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Chris Potter

¿Quién es Chris Potter?

Nacido en Chicago en 1971, se mudó a Columbia, South California, al poco tiempo de nacer. Chris Potter empezó como hobby con la guitarra y el piano a los 3 años. Siete años más tarde comenzó con el saxo alto y actuó por primera vez con 13 años. Pero su ecléctica educación musical realmente empezó con la investigación personal de la colección de discos de sus padres. Abarcando todo tipo de música, desde Bach hasta Schoenberg, pasando por música de los Beatles, Chris exploró todo, vorazmente, dando especial atención a los álbumes de Miles Davis y Dave Brubeck.

Cuando Marian McPartland, leyenda del piano, lo escuchó por primera vez, cuando Chris tenía15 años (un encuentro que permitió finalmente el contrato con Concord Records en 1994), le dijo a su padre que Chris estaba preparado para ir de gira con un grupo como Woody Herman. Pero acabar el colegio fue la prioridad, y tras graduarse se dedicó de pleno a tocar el instrumento que más le apasionaba el saxo (alto, tenor y soprano, el clarinete bajo y la flauta alta).

A los 18, Potter se mudó a Nueva York para estudiar en la “New School” y después en “Manhattan School of Music”. Allí se formó una gran amistad con Kenny Werner, uno de sus profesores, con quien grabaría más tarde un dúo. También volvió a tocar al gran trompetista Red Rodney, con quien había tocado antes en un festival de Jazz en Columbia. Pasó cuatro importantes años con Rodney, perfeccionando sus aptitudes.

Graduado en 1993, Potter empezó una larga serie de actividades como acompañante de nombres estelares como Mingus Big Band, Paul Motian, Ray Brown, Jim Hall, James Moody, Dave Douglas, Mike Mainieri y muchos más.

Después de tocar con Marian McPartland en una grabación para Concord en 1993, “In my Life”, el aventurero saxofonista se convirtió en un miembro sorprendente de lista de Concord, finalmente grabando cinco álbumes para esta compañía, así como el mencionado dúo con Werner. Su último trabajo con Concord (Vertigo, 1998), fue nombrado uno de los diez mejores trabajos por “Jazziz Magazine” y “The New York Times Magazine”.

Chris también actuó con los nominados a los Grammy “Steely Dan”, en el álbum de oro “Two Against Nature”. Con ellos estuvo de gira en el año 1994, y de la que se editó un CD en directo “Alive in America”.

Potter recibió su propia nominación a los Grammy como “Best Instrumental Jazz Solo” por su trabajo con Joanne Brackeen: “Pink Elephant Magic”. Y es el más joven premiado, en recibir el premio anual “Danish Jazzpar”.

Aunque ha actuado extensamente con el increíble bajista y compositor Dave Holland (desde su primera colaboración, en el año 1999) Potter ha estado actuando alrededor del mundo con sus propios grupos desde que lanzara su trabajo “Gratitude”, a principios de 2001. Actuó por toda Europa (incluido París, Londres, Florencia y el North Sea Festival), Canadá (Festivales en Montreal, Toronto y Vancouver) y en los mejores clubes de Estados Unidos, así como una colaboración en el Monterey Jazz Festival.

Siguiendo un tour europeo con “Steve Swallow Trio” en Diciembre de 2001, Potter grabó “Traveling Tercies” en Enero de 2002, antes de sacar a su cuarteto de gira por la Costa Oeste en Febrero. En Marzo y Abril, salió de gira por Estados Unidos con Holland y Dave Douglas respectivamente, y en el otoño empezó su extensa gira con su propio grupo, trabajando por toda Norte América en Septiembre y Octubre, y en Europa durante Noviembre y Diciembre.

Como compositor Chris Potter es citado con frecuencia por críticos, músicos y continuamente por su creciente número de fans como excelente saxofonista de su generación. Su álbum aclamado por la crítica en 2001, Gratitude (Verve) pretende ser un tributo a los grandes titanes que influenciaron a Potter, incluyendo John Coltrane, Sonny Rollins, Joe Henderson, Eddie Harris, Wayne Shorter, Lester Young, Coleman Hawkins, Ornette Coleman y Charlie Parker.

Pero como muchos otros de sus contemporáneos dentro y fuera del Jazz, las influencias de Chris van desde muchas y variadas fuentes.

Junto con la creatividad ilimitada, un vibrante sentido de cambio y una conciencia completa del pasado, presente y futuro, que la variedad de sensibilidad musical ha llevado a Chris a una la línea de visión de una colección diversa y embriagadora de artistas, incluidos James Moody, Jim Hall, Marian McPartland, Dave Douglas, Larry Carlton, Steely Dan y Dave Holland.

“Cada líder de banda, cada gran músico con los que he tenido la oportunidad de trabajar me ha inspirado en cierta manera… Sin todas estas experiencias no creo que hubiera estado preparado para hacer esto ahora”.

“Quiero que la gente baile si puede, sienta la música y no piense en algo complicado o prohibido. Quiero comunicar algo. Puedes hacer eso y no sacrificar nada artísticamente”

Biografía publicada en http://www.tebarasociados.es/index.php?main=artistas&accion=id&id_artista=47&PHPSESSID=o77gapnpf56lfno7c7gj66fo50

tapa Underground
Underground (2006)

Con sólo 35 años, el saxofonista Chris Potter ha amasado una discografía sorprendentemente grande -más de una docena de registros como un líder, y colaboraciones que incluyen la maratónica relación de ocho años con el bajista Dave Holland. Su destreza técnica, el tono robusto y el control misterioso son emparejados por una imaginación aparentemente infinita, permitiéndole construir extendidos solo que nunca pierden el foco. Y, sin embargo, a pesar de su aparición como uno de los saxofonistas más importantes de su generación, siempre ha habido una persistente sensación de promesas pero a realizarse plenamente.

