Preso ventanilla


Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , , , ,

tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

Link de descarga
Password: presoventanilla



Bryan and the Aardvarks
abril 26, 2017, 11:33 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , , ,

tapa Heroes Of Make Believe
Heroes of Make Believe (2011)

El opus de Bryan Copeland, con cuatro años de preparación, documenta su tiempo en Nueva York, expresado como una serie de arrullos, preludios a sueños… aquellos que simbolizan nuestros ideales y objetivos, pero también el tipo que se manifiesta en un estado de pacífico sueño. Heroes of Make Believe, interpretado por su cuarteto Bryan & the Aardvarks, encuentra un terreno intermedio entre el jazz moderno y compases indie-pop que construye grandes mundos en las diminutas esquinas ambientales aisladas del universo de música.

Lo que esto significa es que estas son canciones que son melódicamente difusas y sus reflejos de gruesas capas de armonías y ritmos susurrantes, brillan tanto como las más hermosas estrellas en el cielo.

Un tercio de las pistas son improvisadas, que sólo sirven para poner más énfasis en la fuerza de la conexión entre los miembros del cuarteto, porque hay muy poco para diferenciar estas melodías de aquellas construidas sobre las composiciones. Todos ellos están conectados a la misma visión creativa. Una canción como “When Night Falls” tiene la misma deriva rítmica y resplandeciente belleza melódica como la suave balada “Soft Starry Night”.

Fabian Almazan es experto en utilizar tres sets de teclados de gran uso. “These Little Hours” tiene a Almazan lanzando cálidas notas en sintetizadores al aire, sacudido por las vibraciones de Dingman. Añadiendo algún piano, Almazan da la definición a sonidos brillantes. En “Where the Wind Blows” se destaca la elevación del piano de Almazan que lleva la canción a las más altas elevaciones. Y en “Still I Dream” se destacan las líneas deslizantes de Almazan en el Fender Rhodes.

El trabajo de Chris Dingman en vibraciones es la contribución más evidente a la presencia de ensueño de la música. En “Sunshine Through the Clouds”, las vibraciones centellean como estrellas, mientras el arco en el bajo de Copeland arco es tan grueso como la luz de la luna lo suficientemente densa como para ser agarrada. Copeland utiliza el arco para un fuerte efecto, también, en “Today Means Everything”, balanceando una vivaz cadencia con algunos bien ubicados cambios de humor.

Los sintetizadores de Almazan añaden un poco de florecer dramático a canciones como “When Night Falls” and “Still I Dream”, un armónico clarín que hace sonar a la canción como deshaciéndose en jirones, incapaz de contener toda esa belleza armónica. Dingman anda sin rodeos por centro de esta niebla armónica con notas pacientemente expresadas, como si perfilara el área en el espacio donde la melodía existe, y creando un camino para el oyente para que este lo siga.

Hay un puñado de interludios diseminados por todo el álbum. Estos representan la mayoría de los aspectos improvisacionales para este álbum, y parece ser pequeños clips de aquellas conversaciones, añadidas como breves transiciones armónicas entre canciones. Por sí solos, no serían particularmente especiales, pero como parte del flujo temático del álbum, proporcionan un impulso de sustancia embriagadora, lavados armónicos que sirven para mejorar las posteriores melodías, y darles un poco de gravedad.

El álbum termina con la animada “I’d Be Lost”, que echa algo de polvo entre las grandes declaraciones. Almazan y Dingman disparan algunas líneas impresionantes, pero el sencillo enfoque del tempo de Joe Nero proporciona a la canción su carácter eminentemente atractivo, con el contraste entre las rápidas entregas y un paseo casual.

Es una agradablemente animada despedida para un álbum que pasa la mayoría de su tiempo vagando, y esto acentúa la delicada belleza de la música mostrando cierta dureza.

Un álbum genuinamente hermoso. De la clase que es fácil escuchar muchas veces.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/bryan-the-aardvarks-heroes-of-make-believe/

Apunte: Bryan Copeland declara en su site de Bandcamp: “Heroes of Make Believe es una colección de canciones que he compuesto durante los 4 años pasados desde mi traslado a Nueva York. La música representa una culminación de mis experiencias de vida e influencias hasta hoy. El concepto del álbum comenzó con la composición de “Sunshine Through the Clouds” como un réquiem para mi difunto amigo Daniel Gilmer. Cada pieza en el álbum tiene un significado especial para mí y es una expresión de momentos muy importantes en mi vida. Cada canción es una encarnación del insoportable dolor, inmensa alegría, y todo lo que hay entre ellos, que he experimentado en toda mi vida.” Podemos agregar, que el álbum tiene una rara belleza que se sustenta en preciosas melodías indies, realzadas por el increíble brillo, calidez y cercanía que proporcionan el talentoso tándem compuesto por Fabian Almazan y Chris Dingman. Excelente obra. Muy disfrutable!

