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Julian Lage

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Sounding Point (2009)

Con un descubridor como el vibrafonista Gary Burton (reveló en su momento la magia de Pat Metheny y el talento Kurt Rosenwinkel), poco tiene de meritorio anunciar el potencial de este joven guitarrista californiano que desde los cinco años ya llamó la atención de gente como Carlos Santana, Pat Metheny, Kenny Werner, Toots Thielemans, Martin Taylor o David Grisman, que lo incluyeron en sus respectivos proyectos.

Era de esperar, entonces, que su debut discográfico no tardaría en publicarse. “Sounding Point”: con un repertorio complejo, personal y compensado que ejemplifica el dote creativo y técnico del instrumentista con piezas hibridas entre lo clásico y el jazz contemporáneo como “Clarity” o “Familiar Posture”, algún trazo de empirismo modélico como “Constructive Rest” y la inclusión de alguna revisión bien planteada como aquel “Encore: All Blues” de Miles Davis o el “Alameda” de Elliot Smith.

Lo dicho, Julian Lage tiene lenguaje propio, cosas que contar y un talento creativo enorme; aún así y siendo este su primer trabajo, se intuye que en directo el guión de Lage debe transcurrir más fresco que en estudio, más intuitivo, con mayor naturalidad y menos encorsetado por un combo formado por Jorge Roeder (bajo), Tupac Mantilla (percusión, Aristides Rivas (violoncelo) y Ben Roseth (saxo) que están a su altura pero que se contaminan por mimetismo de ese estreñimiento vírico que crea el estudio de grabación.

Como ocurre en estos casos (de los llamados niños prodigio), Lage –antes de editar este primer álbum-, ha pisado los principales escenarios de jazz del mundo, ha trabajado con los mejores y ha recibido excelentes críticas allí por donde las seis cuerdas de su guitarra han sonado.

Reseña de Quim Cabeza para http://www.distritojazz.es/2011/02/julian-lage-sounding-point/

Track Listing – Sounding Point

01. Clarity (5:54)
02. All Purpose Beginning (7:16)
03. Familiar Posture (2:58)
04. The Informant (3:23)
05. Peterborough (0:46)
06. Long Day, Short Night (5:47)
07. Quiet, Through And Through (2:18)
08. Lil’ Darlin’ (5:20)
09. Tour One (4:27)
10. Alamenda (2:19)
11. Constructive Rest (2:39)
12. Motor Minder (5:54)
13. Encore: All Blues (7:14)
14. Hitchcock Prelude (2:09)

Artist List

Julian Lage: guitar; compositions (tracks: 1 to 3, 5, 7, 11, 12)
Béla Fleck: banjo (tracks: 4, 6, 10)
Jorge Roeder: bass (tracks: 1, 2, 7, 8)
Aristides Rivas: cello (tracks: 1, 2)
Chris Thile: mandolin (tracks: 4, 6, 10)
Tupac Mantilla: percussion (tracks: 1, 2, 8, 12)
Taylor Eigsti: piano (tracks: 9, 14)
Ben Roseth: saxophone (tracks: 1, 2, 5, 7, 12)

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Gladwell (2011)

Gladwell es el nombre de una ciudad imaginaria cuya vida y lugares son descritos por Lage y su banda a través de las distintas composiciones del disco. Esto nos da la medida de su planteamiento experimental, aunque como en toda música programática, a nadie se le ocurriría nada de ello de no leer las explicaciones del autor. Lo que esta música sí comunica de inmediato es la libertad de que goza la banda, y que empieza en su atípica formación y continúa por la riqueza del diálogo entre instrumentos o su aprovechamiento de las técnicas de estudio. Lo más notable es que este desapego de las convenciones no deja de mostrar una sólida escuela. El propio Lage encarna a la perfección este raro talento al unir su fértil imaginación con su conocimiento de estilos de raíz como el country y el blues, todo ello expresado por supuesto con impecable nitidez y un brillante dominio de la riqueza tímbrica de la guitarra.

Reseña de Leo Sánchez para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1569:julian-lage-group&catid=4:discos&Itemid=7

Track listing – Gladwell

01. 233 Butler (5:33)
02. Margaret (6:49)
03. Point the Way (2:12)
04. However Blake (6:27)
05. Freight Train (2:10)
06. Cathedral (2:09)
07. Listening Walk (4:28)
08. Cocoon (2:21)
09. Autumn Leaves (3:16)
10. Iowa Taken (9:06)
11. Listen Darkly (1:08)
12. Telegram (4:53)

Artist List

Julian Lage: electric guitar, acoustic guitar
Jorge Roeder: acoustic bass
Aristides Rivas: cello
Tupac Mantilla: drums, percussion
Dan Blake: tenor saxophone, melodica

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World’s Fair (2015)

No se dejen engañar por Julian Lage. Parecerá el tipo más dulce del mundo, modesto, pura calma californiana; su música, sencilla, sin esfuerzo, sin verdadero mérito. Nada más lejos. Lo más probable es que para el segundo cuatro (0:04) de este disco el oyente esté enganchado, y eso no se consigue siendo un peso pluma. Lage es, en realidad, una bestia de la guitarra, uno de los músicos más extraordinarios de hoy en día. El hecho de que lleva tocando toda la vida y que le encanta el instrumento le pone en una categoría que trasciende el puro virtuosismo, haciéndolo invisible, como inservibles serían las clasificaciones en estilos o géneros, aunque el “folk post-Internet” que acuña el anotador y también guitarrista Matt Munisteri no va desencaminado: aun con cierto sabor local, a pesar del instrumento acústico y las modas recientes esto no es —menos mal— un disco de “Americana”. Con temas como “Peru” y “Japan”, se trata más bien de la visión del mundo a través de los ojos de Lage. Su relato es muy evocador, tranquilo sin llegar a lo sombrío, a ratos enérgico y pletórico con momentos de un nivel guitarrístico escandaloso (su paleta tímbrica con la acústica es abrumadora). La única limitación aparente de Lage es su propia imaginación, y de momento parece lejos de agotarse.