Hasta ahora. Con Underground, Potter entrega el álbum que sus pasados esfuerzos consistentemente impresionantes solo sugerían que era posible. Combinando complejidad y composiciones de gran alcance emocional con a menudo nudoso pero siempre accesible grooves, Potter finalmente ha creado un álbum que, más que anunciar su potencial, lo entrega de principio a fin, con una clara voz.

“Lift: Live at the Village Vanguard” (Sunnyside, 2004) documentaba una banda que ya ha sido suplantada por un nuevo cuarteto presentando al eternamente menospreciado guitarrista Wayne Krantz, al ubicuo tecladista Craig Taborn y al baterista Nate Smith. El guitarrista Adam Rogers es invitado para dos tracks, pero para la mayor parte de Underground es sobre la impresionante química del cuarteto, que se ha perfeccionado con el tiempo.

Para grupos que quieren prescindir de un bajista conservando aún una plenitud de amplio espectro, Taborn se hace una opción cada vez más popular. Su trabajo en los grupos del saxofonista Tim Berne, “Science Friction” y “Hard Cell”, han demostrado la clase de independencia mano izquierda/mano derecha que le permite ser más que un acompañante decidido. Como solista él es capaz de desarrollar ideas útiles, al mismo tiempo manteniendo asombrosamente idiosincrásicas líneas a base de figura rítmicas con su doblamiento izquierdo, de hecho, con Krantz en el poderoso “Big Top”, que tiene la energía de la fusión sin su exceso.

A pesar de la prolongada duración de muchas pistas, Underground está sorprendentemente libre de grasa. Cuando Smith sustituye a Billy Kilson en el Quinteto y la Big Band de Dave Holland, quedó claro que si bien él es capaz de complejas polirritmias y métricas irregulares, también es más económico en su estilo. En el funky “encuentro el uno” desafío de “Next Best Western”, su habilidad para mantener un groove visceral a pesar del movimiento siempre cambiante de líneas de barra es sorprendente.

La inhabilidad de Krantz de alcanzar audiencias más grandes del cual los contemporáneos como Rogers y Kurt Rosenwinkel disfrutan, es curiosa. Armónicamente él es un músico modernista como pocos, pero con un siniestro toque rockero que no excluye una gran sutileza en el más etéreo “Celestial Bell”.

La destreza de Potter en la concepción narrativa de solos se ha perfeccionado, en gran medida, a través de su relación de ocho años con Holland. Pero más que simplemente transferir las lecciones aprendidas como un artista intérprete o ejecutante a su propio proyecto, Underground representa lo mejor y más consistente escrito por Potter a la fecha. Y su capacidad para reinventar el muy gastado “Lotus Blossum” de Billy Strayhorn en atmosférico poema de tono rubato, perfectamente en el contexto de su propia estética más contemporánea, es una prueba más de la cada vez más firmemente formada voz conceptual.

Potter no está en absoluto en su pico creativo -o lo único que podemos hacer es esperar- pero con Underground ha hecho su más personal y exitosa declaración hasta la fecha.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/underground-chris-potter-sunnyside-records-review-by-john-kelman.php#.U_op06Nfv8g

Track Listing – Underground

1. Next Best Western (9:37)
2. Morning Bell (5:41)
3. Nudnik (9:50)
4. Lotus Blossom (5:08)
5. Big Top (11:44)
6. The Wheel (6:59)
7. Celestial Nomad (6:27)
8. Underground (11:09)
9. Yesterday (2:50)

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone
Wayne Krantz: electric guitar
Craig Taborn: Fender Rhodes
Nate Smith: drums
Adam Rogers: electric guitar (6,9)

tapa Ultrahang
Ultrahang (2009)

Ultrahang. Una frase machacona, repetitiva de Potter inicia la grabación. Sus compañeros del cuarteto Underground se van sumando rápidamente pero, lejos de introducir variedad en la música que les sale, ahondan en la cadencia machacona: Nate Smith a través de un trazado rítmico nervioso, resoluto e inconstante; Craig Taborn y Adam Rogers merced a sonidos misteriosos, cargados de aromas extraterrestres.

Llevan poco más de un minuto en marcha cuando la tensión acumulada se desborda en forma de contundencia sónica y refuerzos escritos: el tema prosigue su caminar tremebundo hollando nuevas frases, sin abandonar su cansino desarrollo. Hacia el minuto dos Potter hace un intento de desprenderse del poderoso yugo rítmico de sus muchachos: naufraga pero le ha dado tiempo a lanzar un mensaje que servidor capta en el acto: amigo, vas a flipar con mi último disco. Mientras, Taborn culebrea por los bajos fondos en plan insidioso, pringándolo todo de esencias que nunca soñamos percibir en este contexto, y Rogers hinca sin piedad las potentes texturas rítmicas de Smith al terrizo polvoriento que nos sostiene. Prudente, Potter prefiere arrancar su improvisación en aguas un poco más calmas; prosigue Taborn con su cansino caminar pero Rogers abandona el martillo y se dedica a lanzar hermosas marcianadas al aire. La batería, libre por ahora, se vuelve un poco más aérea. El solo de Potter transcurre arrastrado, muy melódico pese al abrasivo sustrato, causa maravilla el momento en el que el grupo cambia la textura rítmica para dejarse invadir por el rock y deslumbra cuando retoma la trituradora, a la que Potter se suma gozoso y no os cuento cómo me sumo yo. Taborn es breve en su improvisación pero deja bien clarito lo que ya sabíamos: que no es de este planeta y que eso no importa a la hora de espanzurrarnos con sus evoluciones a los teclados.