Track Listing

01. These Little Hours (7:20)
02. Where the Wind Blows (9:15)
03. Sunshine Through the Clouds (7:03)
04. When Night Falls (4:20)
05. Marmalade Sky (9:41)
06. Soft Starry Night (7:47)
07. Mysteria (0:45)
08. Still I Dream (6:45)
09. Insomnia (0:53)
10. Today Means Everything (6:57)
11. Just Before Dawn (1:29)
12. I’d Be Lost (7:27)

Artist List

Bryan Copeland: Bass
Fabian Almazan: Fender Rhodes/Piano/Synth
Chris Dingman: Vibes/Glockenspiel
Joe Nero: Drums

Link de descarga
Password: presoventanilla



Robin Buyer Sextet
abril 24, 2017, 11:16 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , , , ,

tapa Leave
Leave (2016)

Para ser el supuesto animal de juerga entre los géneros presentes en “A Closer Listen”[1], el post-rock no ha sido exactamente un invitado muy animado hasta ahora este año. Afortunadamente, los novatos del Robin Buyer Sextet han llegado trayendo los proverbiales barrilitos de cerveza y bandejas de DJ para despertarnos de nuestra socialización demasiado civilizada. Los Amigos Británicos tienen una persuasión inclusiva: ignoren el desagradable momento de llamar a un disco Leave (“Partan” o “Váyanse”) y sumérjanse en una fusión catártica y alegre de math-rock, jazz y pop que sin duda será recordada como una de las mejores del 2016 en su género.

Nuestro Rich mencionó a “Shelter” en su artículo “10 temas para empezar tu verano”[2] y la exuberancia, elasticidad y variedad rítmica exhibidos en ese tema, se mantiene a través de las siete pistas, que encajan prolijamente en media hora. A pesar de ser un disco debut para el colectivo de Brooklyn, su fundador y principal compositor Robin Buyer tiene experiencia tanto académica como en otras bandas, habiendo estudiado ejecución de bajo y etnomusicología en la universidad, así como formado parte de un grupo de Gamelanes[3]. Que esto no los confunda, Leave es un disco de sonoridad completamente occidental, basado en un post-rock fundado en lo rítmico (el groove). Lo que lo distingue es su matrimonio de ritmos intrépidos y melodías contagiosas, enriquecidos por una abundante diversidad de instrumentos.

Cada uno de esos instrumentos contribuye significativamente, aunque sin oscurecer a otro -un triunfo tanto de la composición como de la producción. Cada uno conoce su lugar y propósito: la guitarra y las teclas en el centro, suavizando los abruptos cambios rítmicos del bajo y la batería de un lado y, del otro, sosteniendo las melodías que fluyen del violín y el saxo. La variedad e inteligencia de su talento para la música intensamente melódica nos trae a la mente performances como las de los noruegos Jaga Jazzist y The Samuel Jackson Five, pero hay una mayor urgencia en el Robin Buyer Sextet, que está generada por lo ajustado de las composiciones que se desarrollan rápidamente. El segundo tema, “Leave”, uno de los puntos altos del disco, se desparrama con dinámicas y climas, corriendo a través de secciones lideradas por el saxo y la guitarra que son interrumpidas por crescendos tajantes y abruptos con una batería penetrante. Es un comienzo impresionante y el disco entero en adelante apenas se suaviza.

Mucho del estilo math-rock puede eventualmente insistir con tempos y tonos repetitivos. Leave nunca siquiera reconoce tal amenaza, con tantos temas empleando cambios abruptos aunque coherentes, y distinguiéndose al inclinarse a distintos instrumentos. La primera mitad de “Dusked”, dominada por el bajo y la percusión melódica (mallets) crea un inequívoco clima de sala de jazz; para el cuarto minuto se ha transformado en una construcción oceánica de ritmos abruptos, acordes palpitantes y voces expansivas – cuya intensidad aumenta por el control rígido que impone la sección rítmica, aún mientras se apagan los acordes finales. Las acrobacias de la guitarra sobre el ritmo a medio tempo de “Shelter” son suficientes para poner a mover las caderas, pero sólo los más intrépidos bailarines podrían atravesar el final del tema – una clase maestra que se roba el show oscureciendo tramposamente el ritmo debajo de líneas de vientos que fluyen y ganchos melódicos de la guitarra. Simplemente, no se va a ir de mi cabeza.

