Preso ventanilla


Frank Woeste with Ben Monder and Justin Brown

tapa Pocket Rhapsody
Pocket Rhapsody (2016)

Siempre me he preguntado cuál es la costumbre para ponerle nombre a los discos de jazz. Será representar un estado de ánimo quizás, o un recuerdo disparado durante su escritura, o el lugar donde fue grabado. Debe ser aún más desafiante cuando hay pocas (si alguna) letras.

En el caso del debut para el sello ACT de Frank Woeste (Pocket Rhapsody / Rapsodia de Bolsillo), el pianista alemán parece haber querido precisión. Antes de escuchar este disco, busqué el significado de rapsodia en Wikipedia: “dividido en episodios o capítulos y sin embargo integrado, de estructuras libres, presentando un amplio rango de estados de ánimo, contrastes, colores y tonalidades”

Vaya si acertó en el blanco con el título. Pocket Rhapsody contiene muchos (si no todos) estos elementos en sus diez temas y justamente es lo que lo hace un mejor disco. Está claro que no se conforma con tener dos temas similares de jazz de 2×4 como plataforma para construir el disco, incorporando nu-jazz, funk, improvisaciones, clásica y drum’n’ bass, aburrido no es. Y entra todo en un bolsillo, además.

El primer tema, “Terlingus”, es un funk de tempo lento, sostenido sobre los más ambientales acordes disonantes de piano hasta que la línea de bajo del teclado empuja respaldada por el repiqueteo del platillo high-hat del baterista Justin Brown. La línea principal de piano de Woeste es simple pero pegadiza, pero se desarrolla y extiende cuando es embellecida por el órgano Hammond mediante la pulsada directa en las cuerdas de piano.

Acorde con la descripción del título, el segundo tema, “Moving Light” da un giro de 90 grados: desenvuelto, en tonos mayores, recordándonos quizás un poco a la receta de Snarky Puppy con fuertes sonidos de bronces sobre un bajo sintetizado y teclados. Un tema agradablemente accesible, tiene sin embargo suficiente filo para asegurar que el oyente no siente demasiado confort.

Este disco es un poco como una tienda departamental. Cada piso, o tema, ofrece un rango dispar de ítems en oferta. En el tercer piso, “The Star Gazer” es todo pizzicato de cuerdas y una letra susurrada y climática de parte de su compañera de sello Youn Sun Nah. vanguardista y repleta de emoción por parte de la autora de la letra y cantante antes de moverse hacia una improvisación almibarada de piano, a esta altura el oyente comienza a entender que Woeste realmente se apega al tema del título del disco.

El mejor tema del disco es el cuarto, “Buzz Addict”, introducido por una secuencia simple de cuatro acordes en el órgano Hammond que parece homenajear al código decimonónico de Samuel Morse antes de que sonidos más tradicionales de piano y solos de batería aparezcan en cuadro, junto con un acompañamiento intrigante de la guitarra de Ben Monder. Tiene un ligero ambiente a aventura espacial, reflejando un viaje tremendamente excitante alrededor de un cosmos musical.

El resto del álbum es igual, las sorpresas están a la vuelta de la esquina. Al modo en que las autopistas son diseñadas con suaves curvas para evitar que los conductores se queden dormidos, la variedad en los temas aseguran que los oyentes no puedan sacar sus ojos de la ruta musical. El ambiente más interesante está en el octavo tema, “Nouakchott”, donde el trompetista Ibrahim Maalouf provee una transgresora paleta árabe que atrae la mente del oyente hacia visiones de dunas, wadis (cauces secos propios del clima desértico) y el barullo del mercado persa, en un tema escrito en viajes de Woeste a la región, financiados por el Instituto Goethe.

Este es un buen disco con un sonido transgresoramente idiosincrásico. No suena como cualquier otro de este momento y Woeste nos ha provisto con un disco que no necesariamente satisface catalogándolo como jazz. Es más que eso.

El disco tiene una de las tapas más linda que he visto en mucho tiempo, una colorida imagen del artista Terry Winters contra un fondo blanco puro. Es muy agradable, como la música en su interior.

Fuente para la reseña: Rob Mallows para: http://www.londonjazznews.com/2016/01/cd-review-frank-woeste-pocket-rhapsody.html – Traducción: Nicolobo Ramos!

Apunte de Nico: ¡Que discazo este Chelito! Uno de mis preferidos en el año 2016, y sigue girando. Un disco bien en la tradición MCQ/Preso (si es que algo así existe) en el sentido apuntado por el comentario de Rob Mallows: esto es algo más que jazz. Definitivamente está en esa línea que cruza muy satisfactoriamente distintos estilos tomando sin prejuicios lo que más le guste al autor de aquí y allá.

El comentarista utiliza muchas veces el término “ambiental” lo cual es muy apropiado porque este disco, más allá de alguna ráfaga aislada, no contiene grandes despliegues de virtuosismo (a pesar de que los músicos que participan son todos grandes ejecutantes de sus respectivos instrumentos), sino que se concentra en lograr lo que llamaría “momentos musicales”, esos en que el grupo está alcanzando un clímax, para disolverlo y volver a empezar con otro. Música también descripta como cinemática porque por momentos parece una banda sonora de películas, en ese sentido también participa de algo del mejor espíritu del rock progresivo (ausente el virtuosismo explícito y extremo, quedan los ambientes). El tema “Pocket Rhapsody” condensa bien el espíritu del disco, porque en el mismo se resume un poco todo lo que el disco es, en una suite de poco menos de nueve minutos. Y también cabe mencionar que este espíritu se ve apoyado por el uso (no tan habitual para las épocas actuales) de recursos típicamente “progresivos” como interludios, introducciones y hasta encadenando algunos temas entre sí (sin dejar silencios –o muy breves- entre ambos).

