Preso ventanilla


Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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Andre Canniere

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As Of Yet (2006)

El debut del trompetista André Canniere es la prueba auditiva que cosas buenas pueden bajar de la Torre de Marfil. Cada uno de los músicos en As of Yet es diplomado de la Eastman School of Music (Canniere en 2003), pero ellos superan los típicos estereotipos a menudo asociados con músicos entrenados por universidades, el más común de ellos es que “piensan” la música, antes que “sentirla”. Como muestra este álbum, mucho de lo que solía ser considerado música académica ha sido asimilada por una nueva generación de músicos que se sienten tan cómodos en la periferia como en el bolsillo. (En aras de plena revelación, he conocido varios de estos músicos durante años).

La grabación abre con la pista del título, una colección de intrincadas melodías construídas lentamente sobre una sólida línea de bajo de Ike Sturm. Canniere y el saxofonista Josh Rutner en el se meten en el anillo para cortar y tejer uno alrededor del otro para llevar a la pieza a un punto culminante. La melodía laxa pero intrincada estaría bastante en casa en un registro de Ben Allison o Dave Douglas

Rutner abre “Bridges” en un estilo Brecker-Berg- un aspecto de su manera de tocar más relacionado con su trabajo “latino”, antes que en su banda principal, The Respect Sextet. La melodía gospel es propulsada por los tambores rodantes de Ted Poor, quien ha estado haciendo su propio nombre desde hace pocos años atrás en un trío conducido por el trompetista Cuong Vu.

“Accelerated Decrepitude” tiene una melodía con influencias balcánicas que conduce al fuerte trabajo de trompeta de Canniere. El guitarrista Ryan Ferreira abre la pieza con tonos de ataque menos largos, luego cambia a un puntiagudo comping bajo los solos.

Una cuestión programática con el registro es la preponderancia de melodías lentas, ligeras. Tras las dos pistas de apertura, el disco probablemente podría haber sido hecho sin “The Rest”, otro enredado lento. Cortarlo, sin embargo, significaría quedarse sin el puntilloso y precioso solo de guitarra de Ferreira. No sorprende que Ferreira sea el guitarrista elegido por Canniere, dado los trabajos anteriores del trompetista con Ben Monder, otro guitarrista que hace maravillas con espacios abiertos.

El CD se cierra con tres temas en directo de una calidad mejor que bootleg, grabados en diversos clubes de la ciudad de New York en 2005. Ryan Ferreira muta en otra criatura en “Thirteenth Species”. Ha desaparecido el sonido Frisell y los espacios tamaño camión Mack entre cada nota, sustituido por una conducción fuzz chop que impulsa a Rutner a gritar en las alturas. A continuación, la música toma otro giro a la izquierda y Poor y Ferreira, inician una monstruosa marcha a lo Metallica detrás del solo de Canniere. Apasionante. Versiones en vivo de “As of Yet” y “Accelerated Decrepitude” cierran la grabación.

A pesar de unos pocos spots más lentos que lo necesario, As of Yet es una fuerte declaración de apertura de Canniere, que se ha sumergido con cada uno de la escena de New York, de María Schneider y Donny McCaslin a la Westchester Chamber Orchestra y la New York Repertory Orchestra. Su debut da a los oyentes una razón para esperar en la parte inferior de la Torre de Marfil para ver qué más podría descender de los sagrados recintos de la academia.

