Preso ventanilla


Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

Link de descarga
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Taylor Haskins

Tuve suerte de tropezarme tempranamente con la música de Taylor Haskins en mi transición de escuchar principalmente jazz del siglo pasado, previo a obsesionarme con el jazz de hoy.

Nativo de New Hampshire y actualmente residente en Nueva York, Haskins corta sus dientes durante veinte años en la escena de Nueva York, grabando música como líder de sesión y también como miembro de ensambles dirigidos por Guillermo Klein, Jamie Baum, Dave Holland, Alan Ferber, y Joel Harrison. Estos ensambles, como mucha de la propia música de Haskins, varían enormemente en términos de articulación, y cuánto uno influenció sobre el otro es una ecuación demasiada compleja de analizar minuciosamente, pero esto habla realmente de la franqueza con la cual Haskins ve la música y su buena voluntad para gravitar hacia sonidos difusos. Cuando se le preguntó acerca de esto, Haskins, explicó, “no tengo ninguna verdadera estrategia principal salvo la introspección profunda y la reflexión”, agregando, “como compositor, me encuentro trabajando como un pintor o el escultor, y la mayoría de las veces, el proceso en sí mismo es el que me revela la música”.

Proceso. Como muchos oyentes, tengo un proceso, también. Mis métodos para descubrir nuevos jazz son más regimentados ahora. Tengo asignaciones. Tengo mi propio sitio. Necesito ser eficiente. Pero me acuerdo con cariño los días y las noches en los que simplemente paseaba por los pasillos de Internet, siguiendo una ruta de un músico hacia el siguiente, un álbum al siguiente, viendo lo que apareció… ¿qué nuevo álbum o músico descubriría ese día?. Fue un momento como ese que descubrí la grabación de Haskins del 2002…
tapa Wake Up Call
Wake Up Call (2002)

Track Listing – Wake Up Call

01. You Have Everything You Need (3:57)
02. Equal Being (5:34)
03. Dream With You (3:11)
04. Hecuba (5:47)
05. Nadar (3:33)
06. Nomads (3:47)
07. Parking Lots (4:02)
08. Please Be Quiet, Please (4:12)
09. Wake Up Call (2:19)
10. Ooga Booga (3:58)
11. Precipice (4:46)
12. Live Free or Die (3:46)
13. Lost Poem (4:39)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, synthesizer
Ben Street: bass
Jeff Hirshfield: drums
Ben Monder: guitar
Aubrey Smith: lyrics (tracks: 3, 7), vocals [voice]
Yusuke Yamamoto: percussion, gong
Guillermo Klein: piano
Andrew Rathbun: tenor saxophone, sopranino saxophone
Regina Bellantese: violin

Wake Up Call golpea el mismo territorio donde Ben Allison se sitúa a sí mismo… el eje donde el post-bop se encuentra con el indie-pop, y claramente definidas, excepcionales melodías son aumentadas con desarrollo armónico y un enfoque rítmico que revela todas las complejidades y posibilidades avanzadas de estas simple y bonitas melodías.

Por ejemplo, el tintinear de la guitarra de Ben Monder que engrana con las llamadas sonoras de la trompeta de Haskins tienen una abundante personalidad en si mismo, pero cuando el resto del conjunto se levanta con un coro suave, pero en alza, la melodía solamente florece con colores brillantes y orgullosos. Y  “Dream With You” escarba en un ingenioso groove, añadiendo voces y efectos para producir algo tanto para casa, en la pista de baile, como para el sillón reclinable y auriculares. “Nomads” mantiene la melodía corta y simple, luego va revelando sus facetas más profundas con el piano de Klein que sirve como plataforma de lanzamiento para Haskins y Bellantese para entrelazar los patrones de vuelo de la trompeta y el violín. Y luego está el carácter original de “Please Be Quiet, Please”, que comienza con un raro lirismo que lentamente es eclipsado, revelando una calidad que insinúa una gran majestuosidad.