Hay que destacar la inteligencia de Woeste de rodearse de efectivos colaboradores, si bien las teclas tienen un amplísimo dominio en la paleta sonora del disco. Monder aporta sus clásicas intervenciones poco convencionales (siempre me pregunto en estos discos cuánto escribe el autor y cuanto espacio le deja a sus colaboradores). Y el batero Brown, una estrella en pleno ascenso (tocó ya en varios discos buenísimos, síganle la ruta que no los va a decepcionar…) le da al disco lo que éste precisamente necesita, sin pasarse de firuletes pero dándole sin descanso cuando hace falta. Y los colaboradores, que decir de ellos. Las cuerdas son muy importantes en este disco, no sólo cuando “pizzicatean” sino en distintas líneas que complementan lo que hace Woeste en el disco, y se lucen en la intro de “Nouakchott” una pieza fantástica en sí misma más allá del tema al que introducen y en la balada final “Melancholia”. Sólo me hubiera gustado escuchar un poquito más de Youn Sun Nah (Woeste fue el pianista de las primeras formaciones de la cantante), pero el tema en donde canta ella es una joyita que no tiene desperdicio.

El comentario sólo hace alusión a 4 o 5 temas, pero la verdad es que es todo muy, muy parejo, de alto nivel, siendo muy difícil destacar un tema sobre otro.

Para el que quiera verle las caras a los quías y se dé maña con el inglés o el francés (Woeste es un alemán que hizo su carrera principalmente en Francia), este video de ACT está bueno (y veo con alegría que coincide bastante con lo que se dice en todas estas líneas): https://www.youtube.com/watch?v=oQLeZMY59xo

 

Track Listing

01. Terlingua (Woeste, Frank) (6:16)
02. Moving Light (Woeste, Frank) (6:00)
03. The Star Gazer (Woeste, Frank / Nah, Youn Sun) (6:36)
04. Buzz Adidct (Woeste, Frank) (6:51)
05. Interlude (Woeste, Frank) (2:00)
06. Pocket Rhapsody (Woeste, Frank) (8:13)
07. Intro Nouakchott (Woeste, Frank) (1:39)
08. Nouakchott (Woeste, Frank) (7:50)
09. Mirage (Woeste, Frank) (5:39)
10. Melancholia (Woeste, Frank) (3:43)

Artist List

Frank Woeste: piano, Fender Rhodes, organ & bass synth
Ben Monder: guitar
Justin Brown: drums

Guests:
Ibrahim Maalouf: trumpet on 02 & 08
Youn Sun Nah: vocals on 03
Sarah Nemtanu: violin
Gregoire Korniluk: cello

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Enders Room

tapa Human Radio
tapa Hotel Alba
tapa Random Guru
tapa Zen Tauri
Human Radio (2004)

La pequeña aldea rural, Weilheim, es conocida por la música más progresiva de Alemania hoy. Una de las figuras claves en la escena electro-dub y nu-jazz de Weilheim es el saxofonista Johannes Enders, un activo contribuyente a proyectos tales como Notwist, Tied+Tickled Trio, Fauna Flash y Marsmobil. Con la asistencia de artistas internacionales invitados, Enders comenzó en el 2002 con su propio proyecto, ENDERS ROOM, combinando sus fuertes declaraciones de jazz con una mezcla radiante de electrónica, samples, batería, computadoras y Fender Rhodes. El álbum debut “Monolith” fue votado entre los mejores 50 álbumes del año por la versión alemana de la revista Rolling Stone. Los críticos lo llamaron “una fantástica grabación” (Jazzthetik) y “un importante, sorprendente álbum” (Stereoplay).

Ahora, ENDERS ROOM ha vuelto con su segundo álbum, Human Radio. El título parece ser una paradoja -justo como Johannes Enders mismo: un completo músico de jazz que trabajó con los gustos de Donald Byrd, Branford Marsalis y Billy Hart, pero que excava profundamente en la programación, la electrónica y los sintetizadores. Esta es la forma en que Enders explica el título del álbum: “un ser humano es como un receptor. Cada uno de nosotros tiene su propia forma de manejar la entrada desde el exterior”. La forma de manejar de Enders, fue un largo año de trabajo en su estudio en casa mezclando grooves electrónicos y naturales improvisaciones para Human Radio. Gracias a la fuerza de su visión artística y a la ayuda de algunos excelentes músicos amigos -entre ellos la renombrada cantante Rebekka Bakken, el mago del teclado Roberto Di Gioia (Passport, Marsmobil), el americano bajista de jazz Ed Howard (anteriormente con Bob Berg, Shirley Horn) y el baterista Wolfgang Haffner (Passport, Nils Landgren, Till Brönner)-, la música en Human Radio se manifiesta con gran emoción, hipnotizantes grooves y excitante belleza. Un intenso viaje por nueve maravillosas bandas de sonido para el mundo en que vivimos. Y un principio digno para el nuevo sello “19”, que estará dedicado a lo electrónico y a remixar aventuras en las afueras del jazz.

Fuente para la reseña: http://www.enjarecords.com/cd.php?nr=NIN-1901

Track Listing – Human Radio

1. Euphrat (5:40) [Johannes Enders]
2. So Ro (5:46) [Rebekka Bakken, Johannes Enders; lyrics by Rebekka Bakken]
3. Free Filter (6:13) [Johannes Enders]
4. Behind The Mirror (6:58) [Johannes Enders; lyrics by Johannes Enders]
5. North Hook (6:51) [Johannes Enders]
6. Self Observatory (6:09) [Johannes Enders; lyrics by Joo Kraus]
7. June (4:48) [Johannes Enders]
8. Your Ship (5:35) [Johannes Enders; lyrics by Johannes Enders]
9. Human Radio (5:42) [Johannes Enders]

Artist List

Johannes Enders: tenor saxophone, bass clarinet, flute, programming, electronics,Fender Rhodes, synthesizers
Rebekka Bakken: vocals
Joo Kraus: trumpet, rap (on 6)
Roberto Di Gioia: piano, Fender Rhodes
Thomas Stabenow: acoustic bass
Ed Howard: acoustic bass (on 6)
Wolfgang Haffner: drums (on 6,7,8)
Andy Haberl: drums (on 2,4,5,9)
Saam Schlamminger: tombak, dohol (on 1)

Hotel Alba (2006)