Fuente para la reseña: Jason Crane para https://www.allaboutjazz.com/as-of-yet-andre-canniere-omatic-records-review-by-jason-crane.php

Track Listing – As Of Yet

1. As Of Yet (11:55)
2. Bridges (7:05)
3. Accelerated Decrepitude (6:17)
4. The Rest (6:08)
5. 13th Species (live bonus) (7:40)
6. As Of Yet (live bonus) (14:01)
7. Accelerated Decrepitude (live bonus) (8:28)

Artist List

Andre Canniere: trumpet/composer
Josh Rutner: tenor saxophone
Ryan Ferreira: guitar
Ike Sturm: bass
Ted Poor: drums

tapa-forward-space
Forward Space (2012)

Aunque Estados Unidos todavía puede reclamar ser el hogar del jazz y su mayor mercado comercial, hay todavía muchos músicos de aquel país que deciden ir a nuevas pasturas El trompetista Andre Canniere es uno de estos: un joven músico y compositor de EE.UU., que ahora está establecido en Londres. Como con muchos de sus emigrados compañeros músicos, él es un talentoso músico con originales ideas composicionales, y Forward Space demuestra que lo que es una pérdida para EE.UU., es una ganancia para el Reino Unido.

Canniere estudió en la Eastman School of Music, trabajo con artistas tales como Maria Schneider y Donny McCaslin y realizó su álbum debut As Of Yet (Omatic Records, 2006) antes de trasladarse al Reino Unido en el 2008. Desde el groove funk-encuentra-rock de apertura de “Cruch”, las repeticiones tipo trance de “Forward Space”, el ampuloso paseo de “Cure” y la espaciosa, considerada belleza de “September Piece” -la cual tiene algo de sonido nórdico- Canniere demuestra una capacidad para mezclar y combinar las influencias de diferentes géneros para crear un original cóctel todo propio. Esta música es accesible, con algunos ganchos preparados y algunas melodías atractivas, pero esta accesibilidad nunca es el resultado del exceso de temas familiares o banal y simplista escritura.

Los duros, efervescentes, ritmos en Forward Space exclaman en los parlantes. El bajista Ryan Trebilcock es el personaje clave aquí, trabajando en tándem con Jon Scott o con Chris Vatalaro en baterías. Ambas combinaciones dan a Canniere y Hannes Riepler la seguridad de un sólido latido del corazón sobre el cual el trompetista y el guitarrista pueden tejer sus inventivas líneas. Riepler y el tecladista George Fogel son igualmente adecuados para los roles de ritmo y liderazgo; el trabajo de Fogel en teclados eléctricos funciona especialmente bien en establecer el “mood” de una pieza. Canniere toca la trompeta en la mayoría de las canciones, pero también resulta ser algo de un multi-instrumentista, tocando todo en la delicadamente suelta “Song For J.”, dedicada a su hijo Jonas.

Canniere toma su inspiración de la política y economía mundial, así como de su propia familia, haciendo de Forward Space algo no predecible, pero siempre tocado desde el corazón.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para https://www.allaboutjazz.com/forward-space-andre-canniere-whirlwind-recordings-ltd-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Forward Space

1. Crunch (6:43)
2. Forward Space (5:48)
3. Cure (7:59)
4. Marshlands Blackout (7:00)
5. September Piece (6:02)
6. Lost In Translation (6:18)
7. Spreading Hypocrisy (5:45)
8. Song For J (4:13)

Artist List

Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (4), melodica (3), Rhodes piano (8), guitar (8), cahon (8)
Hannes Riepler: guitar
George Fogel: piano, keyboards
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums (2, 6, 7)
Chris Vatalaro: drums (1, 3-5)

tapa-coalescence
Coalescence (2013)

Coalescence es el título perfecto para esta fascinante colección de Andre Canniere. La idea que nuestras experiencias e influencias son absorbidas en un todo más grande trabaja en muchos niveles, tanto personal como musical. Algunos quisieran hacernos creer que la verdadera originalidad en estos tiempos post-modernos viene sólo a través de la yuxtaposición de los diferentes elementos e influencias en nuevas combinaciones y formas. Esto es, por supuesto, discutible y enciende el antiguo argumento ‘naturaleza o nutrición’, en la medida en que tenemos una esencia individual identificable o propia.

