Preso ventanilla


The Paul Wertico Trio
marzo 25, 2017, 6:31 pm
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Live In Warsaw (1998)

Si tu conocimiento de Paul Wertico se limita a su trabajo con el Pat Metheny Group, podrías no darte cuenta del alcance de la habilidad de este hombre. En Vivo en Varsovia muestra otro lado de un baterista que es más conocido por su delicadeza que por sus rápidas manos.

Grabado en una noche durante una gira de dos semanas por Alemania y Polonia en Octubre de 1994, En Vivo en Varsovia incluye también al talentoso guitarrista John Moulder y a Eric Hochberg en bajo. Los tres nativos de Chicago despliegan gran química al encarar improvisaciones sin fronteras, ardiente fusión, grooves profundos, intervalos impresionistas e incluso un blues en un tema. En el corazón de cada corte hay una increíble ejecución polirrítmica de batería por Wertico.

En Vivo en Varsovia contiene ocho pistas, siete de las cuales son originales. Seis de estos números exceden los seis minutos de longitud, pero sólo uno de ellos se torna tedioso: la apertura “Toms For Talia” (Tones para Talia) un interesante -aunque demasiado largo- solo de batería. Moulder y Hochberg se unen a Wertico en “Cowboys and Africans” (Vaqueros y Africanos), de intensa rítmica, que comienza con el bajo tocado con arco de Hochberg y fluye hasta fogosos ritmos y un solo especialmente caliente de Moulder.

Los tres ejecutantes comparten el foco en la chispeante interpretación de nueve minutos de “Softly As In A Morning Sunrise” (Suavemente Como En Un Amanecer); Hochberg entrega impactantes solos en la diáfana “Little e” (Pequeña e) y en la sónicamente libre “8×12”. El bajista forja una sólida sociedad con Wertico de principio a fin.

Increíblemente, el guitarrista Moulder también resulta ser un sacerdote católico. Antes de este disco, la única canción en la que alguna vez había escuchado a un cura tocar era “Kumbyah”. Las estiradas maestras de cuerdas del Padre Moulder invitan a compararlo con otro guitarrista celestial, John Scofield, particularmente en “Time For The Blues” (Tiempo de Blues). El padre también se torna etéreo en un par de pistas, incluyendo la acertadamente denominada “Magical Space” (Espacio Mágico).

El sonido directo a DAT captura cada nítido matiz de la performance percusiva de Wertico. De hecho en muchos tramos jurarías que estas escuchando dos bateristas.

Si te entusiasma el jazz intrépido de guitarras o una excepcional ejecución de batería de jazz, nada mejor que En Vivo en Polonia, del Paul Wertico Trio.

Fuente para la reseña: Ed Kopp para https://www.allaboutjazz.com/live-in-warsaw-paul-wertico-igmod-review-by-ed-kopp.php – Traducción: Nicolobo Ramos!!

Apunte: pocos días atrás hicimos un re-post del disco Don’t Be Scared Anymore (editado en el año 2000) del Wertico Trío y recordé que también tenía en mis archivos este disco del mismo trío, editado dos años antes, producto de grabaciones en vivo por Europa. Me pareció una buena oportunidad para seguir escuchando la camaleónica guitarra del Padre Moulder, que, con la química del trío actuando en vivo, pasa por diferentes estilos con grandes aciertos; por supuesto es también muy placentero escuchar a Wertico, un baterista muy recordado por los admiradores del Metheny Group.

Track Listing

01. Introduction (0:08)
02. Toms For Talia (Drum Intro) (6:04)
03. Cowboys and Africans (7:40)
04. Little ‘e’ (9:11)
05. Time for the Blues (4:46)
06. Softly, As in a Morning Sunrise (9:27)
07. Magical Space (6:55)
08. Give The Drummer’s Sum (3:45)
09. 8 x 12 (6:06)
10. Closing Announcements (0:36)

Artist List

Paul Wertico: drums
John Moulder: guitar
Eric Hochberg: bass

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Nicolas Moreaux

tapa
Fall somewhere (2013)

Gloria a Jordi Pujol, productor de genios y reclutador de talentos, hasta la eternidad. Talentos por los que la mayoría de las veces va a los clubs al otro lado del Atlántico donde sus picos siempre son bastante geniales.

El álbum que nos presenta del joven contrabajista Nicolas Moreaux no es una excepción a la regla. Tiene, hay que decirlo bien, un poco sorprendido a su mundo. Em primer lugar, porque el contrabajista había desaparecido un poco del radar. Lo habíamos seguido, por cierto, al lado de músicos franceses que gustan mucho, como Pierre Perchaud u Olivier Bogé y Tigran Hamasyan (tres músicos a los que se encuentra aquí) o Sophie Alour.

Luego, porque no estaba verdaderamente como un “líder de opinión” jazzistico. Y por último, porque, para su segundo opus (tras “Beatnick” en 2009), enfrentar un doble álbum es un enorme desafío. Y fuerza a reconocer que el muchacho ha tenido éxito en toda la línea y esta entrada da un gran golpe en su discografía. Nicolas Moreaux tiene bellas cosas para decir y dispone de músicos excepcionales para decirlas. Matrimonio acertado y soberbio, todo en refinadas armonías. Con un consumado sentido de la escritura y de los arreglos, confiando parte de la carga a los músicos, Nicolas Moreaux navega sutilmente entre un jazz mainstream y un sutil jazz neoyorquino, a los cuales añade una hermosa pizca de pop moderno destilado bastante juiciosamente. Hay una emoción que aflora. Hay una suerte de poesía moderna.

3 saxos lo acompañan en este asunto. 3 saxos que triangulan sobre soberbios entramados y sobre los fondos bluseros de Pierre Perchaud o de David Doruzka. Y si la música se acomoda a este jazz moderno, sabe hacer su negocio con buenos viejos grooves post bop a la imagen de los dos guitarristas en rondas swingueantes (“A Joyful”) y de una rítmica tan rica como gravitacional.