Para hacer que su estancia sea agradable en este acogedor mundo sonoro tanto como fuera posible, les pedimos que escuchen con atención los próximos cincuenta y seis minutos y cuarenta y nueve segundos. Relajese en el informal “Luna Park” o en el pensamiento esperanzador de “When Love Is New Daily”.Celebre en “Tiki Land” o en un apasionante viaje en “Alien Railroad”, en las visiones del futuro de los ’80. Deleitese en “Morph” (1 and 2), tenga piel de gallina en “El All” o admire “The Final Hippie”. Vaya despacio y acérquese a ello lentamente, puesto que como su anfitrión Johannes Enders dice: “Las primeras impresiones son las más fuertes”. en Enders Room, “estilísticamente esto cruza la frontera”, reuniendo “la estética DJ, la música electrónica e improvisado fragmentos de tradición” (Musikexpress), su individual e inspirado sonido está influencidado por Steve Reich, Stevie Wonder, Radiohead, y Weather Report , y por su experiencia actuando con The Notwist, Billy Hart, Roy Hargrove, Marsmobil, and Fauna Flash. Hotel Alba es el notable tercer y totalmente nuevo álbum en este electro-auténtico estilo de tocar, todavía “suavemente avant-garde” (Die Zeit), “inconformista y bueno” (Stereoplay), y sin embargo como “helado de vainilla con salsa de frambuesas, aunque no hay nada cerca de lo dulce” (Die Welt). Con diez de sus más íntimos colaboradores musicales, entre ellos Roberto di Gioia y Sebastián Studnitzky, el líder demuestra una vez más en este disco, que no sólo escribe hermosas canciones y toca fantásticas melodías y armonías -habiendo dominado todos los saxofones disponibles y flautas, el Fender Rhodes, Philicorda, y un piano, el clarinete bajo, la guitarra, y su computadora- sino que también puede cantar. Esto demuestra tanto carácter como encanto. Los altos y los bajos, la tensión y la relajación que producen estas doce canciones abarcan un arco grande y dan en el blanco. Y, como siempre, es el camino.

Usted es bienvenido a extender su estancia, pulsando el botón “repetir”. Llegue, relájese, zambullase; bienvenidos al Hotel Alba.

Fuente para la reseña: http://www.tuition-music.com/enders-room.html

Track listing – Hotel Alba

01. Tiki Land (3:33)
02. When Love Is New Daily (5:33)
03. Just Red And Blue (3:44)
04. Morph 1 (4:35)
05. Ell All (4:07)
06. Hotel Alba (3:54)
07. Free Billy (5:10)
08. La La Bee (4:14)
09. The Final Hippie (3:36)
10. Luna Park (5:25)
11. Alien Rail Road (4:50)
12. Morph 2 (7:17)

Artist List

Roberto Di Gioia: Piano (tracks: 4, 6, 9, 12)
Johannes Enders: Saxophone, Flute, Piano, Electric Piano [Rhodes], Programmed By, Guitar, Clarinet, Producer
Sebastian Studnitzky: Trumpet (tracks: 2, 4, 10)
Written-By: Johannes Enders (tracks: 1 to 7, 8 to 12)

Random Guru (2008)

Todo fluye. Mucho se va. Y sin embargo, sólo en pequeñas carreras. Por lo tanto, los seres humanos buscamos. La experiencia, el cumplimiento, la ilustración. Y nos preguntamos, pregunta tras pregunta. Johannes Enders es bien consciente de que las respuestas están a menudo en los detalles. “Tu puedes encontrar a tu gurú en muchas pequeñas cosas”, contesta el gigante de cuarenta años, un autodescripto como ‘investigador del significado’, cuando fue consultado sobre el título del cuarto álbum de Enders Room: Random Guru.

“Después de todo, la globalización está teniendo lugar en el plano espiritual. Y en tiempos de omnipresentes propagandas, sólo tienes que despertar y empezar a apreciar las cosas buenas que superficialmente parecen pequeñas. Ver una rana capturar una mosca, es mucho más divertido para mí que tratar la última mezcla de café en una de las muchas ciudades en que he sido obligado a estar”. Es claro que, para todo su amor al detalle, el elocuente músico y su ensamble análogo electrónico están preocupados para ofrecer una crítica en el sonido. Pero: “Este álbum es sobre todo un asunto de abastecer la reserva, un indicador”, dice. “Ya que la producción es también siempre un proceso de sufrimiento, sin duda no quiero hacer un registro que sólo se queje. Enders Room siempre estuvo abierto al futuro. Y es versátil. Sólo soy la clase de persona que puede cambiar rápidamente su mente”. En los instrumentos y equipos de “la habitación de Enders” en Weilheim, este hombre de familia, que ha grabado un álbum de música de iglesia, con Nils-Petter Molvaer, trompetista, entre otros, que acaba de hacer otra gira por los Estados Unidos con Billy Hart, y que se hace cargo de una cátedra en Leipzig en Octubre – también ha creado este nuevo milagro en el sonido. Trabajando solo cada noche o junto a músicos amigos tales como la sensacional cantante de Ghana, Joy Frempong, el trompetista Micha Acher de The Nowist y su hermano Markus Acher en percusión, el premiado compositor de música para películas Gerd Baumann en guitarra, o Flip Philipp en vibráfono, con John Hollenbeck o Batian Jütte en percussion y Roberto Di Gioia en el piano. Que pasa en Enders Room es difícil de comprender estilísticamente y musicalmente inimaginable en cualquier caso. De manera única, esto se refiere a rock indie y hip-hop de la vieja escuela, jazz, música de iglesia, pop, punk y a Kraftwerk, aunque siempre permanece impecablemente impresionante y tan original como expresivo. No importa si las palabras son entrecortadas en el sombrío “Ana Vrin”, que es el Nirvana deletreado hacia atrás, o en el flotantemente elegíaco “Sister Peace”. Si el equipo está ladrando en la encantadora “Like Full Moon at Noon” en todo su esplendor coral, o si nos exigen despertarnos en la maravillosa balada pop “This Is Your Day”, o suenan como una mezcla de Bird, The Animals, y Moondog en la dramática danza de monstruos “The Age of the Locusts”. Esto siempre pasa en una vista musical anticipada, en el experimento acertado, más fiel a los detalles y auténtico que cualquier otra cosa.