Reseña de Fernando Ortiz de Urbina para http://jazzofftherecord.blogspot.com.ar/2015/02/daniel-cano-julian-lage.html

Track Listing – World’s Fair

01. 40’s (3:50)
02. Peru (2:54)
03. Japan (4:11)
04. Ryland (3:16)
05. Double Stops (1:50)
06. Gardens (3:56)
07. Century (2:55)
08. Where or When (2:21)
09. Missouri (4:11)
10. Red Prairie Dawn (2:51)
11. Day and Age (2:41)
12. Lullaby (3:00)

Artist List

Julian Lage: guitar

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Arclight (2016)

Después de haber grabado el año pasado ‘Room’, junto con el guitarrista de rock Nels Cline, Julian Lage edita su cuarto álbum como líder, ‘Arclight’, y presenta el que es su nuevo trío, formado por dos pesos pesados del jazz actual, como son el contrabajista Scott Colley y el baterista Kelly Wollesen.

Los once temas que componen este disco son una buena muestra de las influencias e intereses del guitarrista californiano, pues hay composiciones de evidente inspiración brasileña (‘Supera’), pasando por el country (‘Ryland’) y acabando por el jazz manouche (‘Persian rug’), y todo ello sin olvidar, obviamente el jazz más moderno (‘Presley’) o el blues (‘Harlem blues’).

Tengo la impresión de que la carrera de Lage no ha debido ser nada fácil. Como es sabido el guitarrista fue considerado un niño prodigio , ya que con ocho años fue el protagonista de la película ‘Jules at Eight’k, a los trece lo pusieron a tocar en la entrega de los premio Grammy y desde los 15 años es miembro del Stanford Jazz Workshop de la prestigiosa Universidad de Stanford . Con este currículo es fácil que se le hubiese ido la cabeza y que, al igual que le ha pasado a decenas de niños, se hubiese perdido en el más absoluto olvido. Pues no. Ha sabido mantener (o se la han mantenido) la cabeza fría y ha llevado una carrera seria y sin prisa (sólo tiene 29 años).

Arclight’ es un disco muy correcto, acaso no especialmente emocionante, pero que deja ver que quienes están al frente de él tienen muchas notas y muchos acordes en sus manos y saben cómo hacer para que todo fluya de manera natural.

Reseña de Jaun Ez para http://www.distritojazz.com/discos-jazz/julian-lage-arclight

Track listing – Arclight

01. Fortune Teller (3:04)
02. Persian Rug (2:23)
03. Nocturne (3:19)
04. Supera (4:02)
05. Stop Go Start (3:32)
06. Activate (2:09)
07. Presley (4:12)
08. Prospero (3:08)
09. I’ll Be Seeing You (3:31)
10. Harlem Blues (3:28)
11. Ryland (4:02)

Artist List

Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Kenny Wollesen: drums, percussion

Apunte: ¿Qué decir de Julian Lage que ya no esté dicho en líneas anteriores, si desde pequeñito deslumbra al mundo con su prodigiosa musicalidad? Pertenece a esa raza de humanos nacida de una genética distinta, donde los cromosomas parecen haber sido reemplazados por notas musicales devenidas en sustancia biológica. Son los X-Men de la música. Nuestros mortales oídos les pertenecerán por siempre.

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Jeremy Udden

tapa Torchsongs
Torchsongs (2006)

La experiencia que Jeremy Udden adquirió a travez de los seis años que compartió con la Either/Orchestra de Boston parece haberle dado al álbum debut del saxofonista una variedad de estados de ánimo. El álbum fue grabado en dos sesiones celebradas en 2003 y 2005, y varias de las composiciones fueron escritas mientras Udden estuvo confinado en su departamento por cuatro meses debido a un caso de vértigo severo. Esencialmente, Udden grabó dos grupos separados empleando a Ben Monder (guitarra), John Lockwood (bajo), Matt Wilson (batería) y el invitado Bob Brookmeyer (trombón de válvulas) para las sesiones del 2003, y Nathan Blehar (saxofón tenor), Tim Miller y Ben Monder (guitarras), Leo Genovese (teclados), Garth Stevenson (bajo) y Ziv Ravitz (batería) para las grabaciones del 2005.

Udden muestra la capacidad de tocar en diferentes estilos que van desde lírico a la vanguardia. El autor afirma que se han inspirado en Lee Konitz, y uno puede escucharlo en su técnica. La pista de apertura en Torchsongs, “Every Step”, una relajada composición mid-tempo, comienza con un lavado de mediados de los ’60, como si usted escuchara una sesión de Paul Desmond/Jim Hall con Udden (él toca el saxofón soprano en esta pista), con un “mood” RCA ; los cepillos de Wilson proporcionan una impresión bastante justa de Connie Kay.

El segundo track, “Tut Muffin”, toca al mismo tempo con un acompañamiento más moderno de Genovese en Fender Rhodes. Bob Brookmeyer aparece en “Marin” y, después de su solo, se entrelaza en contrapunto con el soprano de Udden sobre el trombón de válvula, como si esto fuera todavía de mediados de los ’50 en Pacific Jazz Records. Un cover fragmentario “Blinks”, de Steve Lacy, es mucho más cercano al free jazz. El solo “de fusión” de Genovese en el Rhodes pone el tono, mientras el baterista Ziv Ravitz y Monder proporcionan la disonancia.

El hit pop de los ’80 “Eternal Flame” proporciona una declaración de melodía conmovedora y el solo del alto de Udden, pero también establece un estridente solo de rock de Monder en la guitarra. Brookmeyer y Udden (en el alto) proporcionan la coda de cierre en el dueto “Afterthought”.

Fuente para la reseña: Michael P. Gladstone para http://www.allaboutjazz.com/torchsongs-jeremy-udden-fresh-sound-new-talent-review-by-michael-p-gladstone.php

Track Listing – Torchsongs

01. Every Step (6:13)
02. Tut Muffin (5:08)
03. Marin (4:57)
04. Fish Lake (5:51)
05. Blinks (5:35)
06. Eternal Flame (6:31)
07. Red Keys (8:04)
08. Indecision (8:00)
09. Wednesday (4:53)
10. Loaded (4:44)
11. Afterthought (1:44)

Todas las composiciones son de Jeremy Udden, excepto ‘Blinks’ de Steve Lacy y ‘Eternal flame’ de The Bangles.

Artist List

Jeremy Udden: saxes
Nathan Blehar: tenor saxophone
Ben Monder, Tim Miller: guitar
Leo Genovese: Fender Rhodes
John Lockwood, Garth Stevenson: bass
Matt Wilson, Ziv Ravitz: drums
Special Guest: Bob Brookmeyer: valve trombone

tapa Plainville
Plainville (2009)

Crisis de identidad: Los modelos a imitar de Jeremy Udden para su primer álbum eran Joe Henderson y Joe Lovano – pero él escuchaba a Beck y Wilco.