Hay algo de encantador en este disco, de fascinante en esta música. Cautivante y dulce. Profunda y aérea.

Un placer.

Fuente para la reseña: Jean-Marc Gelin http://www.lesdnj.com/article-nicolas-moreaux-fall-somewhere-116639497.html

Apunte: Escuchar Fall Somewhere fue una bellísima sorpresa. El CD 1 es absolutamente impecable, va creciendo de a poco, casi inocentemente, para terminar arrollándote con una marea de buenas y gratas sensaciones en “Oak”, una verdadera gema. “Oak” es uno de mis temas preferidos, pero no de este disco, sino de todos los discos que he venido escuchando en el último año y medio (al menos). Todo está muy bien dosificado en esta obra: composiciones, intervenciones solistas, el “interplay” entre los músicos. El CD 2 no está en un nivel tan parejo y alto como el CD 1, pero aún así tiene muy buenas cosas. Coincido plenamente con Jean-Marc Gelin: es un disco encantador y la música es fascinante y apta para una amplia gama de oídos. Dato para los seguidores de guitarristas: Pierre Perchaud y David Doruzka se destacan en Fall Somewhere; son buenos players conocidos en MQC/Preso y si no han escuchado sus propias obras, recomiendo hacerlo. Resumiendo: dis-ca-zos.

Track listing

CD 1

01. Far (9:10)
02. Summer Fishing (8:30)
03. Guatemala (5:49)
04. Baroc (6:04)
05. Way to Reykjavik (5:34)
06. Oak (12:07)

CD 2

01. Each Other’s Light (4:52)
02. Cool Water (4:22)
03. The incall (9:06)
04. Fall Somewhere (8:38)
05. A joyful… (9:36)

All compositions written by Nicolas Moreaux, except “Cool Water” by Frida Anderson-Sister Fay

Artist List

Nicolas Moreaux: bass
Bill McHenry: tenor sax
Christophe Panzani: tenor sax
Olivier Bogé: alto sax
Pierre Perchaud: guitars
David Doruzka: guitars
Antoine Paganotti: drums
Karl Jannuska: drums

Additional guests:
Tigran Hamasyan: piano on “Oak”
Frida Anderson: vocals on “Cool Water”

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André Fernandes

tapa Motor
Motor (2012)

Que Portugal es un país de grandes guitarristas de jazz es bien sabido. El gran Nuno Ferreira, Vasco Agostinho, Mario Delgado, Afonso Pais, Luis Lopes o una promesa que a mí particularmente me encanta como Joao Firmino, son algunos de los guitarristas más representativos del panorama jazzístico portugués. Quizás el más representativo para mí, es André Fernandes, por su originalidad, personalidad y por su calidad. Acaba de publicar su nuevo álbum llamado Motor con TOAP records, su sello discográfico, y lo ha hecho acompañado de un grupo al que él mismo le ha llamado Box y con el que lleva tiempo girando. Al guitarrista lo acompañan el gran Bernardo Sassetti al piano y Rhodes, Demian Cabaud al bajo, Marcos Cavaleiro a la batería y también la trompetista Susana Santos Silva y el saxofonista José Pedro Coelho.

La música de André Fernandes es siempre muy original, quizás por su gran variedad de influencias, no sólo del jazz y de guitarristas de su generación, sino también del rock, por lo que a lo largo de sus ya numerosos discos, ha conseguido un sonido y un fraseo muy personal al igual que una forma de componer muy reconocible haciendo que parezcan fáciles unas composiciones que de simples no tienen nada.

El álbum sigue la estela de sus dos anteriores trabajos, el genial “Cubo” e “Imaginario”, pero quizás en este Motor ha ido un poco más lejos, con un disco brillante en que el grupo suena muy inspirado, y no sólo porque esté formado por grandes músicos, sino también porque hay una química especial entre ellos. La guitarra de Fernandes suena como un cañón, con sus sonidos que dejan ver la influencia de guitarristas del rock como Josh Homme o Jack White, pero con la sensibilidad propia de uno de los guitarristas más originales del panorama internacional. Brillante está, como siempre Bernardo Sassetti, con su particular estilo y que nos regala algunos de los momentos más bellos del disco. También cabe destacar al saxofonista José Pedro Coelho que está soberbio y que por momentos nos hace recordar, junto al guitarrista a la pareja Kurt Rosenwinkel-Mark Turner. Y también el particular sonido y estilo del batería, uno de los músicos con más futuro en Portugal, Marcos Cavaleiro, que imprime una energía muy estimulante al conjunto.

Motor no sólo confirma lo que ya sabíamos, que estamos ante un músico muy interesante, sino que significa un paso más allá en la carrera de André Fernandes, un guitarrista que ha conseguido como pocos, ser original y condensar un sinfín de influencias en un estilo propio y personal, convirtiéndose para mí en uno de los guitarristas más interesantes del jazz actual.

