Preso ventanilla


Erik Friedlander
septiembre 24, 2017, 8:45 pm
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tapa Nothing on Earth
Nothing on Earth (2014)

¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.

“Aasiaat” ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En “Maniitsoq”, el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de “Aurora”, aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.

Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.

Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/

Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco “Rings”, olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior “Rings”, aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone

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Shoko Nagai

tapa Vortex
Vortex (2003)

¿Quién es Shoko Nagai?

Shoko Nagai es una versátil artista musical que improvisa y actúa con músicos de renombre mundial en el piano y acordeón y compone partituras originales para películas y espectáculos en vivo. Como adolescente en su Japón natal, Nagai fue entrenada en órgano electrónico Yamaha, el “Electone”, para tocar música popular. Desde que se trasladó a los Estados Unidos procedente desde Japón a estudiar música clásica y jazz en Berklee, ella adaptó su dominio del teclado al piano preparado, el acordeón, la melódica y otros instrumentos, a menudo inspirada por el enfoque minimalista del compositor Toru Takemitsu. Si está tocando Klezmer, música balcánica o experimental, Nagai tiene una carismática presencia en el escenario, que hipnotiza al público con su intenso enfoque y virtuoso sonido.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1999, ella ha sido calificada como una “MVP” de la escena de jazz del Downtown, actuando con John Zorn, Erik Friedlander, Ikue Mori, Marc Ribot, Frank London, Matana Roberts, Miho Hatori (Cibo Matto), Satoshi Takeishi, Butch Morris, Elliot Sharp, Ned Rothenberg y muchos artistas eclécticos. Nagai con frecuencia viaja internacionalmente, actuando en Suecia (la ceremonia de premio Nobel de 2009 para el escritor alemán, Herta Muller), Italia (Napoli Teatro Festival 2015), Austria (Saalffelden Jazz Festival 2014), Francia (Banlieues Bleues 2012), Suiza (Rote Fabrik 2012), Holanda (Bimhuis 2012), Japón (Fuji Rock Festival 2012), Israel (Romanian Institute 2011), Canadá (Suoni Popolo Festival 2008), Alemania (Moers Jazz Festival 2007), y Brasil (resfest 2007) y en EE UU (Newport Jazz Festival2015, Saratoga Jazz Festival 2008). Ella ha recibido subvenciones de JazzJants (Centro de Artes de Painted Bride) en 2008 y de la Fundación para las Artes de Nueva York en 2010.

Las composiciones de Nagai para películas incluyen, “L’amour Caché” (2007), dirigida por Alessandro Capone y realizada por Butch Morris, así como un trío de películas dirigidas por Linda Hoaglund: “ANPO: Art X War” (festivales cinematográficos de 2010 Toronto, DOC NYC, Vancouver, y Hong Kong), “Things Left Behind” (2012), producida por la radio nacional de Japón NHK y “The Wound and The Gift”, narrada por Vanessa Redgrave (Vancouver, DOC NYC, Tokyo FilmX 2014).

Sobre el disco

Combinando la influencia del post bop de los ’60, el free jazz y la world music, el Shoko Nagai Quintet ha desarrollado un sonido único en la escena del jazz de Nueva York. Con algunos de los más talentosos músicos que se encuentran en Nueva York, la alineación consta de Sam Newsome, Greg Tardy, Dave Hertzberg y Satoshi Takeishi y la líder en el poderosamente emotivo piano. Las composiciones de Nagai son enérgicas, sentidas y multifacéticas,y las improvisaciones del ensamble reflejan el singular “mood” de cada pieza. El Quinteto publicó su primer CD “Two Level Crossing”por medio de Skyproduction Record en el año 2000 y ha actuado extensivamente en Blue Note, Knitting Factory,Tonic, Stone, Location One y en todas partes de la ciudad de Nueva York.

Fuentes para la reseña: http://www.shokonagai.net/new-page-1/ ; https://store.cdbaby.com/cd/shoko1

Apunte: Pocos día atrás destacábamos el rol de la pianista y acordeonista japonesa Shoko Nagai en el bellísimo “Rings”, disco de Erik Friedlander publicado el año pasado. Fieles a nuestra curiosidad fuimos en la búsqueda de “algo más” de la pianista y encontramos este Vortex segundo disco de un Quinteto que ella lideraba a principios del siglo XXI. Con los años, Nagai ha dirigido sus intereses a la música más experimental, siendo su actividad principal un dúo con su esposo Satoshi Takeishi casualmente llamado “Vortex”. En Vortex (el disco), la música es efectivamente ese combo mencionado de post-bop sesentero, free jazz y world music, con un toque distinto dado por el exotismo de la percusión de Takeishi. Los saxofonistas se entrelazan improvisando en las largas composiciones de Nagai, el piano es lìrico y emotivo, y la música resultante es densamente intensa: Vortex es poderoso y accesible pero no es música de fondo. Altamente recomendable!