Así transcurre el primer corte de una grabación monstruosa. He hecho trampa: no escribo a la primera escucha como el pasmo con que la describo puede dar a entender. Ya sé de sobra que en este rato, con el lápiz en la mano y Ultrahang inundando con sus sonidos el salón, voy a flipar como he flipado ya antes. Si no no estaría escribiendo este mamotreto.

Facing East. Aires orientales desde la melodía y desde los toques de los teclados. Rogers construye una improvisación preciosa desde un estado de gran relax, el tío sabe ir implementando la tensión desde sus cuerdas paso a paso, sin ninguna prisa. Justo cuando entra Potter con su clarinete bajo Rogers hace una frase maravillosa, de esas que sabe él sacarse de la chistera de vez en cuando. Potter hace una improvisación en plan Taborn: marciana total, me deja estupefacto este solo, menos mal que lo paso tan bien escuchándolo que no me da tiempo a quedarme embobado con él. Cuando termina Potter el grupo ya ha encontrado un groove fabuloso que sostiene para nuestro disfrute: uno de mis momentos favoritos del disco. Que Potter aprovecha para hacer otra improvisación, esta vez al tenor, sobre ese Groove estático: un monstruo este tipo. Confieso que la primera vez que escuché el tema, al principio pensé “no me va a gustar”… me troncho de acordarme.

Rumples. Veloz tema, los músicos se entregan a vertiginosos e impecables unísonos. El ritmo es muy estable, Smith lo menea constantemente pero el trasfondo es pétreo, Smith está en Ultrahang menos pirotécnico que en otras ocasiones, más ajustado; sigue sorprendiendo porque no para quieto ni un momento pero es evidente que cada vez tiene más claro como objetivo tratar de aportar ante todo música, y no meramente golpes. Rogers y Potter hacen improvisaciones que no se ceban en las posibilidades nerviosas del tema, consiguen que este corte veloz y largo (7 minutos) se haga corto y provechoso.

It Ain’t Me, Babe. El precioso sonido del grupo se luce en esta composición de Bob Dylan. Medio tiempo reposado, consiguen que la reproducción de la melodía original no solo no suene a pegote sino que transmita. Taborn no se va por los cerros de Úbeda en su improvisación, hace unas pocas líneas que dejan bien clara su capacidad melódica, lástima que no tenga más minutos en la grabación. Potter, también sin salirse de madre, es capaz de inyectar buenas dosis de urgencia en su solo, otra colección de hermosas líneas: asombra la facilidad con que llena de profundidad, de volumen, lo que toca. Mientras, Rogers lo empapa todo tras él con ese sonido líquido y eléctrico.

Time’s Arrow. Tras unos segundos de tanteo el tema se acelera y cobra una sorprendente energía. Hay buenas dosis de arreglos aquí, es un tema abigarrado, con multitud de giros y secciones, aunque un poderoso riff sostenido por la guitarra y los teclados vuelve periódicamente. Potter improvisa más libre que en otros cortes, se nota cómodo, sus líneas tienen un sentido asombrosamente fuerte, culebrea arriba y abajo sin dejar de menear la tensión de un lado a otro. Taborn en cambio no me llega tanto esta vez, lo encuentro un poco divagante y sin rumbo pese a tres o cuatro frases que me recuerdan que con él es mejor no despistarse, que sigue estando ahí.

Small Wonder. Es un poco como Ultrahang pero con el ritmo menos destructivo: frases descriptivas permiten a los chicos encajarse en el ritmazo con comodidad mientras dejan buena muestra de los preciosos sonidos que poseen. En seguida van llegando nuevos segmentos compositivos que enriquecen el tema. Potter, embustero él, hace como que su improvisación es tranquilita: en realidad nos está atizando alto voltaje, aprovechando como un diablo la fabulosa melodía principal de la composición. El juego de Rogers es otro: sinuoso, líquido, extravagante, con un feelin’ que alucinas… Me enloquece este tema ya sobre el papel, pero es que luego ellos se lo llevan a las estrellas.

Boots. Me pregunto a dónde les llevarán estos temas en directo, aquí se nota que entre los cuatro se lían y se lían y hay ratos de fantástica improvisación colectiva, pero se nota también que no quieren irse de varetas, que tienen muchos temas que grabar y que esos temas son lo bastante alucinantes como para demandar nuestra atención absoluta. Taborn, puñetero, parece que no hace nada pero no veas cómo menea el asunto desde la base; Smith lo mismo, no hace fuegos artificiales pero tampoco para quieto. Y Potter y Rogers se embarcan en viajes sin billete de vuelta, aunque luego saben largar anclas y quedarse (y dejarnos) con ganas de más. No es mal trato. En resumen: Boots es otro trallazo deslumbrante.