Con tal progreso comprobable bien temprano en la carrera de la banda, hacia dónde puede ir desde aquí? Quizás la respuesta pueda yacer en la afición de Buyer por la world music. Los “me gusta” de Esmerine[4] ya han demostrado la energía de fusionar su sonido occidental con escalas y voces de medio oriente – sería fascinante ver si esta banda talentosa en grado sumo podría hacer algo similar. Por el momento, estamos más que encantados de que se hayan sumado a nuestra fiesta.

[1] N. del T.: La fuente para la reseña que traducimos.
[2] N. del T.: https://acloserlisten.com/2016/06/13/10-tracks-to-start-your-summer/
[3] N. del T.: https://es.wikipedia.org/wiki/Gamelán
[4] N. del T.: https://en.wikipedia.org/wiki/Esmerine

Fuente para la reseña: Chris Redfearn-Murray para A Closer Listen: https://acloserlisten.com/2016/07/23/robin-buyer-sextet-leave/ – Traducción: Nicolobo Ramos (el quinto Beatle) !!!

Apunte: El bajista y compositor Robin Buyer nació y se crió en el sur de Maryland. Tiene una licenciatura de la Universidad del Noreste en historia y análisis de la música, con foco en etnomusicología y performance de bajo. Anteriormente, Robin tocó y compuso para Gamelan Galak-Tika en Boston y tocó el bajo en la banda de OGR Fortunaut. Actualmente reside en Brooklyn, NY, donde ayuda a administrar Odd Gift Records. Su grupo el Robin Buyer Sextet lanzó Leave su disco debut en Junio de 2016. Y nos gusta mucho.

Track Listing

1. Stasis (1:04)
2. Leave (5:36)
3. Trails (3:37)
4. Shelter (5:16)
5. Dusked (4:50)
6. Still (4:30)
7. Rise (4:10)

Artist List

Robin Buyer: bajo/compositor
Evan Dice: violín
Nick Joliat: teclados
Ryan Kershaw: guitarra
Nick Pope: batería
Dylan Sherry: saxo tenor

Link de descarga
Password: presoventanilla



The Rob Clearfield Quintet

tapa-the-long-and-short-of-it
The Long and Short of It (2013)

Durante los últimos años, un notable joven pianista de Chicago ha enriquecido la labor de algunos de los músicos de jazz más creativos de la ciudad.

Sin él, el muy importante álbum doble del último año, “By a Little Light”, de Matt Ulery, y la nueva asombrosa continuación de Ulery también, “Wake an Echo”, habría perdido un poco de su belleza armónica y brillo tonal. Asimismo el trabajo etéreo de la cantante Grazyna Auguscik y el filoso toque del saxofonista alto Greg Ward han sido profundizados considerablemente por las contribuciones del pianista Rob Clearfield.

Ha venido produciendo tanto trabajo importante para muchos de los artistas de jazz más aventureros de Chicago, de hecho, que no ha tenido tiempo para enfocar un proyector donde corresponde: sobre su propia música.

Hasta ahora. En la noche del sábado, Clearfield celebrará el lanzamiento de su primera grabación como líder de banda, The Long and Short of It, un álbum cada bit tan lírico, imaginativo, poético y desafiante de género como su trabajo como sideman lo anunciaba.

La pregunta es: ¿cómo tiene Clearfield concebido un insólito lenguaje musical que de algún modo abraza el melodicismo despreocupado del pop, la intensidad cerebral de música clásica y el espíritu espontáneo de la improvisación del jazz?

“Me esfuerzo en escuchar ampliamente”, dice Clearfield, 28 años, quien nació en el área de Chicago y ha desarrollado su carrera y música completamente aquí.

“En lo que respecta a este registro en cuestión, y la escritura y el sonido global del grupo, estoy realmente en Ben Monder y Kurt Rosenwinkel”, agrega Clearfield, apuntando a los guitarristas que están redefiniendo las posibilidades armónicas de jazz -especialmente Rosenwinkel.

“Una cosa que me encanta de estos tipos es que cuando ellos fijan una pieza, la pieza tiene un sonido real. Todas las armonías y todas las expresiones – hay un paisaje tonal específico para la pieza. Incluso cuando ellos realmente se alejan en la improvisación, nunca realmente se apartan del hilo central”.

Lo mismo puede decirse del paisaje tonal de The Long and Short of It, que transporta el ferviente lirismo de la firma de Clearfield y una estética teñida de rock, desarrollada por el guitarrista John Kregor, el saxofonista tenor Scott Burns, el percusionista Eric Montzka y el bajista Patrick Mulcahy.

Sorprendentemente, las declaraciones de Clearfield en piano acústico y eléctrico a menudo flotan en el fondo, sin embargo, su influencia es inconfundible en la moderación de esta música, así como su naturaleza no categorizable

Clearfield atribuye esta forma poco ortodoxa a una variedad de fuentes, algunas menos previsibles que otras.

