Preso ventanilla


Julian Lage

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Sounding Point (2009)

Con un descubridor como el vibrafonista Gary Burton (reveló en su momento la magia de Pat Metheny y el talento Kurt Rosenwinkel), poco tiene de meritorio anunciar el potencial de este joven guitarrista californiano que desde los cinco años ya llamó la atención de gente como Carlos Santana, Pat Metheny, Kenny Werner, Toots Thielemans, Martin Taylor o David Grisman, que lo incluyeron en sus respectivos proyectos.

Era de esperar, entonces, que su debut discográfico no tardaría en publicarse. “Sounding Point”: con un repertorio complejo, personal y compensado que ejemplifica el dote creativo y técnico del instrumentista con piezas hibridas entre lo clásico y el jazz contemporáneo como “Clarity” o “Familiar Posture”, algún trazo de empirismo modélico como “Constructive Rest” y la inclusión de alguna revisión bien planteada como aquel “Encore: All Blues” de Miles Davis o el “Alameda” de Elliot Smith.

Lo dicho, Julian Lage tiene lenguaje propio, cosas que contar y un talento creativo enorme; aún así y siendo este su primer trabajo, se intuye que en directo el guión de Lage debe transcurrir más fresco que en estudio, más intuitivo, con mayor naturalidad y menos encorsetado por un combo formado por Jorge Roeder (bajo), Tupac Mantilla (percusión, Aristides Rivas (violoncelo) y Ben Roseth (saxo) que están a su altura pero que se contaminan por mimetismo de ese estreñimiento vírico que crea el estudio de grabación.

Como ocurre en estos casos (de los llamados niños prodigio), Lage –antes de editar este primer álbum-, ha pisado los principales escenarios de jazz del mundo, ha trabajado con los mejores y ha recibido excelentes críticas allí por donde las seis cuerdas de su guitarra han sonado.

Reseña de Quim Cabeza para http://www.distritojazz.es/2011/02/julian-lage-sounding-point/

Track Listing – Sounding Point

01. Clarity (5:54)
02. All Purpose Beginning (7:16)
03. Familiar Posture (2:58)
04. The Informant (3:23)
05. Peterborough (0:46)
06. Long Day, Short Night (5:47)
07. Quiet, Through And Through (2:18)
08. Lil’ Darlin’ (5:20)
09. Tour One (4:27)
10. Alamenda (2:19)
11. Constructive Rest (2:39)
12. Motor Minder (5:54)
13. Encore: All Blues (7:14)
14. Hitchcock Prelude (2:09)

Artist List

Julian Lage: guitar; compositions (tracks: 1 to 3, 5, 7, 11, 12)
Béla Fleck: banjo (tracks: 4, 6, 10)
Jorge Roeder: bass (tracks: 1, 2, 7, 8)
Aristides Rivas: cello (tracks: 1, 2)
Chris Thile: mandolin (tracks: 4, 6, 10)
Tupac Mantilla: percussion (tracks: 1, 2, 8, 12)
Taylor Eigsti: piano (tracks: 9, 14)
Ben Roseth: saxophone (tracks: 1, 2, 5, 7, 12)

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Gladwell (2011)

Gladwell es el nombre de una ciudad imaginaria cuya vida y lugares son descritos por Lage y su banda a través de las distintas composiciones del disco. Esto nos da la medida de su planteamiento experimental, aunque como en toda música programática, a nadie se le ocurriría nada de ello de no leer las explicaciones del autor. Lo que esta música sí comunica de inmediato es la libertad de que goza la banda, y que empieza en su atípica formación y continúa por la riqueza del diálogo entre instrumentos o su aprovechamiento de las técnicas de estudio. Lo más notable es que este desapego de las convenciones no deja de mostrar una sólida escuela. El propio Lage encarna a la perfección este raro talento al unir su fértil imaginación con su conocimiento de estilos de raíz como el country y el blues, todo ello expresado por supuesto con impecable nitidez y un brillante dominio de la riqueza tímbrica de la guitarra.

Reseña de Leo Sánchez para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1569:julian-lage-group&catid=4:discos&Itemid=7

Track listing – Gladwell

01. 233 Butler (5:33)
02. Margaret (6:49)
03. Point the Way (2:12)
04. However Blake (6:27)
05. Freight Train (2:10)
06. Cathedral (2:09)
07. Listening Walk (4:28)
08. Cocoon (2:21)
09. Autumn Leaves (3:16)
10. Iowa Taken (9:06)
11. Listen Darkly (1:08)
12. Telegram (4:53)

Artist List

Julian Lage: electric guitar, acoustic guitar
Jorge Roeder: acoustic bass
Aristides Rivas: cello
Tupac Mantilla: drums, percussion
Dan Blake: tenor saxophone, melodica

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World’s Fair (2015)

No se dejen engañar por Julian Lage. Parecerá el tipo más dulce del mundo, modesto, pura calma californiana; su música, sencilla, sin esfuerzo, sin verdadero mérito. Nada más lejos. Lo más probable es que para el segundo cuatro (0:04) de este disco el oyente esté enganchado, y eso no se consigue siendo un peso pluma. Lage es, en realidad, una bestia de la guitarra, uno de los músicos más extraordinarios de hoy en día. El hecho de que lleva tocando toda la vida y que le encanta el instrumento le pone en una categoría que trasciende el puro virtuosismo, haciéndolo invisible, como inservibles serían las clasificaciones en estilos o géneros, aunque el “folk post-Internet” que acuña el anotador y también guitarrista Matt Munisteri no va desencaminado: aun con cierto sabor local, a pesar del instrumento acústico y las modas recientes esto no es —menos mal— un disco de “Americana”. Con temas como “Peru” y “Japan”, se trata más bien de la visión del mundo a través de los ojos de Lage. Su relato es muy evocador, tranquilo sin llegar a lo sombrío, a ratos enérgico y pletórico con momentos de un nivel guitarrístico escandaloso (su paleta tímbrica con la acústica es abrumadora). La única limitación aparente de Lage es su propia imaginación, y de momento parece lejos de agotarse.

Reseña de Fernando Ortiz de Urbina para http://jazzofftherecord.blogspot.com.ar/2015/02/daniel-cano-julian-lage.html

Track Listing – World’s Fair

01. 40’s (3:50)
02. Peru (2:54)
03. Japan (4:11)
04. Ryland (3:16)
05. Double Stops (1:50)
06. Gardens (3:56)
07. Century (2:55)
08. Where or When (2:21)
09. Missouri (4:11)
10. Red Prairie Dawn (2:51)
11. Day and Age (2:41)
12. Lullaby (3:00)

Artist List

Julian Lage: guitar

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Arclight (2016)

Después de haber grabado el año pasado ‘Room’, junto con el guitarrista de rock Nels Cline, Julian Lage edita su cuarto álbum como líder, ‘Arclight’, y presenta el que es su nuevo trío, formado por dos pesos pesados del jazz actual, como son el contrabajista Scott Colley y el baterista Kelly Wollesen.