Interstellar Signals. Bonito tema que tras ser expuesto se disuelve en un éter de ruidos muy bonitos, los Underground se enzarzan en un diálogo abierto a cuatro bandas que eventualmente desemboca en una bonita sección con acordes extraños y atractivos y… sí, muy interestelares. Curioso y muy atractivo final para este monumento.

Joder, qué discazo.

Reseña de Ricardo Arribas para http://www.jazzitis.com/web/content/ultrahang

Track Listing – Ultrahang

1. Ultrahang (6:46)
2. Facing East (9:58)
3. Rumples (7:14)
4. It Ain’t Me Babe (5:18)
5. Time’s Arrow (9:12)
6. Small Wonder (7:27)
7. Boots (10:00)
8. Interstellar Signals (6:30)

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone, bass clarinet
Adam Rogers: guitar
Craig Taborn: Fender Rhodes
Nate Smith: drums

tapa The Sirens
The Sirens (2013)

Chris Potter es sin duda una de las voces más originales en el panorama de la música del presente siglo. Con 42 años ha tenido ocasión de picar en flores de muy diferente sabor pero sobre todo ha desarrollado una labor como líder de un gran calado. Como instrumentista de saxo tenor me recuerda mucho a Michael Brecker en su desconcertante desenvoltura pero con un sonido más pleno y cálido. Con el soprano es soportable, que no es poco decir. Sus composiciones son originales y elegantes, no exentas de una cierta contundencia: es decir, reúne todos los requisitos para dejar huella en nuestra memoria.

En ésta su primera grabación como líder para ECM se hace acompañar por una rítmica que interviene en el proceso de una manera decisiva haciendo que su aportación sea fundamental. Taborn, pianista que no se prodiga en exceso, aporta los elementos necesarios para que esa rítmica esté perfectamente acorde con la voz solista. En cierta manera este cuarteto, quinteto puntualmente con la aportación del pianista cubano Virelles, alcanza en The Sirens un cierto grado de perfección colectiva que está por encima de las aportaciones individuales y esto es, sin duda, sinónimo de resultados brillantes.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2671:chris-potter&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – The Sirens

1. Wine Dark Sea (8:47)
2. Wayfinder (6:49)
3. Dawn (With Her Rosy Fingers) (7:23)
4. The Sirens (8:38)
5. Penelope (7:14)
6. Kalypso (8:24)
7. Nausikaa (5:40)
8. Stranger At The Gate (8:12)
9. The Shades (2:11)

Recorded September 2011 Avatar Studios, New York

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone, bass clarinet
Graig Taborn: piano, keyboards
David Virelles: piano, keyboards
Larry Grenadier: bass
Eric Harland: drums

Apunte: Para la edad que tiene, Chris Potter tiene una extensa discografía como líder y ha participado como sideman en innumerables discos. Hemos disfrutado de algunas de sus obras personales y otras tantas acompañando a grandes músicos (viene a mi memoria su fundamental participación en el disco “Pat Metheny Unity Band”). Underground, Ultrahang y The Sirens son tres excelentes discos, que a mi entender, figuran entre los cuatro o cinco mejores de toda su discografía a la fecha. Underground y Ultrahang comparten un determinado tipo de sonido, cercano al funk y a la fusión, y además la misma base rítmica: Nate Smith en batería, que fue compañero de Potter cuando coincidieron en bandas de Dave Holland, y el increíble Craig Taborn en teclados, haciéndose cargo de la tarea del bajista ausente. Los guitarristas Wayne Krantz y Adam Rogers completan estos cuartetos desbordantes de talento y energía. The Sirens, el reciente debut de Potter en ECM, es un disco conceptual y como corresponde a toda obra de ECM, más reflexivo y levemente ambiental, pero con un igualmente brillante Potter tanto en el tenor como en el clarinete bajo. Tres dis-ca-zos con temas que seguramente quedaran en vuestra memoria luego de escucharlos.

Reportaje a Chris Potter en Tomajazz: http://www.tomajazz.com/perfiles/chris_potter_entrevista.htm

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George Colligan
marzo 22, 2014, 9:13 pm
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tapa The Endless Mysteries
The Endless Mysteries (2013)

El perfil del pianista y educador George Colligan continúa elevándose. Puede no ser tan conocido en algunos círculos como sus excepcionales compañeros en este proyecto de trío -el bajista Larry Grenadier y el frecuente empleador de Colligan, el baterista Jack DeJohnette- pero él ciertamente tiene lo necesario para jugar con ellos. The Endless Mysteries, el álbum número 24 de Colligan como líder, contiene 10 composiciones originales, muchas de las cuales el tecladista desarrolló mientras tocaba con sus estudiantes en la Universidad de Portland State. Sorprendentemente, Colligan, Grenadier y DeJohnette no ensayaron antes de la sesión de grabación. Estos ases demuestran que cuando se tiene gran comunicación y sensibilidad, no se necesita mucho ensayo para hacer magia. “Song For The Tarahumera” ilustra el gran toque de Colligan, su increíble sentido de la dinámica y su capacidad para construir líneas fluídas y aún, complejas. “Liam’s Lament” es un escaparate para su maestría en la melódica. La pista del título es una balada que encuentra a estos tres virtuosos explotando los espacios inherentes al formato trío de piano. El álbum concluye con el poéticamente titulado, melódicamente garboso y emocionalmente poderoso “If The Mountain Was Smooth, You Couldn’t Climb It”. A lo largo de este satisfactorio programa, Colligan se demuestra a si mismo, ser la mejor clase de líder: uno que sabe cuando comandar el proyector y cuando dejar hacer a sus bien escogidos compañeros de banda.