No me siento cómodo diciendo que fue un precursor de otras grabaciones seminales de indie-rock-jazz-fusión como Todd Sickafoose’s Tiny Resistors o las cosas interesantes que los Reed Wallsmith’s Blue Cranes están haciendo, pero esta no sería la primera instancia donde Haskins estuvo en la cúspide de la vanguardia, años antes de que comenzara a aburrirse del uso y el tiempo.

Como a menudo pasa cuando descubro un nuevo álbum de un nuevo (para mi) músico que pone a flote mi barco, inmediatamente intenté encontrar otra grabación de aquel artista. Esto es cuando detecté su grabación del 2006 …
tapa Metaview
Metaview (2006)

Track Listing – Metaview

01. Biorhythm (7:14)
02. Patience (5:20)
03. Interbeing (6:18)
04. Moodring (5:53)
05. Timespeed (6:31)
06. Trance Dance (5:32)
07. Cranes (3:05)
08. Call Me Tomorrow (3:41)
09. Nyah (2:00)
10. Zuma (5:06)
11. Itty Bitty Ditty (5:55)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, keyboards, percussion, compositions
Matt Penman: double bass
Mark Ferber: drums [drumset], gong
Adam Rogers: guitar
Andrew Rathbun: tenor saxophone, soprano saxophone

Un álbum con un definitivo sonido mainstream, pero de una manera progresiva pensando en lo que podría ser el siguiente paso en la evolución de lo mainstream… un entorno electro-acústico, en el que los grooves para las masas conviven pacíficamente con el calor post-bop para el jazz-de-corazón, y acompañado por una serie de melodías bien elaboradas que prosperan en cualquier medio.

El reflejo del sonido de Haskins en esta grabación son los grooves de “Biorhythm” con su oscura armonías de teclados y “Patience” con el electro-groove y dinamismo, sobre la cual la melodía se monta como rápidos bajo una corriente estable. Y luego está “Trance Dance” con su ritmo torrencial y solos salvajes y free, e “Interbeing”, que da la bienvenida a todas estas calidades bajo el mismo techo, mientras que “Zuma” los tiene estando de pie espalda con espalda.

En ese entonces, Metaview no se pareció a aquellos muchos otros álbumes cercanos en reputación en la multitud de grabaciones de jazz modernas. Este no es tanto el caso. En los últimos años se han visto más músicos abrazando un moderno electro-soul y groove, y aunque cada músico aprovecha este sonido general a donde su específica voz los obliga a ir, para la mayoría, es música que incita al movimiento. Esto cambia con la siguiente grabación de Haskins, me adelanto.

No fue mucho más después, en algún momento en 2010, que Haskins publicó un nuevo álbum, que, en mi opinión, se sitúa como la obra maestra de su desarrollo creativo (hasta ahora)…
tapa American Dream
American Dream (2010)

Track Listing – American Dream

01. Invocation: American Dream (3:21)
02. Theme from “Dead Man” (2:33)
03. Mustangs (Steve McQueen) (4:26)
04. Drifters (6:18)
05. Black Boxes (8:18)
06. No Regrets (5:08)
07. Pyramids (2:02)
08. Idlewild (2:59)
09. Everlong (3:24)
10. The Ballad of Michael Jackson (6:11)
11. The Monetary System Blues (6:05)
12. Johnsburg, Illinois (1:39)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, melodica
Ben Monder: guitar
Ben Street: acoustic bass
Jeff Hirshfield: drums

Taylor Haskins sabe cómo hacer una declaración de apertura. Los gritos desesperados de la pista del título “American Dream” introducen el álbum, sosteniendo la promesa de canciones sobre la esperanza y la angustia, y el drama inherente en ambos.

Golpeando a un sonido que bordea las tierras del Jazz/Americana recorridas por Bill Frisell, Haskins aporta un tono oscuro al sonido jazz-folk, una pesada atmósfera que promete una intensidad ardiente, y ninguna certeza para predecir cómo todo se sacudirá.