Fuente para la reseña: http://emilesahead.blogspot.com.ar/2012/04/andre-fernandes-motor.html

Track Listing

01. Flying Girl (7:57)
02. Butterflies Are Evil (6:40)
03. Northern Wind (5:15)
04. Afeghan Trouper (8:17)
05. Float (6:12)
06. Matchbox (5:57)
07. Tomboy (6:07)
08. Bipolar Banana Cake (4:19)
09. Kings in a Hurry (6:27)
10. Dirt (6:14)

Artist List

André Fernandes: guitar
Bernardo Sassetti: piano, fender rhodes
Demian Cabaud: bass
Marcos Cavaleiro: drums
Zé Pedro Coelho: tenor and soprano sax, bass clarinet
Susana Santos Silva: trumpet, flugelhorn

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Jakob Bro
abril 26, 2013, 9:38 pm
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tapa Time
Time (2011)

Escuchar música es un viaje hacia el descubrimiento de un nuevo mundo. En todo caso, se trata de una filosofía que el joven guitarrista danés Jakob Bro ha tomado en serio. A lo largo de una carrera que lo ha visto toca en un amplio rango de constelaciones, entre ellos, grupos dirigidos por el trompetista Tomasz Stańko y en lo último de la leyenda de la batería, Paul Motian, Bro nunca ha perdido su enfoque intuitivo para hacer música. No importa con quién esté tocando, nunca hay un sentido de redundancia; por el contrario, la música se convierte en un gran patio donde cualquier cosa puede pasar.

De todos los proyectos en los que Bro está involucrado, sus grabaciones como líder ocupan un lugar especial. En cierto modo democrático, el guitarrista parece sacar lo mejor de sus compañeros. Así, “Balladeering”, su “magnus opus” del 2009, publicó una aclimatada belleza en la manera de tocar del magistral saxofonista Lee Konitz cuyos poemas de frágil tono en ese álbum, superan los esfuerzos del músico en el disco de perfil alto, “Live at Birdland” (ECM, 2011).

Al haber una química especial entre ellos, Konitz y Bro forman equipo otra vez en Time con el guitarrista Bill Frisell, quien también participó en Balladeering, y el bajista Thomas Morgan.

Juntos, crean una íntimo y abstracta música de cámara que nunca pierde la pista de una hermosa melodía con simplicidad folk. La apertura “Nat” (“Noche”) es un ejemplo, con su humor nocturno y la sopladura ventosa de Konitz, en un lecho brillante de acordes de Bro y Frisell.

“Northern Blues” es una descripción perfecta de la estética de un álbum cuyo sonido orgánico y melancolía del blue, deviene en catártico, con un sentido de niño de la maravilla de creación. Así, nadie atrae la atención a la calidad táctil del bajo de madera y acero como Morgan, que puntea las cuerdas con delicadeza y la fuerza.

En general, hay un sentido único del poder del espacio como los cuatro músicos transforman fluidas formas de melodías y ritmos sin batería en un elogio al tiempo como la condición de todo arte musical, aunque, paradójicamente, lo que queda, al final, es una eterna obra de arte.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=41069#.UVZLDjc_QU8

Apunte: Con Time cerramos, al menos por un tiempo, el ciclo Jakob Bro. A diferencia de lo escuchado anteriormente, ya no está el gran Paul Motian (y directamente no hay otro baterista) y Thomas Morgan reemplaza a Ben Street. Por suerte, se mantienen en la alineación Lee Konitz y Bill Frisell. La música sigue siendo detallista, sin ninguna clase de apuros, como si fuera un relato deletreado, bien contemplativa, respirando profundamente, inmersa en un clima de ensoñación que recorre todo el álbum. El mesurado lirismo de Konitz, al igual que en “Balladeering” es sencillamente bellísimo. Bro y Frisell juegan el juego que mejor les sienta: la creación de atmósferas (ok, ya dije lo mismo en Balladeering, pero es así) en el contexto de “simples” melodías, mientras que Thomas Morgan marca el sutil pulso que, en precisas y contadas ocasiones, sobresale por encima del resto. A no dejarse engañar por la aparente simpleza de Time: como el resto de la discografía de Bro es para escuchar atentamente; hacerlo de manera casual es perderse gran parte de su belleza.

Track Listing

1. Nat (4:42)
2. Cirkler (7:30)
3. A Simple Premise (3:10)
4. Swimmer (5:27)
5. Northern Blues (7:16)
6. Fiordlands (4:19)
7. Yellow (6:22)
8. Små Dyr (3:32)

Artist List

Lee Konitz: alto saxophone
Bill Frisell: guitar
Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: bass

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Jakob Bro
abril 14, 2013, 4:22 pm
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tapa Balladeering
Balladeering (2009)

A lo largo de todo el proceso de grabación de Balladeering, el guitarrista danés Jakob Bro fue seguido de cerca por el cineasta Sune Blicher, quien documentó las sesiones que tuvieron lugar en los famosos estudios Avatar de Nueva York, capturando en imágenes, la poesía de la música. Un motivo recurrente en la película son los músicos absortos en la escucha, y esta particular formulación también encuentra su lugar en las fotos de Robert Lewis que embellecen el álbum, convirtiéndose en una metáfora de la propia música y el espíritu de la creación.

Más que nada, Bro se puede denominar “un músico que escucha”. Él crea sus poéticas composiciones como estructuras abiertas que invitan a la interpretación. Esto es el regalo especial de Bro, que es capaz de hacer una música tanto melódicamente encantadora, como no cerrada a patrones predefinidos.

La apertura, “Weightless”, es un ejemplo de como una simple figura melódica de guitarra es expandida y superada en una textura translúcida de sonidos, con el toque plumoso del baterista Paul Motian trabajando alrededor del complejo tapiz de líneas de guitarra creadas por Bro y su colega guitarrista Bill Frisell.

En “Evening Song”, el legendario saxofonista Lee Konitz se une al cuarteto y toca con un tono que parece encarnar la belleza y el dolor de la vida, en tanto que “Terrace Place”, con su leve disonancia y carácter melancólico, encuentra a los músicos hablando un lenguaje unificado, donde las cuerdas y loops de los guitarristas son doblados y se complementan con el soplido circular de Konitz y los elegantes, casi invisibles, patterns de bajo de Ben Street.