Los grooves son claramente más pulidos, quizás más alegres, pero sin perder su unidad o suciedad. “Un criterio importante para mí es siempre qué puedo ser capaz de escuchar en el registro después”, admite Johannes Enders. “Las piezas deben desarrollarse, tener tantas dimensiones como sea posible, y sin embargo, también trabajar detalladamente.” Lo último, pero no menor, todo eso, mezclado y masterizado por Guido Hieronymus en Munich, tiene que sonar bien, también. De hecho, muy bien. Pero también, como Johannes Enders lo sabe, no es sólo cuestión de gusto sino que también es una cuestión de opinión. “Billy Hart una vez dijo: “A quien le preocupa como suena? Lo importante es que la música sea buena” Yo siempre me atengo a esto”. Los mejores ejemplos de esto, están en Random Guru, el nuevo álbum de Enders Room.

Fuente para la reseña: http://www.tuition-music.com/enders-room.html

Track listing – Random Guru

01. Ana Vrin (5:07)
02. Sister Peace (3:48)
03. Random Guru (6:19)
04. Wankunku (7:11)
05. This Is Your Day (4:20)
06. Satellite Babies (4:26)
07. Like Full Moon At Noon (4:59)
08. Jabali (6:52)
09. The Age Of The Locusts (4:19)
10. Sister Peace (Reprise) (3:09)

Artist List

Glenn Mueller: Alto Saxophone
Johannes Enders: Baritone Saxophone, Tenor Saxophone, Soprano Saxophone, Bass Clarinet, Flute, Synthesizer, Electronics, Vocals (tracks: 5, 6, 9)
Bastian Jütte, John Hollenbeck, Markus Acher: Drums
Roberto Di Gioia: Grand Piano
Gerd Baumann: Guitar
Micha Acher: Trumpet, Flugelhorn
Joy Frempong: Vocals (tracks: 1 to 5)

Zen Tauri (2010)

Por muchos años, Enders Room ha sido una especie de laboratorio para el gran saxofonista Johannes Enders. Con este proyecto, él sigue caminos estilísticos que dejan atrás la estética del jazz y conducen a una nueva forma de hipnótica música electrónica, refinando a veces las pistas con su propio estilo inimitable de improvisación.

El corazón de la música, sin embargo, es algo como un universo privado de sonidos donde cada beat y cada sample y cada pequeño detalle contribuyen a la inconfundible lenguaje musical que es Enders Room. El mundo sonoro de Johannes Enders está vivo, orgánico en el más pequeño de los detalles.

Cuando él hace solos -con el tono del saxofón profundamente enraizado en el jazz- la música adquiere otra dimensión. El mejor modo de describir la música de Enders Room, puede ser imaginarse el melange de influencias que han provocado a este cerebro durante los 43 pasados años: su currículum incluye numerosos conciertos y grabaciones con grandes del jazz como Lee Konitz, Kenny Wheeler, Brad Mehldau, Richie Beirach, Bobby Hutcherson, Jerry Bergonzi, Joe Lovano, Hank Jones, etc, y por otra parte, colaboraciones con agrupaciones electrónicas -Tied & Tickled Trio, Console y Peter Kruder, y una vez más, con contemporáneos como Joo Kraus, JBBG, Rebekka Bakken, Nils Petter Molvaer, DJ Spooky, Fauna Flash y Nana Mouskouri.

Johannes canaliza todas estas experiencias (más una fábula de romance de ciencia-ficción y música electrónica, a través de una estética de sonido analógico) en Enders Room.

Mientras intentaba responder a las preguntas más antiguas de la humanidad, durante innumerables horas aislado en su Weilheim Studio, la quinta producción de Enders Room fue grabada. El CD resultante, Zen Tauri, destaca las contribuciones de invitados tales como Wolfgang Muthspiel, The Notwist, Billy Hart, John Hollenbeck y Stefan Schreiber, entre otros.

Fuente para la reseña: http://www.materialrecords.com/content_en/proj_endersroom.asp

Track listing – Zen Tauri

01. Cassini (5:45)
02. Zen Tauri (6:24)
03. New Wonder (5:14)
04. Archetype (5:05)
05. Arvo (1:18)
06. Notre Dame (6:54)
07. Mare Profundo (5:59)
08. Nothing Matters (5:10)
09. Companion Star (3:30)
10. Notre Dame Reprise (1:50)

Artist List

Johannes Enders: all instruments and programming
Wolfgang Muthspiel: guitar on 1/2/3/5/6/10
Micha Archer: trumpet on 2/7/8/9
Billy Hart: drums on 3
John Hollenbeck: drums on 8/9
Stefan Schreiber: bass clarinet on 9

Apunte: detrás de los beats electrónicos e hipnóticos, y de las voces tratadas de manera exótica de estas melodiosas (no melosas!) bandas de sonido de los días del siglo XXI, siempre está presente el talento improvisatorio de Johannes Enders en los vientos para decirnos que él mira la música del futuro sin olvidar el pasado. Estética de sonido analógico aplicado a la electrónica, dice alguna de las reseñas. Eso es lo que mantiene el interés en estos discos, emparentados con el nu-jazz (las etiquetas…) que se hace en el norte europeo: Nils-Petter Molvaer, Bugge Wesseltotf, Wolfgang Haffner y otros paisanos de la zona. Megapost dedicado al oído siempre inquieto del Nico, que me anduvo agitando con Enders. Salud!

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Portico Quartet
febrero 5, 2012, 12:22 pm
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Portico Quartet (2012)