Track Listing

1. Rise and Fall (8:29)
2. Reminiscence (12:53)
3. Revival Life (13:02)
4. The Sirens of TITAN (10:40)
5. U.TA.KA.TA.NO (5:12)
6. The Northern Sky was Glowing with Purple and Crimson (10:02)
7. Whirl Around Future (8:33)

Artist List

Shoko Nagai: piano
Sam Newsome: soprano saxophone
Greg Tardy: tenor saxophone
Dave Hertzberg: bass
Satoshi Takeishi: percussion

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Rez Abbasi Trio
mayo 25, 2014, 12:43 pm
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tapa delantera
Continuous Beat (2012)

Desde Pakistan al mundo, en 17 años Rez Abbasi ha sabido encontrar su voz personal, un estilo definitorio dentro del mundo de la guitarra de jazz. Para ello ha sabido utilizar sus raíces orientales y mezclar sabiamente elementos de la cultura occidental.

Abbasi siempre ha demostrado su talento, tanto en su grupo de jazz Qawwali que comparte con otros dos genios como Rudresh Mahanthappa y Vijay Iyer, como en su faceta de lider con otras formaciones.

En Continuous Beat es por primera vez un trio su forma de expresión y desarrollo, un trio basado en la premisa de igualdad, tomando como ejemplo tríos históricos como los de Bill Evans, LaFaro y Motian, Paul Bley o Keith Jarrett, Peacock y DeJohnette.

No podemos esconder la idea de que este disco surge de un anterior proyecto de Abbasi, un trío junto al bajista John Hebert y Paul Motian, el problema es que Paul cayó enfermo y abandono este mundo, asi que la cosa quedo ‘in albis’ con repertorio ya compuesto y con una gira ya montada. El guitarrista, ni corto, ni perezoso, busco entre sus viejos amigos al nuevo batería que resultó ser Satoshi Takeishi que ya había tocado en su primer cd. Puestos en marcha se decidieron a grabar el resultado de esta nueva propuesta.

El título de este álbum se puede pensar como un pequeño homenaje a la labor de Paul Motian y al arduo trabajo que le dejo a Takeishi para hacernos olvidar al maestro.
El batería japonés opta por alejarse del estilo Motian e imponer su sello cambiando, transmutando y sabiendo adaptarse a la fluidez de los compañeros.

El repertorio mezcla originales de Abbasi como ‘Introduction’ un solo con sabor a un Fripp oriental o ‘Rivalry’ e ‘iTexture’ dos de los temas compuestos para Motian con versiones como ‘Major, Major’ de Gary Peacock, ‘The Cure’ de Jarrett u ‘Of Minor’ de Monk. Como final de la grabación un homenaje de Abassi hacia su pais de adopción, una versión del himno estadounidense ‘Star Spangled Banner’ con guitarra acústica. Durante el disco aparecen ecos de diversos guitarristas como Fripp, Frisell o Metheny pero siempre tamizados por la personalidad de Abbasi.

El propio guitarrista recomienda escuchar esta grabación de una sentada, si disponemos del tiempo, por considerarla una especie de suite orgánica que estimula la percepción natural.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2013/04/rez-abbasi-trio-%E2%80%98continuous-beat%E2%80%99/

Apunte: este trío conformado por destacados solistas de la difusa franja que involucra al jazz contemporáneo con proyectos más vanguardistas, desarrolla sus ideas en Continuous Beat con una marcada independencia de cada uno de ellos, sin perder de vista que son composiciones musicales sobre lo que están experimentando; en otras palabras, Takeishi (en especial) y Hébert no son solo la base rítmica de Abbasi, tienen lo suyo para decir en el contexto que propone el guitarrista que, con una mano toma los elementos de su música de adopción, la de américa del norte, y con la otra recoge las de sus tradiciones paquistaníes, con una loable intención de llevar las cosas un poco más lejos. Siguiendo las recomendaciones del propio Abbasi, también sugiero escuchar de corrido todo el disco, pero más de una vez, ya que la complejidad de Continuous Beat así lo requiere.

Track listing

1. Introduction (2:33)
2. Divided Attention (4:29)
3. Major Major (7:17)
4. Rivalry (7:47)
5. iTexture (5:52)
6. The Cure (8:46)
7. Off Minor (7:11)
8. Back Skin (6:00)
9. Star Spangled Banner (2:29)

Artist List

John Hébert: Bass
Satoshi Takeishi: Drums
Rez Abbasi: Guitar, Producer, Mixed By

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Joel Harrison featuring Nguyên Lê and David Binney


Harbor (2007)

Desde la salida en 2003 de “Free Country” (ACT), Joel Harrison se ha enfocado en gran parte en la liberal y sumamente no literal toma de canciones tradicionales, melodías populares y, en “Harrison on Harrison” (HighNote, 2005), la música del último George Harrison.