Balladeering es una verdadera obra de arte, que reúne a lo mejor en los participantes; Konitz no ha tocado mejor en algún tiempo. El álbum, sin embargo, no es sobre el esplendor individual, más bien es una prueba de jazz como una forma de arte de audiencia, que invita a lo inesperado y trasciende egos. Tanta belleza sólo es posible si las composiciones no limitan el potencial de la música. Aquí, todas las posibilidades están abiertas y el resultado es una música que es infinitamente rica en su democrática belleza.

Nota: Balladeering está disponible tanto como un CD simple, como una caja de lujo, que incluye el álbum en CD, un vinilo y el fascinante documental de Blicher sobre el ‘ making of ‘ del disco, “Weightless: A Recording Session with Jakob Bro”.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=34901#.UVZIpjc_QU8

Apunte: Domingo al mediodía. Otoño nos regala hoy un hermoso y cálido día de sol. Por mi cabeza pasa desde hace varios días la necesidad de escuchar (una vez más) y decir algo de Balladeering. Comienzo a encender el fuego para el tradicional asadito argento y, paralelamente Bro, Frisell, Konitz, Motian y Street empiezan a tocar. Poesía, contemplación, calma, expresivos silencios, espacios abiertos, deambular despreocupadamente sin rumbo fijo, son palabras y frases que vienen a mi mente mientras los temas se van sucediendo. Se reafirma en mi, la idea de que Bro es antes que guitarrista, una suerte de director de cine que tiene bosquejos de lo que quiere, pero que confía plenamente en que los actores elegidos improvisen e interpreten desde sus propias sabidurías. En los álbumes anteriores que hemos escuchado de Bro, Mark Turner y Chris Cheek eran quienes expresaban claramente el tono y las emociones; en Balladeering esa tarea queda casi exclusivamente en las manos del brillante Lee Konitz, mientras que Bro y Frisell se dedican a crear atmósferas plenas de preciosos detalles sonoros. Balladeering, a mi entender, hasta el año 2009 representa un paso evolutivo en la búsqueda artística de Jakob Bro. El disco llegó a su fin y empezó a correr “Time” editado en el 2011, pero mi asadito está pronto (como dicen los amigos uruguayos), así que por el momento doy “stop”, pero continuará…

Track Listing

1. Weightless (5:30)
2. Evening Song (4:38)
3. Vraa (7:12)
4. Starting Point (Acoustic Version) (4:17)
5. Greenland (7:15)
6. Terrace Place (5:00)
7. Sort (3:58)
8. Starting Point (Electric Version) (6:05)

Track Listing

Jakob Bro: guitar
Bill Frisell: guitar
Lee Konitz: alto saxophone
Ben Street: bass
Paul Motian: drums

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Jakob Bro

tapa The stars are all new songs 1
The Stars Are All New Songs Vol. 1(2008)

La transición del talento prometedor al artista bien establecido no es siempre fácil y algunos músicos parecen condenados a ser colocados en la eterna categoría “nueva voz interesante”. Claramente no es el caso con el joven guitarrista danés Jakob Bro, que se ha hecho uno de los principales estilistas en una nueva generación de guitarristas de jazz que incluyen a sus colegas en la banda de Paul Motian, Steve Cardenas y Ben Monder.

La evolución de Bro como artista ha sido un viaje hacia la simplicidad. Al principio de su carrera él escribió melodías muy complejas bajo la fuerte inflluencia del vanguardismo de Ornette Coleman. Ahora él ha encontrado una nueva estética que, en lugar de llenar el aire con notas, deja crecer a las melodías con silencios y espacios. La marca registrada de Bro se ha convertido en la creación de simples y encantadoras melodías que siempre insinúan más. Ha creado una nueva clase de complejidad que está determinada por lo que está alrededor de la forma y no por lo que está en ella. Su música muestra una respiración de tiempo similar a la música de Tomasz Stanko y Paul Motian, músicos a los cuales Bro acompaña en sus respectivas bandas.

Como el título, The Stars Are All New Songs Vol. 1, implica que el álbum es la primera parte de una trilogía que podría resultar ser el trabajo más ambicioso de Bro, aún. Los músicos involucrados habla del más alto nivel artístico: los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek, los guitarristas Bill Frisell y Kurt Rosenwinkel, y el baterista Paul Motian están entre los nombres enlistados, pero el álbum no es sobre esas “estrellas”, sino que es sobre las canciones, la música. Todos los nombres establecidos, con sus sonidos individuales, logran apartarse y hacerse parte del mundo de las composiciones de Bro, un mundo que es de verdad. Desde la apertura “Sound Flower”, con el entrelazado de tonos de Frisell y Bro, parecidos a una campana, se revela un singular universo de sonido que es orgánico como una flor. La mayoría de los tracks están construídos alrededor del cuarteto de Bro, Frisell, Motian y el excelente bajista Ben Street. Sin embargo, algunos de los highlights incluyen las suaves y aterciopeladas voces de Cheek y Turner. Cheek forma equipo con el legendario ícono del jazz danés, Jesper Zeuthen, en el despreocupado y melódico “The Boy From Saladan”, mientras Turner, Zeuthen y Andrew D’Angelo crean una pared de sonido en el inspirado vals “Duke Ellington Boulevard” y en el track a lo Mingus, “Drumscapes”. En todo, Bro maneja todos los aspectos del mundo del sonido.

Desde las soñadoras, surrealistas, abstractas, líneas melódicas de “Reconstructing A Dream”, que ve contribuyendo a Rosenwinkel, a la sentida balada, “Eugenie”, Bro conserva una única visión artística. The Stars Are New Songs Vol. 1 es el paso siguiente en el proceso creativo de Bro. Muchos proyectos se alinean en el futuro y es imposible saber cual será su siguiente paso, pero este álbum claramente acentúa que Bro ha encontrado su propio camino a las estrellas y los amantes del jazz moderno se estarían engañando si no lo escucharan.

Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=29632#.UVZFTjc_QU8

Apunte: repasando la lista de músicos intervinientes, uno no puede menos que sorprenderse al ver la calidad de todos ellos, pero, como bien señala Jakob Baekgaard en la reseña traducida, aquí las estrellas son las nuevas canciones de Bro. Como parece ser su zona de confort, la calma, las lentas melodías, son los rasgos distintivos de Bro, que es más bien un detallista del sonido de su guitarra antes que un virtuoso extremo. “Origin” o “Waltzing Trees” tranquilamente podrían haber estado en la lista de temas del disco “Good Dog, Happy Man” de Frisell: tal es el grado de similitud que tienen por momentos los universos sonoros de Bro y Frisell. A mi humilde entender, las nuevas canciones se enriquecen, ganan en emoción, cuando intervienen los instrumentos de viento, en especial Turner y Cheek: “The Boy From Saladan”, efectivamente es un gran tema; “Duke Ellington Boulevard”, es otro. De los temas sin participación de los instrumentos de vientos, “Reconstructing A Dream” logra transmitir un clima onírico. El álbum cierra de manera plácida, con la balada “Eugenie”, con las guitarras languideciendo dulcemente, mientras el maestro Motian deleita con recursos mínimos, sutiles y exactos.

Track Listing

1. Sound Flower (5:35)
2. Origin (4:48)
3. The Boy From Saladan (5:47)
4. Romantics (4:25)
5. Duke Ellington Boulevard (4:55)
6. Waltzing Trees (5:36)
7. Reconstructing A Dream (5:28)
8. Drumscapes (2:54)
9. Eugenie (5:12)

Artist List

Bill Frisell: guitar
Kurt Rosenwinkel: guitar
Jakob Bro: guitar
Chris Cheek: tenor sax
Mark Turner: tenor sax
Jesper Zeuthen: alto sax
Andrew D’Angelo: bass clarinet
Ben Street: bass
Paul Motian: drums

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Jakob Bro

tapa Sidetracked
Sidetracked (2005)

Sidetracked es el segundo álbum de Jakob Bro, el cual se destaca como un original híbrido entre el jazz, la música ambient y la electrónica. Después de haberse desempeñado principalmente, en distintas constelaciones relacionadas con el jazz, este álbum presenta otra dimensión del universo musical de Bro. Su característico sonido de guitarra ha sido reducido a un mínimo, a favor de la electrónica, acordes sintetizados y beats programados, combinado con un número de músicos especialmente invitados tocando en varios de los tracks. Sidetracked se destaca como una mezcla vibrante de ideas musicales y géneros suspendidos en un refrescante y excitante cruce de campos -algo que también se pone de manifiesto por el hecho de que el álbum fue recompensado con dos premios de la música danesa en el año 2006, uno por “Danish Jazz Release of the Year” y el otro por “Crossover Release of the Year”

Apunte: Primera incursión en el mundo de Jakob Bro, que como veremos en los próximos posteos es bien particular porque la música que Bro ofrece es un contemplativo y atmosférico cruce de géneros. En Sidetracked, Bro toca solo (eventualmente) guitarra acústica y se concentra en generar sutiles capaz electrónicas y detalles de sonido para crear bellas melodías y allanar el camino a Mark Turner, Chris Cheek y Chris Speed, las verdaderas voces solistas de este disco. Ejemplo de esto último que les digo (y mis highligths) son los bellos temas “A Head Full Of Stars”, “Freedom Beach”, “Hometown Melodies” y “Twilight Detour”. Para escuchar sin apuros, Sidetracked es un álbum manso y tranquilo que se disfruta de principio a fin.

Fuente para la reseña: http://www.jazzloft.com/p-53385-sidetracked.aspx

Track Listing

01. Introduction (:51)
02. The Dark Side (5:37)
03. Three To See The King (3:02)
04. A Head Full Of Stars (5:00)
05. Freedom Beach (4:39)
06. Sleep (4:10)
07. Out Of Time (3:22)
08. Dear Old South (1:31)
09. Hometown Melodies (4:15)
10. Green Sky (4:46)
11. Twilight Detour (4:14)

Artist List

Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone
Chris Speed: saxophone, clarinet
Ben Street: bass
Jonas Westergaard: bowed bass
Jakob Bro: acoustic guitar, programming
Rune Borup: keyboards, programming

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Philip Catherine

tapa Cote Jardin
Côté Jardin (2012)