Fuente para la reseña: Bobby Reed para http://www.downbeat.com/defaultl.asp?sect=editorspicks201312#5

Apunte: Intento recordar como fue que Colligan me llamó la atención y es en vano. La cuestión es que me fui muniendo de varios de sus discos para investigarlo un poco, y, como siempre, arranco desde lo último que ha hecho hacia atrás. Agradable sorpresa ha sido sincronizar de inmediato con The Endless Mysteries. Es otro disco de trío de piano, pero tiene todo lo necesario para atraparte. Clase de swing, energía, buenas vibras, amplitud de influencias musicales y estilísticas, e inventivas interactuacciones entre los tres. El hecho de no haber ensayado y haber recibido la gracia del Dios de la Música de sonar ajustado y poderoso en la sesión de grabación, es una bendición que podemos disfrutar. El sumamente versátil Colligan, Grenadier y en especial el inoxidable Jack DeJohnette, que a los 71 años le pega a la batería como un pibe de 20, han hecho de este The Endless Mysteries un verdadero discazo.

Track Listing

01. Waiting For Solitude (7:48)
02. Song For The Tarahumera (6:51)
03. Her Majesty (8:25)
04. Liam’s Lament (9:08)
05. It’s Hard Work! (7:33)
06. Thoughts Of Ana (3:14)
07. Outrage (3:35)
08. The Endless Mysteries (7:50)
09. When The Moon Is In The Sky (6:28)
10. If The Mountain Was Smooth, You Couldn’t Climb It (8:38)

Artist List

George Colligan: piano/melodica
Larry Grenadier: acoustic bass
Jack DeJohnette: drums

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Javier Vercher


Wish You Were Here (2010)

Poco importa que Javier Vercher sea madrileño de nacimiento y valenciano de adopción. Defender un origen geográfico sólo tiene sentido si se está dispuesto a morir por él, y no creo que sea el caso del saxofonista, que bien pronto entendió que las fronteras que cabe preservar con la firmeza de las pasiones tienen que ver con las que se encuentran en el territorio de las ideas. Una de ellas le llevó a ampliar su formación en los dominios vernáculos del jazz, primero en Boston y luego muy cerca del lugar en el que Sonny Rollins se dejaba ver en sus periodos sabáticos, allá por el puente de Williamsburg. Con una propuesta menos efervescente que la del también saxofonista Llibert Fortuny, aun así igualmente prodigiosa, el joven Javier Vercher (1974) ha venido ofreciendo con cuentagotas sus apariciones discográficas. Desde aquel ya lejano trío de “Introducing…” (FSNT, 2005), junto a invitados de la talla de Bob Moses y Robert Glasper, pasando por un trío insólito de miras africanas que borda “Wheel of Time” (FSNT, 2007) en compañía de Ferenc Nemeth y Lionel Loueke, hasta su mano a mano con el saxo alto Perico Sambeat que ha quedado registrado en “Infinita” (FSNT, 2009).

Tras sentir de cerca el clamor de vítores ajenos, Vercher está de regreso al hogar —el único, el de su propia música—, aunque no llega solo. Viene acompañado por la fresquísima guitarra de Loueke y el resto de un quinteto que echa de espaldas: todos ellos conocen las labores del mercenariado, aunque hace ya tiempo que pasaron de promesas a realidades insoslayables. Sam Yahel se encarga del piano (a pesar de ser un excelente organista), Francisco Mela sigue ascendiendo al olimpo de los bateristas, y en cuanto a Larry Grenadier, hace ya mucho que alcanzó la talla de maestro con su bajo.

El propio título del trabajo destila los efluvios de la atmósfera meditabunda que pervive en toda la grabación, no únicamente en el tema homónimo. “Style and Grace”, sin ir más lejos, se desarrolla en un ir y venir entre la tradición y la innovación, defendiendo su reflexión de largo aliento siempre desde el terreno de lo acústico. El tenor de Vercher se desdobla en “Vivi,” el único tema que no es de su autoría, sino que lo firma Loueke con muy buena mano. El corte sirve, asimismo, para mostrar las dotes de cada uno de los músicos que acompañan a Vercher en esta aventura. Por momentos recuerda al lirismo de Abdullah Ibrahim con los Ekaya, en otros se destila la ingravidez de los pasajes oníricos más logrados del “Highway Rider” (Nonesuch, 2010) de Brad Mehldau, por poner ejemplos próximos en el tiempo.

Muchas podrían ser la fuentes para Wish You Were Here, aunque la única certeza es que juntos como quinteto, estos magos del sonido (por utilizar el nombre de otra de las composiciones) han conseguido poner en pie uno de los pocos trabajos que pasarán la prueba del tiempo sin dificultades. Si son de los pocos a los que la crisis todavía no les ha vaciado los bolsillos, hagan la prueba: compren dos ejemplares; el primero lo escuchan cuanto gusten, que no serán pocas veces. Metan el segundo en una cápsula del tiempo y ábranla de aquí a una década. Verán que contiene música imperecedera. De paso comprobarán que la carpetilla que la envuelve y preserva también tiene en sus genes esa condición de clásico indiscutible. Esa es también su baza para el futuro.