Los once temas que componen este disco son una buena muestra de las influencias e intereses del guitarrista californiano, pues hay composiciones de evidente inspiración brasileña (‘Supera’), pasando por el country (‘Ryland’) y acabando por el jazz manouche (‘Persian rug’), y todo ello sin olvidar, obviamente el jazz más moderno (‘Presley’) o el blues (‘Harlem blues’).

Tengo la impresión de que la carrera de Lage no ha debido ser nada fácil. Como es sabido el guitarrista fue considerado un niño prodigio , ya que con ocho años fue el protagonista de la película ‘Jules at Eight’k, a los trece lo pusieron a tocar en la entrega de los premio Grammy y desde los 15 años es miembro del Stanford Jazz Workshop de la prestigiosa Universidad de Stanford . Con este currículo es fácil que se le hubiese ido la cabeza y que, al igual que le ha pasado a decenas de niños, se hubiese perdido en el más absoluto olvido. Pues no. Ha sabido mantener (o se la han mantenido) la cabeza fría y ha llevado una carrera seria y sin prisa (sólo tiene 29 años).

Arclight’ es un disco muy correcto, acaso no especialmente emocionante, pero que deja ver que quienes están al frente de él tienen muchas notas y muchos acordes en sus manos y saben cómo hacer para que todo fluya de manera natural.

Reseña de Jaun Ez para http://www.distritojazz.com/discos-jazz/julian-lage-arclight

Track listing – Arclight

01. Fortune Teller (3:04)
02. Persian Rug (2:23)
03. Nocturne (3:19)
04. Supera (4:02)
05. Stop Go Start (3:32)
06. Activate (2:09)
07. Presley (4:12)
08. Prospero (3:08)
09. I’ll Be Seeing You (3:31)
10. Harlem Blues (3:28)
11. Ryland (4:02)

Artist List

Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Kenny Wollesen: drums, percussion

Apunte: ¿Qué decir de Julian Lage que ya no esté dicho en líneas anteriores, si desde pequeñito deslumbra al mundo con su prodigiosa musicalidad? Pertenece a esa raza de humanos nacida de una genética distinta, donde los cromosomas parecen haber sido reemplazados por notas musicales devenidas en sustancia biológica. Son los X-Men de la música. Nuestros mortales oídos les pertenecerán por siempre.

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Enrico Pieranunzi with Scott Colley and Antonio Sánchez
noviembre 9, 2014, 10:51 am
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tapa Permutation

Permutation (2012)

Muchos músicos de jazz se reinventan continuamente, y crean retos para sus fans. Piense en Miles Davis. Cada vez él creó un nuevo estilo que construyó una nueva base de fans. Y cada vez que él siguió hacia adelante, ellos se sintieron abandonados.

Enrico Pieranunzi tiene un nuevo trío con el contrabajista de clase mundial, Scott Colley, y el más talentoso baterista de jazz de su generación, Antonio Sánchez. Basado en el nuevo álbum de la banda, Permutation, es instantáneamente uno de los más fuertes trios de jazz. Pero aquellos de nosotros que amamos el anterior trío de Pieranunzi ahora nos afligimos de su ida.

En la primera década del nuevo milenio, Pieranunzi, el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron hicieron una serie de mágicos álbumes para CAM Jazz. Ellos eran dotados a la hora de elegir y reinterpretar un gran repertorio, especialmente baladas. La creativa agresión de Colley y Sánchez empujan a Pieranunzi en una dirección diferente.

Su nuevo trío es mucho menos amable y apacible. Es más duro y más rápido que su predecesor, y toca originales de Pieranunzi exclusivamente. Algunos comienzan de manera simple pero se complejizan rápidamente, con motivos que se cruzan (“The Point at Issue”) y temas que barren y se repiten como olas que se estrellan (“Critical Path”). La pista del título comienza con un vamp bass, bloques de melodía de piano y vastos detalles de significativa energía percusiva de Sánchez. Entonces esto se acelera y se transforma. Estos tres músicos tienen reflejos relampagueantes. Ellos inspiran e incitan el uno al otro.

Hay dos absortas, intensas baladas, “Distance From Departure” y “Within the House of Night”. Están profundamente en contacto con el dominio del antepasado espiritual de Pieranunzi, Bill Evans. Como Evans, Pieranunzi revela la emoción humana previamente oculta en la penumbra de las armonías y desentraña líneas que repentinamente se convierten en lirismo penetrante. Pero este nuevo trío en su mayoría elige virtuosismo y potencia de fuego, por sobre la poesía. Sin duda lo echaremos de menos cuando Pieranunzi siga hacia adelante.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para http://jazztimes.com/articles/30429-permutation-enrico-pieranunzi

Track Listing – Permutation

01. Strangest consequences (5:33)
02. Critical Path (6:37)
03. Permutation (5:40)
04. Distance from departure (6:46)
05. Horizontes finales (5:16)
06. Every smile of yours (4:56)
07. Within the house of night (5:04)
08. The point at issue (5:54)
09. A different breath (4:44)

tapa Stories

Stories (2014)

Que Enrico Pieranunzi es uno de los mejores pianistas del jazz actual, no es necesario recordarlo. Que varios de su mejores momentos musicales los dio en el formato de trío, quizá sí, en especial porque tras sus colaboraciones con Charlie Haden y Paul Motian o, sobre todo, con Marc Johnson y Joey Baron, parecía haber llegado a esa suerte de serena perfección en la que sólo queda explorar lo que ofrece el final del camino. Hay otras formas de perfección, sin embargo, entre ellas la que se alcanza a fuerza de tomar desvíos aun cuando la meta esté a la vista, o precisamente por ello. Y eso es lo que ha hecho el pianista romano con su nuevo trío, cuyo primero disco, Permutation (CamJazz, 2012 con nueve composiciones del propio Pieranunzi) deparó no pocas sorpresas a sus seguidores. La razón de las mismas, a tenor de los comentarios de muchos críticos, parece concentrarse, según Thomas Conrad, en la siguiente fórmula: -serenidad + energía. Pero no sólo energía, añadamos, sino también ritmo, pasión, experimentación. Y si bien con sus anteriores tríos estos elementos no estuvieron ni mucho menos ausentes, lo cierto es que Colley y, sobre todo, Sánchez aportan un plus de vigor y hasta vehemencia.

