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Duski

tapa Duski
Duski (2017)

Aidan Thorne es uno de los mejores bajistas que emergen del sur de Gales, entre los que se incluyen Ashley John Long, Chris O’Connor y la estrella en ascenso Huw V Williams. He visto a Thorne tocar el contrabajo en una variedad de contextos, incluyendo actuaciones con el trombonista Gareth Roberts, los saxofonistas Ben Treacher y Martha Skilton. el baterista Ollie Howell y como parte de los grupos Burum, Coltrane Dedication y Slowly Rolling Camera. También ha acompañado a los músicos españoles Arturo Serra (vibes) y Juan Galiardo (piano) y ha grabado con Burum, Slowly Rolling Camera y Lacuna, el grupo del guitarrista Dan Messore.

Esta grabación debut de su grupo Duski representa la primera de Thorne como líder. El álbum presenta ocho composiciones originales del bajista, las melodías desarrolladas a través de un proceso de improvisación colectiva.

Duski comenzó en 2009 como un trío de jazz con Thorne junto al joven saxofonista tenor Greg Sterland y el incondicional de la escena del jazz galés Mark O ‘Connor a la batería. La banda ahora se ha expandido a cinco piezas con la adición del antiguo asociado Paul Jones en teclados y sintetizador (la pareja ha trabajado previamente en el trío Tryfan de Jones) y primero Tom Ollendorf y ahora Dan Messore en guitarra. Con Thorne especializándose en el bajo eléctrico de cinco cuerdas en esta banda, Jones manipulando tape loops y tocando una variedad de teclados y sintetizadores y Messore implementando una serie de pedales FX, Duski se ha transformado en un conjunto electroacústico que probablemente atraiga tanto a fanáticos de rock progresivo y alternativo como a seguidores del jazz de núcleo duro.

Hace dos años, en octubre de 2014, revisé una actuación de Duski, cuando presentaba a Ollendorff en la guitarra, en el Queens Head en Monmouth y firmé declarando “este es un grupo contemporáneo que toca música fresca y original que merece ser vista y escuchada”. Por lo tanto, es particularmente gratificante encontrar la música de Duski disponible en CD por fin.

El álbum comienza con la breve pero atmosférica “Intro”, una pieza brillante y poco estructurada que suena como si hubiera sido improvisada colectivamente. Fantasmales guitarra y teclados y amenazantes pulsos de bajo eléctrico forman el telón de fondo del inquietante silbido del saxo tenor de Sterland.

Varias de las piezas que el grupo interpretó en Monmouth han encontrado su camino en el álbum, incluida la episódica “Spare Part”, una especie de balada ambiental con Messore que proporciona el tipo de sonido de guitarra que no sonaría fuera de lugar en una grabación de Bill Frisell. Sterland es el otro solista destacado y contribuye con un saxo tenor maravillosamente encantador y conmovedor. Al igual que Frisell, Thorne, ha sido influenciado por otros aspectos de la cultura con la música y las películas de David Lynch como una fuente de inspiración particularmente importante. De hecho, la banda toca regularmente arreglos de canciones y temas de Twin Peaks en los conciertos, aunque sospecho que los problemas de derechos de autor pueden haber evitado que estos aparezcan en la grabación.

En el concierto de Monmouth, Thorne habitualmente introdujo sus composiciones como ‘canciones’ y es cierto que muchas de sus piezas poseen una calidad de canción. De hecho, muchos de sus temas son esencialmente muy simples, es la forma en que él y su banda los tratan lo que mantiene el interés del oyente. “Simple Song” es un ejemplo con sus flotantes grooves bass and drums y alegres melodías saxofónicas aliadas a un solo de Rhodes insidiosamente funky de Jones. Sterland es el otro solista destacado, mientras se estira melodiosamente innata en el tenor, mientras la consistentemente impresionante batería de O’Connor toca una tormenta detrás de él.

El breve “Interlude” es otra pieza que suena como si hubiera sido totalmente improvisada. El tenor de Sterland se asemeja vagamente a Garbarek sobre un fondo ambiente amenazante. Inquietante pero tentadoramente truncado, todo termina en poco más de un minuto.

En efecto, “Interlude” funciona como una especie de introducción a “Lakeside”, una de las piezas que la banda interpretó en el Queens Head. Presentado por Thorne en el bajo, esta fue otra melodía que exhibía una calidad de canción, algo encapsulada por las largas y altísimas líneas del melódico saxo tenor de Sterland, resaltadas por un retroceso vagamente inquietante de guitarras y teclados (incluidos los sonidos distintivos del sintetizador analógico MiniBrute de Jones) y un ritmo lento pero cada vez más insistente de bajo y batería.

La balada suavemente atmosférica “Two Hours Long” fue otra composición que apareció en Monmouth. Superficialmente bonita y con el sonido entrecortado del tenor de Sterland, la melodía se ve socavada silenciosamente por el sutilmente inquietante fondo ambiental. Aunque completamente instrumental, muchas de las canciones de Thorne poseen esa exquisita dinámica alegre / triste que distingue a gran parte del mejor indie rock.

Buscando una descripción adecuada de la música de Duski, me he referido regularmente a ella como “fusión inteligente”. Me gustaría pensar que “Another Simple Song” personifica esta descripción a medida que la banda sube los niveles de energía en una de las piezas más duras del disco. Largos solos de Sterland en el tenor, realmente extendiéndose por encima del excelente apoyo grupal. Jones lo sigue en el Rodhes y el influyente O’Connor también aparece con fuerza.

“Outro” cierra el álbum con otro fragmento de improvisación grupal de un minuto de duración, todo un saxo espeluznante, ruidos de graves de baja gama y electrónica de ruido blanco mientras Duski se dirige al espacio profundo.

Influenciado no solo por el jazz, sino también por el pop, el rock y las películas, Duski ha creado un sonido grupal distintivo, aunque un poco oscuro. Es refrescante ver una banda de “fusión” que se concentra en crear una atmósfera e intentar contar una historia, el enfoque en el color, la textura, la narrativa y el efecto emocional en lugar de una mera técnica instrumental y pura. El propio Thorne adopta un enfoque admirablemente sin ego de la música, ¡sin solos de bajo! – Pero no hay duda de que él es la fuerza impulsora y que es su concepto detrás de la identidad del grupo.

Si el álbum tiene un defecto es que es demasiado corto. Con tres breves episodios improvisados que puntúan la grabación, es justo decir que solo hay cinco composiciones completas. La actuación de Monmouth incluyó varias piezas más, totalmente agradables, además de las de David Lynch, que no han llegado al álbum, lo cual es una pena. En todos los demás aspectos, el debut de Duski es alto, en términos de reproducción, escritura y producción: el álbum fue grabado por el ingeniero Deri Roberts.

Y si alguien se pregunta sobre el nombre de la banda, Duski fue bautizado por el poeta Martin Daws, el Young People’s Laureate for Wales, que simplemente pensó que la música sonaba “dusky (oscura)”, tal vez no tan sorprendente, teniendo en cuenta la influencia de David Lynch / Twin Peaks.
También es un juego con la palabra galesa “Dysgu” que significa “aprender”, como en “Dysgu Cyfri”, una melodía del trombonista Gareth Roberts que significa “Aprender a contar”.

Fuente para la reseña: Ian Mann para https://www.thejazzmann.com/reviews/review/duski-duski

Apunte. Duski es una joven banda galesa y como joven, sin inhibiciones. De sonido melódico y atmosférico finamente elaborado, y tal como se repite en la reseña de Ian Mann, no reniega de ninguna fuente. Agradable fusión desde las islas, apta para una gran variedad de oidos.