“Theme From Dead Man” colorea la melodía de Neil Young con enérgicas declaraciones llenas de alarde que van disminuyendo, atractivamente, en momentos de ensueño. “Mustangs” tiene una actitud vigorosa totalmente personificada por la guitarra de Monder, llena de lucha. “Drifters” muestra que el cuarteto sigue todo tipo de energía reprimida, y “Black Boxes” no es menor, aunque, cuando en el primero, las lágrimas del solo de trompeta de Haskins mientras Monder equilibra el calor con vacilantes notas de guitarra, en la última de las dos canciones, vuelve Monder nuevamente al papel de hacer que la temperatura vaya hacia arriba.

La segunda mitad del álbum ofrece la promesa de desamor para eclipsar la esperanza de la primera mitad del álbum, mostrando más de un tono pensativo en todas partes.”No Regrets” posee un tono de melancolía que no deja subir. La tristeza “Pyramids” es como tender la mano a un rayo de luz de la luna y comprender que no proporciona ningún calor. “Idlewild” suena arriba con trozos de brillante melodía, pero sus llamadas asordinadas son más contemplativas en naturaleza, acentuadas por el bajo murmullo del solo de bajo de Street. El álbum termina con una interpretación de “Johnsburg, Illinois” de Tom Waits, una selección que perfectamente enmarca el énfasis sobre lo agridulce del Sueño Americano.

Es un álbum impresionante, con toda clase de evocaciones, pero con una reserva que solamente emana desde una fortaleza del interior… un entramado de malhumor y amenaza.

Y no era nada como su próxima grabación, publicada un año más tarde, en 2011…
tapa Recombination
Recombination (2011)

Track Listing – Recombination

01. Morning Chorale (2:21)
02. Here Is the Big Sky (6:36)
03. Clouds Form Below Us (6:21)
04. Upward Mobility (5:07)
05. The Shifting Twilight (3:37)
06. A Lazy Afternoon (5:02)
07. Lurking Shadows (5:08)
08. Passing Through (7:07)
09. Riverstone (2:53)
10. Möbius (4:26)
11. Alberto Balsam (3:45)
12. Forgotten Memory of Something True (6:45)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, melodica, synths, computer
Ben Monder: guitar
Henry Hey: piano, synths
Todd Sickafoose: bass
Nate Smith: drums
Samuel Torres: percussion (3, 4, 9)

Considerando mi familiaridad con la música de Haskins hasta este punto y su tendencia a que su sonido evolucione de proyecto a proyecto, mirando hacia atrás, no estoy seguro de por qué esperaba de su grabación del 2011, Recombination, que siguiera líneas similares a “American Dream”. Porque no lo hizo, y aún hoy, años más tarde, mientras sigo recogiendo los pedazos de mis expectativas destrozadas, encuentro mi opinión de Recombination en un estado perpetuo de flujo, mi perspectiva cambiando junto con el paso del tiempo.

En cierto modo, esto combina los elementos predominantes de “Metaview” y “Wake Up Call”, aunque presentado con un sonido mucho más redondeado, desarrollado. La pista de apertura “Morning Chorale” es distorsionada armónicamente de manera encantadora, mientras “Here is the Big Sky choca en el espacio con un apetito rock ‘n roll, el cual cambia en el electro-groove de “Clouds Form Below Us”. Haskins excava aún más profundo en “Upward Mobility”, música de baile eléctrico que se atreve a dejar líneas melódicas que se aparta del espeso groove R&B, permitiendo prosperar a ambos elementos. “Lurking Shadows”, con su psicodélica vibración, continúa desarrollando la música de movimiento, trabajando un groove que se comporta como una elaborada cadencia, haciéndolo no menos provocativo en la obtención del movimiento del oyente, todavía diferenciándose de pistas anteriores. Los grooves son estupendos, pero cuando están homogeneizados… no tanto. La labor de Sickafoose, Hey, y Smith ofrecen todo tipo de variaciones en el ritmo.

La segunda mitad del álbum cambia de tono. Esto comienza con “Passing Through”, una canción con un cambio atmosférico, colgada justo encima de una línea de bajo murmurantes y un suave traqueteo de la batería, y continúa en “Riverstone”, con la percusión de Torres añadiendo alguna agradable textura a la sección rítmica. El sentido de la primera mitad del álbum se comporta como un sol naciente y la última mitad como puesta de sol cimentada en el lugar con “Forgotten Memory of Something True”, como el sonido electro-folk encantador de la melódica de Haskins nada en la misma agua que las brillantes notas del teclado.