El tema con que se abre el disco, “No Improper Use”, suena, en este sentido, como una declaración de intenciones, retomando “los motivos percusivos y las variaciones rítmicas” que, para emplear conceptos de Michael Bayley, definían a priori el sonido del trío. Angularidad voluntariamente irregular, ecos de un pianismo clásico, inesperados cambios de ritmo introducidos por Sánchez; en suma, nervio y aristas. Nervio y aristas que continúan en los ecos latinos (sin pizca de gratuidad) de “Detrás más allá” y en el maravilloso “Blue Waltz”, rapsódico, con ecos operísticos en un desusado ritmo de 6/8, un Pieranunzi ágil y evocador, un Colley agudo y poético y un Sánchez que sostiene el complejo entramado con una serenidad pasmosa. No es ésta la primera versión de “Blue Waltz” (curiosamente, las tres que ahora mismo tengo a mano fueron grabadas en directo, con Paul Motian y Steve Swallow en Nueva York, Terje Gewell y Anders Kjellberg en Oslo y Rosario Giuliani en Amsterdam), pero sin duda se trata de la mejor. Por fin, tras la pausa que supone la calma clásica de “The Slow Gene” (el único de las nueve composiciones que conforman el disco que no pertenece al pianista sino a Colley), llega el tema más hirviente del disco, “Wich Way Is Up”, donde el laboratorio sonoro a que aspira Pieranunzi que se convierta su trío, pisa el acelerador en un dinámico ejercicio de improvisación que no desecha ninguno de los elementos que surgen en el camino, de la improvisación libre a la música contemporánea, con un jefe de filas que en menos de cuatro minutos propone al oyente cuatro o cinco caminos distintos para finalmente, con todos ellos, trazar uno solo. Vibrante.  Lo que viene después es como si, al alcanzar la cima y descender por la suave ladera que suponen los líricos, callados, misteriosos y hasta un punto pudorosos tres temas finales, casi encadenados, como si el trío quisiera demostrar, lo que consigue con creces, que también sabe recorrer caminos menos abruptos y fragorosos sin perder un ápice de personalidad. No cabe sino esperar con impaciencia el siguiente paso del maestro Pieranunzi.

Reseña de Jonio González para http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3084:enrico-pieranunzi&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Stories

01. No Improper Use (4:10)
02. Detras Mas Alla (8:6)
03. Blue Waltz (7:33)
04. The Slow Gene (5:16)
05. Which Way Is Up (3:55)
06. Where Stories Are… (8:11)
07. Flowering Stones… (7:24)
08. The Real You (5:16)

Recorded February 22-23, 2011 at Avatar Studio NY

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
Scott Colley: bass
Antonio Sanchez: drums

Apunte: Con su nuevo “trio americano” el maestro Pieranunzi se reinventa de manera sorprendente gracias a la energía de sus compañeros, en especial del brillante Antonio Sánchez que viene en la cresta de una ola creativa desde hace por lo menos cinco años, levantando el nivel de cuanto disco participa. Sabemos de la influencia de Bill Evans en la música de Pieranunzi (hay piezas evansianas en ambos discos), pero en estas dos excelentes grabaciones la riqueza primero está en las composiciones todas originales de Pieranunzi, a mi entender pensadas para estos dos compañeros de equipo (fundamentalmente en Stories), y luego justamente en el entramado sonoro que logran, pleno de giros, detalles y dinamismo. Les aseguro que cada escucha atenta, genera un mayor entusiasmo. Altamente recomendables!

Password en ambos casos: presoventanilla



Francesco Cataldo

tapa Spaces
Spaces (2013)

Hoy presentamos el último disco del guitarrista italiano Francesco Cataldo (Catania, 1975) que lleva por título ‘Spaces‘ (AlfaMusic, 2013). Este álbum ha sido grabado en la ciudad de Nueva York en septiembre de 2012 gracias a la invitación del contrabajista Scott Colley. Además de éste, están incluidos en el mismo, el saxo de David Binney, Salvatore Bonafede al piano, Clarence Penn a la batería y una colaboración de Erik Friedlander al violoncelo en ‘Vito Raccontami’. Este guitarrista se ha formado con todos los honores en el Conservatorio de Palermo y con clases particulares con músicos de la trayectoria de Adam Rogers, Enrico Rava o el mismo Rosario Giuliani.

Se trata de 13 canciones que funden la tradición de composición europea con la seriedad y profesionalidad de los intérpretes norteamericanos, una oportunidad de entendimiento entre dos concepciones que, en ocasiones, difieren. En temas como ‘Algerian Waltz’ o ‘A Phrygian Day’ se investiga en formas argelinas y frígias (lo que hoy sería Turquía), respectivamente. Por otra parte, nos propone una reflexión interesante sobre el uso de los silencios en la música y una fórmula particular para iniciar un viaje interno y de comprensión. En definitiva, una nueva propuesta que nace en Italia pero que propone una mezcla con el hacer de músicos de la Ciudad de los rascacielos.

En primer lugar nos gustaría saber más sobre su comienzo en la música ¿Cómo comenzó en la música? ¿Ser guitarrista fue su primera opción? ¿Cuándo comenzó en la música?
– Francesco Cataldo: Tuve los primeros contactos con la música cuando tenía 8 años. Empecé estudiando el piano en la localidad de Siracusa, con un buen maestro e incitado por mis padres, los cuales siempre fueron unos apasionados de la música clásica. A los 14 años paré con los estudios de piano clásico y empecé a estudiar la guitarra. Me enamoré perdidamente de este instrumento, por su sonido, por las distintas posibilidades del timbre que ofrece. De inicio tocaba la guitarra como autodidacta hasta los 16 años. Actuaba con unas bandas locales de rock tocando distintos géneros musicales: The Beatles, Jimi Hendrix, Génesis y el american hard rock, por llamarlo de alguna manera. A los 17 años, empecé realmente a tomar clases privadas de guitarra clásica en Siracusa y por fin, a los 23 años descubrí el jazz. Mientras estudiaba derecho, empecé a estudiar la guitarra jazz de forma privada en Catania y después de mi licenciatura seguí estudiando en el conservatorio de Palermo licenciándome en disciplinas musicales con especialización en jazz.

– Este último disco se ha titulado ‘Spaces‘ ¿Cómo decidió este título? Los nombres tienen relación a algunos lugares italianos ¿Son sus favoritos?
– F.C.: Efectivamente ‘Spaces‘ es el título del disco pero también una de las 13 pistas del álbum. La idea de los espacios, en este caso sonoros, me encantó desde que empecé a componer. Para mí, ‘Espacios’ significa dar a la música y a los instrumentos que la ejecutan una gran envergadura; creo que para conseguir eso, es fundamental una equilibrada utilización de las pausas en la escritura y en el arreglo. Siempre hay que recordar que cada nota que tocamos quita espacio al silencio. Crear ‘Espacios’ puede significar hacer dialogar a los instrumentos con equilibrio, sin protagonismo alguno, para evocar en el oyente una imagen, una persona querida o, en general, distintas experiencias de vida.
A menudo utilizo una imagen para aclarar este concepto: un círculo en el cual todos los instrumentos se encuentran equidistantes del centro, en el cual es el corazón de la música, digamos, para darle savia vital. Dos pistas del álbum, ‘Siracusa’ y ‘Ortigia’ están dedicada a mi ciudad: Siracusa. Ortigia es el casco antiguo de Siracusa, quiero a mi ciudad porque siempre es capaz de darme inspiración para mis composiciones.