“En cuanto a mi propia manera de tocar, soy un gran admirador de (Johannes) Brahms tanto como cualquier otro compositor”, dice Clearfield, refiriéndose al gigante de siglo XIX cuyo romanticismo inequívocamente es sostenido por las estructuras musicales de un clasicismo anterior.

“Me encanta cómo él es muy serio, pero sin tomarse demasiado en serio a sí mismo. Él no es como (Franz) Liszt, tan grande como él, quien va a llevar una capa”, bromea Clearfield, refiriéndose al romántico pianista y compositor, cuya forma exterior es tan extravagante como su música fue exhibicionista. Clearfield claramente matiza más cerca de las más moderadas -aunque todavía emocionalmente intensas- expresiones de Brahms, lo que se puede escuchar en la música de Clearfield, aunque articuladas en una sintaxis jazz-pop.

“De un modo similar, un par de mis influencias del piano de jazz son Herbie Hancock y Brad Mehldau”, sigue Clearfield. “Aquellos tipos también son como Rosenwinkel y Monder: todo está conectado, todo viene de aquella primera semilla de improvisación. Ellos comienzan con una idea, y todo lo demás viene de aquel lugar de partida”.

Fuente para la reseña: Howard Reich para http://articles.chicagotribune.com/2013-08-08/entertainment/ct-ott-0809-jazz-scene-20130808_1_matt-ulery-kurt-rosenwinkel-rob-clearfield

Apunte: El joven y talentoso pianista Rob Clearfield ha sido (y es) miembro de varias agrupaciones musicales de Chicago, su ciudad natal. Entre las más conocidas figuran los ensambles de jazz del bajista Matt Ulery (un viejo conocido de esta página), del saxofonista Greg Ward, como así también la banda de prog-rock District 97. The Long and Short of It marca un ambicioso debut como líder de un quinteto igualmente talentoso, en especial el saxofonista Scott Burns. La música se desarrolla consistentemente entre el jazz, la música clásica, el prog-rock y el pop, y quien haya escuchado la música de Matt Ulery también podrá encontrar algunas similitudes con la obra del bajista. Clearfield recientemente ha lanzado un nuevo disco en formato trio, Islands, del cual se pueden escuchar algunos temas en la página del artista en Bandcamp. En resumen: The Long and Short of It es un muy buen disco de un artista a seguir.

Track Listing

1. The Hunter (13:30)
2. The Long and Short of It (6:47)
3. What Are You Doing Here? (5:57)
4. Victoria Park (8:12)
5. Sitting Cross-Legged (13:53)
6. Maybe Next Time (6:21)
7. The Post-Modern Prometheus (8:04)
8. Life Imitates Life (12:09)

Artist List

Scott Burns:tenor saxophone
John Kregor: guitar
Rob Clearfield: piano, electric piano
Patrick Mulcahy: basses
Eric Montzka: drums, cymbals

Link de descarga
Password: presoventanilla



Laurent Rochelle Okidoki Quartet
septiembre 18, 2016, 9:25 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , ,

tapa-si-tu-regardes
Si tu regardes (2016)

Laurent Rochelle forma parte de esos músicos desgraciadamente demasiado discretos. Se lo había visto a comienzos del siglo con Monkomarok, un trio posteriormente aumentado con la cantante Alima. Al mismo tiempo, había iniciado el Lilliput Orkestra, un cuarteto instrumental de alto vuelo. Independientemente de estas dos experiencias, entre 2005 y 2012, participó en el espectáculo Princesas olvidadas o desconocidas cantado por Catherine Vaniscotte, en Bouffeurs de nuez de Damien Poupart Taussat, formó un dúo con Marc Sarrazy del cual salió “Intranquillité”. También ha formado la GLE, una big band con acentos de Frank Zappa, fruto de la combinación de Lilliput Orkestra con el Grand Chahut Ensemble; de esto salió un disco, “Suites erratiques”. También hizo música improvisada con Dieter Arnold, escribió mucho y tocó para espectáculos de marionetas. Se trata pues de un músico prolijo cuya discreción mediática significa ante todo que la creación no se negocia.