En su reseña del Village Voice sobre Plainville (Fresh Sound New Talent) de Jeremy Udden, Jim Macnie recordó cómo un amigo intentó clasificarlo como “jazz para fans de Wilco”. Como Macnie explicó, esa no es toda la historia con Udden o Plainville, pero no es un mal punto de partida.

Udden, de 31 años de edad, ha tomado el camino de una gran cantidad de jóvenes músicos de jazz de estos días -de Aaron Parks y Brian Blade a Julian Lage y Jim Black- esto es, sus influencias son tanto el folk o el rock, como el jazz. Y en lugar de recorrer el pop contemporáneo, ellos escriben material original basado en el pop que están escuchando. Cuando Udden -graduado en una maestría en el New England Conservatory (en adelante NEC) y ex miembro de la Boston’s Either/Orchestra- realizó su álbum debut, Torchsongs, en el 2006, él dijo que sus modelos eran álbumes clásicos del jazz moderno: Lush Life de Joe Henderson (Verve) y Rush Hour de Joe Lovano (Blue Note). Esos eran su idea de álbumes conceptuales de jazz. Pero los discos que él realmente estaba escuchando eran “Yankee Hotel Foxtrot” de Wilco (Nonesuch) y “Sea Change” de Beck (Interscope).

“Torchsongs” se repartió en partes iguales. “Marin” aporta logradamente un dúo entre Udden y uno de sus maestros del NEC, el gran trombonista y compositor Bob Brookmeyer. En su sentido del tiempo y sus armonías, es como el jazz que usted conoce. Pero otras canciones, como “Fish Lake”, parecían folk en sus progresiones de acordes. Y aunque “Fish Lake” incluyó solos, el mismo Udden no tocó ninguno.

Con “Plainville”, su inmersión en el pop y el folk es total. El tema de apertura comienza con el sonido de un armonio, seguido de un banjo metalico y la melodía quejumbrosa del alto de Udden antes de transformarse en un ritmo más parecido al trote de unos cascos de caballos. El rasguido de la guitarra acústica de “Christmas Song” sugiere un vals de Leonard Cohen. “Red Coat Lane” es otro vals, éste introducido por el saxo alto acentuado con un golpe rígido y sordo antes de que el banjo de Brandon Seabrook vaya llevando la melodía sobre un armonio que va resoplando gradualmente. Y “Curbs” y “Big Licks” se levantan con ritmos pesados y ásperas y discordantes guitarras eléctricas. A pesar de estos estallidos, el clima tiende hacia lo pastoral y elegíaco (el disco lleva el nombre de la ciudad natal de Udden’s en el sur de Massachusetts; incluso exhibe una foto en sepia del almacén de ramos generales en la tapa)

Los arreglos en su totalidad están bellamente balanceados, con una cadencia natural al cambiar texturas y algunas improvisaciones brillantes, ya sean las guitarras eléctricas de Ben Monder y Seabrook o el banjo de Seabrook y el saxo de Udden. En “Big Licks”, todo el mundo se calla mientras Udden construye líneas mezclando frases cortas y largas, trepando, zambulléndose, corriendo, amagando irse -como en el jazz- a armonías adyacentes, mientras el bajista Eivind Opsvik mantiene el tempo vagamente a su lado hasta que todos se unen para un nuevo crescendo.

Y aún así, dice Udden cuando lo llamamos por teléfono a Brooklyn, “Ni una sola de las canciones comenzaron como una influencia del jazz”. En su lugar, las piezas habitualmente comenzaban siendo escritas por Udden en guitarra. Y en cuanto a su identificación como un músico de jazz dice: “Si la gente pregunta, digo que toco el saxo, así que es jazz. Pero tocamos mayormente folk y rock. Es engañoso: esto es lo que escucho cuando escribo música. Si realmente tuviera tanta necesidad de audiencia, probablemente fundaría una banda de covers de los Beatles o algo así. El mundo del jazz, odio decirlo, pero es algo con lo que cada vez me identifico menos, aunque probablemente sea el único mundo que acepte esta música”.

Pero casi todos los músicos en el CD tienen antecedentes en el jazz. Nathan Blehar es otro graduado de NEC, en este caso uno que abandonó el saxo, que cambió por la guitarra acústica. Tocó el saxo en Torch Songs, pero aquí toca la guitarra de cuerdas de nylon “-típico fanático de Leonard Cohen-”, confirma Udden, que toca la introducción a “Christmas Song.”

El jazz habitualmente valora la complejidad rítmica y armónica. En Torch Songs, Udden dice que trató de escribir melodías simples, basadas en negras con armonías complejas. Para Plainville, intentó escribir melodías más complejas, en corcheas, sobre armonías más sencillas. Y viró a formas estrofa/estribillo más del pop y el folk que formas de composición continua más similares a las del jazz. “Curbs”, explica, combina el beat de “UMass” de los Pixies con una melodía saltarina que imitó de la cantante Joanna Newsom en “Bridges and Balloons”. “Habitualmente no le digo a la banda que es o que estoy tratando de hacer, por lo que toma vida propia”. El otro problema, dice, era “decidir qué era lo que iba a hacer de un tema instrumental, sin letra, algo interesante y que funcionara como un todo”.

En cuanto a la rítmica, Udden dice que el baterista RJ Miller “es en gran medida un baterista de jazz, pero en este grupo su acercamiento es realmente el de un baterista de rock” ajustándose al rol asignado en cada pieza. “Tantos bateristas de jazz simplemente no tienen esa autocontención. Ni siquiera noté, hasta que mezclamos Plainville que RJ toca las escobillas sobre el tambor durante todo el tema. No toca ningún otro tambor en toda la pista”. Con menos intercambio entre solistas y sección rítmica, “hay que tomar la inspiración de algún otro lado”.

