Preso ventanilla


Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

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Rudy Royston

tapa 303

303 (2014)

Los álbumes debut de bateristas de jazz tienden a ser intencionadamente versátiles para aclarar la identidad del líder más allá de la trampa tendida. Así es con 303 de Rudy Royston, el cual abarca Mozart (“Ave Verum Corpus”) y Radiohead (“High and Dry”) y encima ofrece nueve originales que recuerdan a los oyentes que Royston ha estado igualmente cómodo adornando el Quinteto de jazz de cámara Big Sur de Bill Frisell, el apoyo al J.D. Allen trío, y dividiendo la diferencia con el Dave Douglas Quintet.

Royston despliega un par de bajistas (Mimi Jones y Yasushi Nakamura) para permitirse a sí mismo más libertad para sear y calmar cuando la situación lo justifique. “Goodnight Kinyah” es una canción de arrullo algo inquietante para su hija, y “Bownze”, es swing filtrado a través de la sensibilidad de Ornette Coleman. Hay dos oraciones: una en capas, corta, compleja “Prayer (for the people)” en la pista 3 y una espectral, solemne “Prayer (for the earth)” como pista de cierre que es misteriosamente hendida en el medio por cerca de dos minutos de silencio total.

Pero quizás las mejores canciones son las que se encaminan y desenvuelven por una variedad de secciones, como son “Play on Words”, “Gangs of New York” y la pista del título. Ellas muestran el marcadamente afilado septeto del disco, con el pianista Sam Harris celebrando juntos la sección rítmica y la front line del guitarrista Nir Felder, el saxofonista Jon Irabagon y la trompetista Nadje Noordhuis. Los intercambios pueden ser ardientes o más sutiles, pero con Royston en la sala de máquinas, las canciones tienen la vívida sensación de estar recién acuñadas en ambos sentidos.

En el mejor de los casos, con sus líneas de vientos al unísono, fundamentos bop e impecable profesionalidad, 303 se siente como una actualización de una clásica grabación de Blue Note desde mediados del siglo XX. Royston demuestra que está bien equipado para cambiar las marchas como un catalizador, tocando con el sutil refinamiento de Joe Chambers y el esplendor cinético de Art Blakey.

Fuente para la reseña Britt Robson para http://www.wonderingsound.com/review/rudy-royston-303/

Apunte: La versatilidad de Rudy Royston lo ha hecho ser un baterista requerido por gran cantidad de diversos artistas para tocar jazz mainstream, soul jazz o músicas más vanguardistas: Dave Douglas, Bill Frisell, Tia Fuller, J.D. Allen, entre otros, son algunos de los que se han beneficiado con su talento. Quizás por haber estado tanto tiempo ocupado tocando con otros artistas recién llega a su álbum debut como líder a los 43 años. Quizás por esa misma razón no hay una idea o dirección o mood que predomine en 303 (por cierto, 303 es el código de área de su lugar de residencia, Denver, Colorado), más bien es una lógica mirada panorámica que representa los intereses de Royston. Y la elección de una banda de profesionales con personalidades musicales tan disimiles también va en ese sentido. Gran disco, sin dudas altamente recomendable.

Track Listing

01. Mimi Sunrise [4:33]
02. Play On Words [6:17]
03. Prayer (For the People) [2:33]
04. Good Night Kinyah [8:43]
05. Gangs of New York [6:45]
06. High and Dry (Radiohead) [5:49]
07. Miles to Go [3:20]
08. 303 [7:11]
09. Ave Verum Corpus (Mozart) [6:02]
10. Bownze [4:36]
11. Prayer (For the Earth) [8:13]

Artist List

Rudy Royston: drums & percussion
Jon Irabagon: saxophones
Nadje Noordhuis: trumpet
Nir Felder: guitar
Sam Harris: piano
Mimi Jones: bass (tracks 1, 3, 5, 7, 11)
Yasushi Nakamura: bass

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Enoch Lee
mayo 1, 2015, 10:05 pm
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tapa Finish Line
Finish Line (2014)

Una cosa es para un aspirante a músico hacer su álbum debut con talentosos veteranos pero otra muy distinta para él es que haya creado un consumado trabajo como el que se encuentra en Finish Line del pianista y compositor de New York, Enoch Lee. Esto respira originalidad y objetivos, no sólo por las contribuciones de incondicionales que incluyen al saxofonista David Binney y al bajista Drew Gress, sino también porque las cartas de Lee -por medio de provocadoras composiciones y encantadoras melodías- inspiran a performances demoledoras de los veteranos mencionados anteriormente y de las estrellas en ascenso, el guitarrista Nir Felder y el baterista Nate Smith.

