemark: violin and voice (on 4)
Donatella Bonanni, Rita Salis, Marcello Sirignano, Lena Willemark (violin) Ivo Scarponi, Alessandra Montani, Giuseppe Tortora (cello): strings (on 2)

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Iro Haarla
agosto 21, 2009, 10:54 pm
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Northbound (2006)

Iro Haarla no es particularmente conocida, pero la influencia de la pianista/arpista finlandesa ha sido sentida por quien ha trabajado con ella en sus últimos años, su difunto marido, el baterista Edward Vesala. Según el saxofonista Trygve Seim -quién no sólo tocó con Vesala hacia el final de su vida, sino que es también parte del quinteto de Haarla en su debut en ECM, Northbound, Haarla fue la co-compositora sin figurar en los créditos de muchas de las composiciones de Vesala.

Si uno compara “Satu” (ECM, 1977) con “Lumi” (ECM, 1987), la primera colaboración de Vesala con Haarla, hay un significativo cambio estilístico hacia una música mas tranquila. La libre ejecución que definió el trabajo inicial de Vesala está todavía allí; pero también esta la orquestación definida y un caos casi paradójicamente estructurado. Las insólitas alineaciones instrumentales de Vesala también sirvieron como inspiración para las propias grabaciones de Seim, incluyendo el magnífico “Sangam” (ECM, 2005).

La formación clásica de Haarla ayudó a mover a la música de Vesala a un lugar en el que todavía no tiene precedentes. Ella trae un enfoque compositivo similar a Northbound, que también destaca al trompetista Mathias Eick -últimamente oído en las Evening Falls (ECM, 2004) del guitarrista Jacob Young- más el bajista y compañero de la banda de Vesala, Uffe Krokfors, y un pilar de ECM, el baterista Jon Christensen. En este ajuste instrumental más convencional, el quinteto de Haarla es capaz de explorar un espacio musical similar al de Vesala, pero sus alrededores son más amplios, proporcionando el espacio para la mayor expresión individual y la interacción, evitando ese torbellino anárquico que es tan característico en las exploraciones a veces inestructuradas de Vesala.

La escritura de Haarla es profundamente melódica, pero mantiene una cálida melancolía que refleja sus raíces nórdicas. Su ejecución, a veces delicada, otras barriendo el arpa, presta una aguda calidad visual en temas como “Avian Kingdom”, evocando imágenes foráneas para los no familiarizados con la áspera belleza de los remotos paisajes fineses. Eick y Seim circulan cada uno a su alrededor como los pájaros del título, solo ocasionalmente encuentran puntos de armonía, creando un sentimiento de libertad que, sostenidos por la ejecución textural de Christensen, engaña dando al tono claridad orquestal. Eso no significa que no tienen puntos de partida -el coro de la canción es claramente libre para todos- pero en su refrenamiento y búsqueda de base, el quinteto nunca decae menos de la intención colectiva.

Al mismo tiempo en que ellos tienen tantas diferencias como semejanzas, el acercamiento suave de Haarla comparte alguna concordancia con las grabaciones de trío más apacibles de la pianista Marilyn Crispell en ECM, incluyendo a “Amaryllis” (ECM, 2001). Pero mientras que Crispell a menudo confía en bosquejos como un punto de partida para la interacción colectiva, el acercamiento más detallado de Haarla forma las interacciones del quinteto más firmemente, proporcionando puntos de referencia más fuertes para el acercamiento lírico a los solos que define a la grabación entera.

La música de Haarla puede ser vistosamente melódica, pero esto viene de una estética musical antitética a las armonías familiares asociadas con el jazz mainstream. Tampoco el drama de Northbound está arraigado en el entusiasmo convencional de la conducción rítmica. En cambio, un acercamiento más enrarecido de tonalidades exóticas hacen esta convincente petición aún más notable. El estreno de Haarla como líder ha sido esperada por mucho tiempo, pero claramente ha sido una espera gustosa.

Fuente para la reseña: John Kelman para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia (nunca-fue-fácil-Kelman!) Políglota!

Apunte: Post dedicado a nuestro amigo Juan Ignacio, que lo sugirió a modo de curiosidad hace un par de días atrás, y nosotros, que somos muy curiosos, salimos a la búsqueda. Acá están, Iro Haarla, Mathias Eick, Jon Christensen, etc (los sospechosos de siempre…); invito a dejar sus comentarios como apuntes para esta obra.