Si uno escucha como lo cuenta a Udden, se transformó en un músico de jazz casi por accidente. Se ríe al recordarse excitado cuando escuchó a un chico tocar “La Pantera Rosa” en tercer o cuarto grado (“todavía me gusta Mancini”), y fue entonces cuando escucho a una banda invitada con el saxofonista David Pope en tenor. “Usaba esos tiradores muy cool y tomaba los solos inclinándose mucho hacia atrás, tirando riffs en el saxo y era lo más cool que había visto jamás”. Aún así, Udden era un instrumentista algo abúlico hasta que su hermana se unió a la banda de marchas -“y entonces yo también me uní a la banda de marchas”-. Esto fue en la King Philip Regional High School de Wrentham, la cual es conocida por su currícula de música. Udden ensayaba tres horas por día, cuatro días a la semana, “y tenía el saxo en la boca todo ese tiempo. Así que logré suficiente técnica para entrar en la banda de jazz”. Otro punto de inflexión llegó luego de que su padre le dijo luego de una performance de la banda “Sería realmente una pena si no hicieras algo con esto”.

Así que, fue la NECs. Había comenzado a hacer algo y encontraba que tenía talento para eso, “por lo que seguí tomando el siguiente paso lógico”. Tocó en una banda de ska, luego en la banda de zapadas de Boston Miracle Orchestra, que teloneó a Phish en una ocasión. Se unió a la Either/Orchestra. Se tomó su tiempo de descanso cuando desarrolló síndrome de túnel carpiano. Cerca de su graduación, a la edad de 23 años, comenzó a preguntarse si ser un músico de jazz era lo que realmente quería hacer.

“Cuando estás incorporando tanta información, es difícil dejar ir esas cosas cuando estas tocando. Y necesitaba tomar distancia físicamente de Boston, distancia temporal del estudio y largos períodos sin tocar el saxo y sin escuchar jazz, para luego volver y decidir qué me gustaba y qué no me gustaba”.

Para Udden, la respuesta fue un acercamiento más sencillo, tanto en la ejecución como en la composición. Descubre que los ejecutantes que tocan a una velocidad del demonio lo ponen incómodo. “No es que sea el instrumentista más lento del mundo, pero sé que no soy el más veloz. Así que para mí, tocar tan rápido es como si tocara ejercicios. Mientras que si toco cosas más sencillas sobre un tempo medio, puedo tener la mente más despejada y puede ocurrir un verdadero acto de improvisación”. Recuerda una frase de uno de sus mentores, Lee Konitz: “Si la gente supiera cuan despejada está mi mente en realidad antes de tocar algunas cosas, sería muy embarazoso”.

Desde muy temprano Udden puso el foco en la calidad de su sonido y su tono aéreo y flotante es algo que comparte con Konitz, tanto como sus sorprendentes escaladas, las curvas y giros de sus líneas, algunas de las cuales son realmente veloces. A pesar de sus recelos, Udden aún habla como un músico de jazz, e improvisa como uno. Y cabe preguntarse si algún músico que no sea de jazz podría haber aparecido con algo como Plainville.

Fuente para la reseña Jon Garelick para http://thephoenix.com/boston/music/91570-slow-hand/?page=1#TOPCONTENT

Track Listing – Plainville

01. Plainville (5:48)
02. Red Coat Lane (4:13)
03. Curbs (6:06)
04. Christmas Song (4:58)
05. 695 (6:24)
06. Modest (5:49)
07. Big Lick (4:34)
08. The Reunion (3:34)
09. Empty Lots (7:31)

Artist List

Jeremy Udden: alto, soprano saxophones, cymbals (5)
Pete Rende: pump organ, Fender Rhodes, pedal steel guitar, Prophet
Brandon Seabrock: banjo, electric guitar, steel string acoustic guitar
Eivind Opsvik: bass
RJ Miller: drums
Nathan Blehar: nylon-string acoustic guitar (1, 4)
Mike Baggetta: electric guitar (9)
Justin Keller: tenor saxophone (9)

tapa Folk Art
Folk Art (2012)

Impulsado por el compulsivo banjo de Brandon Seabrook, el álbum del 2009, Plainville del saxofonista Jeremy Udden, fue una sorprendentemente original mezcla de jazz y americana, una especie de “Kind of Blue” de las raíces, que ha demostrado ser difícil de superar. En la música en su próxima etapa, la continuación más enchufada de Udden, “If the Past Seems So Bright”, tenía algunos grandes momentos, pero también algunos difusos. Perfeccionando su sonido en Folk Art, una vez más nos atrae con su inquitante moderación.

La mayor parte del álbum consiste en una suite ejecutada por un cuarteto incluyendo a Seabrook, el bajista Jeremy Stratton y el baterista Kenny Wollesen, con interludios de solo de guitarra acústicos por Nathan Blehar y Will Graefe. La lánguida y atmosférica música, dibuja la intensidad a partir de sus apareamientos: el alto saxofón de Udden derrama repentinas notas sobre el nervioso punteo de Seabrook en “Bartok”; Seabrook urgentemente puntea sobre las agitadas figuras de Wollesen en “Up”.”Our Hero” alardea de una animada melodía a lo Ornette Coleman.

La música corre el riego de convertirse en estática, pero Udden evita la monotonía a través de sus agudos contrastes texturales, amplia gama colorista y el mando atmosférico. Un saxofonista sotto voce, cuyas notas se rizan como el humo, tiene la clase de presencia estable, lírica que recuerda a íconos tales como Jimmy Giuffre, Lee Konitz y Wayne Shorter. Las dos pistas finales presentan a la banda Plainville, con Seabrook en guitarr eléctrica, Blehar en guitarra acústica, Pete Rende en Rhodes, Elvind Opsvik en bajo y RJ Miller en batería. Ellos son sólidos, pero tranquilos, sobre todo teniendo en cuenta la agitación que Seabrook ha creado en la guitarra.

Fuente para la reseña: Lloyd Sachs para http://jazztimes.com/articles/76737-folk-art-jeremy-udden

Track Listing – Folk Art

01. Prospect (Part 1) (5:43)
02. Train (1:57)
03. Up (5:22)
04. Portland (6:35)
05. Dress Variation (2:33)
06. Alexander (Part 2) (5:19)
07. Bartok (4:05)
08. Our Hero (Part3) (2:38)
09. Jesse (4:14)
10. Thomas (7:59)

Todos los temas son de Jeremy Udden, excepto “Jesse” de Pete Rende y “Thomas” & “Dress Variations” de Nathan Blehar.