El jazz es sólo una parte de la ecuación, el conjunto se revela como un arco de historia donde cada composición construye la narrativa. La apertura, “Remember The End” establece el tono impulsado por el back beat funky de Smith mientras la banda se ajusta en un apretado groove. In The Battle tien una decisiva vibración indie-rock con armonías que se retuercen y abrasadores solos de Binney y Lee doblándolo en el piano y teclados, mientras “Too Cold” es un instrospectivo diálogo con música clásica y elementos de improvisación, destacando la relación entre el bajista y el pianista que comenzó cuando Gress instruyó a Lee en la New York University.

La propensión de Lee por los temas que suenan como canciones es evidente en “Still Awaiting” y “Think Carefully”; lírica y coloreada, con agraciados movimientos, es su composición original “Peace”, la cual incorpora sonidos sampleados de guerra y de conflicto civil para transmitir un significado más profundo. No hay mensajes ocultos en la música, pero lo que es evidente es la positividad de todo el conjunto.

Otros favoritos incluye el groovy “Circling” con Felder ofreciendo una pegadiza y psicodélica “guitar vamp” y un lacerante saxofón alto de Binney mientras Smith bombea el ritmo. La melodía tiene un aire de “domingo a la tarde en el parque”, sugiriendo el sinuoso patrón de flujos y reflujos de la vida.

Finish Line tomó vuelo cuando Lee creó una muestra de la música usando instrumentos de software y se la envió a cada músico con la pregunta si estarían interesados en unirse a él para el proyecto. Los resultados son muy gratificantes, escuchados en la memorable y reflexiva música de un talentoso pianista y compositor.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/finish-line-enoch-lee-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Apunte: Enoch Lee (Seong Yeob Lee) es un pianista, productor y compositor treinteañero de origen coreano que está construyendo su profesión en Nueva York. Estudió en Berklee y tiene un Master en Jazz Studies de la Universidad de Nueva York. Enoch cree que un artista tiene que encontrar y compartir la verdadera belleza para dar luz al corazón de la gente en tal circunstancia, porque los seres humanos son fácilmente afectados por lo que ven, se enteran y piensan. Intenta expresar la belleza genuina -los valores comunes de las personas, como la compasión, la bondad, el cuidado, el sacrificio, el amor entre el padre y un niño, y las maravillas de la naturaleza- por intermedio de su música. Con esa premisa (claramente no menor!), Finish Line ha sido concebido para una audiencia más grande que la de los aficionados incondicionales al jazz. Después de escuchar repetidamente lo que Lee viene a ofrecer desde su corazón, da toda la impresión de que está en buen camino.

Track Listing

01. Remember The End (Intro) (1:33)
02. In The Battle (4:55)
03. Circling (4:44)
04. Blur (3:28)
05. What Are You Looking For? (3:30)
06. Too Cold (4:16)
07. Still Waiting (5:08)
08. Think Carefully (4:21)
09. Bravery (3:31)
10. Peace (4:15)
11. Coming Back (5:34)
12. Another Beginning (Outro) (1:23)

Artist List

Enoch Lee: piano, keys
David Binney: saxophone
Nir Felder: guitar
Drew Gress: bass
Nate Smith: drums

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Brian Landrus

tapa Traverse
tapa Capsule
tapa Mirage
Traverse (2011)

Traverse, del saxofonista/compositor Brian Landrus es un maduro, coherente e intensamente personal opus musical que refleja sus varias influencias. Aunque experto en tocar varios instrumentos de vientos, Landrus es más conocido por ser un saxofonista barítono, un instrumento con el que él, sobre todo, pega, junto con algo de clarinete bajo, en este, su tercer CD.

Su creativo y personal enfoque al mezclar el pasado y el futuro, se refleja mejor en la improvisación solista, “Soul and Body”, que está en el espíritu de “Body and Soul”, y precede a su lírica interpretación de esa clásica canción con una melódica y espontánea aproximación que se basa en los lineamientos del famoso estándar en retroceso.

Sus influencias clásicas son expuestas sobre todo en el improvisado dúo de piano y cuerno, “Lone”. Aunque claramente arraigado en el idioma de jazz, la pista es evocadora de piezas de piano y voz del siglo XIX, excepto que el inimitable Michael Cain, que también co-compuso muchas de las pistas, no es ningún mero acompañante, pero si un socio igual en el proceso creativo.

La mayor parte de las composiciones tienen una curva oscura, modal. La hipnótica “Gnosis” abre con el escaso pero sugestivo solo de bajo de Lonnie Plaxico, que introduce al tema de Landrus en el clarinete bajo, un instrumento que él maneja con una notable facilidad, sobre todo en el solo complejo e intrincado que sigue. El brillante piano de Cain, en su electrizante improvisación, complementa bien los matices y tonos más profundos de Landrus.