Tengo la sospecha de ello, el segundo álbum de Canniere tras “Forward Space” desde el 2012, que probablemente podría inclinarse hacia el lado de la nutrición que divide, dado las insinuaciones que él da al explicar las inspiraciones detrás de los títulos de las canciones en las notas del álbum. Así, la animada apertura “Sweden Hill” está inspirada en…”recuerdos fragmentados de la pequeña ciudad rural donde pasé los primeros cinco años de mi vida”. La pieza pasa a través de una animada estructura episódica en la que el pianista Ivo Neame brilla no sólo en la apertura de rítmica latina y su impresionista solo sino también en su reflexivo diálogo con Canniere durante el último solo. De modo similar “Gibbs & East” es un homenaje a Rochester NY, aunque el significado del lugar para el compositor no es divulgado, como también es el caso con el evocador y sereno cierre del álbum “Elk Run”, un tranquilo camino de tierra en el norte de Pennsylvania, aparentemente. Esta última pieza es la única balada del álbum y se siente como si deseara indicar el final de un viaje, o, al menos, una reflexión sobre la pérdida durante el mismo. Neame otra vez sobresale aquí, su inicialmente circunspecto solo construye un lento y burbujeante climax.

Estos fragmentos biográficos sugieren que Canniere es un interesante personaje, una impresión reforzada por un rápido vistazo a su intimidante currículum, que incluye trabajos con Maria Schneider, Bjorkestra, Donny McCaslin & Darcy James Argue, y su decisión de trasladarse a Londres en 2008. Nuevamente las notas del álbum revelan que “Nylon” fue inspirada por esta salida y llegada dibujando un amplio y free solo de Canniere en la última sección de la pieza. La única reserva de esta composición es, sin embargo, el solo de guitarra de Hannes Riepler el cual se siente demasiado apoyado en el estilo AOR (Adult Rock Oriented) de los ´80 para mi gusto personal, pero que no puede ser una cuestión para otros. En otras partes las contribuciones de Riepler son perceptiblemente más circunspectas, encajan bien con el ensamble y el “mood” de las piezas, de modo que es muy descabellado sugerir que el solo pretendía demostrar lo que Canniere ha dejado en los EE.UU.?

Otra manera en que Canniere es inusual es en su deseo de comunicar o conectar con determinados temas o conceptos a través de la música instrumental. Así, mientras muchos contemporáneos evitan conexiones con los problemas del mundo real, “Gaslands” es una melancólica conversación principalmente entre Canniere y Neame que es una protesta contra las prácticas ambientalmente cuestionables del fracking, destinada a extraer el gas de esquisto de la roca subyacente. “Point Zero” también se propone protestar contra las leyes de armas estadounidenses a la luz de los tiroteos del 2012 en Newtown. Ese deseo de comunicar sobre cuestiones reales, tal vez sorprendentemente sólo ha sido igualado recientemente en el jazz del Reino Unido por el Kairos 4tet, quién también destaca a Ivo Neame, y sugiere una interesante y meritoria trayectoria futura.

El álbum fue lanzado el pasado otoño, pero en realidad parece haber perdido en la temporada de box setas y buena voluntad para todos los hombres. Mientras la performance de Canniere en el lanzamiento como parte del Festival de exhibición del sello Whirlwind trajo avisos positivos, la colección como un todo parece haber recibido poca atención. Eso sería una lástima, creo que la calidad de las actuaciones de Canniere y Neame en particular son de un alto estándar y también es refrescante escuchar un álbum con esa rara ambición y deseo de conectar con los problemas del mundo real.