Harbor representa un par de desviaciones significativas del reciente trabajo discográfico de Harrison. En primer lugar, se trata de un retorno a todas composiciones originales. En segundo lugar, si bien reúne al guitarrista con el saxofonista alto David Binney (una constante compañía desde “Free Country”), es su primer y muy inspirada reunión con el guitarrista Nguyên Lê, el percusionista Jamey Haddad y el bajista Gildas Bocle, quienes dan cuerpo a un grupo de seis de las ocho pistas de Harbor.

Harrison se resiste a considerar la compartimentación musical, incluso cuando esto se refiere a la mezcla de fuentes culturalmente y estilísticamente diversas. Hay innumerables puntos de referencia que se encuentran en Harbor incluyendo ritmos africanos, linealidad india y de medio oriente, armonía del jazz, insinuaciones de electrónica, música clásica moderna y fusión. Lo más notable, sin embargo, es la capacidad de Harrison para integrar, haciendo irrelevante la identificación de sus fuentes dando lugar a composiciones que se extienden desde una filosa angularidad a belleza pura.

Lê es el perfecto contraste para Harrison. Ambos son capaces de un melodismo espontáneo, áspero skronking, como de un más amplio desarrollo textural, pero de maneras complementarias, ocupando espacios mutuamente excluyenteso, de manera que la diferenciación nunca es un problema (aunque, en su mayor parte, Lê se escucha en el canal izquierdo, y Harrison en el derecho).

Lê tiene la capacidad para sugerir la microtonalidad oriental en canciones como el episódico “You Bring the Rain”, sólo hacer más vivo contraste con Harrison, quien trae una pieza del Delta del Mississippi a “Blue Ghosts of Bourbon Street”. Esta última evoluciona a través de una serie de cambios en pulso, gracias al extraño enfoque polirítmico de Haddad, en última instancia encabezando al norte hacia una vibración del medio oeste. Haddad, que perfectamente se mueve desde el kit a la percusión de mano, es el arma secreta de Harbor, un percusionista con el más amplio posible marco de referencia necesario para abrir más la expansiva escritura de Harrison.

La ventaja de no estar agobiado con las responsabilidades de ser líder, escritor y productor significa que Binney es capaz de concentrarse completamente en tocar. Su solo Carnatico-centrado en “You Bring the Rain” es el primero que se destaca, mientras qie su poderoso trabajo en el más caótico “End Time”, es uno posterior.

Las dos pistas del medio de Harbor destaca -Binney aparte- a un grupo completamente diferente. Evitando los solos delineados, el atmosférico “The Refugee” demuestra como la expresión y la interacción todavía pueden ser usadas para construir la repetición casi implacable de un tema simple hasta a un dramático punto culminante antes de la liberación en una coda más suave.

Que lo tocado en Harbor sea uniformemente excepcional es un hecho. Lo que hace que sea un temprano contendiente para lo mejor del 2007 es la aparición de Harrison como un escritor que prescinde completamente de fronteras y, en cambio, crea su propia mélange pan-cultural y multiestilística, que como eterna tambien es completamente moderna.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=25402#.UDAlLIGV_nE

Apunte: a veces uno tiene la suerte de encontrarse con un disco con el cual empatiza automáticamente. Harbor es uno de ellos. Coincido con Kelman que en este disco de todas composiciones originales, Harrison ha logrado borrar las fronteras para crear una obra completa atractiva, entretenida y, como si los planetas se hubieran alineado, brillantemente ejecutada, con momentos realmente luminosos de Nguyên Lê (en especial) y David Binney. Dentro de un alto nivel de todos los temas, sobresalen un poco más “Blue Ghosts of Bourbon Street”, “The Refugee” (temazo, construído a “lo Binney”, incrementando sin pausa la carga dramática), la crepuscular “Harbor” y la inquietante y nerviosa “American Babylon”. Por donde se lo mire, Harbor es un discazo.

Track Listing

1. You Bring the Rain (9:53)
2. Blue Ghosts of Bourbon Street (8:40)
3. End Time (5:35)
4. The Refugee (7:23)
5. Hudson Shining (8:09)
6. Harbor (7:04)
7. American Babylon (8:03)
8. Les Fréres un ut majeur (Brothers in C Major) (6:33)

Artist List

Joel Harrison: guitar
David Binney: alto saxophone
Nguyên Lê: guitar (1-3, 6-8)
Gildas Bocle: bass (1-3, 6-8)
Jamey Haddad: percussion (1-3, 6-8)
Henry Hey: piano (4, 5)
Stephan Crump: bass (4, 5)
Jordan Perlson: drums (4), percussion (5)
Satoshi Takeishi: drums (5), percussion (4)
Marty Wehner: trombone (2)

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