Fuente para la reseña: Enrique Turpin para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=38071

Track Listing

1. Vivi (7:22)
2. Wish You Were Here (8:10)
3. Ears of a Distant Traveler (7:49)
4. Magicians of Sound (4:50)
5. Blue Heron (7:26)
6. Ahí donde vive Joe (5:32)
7. Style and Grace (9:16)

Artist List

Javier Vercher: saxo tenor
Lionel Loueke: guitarra
Sam Yahel: piano
Larry Grenadier: contrabajo
Francisco Mela: batería
Arturo Stable: percusión (1)
Jorge Pérez: cajón, percusión (5)

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Steve Cardenas
octubre 15, 2010, 12:00 am
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Panoramic (2004)

Sobre el autor

Steve Cardenas inició su trayectoria musical en la ciudad de Kansas, y en la actualidad es una figura fundamental de la comunidad jazzística de Nueva York, tanto por su trabajo sobre el escenario como en los estudios de grabación. Como sesionista, tocó con grandes artistas como Eddie Harris, Marilyn Maye, Jay McShann y Slide Hampton. Ha realizado giras por toda Europa, presentándose en diversos festivales de jazz, entre ellos el Montreux Jazz Festival en Suiza en tres ocasiones distintas y el North Sea Jazz Festival en cuatro. Con frecuencia toca en público con grupos liderados por artistas tan diversos como Paul McCandless de la banda Oregon, los trompetistas y compositores Mark Isham y Jeff Beal, los bajistas Marc Johnson y John Patitucci y los cantantes Madeleine Peyroux y Norah Jones. Actualmente Steve es miembro del octeto Paul Motian Octet + 1, de la Charlie Haden Liberation Music Orchestra, de Killer Joey, banda liderada por Joey Baron, y del cuarteto Ben Allison Quartet. Además, Steve encabeza su propio trío, con el cual se presenta en diversos establecimientos de Nueva York. Su último disco se llama Panoramic y salió a la venta bajo el sello Fresh Sound New Talent Records. Además de grabar discos y presentarse en público, Cardenas enseña en la New School de Nueva York, donde dirige la formación Thelonious Monk Ensemble y da clases particulares. Steve ha participado como profesor en un taller de jazz y música creativa en el centro cultural Banff Centre. En 2003, fue profesor invitado en el California Institute of the Arts durante un semestre. Entre otros talleres en los que colaboró se encuentran el Langnau Jazz Nights de Suiza, el Seda Jazz de España y los talleres de jazz de verano de Jamey Aebersold. Asimismo, Cardenas ha finalizado, en colaboración con el editor Don Sickler, un libro con las composiciones de Thelonious Monk. El Thelonious Monk Fake Book es la primera publicación de la obra completa de este grande del jazz, que incluye muchas piezas que se divulgan por primera vez.

Sobre el disco

La grabación de esta sesión de diciembre de 2002, confirma que Cardenas ha pasado mucho tiempo en la consideración de los fans de la guitarra y el jazz. Mientras anteriormente él ha sido comparado con Metheny, la analogía es fácil, concluyó en la medida en que él comenzó a usar un poco de reverberación en un balanceado y limpio tono.

La banda destaca los demandados talentos de Larry Grenadier (Brad Mehldau), el baterista Kenny Wolleson (Sex Mob), y para mi, un saxofonista de jazz para observar, Tony Malaby. Steve Cardenas puede escribir, también, como es evidenciado por la modernidad y el flujo y reflujo natural de “Sights”. Escuche la conversación lineal de Cardenas con los cambios, sobre el andar autoritario de Grenadier, espacioso, lineal, y oiga que él pertenece a la clase de guitarristas de la elite contemporánea de Nueva York (y por lo tanto mundial). Aquí, Malaby muestra su dominio del idioma bop, combinándolo con sus distintivos cambios de tono, confirmando su destreza constante para convertir en hit cada una de sus apariciones.

Como corresponde a un empleado del señor Motian, Steve Cardenas ha pasado su tiempo comprometiendo su cabeza alrededor de los estilos de los maestros. De hecho, él está trabajado con tanta fuerza sobre las composiciones de Monk, que ha hecho un libro sobre ellos. Esto podría ser deducido oyendo lo fácil que negocia el contrapunto expresado por el final de “Introspection”, inyectando un elegante swing en el desafiante inicio, antes de pasar directa y rápidamente por los cambios de solo, sacudiendo en un solo de acorde prístino de buena medida.

Las más accesibles y funkys pistas del disco, son la primera y la última, un cover de “Visa” de Charlie Parker y el funky de movimientos de raíz latina “Salsita”. El primero tiene a Cardenas alargando sofisticadas líneas llenas de cromatismos y exactos arpegios. El encabezado de 30 segundos de “Salsita” acaba en una embarazosa pausa, una melodía de un groove pegadizo, digna del empuje de las radios que no lo pondrán, pero sin duda merece. El bit arenoso que Cardenas lanza en su tono es refrescante.