Artist List

Jeremy Udden: alto & soprano saxes
Brandon Seabrook: banjo
Jeremy Stratton: bass
Kenny Wollesen: drums
Eivind Opsvik: bass
Pete Rende: Rhodes, Wurlitzer
Will Graefe: guitar
Nathan Blehar: nylon-string
RJ Miller: drums

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Apunte: “Inquietante moderación” dice muy acertadamente Lloyd Sachs en su reseña de “Folk Art“, sobre el carácter musical de Jeremy Udden. Jeremy pertenece a una generación de músicos con muchísima información musical, con amplios y diversos gustos por diferentes géneros, y que no dudan en poner todo eso en una música personal y, en este caso, por momentos con genuina emoción. La evolución de Udden de un disco a otro, es siempre positiva buscando hacer cosas distintas con una mirada que parte desde una formación jazzera para ir con un espíritu indie a los territorios del folk y de la tradición norteamericana. Resumiendo: “Torchsongs” es un muy buen disco, “Folk Art” es excelente y “Plainville” es un verdadero discazo. Finalmente quiero agradecer especialmente a mi amigo Nicolobo Ramos que me ayudó con la traducción de las reseñas de los discos. Espero lo disfruten. Saludos!



John Zorn

tapa The Mysteries
The Mysteries (2013)

En The Mysteries, el compositor John Zorn reúne al trío de la arpista Carol Emanuel, el vibrafonista Kenny Wollesen y el guitarrista Bill Frisell para otro capítulo en su creciente cuerpo de grabaciones de cámara influenciadas por mitos y el misticismo. La primera grabación del grupo fue en el 2012, “The Gnostic Preludes: Music of Splendor”. La intimidad de aquellos trabajos es conservada aquí, pero el sabor es diferente. En el álbum anterior, donde las composiciones se tocaban de una pieza (así eran) -sin importar su diversidad estilística- las melodías aquí vagan un poco más lejos. Además, donde Emanuel era el centro indiscutible del trabajo en The Gnostic Preludes, aquí es Frisell quien adquiere ese rol en estos nueve cortes. La interacción entre el guitarrista y Emanuel en la intro de “Sacred Oracle”, la apertura del álbum, es inquietante, repetitiva, minimalista, durante los primeros dos minutos. Frisell busca el margen de la progresión de Emanuel y se mete dentro. El tema cambia y Wollesen entra con vibráfono y campanas, pero esta vez es Frisell el ajuste de la melodía. Mientras “Dance of Sappho” comienza con el arpa en melodía modal que parece antigua, el guitarrista, con solo un indicio de reverberación, pasea por los bordes de la música country e incluso de la música surf, así como Wollesen toca en agudo, cambiando ritmos en el registro superior medio de su instrumento. “Ode to the Cathars” abre como una abstracta, casi ambient pieza, con el controlado, espaciado, sustain de la guitarra de Frisell. Pero Wollesen y, a continuación, Emanuel, entran ofreciendo un pulso que finalmente se transforma en una de las más bellas melodías del registro. El cierre “The Nymphs” es el corte más largo de este set, cercano a los 11 minutos. Liderado por Frisell, esto se mueve por frases esqueléticas hacia un pos-minimalismo, pero cruza aquella línea también. Esto es aireado y aún temperamental, pleno de vueltas nudosas y turnos melódica y armónicamente como modos menores, contrapunto, y temas en miniatura, alternativamente, lo afirman -especialmente cuando Frisell decide encapricharse en las codas. The Mysteries es otra faceta del fino trío de este personaje, que elegantemente y aún con mucha curiosidad interpretan estas hermosas piezas del compositor. Su interacción está en tal alto nivel, que se siente casi instintivo.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/john-zorn-the-mysteries-mw0002491073

Track listing – The Mysteries

1. Sacred Oracle (5:35)
2. Hymn Of Naasenes (5:05)
3. Dance Of Sappho (4:05)
4. The Bacchanalia (2:57)
5. Consolamentum (5:48)
6. Ode To The Cathars (6:55)
7. Apollo (3:28)
8. Yaldabaoth (3:54)
9. The Nymphs (10:49)

Artist List

Kenny Wollesen: vibraphone, bells
Bill Frisell: guitar
Carol Emanuel: harp

tapa In Lambeth
In Lambeth : Visions From The Walled Garden Of William Blake (2013)

Cuando escuché The Gnostic Preludes por primera vez, describí la música como un exhuberante escenario submarino, “con caballitos de mar, peces payasos, peces disco, ídolos moros y peces mandarines”, una idílica utopía, un mundo que casi supera la belleza. Lo mismo va para su segundo proyecto, el álbum The Mysteries.

In Lambeth, de The Gnostic Trio de John Zorn (por primera vez tienen su propio nombre) trae a Bill Frisell (g), Carol Emanuel (arpa), y Kenny Wollesen (vib, campanas), pero el trío se ve reforzado por Ikue Mori (electrónica), que añade un nuevo color a su sonido. Si bien los dos primeros álbumes fueron líricos y alegres, casi pura poesía, Mori esparce una nota sombría y oscura al mundo que aquí es representado. Pero en la primera pista, “Tiriel”, Frisell, Emanuel y Wollesen abren con la familiar atmósfera que a los fans de este trío nos gustó tanto, celebrando las obras de William Blake, el romántico poeta y filósofo, a quien Zorn ya honró con su álbum “A Vision in Blakelight” el cual forma parte de su serie “21st Century Mystical Works”

Otra vez Zorn procesa fuentes filosóficas y en este álbum combina a Blake, el misticismo natural y el gnosticismo para crear un inocente y transcendente bosque encantado. Él usa simples melodías como en “Through the Looking-Glass” o un enfrentamiento entre acordes medievales del arpa, las notas bien colocadas del vibráfono de Wollesen y las líneas folk de Frisell como en “The Ancient of Days”, la mejor pista del álbum, porque los tres se azuzan el uno al otro en el frenesí musical.

Dos pistas ilustran un acercamiento ligeramente diferente en la música del trío: “The Night of Entharmon’s Joy” destaca a Frisell en una -para los standards del Gnostic Trio- guitarra muy distorsionada “The Minotaur”, en la cual Ikue Mori interviene la arena. Parece como si la pista fuera de un álbum diferente, como si hubiera una tormenta en formación. La electrónica de Mori también influye en otros instrumentos y la música más bien se parece a las nuevas composiciones musicales clásicas de Zorn o la banda sonora de un filme expresionista.