Track Listing

1. Intro – Spare Part (9:48)
2. Simple Song (6:19)
3. Interlude (1:08)
4. Lakeside (6:20)
5. Two Hours Long (5:28)
6. Another Simple Song (7:48)
7. Outro (1:25)

Artist List

Greg Sterland: tenor saxophone
Dan Messore: guitar
Paul Jones: keyboards
Aidan Thorne: bass
Mark O’Connor: dums

Link de descarga
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Chris Lightcap

tapa Epicenter
Epicenter (2015)

Chris Lightcap es bajista de un bajista. Como acompañante de líderes como Regina Carter, Matt Wilson, Joe Morris, Marc Ribot y Craig Taborn, su cronometraje sólido como una roca puede ser bastante discreto. Es una especie de superpegamento firme que los líderes y compositores tienen en alta estima.

Como líder y compositor, hay otro Chris Lightcap. Epicenter, es su tercer lanzamiento de Bigmouth, después del quinteto “Deluxe” (Clean Feed, 2010) y un cuarteto “Bigmouth” (Fresh Sound New Talent, 2002). Él continúa mostrando su habilidad para esculpir música utilizando una línea de dos saxofones tenores. Grabando previamente con Tony Malaby y Bill McHenry , luego Malaby y Andrew D’Angelo, y ahora Malaby y Chris Cheek .

Las primeras siete pistas aquí, “Lost and Found: New York” fueron encargadas por la Chamber Music America New Jazz Works en 2011. La escritura de Lightcap se basa en la antigua vanguardia del jazz que no evitó el tempo y el pulso infeccioso. La canción de apertura “Nine South”, con Craig Taborn reiterando las notas de piano de Wurlitzer, teje un intrincado panel de sonido. Esa colcha, cada vez más cómoda, es una síntesis del groove absorbente establecido por el bajista y el baterista Gerald Cleaver y el ataque de los dos tenores. El sonido brusco de Malaby se yuxtapone al enfoque amigable de Cheek. La canción principal, un despegue de la antigua música de Ornette Coleman, aparece con energía y vigor. La música se derrama dulce y salada, con la sección de ritmo puesta a punto.

Con los teclados de Taborn, las opciones disponibles para Lightcap parecen infinitas. Puede tocar música nueva circular, crear una densa nube de sonido y alternar entre piano y órgano acústico y eléctrico. “Down East” es una composición impactante que es abono para que su banda ataque y “Stillwell” y “Stone By Stone” armonicen más suavemente entre sí. “All Tomorrow’s Parties” de Lou Reed, recuerda la majestuosidad de The Velvet Underground. Recordándonos cómo los pillos también pueden ser de la realeza.

Fuente para la reseña Mark Corroto para https://www.allaboutjazz.com/epicenter-chris-lightcaps-bigmouth-clean-feed-records-review-by-mark-corroto.php

Track listing – Epicenter

1. Nine South (7:33)
2. White Horse )2:13)
3. Epicenter (9:08)
4. Arthur Avenue (7:57)
5. Down East (2:45)
6. Stillwell (10:05)
7. Stone By Stone (8:01)
8. All Tomorrow’s Parties (5:50)

Artist List

Chris Lightcap: bass, acoustic guitar (track 2), organ (track 2)
Craig Taborn: piano, wurlitzer electric, organ (track 2)
Gerald Cleaver: drums, percussion
Chris Cheek, Tony Malaby: tenor saxophone

tapa Superette
Superette (2018)

Así como el bajista, compositor y director de orquesta Chris Lightcap a menudo había tocado los límites del jazz con composiciones y arreglos que a menudo iban en direcciones modernas, vanguardistas y de fusión, por lo general se las arreglaba para mantenerse atado a una sensibilidad post-bop. El supergrupo Bigmouth fue su vehículo para esa salida creativa de él y ese proyecto recientemente le ha cosechado algunos merecidos elogios. Pero con Superette, el jazz, así como su bajo acústico, es arrojado por la ventana para algo completamente diferente.

Para empezar, no esperarías encontrar un álbum de Lightcap y la primera canción que escuchas es una melodía de tres minutos que parece que podría haber venido de The Ventures (“Selector”), pero esa es solo la salva inicial para mostrar otros lados de Lightcap.

Lightcap armó un nuevo conjunto para su nueva aventura, uno con dos guitarristas, Curtis Hasselbring y Jonathan Goldberger, con Dan Rieser en la batería y el líder únicamente en el bajo eléctrico. Juntos, van a través de (en su mayoría) originales de Lightcap y Hasselbring, que incorporan elementos de surf, psy trance e incluso harmolodics.

A menudo evocando las tranquilos y psicodélicas jams de finales de los `60 tanto como la guitarra surf de Link Wray, pasando lentamente por pistas como “While You Were Out” y “Calling On Cars” toman su tiempo en el groove. Hasselbring y Goldberger involucran un poco de funky en “Frozen Bread” del primero, en un ritmo cerrado por Lightcap y Rieser. Con su banda Superette, una cosa que Lightcap transfiere de sus proyectos de jazz es su equilibrio entre la soltura y la concordancia: para “She Walked In”, él preparó difíciles líneas de plomo que toca al unísono con las guitarras y más tarde, con un solo de Wurlitzer. pero concluye compartiendo un patrón con Goldberger.

¿Mencioné que había un organista en esa canción? Bueno, sí: aproximadamente la mitad de las pistas están adornadas con el órgano invitado de John Medeski y/o una tercera guitarra de Nels Cline, dos personajes conocidos que se sienten cómodos en cualquier entorno imaginable. Los dos se escuchan juntos por primera vez en “Far Away Planet”, un sencillo riff de tres acordes con un ritmo atronador y una cacofonía de tres guitarras y órganos que participan de una jam total. Cline también se une a Hasselbring y Goldberger para un trance de Mali en “Djali” (transmitido arriba), donde la atracción son las líneas de plomo fuertemente entrelazadas con los rasgueos brillantes. Sin embargo, es difícil ignorar esa sección de ritmo de Lightcap / Rieser.

“Ace Of Spades” se ocupa de su negocio de la manera normal de otras canciones en este disco hasta que Cline interviene con un solo ondulante que lleva la canción a un final vertiginoso. Su contribución final se presenta en forma de un raro giro en la steel-guitar, en “Light Trails”, donde Medeski derrama una tajada conmovedora de Hammond B3.

El álbum concluye con la hermosa balada de Neil Young, “Bird”, usando las guitarras vibrantes de Hasselbring y Goldberger para descifrar más del aspecto country de la canción que solo estaba implícito en el original, y luego, sorprendentemente, Lightcap descorcha un bajo fuzz que sugiere el lado Crazy Horse de Young.

Al presentar su banda Superette, Chris Lightcap muestra que invierte una buena cantidad de arte serio en su trabajo, incluso cuando está haciendo música casual y divertida.

Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2018/08/30/chris-lightcap-superette-2018/

Track Listing – Superette

1. Selector (2:50)
2. Light Trail (5:47)
3. Far Away Planet (5:12)
4. While You Were Out (6:59)
1. Djyali (5:35)
2. Calling On Cars (6:56)
3. She Walked In (3:19)
4. Frozen Bread (4:49)

Artist List

Jonathan Goldberger: guitar
Curtis Hasselbring: guitar
Chris Lightcap: bass
Dan Rieser: drums
Special guests:
Nels Cline: guitar
John Medeski: organ

tapa SuperBigmouth
SuperBigmouth (2019)

Las dos bandas lideradas por Chris Lightcap, parecería en la superficie, no tienen mucho en común. Bigmouth, un asunto en gran parte acústico con Lightcap en contrabajo, Craig Taborn en piano y teclados, Tony Malaby y Chris Cheek dividiendo los deberes del saxofón tenor y la batería de Gerald Cleaver, ha estado dando vueltas por más de una década. El Superette, un cuarteto totalmente eléctrico, basado en el rock (Lightcap junto con dos guitarristas, Jonathan Goldberger y Curtis Hasselbring, con Dan Rieser a la batería), solo lanzó su álbum debut en 2018.