En Si tu regardes, encontramos al baterista Eric Boccalini, que toca en dúo con Didier Dulieux y colaboró mucho tiempo con Didier Labbé, el pianista Frédéric Schadoroff, así como el contrabajista Olivier Brousse que ya estaba en Lilliput Orkestra. Y luego la cantante Anja Kowalski que interviene en tres piezas entre las que está el muy bello « Morgen » al inicio del álbum. A petición de Laurent Rochelle, el canto está aquí mayoritariamente en alemán porque, para él, se trataba de integrar esa voz y esa lengua con su textura, su tesitura, sus sonidos. De sacarlo de la materia. Y de hecho, se trata de un disco delicado compuesto de fieltro y madera. Algunas veces, las frases son nerviosas, como el piano de Frédéric Schadoroff en « Synchronicity ». Otras veces, estas deambulan al igual que el clarinete bajo en « Si tu regardes ». Pero, de un extremo a otro, se trata de un álbum sutil, lleno de poesía, que ha sido objeto de tres años de escritura. Es poco sorprendente por parte de un músico que mantiene su libertad creativa al punto de haber montado Linoleum, su propio sello discográfico.

El disco se cierra con « Zeit », poema musical y contemplativo, y « Le temps oublié », un delicioso salado-azucarado donde piano y clarinete se cruzan y se recruzan tejiendo un universo melancólico. Es simplemente muy refinado, como el conjunto de este álbum que Laurent Rochelle realizó con la precisión de un orfebre.

Fuente para la reseña: Gilles Gaujarengues para http://www.citizenjazz.com/Laurent-Rochelle-Okidoki-quartet.html

Apunte: Este primer disco del Okidoki Quartet contiene diez composiciones originales inspiradas en músicas modales repetitivas o minimalistas. Si tu regardes seduce por la creatividad de su propuesta, la delicada elaboración, las altas dosis de lirismo, el necesario fragor cuando la música lo requiere, y todo esto sin dificultar al oyente el acceso al material. Bellas melodías hipnóticas para embarcarse en un viaje interior. Discazo, si.

Track Listing

01. Morgen (6:32)
02. Airports (5:43)
03. Synchronicity (9:08)
04. Cévennes (7:27)
05. Echo bird sing her song to me (8:53)
06. Okidoki blues (1:33)
07. Okidoki (5:35)
08. Si tu regardes (9:02)
09. Zeit (7:04)
10. Le temps oublié (4:37)

Enregistré récemment à Toulouse, France.

Artist List

Laurent Rochelle: clarinette basse, sax soprano, compositions
Anja Kowalski: voix, textes
Frédéric Schadoroff: piano, effets
Olivier Brousse: contrebasse
Eric Boccalini: batterie

Link de descarga
Password: presoventanilla



Francisco Pais

tapa Not Afraid Of Color
Not Afraid Of Color (2006)

Interesante debut discográfico de este quinteto compuesto por jóvenes músicos residentes en Nueva York, con un líder nítidamente más volcado en la búsqueda de un sonido grupal que en su lucimiento como instrumentista.

El sobrio pero efectivo papel que Francisco Pais –de origen portugués– se reserva dentro de su banda contrasta con el protagonismo que suelen tener los guitarristas en los grupos que lideran. De hecho en este álbum escuchamos solear antes a Chris Cheek, a Ferenc Nemeth y a Leo Genovese que al propio Pais.

El líder se revela como un buen compositor a través de nueve temas directos entre los que podríamos destacar “Water From The Moon”, “Gratitude”, “Tides”, “Lift Your Head From The Sand And Face Reality” y “Charme”. Tanto en los pasajes más rítmicos como en los más reflexivos, el quinteto aparece muy cohesionado. Además, Pais se muestra como un buen improvisador y como un hijo de su tiempo, habiendo asimilado algunas lecciones de las generaciones anteriores (Scofield, Frisell, Metheny…), dejando algunas pinceladas cercanas a un pop sofisticado, buscando un lenguaje propio. Las intervenciones del Cheek, lo muestran en forma, moviéndose con una libertad que le permite dar lo mejor de sí, firmando un puñado de buenos solos, aportando calidez y tejiendo sugerentes diálogos con las cuerdas de Pais. El trabajo del resto del grupo acaba por darle al sonido del quinteto un acabado muy pulido con Nemeth y Genovese aportando ideas frescas aquí y allá.

Pese a algunos baches de monotonía en el ecuador del disco, Not Afraid Of Color resulta bastante disfrutable.