– Tiene un quinteto con músicos como David Binney, Salvatore Bonafede, Scott Colley y Clarence Penn ¿Cómo escogió a estos músicos? ¿Cómo los encontró?
– F.C.: Todo empezó con Scott Colley. Yo no lo había conocido hasta entonces y le mandé un e-mail haciéndole mención de la idea de grabar un disco con mis composiciones. Después él escucho unas pistas y aunque no me conocía, pronto me invitó para grabar en Nueva York, en los Sear Sound Studios, famosa sala de grabación que cada año acoge artistas importantes como John Scofield, Pat Metheny o Bill Frisell etcétera. Entonces convoqué a los demás y organicé la grabación en el pasado septiembre de 2012. Ha sido un honor para mi ser el tercero músico italiano, después de Bollani y Pieranunzi, con el cual Colley haya colaborado en un proyecto de grabación. Los otros músicos con los cuales grabé el disco, no los conocía aparte de Bonafede, con el cual toqué muchas veces.

– ¿Cuáles son sus referencias desde el punto de vista musical? ¿Puede escoger a 5 de sus guitarristas favoritos?
– F.C.: Wes Montgomery, Jim Hall, Pat Metheny, Bill Frisell y John Scofield. Todos son unos artistas geniales y distintos entre sí, pero tienen en común lo que yo creo que es una de las cualidades más destacadas e importante para un músico de jazz: la síntesis. La capacidad de transmitir ideas musicales claras, directas y cada uno con una personalidad muy definida.

– ¿Cree en la fusión o prefiere una forma más conservadora de jazz, como se suele decir ‘straight ahead’ y más clásico?
– F.C.: Empecé a los 23 años estudiando el ‘bebop’ y luego empecé a escuchar y a estudiar a los demás músicos. Después de este recorrido, me resulta difícil, si no imposible, definir entre las varias ramas del jazz y elegir lo que más prefiero ¡A mi me gusta toda la música! ¡Y creo sin duda en las contaminaciones! En mis piezas he intentado fundir estilos diferentes pero siempre buscando mi personalidad. Confieso, además, que soy un estudioso apasionado de la obra de Bach y estoy muy inspirado por la música barroca y es probablemente mi base más grande. Bach y la música jazz son dos tipos de música que están desde un punto de vista histórico lejos pero muy cerca en términos de concepción de las arquitecturas musicales.

– ¿Sabe algo con respecto a la música española? ¿Y sobre Canarias?
– F.C.: Con lo que respecta a España siempre me encantó la tradición del flamenco, la pasión con la cual los grandes maestros llevaron adelante este espléndido género musical. Nunca he estado en las Islas Canarias pero me gustaría mucho visitarlas para aprender de sus tradiciones populares y musicales. Sé que a menudo acogen a músicos geniales de orquestas sinfónicas y de jazz, en particular el Canarias Jazz Festival. Espero tener pronto la posibilidad de ir para escuchar talentos locales y, a lo mejor, tocar con ellos.

– ¿Qué destaca del hecho de grabar en New York?
– F.C.: Eso, como he dicho, fue una invitación de Scott Colley. No estaba en mis planes pero enseguida lo preparé. New York es una metropoli fantástica, no cabe duda, hay espacio para todos los géneros musicales y para todas las formas de arte; además hay una profesionalidad excelente.

– Cuéntenos… ¿Cómo es el panorama del jazz en Italia? ¿Cuáles clubs son sus favoritos? ¿Puede decirnos algunos nombres destacados y que debamos conocer sobre ellos?
– F.C.: En Italia tenemos numerosos talentos de jazz de todas las edades. En particular tenemos grandes maestros de jazz que son muy apreciados en el extranjero como son los casos de Franco Cerri, Enrico Rava, Salvatore Bonafede o Franco D’Andrea y otros que han marcado un camino que luego prosiguieron los músicos de hoy, de forma excelente. En Italia se toca sobre todo en los clubes de jazz y en los festivales de jazz más bien en verano. Giré en distintos clubes, siempre dando mi máxima disponibilidad y profesionalidad. Creo que el estado actual de las instituciones públicas deberían colaborar más para llevar adelante y promover todas las distintas formas de arte en Italia.

– El verano suele ser momento para festivales por toda Europa ¿Va a estar en alguno de ellos? ¿Está preparado para girar con este disco?
– F.C.: En este momento estoy organizando una gira con Alfa Music para presentar el disco en Europa. Estamos en fase de preparación pero en esta primavera debería tener ya un plan definitiva. Europa se encuentra ahora en el centro del jazz a nivel mundial y es u na verdadera encrucijada en la que circulan artistas de todo el mundo y donde la música puede encontrar todas las demás formas de arte.

– Usó en este disco dos tipos de guitarras (una eléctrica y otra barítono) ¿Por qué las usó? ¿Es ‘Your silence’ una especie de canción reflexiva?
– F.C.: Para este disco he elegido sobre todo una guitarra eléctrica Fender. En el Jazz, lo confieso, no es una guitarra habitual como esta y por eso quise experimentar un sonido ‘diferente’ en donde contamino la música con todos los géneros posibles. ‘Your Silence’ es una pieza dedicada a mi mujer, la toqué efectivamente con una barítono de 6 cuerdas para conseguir por medio de una sola guitarra un efecto ‘pianístico’. Esta guitarra barítono ha sido para mí, desde que la compré en Boston, como un rayo de luz porque me permite abarcar una gran gama de sonidos y octavas que acercan la guitarra al piano.

– ¿Qué piensa de su próximo futuro? ¿Está pensando en publicar algún disco más o es momento para girar y girar?
– F.C.: Pienso que es el momento de entregarse a los conciertos. Tengo ya la idea de como quiero hacer mi próximo disco pero de momento prefiero avanzar con la música en directo.

– ¿Recuerda su primer disco? Nos referimos, al primero que usted compró.
– F.C.: Fue ‘Kind of blue’, el primer disco de jazz que escuché. Ha sido un hito para mí. Desde aquel momento lo tengo como un punto de referencia a la hora de ‘meditar’ con el jazz.

– Como hemos dejado claro ha decidido grabar el disco en USA ¿Cree que el nivel de jazz de Europa está a la altura del de los States?
– F.C.: Creo que en Europa hay muchísimos talentos de alto nivel como también lo tienen los americanos. Cuando existe colaboración con los músicos de ese país es realmente interesante notar como la excelente técnica se funde con buenas composiciones europeas. Creo que precisametne la composición puede ser motivo de honor y orgullo para los músicos europeos.