Probablemente no esperarías ver los dos combos en la misma factura, y mucho menos compartir un escenario, pero no eres Chris Lightcap. ¿Por qué no, reflexionaron el músico y el compositor , combinar las dos bandas en un octeto y ver qué pasa?

Lo que sucedió fue SuperBigmouth , un nuevo híbrido aventurero cuyo álbum debut homónimo fue lanzado en octubre por Pyroclastic Records.

“La idea de unir las dos bandas se me ocurrió casi inmediatamente después de que se me ocurrió Superette”, dice Lightcap por teléfono en la víspera del lanzamiento del álbum de ocho canciones. “Probablemente no fue la idea más práctica que he tenido: dos bateristas y dos saxofones tenor, dos guitarras, Craig y yo, una banda de ocho integrantes. Pero comencé a imaginar cómo sonaría, en particular Tony y Chris con saxofones tenor que interactúan con Curtis y Jonathan en las guitarras. Y luego, la primera vez que nos reunimos, superó mis expectativas. Me dio la voluntad de seguir haciéndolo más y seguir escribiendo música, y eso finalmente me llevó a la grabación”.

Lo más fascinante de SuperBigmouth es cómo está amalgamado -incluso mientras exhibe las melodías y armonías de pantalla ancha, improvisaciones emocionantes y giros inesperados que han caracterizado el trabajo anterior de Lightcap como líder- suena como ninguna de las dos entidades separadas. Lightcap dice que las dos-bandas-en-una, rápidamente se tomaron una a otra durante un par de conciertos que tocaron antes de la sesión de grabación que produjo el álbum.

“Escribí con un cierto sonido en mente”, dice, “y luego aportaron su propia personalidad. Y la forma en que se desviaba de mi imaginación fue que era simplemente mejor. Nunca fue como, Oh hombre, eso no es lo que estoy buscando. ‘Me gusta abrazar el desorden de la misma.”

Al componer para el proyecto, Lightcap consideró las tendencias y estilos específicos de los músicos individuales (excepto los bateristas; quería que descubrieran los ritmos en tándem por su cuenta). La escritura fue influenciada inicialmente por su reciente inmersión en su colección clásica de vinilos, “secciones un poco más extendidas, un poco más contrapunto de lo que normalmente escribo”. Algunos materiales “terminaron siendo mucho más estrictos en su construcción, y otras cosas son aún más estrictas porque quería que fuera mucho más un vehículo para piezas más libres, más orientadas a la improvisación grupal”.

Mucha confianza fue en la dirección que la música finalmente tomó. Varios de los músicos tocan en las bandas de los demás, pero otros, en particular los dos bateristas, nunca habían tocado juntos antes. “Nadie trae ningún tipo de agenda”, dice Lightcap. “Mis dos bandas se basan en la idea de que la música sirve a la banda, y realmente escucho más puntos en común que diferencias. Todos estamos tratando de hacerlo funcionar. Es un arreglo bastante excelente”.

Para Lightcap, tanto SuperBigmouth como las dos bandas por sí mismas, ofrecen oportunidades para explorar los diversos aspectos de su propia personalidad musical. Como colaborador y acompañante con más de dos décadas de experiencia, ha contribuido con el trabajo de bajo —principalmente contrabajo, pero virando cada vez más hacia la electricidad en los últimos años— a grabaciones y conjuntos en vivo dirigidos, entre otros, por Matt Wilson, Taborn, Nels Cline y Regina Carter, la violinista que describe simplemente como “increíble”.

“No tomo ese tipo de relaciones por sentado”, dice. “Disfruto poder ir a diferentes zonas de forma sonora. Me gusta tener esa flexibilidad”.

Sin embargo, para aquellos que conocían a Lightcap solo como contrabajista, la aparición del más agresivo Superette puede haber sido una sorpresa. Le tomó un tiempo, y un período marcado por visitas a la música en la que creció (The Beatles, The Band, James Brown), antes de que pudiera calentar lo suficiente con el bajo eléctrico como para ponerse uno. Luego, dice: “Pensé, ‘¡Dios mío, esto es genial! Este es el sonido de bajo al que respondo. Fue algo muy gradual porque tenía una carrera establecida como contrabajista. Entonces, de vez en cuando, alguien me llamaba para tocar con un cantante / compositor y le decía: ‘Oh, ¿puedo tocar eléctrico en este?’

Ahora, habiendo abierto otra avenida con SuperBigmouth, Lightcap dice que solo quiere “ver qué pasa después”. Tengo un par de ideas diferentes, pero todavía no estoy seguro de cuáles serán”.

Fuente para la reseña: Jeff Tamarkin para https://jazztimes.com/features/profiles/chris-lightcap-two-become-one/

Track listing – SuperBigmouth

1. Through Birds, Through Fire (5:52)
2. Zero Point Five (8:53)
3. Queenside (5:17)
4. False Equivalency (4:07)
5. Deep River (8:38)
6. Nothing If Not (6:05)
7. Quinine (5:32)
8. Sanctuary City (3:48)

Artist List

Craig Taborn: organ, piano, wurlitzer
Tony Malaby: tenor saxophone (solo: Queenside)
Chris Cheek: tenor saxophone (solo: Deep River)
Jonathan Goldberger: guitar (solo: Queenside)
Curtis Hasselbring: guitar (solo: Quinine)
Chris Lightcap: bass
Gerald Cleaver: drums
Dan Rieser: drums

Apunte: Epicenter es el tributo de Lightcap a Nueva York, su ciudad adoptiva. La maestría de Lightcap se manifiesta en que el desarrollo de su poesía jazzera, compuesta de vanguardia y accesibilidad, contiene de manera orgánica a esas fuerzas de la naturaleza que son sus saxofonistas, en especial Malaby. Superette es un asunto de dos guitarras y ritmos tomando al surf rock como vehículo, y al igual que Epicenter, se propone (y lo logra) sincronizar el pasado y el presente con el pop y el jazz. La mezcla resultante es tremendamente entretenida. SuperBigmouth es toda una experiencia auditiva, a un buen volumen, ya sea con auriculares o no, resulta embriagadora para los sentidos y admirable por como este octeto sostiene casi cincuenta minutos de acción instrumental tan densa como fluida y de fuerte inspiración colectiva. Tres obras estupendas, extremadamente recomendables!

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Shai Maestro Trio

tapa The Stone Skipper
The Stone Skipper (2016)

Con The Stone Skipper, que se lanzó hoy (11 de Noviembre de 2016), ¡Shai Maestro y sus cómplices Jorge Roeder y Ziv Ravitz firman una pura maravilla! Jugando con las fronteras de lo que comúnmente se llama jazz, el trío del pianista israelí ya no duda en aventurarse en otros territorios, casándose con elegantes teclados electrónicas y la aparición de voces en ósmosis con su universo único. Desde su debut en trío en 2011, la trayectoria musical de este “maestro” llamado acertadamente, parece acompañar la búsqueda de una humanidad plena y completa. Grabado en Nilento en medio del campo sueco, The Stone Skipper, el cuarto álbum de un trío más unido que nunca, está construido como una historia que se desarrolla y se basa en un motivo musical central, el hilo conductor común de una impresionante unidad bíblica que conecta las piezas. “Este álbum es, con mucho, el más personal que hemos hecho. No intentamos tocar virtuosos en nuestros instrumentos, sino ponernos al servicio de esta historia lo mejor posible». Un disco que acoge cuatro voces habitadas y cautivadoras. Las de Gretchen Parlato, Theo Bleckmann , Neli y Kalina Andreeva, como cuatro respiraciones que nunca tienen prioridad sobre la narrativa musical que mezcla instrumentos acústicos y electrónicos. A la llegada, con The Stone Skipper, Shai Maestro y sus cómplices acaban de cruzar un nuevo rumbo, indudablemente humano, ciertamente artístico.