Reseña de Sergio Zeni para http://www.tomajazz.com

Track Listing – Not Afraid Of Color

01. Water From the Moon (8:40)
02. Gratitude (6:39)
03. Tides (11:39)
04. Always Dreaming (5:07)
05. Melody for Damien (4:49)
06. Transfiguration (8:18)
07. Lift your Head From the Sand and Face Reality (5:44)
08. Desert Of Colors (6:10)
09. Charmed (3:56)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor saxophone, soprano saxophone
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes electric piano
Massimo Biolcati: bass
Ferenc Nemeth: drums

tapa School Of Enlightenment
School Of Enlightenment (2008)

El guitarrista Francisco Pais es un jazzero de mente lírica procedente de Portugal, que ahora vive en Boston, poseedor de un refrescante enfoque y sonido. Él sigue a su excepcional debut en 2006 con una realización que además codifica y centra su concepto, prefiriendo el color a la línea, destilado al volumen y moderación al abandono, sin embargo, vibra con una suntuosa pasión propia. Como el goteo de buen gusto de nuevas grabaciones procedentes de pequeños nuevos grupos de la escena de Lisboa, el sonido no es abiertamente latino pero figuradamente empapado en sus climas.

Dos de los socios musicales de larga data de Pais están a bordo, complementando su formidable cociente de cortes con únicas capacidades pan-étnicas: el baterista húngaro Ferenc Nemeth y el pianista argentino y estilista del Rhodes, Leo Genovese. El veterano saxofonista Chris Cheek otra vez compromete sus amplios talentos con la visión de Pais, elevando esta sesión desde un proyecto a un verdadero status de banda.

Gretchen Parlato añade el calor que derrite corazones a la incandescencia de esta sesión, acoplando su voz a la poesía de Ann Bruno en dos canciones. “Early Shift”, primero rasgueado con un sabor de rock moderno, luego ajustándose a balada que tiene poco que ver con el jazz, pero todo tiene que ver con el mood y el tono, en el cual los sonidos y letras arrastran todo. “The Thing with Feathers” la encuentra no solo en el tono perfecto, sino tan emocionalmente que después de repetidas escuchas, la canción puede ponerse fatigosa pero nunca la cantante. Ambas destacan a Cheek siguiendo el arco emocional de Parlato con su propio instrumento de sentida vocalización. El rumor sobre Parlato es que ella es la cantante de la que todo el mundo espera grandes cosas, pero como estas dos gemas revelan, ella ya lo está entregando.

La pista del título es un enardecido destilado de una tendencia que incorpora ritmos contemporáneos en el jazz de pequeños grupos, viniendo por cortesía de la misteriosa destreza de Nemeth para estilos de drum ‘n’ bass. Purgando todo mientras se contiene a si mismo en el borde mismo de lo que exactamente ha sido llamado, él conduce el contorno angular de la melodía, expresada en la voces al unísono del saxo soprano y la guitarra distorsionada.

La sección de solos emociona en la manera como Pais, Cheek y Genovese danzan y se envuelven uno alrededor del otro, superponiendo intuitivamente líneas mezcladas con el vocabulario del jazz dentro de una rítmica de electrónica sin instrumentación eléctrica.

Las sagaces líneas solistas de Genovese en “Baron”, sobre el descabellado patrón mod-bossa de Nemeth, merecen una mención especial, especialmente por aquellos que están buscando algunas nuevas adiciones al vocabulario del Rhodes.

Pais regala un último tema titulado irónicamente, “You Just Won Another Day with Yourself”, una exquisita composición que califica para el Real Book, circa 2010 -una balada que se balancea con un susurro ondulante, como ramas en una cambiante brisa tropical, empapada en una melancolía autoreflexiva. Estira el largo gancho de su melodía dentro de su solo, un destilado magnífico (aquella palabra otra vez) de cientos de sesiones de Blue Note, marcando con ello una perfecta y tristemente colocada, lágrima de jazz/blues.

La digestión de estas sesiones revelan no sólo la amplitud de influencias que Pais ha asimilado en su bagaje, sino la profundidad de atención que acumula en su descendencia composicional y, a su turno, su audiencia, la cual debería aumentar con esta sensualmente satisfactoria realización.

Phil DiPietro para http://www.allaboutjazz.com/school-of-enlightenment-francisco-pais-product-of-imagination-records-review-by-phil-dipietro.php

Track Listing – School Of Enlightenment

01. Early Shift (7:06)
02. School Of Enlightenment (6:15)
03. Budejovica (3:18)
04. Baron (4:29)
05. The Thing With Feathers (4:19)
06. Tatui (5:35)
07. Think Again (6:25)
08. Everything Is Something New Somewhere (10:22)
09. You Just Won Another Day With Yourself (5:47)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor and soprano saxophones
Ferenc Nemeth: drums
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes
Peter Slavov: bass
Demian Cabaud: bass (1,7)
Gretchen Parlato: vocals (1, 5)

tapa Raise Your Vibration
Raise Your Vibration (2012)

El practicante de yoga y muchas otras prácticas meditativas es referido como un yogui. Francisco Pais, un nativo de Portugal no sólo es un devoto yogui sino que ha viajado por el mundo tocando con los mejores músicos de jazz desde la meca del mundo que es la Gran Manzana también conocida como la Ciudad de Nueva York.