Apunte (23/08/09): me tomo el atrevimiento de poner en primer plano el comentario que Juan Ignacio nos dejó, porque creo que puede ayudar a todos los que dudan entre escuchar o no este disco; es una mirada diferente (y más calificada, no hay duda) a la nuestra, que ya de por si, puede resultar repetida. Esto nos dice Juan Ignacio:

Cuando sugerí lo de Haarla, lo que tenía en mente era el sonido del arpa, ya que la única arpista “de jazz” que conocía era Alice Coltrane. Bien, empeñada en no complacerme, Haarla coloca el arpa muy en segundo plano durante casi todo el disco, apenas suficiente para dejarme con ganas de más. De todos modos, este quinteto nórdico no defrauda a quienes disfruten del estilo ECM (y quienes no lo hagan, no se vayan sin escuchar la barcarola, With Thanksgiving, y Light in the
Sadness).

Las composiciones de Haarla son espaciosas pero controladas, sin un pulso estricto, con lugar para la improvisación libre pero no desbocada. El uso que hace del arpa es fundamentalmente para aportar color, a veces pulsada y a veces en forma de barrido. Una idea central, en algunas piezas explotada notablemente, parece ser la de sumar tensión, con una progresión de acordes, para ponernos a esperar, casi a desear, la distensión (solo se me ocurre una metáfora sexual, pero puede haber niños leyendo!).

Algunas piezas, si bien que con otro estilo, mucho más melancólico y menos intenso, me hicieron acordar al espectacular Calling, que abría el disco Beyond the Wall de Kenny Garret. Pero hay de todo: el sonido profundo y dulzón, de notas largas, del saxo tenor de Seim; el talento apabullante de Eick; las introducciones y solos meditativos y de pocas notas de Haarla al piano (en On a Crest of a Wave, o la melodía triste y hermosa de Light in the Sadness, seguirla nota por nota, se verá que así se disuelve la aparente disonancia o sinsentido de la serie); una especie de canción de cuna nórdica (la melodía de With Thanksgiving); el despliegue de una melodía que se expande en energía grupal. El talento de Eick y Seim (sobre todo con el tenor) dibujando con frases expresivas, intensas, de notas largas, en solos o entrelazándose, en un clima encendido pero sutil, construido por Haarla al piano o con el arpa más Krokfors más Christensen (que no se priva de comentar), logran conferirle un tono lírico a las piezas lentas y melancólicas de Haarla -cálidamente melancólicas, como apunta Kelman; como si la melancolía no evitara un tranquilo optimismo.

A propósito de esto, desconfío del poder alusivo, evocador o descriptivo de la música por sí misma, como si ciertos sonidos o ciertas estructuras aludieran inevitablemente a ciertos objetos, o situaciones, o paisajes, o sentimientos, sin necesidad de que nadie nos ponga sobre aviso, como si hubiera una analogía o una inmediatamente reconocible identidad de forma entre una música o un sonido, y un objeto (el pájaro que canta y el violín etc etc) (siempre hay una analogía o relación, con tal de que uno esté dispuesto a hacerla tan laxa o lejana como sea necesario). Así, nunca le hago mucho caso a los títulos que pretenden señalar esto, pero debo decir que el caso de Light in the Sadness es transparente: es exactamente eso, una luz abriéndose paso entre la tristeza que lo nublaba todo (con un Seim brillante). En cambio, para que Veil of Mist evoque la soledad en la helada vastedad del paisaje nórdico, de altas montañas y cielo cerrado, y niebla cruzada de sonidos enigmáticos -algún pájaro invisible, el viento en las montañas-…, bueno, conviene haberse enterado antes de que se trata de Finlandia. En fin, que creo que estas cualidades están menos en la música que en quien la escucha, en la interpretación que hace de ella. Este pre-juicio (en el sentido literal de juicio previo, no sin fundamento), este andar buscando que la música confirme el título, a veces estorba, pero a veces potencia
el disfrute.

Para muchos, la música de Haarla puede sonar demasiado libre y de armonías raras, pero aún así vale la pena. Para terminar, repito: no se vayan sin escuchar la deliciosa Barcarole, la ensoñadora With Thanksgiving, y la apabullante Light in the Sadness.