Fuente para la reseña: Phil Barnes para https://www.allaboutjazz.com/andre-canniere-coalescence-by-phil-barnes.php

Track Listing – Coalescence

1. Sweden Hill (8:32)
2. Gibbs and East (3:48)
3. Nylon (6:31)
4. Gaslands (7:00)
5. Zuid Intro (1:46)
6. Zuid (9:27)
7. Parallax (7:10)
8. Point Zero (4:13)
9. Elk Run (6:41)

Artist List

Andre Canniere: trumpet
Ivo Neame: piano, accordion
Hannes Riepler: guitar
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums

Apunte: Originario de la zona rural de Pennsylvania (E.E.U.U.), Canniere es un aclamado trompetista, compositor y educador establecido actualmente en Londres. Durante los aproximadamente cinco años que desarrolló su carrera en su pais de origen, Canniere trabajó con artistas tales como Maria Schneider, Becca Stevens, Donny McCaslin, Kate McGarry, Ingrid Jensen y Darcy James Argue, actuando en giras por los EE UU y Europa y performances en el Wigmore Hall, Carnegie Hall, The Barbican, Birdland, The London Jazz Festival, The Hague Jazz Festival y The Rochester International Jazz Festival. Desde su arribo al Reino Unido, el perfil de Canniere ha ido siempre en ascenso, tanto como artista solista o como colaborador. Su debut en el sello Whirlwind Recordings con el disco Forward Space (2012) fue según la revista especializada Jazzwise “uno de los mejores registros en largo tiempo” y además listado como uno de los mejores álbumes del 2012. Al año siguiente, lanza Coalescence, su segundo disco en Whirlwind Recordings el cual fue igualmente alabado por la prensa y estableció firmemente a Canniere como “uno de los artistas más convincentes de la actual escena del jazz londinense” (The Scotsman). Como compositor, Canniere ha sido descripto como “un recién llegado imaginativo” cuya música es “audazmente trabajada” y “muestra atisbos de una insólita fluidez y libertad dentro del contexto de un sonido de jazz contemporáneo denso y rítmicamente intrincado” (Guardian). La revista Jazzwise entiende que “las composiciones de Canniere contrastan elementos de jazz y folk con un más oscuro lenguaje armónico que extrae de Radiohead y un acercamiento más crudo rockero, basado en el groove, traído de la escena alternativa jazzera de Nueva York”. Además de sus trabajos como líder de banda y compositor, Canniere mantiene una activa carrera como sideman y músico de sesión. Ocupa la silla de trompetista en diversas bandas establecidas en Londres, incluyendo a Henrik Jensen’s Followed By Thirteen, Dee Byrne’s Entropi y The Overground Collective. También ha colaborado con otros celebrados artistas del jazz en el Reino Unido como son Michael Janisch, Jasper Hoiby, Ivo Neame, Jim Hart, James Maddren, Alex Garnett y Alice Zawadzki. Recientemente, ha lanzado “The Darkening Blue” su tercer y último disco a la fecha, también por el sello Whirlwind Recordings, pero aún no ha llegado al barrio…estaremos atentos!!

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Chris Dingman

tapa Waking Dreams
Waking Dreams (2011)

Conocido como compañero de banda del saxofonista Steve Lehman (en “Travail, Transformation, and Flow” y “On Meaning”), del baterista Harris Eisenstadt (en “Canada Day” y “Canada Day II”) y del trompetista aquí presente (en “Prelude to Cora”), Chris Dingman nos presenta aquí, rodeado por un conjunto de músicos del más alto nivel, su debut como líder, con un resultado difícilmente superable.