Habiendo dejado caer su última realización Raise Your Vibration, Pais trae el verdadero significado a la palabra orgánica con un enfoque sincero y apasionado de sus composiciones, un enfoque como zen de menos es más cuando el arte es canalizado desde un lugar más profundo que el corazón. Ir al alma y colgar una izquierda…Pais tiene la extraña habilidad de tomar la música original que es el subproducto cultural de sus experiencias de vida mezclando elementos de rock y músicas del mundo, con ganchos pop e increíble sensibilidad jazz, con el resultado final de un sub género en busca de un nombre. La música realmente significativa está sola sin la necesidad de una etiqueta y esto es donde Pais sobresale.

Highlights? Mientras Pais es un guitarrista estelar y una bestia composicional, él ahora asume el papel de cantante, entonces la pregunta lógica sería, “Cómo suena?” Francisco Pais…Cada artista trae algo a la mesa (esperamos algo nuevo ) y marcos musicales de referencia pueden ser intrínsecamente injustos, pero imagine un híbrido vocal de Peter Gabriel y Michael Stipe transformado con el fraseo de Michael Franks. Fácil, verdad? En el espìritu de Gabriel, Stipe y Franks esta particular realización es un algo conceptualizada realización de cortas historias que examinan la pérdida de un padre, el nacimiento de un niño, y las historias de amor perdido. Las composiciones son, en su mayor parte, alejadas de lo más melancólico, más son esperanzadoras y están escritas en directo contraste con las melodías de jazz más estereotipadas, que tocan la melodía, solo y luego tocan el encabezado. La vida está muy lejos de ser previsible y así son estos ofrecimientos de Pais.

Elegancia cruda texturada podría ser el desarrollo temático predominante a lo largo de Raise Your Vibration. Los originales de Raise Your Vibration corre desde lo más sombrío que adorna un poema de Emily Dickinson, “Never Wearing Out”, a la furia sónica más infundida de blues de “Humble Over The Fact”.

Quizás la melodía más inventiva tanto armónica como texturalmente sería “Chakra Song” que es una exploración musical de una carta y diagrama mostrando el nombre, el color, el sonido y la ubicación de los vórtices de energía que Pais ha estado estudiando como un yogui durante años. Mientras que las influencias de Francisco Pais son más que evidentes, su música es diametralmente opuesta y está tan lejos de lo derivativo como uno puede conseguir. En el saxo alto y clarinete bajo tenemos al increíblemente poco apreciado Myron Walden, Leo Genovese maneja el piano y el Rhodes con igual habilidad, Bill Vint toca la flauta en “Never Wearing Out” y Julie Vangyzen da aquel borde ecléctico al mismo número en el fagot y el clarinete. Daniele Camarda y Justin Brown redondean la sección de ritmo en el bajo y batería respectivamente.

Uno no tiene que practicar yoga o cualquier otra práctica de meditación para comprender o tener un especial reconocimiento por esta encantadora realización. Es raro que un álbum contenga tal honestidad y pasión que tanto una conexión visceral como cerebral puede ser hecho por todo lo que debería tomar el tiempo para simplemente escuchar. Mientras mi práctica del Taoísmo está en una etapa temprana, el llamativo si no omnipresente mood de Raise Your Vibration, es uno de calidez y de apertura para trabajar fuera de las normas más tradicionales de progresiones armónicas para crear una obra de profundidad duradera y de gran integridad artística. La vida sería más fácil para la mayoría de nosotros si practicáramos vivir de la misma manera.

Increíblemente inventivo y muy entretenido. Una impresionante grabación.

Fuente para la reseña: Brent Black para http://www.criticaljazz.com/2012/10/francusco-pais-raise-your-vibration.html

Track Listing – Raise Your Vibration

01. Broken Open (6:18)
02. Chakra Song (5:45)
03. Lightness of Being (4:17)
04. Never Wearing Out (5:00)
05. Humble Over the Fact (3:19)
06. Space for Your Soul (4:47)
07. Magnifying (3:42)
08. The Dream (2:38)
09. The Other Side (5:26)

Artist List

Francisco Pais: guitar, voice
Myron Walden: bass clarinet and alto sax
Justin Brown: drums
Leo Genovese: piano and Fender Rhodes
Daniele Camarda: bass
Bill Vint: flute
Julie Vangyzen: basoon, bass clarinet