Los seguidores de este joven cuarteto, fichado por Peter Gabriel para su sello Real World estarán de parabienes. Si habían disfrutado con su anterior disco Isla, ahora verán un grupo todavía más evolucionado. Para aquellos que no gocen de la música cinemática, basada en mantras hipnóticos, repeticiones gamelánicas a-la-Phillip Glass/Steve Reich y notas largas entre sueños, brumas o tormenta, este no es el disco. Y es que a mi criterio el grupo ha incrementado, si cabe aún más, ese estilo de musica en capas que siempre lo caracterizó, a la que ahora le agrega buenas dosis pensadas de electrónica, loops, samples, procesos sónicos y hasta voz en un tema !. El grupo ha aumentado exponencialmente el rango de sonidos y la variedad de recursos musicales. Hoy el hang, ese extraño instrumento de percusión que antes era el corazón omnipresente del sonido del grupo está un poquitín mas en segundo plano, lo cual es lógico si se tiene en cuenta la incorporación de ruiditos, pequeños cracks y pops, teclados espectrales y ese tipo de capas electrónicas. Y eso, curiosamente, también por momentos le agrega un poco más de filo, de lija, sin perder su componente orgánico: la web de Real World nos informa que los temas están tocados todos en vivo, sin sobregrabaciones. Ojo que el hang sigue siendo importante en la música del grupo: el ejecutante original del hang (Nick Mulvey) dejó el grupo en el 2011 y fue reemplazado por Keir Vine, que toca hang (en ocasiones loopeados y sampleados, incluso antes de la partida de Mulvey) y teclados en esta nueva producción. Los restantes músicos (Duncan Bellamy en la batería, Milo Fitzpatrick en contrabajo y Jack Wyllie en el saxo y ahora también en las teclas) siguen en sus puestos. Bellamy ha incorporado a su set de batería acústica elementos electrónicos, lo que permite que él también dispare samples y loops. Como dice el sitio de Real World, si Isla era el disco de una banda que se mira a sí misma en busca de identidad, este es un disco en el que la banda claramente mira al futuro. Siempre teniendo en cuenta que la musica que Portico Quartet es inclasificable: no es rock, ni jazz, ni world, ni electrónica, ni nada de eso o quizás todo eso al mismo tiempo en un cóctel sabroso y variado, sin perder su propia identidad sónica.

Si vamos por partes, “Window seat” es la introducción perfecta. Una lánguida y misteriosa sábana de teclas, sirenas (sí, sirenas…) y contrabajo tocado con arco. “Ruins” es el tema, llamemosle así, “de difusión”. Tiene los elementos fundamentales de la música del grupo: el hanger y la batería llevando el groove, y el saxo tirando una línea. Como dice Jon Falcone en su crítica, el saxo de Wyllie se balancea entre un Coltrane en descomposición y la banda de sonido de un documental de aromaterapia, y eso, es un halago en este caso. El ritmo del tema se detiene dejando un clima de suspenso y vuelve a empezar, construye el climax y lo va llevando hasta su resolución pero (casi) sorpresivemtente el tema se apaga, lento y enigmático. Tiene una estructura relativamente clásica dentro de lo que hacen estos muchachos y probablemente por eso lo pensaron como corte de difusión. El final de “Ruins” engancha casi perfectamente con el comienzo de “Spinner”, porque su comienzo también tiene mucho en común con ese sonido “gamelanoso” que uno espera del cuarteto. Pero como a los dos minutos y pico el tema cambia, se enrarece, se pone tormentoso, las teclas se ponen abrasivas y, de golpe, algunos oasis de calma nos rescatan de tanto viento, levantan un poco el espíritu y cuando parece que vine de nuevo la tormenta estática, un final abrupto. Ambos temas forman una especie de mini trilogía en mi percepción con el siguiente, “Rubidium”, para mi el mejor tema del disco, una mini suite de casi nueve minutos donde los tipos tiran casi todo lo que tiene el disco, concentrado en un solo tema. Difícil explicarlo con palabras, porque es un tema con varios climas internamente. Baste decir que la secuencia que era del hang, se la adueña un sinte totalmente electrónico que nos lleva a una especie de solo de batería grabado en el fondo de un pasillo, con una intención claramente textural, casi a-rítmica. Se parece peligrosamente al free mas extremo (que a mí personalmente me resulta difícil de digerir), pero no es lo mismo. Luego de unos instantes, sobre esa explosión vuelve a sonar el motivo principal del tema, que tranquiliza al batero y lo lleva a los platillos que repiquetean como si fuera una suave lluvia después del caos. De a poco, entra en escena el movimiento final, caracterizado por unas líneas de teclas breves con cámaras al revés, bien abstractas, pero igualmente delineando un mantra con el que termina el tema. Después de tanta intensidad, “Export Hot Climates” es un momento de intimidad con un pianito ahí, con una cámara enorme, un minuto de nada, de suspenso sin tensión.

La cantante Cornelia introduce la novedad de una letra en un grupo que hasta el momento había sido puramente instrumental en “Steepless”. La voz de Cornelia es un hilo suave y ambiguo como la mezcla que propone el cuarteto, una especie de mezcla entre Tori Amos, Bjork, Kate Bush (salvando las distancias, claro), esa onda. El tema es lindo (sobre una base en la que apoyan acordes de piano, en el fondo se escucha una percusión inquietante, nerviosa, y arriba de todo eso la vocecita de Cornelia) pero no es de los que sobresale, dado que a mi gusto, el disco tiene otros puntos muy altos. No desentona eh, pero hay temas que creo que rankean más alto en mi consideración. Difícil nombrar un solo tema, los ya referidos son los que más me gustaron en las primeras escuchas pero, se sabe, eso cambia a medida que va madurando la escucha. “Lacker Boo” también es buenísimo, más minimalista aún en su devenir, con climas más abiertos y espaciosos, sobre un beat de batería siempre constante, obstinado, quizás el tema con más feel electrónico del disco (probablemente junto con “City of Glass” donde vuelve a lucirse Wyllie) y al mismo tiempo con unas cuerdas con arco completamente orgánicas (de nuevo, la mezcla presente en el Pórtico).

Un último detalle: el disco tiene 48 minutos (casi más breve que este comentario). En una época de superproducciones deluxe y extended editions, con cinco mil minutos a veces difíciles de sostener, esta duración representa un bálsamo concentrado de alta calidad. Pero bueno, se nota que el disco me gusta no? Como siempre lo mejor es no creer en las expectativas del comentarista, olvidarse de todo lo que este servidor ha vomitado casi sin parar en una catarata atolondrada de palabras y escuchar el disco, a ver qué les parece a Uds.