– Nos encantaría tener una palabra o una frase de cada una de las canciones que componen el disco…
– F.C.: Our jazz; está dedicada a mi tío difunto hace unos años. Algerian Waltz; surge de una escala argelina que estudié hace unos años y obviamente la inspiración viene de ahí. Siracusa; como dije antes, dedicada a mi ciudad. Ortigia; lo mismo Sunrise in Rome; Eran las 6 de la mañana y estaba paseando cerca del Campidoglio. Spaces; intento dar respiro a la música. Vito (intro) Raccontami; está dedicada a mi abuelo por parte de mi padre, Vito, difunto hace unos años. Intento de evocar la sabiduría típica del abuelo que transmite a su nieto las experiencias de vida. Why; Your Silence; dedicadas a mis padres. Tourist in my town; surge de una sensación preciosa que tengo a menudo, la de ser un turista en mi ciudad, redescubrir cada día nuevos aspectos de mi tierra. Perugia; la escribí hace 3 años de vuelta del Umbria Jazz, Festival en el que tuve el honor de participar tocando con un sexteto. A Phyrigian day; tiene su origen simplemente en la idea de escribir un tema con sonoridades frígias, típicas de la música española pero con pequeñas e inesperadas ‘sorpresas’ armónicas.

– ¿Conoce al pianista Samuel Labrador, el canario ha editado un disco con el mismo nombre ‘Espacio’? ¿Hace falta espacio para vivir?
– F.C.: No, desafortunadamente no conozco a este artista. Espero conocerle pronto para poder apreciar su música. Sí creo que los ‘Espacios’ son fundamentales para todos, sean músicos o no. Creo que encontrar espacios en su cotidianidad es la llave para luego encontrarse a sí mismo, su propio yo, su propia alma.

– Siendo guitarrista ¿Tiene problemas de volumen con sus sesiones musicales?
– F.C.: Por suerte mis vecinos son muy pacientes y son personas simpáticas (risas). Habitualmente, evito tocar o escuchar música a alto volumen. Paso mis días tocando el piano y mis dos guitarras preferidas, una Takamine clásica y una Taylor acústica barítono de 8 cuerdas.

– ¿Quiere mandarle un saludo a los lectores de ‘Canción a quemarropa’ y ‘Creativacanaria.com?
– F.C.: Muchas gracias Héctor, de todo corazón por darme la posibilidad de presentar mi música y deseo a todos los lectores de esta magífica revista que escuchando mi disco reciban emociones positivas. Además espero que mi música pueda ayudar a cada uno a encontrar sus propios ‘espacios’ interiores.

Reseña y reportaje de Héctor Martín Gonzalez para http://www.creativacanaria.com/index.php/cancion-a-quemarropa/5953-europa-se-encuentra-ahora-en-el-centro-del-jazz-a-nivel-mundial

Apunte: Si la historia es como la cuenta Cataldo, es casi como tocar el cielo con las manos: enviarle un mail a Scott Colley y que te invite a ir a grabar a Nueva York suena como un cuento de hadas. Pero si además, también vienen otros muchachos como Binney, Penn o Friedlander a dar una mano en las composiciones de Francesco, es para pensar que el contrabajista algo realmente bueno debe haber visto en él. Spaces no es el disco de un guitarrista omnipresente, por el contrario, los espacios (valga el juego de palabras) son muchas veces ocupados por Binney que, damos gracias, no trabaja nunca a reglamento. Curiosamente, más de una vez, Cataldo elige tocar al unísono con Binney, jugando muy cómodo de igual a igual con el saxofonista. Aunque sus temas hablen del entorno en que vive, por influencias musicales, “el sonido Cataldo” está más cerca de Nueva York que de su Siracusa natal. El sabor europeo (e italiano en particular) viene del melodioso piano de Salvatore Bonafede, pero la dinámica impuesta por el resto de los músicos y en particular por Clarence Penn (brillante todo el tiempo) no nos hace olvidar de que esto tiene una marcada impronta neoyorquina. Resumiendo: Spaces resulta una recomendable y disfrutable obra de principio a fin. Salud!

Track listing

01. Our Jazz [Prologue] (5:57)
02. Algerian Waltz (7:21)
03. Siracusa (5:06)
04. Ortigia (6:49)
05. Sunrise in Rome (6:59)
06. Spaces (8:47)
07. Vito (Intro) – Raccontami (4:02)
08. Why (5:01)
09. Your Silence (6:57)
10. Tourist in My Town (4:33)
11. Perugia (4:41)
12. A Phrygian Day (6:57)
13. The Rain and Us [Epilogue] (2:28)

All tracks composed by Vito Cataldo (Siae) except Vito (Intro) by S. Bonafede and E. Friedlander

Artist List

Francesco Cataldo: electric & baritone guitar, arrangements
David Binney: sax
Salvatore Bonafede: piano
Scott Colley: double bass
Clarence Penn: drums
Erik Friedlander: cello on 7

Link de descarga
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The New Gary Burton Quartet
diciembre 4, 2013, 11:02 pm
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tapa Common Ground
tapa Guided Tour
Common Ground (2011)

Desde el año 2005 con Next Generation, Burton no entraba en un estudio de grabación y desde entonces todos los discos editados han sido registros de actuaciones en directo. Que lo haga con su nuevo cuarteto no deja de ser noticia, pues es de sobra conocido que desde sus inicios el vibrafonista ha contado con grupos realmente importantes. Esta nueva banda tiene la misma configuración que la primera que formó en 1967 con Larry Coryell, Roy Haynes y Steve Swallow.

Este nuevo cuarteto del inventor de la técnica de tocar con cuatro mazas su instrumento esta formado por músicos que, salvo en el caso del contrabajista Scott Colley, ya había trabajado antes con ellos: Julian Lage está presente en los dos últimos álbumes de Burton en estudio “Generations” (2004) y “Next Generation” (2005), y con Antonio Sánchez ha estado tocando en el cuarteto formado con Pat Metheny y Steve Swallow.

El resultado de los tres días de grabación en los que se tardó en registrar el disco es un trabajo brillante, con un straight ahead jazz espléndido, que es de lo mejor que se puede escuchar ahora mismo. Son diez canciones en la que todos los miembros del cuarteto han participado con alguna composición, lo que viene a demostrar el amplio sentido democrático existente en la banda. La excepción a esto son dos temas del joven pianista de origen ucraniano Vadim Neselovskyi, un tema de Keith Jarrett y un standard del calibre de “My funny Valentine”.

Lleno de un vibrante cool, que se aprecia en la buena dinámica establecida entre los cuatro participantes, este Common Ground se antoja como uno de los mejores trabajos de Burton en mucho tiempo; y para confirmarlo baste escuchar “Late night sunrise”, el tema que da título al disco o Bansky, la pieza que Lage dedica al misterioso grafitero británico.

Reseña de José Manuel Pérez Rey para http://www.distritojazz.es/2011/06/the-new-gary-burton-quartet-brilla-en-common-ground/

Apunte: Gary Burton, Antonio Sanchez, Julian Lage y Scott Colley. Es como decir, por ejemplo, Messi, Iniesta, Xavi y Piqué. Titulares en cualquier equipo del mundo. Tal vez Common Ground no será un partido para guardar en la memoria para toda la eternidad, pero siempre vas a encontrar una o varias jugadas muy bonitas, y por qué no, dos o tres golazos. Muy disfrutable.