Si a usted le gusta los otros trabajos de Zorn en este campo, no se equivocará con este

Fuente para la reseña: Martin Schray para http://www.freejazzblog.org/2014/03/the-gnostic-trio-john-zorn-in-lambeth.html

Track Listing – In Lambeth

1. Tiriel (4:57)
2. A Morning Light (4:45)
3. America, a prophecy (6:17)
4. Through the Looking Glass (3:55)
5. The Ancient of Days (6:55)
6. Puck (3:35)
7. The Minotaur (3:25)
8. The Night of Enitharmon’s Joy (4:55)
9. The Walled Garden (4:32)

Artist List

Carol Emanuel: Harp
Bill Frisell: Guitar
Kenny Wollesen: Vibraphone, Bells
Ikue Mori: Electronics

Apunte: Hoy es un día difícil. Me asalta (más que cualquier otro día) la ausencia de La Bestia Políglota. Para estos días en que las sombras parecen oscurecernos el alma, el refugio, el abrazo invisible, la tibieza en el corazón, la calma, al menos en mi caso, llega con la música. Ciertamente hay infinitas obras que pueden obrar ese milagro, pero elegí estas de The Gnostic Trio porque son las que obsesivamente vengo escuchando en el último tiempo. Música curadora, contra todos los males de este mundo.

Password en ambos casos: presoventanilla



John Zorn
abril 2, 2014, 7:52 pm
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tapa At The Gates of Paradise
At the Gates of Paradise (2011)

Con su sello Tzadik, John Zorn ha construido un pequeño pero milagroso imperio de grabaciones de calidad, tanto a su propio nombre, como álbumes bajo la dirección de otros artistas. Este es uno de los suyos. Zorn es grande en cada uno de los temas, construídos en torno a los conceptos o los escritos que lo inspiraron. At the Gates of Paradise se enmarca en la serie de albumes llamada Mystical. Se trata de álbumes que me han traído las mayores alegrías.

Basándose en los escritos del poeta William Blake y antiguos escritos gnósticos de Nag Hammad, Zorn ha construido una serie de composiciones que son hipnóticas y de ensueño, poseyendo una serenidad encontrada en el más dulce de los romances.

Wollesen, quien ha aparecido en todos los álbumes de esta serie, tiene una destreza en las vibraciones de crear simultáneamente los momentos de optimismo e inquietud. Medeski lo complementa maravillosamente en el piano, dando flotabilidad a la esperanza y un borde agudo a la inquietud. Joey Baron, un veterano de los viejos días de Bill Frisell, es una maravillosa sorpresa aquí, con su expresivo sonido en los tambores que estimulan las melodías y sus inmaculadas pinceladas que dan un apacible lavado de emoción. Siempre me ha gustado el trabajo de Dunn en el bajo; el consigue un sonido de naturaleza misteriosa, efectuando la misma reacción en mí que Sam Jones como parte del cuarteto de Clifford Jordan.

El álbum se inicia con la animada “The Eternals”, una composición que tiene al cuarteto sonando como hojas de otoño atrapadas en una ráfaga de viento en un círculo cerrado que disipa cualquier cálculo de donde comienza y donde termina esto.“Song of Innocence” es una suave melodía pegadiza, con Wollesen y Medeski girando, siendo las olas que con cuidado mecen el barco de un lado a otro. Con “A Dream of Nine Nights”, el ritmo se sostiene con Medeski construyendo líneas de piano una arriba de la otra, con una repetición a lo bloque Lego, edificando la tensión a la que Baron provee el punto de explicación para una y otra vez con el choque nebuloso de platillos. Wollesen acoda sus propias líneas de repetición bajo las de Medeski, sembrando tensión en el suelo.

Si el álbum hasta este punto ha sido una serie de “ojos de la tormenta”, entonces la cuarta pista “Lights Forms” señala que los torrentes están cerca. El bajo y los truenos de batería, como el piano y el vibráfono ejecutan líneas angulares como relámpagos al azar tocando el suelo. La lluvia comienza a caer con “The Æons”, un estable pero poderoso viento de ritmos de piano y platillos, vibraciones y bajo, como granizo en ventanas y desagües. “Liber XV” es el tranquilo y vacilante momento después de que la tormenta termina, cuando todo está quieto y se escucha cualquier señal de que la tormenta va a volver.

El álbum termina como empezó,con una melodía up-tempo formando círculos apretados de notas que soplan en las ráfagas de viento, seguido de momentos lánguidos de brisa fresca.

Si este álbum pone a flote su barco, recomiendo sumamente también similares álbumes de Zorn, como “Alhambra Love Songs”, “Goddess”, y “In Search of the Miraculous”, todos destacando sonidos y músicos similares, los cuales están entre mis favoritos y nunca acumulando polvo en el estante.

Fuente para la reseña: http://www.birdistheworm.com/recapping-the-best-of-2011-john-zorn-at-the-gates-of-paradise/

Apunte: Zorn, el hombre de los muchos discos editados a su propio nombre pero que en los mismos no toca ningún instrumento, tiene múltiples intereses musicales, yendo desde el vanguardismo más áspero a la clase de álbumes como el que hoy nos convoca, de una melodiosidad hipnotizante. Concentrado en la composición, conducción, producción y los arreglos, Zorn elige los interpretes para su inagotable imaginación. At the Gates of Paradise es el paso previo que dió Zorn al excepcional “The Gnostic Preludes”, en ese caso, con Bill Frisell como protagonista principal. En este caso, el mayor protagonismo lo tienen Medeski y Wollesen, tanto en sus excursiones individuales, como entrelazándose para tejer unas hermosas melodías. Excelente disco. Y he tomado nota (y estoy escuchando) los recomendados en la reseña…

Track Listing

1. The Eternals (5:54)
2. Song Of Innocence (6:43)
3. A Dream Of Nine Nights (8:31)
4. Light Forms (3:21)
5. The Æons (5:50)
6. Liber XV (6:25)
7. Dance Of Albion (6:34)
8. Song Of Experience (4:58)

Artist List

John Medeski: piano & organ
Kenny Wollesen: vibes
Trevor Dunn: bass
Joey Baron: drums

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Password: presoventanilla



John Zorn
diciembre 21, 2013, 10:08 pm
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tapa The Gnostic Preludes
The Gnostic Preludes (2012)

The Gnostic Preludes, es la segunda obra de John Zorn luego de “Mount Analogue” para lo que va de este 2012 plagado de discos y emociones por parte del maestro Zorn y sus secuaces en Tzadik Records, siguiendo una tónica y vibra muy similar a la obra “At The Gates of Paradise”. Esta vez se tendrán que preparar para la obra musical más hermosa que Zorn haya hecho nunca con los “Preludios Gnósticos” es la perfecta alusión a una mezcla entre los conocimientos más puros y en los principios elementales de las breves piezas musicales que sirven para introducir sonatas de estilo improvisatorio. Esta vez Zorn utiliza la mística de los preludios para formar obras introductoras más extensas, y con esta al continuar con la ascética obra “en las puertas del paraíso” Zorn avanza al 2do principio de abrir una puerta espiritual, para avanzar en busca de lo milagroso para encontrarse con alguna diosa que podremos dilucidar en sus futuros discos por Archival Series.