En el remoto caso que quisieran Uds. más datos (todos en inglés):

http://realworldrecords.com/artists/portico-quartet
http://realworldrecords.com/catalogue/portico-quartet
http://www.thisisfakediy.co.uk/articles/albums/portico-quartet-portico-quartet
http://drownedinsound.com/releases/16773/reviews/4144371
http://www.porticoquartet.com/

Y si quieren ver fotos (con la agrupación anterior)
http://drownedinsound.com/in_depth/4138429-in-photos–portico-quartet-koko-london/photo/5#photo

Todo, pero TODO eh, data y reseña, del gran amigo de MQC y Preso Ventanilla, Nicolobo, que antes de partir de vacaciones nos envió estas, sus percepciones sobre Portico Quartet…

Track Listing

01. Window Seat [03:18]
02. Ruins [05:34]
03. Spinner [04:40]
04. Rubidium [08:44]
05. Export for Hot Climates [01:08]
06. Lacker Boo [07:51]
07. Steepless [03:57]
08. 4096 Colours [04:35]
09. City of Glass [06:36]
10. Trace [01:53]

Artist List

Keir Vine: Hang y teclados
Jack Wyllie: Saxo y teclados
Duncan Bellamy: Batería, glokenspiel
Milo Fitzpatrick: contrabajo

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Chris Minh Doky


The Nomad Diaries (2006)

Chris Minh Doky se destaca como uno de los bajistas más talentosos de la música contemporánea. El artista establecido en Nueva York es considerado entre los maestros del bajo, ampliamente reconocido por su entrega apasionada y extraordinarios regalos técnicos. Como expresó la revista Down Beat “… hay una suavidad y una claridad crujiente que es muy diferente de los otros sonidos que provienen del instrumento acústico”, Doky lleva la distintiva tradición danesa del bajo acústico de ser un instrumento líder. Con raíces musicales que provienen de su amor por los grooves de la costa este americana y la tradición lírica de Escandinavia, Doky ha desarrollado un sonido distintivo, así como ha creado un estilo que le es propio.

La rara capacidad de Doky de actuar con igual creatividad y dinamismo tanto como solista o como sideman, lo ha puesto en la lista de Diez Bajistas Top en Reader’s Polls y ganó el premio como Artista del Año, así como el disco de platino -premio por ventas. Paralelamente al liderazgo de su propia banda, Doky continúa tocando con algunos de los artistas de jazz más significativos de la actualidad. Siendo parte del Michael Brecker Quartet desde 2001, actualmente también toca y viaja junto a Mike Stern Band.

A travez de los años, Doky ha realizado siete álbumes solistas, incluyendo el sumamente elogiado Cinematique y el más reciente álbum de electronica-jazz The Nomad Diaries. Además de co-liderar dos grabaciones con su hermano, también aparece en incontables grabaciones como sideman. Y con su gran sentido musical, Doky es cada vez más demandado para realizar bandas sonoras y como productor, tanto para artistas pop como para artistas de jazz.

Doky nació en el seno de una familia musical en Copenhagen, Dinamarca, en 1969, de padre vietnamita y madre danesa. Motivado y enseñado por su padre, Doky comenzó a tocar el piano a los seis años. Él ganó varios premios en competencias locales de piano clásico. Por un giro de fe, él recogió el bajo eléctrico mientras estaba en la escuela superior. Apasionado fan de grupos como Earth, Wind & Fire, siendo adolescente tocó en diferentes bandas funk. Pero fue el álbum ”My Funny Valentine” de Miles Davis el que lo introdujo en la tradición del jazz a la edad de 16. Un año más tarde, el cambió a su instrumento “de firma”, el bajo acústico. Poco después, se hizo un bajista solicitado en los clubes de jazz alrededor de Copenhagen.

Después de la escuela superior, a los 18 años de edas deja su hogar por Nueva York City, determinado a explorar la tradición del jazz de primera mano. Aquí, él comenzó a trabajar en los estudios y clubs de Manhattan con otro jovenes músicos como el pianista Joey Calderazzo, a quien Doky encontraría más tarde tocando junto al legendario saxofonista Michael Brecker. Demostrando ser no sólo un sideman excelente, sino también un solista inventivo, Doky consiguió su primer gran paso en 1991 cuando Mike Stern le preguntó al talentoso bajista si quería unirse a su banda. Hacia 1992, Doky se había establecido firmemente en la escena internacional del jazz y se ganaba una reputación como uno de los bajistas superiores de Nueva York. Muy solicitado, él se encontró tocando con algunos grandes músicos que él había estado escuchando crecer, incluyendo a David Sanborn, Ryuichi Sakamoto, Michel Camilo, Trilok Gurtu, y Bireli Lagrene.

En 1994, Doky unió fuerzas con su hermano mayor Niels Lan Doky para formar los Doky Brothers. Firmando para Blue Note, el grupo dos acertadas grabaciones que trajeron una audiencia más grande al jazz en su Dinamarca nativa. Siguiendo al segundo álbum de los Doky Brothers, Chris Minh Doky realizó “Minh” en Blue Note, en 1998, su primer álbum solista en ocho años. Esto encontró la aclamación de críticos y audiencia por igual, propulsando la carrera solista internacional de Doky a un nuevo nivel.

El trabajo de Doky en “Minh”, atrajo la atención de un icono danés, la cantante de pop y rock Sanne Salomonsen, que le pidió trabajar con ella. En 1999, Doky produjo su álbum “In a New York Minute” que alcanzó ventas doble-platino y ganó una nominación para el Danish Music Award.

Después girar extensamente por el mundo sobre el éxito del álbum “Minh”, Doky llevó su banda al estudio para registrar el álbum de jazz-funk acústico, “Listen Up”. El álbum destacó especiales apariciones de colaboradores de mucho tiempo como John Scofield, Kenny Garrett y otros.

Después de años de explorar el lado funk del jazz, Doky sintió que era hora ‘de volver a casa’. En “Cinematique”, Doky juntó a algunos de los más grandes músicos de su generación en un verdadero set de trío de jazz. Doky y sus amigos de mucho tiempo crearon una grabación íntima y original que explora temas de las películas favoritas de Doky y temas de televisión.

En su más reciente CD, The Nomad Diaries, Doky muestra el resultado de su largo tiempo de exploración en la música electronica. Inspirado por los trabajos de artistas como Massive Attack, Bjork, Nils Petter Molvaer, Talvin Singh y Ryuichi Sakamoto (con quien Doky ha estado tocando durante años, y quien también es destacado en el álbum), Doky utiliza tanto su producción como sus habilidades tocando el bajo. Un genuino y orgánico encuentro de los mundos que es posiblemente el álbum más europeo de Doky hasta el momento, dibujando pesadamente en su tradición escandinava de bajo.