Track Listing – Common Ground

01. Late Night Sunrise (6:32)
02. Never The Same Way (6:57)
03. Common Ground (6:58)
04. Was It So Long Ago? (6:12)
05. Etude (5:46)
06. Last Snow (7:01)
07. Did You Get It? (5:11)
08. My Funny Valentine (7:11)
09. Banksy (6:08)
10. In Your Quiet Place (7:17)

Artist List

Gary Burton: vibes
Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Antonio Sanchez: drums

Guided Tour (2013)

Gary Burton (1943) sigue en plena forma a pesar de su edad. Buena muestra de ello es Guided Tour, la nueva grabación a nombre de The New Gary Burton Quartet, grupo con el que a pesar de su nombre ya había grabado anteriormente. Sin cambios en su formación, sus tres compañeros son unos músicos de calidad más que contrastada: Antonio Sanchez se encarga de la batería, Scott Colley del contrabajo, y Julian Lage (compañero del vibrafonista en un buen número de proyectos) de la guitarra. La fórmula para el buen resultado del disco son la suma de esos músicos y unas melodías consistentes y variadas. Entre ellas hay hard-bop, aproximaciones al tango, un divertimento monkiano, unas cuantas baladas y tiempos medios, e incluso una versión -”Jackalope”- de Fred Hersch.

Reseña de Pachi Tapiz para http://www.tomajazz.com/web/?p=6221

Apunte: En línea con su anterior trabajo, “Common Ground”, estamos en presencia de un buen disco con temas multicolores, sonidos de músicas del mundo (incluído el tango, en claro homenaje a Astor Piazzolla), interpretados brillantemente por este puñado de tremendos músicos. Descolla Antonio Sánchez, acaparando la atención en casi todos los temas con su potencia, dinámica e inventiva.Cambio y fuera!

Track Listing – Guided Tour

01. Caminos (7:20)
02. The Lookout (5:55)
03. Jane Fonda Called Again (6:25)
04. Jackalope (6:35)
05. Once Upon A Summertime (6:45)
06. Sunday’s Uncle (6:07)
07. Remembering Tano (6:56)
08. Helena (7:19)
09. Legacy (6:41)
10. Monk Fish (4:48)

Artist List

Gary Burton: vibraphone
Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Antonio Sanchez: drums

Password en ambos casos: presoventanilla



Edward Simon

tapa Danny Boy
tapa A Master's Diary
tapa Live In New York at Jazz Standard
Danny Boy (2010)

Que el pianista Edward Simon es un músico sensible, inteligente y técnicamente dotado, no es exactamente una novedad. En los pasados 15 años él ha sido un altamente demandado sideman y ha realizado un sólido número de álbums bajo su propio nombre. Pero Danny Boy puede ser la primer grabación que le hace justicia completamente. Hay una ironía aquí; aunque solo el nombre de Simon está mencionado en la tapa del álbum esto es compartido con el baterista Stephen Keough y el bajista Philip Donkin. El trío toma buenas canciones, pero unas que están a favor de la invención melódica antes que la exploración armónica. Esta estrategia requiere que ellos adopten una aproximación minimalista, prescindiendo abiertamente de cualquier muestra de magia.

Lo que queda es una profunda investigación del material, combinada con una verdadera interacción. Su contraparte conceptual es probablemente el trío de “standards” de Keith Jarret junto a Gary Peacock y Jack DeJohnette. En todo caso, Simon, Keough y Donkin se ciñen aún más fielmente a la fuente del material que lo que lo hace aquel notable grupo. Para hacer frente a la pista del título, tuve que dejar de lado mi reticencia a escuchar otra versión de “Danny Boy”, una canción que se presta a una interpretación recargado. No había de que preocuparse; el trío interpreta la pieza con una gran sencillez, dignidad y ternura. Ellos añaden alguna fuerza en “How Deep Is the Ocean”, pero aún aquí la propulsión es sutil, cada músico empuja un poquito, y luego se retiran un poquito. “I Fall in Love Too Easily” estará seimpre asociada con los trompetistas Miles Davis y Chet Baker, y se hace inmediatamente evidente que los músicos aquí conocen la historia del jazz. El trabajo de los cepillos de Keough en los bien afinados tambores, acentúan calladamente frases claves.

“Monk’s Dream” es el track más agresivo del álbum, pero mantiene la urbanidad que es consistente con el carácter del trío. Donkin y Keough cierran sus líneas juntos de una manera inusual: como en la mayoría de las melodías, ellos tienden a parar y arrancar (pienso en algunas secciones rítmicas de Bill Evans), haciendolo al unísono, y luego moviéndose en un tiempo “straight ahead”. El solo de Donkin trae a la mente algunos de los de Charles Mingus. La bella “Blame It on My Youth” es realzada por la batería agitada de Stephen Keough. Él está relativamente alto en la mezcla, una sabia elección de ingeniería que milita contra la performance muy dulce. El optimista solo de Simon es muy ganador, pleno de encanto e ingenio. El álbum finaliza en una inusualmente sombría “She Moved Through the Fair”. Simon toca austeras quintas paralelas, Keough introduce mazos, y Donkin agrega algunas oscuras octavas con adornos. Allí, la pieza se abre a un solo de piano duro y encantador, apoyado por tonos de pedal de bajo y el platillo metálico. Es un contemplativo final para un completamente bien concebido álbum.

Fuente para la reseña: http://www.emusic.com/music-news/review/album/edward-simon-stephen-keogh-philip-donkin-danny-boy/

Track Listing – Danny Boy

01. Danny Boy (4:06)
02. How Deep Is The Ocean (7:52)
03. I Fall In Love Too Easily (4:30)
04. Monk’s Dream (7:04)
05. Matriarch (5:27)
06. Birthday Samba (3:08)
07. Blame It On My Youth (7:33)
08. She Moved Through The Fair (7:28)

Artist List

Edward Simon: piano
Philip Donkin: bass
Stephen Keogh: drums

A Master’s Diary (2012)

El director de teatro Giorgio Strehler una vez dijo en una entrevista al hablar de los trabajos de uno de los compositores más importantes del siglo XX: “Mi teatro se mantiene unido por las notas de Fiorenzo Carpi. Muy a menudo su música me ha dado -al principio o en el tiempo de duración de mi trabajo- la interior “aclaración” que más necesitaba, la iluminación de un “conjunto” que yo no era capaz de capturar.”

La filmografía que fue escrita por el compositor milanés, es una que es ilimitada, con algunos de sus éxitos mundiales junto a grandes directores como Louis Malle, Luigi Comencini o Carlo Mazzacurati, escogiendo al azar entre sus infinitas bandas sonoras. Hoy las notas escritas por Carpi nacen otra vez en este nuevo proyecto encabezado por el renombrado pianista Edward Simon, quien junto a confiables músicoa como Scott Colley, Clarence Penn y Diego Urcola (aquí como invitado), reúne a las más bellas páginas escritas por el maestro Carpi. Desde “Le avventure di Pinocchio” a “Mio Dio come sono caduta in basso!”, realizada por la espléndida Laura Antonelli en 1974, pasando por “Diario di un maestro” y “La baraonda”.