Con «Côté Jardin», producido por su amigo Hein van de Geyn, Philip Catherine festeja su 70 aniversario de manera soberbia. Él, que ha cruzado por el jazz americano, de Charles Mingus a Chet Baker, pasando por Tom Harrell, Dexter Gordon o Joe Lovano, y también por la crema del jazz europeo como Stéphane Grappelli, Joachim Kuhn, Didier Lockwood, Enrico Pieranunzi o Richard Galliano, sabe permanecer fiel a la amistad, como lo demuestra la presencia en el contrabajo de Philippe Aerts, que está a su lado desde hace más de 20 años (desde un memorable Jazz à Liège de 1991 en trío junto a Charlie Mariano, hasta el álbum “Play Cole Porter” de 2011), pero también sabe ir al descubrimiento de nuevos talentos, como es el joven pianista de origen italiano Nicola Andrioli, al que particularmente oyó en el seno del Quinteto de Mimio Verderame o a la cabeza de su propio trío, o el baterista Antoine Pierre al que descubrió al lado de Igor Gehenot, Greg y Steve Houben o de Serge Lazarévitch en el Pelzer Jazz Club y de Enrico Pieranunzi en Maastricht. Además de esto, para que el Cuarteto sea de terciopelo, Philippe Decock destila, sobre su sintetizador, discretas coloraciones irisadas como antes lo habían hecho para él, Michel Herr en el álbum “Transparence” de 1986 y Kevin Mulligan para “Oscar” de 1990. Por último, en el canto, Isabelle, la hija de Philip, interpreta, con mucho de encanto, las palabras que Jacques Duvall ha presentado en “Côté Jardin”. El repertorio, contiene tres melodías originales de Nicola Andrioli (“Lost Land”, “La prima Vera”, “Karagoz”), una versión alegremente revisitada de “Je Me Suis Fait Tout Petit” de Brassens y, por fin, ocho composiciones personales de Philip, como tantos jalones que subrayan su incomparable carrera: de nuevos títulos como “Misty Cliffs” y “Seven Teas” pero también el gran clásico “Janet” tocado muchas veces con Charlie Mariano (álbum “Sleep my love” de 1979 o “End of August” de 1982), “Côté Jardin” presente en el cd “Moods” en compañía de Tom Harrell en 1992, “Gilles et Mirona” presente en “Summer Night” en 2002, “The Hostage” y “Yellow Landscape” del álbum Meeting Colours grabado en compañía de la Brussels Jazz Orchestra en 2005, y finalmente “Virtuous Woman” de la época en que Philip reemplazó a Jan Akkerman en el seno del grupo Focus en el año 1976. Pero, cualquiera que sea el repertorio, encontramos la misma magia y, primero, esa sonoridad inimitable, esa nota que canta. Es raro que se pueda identificar a un guitarrista desde la primera nota: es el caso con Philip en esta alianza sutil entre lirismo solar (“Misty Cliff”, “Gilles et Mirona”) y agudo sentido del ritmo (“La Prima Vera”), galvanizado aquí no solo por el drive enérgico, sino también fluido y preciso, de Antoine Pierre que da pruebas de una asombrosa madurez para su edad (20 años). La musicalidad extraordinaria de Philip Catherine valora también el clima de empatía efectiva que lo une a sus músicos: una complicidad totalmente natural y antigua con Philippe Aerts en el juego siempre tan melódico, complicidad totalmente nueva con Nicola Andrioli que comparte el mismo lirismo trasparente (“Lost Land”) y con Antoine Pierre que aporta al grupo nuevas coloraciones rítmicas: un toque de udu en “Virtuous Woman” o este sutil e inventivo solo con campanillas y címbalos chinos en “Janet”. Así como lo ha dicho tan bien el crítico francés Francis Marmande del Monde: “Philip Catherine no toca música, es la música”.

Fuente para la reseña: Claude Loxhay para http://jazzaroundmag.com/?p=2075

Apunte: amigos, para despedir el año 2012 y recibir el 2013, creo que Côté Jardin es un buen compañero. A sus 70 años, Catherine revisita temas de su prolífica carrera con su habitual elegancia y dosis precisas de virtuosismo. La banda que lo secunda es impecable y el hecho de que haya temas de las diferentes épocas de Catherine, más las buenas composiciones del pianista Nicola Andrioli, no altera la solidez y el equilibrio general del disco. Está claro que a los 70, Catherine ya no cambiará bruscamente la dirección de su música pero tiene la sabiduría para dejarnos un álbum más que agradable, fino y con las acentuaciones exactas. Que tengan un muy feliz fin de año y un aún más feliz año 2013!!!

Track listing

01. Misty Cliffs (4:36)
02. Seven Teas (2:21)
03. Lost Land (5:06)
04. La Prima Vera (7:05)
05. Côté Jardin (3:15)
06. The Hostage (6:31)
07. Virtuous Woman (5:10)
08. Yellow Landscape (5:10)
09. Janet (5:21)
10. Je Me Suis Fait Tout Petit (3:28)
11. Gilles Et Mirona (6:23)
12. Karagoz (5:52)

Artist List

Philip Catherine: guitars
Isabelle Catherine: vocals (5)
Philippe Aerts: bass
Nicola Andrioli: piano
Philippe Decock: keyboards
Antoine Pierre: drums, percussions

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Stéphane Galland


Lobi (2012)

El punto de partida del proyecto es mi encuentro en julio de 2010 con el pianista armenio residente actualmente en los Estados Unidos, Tigran Hamasyan. Joven pianista (nacido en 1987), ganador del concurso internacional Thelonious Monk en 2006, Tigran se aparta de las demás pianistas por su enfoque extraordinariamente rítmico del jazz en un sentido amplio del piano, y en su forma sutilmente inteligente de destilar su patrimonio cultural y las particularidades semióticas de la música armenia, para un resultado emocional sonoro único y extremadamente intenso.

Mi encuentro, algunos meses más tarde en Estambul, con el maestro indiscutible de percusión turca, Misirli Ahmet, estableció en mi espíritu una evidente asociación con Tigran Hamasyan. Este gran maestro es el creador de una nueva técnica de percusión, que ahora se llama comúnmente “técnica turca”. Investigador infatigable, Misirli Ahmet ha cuestionado toda su base tradicional adquirida durante largos años de práctica, aprovechando las otras tradiciones (egipcias, indias, etc. ) para ir más lejos y crear un estilo y una técnica totalmente nuevos que ahora es escuela. Su interés por esas tradiciones y por la novedad, ha motivado en mí un vehemente deseo de explorar algunas de las infinitas posibilidades de desarrollo que este enfoque permite.

Estos encuentros determinantes, fueron el punto de partida de la voluntad de lograr un proyecto que haría la parte hermosa de lo que estos músicos representan: una exploración de nuevos desarrollos musicales construida sobre los fundaciones inmutables de tradiciones ancestrales. Esta es la idea genérica de este proyecto.