Ese es el principio que sigue Zorn para estas obras, y en este caso con The Gnostic Preludes son 8 pequeños conceptos, libros o interpretaciones religiosas basadas en algunos libros seculares como el Diatesseron o “Evangelio de Taciano” el cual es una armonía de los cuatro evangelios en siríaco, descubierto en el círculo de iglesias en Siria bajo el nombre de Diatessarón y son interpretaciones en cánticos tipo salmódicos, en la cual Zorn realiza en una bella interpretación.

En el disco hay otros tipos de conceptos como “La Música de Las Esferas” una de las más hermosas y avaladas teorías de Pitagoras quién definía un nuevo concepto musical más allá de la metafísica en la cual involucraba a los planetas y fenómenos en la esfera celeste, los cuales los llamó como “el sonido sagrado del universo” un instante en el cual se pueden escuchar los sonidos del universo en una constante resonancia acústica en forma de eco, tanto así que Ptolomeo y el mismo Kepler estudiaron los fenómenos matemático/musicales que provenían de otros planetas y estrellas. En The Gnostic Preludes nada está al azar, y es lógico que nada de esto esté a la ventura.

También encontramos en su inicio una invitación a realizar ejercicios para encontrar nuestro Pilar del Medio como un ritual para encontrar la iluminación y la consistencia que en el significado místico del vocabulario hebreo se puede identificar con la letra vav. Es así como se puede entrever que las canciones en este disco son interpretadas desde el conocimiento gnóstico de verdades indisolubles en el espacio y tiempo, y es la verdadera mística que Zorn vuelve en la simplicidad de la música de cámara, acompañado de arpa, guitarra, vibráfono, inspirado en la música de Reich y el minimalismo de Terry Riley, meditando y jugando en este con Bill Frisell, Emanuel Carol y Kenny Wollesen, para crear con ellos una de las obras más tiernas y sensibles en la historia musical de John Zorn

Reseña del sitio http://theholyfilament.cl/articulos/the-gnostic-preludes-la-musica-mas-hermosa-compuesta-por-john-zorn/

Apunte: Más allá de cualquier interpretación simbólica a la que puedan aludir los nombres y las intenciones de cada tema (todos de Zorn), lo importante, como siempre, es lo que suena. Ejecutados por tres sensibles artistas en plan música de cámara, lo que estos transmiten es de una belleza melódica absoluta. Con un Frisell exquisito, sin necesidad de friselltronics, debido a la riqueza misma de las composiciones. Se me pasó en la vorágine de tantos discos y cierto prejuicio que le tengo a Zorn, pero en este caso debo decir que es uno de mis discos del 2013, aunque se haya editado en el 2012.

Track listing

1. Prelude 1: The Middle Pillar (6:39)
2. Prelude 2: The Book Of Pleasure (6:06)
3. Prelude 3: Prelude Of Light (5:56)
4. Prelude 4: Diatesseron (4:35)
5. Prelude 5: Music Of The Spheres (8:14)
6. Prelude 6: Circumambulation (6:34)
7. Prelude 7: Sign And Signal (6:22)
8. Prelude 8: The Invisibles (3:35)

Credits

John Zorn: Producer, Composed By, Arranged By
Bill Frisell: Guitar
Carol Emanuel: Harp
Kenny Wollesen: Vibraphone, Bells

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Password: presoventanilla



Alex Sipiagin


Images (1998)

Alex Sipiagin nació el 11 de junio de 1967, en un pequeño pueblo ruso, a 250 km de Moscú, llamado Yaroslavl. A los 12 años estudió trompeta con el gran trompetista Mikhael Tsamaiev y luego entró en una escuela local, donde tuvo sus primeros contactos con las pocas grabaciones de jazz y be-bop que en ese entonces podían encontrarse en Rusia. Luego entró en el Moscow Music Institute donde se recibió, y luego del obligatorio paso por el ejército, continuó sus estudios clásicos y explorando el jazz en el Gnessin Conservatory de Moscú; en 1990 gana una competencia de jóvenes ejecutantes de jazz en Rostov y, luego, una vez que la Glasnost tuvo vigencia, pudo visitar los Estados Unidos y participó en la “International Louis Armstrong Competition”, esponsoreada por el “Thelonius Monk Institute” en Washington D.C. En la misma competían jóvenes futuras estrellas como Ryan Kysor, Scott Wendtholt, Nicolas Payton entre otros, y Sipiagin salió cuarto, recibiendo como premio una trompeta Bach de manos de Clark Terry. De ahí en más lleva grabados varios discos en el sello Criss Cross.

Fuente para la reseña: http://eljugueterabiosofm.blogspot.com.ar/

Apunte: Tremendo disco debut de Alex Sipiagin allá por el año 1998. Con un line-up que podría haber acarreado algún problemita de egos, pero que a la luz de los resultados no sucedieron o pasaron inadvertidos, estamos en presencia de un disco impecable en todo sentido: repertorio, arreglos, interpretaciones, equilibrio en cada paso al frente de los solistas y el alto nivel de atención que logra concitar en el que escucha, a lo largo de los poco más de cincuenta minutos de duración de esta obra. Sipiagin combina en su discurso, un fraseo por momentos fuerte, con espacios de silencio o apagándose melancólicamente; Binney y Potter ponen el fuego, Gil Goldstein la calidez desde el piano y el acordeón (fundamentalmente) y Adam Rogers, más inventivo con la acústica que con la eléctrica también aporta lo suyo. Los puntos más brillantes, dentro, insisto, de un nivel muy parejo son: “Novgorod Bells” (hermosa canción tradicional en extendida versión, con espacios para excelentes solos de casi todos los músicos) y la bucólica y entrañable “Midwestern Night Dream” (del por entonces veinteañero Pat Metheny, originalmente grabada en el cuasi mítico “Brigth Size Life”, de 1976). Discazo del ruso Sipiagin.