Track listing

01. Avian Kingdom (8:02)
02. Barcarole (8:18)
03. With Thanksgiving (10:34)
04. Time for Recollection (8:33)
05. On a Crest of a Wave (6:42)
06. Waterworn Rocks (4:08)
07. Veil of Mist (4:36)
08. Light in the Sadness (9:19)
09. A Singing Water Nymph (3:08)
10. Yarra, Yarra… (8:33)
11. Northbound (5:28)

Artist List

Iro Haarla: piano, harp
Trygve Seim: saxophones
Mathias Eick: trumpet
Uffe Krokfors: double-bass
Jon Christensen: drums

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Jacob Young
agosto 20, 2009, 10:32 pm
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Evening Falls (2004)

Mientras el guitarrista Jacob Young ha estado en el circuito noruego durante diez años, grabando tres álbumes bajo su propio nombre, así como uno hermoso en dúo con la cantante Karin Krog, Evening Falls es el primero en recibir amplia exposición. Y es algo bueno como Young en estos diez años, se ha desarrollado, tanto como el colega pianista Tord Gustavsen, en un artista singular que logra mezclar un acercamiento más escandinavo-étnico con un claro respeto por la tradición norteamericana. Pero mientras que el sonido de Gustavsen debe mucho a Nueva Orleans y la tradición del gospel, Young viene del acercamiento más sometido y sereno a Jim Hall, con quien estudió en la Nueva New York’s New School for Jazz and Contemporary Music.

Young logra mezclar los cambios de ejecución con una casi ingenua simplicidad parecida a una canción folk. “Blue”, que abre el álbum, está basada alrededor de un simple coro que suena como el que Pat Metheny podría tener, si hubiera crecido en Noruega en vez del medio oeste norteamericano. La elección de Young por la guitarra acústica para esto y casi la mitad del programa de nueve temas originales, se presta a la inclinación étnica del disco, aunque sus opciones armónicas a menudo sean mezcladas con ideas más avanzadas. Y sus solos, en guitarra acústica o eléctrica, claramente documentan ideas que desarrolló en el estudio con artistas como John Abercrombie, Richie Beirach y Kenny Werner. Su ejecución es definida por un fuerte lirismo y el entendimiento de la importancia del espacio, dos características que son comunes denominadores con todos sus maestros. Pero por la mezcla de estas cualidades con una cierta raíz noruega, él ha creado un sonido que, otra vez como Gustavsen, suena absolutamente nuevo mientras, al mismo tiempo, de una extraña manera familiar.

Evening Falls es también la primera grabación ECM en que se presenta el baterista Jon Christensen desde las sesiones que resultaron en “Serenity” de Bobo Stenson en el ’99. Mientras el acercamiento de Young es menos libre, motiva a Christensen para trabajar más adentro de un definido marco rítmico elástico, su ejecución es tan sutil como nunca lo ha sido. Aprovechándose del poema en tono de rubato “Minor Peace” está lleno de inferencias, que nunca se resuelven obviamente.

Los otros miembros del quinteto de Young, que han permanecido juntos durante dos años, son el clarinetista bajo Vidar Johansen, el trompetista Mathias Eick, cuya melancólico melodicismo recuerda a Kenny Wheeler mostrando una simplicidad encantadora, y el bajista Mats Eilertsen, conocido por los fans de ECM como el bajista del grupo anglo noruego del saxofonista Iain Ballamy, Food. Johansen brilla, aunque su estilo lo coloque más en un papel de apoyo, por el intuitivo contrapunto que provee, tanto a las exploraciones más abiertas de Young como de Eick. Eilertsen demuestra ser un músico fuerte con un lado sensible, el cual él explora en el ritmo de tango sutil, “Sky.”

Como en “Changing Places” de Gustavsen, Evening Falls anuncia la llegada internacional de un artista que, con un número de años detrás de él, ya ha desarrollado un acercamiento maduro y personal. Como músico, compositor y bandleader él claramente será alguien a quien mirar.