Fuente para la reseña: Max Dembo para https://www.qobuz.com/fr-fr/info/Actualites/Video-du-jour/Shai-Maestro-le-bien-nomme178751

Track Listing – The Stone Skipper

01. A Man, Morning, Street, Rain (2:17)
02. Without Words (2:31)
03. From One Soul To Another (5:21)
04. Pearl (1:09)
05. Stop Motion (4:50)
06. Kunda Kuchka (4:34)
07. The Stone Skipper (5:12)
08. Mirrors (2:24)
09. The Message (3:33)
10. Spirit (For Anat) (4:07)
11. It’s Your Blessing And Your Curse (2:00)
12. Water Colors (6:47)
13. Rain, Morning, A Man, Street (4:23)
14. The One You Seek Is You (4:03)
15. Epilogue (3:21)
16. Luiza (3:26)

Artist List

Jorge Roeder: bass, effects
Ziv Ravitz: drums, effects
Shai Maestro: piano, keyboards, percussion
Gretchen Parlato: voice (tracks: 2, 14)
Kalina Andreeva: voice (track: 6)
Mika Ravitz: voice (track: 9)
Neli Andreeva: voice (track: 6)
Theo Bleckmann: voice (track: 6)

2616 X
The Dream Thief (2018)

Como sé por experiencia personal, ciertos apellidos provocan un sentido irónico de expectativa. Cualquier pianista llamado “Maestro” seguramente necesita estar doblemente cómodo con su arte, y afortunadamente, este joven y talentoso israelí-estadounidense siempre ha echado luz sobre su potencial peso muerto. Regular en la banda del bajista Avishai Cohen entre 2006 y 2011, también brilló en el cuarteto del baterista Mark Guiliana y continúa liderando uno de los tríos de piano más emocionantes de los últimos años.

El debut de Maestro en ECM se produjo en el lanzamiento de Theo Bleckmann en 2017, “Elegy” , y en ese momento esperaba que pudiera abrir la puerta a una carrera en solitario en el prestigioso sello. Encaja perfectamente con las acciones de Eicher, y su búsqueda de lirismo y el gran regalo de narrador se sienten instantáneamente en casa en este impresionante conjunto de material nuevo, en gran parte original.

Según los informes, en el preciado Auditorio Stelio Molo RSI de Lugano, Maestro tenía la opción de elegir dos pianos Steinway D, y después de algunas deliberaciones seleccionó el instrumento con el tono ligeramente más oscuro. Revela un nuevo trío en el que el bajista peruano Jorge Roeder se une al baterista Ofri Nehemya, quien reemplaza al notable Ziv Ravitz. Mientras que la partida de Ravitz podría ser vista por algunos como una pérdida bastante significativa, el enfoque algo más conservador de Nehemya se adapta bien al programa.

Comenzando con una breve actuación en solitario de “My Second Childhood” del cantante israelí Matti Caspi, el álbum comienza de manera adecuadamente melancólica y romántica. Nehemya hace su entrada en “The Forgotten Village”, preparando una flota y un solo devastadoramente eficaz a lo LaFaro de Roeder que trabaja inteligentemente contra la corriente. “The Dream Thief” es un poco menos nebuloso en su forma, con el trío manejando hábilmente numerosos cambios entre pasajes libres y rítmicos. “A Moon’s Tale” y “Lifeline” restauran la fuerte narrativa cinematográfica del disco, mientras que el baile de “New River, New Water” proporciona la música más amigable para la radio del set.

Tal vez guardando sus mayores sorpresas hasta el final, Maestro deconstruye radicalmente “These Foolish Things” , mientras fragmentos de la poderosa oratoria de Barack Obama sobre el tema aparentemente insoluble del control de armas de EE.UU. están entretejidos en la conmovedora pregunta retórica, “What Else Needs To Happen”(¿Qué más necesita suceder?), una interrupción sombría en el ensueño de Maestro, pero que sin embargo muestra el amplio rango emocional dentro de la música muy accesible y marcadamente humana del trío.

Fuente para la reseña: Fred Grand para https://jazzjournal.co.uk/2019/03/08/shai-maestro-trio-the-dream-thief/

Track Listing – The Dream Thief

1. My Second Childhood (4:39)
2. The Forgotten Village (6:21)
3. The Dream Thief (8:29)
4. A Moon’s Tale (2:36)
5. Lifeline (3:54)
6. Choral (3:50)
7. New River, New Water (6:59)
8. These Foolish Things (Remind Me Of You) (4:24)
9. What Else Needs To Happen (7:08)

Artist List

Jorge Roeder: double bass
Ofri Nehemya: drums
Shai Maestro: piano

Apunte: Como parte de una generación de músicos jóvenes israelíes que ya cuenta con un reconocimiento internacional, el pianista Shai Maestro se destaca por su técnica y conocimiento de la armonía pero además, y tal vez lo más importante, por tener una gran fuerza narrativa, sensibilidad y musicalidad. El estado mental de ambos tríos transmite una sofisticación que no es altanera, sino más bien amable, expresando por igual espontaneidad y mecanismos grupales cuidadosamente practicados a lo largo de años. Muy recomendables.

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João Barradas

tapa Home - An End as a New Beginning
An End as a New Beginning (2017)

Después de un recorrido por varias etapas para despertar su apetito, he aquí que, a fines de esta semana, sale el tan esperado álbum del grupo Home de João Barradas, aún a raíz del primer y excelente título del acordeonista portugués en nombre propio, “Directions”. Lo que viene en An End as a New Beginning es sustancialmente diferente de ese álbum, aunque dentro de los parámetros a los que el joven músico ya nos ha acostumbrado. Y diferente, para empezar, debido a la instrumentación elegida: un acordeón MIDI que suena como un piano eléctrico Fender Rhodes y como un sintetizador (un MiniMoog, al parecer, en la pista del título y en “Between Myself and I”), dos guitarras eléctricas (Mané Fernandes y Gonçalo Neto), vibráfono (Eduardo Cardinho), bajo eléctrico (Ricardo Marques) y batería (Guilherme Melo).

Igualmente importante para la identidad misma del proyecto es el tipo de materiales utilizados, lo que resulta en un jazz eléctrico con una fuerte presencia de rock, pop (la melodía de la balada instrumental “The Human Journey in Search of Meaning” es una de las más bellas que surgió en Portugal en los últimos años) y músicas de danzas urbanas. De hecho, a partir de este último componente, vendrá el carácter “rebotador” de la mayoría de las composiciones, aunque con una similitud en los tratamientos rítmicos que las hacen parecer variaciones de la misma fórmula: el procedimiento da unidad al CD, pero también lo convierte en algo repetitivo. “Interlude”, con Barradas como solista, escapa a esa fórmula y es otra joya que podemos aquí encontrar. Si apareciera más adelante en la alineación (es el tercer tema) nos permitiría recuperar el aliento cuando más lo necesitamos, pero probablemente la intención es estar en un estado de “alta” permanente. Además del notable trabajo del líder, destacamos algunos magníficos solos de sus socios, como “I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me” de Cardinho, y “Openings and Closings”, de Neto en la ya referida “The Human Journey …” y de Fernandes en “Homesick”, con su procesamiento de guitarra inmediatamente reconocible. Pues aquí hay algo que merece nuestro aplauso.

Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2017/10/02/joao-barradas-home-end-new-beginning-nischo-inner-circle-music/

Track Listing – An End as a New Beginning

1. Aurora (7:15)
2. The Human Journey in Search of Meaning (6:28)
3. Interlude I (3:47)
4. I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me (7:36)
5. Homesick (7:24)
6. Openings and Closings (8:40)
7. An End as a New Beginning (6:54)
8. Between Myself and I (4:03)

Artist List

João Barradas: acordeão MIDI
Mané Fernandes: guitarra
Eduardo Cardinho: vibrafone
Gonçalo Neto guitarra
Ricardo Marques: baixo
Guilherme Melo: bateria

tapa Portrait
Portrait (2020)

De João Barradas estamos acostumbrados a esperar lo mejor. Pero también que cada nuevo título tuyo nos ofrezca algo que no estaba en el anterior. Este es el caso de este Portrait y es de esperar que este sea también el caso de otro álbum con el nombre del acordeonista y compositor portugués que se prometió para estos días, “Solo I”. Incluso por las características ya anunciadas, ya que es un solo absoluto y totalmente improvisado. Lo que es evidente es que tales resultados no se derivan solo de un deseo de variedad: Barradas se ha embarcado en una misión de búsqueda e investigación que, continuando como antes, lo llevará a él y a nosotros con él, a logros que sin duda serán notables.

Es cierto que en Portrait encontramos un gusto por los ritmos compuestos y la reorganización de la interpretación implicada por la presencia de un vibráfono (en el sentido de que es necesario hacer que se escuche cuando hay niveles más altos de intensidad) que ya estaba en “An End as a New Beginning”, con el grupo Home, pero el enfoque es totalmente diferente. Esta vez, hay menos presencia de escritura, dejando todo abierto en términos de interpretación y más espacio para la improvisación, ya sea colectiva como individual y solista. Esta vez también, el factor “groove” está menos definido y más sujeto a mutaciones. Está allí y se impone, pero en lugar de circunscribirse se expande y conduce a otros lugares, otras posibilidades.

Para este nuevo disco, Barradas utilizó los servicios de Mark Turner en el saxofón tenor que aparece en cuatro de los temas, del vibrafonista Simon Moullier (excelente combinación de este con el acordeón MIDI para actuar como Fender Rhodes), de Luca Alemanno en el bajo y Naíma Acuña a la batería. De la interacción de estos músicos surge un jazz contemporáneo muy influenciado por el rock y otras tendencias urbanas de nuestro tiempo (atención a los “beats” de la baterista), pero en una versión “canalla” que contrasta con la limpieza y el virtuosismo de los oficios de los Home. El ingenio performativo y el desinterés en cuestión son, además, la medida de la vitalidad musical alcanzada, muy equivalente a la de una actuación en vivo en la que lo que importa es la comunicación con el público y no una idea ilusoria de la perfección.

Incluso escuchamos sonidos accidentales, por ejemplo, respiración, ruidos de manipulación instrumental, que generalmente se eliminan de una grabación de estudio. La misma circunstancia de que las piezas no están “envueltas” y trabajadas en términos de postproducción, terminando sin una resolución de composición real, le da al conjunto una fluidez muy cautivadora y ese tipo de humanidad que la tecnología musical ha ido diluyendo a lo largo de su evolución. Con este Portrait finalmente podemos decir que João Barradas se ha convertido en uno de los músicos creativos más importantes del jazz actual, y no solo con respecto al territorio nacional. Es difícil imaginar lo que hará en unos 10 años, solo que será algo grande.

Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/16/joao-barradas-portrait-nischo-inner-circle-music/

Track Listing – Portrait

01. Care (Feat. Mark Turner) (4:22)
02. Resilience (7:03)
03. Changes (6:35)
04. Common Good (5:56)
05. AMFM (5:18)
06. Episode (Naíma’s Intro) (1:31)
07. Episode XII (Drums Chant) (Feat. Mark Turner) (2:49)
08. Inner Circle (7:47)
09. Joy Ryder (Feat. Mark Turner) (3:09)
10. The Order of Things (Feat. Mark Turner) (8:33)

Artist List

João Barradas: Accordion, Synth Accordion, Voice and Composition
Mark Turner: Tenor Saxophone
Simon Moullier: Vibraphone
Luca Alemanno: Doublebass
Naíma Acuña: Drums

Apunte: Para contextualizar, João Barradas es un acordeonista y compositor nacido en Porto Alto, Ribatejo, Portugal, en 1992 (ahora con 28 años); ha sido galardonado con múltiples premios, e influenciado por el jazz y la música de fusión. Después de investigar y estudiar la historia básica del acordeón, Piazzolla y el nuevo tango, pasando por el árbol etimológico de los acordeonistas estadounidenses, Johnny Meijer en Europa y todos los acordeonistas de música antigua, moderna y clásica, João comenzó a darse cuenta que la música que escuchó en su cabeza no coincidía con todos estos ejemplos y estaba más cerca de las personas que había descubierto en YouTube y que, de hecho, no tenía nada que ver con el acordeón. Gente como Herbie Hancock, Lester Young, Brandford Marsalis, Ahmad Jamal, Steve Coleman o Jack DeJohnette; personas que no son consistentes con la imagen del sombrero y el bigote que saben asociarse inmediatamente con el instrumento en Portugal. Para cerrar: no es casual que haya grabado con el sello Inner Circle Music, propiedad de Greg Osby. La aparición de Barradas nos genera un entusiasmo similar al que tuvimos cuando descubrimos a Vincent Peirani. No más palabras, que suene la música!

Password en ambos casos: presoventanilla



SLUGish Ensemble

tapa SLUGish Ensemble
An Eight Out Of Nine (2018)

Slow & Steady Records anuncia el lanzamiento del álbum debut de SLUGish Ensemble, An Eight Out Of Nine. Buscando la terapia musical como una relación que estaba llegando a su fin, el líder de SLUGish, Steven Lugerner, volvió a visitar una selección de grabaciones nostálgicas de muchos de sus artistas favoritos. “Comencé a hacer una lista de canciones que me arrancaban el corazón, mi alma y mis oídos”, escribe Lugerner. “La colección de canciones que escuchas en este álbum son todas las canciones que se han incorporado profundamente en mi espíritu musical”.

Lugerner también quería explorar la organización de un repertorio “no-jazz” para un conjunto completamente instrumental, con raíces de jazz como con SLUGish. Lugerner tomó prestada una técnica de composición de Dave Longstreth de Dirty Projectors, donde uno recrea de memoria una canción, después de un largo período de tiempo sin escucharla. Esta es la base de An Eight Out Of Nine, en la que Lugerner volvió a la misma pregunta una y otra vez: “¿Qué significa crear y componer algo que es humilde, que podría quedar atrapado en tu oído y obligarte a sentarte con él, incluso contra tu voluntad a veces?”

An Eight Out of Nine se registró en tres fases. En mayo de 2017, el bajista Todd Sickafoose (quien también coprodujo el álbum), la baterista Allison Miller (que estuvo en las actuaciones inaugurales de SLUGish en 2015) y la pianista Carmen Staaf se unieron a Lugerner en Fantasy Estudios en Berkeley, CA para grabar la capa fundamental de la música. Para la segunda fase, Lugerner se aisló en la cabaña de su familia en Arnold, California, y registró todas las sobregrabaciones de vientos de madera, incluidos el clarinete bajo, flauta y saxofones. La tercera fase invitó a los colaboradores regulares de Lugerner para hacer overdubs adicionales: el trombonista Danny Lubin-Laden (Monophonics, Brass Magic), el trompetista Max Miller-Loran (Invisible Inc., Watsky, Brass Magic), el vibrafonista Mark Clifford (Dirty Snacks Ensemble), la celista Crystal Pascucci, el guitarrista Justin Rock (Bastet, Never Weather) y el saxofonista tenor Daniel Rotem (Herbie Hancock, Usher). “Quería a propósito producir el álbum de una manera que rozara el proceso establecido de muchas grabaciones de jazz. Quería alejarme de las limitaciones que acompañaban a la grabación de un conjunto de este tamaño en una sala en vivo. En última instancia, este es mi intento sonoro de acercarme a la realización del ‘sonido’ que he estado imaginando en mi cabeza desde que empecé a componer y arreglar música”.