Fuente para la reseña: http://www.allaboutjazz.com/php/musician.php?id=17632

Apunte: No hay baterista tracción a sangre en este disco. Las bases, están a cargo de “José Yamaha”. Bases programadas, ruiditos electrónicos, secuenciadores, samplers, etc, son la “base” que Chris Minh Doky arma inteligentemente para hacer cantar a su bajo. Porque su bajo realmente “canta”. Y algunas melodías que canta este bajo son muy buenas. Doky la rompe todo el tiempo. Y la rompen los invitados, en especial el gran Michael Brecker. Un disco muy pensado, de un sonido espectacular, con separadores “sónicos” entre los temas principales (Blogs), pero que a pesar de ser así, no deja de transmitir un sensual calorcito. Este disco se puede escuchar en repetidas oportunidades y no cansa. Para la dama y el caballero.

Track Listing

01. September (for Tanja) (6:35)
02. Last Call (5:03)
03. If I Run (4:50)
04. Blog : Tracking (0:35) Wrtitten-by – Mads Krog
05. Satellite (5:26)
06. Blog : Frida + Milo (1:26)
07. The Scanner (4:50)
08. Blog : Rise + Shine (1:43)
09. Life in The Mirror (6:02)
10. Where R U? (4:38)
11. I Skovens Dybe Stille Ro (4:48)
12. Blog : Noon (1:12)
13. Teen Town (4:59)
14. Blog : Display (0:33)

Artist List

Michael Brecker: Alto Saxophone (tracks: 3,10)
Chris Minh Doky: Bass (tracks: 1-14)
Mike Stern: Guitar (tracks: 2)
Jacob Christoffersen: Piano (tracks: 2)
Kasper Villaume: Piano (tracks: 5,11)
Ryuichi Sakamoto: Piano (tracks: 1)
Mads Krog: Programmed (tracks: 1,3,4,5,7,9,10,11)
Michael Parsberg: Programmed (tracks: 5,7)
Randy Brecker: Trumpet (tracks: 7)
Mads Krog: Written (tracks: 4)

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Cesare Picco
noviembre 29, 2010, 3:00 pm
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Light Line (2007)

Sobre el autor

Nacido en 1969, Cesare Picco es un compositor de piano multitalentoso e improvisador. Como autor de ballets clásicos, óperas y proyectos especiales, él ha estado actuando por todo el mundo desde 1986. En 1999 él escribió a “Il Viaggio di Hans” para la Arena di Verona. Desde el 2000, él ha compuesto tres ballets clásicos para Luciana Savignano, con quien él ha estado actuando desde 2007 en el Teatro La Scala di Milano.

Ha colaborado con artistas de todo el mundo, incluyendo a Giovanni Sollima, Yukimi Nagano, Markus Stockhausen, Taketo Gohara, y Andrea Bocelli. En 2007 él publicó “Back to Me”, una interpretación personal del 5° concierto de Bach del Brandenburgo realizado con los Berlin Chamber Soloists.

En 2009, él tocó en Italia en el estreno mundial de Blind Date – Concert in the Dark, un concierto de piano solo, en completa oscuridad. Él ahora lleva este concierto a Tokio en septiembre de 2010. Él presentó el álbum Piano Piano en noviembre de 2009.

Sobre el disco:

“El tiempo viaja en pasos diversos con personas diversas”. William Shakespeare

En las páginas de Wuz ya hemos hablado de Cesare Picco, partiendo de su sorprendente éxito japonés, en un artículo fechado el 3 de enero de 2007, al reparo de su espectáculo en el prestigioso local milanés Blue Note. Ahora lo hemos entrevistado y, como podréis leer, sus respuestas develan a un protagonista del mundo musical internacional extremadamente atento y abierto a cada ocasión creativa.

Más almas se esconden tras las notas de Light Line. Está la parte más romántica, (“The River” – una pista extraordinaria o “Whisper”, y ahora “Camelia”, uno de los pocos temas para piano sólo, y aquella más ritmada (“Bluewave”), hay blues y jazz, (“Un attimo”), y hay recuerdos “clásicos” (“Calma apparente”), hay Paolo Conde, (“Sambaista”) y Keith Jarrett, (“L’orologio”), y no falta una pizca de saudade, (“El hombre lobo”) – memorable también, retomado al cierre por piano sólo. Hay sonidos soft de la batería y las notas recalcadas, rigurosas del piano, a lo Bill Evans, su gran modelo. Un piano sonando con extraordinaria sencillez y limpieza.

Light Line, en efecto, es un álbum que al sentirlo al menos una vez en auriculares permite sonsacar de él los aspectos más escondidos y gozar pequeños efectos “ocultos”. Un álbum para escuchar en todos sus influjos, muchos y muy diferenciados entre ellos. Y Cesare Picco no niega que su trabajo padezca de varias inspiraciones y que no constituya un bloque uniforme, sino un conjunto fluido y armonioso: “En el álbum -nos ha dicho en la entrevista- he transmitido en particular sin otras ideas rítmicas referibles al jazz o a la música sudamericana, al igual que temas para piano solo de pura improvisación relacionados con la tradición clásica. Soy consciente de ser uno de aquellos músicos que no crean estilísticamente un álbum uniforme, (decimos monótono como a menudo ocurre…?), justo porque mi esfuerzo es poner mi estilo y mi visión sobre cualquier género o barrera estilística.”

La suya es la fuerza de la sencillez, pero no la que nace de la incapacidad de hacer algo complejo, sino la sencillez que proviene de la capacidad de síntesis y simplificación.