El flautista-cantante Magic Malik, debido a que las numerosas asociaciones que nos han relacionados anteriormente me han marcado profundamente, me ha surgido como un perfecto asociado, del hecho de su enfoque personal del arte en general, combinando un lado intelectual analítico sumamente llevado a una intuición igualmente muy natural, asociación bastante rara para ser destacada. Por su doble origen, Guadalupe/Costa de Marfil, su educación musical clásica en Francia, sus variadas experiencias musicales, Magic Malik pasó a ser un elemento clave para la realización de este proyecto. Su experiencia multicultural única, sus raíces, así como su facultad de adaptación a la novedad, no dejan duda alguna a su singular y enriquecedor valor en el marco de este proyecto.

En cuanto a mi compañero de siempre, el bajista Michel Hatzigeorgiou, cuyos innumerables proyectos comunes e infinitamente enriquecedores han alimentado nuestra relación, de una comprensión musical casi telepática, y que ese solo hecho justifica ampliamente la necesidad de su participación en el proyecto, también es portador del patrimonio cultural ancestral infinitamente rico de Grecia. Michel no es sólo uno de los mejores bajistas actuales, sino también un excelente ejecutante de Bouzouki, frecuentemente solicitado para proyectos tradicionales griegos. Mi deseo es que ambos lados de su personalidad musical tengan su interés y lugar en el proyecto.

(Michel Hatzigeorgiou sufrió un contratiempo y se vio obligado a renunciar a su participación en LOBI con Stéphane Galland. El prestigioso bajista español Carles Benavent (Paco de Lucia, Miles Davis, Chick Corea, etc) fue seleccionado por Stéphane Galland para sustituir a Michel Hatzigeorgiou.)

Se trata de preparar una música completamente actual y viva, que se basará en los elementos tradicionales ancestrales. Este alimento extraordinario, de una intensidad y una potencia emocional fenomenal, se llevará a cabo en tantos desarrollos que la experiencia individual y colectiva de los miembros del grupo permitirá, en el espíritu de una entidad musical propia, nueva y benefactora. Y entre estos desarrollos, mi deseo es profundizar allí, para una parte consecuente, el aspecto rítmico que particularmente me interesa muchísimo, y que guió mi elección en relación a estas personalidades únicas, en el sentido de considerar en ciertos momentos al grupo como un verdadero conjunto de percusión, o cada instrumento, y ni siquiera la sección rítmica, toma un papel rítmico como podemos oírlo en ciertas tribus africanas que utilizan instrumentos melódicos de manera principalmente rítmica. Tigran Hamasyan y Magic Malik como instrumentistas de tendencia manifiestamente melódica y armónica, ya tratan con familiaridad este tipo de enfoque.

Lobi, utilizado por Pierre Vandormael como título de una canción co-compuesta conmigo, puede ser considerado como un homenaje a esa personalidad destacada de mi vida. Este término significa en Lingala (la lengua del Congo) “ayer y en el futuro”, lo que está perfectamente adaptado al enfoque del proyecto: la de vincular el pasado de la tradición con el futuro de lo que no existe aún, con los medios del presente. Asimismo, designa a un pueblo de África, cuyo nombre provendría de las palabras “lou” (bosque) y “bi” (niños), y significaría pues “niños de los bosques”. La idea de realizar este proyecto de tal diversidad de elementos, cuyas raíces en las profundidades insondables de las tradiciones se estiran hacia multitudes de ramas o ramificaciones de la modernidad, y de realizarlas en el espíritu vivo y la naturaleza de la improvisación, merece mucho, para las diferentes personalidades musicales investidas, la comparación con estos niños del bosque.

Fuente para la reseña: Stéphane Galland, en relación con su creación LOBI – http://www.gaume-jazz.be/site/stephane-galland/

Apunte: Catarata musical. Este grupo es de virtuosos extremos, pero no desbarrancan corriendo carreras, por el contrario, la potencia y riqueza de las melodías, polirritmias, la alquimia bien lograda de músicas tradicionales de buena parte del mundo con la visión y la formación del siglo XXI y la instrumentación elegida, lo hace un disco exhuberante, magnífico, que levanta el espíritu. Voy a citar a “Lamma Bada Yatathanna” como la perla absoluta de este disco, con Tigran Hamasyan en su salsa, pero la realidad es que todo el disco es bellísimo; es injusto nombrar solo un tema. El disco termina y les aseguro que quieren volver a escucharlo. Y con el volumen alto, para que la vecindad se sacuda las penas. Sin dudas, uno de mis candidatos a disco del año 2012.

Track Listing

01. En Ruta (3:32)
02. Aparani Par (5:06)
03. Para Para (5:20)
04. Ioio (5:25)
05. Pralaya (1:36)
06. Pygmalyte (4:18)
07. Ali Pasha (6:35)
08. Sky Is Cloudy (5:01)
09. Lamma Bada Yatathanna (9:57)
10. Memory from Times of Yore (7:46)
11. Hommage a Minino (5:32)

Artist List

Stéphane Galland: drums
Magic Malik: flute, vocals
Tigran Hamasyan: piano
Petar Ralchev: accordion
Carles Benavent: bass
Mısırlı Ahmet: percussion

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Fima Ephron

tapa Soul Machine

Soul Machine (2001)

El bajista Fima Ephron es bien conocido por su afiliación con muchos de los músicos que comprenden la fértil y generalmente investigadora escena del Downtown de la ciudad de Nueva York. La participación de Ephron con la excelente banda Lost Tribe, recientes colaboraciones con el héroe de guitarra eléctrica David “Fuze” Fiuczynski, significan sólo algunos de sus esfuerzos, además de disfrutar el status de músico de sesión de primera llamada. Con su estreno, el artista procura el apoyo de sus compañeros de Lost Tribe, el saxofonista David Binney y el guitarrista Adam Rogers. Sin embargo, el ventoso y a veces ardiente trabajo del Fender Rhodes del tecladista Edward Simon, acciona un estilo jazz-rock de los años 70, mientras que el líder y el baterista Jim Black se recuestan en ritmos a menudo fuertes.