Fuente para la reseña: John Kelman para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte (20/08/09): conociendo su sensibilidad para todo lo que sea guitarrero, le pedí via mail a nuestro entrañable amigo jes que nos hiciera un apunte para este disco, pero claro, se lo pedí esta mañana y, obviamente, aún no ha podido hacerlo. Seguramente mañana o pasado lo tendremos y editaré el post para agregarlo. De esta forma le damos continuidad a la música de amigos noruegos (Young, Eick, Christensen, etc) que se juntan en discos de unos u otros para desarrollar un estilo de música que los identifica plenamente y reafirma su sentido de pertenencia.

Apunte (21/08/09): Jes, como ya dije ayer, tiene un alma de diamante, y cumplió su promesa enviándonos su riquísimo apunte; qué nos dice?:

Se dice que Jacob Young compuso Evening Falls después de soñar que caminaba kilómetros y kilómetros durante una noche polar en Svalbard, en alguna parte del archipiélago de Svalbard, podría ser la isla Spitsbergen, o la isla Bjørnøya. En el sueño, agobiado por la oscuridad, tuvo la extraña sensación de estar desapareciendo, y que desaparecían también las islas de Svalbard con su nieve. Entonces, y no se sabe si ésto fue al despertar o mientras dormía, escuchó una música que lo retuvo, a lo que cerró los ojos, o volvió a soñar, y cuando trataba de memorizar la melodía, en la negrura total de la isla, una aurora boreal manchó todo el cielo de azul. Se levantó de la cama y escribió la música del tema que abre el disco, “Blue”. A esta historia la contó el mismo Jacob Young en un concierto, no se sabe dónde. No quedan dudas que el disco suena a noches polares, a archipiélagos, a corrientes oceánicas, y a una música que nace de la oscuridad total como lo hacen las auroras boreales. No es de locos escuchar, por momentos, a Jim Hall, a Abercrombie, me arriesgo a decir que se escucha algo de Joe Diorio, y un acercamiento a las composiciones de Trygve Seim, el juego de la trompeta y el saxo, o a las del trombonista Øyvind Brække. Jon Christensen, siempre inspirado, aporta el inconfundible sello de la música eicheriana (de Manfred Eicher). Mathias Eick, con un timbre pastoso y en ocasiones frenético, me hace pensar en Markus Stockhausen y en Kenny Wheeler. Vidar Johansen y Mats Eilertsen acompañan perfectamente como en otro disco de Young, Sideways. Mucha improvisación, y un respetuoso sentido de la economía instrumental que se acerca al silencio quebrado apenas por Christensen, tanto como a la voz diáfana de la trompeta de Eick. Por supuesto, todo acompañado con la pureza de Young que se despierta después de caminar durante varias noches polares, kilómetro tras kilómetro, en el archipiélago de Svalbard, Noruega.

Track listing:

01. Blue (7:22)
02. Evening Air (6:51)
03. Minor Peace (6:22)
04. Looking for Jon (4:32)
05. Sky (5:02)
06. Presence of Descant (4:02)
07. Formerly (6:50)
08. The Promise (4:30)
09. Falling (4:47)

Artist List

Jacob Young: guitars
Mathias Eick: trumpet
Vidar Johansen: bass clarinet, tenor saxophone (6)
Mats Eilertsen: double-bass
Jon Christensen: drums.

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Lars Danielsson Quartet

Poems (1991)

Esta es la versión de estudio de la banda en vivo en Visiones y que contiene tres de las cinco pistas de aquella grabación. El énfasis en la ejecución es, desde luego, diferente entre el vivo donde la espontaneidad es total y la sorpresa óptima, y el estudio, donde la misma cosa es deseada, pero más controlada con un ojo hacia la grabación.

Liebman es maravilloso, mostrando una libertad con una estructura cautivante. Él comparte los trabajos de composición con Danielsson, y los dos hombres crean música para la banda más que composiciones individuales interpretadas por la banda. El cuarteto realmente tiene cuatro solistas, con Liebman quedando, naturalmente, aislado cuando no toca. El trío restante mezcla su individualidad para hacer una unidad, con cada uno surgiendo a la superficie. Stenson es un acompañante sumamente confidente cuando improvisa un acompañamiento o tocando fraseos que rellenan. En “Suite” él tiene la mayor parte del tiempo para el solo, y hace la mayor parte del mismo, tocando con iniciativa y fuego.