A pesar de ser reconocido en primer lugar como un saxofonista alto, An Eight Out Of Nine encuentra a Steven Lugerner explorando el registro más bajo de las vientos, específicamente el clarinete bajo y el saxofón barítono, que “me hablan en un nivel más primordial”, dice Lugerner. “Me siento más conectado con la voz humana”. De hecho, las melodías de los covers de este documento se cantan a través de estos caños bajos que Lugerner toca en todo el álbum.

“De vez en cuando, la magia musical se produce cuando un líder de banda se convierte en productor. Puede ser curador en el más alto nivel. Steven Lugerner ha demostrado que esto es cierto con su nuevo lanzamiento de SLUGish Ensemble. Ha creado un álbum que irradia intención, emoción, madurez compositiva y un uso magistral de la dinámica y el espacio”. – Allison Miller

Apunte: An Eight Out of Nine es un conjunto magistral de melodías que demuestra cómo la relación especial de un artista con las canciones, cualquier conjunto de canciones, incluido el indie rock reciente, puede convertirse en un catalizador para notables interpolaciones de jazz. Sin ahogar las melodías que fueron el objeto de recreación, esta joya sonora, de marcado lirismo, está llena de detalles y desvíos encantadores que difuminan las líneas entre el pop, el rhythm & blues, el jazz, la improvisación y el minimalismo. Uno de mis discos del último año, sin lugar a dudas.

Fuente para la reseña: https://www.broadwayworld.com/bwwmusic/article/Steven-Lugerners-Slow-Steady-Records-Announces-Release-of-SLUGish-Ensembles-An-Eight-Out-of-Nine-20180829

Track Listing

1. The Tower (7:52)
2. Be Brave (feat. Daniel Rotem) (5:53)
3. An Eight out of Nine (6:39)
4. Prisoners (6:30)
5. Red, Like Roses (7:52)
6. Looking at the Sun (4:56)
7. Bluebird (6:18)

Artist List

Steven Lugerner: Bass Clarinet, Baritone Saxophone, Bb Clarinet, Flute & Alto Flute
Carmen Staaf: Piano, Fender Rhodes, Wurlitzer
Todd Sickafoose: Acoustic Bass
Allison Miller: Drumset
Justin Rock: Electric and Acoustic Guitar
Danny Lubin-Laden: Trombone
Max Miller-Loran: Trumpet
Mark Clifford: Vibraphone
Crystal Pascucci: Cello
Daniel Rotem: Tenor Saxophone (soloist on “Be Brave”)

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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Bryan and the Aardvarks
abril 26, 2017, 11:33 pm
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tapa Heroes Of Make Believe
Heroes of Make Believe (2011)

El opus de Bryan Copeland, con cuatro años de preparación, documenta su tiempo en Nueva York, expresado como una serie de arrullos, preludios a sueños… aquellos que simbolizan nuestros ideales y objetivos, pero también el tipo que se manifiesta en un estado de pacífico sueño. Heroes of Make Believe, interpretado por su cuarteto Bryan & the Aardvarks, encuentra un terreno intermedio entre el jazz moderno y compases indie-pop que construye grandes mundos en las diminutas esquinas ambientales aisladas del universo de música.

Lo que esto significa es que estas son canciones que son melódicamente difusas y sus reflejos de gruesas capas de armonías y ritmos susurrantes, brillan tanto como las más hermosas estrellas en el cielo.

Un tercio de las pistas son improvisadas, que sólo sirven para poner más énfasis en la fuerza de la conexión entre los miembros del cuarteto, porque hay muy poco para diferenciar estas melodías de aquellas construidas sobre las composiciones. Todos ellos están conectados a la misma visión creativa. Una canción como “When Night Falls” tiene la misma deriva rítmica y resplandeciente belleza melódica como la suave balada “Soft Starry Night”.

Fabian Almazan es experto en utilizar tres sets de teclados de gran uso. “These Little Hours” tiene a Almazan lanzando cálidas notas en sintetizadores al aire, sacudido por las vibraciones de Dingman. Añadiendo algún piano, Almazan da la definición a sonidos brillantes. En “Where the Wind Blows” se destaca la elevación del piano de Almazan que lleva la canción a las más altas elevaciones. Y en “Still I Dream” se destacan las líneas deslizantes de Almazan en el Fender Rhodes.

El trabajo de Chris Dingman en vibraciones es la contribución más evidente a la presencia de ensueño de la música. En “Sunshine Through the Clouds”, las vibraciones centellean como estrellas, mientras el arco en el bajo de Copeland arco es tan grueso como la luz de la luna lo suficientemente densa como para ser agarrada. Copeland utiliza el arco para un fuerte efecto, también, en “Today Means Everything”, balanceando una vivaz cadencia con algunos bien ubicados cambios de humor.

Los sintetizadores de Almazan añaden un poco de florecer dramático a canciones como “When Night Falls” and “Still I Dream”, un armónico clarín que hace sonar a la canción como deshaciéndose en jirones, incapaz de contener toda esa belleza armónica. Dingman anda sin rodeos por centro de esta niebla armónica con notas pacientemente expresadas, como si perfilara el área en el espacio donde la melodía existe, y creando un camino para el oyente para que este lo siga.

Hay un puñado de interludios diseminados por todo el álbum. Estos representan la mayoría de los aspectos improvisacionales para este álbum, y parece ser pequeños clips de aquellas conversaciones, añadidas como breves transiciones armónicas entre canciones. Por sí solos, no serían particularmente especiales, pero como parte del flujo temático del álbum, proporcionan un impulso de sustancia embriagadora, lavados armónicos que sirven para mejorar las posteriores melodías, y darles un poco de gravedad.

El álbum termina con la animada “I’d Be Lost”, que echa algo de polvo entre las grandes declaraciones. Almazan y Dingman disparan algunas líneas impresionantes, pero el sencillo enfoque del tempo de Joe Nero proporciona a la canción su carácter eminentemente atractivo, con el contraste entre las rápidas entregas y un paseo casual.

Es una agradablemente animada despedida para un álbum que pasa la mayoría de su tiempo vagando, y esto acentúa la delicada belleza de la música mostrando cierta dureza.

Un álbum genuinamente hermoso. De la clase que es fácil escuchar muchas veces.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/bryan-the-aardvarks-heroes-of-make-believe/

Apunte: Bryan Copeland declara en su site de Bandcamp: “Heroes of Make Believe es una colección de canciones que he compuesto durante los 4 años pasados desde mi traslado a Nueva York. La música representa una culminación de mis experiencias de vida e influencias hasta hoy. El concepto del álbum comenzó con la composición de “Sunshine Through the Clouds” como un réquiem para mi difunto amigo Daniel Gilmer. Cada pieza en el álbum tiene un significado especial para mí y es una expresión de momentos muy importantes en mi vida. Cada canción es una encarnación del insoportable dolor, inmensa alegría, y todo lo que hay entre ellos, que he experimentado en toda mi vida.” Podemos agregar, que el álbum tiene una rara belleza que se sustenta en preciosas melodías indies, realzadas por el increíble brillo, calidez y cercanía que proporcionan el talentoso tándem compuesto por Fabian Almazan y Chris Dingman. Excelente obra. Muy disfrutable!