Simplemente, Ephron no somete a sumisión a su bajo eléctrico. Él no basa su acercamiento en la ejecución de llamativas 16 notas o escapadas slapping sobre las cuerdas, aunque pueda elevarse a la zona roja cuando se lo requiera. Esencialmente, el bajista posee un tono brillante, realzado por su bombeo de notas y la capacidad de utilizar todos los registros como un vehículo para la armonización o la acentuación. En la obra titulada “Hasidic Folk Song”, Ephron da líneas puntuales encima del pulso que florece de Jim Black y de una refllexiva conducción de David Binney de una melodía folk judía..

Los músicos se entrelazan en backbeats de métrica impar, con un sentido distinto de extensión temática, mientras Rogers y Binney generan mucho entusiasmo vía su crescendos abrasadores e intrincadamente desarrolladas variaciones armónicas. Con “A Desert Storm”, la banda se aventura en una vibración ligeramente irónica-psicodélica-espacial, gracias a los tratamientos basados en EFX de David Torn y un groove ostinato sintetizado, encima de las secciones de ritmo que surgen bajo las corrientes. Así, Soul Machine es todo sobre la coexistencia de la música folklórica judía y el gustoso tipo de interacción con el jazz moderno, mientras el ensamble aumenta su paladar con astutamente arreglados motivos de jazz-fusion. Las composiciones ingeniosamente preparadas de Ephron, paralelamente tambien destacan la marcha y el vigor de un artista que tiene bastante para decir. Recomendado!

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/reviews/r1201_086.htm#.UIQaAWd0ig8

Track Listing – Soul Machine

01. Yemenite (2:21)
02. Hasidic Folk Song (6:22)
03. Pyramid (5:37)
04. Oyfin (2:48)
05. Yashkar (4:19)
06. Moses (6:19)
07. A Desert Storm (6:20)
08. Scroll (1:58)
09. Deadly Play Of Numbers (5:29)
10. Noir (2:25)

Artist List

Fima Ephron: bass
Edward Simon: keys
Jim Black: drums
David Binney: saxophone, clarinet (6)
Adam Rogers: guitar

Special Guests:

David Torn: oud, samples, voice (6)
Buba Gisa Majerowitz: voice on (10)
Mike Ephron: voice (4)
Greg Wall: clarinet (6)

tapa Quiet City

Quiet City (2010)

Resulta extraño no haber podido encontrar una (al menos una!) reseña de este disco, teniendo en cuenta sobre todo la alineación de primer nivel con la que cuenta Quiet City, que bien podría haber llamado la atención, pero, intuyo, pesa más el hecho de ser un disco editado por una discográfica sin llegada a los medios de comunicación. No importa cuan bueno pueda ser un disco, si no viene “apalancado”, es difícil que digamos algo de él, parece decir el negocio de la música. Bueno, este humilde blog del conurbano del mundo, quiere decir algunas cosas respecto a Quiet City. Nueve años después del buen “Soul Machine”, editado en el 2001 por Tzadik Records, Fima Ephron vuelve con Quiet City su, hasta ahora, última producción editada de manera independiente. Ephron ha partícipado de innumerables proyectos (puede verse un detalle de esto en su sitio web http://www.fimaephron.com/bio.html) y resulta gratificante ver que quienes lo acompañaron en su debut, vuelvan a hacerlo tanto tiempo después. Eso es un claro ejemplo de amistad y camaradería que envuelve a este proyecto, y es el clima que sobrevuela a lo largo de los 12 tracks. Clima de trabajo de una sólida banda, y no de acompañantes de un solista. Quiet City de alguna manera continúa lo iniciado en Soul Machine, pero ya liberado del anclaje judeo-folk. Apoyado un poco más en la fusión jazz-rockera de los ’70 impulsada por el Fender Rhodes de Ed Simon, la música puede dar sus giros y por momentos sonar un poco más vanguardista, otras más jazz contemporánea, otras con bases electrónicas, pero bajista al fin, Ephron gusta de melodías donde el ritmo está bien marcado. Las voces solistas fundamentalmente están encabezadas (y cómo no hacerlo así!!) por Binney y Julian Arguelles, siendo convincentes e imaginativos.
Los highlights del disco: la hermosa sensación de libertad que transmite “Kids Logic” con Binney brillante; el tándem conformado por “The Lands End” (lindo arreglo de teclados sobre el bajo de Ephron, con un solo cortito de Rogers en la eléctrica), más “Big Sky” (balada con Rogers en la acústica, lo cual siempre es un placer escuchar, otra vez Simon en el Fender Rhodes y Binney en un plan más sentimental); el dúo al unísono de Binney-Arguelles en “The Vibe”; los grooves pegadizos de “Nigth Sky”, “Shift” y “Tricky”; el buen cierre con la melancólica “Saraj” (tranquilo diálogo entre las distintas voces). En definitiva un muy buen álbum, con buenas composiciones, para un amplio público, dado tanto por su valor melódico como por la inteligencia aplicada en sus arreglos. Espero lo disfruten.

Track Listing – Quiet City

01. Green Light (6:21)
02. Distort (0:30)
03. Matrix (8:11)
04. Kids Logic (4:13)
05. The Lands End (1:39)
06. Big Sky (4:41)
07. The Vibe (4:42)
08. 5Yo (5:21)
09. Night Sky (3:32)
10. Shift (4:25)
11. Tricky (5:27)
12. Saraj (5:02)

Artist List

Fima Ephron: bass
Jim Black: drums
Adam Rogers: guitar
David Binney: alto saxophone
Martin France: drums
Edward Simon: keyboards
Julian Arguelles: tenor saxophone
Emilie Cardinaux: voice on #9

Password en ambos casos: presoventanilla