Apunte: Nacido en Sintra, un pequeño pueblo cerca de Lisboa, Portugal, Francisco Pais ha tocado su propia música en todo el mundo con algunos de los mejores músicos de la escena neoyorkina, lo cual queda bien explicitado en las envidiables alineaciones de estos tres discos. Su música es una atractiva mezcla de jazz, world music, pop sofisticado y talentosos intérpretes que son instados por Pais a ocupar los primeros planos. Y en el caso de Raise Your Vibration, sorprende con su voz, que en mi humilde opinión tiene un parecido bastante llamativo a la voz de Sting. Disiento con las comparaciones con Gabriel / Stipe / Franks que hace Brent Black en la reseña. Pais ha recibido palabras elogiosas de famosos colegas; Esperanza Spalding, ganadora de un premio Grammy, dijo de Pais: “Francisco Pais es un increíblemente talentoso compositor y arreglador; él es dedicado, lo apoyo y creo en él”. Lionel Loueke, miembro de la banda de Herbie Hancock, también decía: “La manera de tocar de Francisco es lanzada, con una desafiante y elegante mezcla de bellas armonías y líneas melódicas. Lo que lo hace un gran ejecutante”. Seane Corn, activista y celebridad del yoga, también se refirió a Pais con cálidas palabras: “Francisco tiene el corazón de un yogui y el alma de un artista. Su trabajo es elegante y rico, y siempre he sido inspirado por lo que crea, sabiendo que lo que está compartiendo conmigo y el mundo se ha manifestado de la pureza y la verdad de su corazón. Él es un verdadero artista y un músico divino”

Password en todos los casos: presoventanilla



Giovanni Francesca

tapa Rame
Rame (2015)

El guitarrista italiano Giovanni Francesca retorna a Auand Records con Rame. Excelentes habilidades compositivas y el cuidado de todo el sonido, que ya demostró en su anterior trabajo “Genesi”, emerge poderosamente a través de las pistas.

El tiempo que separa estos dos álbumes ha fortalecido el enfoque compositivo de Francesca. Esto puede ser escuchado en pistas como “Novela” y “Nuda”; ambas destacan esa intensa, rica música escrita que el guitarrista puede poner en el centro de sus composiciones. En este redescubrir de la energía, ha construido un sonido nítido y más consistente. Su nueva banda actúa al mismo tiempo como un límite y como un trampolín en su camino hacia el logro de una nueva cohesión musical.

Junto al líder, dos compañeros de confianza como el contrabajista y bajista eléctrico Dario Miranda y el baterista Aldo Galasso (ambos también siendo parte de Francesca’s Telegraph Trio), quienes garantizan una sólida sección rítmica, así como una constantemente sorprendente interacción. El violinista Raffaele Tiseo (también en viola y cello) y el trombonista Alessandro Tedesco completa la alineación, proporcionando una chispa para la mayoría de las originales ideas permitiendo que estos dos instrumentos muy diferentes se reúnan en el mismo terreno (como en el ágil “Rom” y en los distantes moods de “Gocce”)

Esta ya rica alineación aloja además dos top jazz stars italianos: la pianista Rita Marcotulli y el trompetista Fabrizio Bosso. Mientras ella embellece “Greta”, uno de los más importantes temas del álbum, las improvisaciones de Bosso dan energía, lirismo y un toque poético a “Lite” y a “Sentinelle”.

“La creación de Rame – dice Giovanni Francesca – ha ocurrido en un momento muy especial, muy intenso e importante, emocionalmente hablando. Un momento de grandes cambios, que se han convertido en melodías, acordes y sonidos. Esta música es el resultado de un esfuerzo para llegar a nuevos destinos. Y destinados a confirmar una identidad”.

Apunte: Giovanni Francesca ha sido para mi un gratísimo descubrimiento en este año 2015 que se va apagando. Rame es para un público amplio porque abreva con pasión de muchas fuentes, pero con una mirada sabiamente integradora: su sonido, con la instrumentación y efectos seleccionados le permite lograr una obra increíblemente hermosa y sólida a la vez, siendo el perfecto paso siguiente al anterior disco igualmente excelente que fue “Genesi”. Sin dudas, uno de mis discos del 2015. Altamente recomendable!

Fuerte para la reseña: http://www.ijm.it/albums/display/492

Track Listing

01. Gocce (5:16)
02. Novela (4:41)
03. Nuda (5:20)
04. Neve (5:30)
05. Tuba (3:20)
06. Rom (5:30)
07. Lite (3:38)
08. Greta (4:39)
09. Sentinelle (5:10)
10. Atollo (6:02)

Artist List

Giovanni Francesca: chitarra
Raffaele Tiseo: violino
Alessandro Tedesco: trombone
Dario Miranda: basso
Aldo Galasso: batteria
Guests:
Rita Marcotulli: piano
Fabrizio Bosso: trumpet

Link de descarga
Password: presoventanilla