“Prelude” y “Vijayanagara”, las dos pistas que abren el disco, secuenciadas sin interrupción entre si, están marcadas por el tipo de lirismo que hace imposible (o incomprensible) que uno quede indiferente, pero más importante aún es la tensión creada por ellos, una atmósfera de suspenso y misterio que despierta en el oyente una curiosidad por escuchar el resto de esta obra. Y la verdad es que poco o nada de lo que sigue desilusiona. “Jet Lag” se nos presenta por el contrabajo de Joe Sanders, que luego se junta con la batería de Justin Brown, momento a partir del cual nos sentimos en la presencia de una de las mejores secciones rítmicas de hoy, y el interés en lo que nos espera sigue en aumento. Sigue un unísono de trompeta, saxo y vibráfono sobre los acordes de Fabian Almazan en el Fender Rhodes, que, haciendo justicia al título del tema, me dejó mareado y con la cabeza en un remolino. La temperatura aumenta aún más, como es de esperar, con el solo de Ambrose Akinmusire, después de lo cual el vibrafonista trata gentilmente de adornar una nueva sección escrita que antecede al retorno del vertiginoso tema, esta vez con interesantes variaciones de Loren Stillman. El final tomado por el fantasma de la guitarra de Ryan Ferreira y por el vibráfono del líder es lo menos que uno puede esperar…solo por aquello que se puede escuchar en estos 15 minutos iniciales, el disco valdría -y mucho- la pena.

“Manhattan Bridge” me suena como una forma de reconocimiento de parte de Chris Dingman a la importancia de Bobby Hutcherson, en particular de su producción para Blue Note a lo largo de los años ’60. Es una emocionante balada, casi toda tomada en cuarteto y con dos magníficos solos de piano y vibráfono, en cuya apoteosis se une Akinmusire a la trompeta. La conexión con el gran maestro del vibráfono pasa a ser más explícita en una versión de “Nocturnal”, una composición del baterista Joe Chambers que integrara “Patterns”, álbum grabado en 1968 a nombre de Hutcherson. Si la flauta invitada de Erica Von Kleist no me satisfizo en exceso en “Same Coin”, es usada con el mejor de los efectos en la lectura del tema de Chambers, no adeudando nada a la prestación de James Spalding en el original.

“Indian Hill” (así como los breves “Reflection” y “Epilogue: Stillness”) bien podría ser una pieza de autoría del trompetista, siendo bastante obvia su similitud con “Henya”, uno de los más espectaculares temas de su álbum “When The Heart Emerges Glistening”.

Waking Dreams es, como aquel álbum del trompetista (y como otros recientes estrenos discográficos de Carlo De Rosa, Travis Reuter, Curtis Macdonald o Ben Van Gelder – véase “Frame of Reference”), un perfecto ejemplo ilustrativo del mejor jazz que hoy se practica en Nueva York bajo la inspiración y la protección de músicos tan influyentes como Steve Coleman, David Binney o Steve Lehman, que es básicamente lo mismo que hablar del mejor jazz que actualmente se practica en cualquier rincón del planeta. Un álbum imperdible y un importante paso inicial en la carrera de un músico que me parece que tiene un enorme futuro por delante.

Fuente para la reseña: Paulo Barbosa para https://sites.google.com/site/jazzxxiproject/CRITICAS/chris-dingman-waking-dreams

Track Listing

01. Prelude (1:40)
02. Vijayanagara (5:26)
03. Jet Lag (7:54)
04. Manhattan Bridge (7:59)
05. Indian Hill (3:39)
06. Waking Dreams (7:55)
07. Interlude (0:38)
08. Same Coin (7:01)
09. Shift in the Wind (6:18)
10. Reflection (1:46)
11. Clear the Rain (9:19)
12. Nocturnal (4:45)
13. Zaneta (7:43)
14. Epilogue: Stillness (2:21)

Artist List

Ambrose Akinmusire: trumpet
Loren Stillman: saxophones
Fabian Almazan: piano
Joe Sanders: bass
Justin Brown: drums
Chris Dingman: vibraphone

with special guests:
Ryan Ferreira: guitar (track 3)
Erica Von Kleist: flute (tracks 8 & 12)
Mark Small: bass clarinet (track 8)

tapa The Subliminal and the Sublime
The Subliminal and the Sublime (2015)

En su segundo álbum como líder, Chris Dingman ha sacado a la luz una obra de gran ambición e impresionante realización. The Subliminal and the Sublime es una suite de cinco partes compuestas por encargo de la Chamber Music America. Dingman fue inspirado para escribirla (durante 18 meses) por viajes en el desierto del oeste americano.