La fuerza narrativa de la melodía se convierte en un instrumento valioso y conmovedor en las manos de Simon, y la fuerza de este relato alcanza alturas de absoluto lirismo en las ochenta y ocho teclas del pianista venezolano. No es una relectura de jazz de una pieza modificada, sino una reinterpretación capaz de dar nueva vida y nuevo alimento a las composiciones de Carpi. Por eso, A Master’s Diary es sin duda una de las más interesantes obras que Simon ha grabado para CAM Jazz.

Fuente para la reseña: http://www.camjazz.com/labels/cam-jazz/edward-simon/8052405140517-a-master-s-diary-cd.html

Track Listing – A Master’s Diary

01. Eugenia’s Theme (quartet) 5:58
02. Passeggiata Nel Parco 7:33
03. In Cerca Di Cibo 5:49
04. Nel Parco (piano solo) 3:06
05. Diario Di Un Maestro (piano solo) 3:33
06. Valzer Lento 5:19
07. Eugenia’s Theme 6:18
08. Passeggiata Nel Parco (reprise) 6:31
09. Diario Di Un Maestro 3:39
10. In Cerca Di Cibo (piano Solo) 3:55

Artist List

Clarence Penn: drums
Edward Simon: piano
Scott Colley: bass
Special Guest:
Diego Urcola: trumpet

Live in New York at Jazz Standard (2013)

Algunos artistas mantienen un ajetreado calendario de lanzamientos, con un álbum al año y, a veces, en el caso de músicos como el guitarrista Bill Frisell, incluso más frecuentes- mientras que otros, por una variedad de razones, son menos prolíficos. El pianista Edward Simon, en los últimos años, ha venido publicando álbumes con la más amplia distribución bajo su propio nombre -lo que automáticamente se discontinuó con la realización independiente del 2010, pero innegablemente fina, “Danny Boy”- una vez cada tres años en sellos que van desde el holandés Criss Cross al italiano Cam Jazz. Live in New York at Jazz Standard es la tercera de una serie de grabaciones consecutivas donde se destaca su trío de siete años de antigüedad junto al bajista John Patitucci y el ubicuo baterista Brian Blade, pero también es su primera grabación en vivo, y la primera que se publicó en el sello americano Sunnyside. A veces, hacer esperar a sus fans es una cosa buena; en este caso, el set de Simon grabado en el New York’s Jazz Standard, -con temas principalmente de “Unicity” (Cam Jazz, 2006) y de “Poesia” (Cam Jazz, 2009), pero conteniendo una o dos sorpresas- sin lugar a dudas ha valido la espera, y sigue colocando al siempre inventivo pianista, como uno de los de su generación más dignos de ver.

En una reciente discusión con Richie Beirach, el pianista sugirió que una de las características de los “verdaderos improvisadores” es ser conducida por adornos, y mientras su declaración podría ser controversial, que engendrara mucha discusión y debate, esto seguramente encaja con el acercamiento de Simon. Tanto “soleando” dentro de los límites algo más apretados del estudio de grabación o estirándose como lo hace aquí, Simon siempre es un músico atento, cuyos solos a menudo se construyen desde motivos que se desarrollan; cerebral, aún, pero como se evidencia en melodías como la irregularmente medida, teñida de latino “Pere”, -el tema modal de cierre proviene de una muy temprana colaboración con el saxofonista David Binney, “Afinidad” (RED, 2001)- el pianista demuestra que la música de la cabeza no excluye necesariamente al corazón, como su solo se construye, cuidadosamente, consideradamente, inevitablemente, hasta su clímax final antes de ajustarse en una performance basada en ostinato de Blade, un nombre para quien el término “incendiario” a sido siempre un sinónimo. Dinámico, pero salpicado con atronadores choques y audibles chillidos y gritos, lo de Blade es tan sin trabas -un músico que, de algún modo, es la antítesis de Simon en su acercamiento casi completamente instintivo- y, quizás, es la razón misma por la que ellos trabajan tan bien juntos.

Patitucci -cuyos primeros años se desarrollaron en gran parte en la fusión y en el territorio cercano al smooth-jazz con artistas como los pianistas Chick Corea y David Benoit, y el saxofonista Eric Marienthal- se ha reinventado completamente durante la década pasada, en gran parte por su trabajo en el cuarteto del saxofonista Wayne Shorter (también con Blade), oído recientemente en la excelencia exploratoria de “Without a Net” (Blue Note, 2013). Aquí, él se demuestra igualmente imaginativo, tanto balanceándose con fervor implacable en la apertura del set de Simon (la pista del título de Poesía), o contribuyendo con el arco para el terreno más abstracto del pianista, “Pathless Path”, de “Unicity”, que se extiende a casi tres veces su duración original. Delimitada por la primera mirada a “Chovendo na Roseira” de Antonio Carlos Jobim -comenzando con un solo pizzicato a capella de Patitucci que conduce a un pulso más movido, pero que sigue siendo de etérea lectura, solo ajustándose en una más reconocible reverencia a medio camino de sus casi 14 minutos de duración- y la toma por parte de Simon del cambiante rito de pasaje de John Coltrane, “Giant Steps”, escuchado por primera vez en “Poesía”, se encuentra “Pathless Path” que se convierte en la dramática pieza central de este set en vivo de una hora.

Simon sigue siendo un músico muy ocupado, en particular con su actual labor como miembro del SFJAZZ Collective, tocando en vivo y grabando la música de la leyenda del soul Stevie Wonder, y en “Ninety Miles” (Concord, 2011), girando con la banda, con el vibrafonista Stefon Harris, el saxofonista David Sánchez y el trompetista Nicholas Payton (sustituyendo a Christian Scott), la cual ha registrado un considerable tiempo en la carretera en el 2012, incluyendo una tremenda actuación en el TD Ottawa Jazz Festival. Él no puede registrar sus propios álbums tan a menudo como algunos quisieran, pero cuando una grabación como Live in New York at Jazz Standard llega -una fecha estelar que combina cabeza y corazón, mainstream e intereses más eclécticos, y atractivos, combinando originales con distintivos arreglos de bien conocidos standards, todos tocados por un trío claramente en la cima de su juego- todo es perdonado y, mientras esperamos la siguiente grabación de Simon, hay una creciente discografía con una más fina entrada para volver sobre ella, una y otra vez.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=44563#.Ub3PfNhqSg8