Fuentes para la reseña: Giulia Mozzato para http://www.wuz.it/recensione-disco/1134/cesare-picco-light-line.html ; http://www.arsmedia.com.sg/projects/the-lightness-and-poetry-of-cesare-picco-italy – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

01. L’orologio (7:03)
02. Un attimo (4:47)
03. Bluewave (7:19)
04. The river (5:27)
05. El hombre lobo (5:19)
06. Whisper (5:34)
07. Sambaista (studio live session) (4:48)
08. Camelia (5:36)
09. Un giorno con te (4:05)
10. Calma apparente (3:14)
11. Il tuo respiro (5:08)
12. El hombre lobo (piano solo version) (4:31)

Artist List

Cesare Picco: piano
Matteo Malavasi: double-bass
Nik Taccori: drums
Taketo Gohara: live electronics

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Hidden Orchestra
noviembre 11, 2010, 10:28 pm
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Night Walks (2010)

Anteriormente conocido como Joe Acheson Quartet, Hidden Orchestra combina a dos bateristas en vivo y profundas líneas de bajo con fuertes influencias del jazz y la música clásica, para una más cinematográfica, percusiva, emotiva, música de la próxima generación que usa la instrumentación tradicional y samples orgánicos. La banda puede ocupar un estrato musical propio, pero usted puede descubrir influencias tan diversas como Aphex Twin, Debussy, Xploding Plastix, Radiohead, Squarepusher, Madlib y Gene Krupa.

El álbum debut de Hidden Orchestra, Night Walks, muestra la enérgica originalidad con la que ellos emulan la música electrónica con medios acústicos. El álbum fue financiado por el Scottish Arts Council, y destaca una selección de distinguidos músicos escoceses de jazz/folk/clásico invitados. Está previsto su lanzamiento en el sello independiente establecido en Brighton, Tru Thoughts, en Septiembre.

La banda ha compartido escenario con The Bays, Bonobo, Jaga Jazzist, Aim, Red Snapper, y Gilles Peterson. Su maravillosamente trabajado y explosivo show en vivo, donde el cuarteto principal es aumentado con violoncelo y bronces, ha cimentado su reputación como uno de los únicos equipos en ascenso del Reino Unido.

Su genuino recurso de cruce de géneros puede ser visto al haber ganado la competición de “banda dominada por guitarra” para tocar en T in the Park 2008, al mismo tiempo que fue catalogada en la lista de los mayores artistas de jazz escoceses de todos los tiempos por la Radio Escocia.

La cinta se funda sobre la excepcional educación musical de Acheson y su carrera como compositor establecido, productor de música y documentalista, con créditos en numerosos films documentales y dramáticos de TV, abarcando desde la la B.B.C. a Radio 4 por 1Xtra.

“Una banda que usted no encontrará ni por casualidad en ninguna parte del mundo en este momento, una de las cosas más impresionantes que usted puede ver en vivo ” -B.B.C. Radio 1 DJ Vic Galloway. “Joe Acheson Quartet era formidable en la creación de capas de paisajes sonoros cimatográficos, que combinó junto a series de samples, construcciones progresivas y disipados breakbeats. Era una procesión orgánica maravillosamente esculpida de creaciones sumamente impresionantes de un cuarteto muy prometedor y ya esencial establecido en Edinburgo. -revisión de Three Weeks Magazine del Edinburgh International Jazz Festival de 2009.

“Hay una precisión metronómica así como un pulso muy humano en esta música, que parece diseñada para trabajar sobre niveles diferentes simultáneamente. Tanto bailable como atractivamente ambiental, las composiciones del bajista y con magia electrónica, Acheson dibujando una cornucopia de ingredientes”. -revisión de The Glasgow Herald del Triptych Festival.

” … dos baterías, un laptopper, Joe Acheson en el bajo y una serie impresionante de samples, discos, cables, perillas, y palancas, más un violinista y el violoncelista ambos suspendidos delante de su música, están de pie como si esto fuera el Usher Hall. La música resultante es seductora, psicodélica, exuberante, con un híbrido groove de tri-hop, perspicaz drum’n’bass, épicos paisajes sonoros, electrónica funky, cósmico zouk, espacial sintetizador melancólico, bailable tipo Ozric Tentacles, e impecable nu-clásico . Pero encima de todo, la música de Joe Acheson es maravillosamente cinematográfica y saca de los ideales del postrock la verdadera música que ellos deberían engendrar”.

Fuente para la reseña: http://www.parisdjs.com/index.php/post/Hidden-Orchestra-Night-Walks – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Antiphon (6:06)
02. Footsteps (3:48)
03. Dust (7:04)
04. Tired And Awake (5:31)
05. The Windfall (5:02)
06. Out Of Nowhere (5:09)
07. Wandering (4:33)
08. Stammer (6:28)
09. Strange (6:26)
10. Undergrowth (6:06)

Artist List

Joe Acheson: bass/samples
Poppy Ackroyd: keys/violin
Tim Lane: drums
Jamie Graham: drums

Featuring on album :

Su-a Lee: cello
Fraser Fifield: soprano sax/kaval/low whistles
Marcus Britton: French horn/trumpet
Phil Cardwell: trumpet

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Xaver Fischer Trio
septiembre 24, 2010, 10:30 pm
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Visit From A Goddess (2005)

En 1998 Xaver Fischer, uno de los sesionistas superiores de Alemania en teclados, fundó su primera propia banda con el bajista eléctrico Hannes Vesper y el baterista Eric Harings. El trío grabó su primer álbum en 1999 y realizó más de 300 conciertos en Europa desde entonces. Con el segundo álbum la banda entró en los primeros 20 del jazz alemán por primera vez. La prensa especializada llama al sonido del trío “nu-jazz” o “jazz electrónico”, aunque no se haya usado ningún secuenciador o sampler. La música es tocada en vivo tanto en el estudio como en el escenario, con batería y percusión, bajo y algunos teclados análogos.

Visit From A Goddess
es el título del nuevo álbum de Xaver Fischer Trio para UNIQUE. Tres músicos que siguen las premisas del menos es más. Los arreglos también están en el lugar adecuado, siempre dentro de los parámetros del jazz, pero también son sencillos y justo por ello, convincentes. Resumiendo: bello electro jazz que mimará tus sentidos.

Fuentes para la reseña: www.geometrikrecords.com , www.xaverfischertrio.de – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

01. Marchenvald (5:54)
02. Bahia (5:53)
03. Better times (4:42)
04. Coctail boogie (5:29)
05. Always on my mind (5:23)
06. Tumbao (5:29)
07. Rio negro (4:22)
08. Mombasa bossa (5:30)
09. Visit from a goddess (6:43)
10. Better times 1925 (2:02)

Artist List

Xaver Fischer: keyboards
Hannes Vesper: bass
Eric Harings: drums
Stu Grimshaw: vocals (3)

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