Obtiene un notable sentido de escala de seis instrumentos, y retrata de manera creíble masivas montañas del Nevada y enormes cañones de California. Pero él también hace primeros planos.”Voices of the Ancient”, uno de los tres grandes movimientos, contiene detalles como la lluvia distante (desde el piano de Fabian Almazan y el contrabajo de Linda Oh) y una hilera de luciérnagas en un bosque a la medianoche (desde el vibráfono de Dingman, en colaboración con el silencio). Piano, vibráfono, alto saxofón (de Loren Stillman) y guitarra (de Ryan Ferreira) se superponen en la gama tonal. Colectivamente, constituyen una sonoridad formidable que continuamente cambia de forma. Por debajo, Oh y el baterista Justin Brown generan la energía en olas.

Esta música se mueve en consonancia con su materia. Esto surge, luego se junta y arrasa. A veces la perspectiva aérea es tan alta que toma el arco de la Tierra. En las tres largas piezas (“The Pinnacles” y “All Flows Forth” son las otras), los temas de Dingman inician con unas pocas y persistentes notas significativas, luego evolucionan. Hilos de contrapunto se funden en intrincados diseños. El ensamble es tan perfecto y orgánico que no importa qué voz individual surge momentáneamente para introducir el próximo motivo o cambio de estado de ánimo. El penetrante y lastimero saxofón de Stillman y las flotantes vibraciones de Dingman son manifestaciones de una conciencia

Este álbum está meticulosamente montado al servicio de la profunda emoción. Para Dingman, fenómenos del mundo natural, como el desmoronamiento de paisajes en el Pinnacles National Park, son personales. Así son los círculos de las nuevas secoyas rojas que nacen de las raíces de secoyas rojas muertas. Su logro, a través de la música, es hacer aquellos misterios naturales y renovaciones personales para todos nosotros.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para http://jazztimes.com/articles/162886-the-subliminal-and-the-sublime-chris-dingman

Track Listing

1. I. Tectonic Plates (4:33)
2. II. Voices of the Ancient (17:26)
3. III. Plea (3:00)
4. IV. The Pinnacles (19:49)
5. V. All Flows Forth (16:02)

Artist List

Chris Dingman: vibraphone
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Ryan Ferreira: guitar
Linda Oh: bass
Justin Brown: drums

Password en ambos casos: presoventanilla

Apunte: Lo primero que tengo que decir sobre The Subliminal and the Sublime es que excede largamente la etiqueta de “música de jazz”. Esta música no se puede etiquetar, o bien podemos inventar nuevas etiquetas que se instalen más bien en el terreno de las sensaciones: “profunda”, “bellísima”, “instrospectiva”, “paisajística”, “naturalista”, etc, etc. Lo segundo que tengo para decir es que no tengo dudas de que es uno de los mejores cinco discos del año 2015. Si no llegó antes a PV/MQC es porque no había escuchado a Waking Dreams, del cual debo decir que coincido en la mirada que da sobre él Paulo Barbosa en la reseña traducida, salvo en lo que dice respecto a que Waking Dreams tiene un resultado final “difícilmente superable”: The Subliminal and the Sublime ha venido a demostrar que Dingman ha superado con creces el desafío de evolucionar hacia el riesgo de tener una obra absolutamente personal, lográndolo, valga la paradoja, con un disco que ha sido un trabajo por encargo de la Chamber Music America. Finalmente, les dejo unas palabras de Dingman sobre su último disco: “The Subliminal and the Sublime se basa en el concepto de que, bajo la superficie de nuestra realidad aparente, existen capas subliminales de patrones, detalles y profundidad. Cuando miramos más de cerca estas capas, tenemos la oportunidad de descubrir verdades sublimes acerca de nuestro mundo y de nosotros mismos”. Escúchenlos, no se van a defraudar.