Track Listing – Live in New York at Jazz Standard

1. Poesia (11:17)
2. Chovendo na Roseira (13:45)
3. Pathless Path (15:36)
4. Giant Steps (10:19)
5. Pere (8:31)

Artist List

Edward Simon: piano
John Patitucci: bass
Brian Blade: drums

Apunte: En los últimos tres años Edward Simon ha lanzado igual cantidad de discos con el formato piano trío. Disímiles entre si, con formaciones distintas (pero solidísimas) y la misma calidad de siempre, la que lo ha llevado a ser uno de los muchachos preferidos de este blog del conurbano del mundo. Danny Boy del 2010 es una producción independiente enfocada en standards que hemos escuchado incontables veces, pero está hecho con tanto respeto y enfocado en las melodías, que dan la sensación de que los estamos escuchando por primera vez. A Master’s Diary fue grabado en el 2006 pero se editó en el año 2012, y se trata de un proyecto muy particular, pues se trata de darle nueva vida a las composiciones del pianista y compositor italiano Fiorenzo Carpi, muy conocido por haber trabajado con el director de cine Luigi Comencini. Junto a Clarence Penn y Scott Colley, Edward Simon logra un bello disco que emociona por el lirismo que logran imprimir a composiciones que ya de por si cuentan sus propias historias. Finalmente, Live in New York at Jazz Standard, es la grabación en vivo de Simon junto a Patitucci y Brian Blade (nada menos!), donde tocan temas de Simon y un par de standards. Con solo mirar la duración de cada tema uno inmediatamente puede intuir el “juego” al que se han prestado los músicos, ese que uno espera justamente de las actuaciones en vivo. Pues bien, los temas originales adquieren otra dimensión en la interacción de los músicos, con un Blade exultante por momentos, empujando a Simon a más. Tres-grabaciones-tres, para disfrutar, en el (tal vez) formato instrumental de jazz más popular de la historia.


Password en todos los casos: presoventanilla



David Binney

tapa The Luxury of Guessing
Luxury Of Guessing (1995)

Luxury Of Guessing es uno de los eslabones perdidos de la cadena Binney que MQC / Presoventanilla está intentando recuperar. Meses (si, meses) que rota y se disfruta en el pen drive, hasta que “New Life” de Antonio Sánchez me recordó que tenía esta asignatura pendiente con el bueno de Binney. No hay reseñas disponibles de este disco en la web. Escarbé hasta el último y recóndito site y me resultó imposible encontrar alguna, así que el apunte se transforma en reseña, con las debidas disculpas del caso.

Luxury Of Guessing (Audioquest, 1995) es el segundo álbum que registró David Binney como líder. Aquí pueden encontrarse las seminales ideas que luego se expandieron en, por ejemplo, los excelentes “Free to Dream”, “Balance”, “South” o “Welcome to Life”, por citar algunos. Como de costumbre, Binney se rodeó de talentos desbordantes para elaborar su música bien contemporánea, que abreva de diferentes géneros musicales. Luxury Of Guessing es pura y potente belleza musical, trascendente, absolutamente brillante en su concepción y composición y, además, astutamente arreglada para mostrar las fortalezas de cada performer sin caer en excesos de virtuosismo. Binney no defrauda nunca. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Omen (1:20) [David Binney]
02. See How Fine My Address Was (7:27) [David Binney]
03. The Three Stars (5:08) [David Binney]
04. Without You (4:09) [David Binney]
05. Meddler (7:38) [David Binney]
06. Surrounding As Influence (1:21) [David Binney]
07. Watch Your Head (5:42) [Ben Monder]
08. Rue De Fishes (7:43) [Scott Colley]
09. Dream Of Five Places (5:14) [David Binney]
10. Cochise (5:53) [David Binney]
11. The Luxury Of Guessing (4:29) [David Binney]
12. Last Of The Day (4:17) [David Binney]

Artist List

David Binney: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Steve Armor: trombone
Uri Caine: piano
Ben Monder: guitar
Scott Colley: bass
Jeffrey Hirshfield: drums
Daniel Sadnownick: percussion

Link de descarga
Password: presoventanilla



Alex Sipiagin


Images (1998)

Alex Sipiagin nació el 11 de junio de 1967, en un pequeño pueblo ruso, a 250 km de Moscú, llamado Yaroslavl. A los 12 años estudió trompeta con el gran trompetista Mikhael Tsamaiev y luego entró en una escuela local, donde tuvo sus primeros contactos con las pocas grabaciones de jazz y be-bop que en ese entonces podían encontrarse en Rusia. Luego entró en el Moscow Music Institute donde se recibió, y luego del obligatorio paso por el ejército, continuó sus estudios clásicos y explorando el jazz en el Gnessin Conservatory de Moscú; en 1990 gana una competencia de jóvenes ejecutantes de jazz en Rostov y, luego, una vez que la Glasnost tuvo vigencia, pudo visitar los Estados Unidos y participó en la “International Louis Armstrong Competition”, esponsoreada por el “Thelonius Monk Institute” en Washington D.C. En la misma competían jóvenes futuras estrellas como Ryan Kysor, Scott Wendtholt, Nicolas Payton entre otros, y Sipiagin salió cuarto, recibiendo como premio una trompeta Bach de manos de Clark Terry. De ahí en más lleva grabados varios discos en el sello Criss Cross.

Fuente para la reseña: http://eljugueterabiosofm.blogspot.com.ar/

Apunte: Tremendo disco debut de Alex Sipiagin allá por el año 1998. Con un line-up que podría haber acarreado algún problemita de egos, pero que a la luz de los resultados no sucedieron o pasaron inadvertidos, estamos en presencia de un disco impecable en todo sentido: repertorio, arreglos, interpretaciones, equilibrio en cada paso al frente de los solistas y el alto nivel de atención que logra concitar en el que escucha, a lo largo de los poco más de cincuenta minutos de duración de esta obra. Sipiagin combina en su discurso, un fraseo por momentos fuerte, con espacios de silencio o apagándose melancólicamente; Binney y Potter ponen el fuego, Gil Goldstein la calidez desde el piano y el acordeón (fundamentalmente) y Adam Rogers, más inventivo con la acústica que con la eléctrica también aporta lo suyo. Los puntos más brillantes, dentro, insisto, de un nivel muy parejo son: “Novgorod Bells” (hermosa canción tradicional en extendida versión, con espacios para excelentes solos de casi todos los músicos) y la bucólica y entrañable “Midwestern Night Dream” (del por entonces veinteañero Pat Metheny, originalmente grabada en el cuasi mítico “Brigth Size Life”, de 1976). Discazo del ruso Sipiagin.


Post dedicado al amigo Alejandro Parisi, que se conmovió con Sipiagin en el Smalls Jazz Club de New York.

Track Listing

01. Tarde (Nascimento) (8:01)
02. Freaker (Binney) (7:42)
03. Little Dancer (Sipiagin) (11:54)
04. Song-1 (Sipiagin) (3:25)
05. Novgorod Bells (Traditional) (12:31)
06. Midwestern Night Dream (Metheny) (7:13)

Artist List

Alex Sipiagin: trumpet, flugelhorn
Chris Potter: tenor sax
David Binney: alto sax
Josh Rosement: trombone
Gil Goldstein: piano, accordion
Adam Rogers: guitars
Scott Colley: bass
Jeff Hirshfield: drums
Kenny Wollesen: percussions

Link de descarga
Password: presoventanilla