Track Listing

01. These Little Hours (7:20)
02. Where the Wind Blows (9:15)
03. Sunshine Through the Clouds (7:03)
04. When Night Falls (4:20)
05. Marmalade Sky (9:41)
06. Soft Starry Night (7:47)
07. Mysteria (0:45)
08. Still I Dream (6:45)
09. Insomnia (0:53)
10. Today Means Everything (6:57)
11. Just Before Dawn (1:29)
12. I’d Be Lost (7:27)

Artist List

Bryan Copeland: Bass
Fabian Almazan: Fender Rhodes/Piano/Synth
Chris Dingman: Vibes/Glockenspiel
Joe Nero: Drums

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Robin Buyer Sextet
abril 24, 2017, 11:16 pm
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tapa Leave
Leave (2016)

Para ser el supuesto animal de juerga entre los géneros presentes en “A Closer Listen”[1], el post-rock no ha sido exactamente un invitado muy animado hasta ahora este año. Afortunadamente, los novatos del Robin Buyer Sextet han llegado trayendo los proverbiales barrilitos de cerveza y bandejas de DJ para despertarnos de nuestra socialización demasiado civilizada. Los Amigos Británicos tienen una persuasión inclusiva: ignoren el desagradable momento de llamar a un disco Leave (“Partan” o “Váyanse”) y sumérjanse en una fusión catártica y alegre de math-rock, jazz y pop que sin duda será recordada como una de las mejores del 2016 en su género.

Nuestro Rich mencionó a “Shelter” en su artículo “10 temas para empezar tu verano”[2] y la exuberancia, elasticidad y variedad rítmica exhibidos en ese tema, se mantiene a través de las siete pistas, que encajan prolijamente en media hora. A pesar de ser un disco debut para el colectivo de Brooklyn, su fundador y principal compositor Robin Buyer tiene experiencia tanto académica como en otras bandas, habiendo estudiado ejecución de bajo y etnomusicología en la universidad, así como formado parte de un grupo de Gamelanes[3]. Que esto no los confunda, Leave es un disco de sonoridad completamente occidental, basado en un post-rock fundado en lo rítmico (el groove). Lo que lo distingue es su matrimonio de ritmos intrépidos y melodías contagiosas, enriquecidos por una abundante diversidad de instrumentos.

Cada uno de esos instrumentos contribuye significativamente, aunque sin oscurecer a otro -un triunfo tanto de la composición como de la producción. Cada uno conoce su lugar y propósito: la guitarra y las teclas en el centro, suavizando los abruptos cambios rítmicos del bajo y la batería de un lado y, del otro, sosteniendo las melodías que fluyen del violín y el saxo. La variedad e inteligencia de su talento para la música intensamente melódica nos trae a la mente performances como las de los noruegos Jaga Jazzist y The Samuel Jackson Five, pero hay una mayor urgencia en el Robin Buyer Sextet, que está generada por lo ajustado de las composiciones que se desarrollan rápidamente. El segundo tema, “Leave”, uno de los puntos altos del disco, se desparrama con dinámicas y climas, corriendo a través de secciones lideradas por el saxo y la guitarra que son interrumpidas por crescendos tajantes y abruptos con una batería penetrante. Es un comienzo impresionante y el disco entero en adelante apenas se suaviza.

Mucho del estilo math-rock puede eventualmente insistir con tempos y tonos repetitivos. Leave nunca siquiera reconoce tal amenaza, con tantos temas empleando cambios abruptos aunque coherentes, y distinguiéndose al inclinarse a distintos instrumentos. La primera mitad de “Dusked”, dominada por el bajo y la percusión melódica (mallets) crea un inequívoco clima de sala de jazz; para el cuarto minuto se ha transformado en una construcción oceánica de ritmos abruptos, acordes palpitantes y voces expansivas – cuya intensidad aumenta por el control rígido que impone la sección rítmica, aún mientras se apagan los acordes finales. Las acrobacias de la guitarra sobre el ritmo a medio tempo de “Shelter” son suficientes para poner a mover las caderas, pero sólo los más intrépidos bailarines podrían atravesar el final del tema – una clase maestra que se roba el show oscureciendo tramposamente el ritmo debajo de líneas de vientos que fluyen y ganchos melódicos de la guitarra. Simplemente, no se va a ir de mi cabeza.

Con tal progreso comprobable bien temprano en la carrera de la banda, hacia dónde puede ir desde aquí? Quizás la respuesta pueda yacer en la afición de Buyer por la world music. Los “me gusta” de Esmerine[4] ya han demostrado la energía de fusionar su sonido occidental con escalas y voces de medio oriente – sería fascinante ver si esta banda talentosa en grado sumo podría hacer algo similar. Por el momento, estamos más que encantados de que se hayan sumado a nuestra fiesta.

[1] N. del T.: La fuente para la reseña que traducimos.
[2] N. del T.: https://acloserlisten.com/2016/06/13/10-tracks-to-start-your-summer/
[3] N. del T.: https://es.wikipedia.org/wiki/Gamelán
[4] N. del T.: https://en.wikipedia.org/wiki/Esmerine

Fuente para la reseña: Chris Redfearn-Murray para A Closer Listen: https://acloserlisten.com/2016/07/23/robin-buyer-sextet-leave/ – Traducción: Nicolobo Ramos (el quinto Beatle) !!!

Apunte: El bajista y compositor Robin Buyer nació y se crió en el sur de Maryland. Tiene una licenciatura de la Universidad del Noreste en historia y análisis de la música, con foco en etnomusicología y performance de bajo. Anteriormente, Robin tocó y compuso para Gamelan Galak-Tika en Boston y tocó el bajo en la banda de OGR Fortunaut. Actualmente reside en Brooklyn, NY, donde ayuda a administrar Odd Gift Records. Su grupo el Robin Buyer Sextet lanzó Leave su disco debut en Junio de 2016. Y nos gusta mucho.

Track Listing

1. Stasis (1:04)
2. Leave (5:36)
3. Trails (3:37)
4. Shelter (5:16)
5. Dusked (4:50)
6. Still (4:30)
7. Rise (4:10)

Artist List

Robin Buyer: bajo/compositor
Evan Dice: violín
Nick Joliat: teclados
Ryan Kershaw: guitarra
Nick Pope: batería
Dylan Sherry: saxo tenor

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The Rob Clearfield Quintet

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The Long and Short of It (2013)

Durante los últimos años, un notable joven pianista de Chicago ha enriquecido la labor de algunos de los músicos de jazz más creativos de la ciudad.

Sin él, el muy importante álbum doble del último año, “By a Little Light”, de Matt Ulery, y la nueva asombrosa continuación de Ulery también, “Wake an Echo”, habría perdido un poco de su belleza armónica y brillo tonal. Asimismo el trabajo etéreo de la cantante Grazyna Auguscik y el filoso toque del saxofonista alto Greg Ward han sido profundizados considerablemente por las contribuciones del pianista Rob Clearfield.

Ha venido produciendo tanto trabajo importante para muchos de los artistas de jazz más aventureros de Chicago, de hecho, que no ha tenido tiempo para enfocar un proyector donde corresponde: sobre su propia música.

Hasta ahora. En la noche del sábado, Clearfield celebrará el lanzamiento de su primera grabación como líder de banda, The Long and Short of It, un álbum cada bit tan lírico, imaginativo, poético y desafiante de género como su trabajo como sideman lo anunciaba.

La pregunta es: ¿cómo tiene Clearfield concebido un insólito lenguaje musical que de algún modo abraza el melodicismo despreocupado del pop, la intensidad cerebral de música clásica y el espíritu espontáneo de la improvisación del jazz?

“Me esfuerzo en escuchar ampliamente”, dice Clearfield, 28 años, quien nació en el área de Chicago y ha desarrollado su carrera y música completamente aquí.