Post dedicado al amigo Alejandro Parisi, que se conmovió con Sipiagin en el Smalls Jazz Club de New York.

Track Listing

01. Tarde (Nascimento) (8:01)
02. Freaker (Binney) (7:42)
03. Little Dancer (Sipiagin) (11:54)
04. Song-1 (Sipiagin) (3:25)
05. Novgorod Bells (Traditional) (12:31)
06. Midwestern Night Dream (Metheny) (7:13)

Artist List

Alex Sipiagin: trumpet, flugelhorn
Chris Potter: tenor sax
David Binney: alto sax
Josh Rosement: trombone
Gil Goldstein: piano, accordion
Adam Rogers: guitars
Scott Colley: bass
Jeff Hirshfield: drums
Kenny Wollesen: percussions

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David Binney
octubre 21, 2011, 3:17 pm
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Out of Airplanes (2006)

Mientras el saxofonista alto David Binney ha demostrado el crecimiento con cada álbum que ha liberado desde que emergió a finales de los años ’80, en Out of Airplanes hace más grandes aún los saltos, combinando la composición detallada con un acercamiento improvisacional más flexible que ha evolucionado a lo largo de los últimos años. La electrónica también hace que este registro sea el más texturalmente rico de la carrera de Binney.

El distintivo estilo composicional de Binney está intacto, pero él hace numerosas salidas en Out of Airplanes. Tradicionalmente basado en un plantel de músicos establecidos en Nueva York, que incluye al bajista Scott Colley, el guitarrista Adam Rogers, el baterista Brian Blade y el pianista Edward Simon, esta grabación capitaliza relativamente nuevas relaciones con el guitarrista Bill Frisell, el tecladista Craig Taborn, el bajista Eivind Opsvik y el baterista Kenny Wollesen. Y para un cambio de escenario, Binney a salido de los Brooklyn’s Systems Two Recording Studios por primera vez, para grabar en Seattle. A veces hay que agitar todo para efectuar grandes cambios.

Aparte de una pista de “South” (ACT, 2001), este es el primer álbum que dispone de libre improvisación como parte de la imagen. “Brainstorms Pt 1” y “Pt 2” giran en torno de patrones repetitivos de Wollesen y Opsvik que pudieran ser hipnóticos si Binney, Frisell y las contribuciones abstractas de Taborn no fueran tan recortada. Por el contrario “Bring Your Dream” es una pieza de mood ambient. La escasa extensión de líneas de guitarra de Frisell atraviezan el paisaje auditivo entero, mientras las texturas de Taborn y los largos tonos multifonéticos entonados por Binney, amplían lo sónico y proporcionan un sentido de la forma.

El tema de Binney “Instant Distance” es un curioso tono-poema que se construye desde cerca de la nada hasta el poder dramático, con Binney y Taborn doblando frases de alguna-vez-cambiando cuatro-notas, sobre el trabajo de equipo parecido a un torbellino de Wollesen. Frisell, en última instancia toma el relevo de Binney, dejando a Binney libre de acodar sus propios largos tonos que se complementan eficazmente con el bajo de Opsvik.

Fuera de sus registros colaborativos con Edward Simon, esto es también el primer álbum de Binney en años para compartir deberes de escritura. El tema “Jan Mayen” de Opsvik, está basado en un concepto simple, pero se construye sin cesar desde una amplitud delicada al drama más denso, ofreciendo Binney su solo más sugerente y delineado del conjunto.

“Contributors” es un clásico Binney -línea de mano izquierda de piano de métrica impar y un patrón de batería que proporciona la base para las capas matemáticamente exactas de guitarra, saxofón, bajo y teclados. Ninguna parte es única, y juntos, construyen un fascinante castillo de naipes. La pista del título también comienza con reiterados arpegios, creando una hipnótica fundación para el elíptico tema de Binney. Pero el atractivo melodismo pronto se quiebra en un textural free de sección media, su fuerte final épico emerge gradualmente del caos.

Utilizando el estudio como una herramienta composicional, Out of Airplanes incorpora una considerable edición post-producción,por lo que es reproducible en vivo, pero dados los aspectos improvisacionales, considerablemente dirferente en complexión y forma. Teniendo el mayor arco narrativo de cualquier grabación de Binney hasta la fecha, este disco puede llevar a una riqueza de nuevos conceptos, pero con su firma inconfundible, permanece completamente en el contexto de su creciente volumen de trabajo.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=22236

Apunte: Si antes de escuchar nada de Out of Airplanes uno relojea el grupo de músicos (Frisell, Wollesen, Opsvik, Taborn) que acompañan a Binney en este disco podrá intuir que la cosa va a venir bastante experimental. Es así. Binney se para con un pie en “su” tradición (“South”, “Welcome to Life”, “Free to Dream”) y el otro pie en el juego vanguardista que le proponen sus inquietos acompañantes. La sabia escritura de Binney está intacta: hace bien Kelman en mencionar esos patrones rítmicos a los cuales es tan afecto el saxofonista, sobre los cuales se van agregando de manera intensa y emotiva, en un in-crescendo, los otros instrumentos (“Home”, “Contributors”); esta es la veta que a mi más me conmueve. Algunas rarezas oscuras y progresivas como “Brainstorms pt 2” o la crimsoniana “Instant Distance” no dejan de tener sus atractivos. Tal vez lo menos logrado sea el ambiental “Bring Your Dream”. Pero en donde verdaderamente me matan Binney y su fuego, como así también los certeros arreglos y atmósferas de Frisell es en “Jan Mayen”, balada de intenso dramatismo. Entré en un “loop” toda esta semana con Binney, escuchando este y otros discos que ya hemos posteado, así que pido disculpas por haberme ausentado varios días. Abrazo.

Track Listing

01. Brainstorms pt 1 (2:14)
02. Contributors (5:08)
03. Jan Mayen (7:48)
04. Out of Airplanes (10:12)
05. The Forgotten Gems (2:58)
06. Wild Child (1:56)
07. Home (5:20)
08. Brainstorms pt 2 (2:01)
09. Bring Your Dream (5:19)
10. Instant Distance (5:56)
11. London By Night (bonus track) (6:32)

Artist List

David Binney: alto saxophone
Bill Frisell: guitar
Craig Taborn: piano, organ, synthesizer
Eivind Opsvik: acoustic and electric basses, glockenspiel
Kenny Wollesen: drums, percussion
Adam Rogers: additional guitars (4, 6)

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