Fuente: AllAboutJazz – Traducción: La Bestia Políglota

Apunte Bestial: Presentamos el quinto disco de sus ocho grabados como líder del cuarteto por este bajista/cellista sueco del que además aparece como sideman en más de cincuenta discos. Aquí hemos presentado, con este, 16 discos y en ningún caso nos ha defraudado. Este disco es el más free de lo que he escuchado de Lars. Abrazo

Track Listing

01 Crystalline
02 Little Peanut
03 Suite
04 Dressed Up
05 Psalmen
06 Vana
07 Negative Space
08 Folk Song

Artist list:

Lars Danielsson: bass, cello
Dave Liebman: alto, soprano & tenor saxophone, flute, piano
Bobo Stenson: piano
Jon Christensen: drums, percussion

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Ralph Towner
septiembre 3, 2008, 11:34 pm
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Lost and Found (1995)

Este álbum de 1995 muestra al guitarrista y compositor Ralph Towner en inestimable forma. Para un tipo que ha realizado literalmente docenas de grabaciones bajo su propio nombre y con su banda Oregon y tocando en docenas más, todavía parece tener la abundancia para hacerlo con sólo dos guitarras en su arsenal (bien, hubo un período donde usó a un sintetizador Prophet Five con Oregon, pero no entraremos en detalles ahora).

Usando dos caras familiares (Marc Johnson y Jon Christensen) y una nueva (Denny Goodhew), Towner va a buscar aquella musa evasiva que ha estado persiguiendo durante más de 30 años: la raíz de que hace posible la improvisación compleja armónica y melódica. Su implacabilidad aquí está en fina forma.

Usando los vientos y el gran margen dinámico de Johnson para la textura y el matiz, él, con Christensen al remolque, puede ir a peludear por los bosques de cromatismo prismático y sistemas modales cambiantes para colocar las nociones “de canción” firmemente dentro del contexto de la composición espontánea. En ninguna parte es esto más evidente que en el golpeante “Élan Vital”. Towner abre la pista y Goodhew lo sigue tocando el saxofón soprano.

Hay tres cambios melódicos, cada uno de mayor alcance que el anterior; antes de que Towner se marche (con Christensen que negocia cuartas) resbalando por guirnaldas armoniosas y trinos, aumentado séptimas y novenas. ¡Hay un espacio en el punto medio donde Johnson, para agregar color a la abstracción melódica, comienza por tocar acordes y luego otros basados en aquellos, separadamente, luego doblemente, hasta que el bajo canta!

Hay 15 melodías en Lost and Found, la mayor parte de ellas son composiciones de Towner, pero las dos de Johnson -“Col Legno” y “Sco Cone”- merecen una nota especial. En la primera, su manejo del arco sobre el encordado, la melodía inmemorial fuera de tiempo, y su control para mantener los timbres en el tema, son shockeantes. En el segundo, un trabajo de solo, su sutil lirismo, está en un contraste dramático con su funk y su modo staccato de ejecución.

Fue amable que Towner los incluyera. Esta es la grabación del guitarrista, pero es obvio que Towner escribe igualmente bien para conjuntos, y claramente ha escrito la mayor parte de esta grabación para este particular conjunto. No tiene fisuras de principio al fin; se mueve y es mucho menos laborioso que algunas de sus experiencias anteriores; es un ganador nato.

Fuente para la reseña: Thom Jurek, All Music Guide – Traducción: La Bestia Políglota

Track Listing

01. Harbinger (2:34)
02. Trill Ride (3:01)
03. Élan Vital (6:20)
04. Summer’s End (5:15)
05. Col Legno (3:16)
06. Soft Landing (2:17)
07. Flying Cows (4:57)
08. Mon Enfant (4:06)
09. A Breath Away (5:17)
10. Scrimshaw (1:26)
11. Midnight Blue… Red Shift (3:27)
12. Moonless (4:39)
13. Sco Cone (3:44)
14. Tattler (3:08)
15. Taxi’s Waiting (4:34)

Artist List

Ralph Towner: Guitar, Guitar (12 String), Guitar (Classical), Main Performer
Marc Johnson: Double Bass
Jon Christensen: Drums
Denney Goodhew: Clarinet (Bass), Saxophone, Sax (Soprano), Sopranino, Sax (Baritone)

Link de descarga
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