Pero quizás el mayor potencial de Cardenas para alcanzar a una audiencia más grande descansa en las baladas, como su brillante bossa “Isso Para Dizer” y el remolino embriagador de “D. Marie”. Aquí es donde la comparación con Metheny adquiere credibilidad, porque el melodicismo puro en el que estas canciones están empapadas son conmovedoras, haciéndolas universales

Fuentes para la reseña: http://www.buenosairesjazz.gob.ar; Phil DiPietro para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=13378 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Apunte: cuando escuchen este disco la comparación con Metheny indudablemente será lo primero que les vendrá a la mente, particularmente el Metheny de los tríos, aquél de los años 70: un tono reflexivo, melódico e intimista, sobre todo en los temas “Isso Para Dizer”, “Just Like I pictured It”, “Walkup”,Oriel” y “D. Marie”; en definitiva un disco muy amable, que invita a que lo escuchemos de nuevo. Por último, quiero decir que si es un disco amable, y además toca Tony Malaby, no pueden dejar de escucharlo…

Track Listing:

1. Visa (Bird) (6:56)
2. Sights (7:22)
3. Isso Para Dizer (6:58)
4. Just Like I pictured It (6:05)
5. Walkup (4:14)
6. Oriel (5:58)
7. Introspection (Monk) (3:38)
8. D. Marie (3:55)
9. Salsita (4:01)

Artist List

Steve Cardenas: guitar
Tony Malaby: saxophone
Larry Grenadier: bass
Kenny Wollesen: drums

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Chris Cheek
septiembre 8, 2010, 10:30 pm
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Blues Cruise (2006)

Incluso aunque él haya realizado sorprendentes perfomances, una tras otra, en álbumes de la Electric Bebop Band de Paul Motian, la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, Los Gauchos de Guillermo Klein, y varios grupos menos conocidos, aunque igualmente interesantes, Chris Cheek está todavía al acecho.

Su única posibilidad de ver a este saxofonista en vivo está en Nueva York o del otro lado del charco, donde él hace giras frecuentes. El problema no tiene nada que ver con la ejecución de Cheek. Es el juego: grabadoras, distribuidores, publicistas, críticos, redactores. Sin embargo, a Blues Cruise realmente lo conocí por alguna oreja caprichosa, y he tenido para saborear su agradable variedad de texturas y estilos

El antiguo Brad Mehldau Trio es la banda de apoyo en Blues Cruise. Cheek no podía haber tenido un equipo de ritmo más empático y sensible para este repertorio, que se extiende del calypso de “Flamingo” al cargado suavemente por el Rhodes, bossa-tango suave, “Coo” y la teñida de folk rock “John Denver”, que en realidad suena a una convincente versión de jazz, ya que de otra manera sería un rock con guitarras eléctricas y bajo

El título de esta grabación parecería implicar que las melodías se centran alrededor del blues, pero no es así. Algunos temas tienen un sabor blusero. Pero parece haber más. Las baladas con saxofón soprano tienen la búsqueda de la calidad, mientras los jugueteos del tenor son más declaratorios.

El rico tono del saxofonista es el más notable en todas las partes de la grabación. Esto tiene una riqueza y un sabor de un vino fino o un habano. La vivacidad y calidad retozante del saxo tenor de Cheek, debe mucho a la influencia de Sonny Rollins, mientras su aptitud rítmica dibuja igualmente de Eddie Harris. Las comparaciones con Chris Potter y Donny McCaslin también vienen a la memoria, pero sin todo el chillido y la pirotecnia

Este disco es un testamento al hecho que no importa cuan lejos algún músico puede estar del foco de los medios de comunicación -y por consiguiente del público conocimiento- y que un gran solista, acoplado con una fabulosa banda de apoyo, puede hacer un poco de la música más fresca que usted alguna vez ha oído

Fuente para la reseña: Matt Merewitz para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=22386 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Flamingo (5:23)
02. Low Key Lightly (6:38)
03. Coo (6:49)
04. Squirrelling (5:45)
05. Song of India (3:50)
06. Falling (6:21)
07. Blues Cruise (7:46)
08. John Denver (6:09)
09. The Sweetheart Tree (5:08)

Artist List

Chris Cheek: saxophones
Brad Mehldau: piano, Fender Rhodes, electric keyboard
Larry Grenadier: bass
Jorge Rossy: drums, hand percussion

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Fly
septiembre 6, 2010, 1:30 am
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Sky & Country (2009)

La casi unánime aclamación que ha recibido el segundo esfuerzo de Fly (y su debut en ECM) tiende a ver al trío como una segunda aparición del legendario Bill Evans Trio, que grabó el clásico Waltz for Debby y Sunday en Village Vanguard (Riverside, 1961). Esa es la forma en que la gente habla del disco.

El disco no suena como el Bill Evans Trio, pero no hay ninguna razón por la cual debería sonar como un disco de casi cincuenta años atrás. La similitud está dada por el inusual alto grado de empatía y propósitos colectivos entre los músicos.

El rasgo distintivo de Sky & Country, además de este saludable espíritu democrático, son las cerebrales composiciones que avanzan lentamente alrededor de un entramado rítmico vagamente inspirado en el rock. La lógica musical, que es la base de los temas, son inflexiblemente angulares y emocionalmente reservados (las escalas oblicuas de “Dharma Days”, por ejemplo). No hay muchos marcadores melódicos familiares, aunque “Transfigured” brevemente cite a “Milestones” -que estaba en el repertorio del trío de Evans. Además, la combinación de material abstracto con lo preestablecido, a veces hace difícil de saber cuando finaliza lo escrito y la improvisación comienza.

En este ajuste de duro trío, muchos de estos temas se parecen dibujos arquitectónicos más que catedrales barrocas. Esto es fino, pero requiere una pregunta: ¿que armonías descubrirían maestros de las orquestaciones de jazz, como María Schneider o Guillermo Klein en estas composiciones?