“Lydian 4” está mucho más inflluenciado por el trabajo de George Russell y el pianismo angular de Cain, apoyado por el dúo de Plaxico y el baterista Billy Hart, se mezcla a la perfección en las contemplativas notas del bajista, cuando él asume un solo corto pero poderosamente creativo.

En la enigmática “Creeper”, Hart -que sutilmente conduce sus actuaciones con su peculiar interpretación, llega a rienda suelta en un enérgico pero contemplativo vuelo improvisacional, antes de que la breve balada, “Soundwave”, concluya el registro, manteniendo la misma atmósfera y unidad temática.

Brian Landrus ha creado una sólida, íntima obra musical, con la ayuda de un trío de veteranos músicos que no sólo no lo eclipsan, sino que, por el contrario, mejoran su maestría.

Fuente para la reseña Hrayr Attarian para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=39003#.UxOckM4gbDQ

Track Listing – Traverse

1. Traverse (4:40)
2. Gnosis (8:43)
3. Lone (3:24)
4. Lydian 4 (4:38)
5. Soul and Body (2:52)
6. Body and Soul (5:27)
7. Creeper (10:02)
8. Soundwave (2:27)

Artist List

Brian Landrus: baritone sax, bass clarinet
Michael Cain: piano
Lonnie Plaxico: bass
Billy Hart: drums

Capsule (2011)

En Capsule su segundo álbum en su propio sello BlueLand, el saxofonista barítono y multi-instrumentista de vientos Brian Landrus empuja las fronteras del jazz y explora un estilo más parecido a una fusión inspirada por Motown y otros géneros relacionados.

Para la contribución a este sonido eléctrico está la adición de Nir Felder a la sección de ritmo, cuya guitarra a lo Jimi Hendrix en “Like The Wind” (de sabor caribeño) deambula lejos del tema, dando a la melodía su borde jazzy, mientras Landrus -en la raramente oída flauta baja- sopla suavemente al principio pero progresivamente cada vez más incisivo.

Además de su habitual piano acústico, el frecuente colaborador de Landrus, su colaborador/mentor/productor Michael Cain, utiliza teclados eléctricos y bajo eléctrico para mejorar el sentimiento de las grabaciones de la década del ’70. En la romántica y frenética “Beauty”, su atmosférico y callado dueto con el bajista acústico Mateo Parrish contrasta bien con el clarinete bajo cargado de emoción de Landrus, que se aventura lejos de la melodía sin perder su camino, mientras la urgente polifonía del baterista Rudy Royston tanto anclan como conducen la música.

Arenosos y cinemáticamente oscuros temas son explorados en dos composiciones. La vibración soul/R&B de “I Promise” es una reminiscencia de los soundtracks de la era de la Blaxploitation, con el lento piano de Cain estableciendo tanto el humor como el diálogo entre la guitarra abrasadora de Felder y el resonante saxofón barítono de Landrus realzando la atmósfera. La más oscura, más ominosa sensación de “71 & On The Road” se basa en el afilado y aún fluído solo de bajo que como base sobre la que Landrus construye sus igualmente inquietantes líneas de saxofón.

Los ritmos afrocubanos también hacen un aparición, sobre todo en la pista del título que muestra a Royston canalizando su Art Blakey interior, bajo el groove eléctrico del Rhodes de Cain y la improvisación free de Landrus.

La conmovedora, casi espiritual “Wide Sky”, con las notas que fluyen de Cain y la enigmática y nocturna “Now”, con suave pero nunca “smooth” pianismo, cierran el álbum sobre una nota más tranquila que trae al tema unificado del disco a una conclusión apropiada.

A pesar de no ser tan intelectual estimulante como “Traverse” (BlueLand Records, 2011), el polifacético Capsule contiene suficiente empuje emocional para conectar y entretener.

Fuente para la reseña: Hrayr Attarian para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=40810#.Urt-2_tqSg8

Track Listing – Capsule

1. Striped Phase (7:30)
2. Like The Wind (7:48)
3. Beauty (8:26)
4. I Promise (4:55)
5. Capsule (9.16)
6. 71 & On The Road (6.58)
7. Wide Sky (9:34)
8. Now (5:58)

Artist List

Brian Landrus: baritone saxophone, bass clarinet, bass flute
Michael Cain: Rhodes, piano, electric bass
Nir Felder: guitar
Matthew Parish: bass
Rudy Royston: drums

Mirage (2013)

El saxofonista y compositor Brian Landrus presenta su último trabajo al frente del grupo Kaleidoscope. En Mirage el músico neoyorkino incide en las ideas ya anunciadas en el anterior (Capsule de 2012), e insiste en hacer un jazz electro-acústico salpicado con algunos toques de otros géneros musicales. En esta ocasión, se ha atrevido a añadir un cuarteto de cuerdas, para lo que ha contado con la destacada colaboración del violinista Mark Feldman.