“En lo que respecta a este registro en cuestión, y la escritura y el sonido global del grupo, estoy realmente en Ben Monder y Kurt Rosenwinkel”, agrega Clearfield, apuntando a los guitarristas que están redefiniendo las posibilidades armónicas de jazz -especialmente Rosenwinkel.

“Una cosa que me encanta de estos tipos es que cuando ellos fijan una pieza, la pieza tiene un sonido real. Todas las armonías y todas las expresiones – hay un paisaje tonal específico para la pieza. Incluso cuando ellos realmente se alejan en la improvisación, nunca realmente se apartan del hilo central”.

Lo mismo puede decirse del paisaje tonal de The Long and Short of It, que transporta el ferviente lirismo de la firma de Clearfield y una estética teñida de rock, desarrollada por el guitarrista John Kregor, el saxofonista tenor Scott Burns, el percusionista Eric Montzka y el bajista Patrick Mulcahy.

Sorprendentemente, las declaraciones de Clearfield en piano acústico y eléctrico a menudo flotan en el fondo, sin embargo, su influencia es inconfundible en la moderación de esta música, así como su naturaleza no categorizable

Clearfield atribuye esta forma poco ortodoxa a una variedad de fuentes, algunas menos previsibles que otras.

“En cuanto a mi propia manera de tocar, soy un gran admirador de (Johannes) Brahms tanto como cualquier otro compositor”, dice Clearfield, refiriéndose al gigante de siglo XIX cuyo romanticismo inequívocamente es sostenido por las estructuras musicales de un clasicismo anterior.

“Me encanta cómo él es muy serio, pero sin tomarse demasiado en serio a sí mismo. Él no es como (Franz) Liszt, tan grande como él, quien va a llevar una capa”, bromea Clearfield, refiriéndose al romántico pianista y compositor, cuya forma exterior es tan extravagante como su música fue exhibicionista. Clearfield claramente matiza más cerca de las más moderadas -aunque todavía emocionalmente intensas- expresiones de Brahms, lo que se puede escuchar en la música de Clearfield, aunque articuladas en una sintaxis jazz-pop.

“De un modo similar, un par de mis influencias del piano de jazz son Herbie Hancock y Brad Mehldau”, sigue Clearfield. “Aquellos tipos también son como Rosenwinkel y Monder: todo está conectado, todo viene de aquella primera semilla de improvisación. Ellos comienzan con una idea, y todo lo demás viene de aquel lugar de partida”.

Fuente para la reseña: Howard Reich para http://articles.chicagotribune.com/2013-08-08/entertainment/ct-ott-0809-jazz-scene-20130808_1_matt-ulery-kurt-rosenwinkel-rob-clearfield

Apunte: El joven y talentoso pianista Rob Clearfield ha sido (y es) miembro de varias agrupaciones musicales de Chicago, su ciudad natal. Entre las más conocidas figuran los ensambles de jazz del bajista Matt Ulery (un viejo conocido de esta página), del saxofonista Greg Ward, como así también la banda de prog-rock District 97. The Long and Short of It marca un ambicioso debut como líder de un quinteto igualmente talentoso, en especial el saxofonista Scott Burns. La música se desarrolla consistentemente entre el jazz, la música clásica, el prog-rock y el pop, y quien haya escuchado la música de Matt Ulery también podrá encontrar algunas similitudes con la obra del bajista. Clearfield recientemente ha lanzado un nuevo disco en formato trio, Islands, del cual se pueden escuchar algunos temas en la página del artista en Bandcamp. En resumen: The Long and Short of It es un muy buen disco de un artista a seguir.

Track Listing

1. The Hunter (13:30)
2. The Long and Short of It (6:47)
3. What Are You Doing Here? (5:57)
4. Victoria Park (8:12)
5. Sitting Cross-Legged (13:53)
6. Maybe Next Time (6:21)
7. The Post-Modern Prometheus (8:04)
8. Life Imitates Life (12:09)

Artist List

Scott Burns:tenor saxophone
John Kregor: guitar
Rob Clearfield: piano, electric piano
Patrick Mulcahy: basses
Eric Montzka: drums, cymbals

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Laurent Rochelle Okidoki Quartet
septiembre 18, 2016, 9:25 pm
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Si tu regardes (2016)

Laurent Rochelle forma parte de esos músicos desgraciadamente demasiado discretos. Se lo había visto a comienzos del siglo con Monkomarok, un trio posteriormente aumentado con la cantante Alima. Al mismo tiempo, había iniciado el Lilliput Orkestra, un cuarteto instrumental de alto vuelo. Independientemente de estas dos experiencias, entre 2005 y 2012, participó en el espectáculo Princesas olvidadas o desconocidas cantado por Catherine Vaniscotte, en Bouffeurs de nuez de Damien Poupart Taussat, formó un dúo con Marc Sarrazy del cual salió “Intranquillité”. También ha formado la GLE, una big band con acentos de Frank Zappa, fruto de la combinación de Lilliput Orkestra con el Grand Chahut Ensemble; de esto salió un disco, “Suites erratiques”. También hizo música improvisada con Dieter Arnold, escribió mucho y tocó para espectáculos de marionetas. Se trata pues de un músico prolijo cuya discreción mediática significa ante todo que la creación no se negocia.

En Si tu regardes, encontramos al baterista Eric Boccalini, que toca en dúo con Didier Dulieux y colaboró mucho tiempo con Didier Labbé, el pianista Frédéric Schadoroff, así como el contrabajista Olivier Brousse que ya estaba en Lilliput Orkestra. Y luego la cantante Anja Kowalski que interviene en tres piezas entre las que está el muy bello « Morgen » al inicio del álbum. A petición de Laurent Rochelle, el canto está aquí mayoritariamente en alemán porque, para él, se trataba de integrar esa voz y esa lengua con su textura, su tesitura, sus sonidos. De sacarlo de la materia. Y de hecho, se trata de un disco delicado compuesto de fieltro y madera. Algunas veces, las frases son nerviosas, como el piano de Frédéric Schadoroff en « Synchronicity ». Otras veces, estas deambulan al igual que el clarinete bajo en « Si tu regardes ». Pero, de un extremo a otro, se trata de un álbum sutil, lleno de poesía, que ha sido objeto de tres años de escritura. Es poco sorprendente por parte de un músico que mantiene su libertad creativa al punto de haber montado Linoleum, su propio sello discográfico.

El disco se cierra con « Zeit », poema musical y contemplativo, y « Le temps oublié », un delicioso salado-azucarado donde piano y clarinete se cruzan y se recruzan tejiendo un universo melancólico. Es simplemente muy refinado, como el conjunto de este álbum que Laurent Rochelle realizó con la precisión de un orfebre.

Fuente para la reseña: Gilles Gaujarengues para http://www.citizenjazz.com/Laurent-Rochelle-Okidoki-quartet.html

Apunte: Este primer disco del Okidoki Quartet contiene diez composiciones originales inspiradas en músicas modales repetitivas o minimalistas. Si tu regardes seduce por la creatividad de su propuesta, la delicada elaboración, las altas dosis de lirismo, el necesario fragor cuando la música lo requiere, y todo esto sin dificultar al oyente el acceso al material. Bellas melodías hipnóticas para embarcarse en un viaje interior. Discazo, si.

Track Listing

01. Morgen (6:32)
02. Airports (5:43)
03. Synchronicity (9:08)
04. Cévennes (7:27)
05. Echo bird sing her song to me (8:53)
06. Okidoki blues (1:33)
07. Okidoki (5:35)
08. Si tu regardes (9:02)
09. Zeit (7:04)
10. Le temps oublié (4:37)

Enregistré récemment à Toulouse, France.

Artist List

Laurent Rochelle: clarinette basse, sax soprano, compositions
Anja Kowalski: voix, textes
Frédéric Schadoroff: piano, effets
Olivier Brousse: contrebasse
Eric Boccalini: batterie

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