La ejecución de batería de Jeff Ballard, mientras tanto, es tensa, crujiente, de vez en cuando funky, y reproducido aquí con la cristalina precisión esperada de las grabaciones de ECM. “Elena Berenjena” -el título que suena bastante más exótico que “Helena Eggplant”, su equivalente en inglés- se desarrolla sobre un golpe de rock and roll. Es ingenioso, es variado, pero esto es un golpe de rock and roll. El golpe detrás de “Super Sister” mientras tanto, es con cepillos cerca del funk, sin cruzar esa línea.

De hecho, una cantidad considerable de este recurso, deriva de esta yuxtaposición de las melodías que desafían la mente y los ritmos que arrancan las cuerdas rockeras de la memoria colectiva. Es probablemente un poco más complicado que esto, pero esta es la idea.

Reseña de Jeff Dayton-Johnson para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Lady B (7:24)
02. Sky & Country (6:38)
03. Elena Berenjena (5:15)
04. CJ (7:29)
05. Dharma Days (5:06)
06. Anandananda (10:35)
07. Perla Morena (5:46)
08. Transfigured (8:36)
09. Super Sister (10:50)

Artist List

Mark Turner: tenor and soprano saxophones
Larry Grenadier: double-bass
Jeff Ballard: drums

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Matija Dedic, Larry Grenadier, Jeff Ballard
septiembre 3, 2010, 2:09 am
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From The Beginning (2009)

Matija Dedic de 36 años es una estrella en la escena de jazz de Europa Oriental, en particular en su país de origen, Croacia, donde él ha ganado numerosos premios a lo largo de los 10 años pasados. Él fue también uno de los 11 finalistas en la Montreux Jazz Piano Competition de 2002. Dedic es también el hijo de Arsen Dedic, cantante/compositor croata de canciones y poeta, y de Gabi Novak, una famosa cantante pop croata que cantó con Louis Armstrong. Para From the Beginning, Matija ha contratado a la sección de ritmo de Mehldau -Larry Grenadier en bajo y Jeff Ballard en batería- también sección de ritmo del trío Fly de Mark Turner. Esta es una valiente movida de parte de Dedic, ya que los admiradores de estos dos músicos están acostumbrados a escucharlos en grupos donde, con la tercera persona (Mehldau o Turner), se ha desarrollado una casi telepática relación con ellos. Pero Ballard y Grenadier son músicos tan increíbles, que parece como si ellos hubieran estado tocando con Dedic durante mucho tiempo.

La expresión de Dedic es imprevisible y excitante, y tiene un sentido del tiempo muy definido que le es propio -un poquito raro. a veces frenético, pero de un modo intencional. Si usted busca swing o groove, esto no podría ser su álbum -aunque él pueda hacerlo, y con lo que hace, usted comprende cuan versátil es él. Dedic también escribe algunos arreglos muy frescos y complejos. Pienso que si el grupo tuviera más experiencia juntos, el groove sería mucho más profundo, pero para un ¡esfuerzo inicial, wow!

Dedic escogió una agradable serie de estándares, para mezclarlos con algunos originales bien trabajados y memorables. Esto incluye “Round Midnight”, a la que él le da una alta interpretación solista con una energía que despierta, y “Prelude to a Kiss” que tiene un fresco swing. Aunque el líder cree arreglos complejos, los músicos se sienten cómodos en este estándar y Grenadier y Ballard realizan memorables solos. Otros estándares incluyen “You Are Too Beautiful,” y “Nardis”, al cual le dan una directa percusión funky y un groove de bajo. Dedic hace un gran empleo del espacio en esta melodía, manteniendo los oídos de los oyentes abiertos de par en par y sedientos de la siguiente frase. “Lush Life,” y “Bye, Bye Blackbird” está en el segundo de los dos CDs. Grenadier y Dedic, simultáneamente, comparten la melodía y la improvisación en esta melodía que es uno de los puntos culminantes en el álbum. La química del grupo está en su momento más alto en esta pista. Grenadier tiene una capacidad misteriosa de ser ambas cosas, apoyo e independiente al mismo tiempo. Dedic liquida el álbum con una hermosa balada de su pluma titulada “Dr. A” tocando solo -éste le pondrá cuerdas a su corazón, dejándole en un estado de ánimo tristemente tenso y reflexivo.

Dedic es un músico excitante y multifacético que debería cruzar el Atlántico mucho más a menudo. Si este grupo fuera una banda trabajadora, creo que los resultados podrían ser críticamente elogiados como los de los otros grupos asociados a esta sección de ritmo. (Preuzeto iz magazina Jazz Inside NY, veljača 2010)

Reseña: John Thomas para http://jazz.emporion-informatika.hr/pretrazivanje/osvrt.htm?CODE=272 – Traducción: La Bestia Políglota!!

Track Listing CD1

01. From the Beginning (5:03)
02. Mr. Handy (6:27)
03. ‘Round Midnight (4:34)
04. W.A.M (8:32)
05. Angela (5:12)
06. You Are Too Beautiful (9:53)

Track Listing CD2

01. Prelude to a Kiss (8:15)
02. Nardis (9:40)
03. Marina’s Dilemma (9:07)
04. Lush Life (7:19)
05. Bye Bye Blackbird (7:17)
06. Dr. A (8:18)

Artist List

Matija Dedic: piano
Larry Grenadier: bass
Jeff Ballard: drums

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