Landrus es uno de los firmes valores del jazz en Nueva York. Discípulo del histórico trombonista y compositor Bob Brookmeyer, acompañante en las giras de Esperanza Spalding y colaborador del director y compositor Ryan Truesdell, ganador en 2013 del premio al mejor disco del año que otorga la Asociación de Periodistas de Jazz, con “Centennial”, un proyecto dedicado a Gil Evans.

Juntar a un quinteto de jazz con una sección de música clásica con violín, viola y chelo no es algo inédito. Sin embargo, Landrus revitaliza la fórmula proponiendo una música novedosa que, aunque con pinceladas clásicas, siempre apela al lenguaje del jazz. Aquí los elementos de cuerda juegan un papel diferente que en otros proyectos similares. De ahí que sobresalga el buen trabajo de orquestación que se ha realizado.

Este concepto introducido por Kaleidoscope se recrea en figuras y en ideas melódicas en las que todos los componentes adquieren su grado de compromiso con el resultado final. Las incorporaciones de Lonnie Plaxico y sobre todo de Mark Feldman refuerzan el conjunto. En Mirage hay pasajes inclinados hacia el pop como en la balada “Don’t Close Your Eyes”. “Arrival” se inicia con una extendida introducción de los vientos y el tema cambia con la guitarra de Felder, que hace una gran contribución en el disco. “The Thousands” se recrea con ciertos aires de groove. Plaxico comienza con un solo de contrabajo y dirige a ritmo de reggae en “I´ve Been Told”. “Someday” y “Mirage” son dos prodigiosas composiciones donde tanto el guitarrista como Landrus al barítono hacen gala de una gran frescura interpretativa. En “Reach” y en “Kismet”, Landrus se luce con sendos solos luminosos con el barítono.

Mirage es un original experimento, en el que Landrus une dos ámbitos musicales, utilizando la sección de cuerdas como un refuerzo de las armonías para lograr un claro contraste entre el lirismo de lo clásico y el matiz urbano del jazz. El resultado: una música bella y fresca, además de excitante y llena de sorpresas.

Reseña de Carlos Lara para http://www.tomajazz.com/web/?p=8129

Track listing – Mirage

01. Arrival (5:21)
02. Sammy (5:23)
03. Don’t Close Your Eyes (5:44)
04. A New Day (1:43)
05. The Thousands (5:44)
06. Someday (5:06)
07. Reach (1:35)
08. Mirage (7:57)
09. I’ve Been Told (5:50)
10. Three Words (5:26)
11. Jade (6:12)
12. Kismet (3:02)

Artist List

Brian Landrus: baritone and bass saxophones, bass and contra-alto clarinets, bass flute
Nir Felder: guitar
Frank Carlberg: piano, Rhodes
Lonnie Plaxico: electric and acoustic bass
Rudy Royston: drums
Mark Feldman: violin
Joyce Hammann: violin
Judith Insell: viola
Jody Redhage: cello
Ryan Truesdell: conductor

Apunte: Brian Landrus es un multiintrumentista de (valga la redundancia) instrumentos de viento, compositor, productor y educador. Vengo escuchando sus discos editados en su propio sello y como líder desde hace un tiempo bastante prolongado y cada vez me suenan más convincentes. Sus pasos han sido de menor a mayor: Traverse del año 2011 es un buen disco de la versión más cerebral del jazz contemporáneo, mientras que el posterior Capsule (también del 2011) se mete en terrenos más eléctricos del jazz, con algo de fusión y mucho de la onda de los años de oro del sello Motown, con muy buenos resultados. A la fecha, tiene editado un disco más, Mirage (2013) al que le dió una vuelta de tuerca más agregando una sección de cuerdas en la que se destaca el violinista Mark Feldman. A Landrus lo acompañan Rudy Royston (baterista habitual de Bill Frisell), el ascendente Nir Felder en guitarra (que recientemente ha editado su excelente primer disco, “Golden Age”), Frank Carlberg en Rhodes y piano, y Lonnie Plaxico en bajos eléctrico y acústico, entre otros. Lo que se dice una tremenda banda. Para escuchar atentamente y disfrutar.

Password en todos los casos: presoventanilla