Me encuentro disfrutando Recombination más aquel tiempo me separa de lo que “American Dream” era y cómo fue que informó a mi deseo de querer más en la próxima grabación de Haskins. Es una de las experiencias más gratificantes en la escucha de música… para poder medir la evolución de la conectividad en el mismo flujo del tiempo como uno vive su propia vida. Es el tipo de cosa que unimos las música a momentos concretos de nuestra cronología.

Y en cuanto a las expectativas y el desarrollo y cambio del sonido de Haskins en el transcurso de su carrera discográfica, afirma, “estoy tratando de permanecer en una trayectoria lineal y seguir los consejos que Ornette [Coleman] me dió, cuando me reuní con él hace muchos años atrás: “No mires atrás'”, añadiendo que “nunca sé cuál es el siguiente paso. Mi trabajo es un reflejo de lo que soy en un determinado momento en el tiempo”.

Esto es quién es Taylor Haskins ahora, su realización del año 2014…
tapa Fuzzy Logic
Fuzzy Logic (2014)

Track Listing – Fuzzy Logic

01. Somewhere I’ve Never Travelled (3:05)
02. Four Moons (3:03)
03. Fuzzy Logic (5:04)
04. Comfortable Disease (5:33)
05. Airwaves (7:37)
06. Perspective (5:33)
07. Too Far (4:02)
08. Conviction (4:59)
09. I Believe In You (1:46)
10. Take It With Me (3:03)

Artist List

Taylor Haskins: trumpet, drone flute, melodica
Ben Monder: guitar
Kermit Driscoll: bass
Jeff Hirshfield: drums
Joyce Hammann: violin
Lois Martin: viola
Jody Redhage: cello

No tiene sentido hablar de Fuzzy Logic, la nueva grabación de Taylor Haskins, sin primero hablar del trío de cuerdas. De los muchos sonidos que representan la progresión de la cambiante voz de Haskins a lo largo de los años, este es el primero que incorpora las cuerdas. Se crea un contexto en el que el álbum entero puede ser descrito.

Fuzzy Logic tiene una atractiva calidad monocromática. El grado de cambio de una pista del álbum a la siguiente, se mide por sus sutilezas y matices, y las mareas cambiantes de luces y sombras.Cada una de las grabaciones de Taylor Haskins tienen una personalidad individual, distintas unas de otras, y cada una de las personalidades poseen ciertas peculiaridades y características que son contrarias a sus representaciones generalizadas.

Fuzzy Logic es la más consistente y redondeada pieza de trabajo de Haskins hasta la fecha… una perspectiva estabilizada que difumina las líneas entre canciones y da la impresión de una expresión larga y sostenida. Esto hace que el álbum suene vasto e interminable, y aunque su desarrollo nunca amenaza con dejar al oyente sin aliento, eso no implica que no haya momentos en los que la música amenaza con robar ese aliento. Parte este efecto es debido a la ubicua presencia del trío de cuerdas, pero igualmente causativo son los nombres familiares para las grabaciones de Haskins que retornan al redil de Fuzzy Logic. La guitarra camaleónica de Ben Monder continúa expresando su mutabilidad entre los momentos de contemplación melódica, ardiente expresionismo, y la excavación profunda en un espeso groove. Jeff Hirshfield está de vuelta en el asiento del baterista, habiendo sido parte tanto de “Wake Up Call” y “American Dream”. Kermit Driscoll es un nombre nuevo en las grabaciones de Haskins, pero el veterano bajista ha sido un colaborador esencial de otros artistas, de manera más relevante como miembro del equipo de Bill Frisell, ayudando a desarrollar el sonido jazz/americana que evoca “American Dream” de Haskins. Y luego, por supuesto, el trío de cuerdas de Jody Redhage, Joyce Ammann y Lois Martin.

De la misma forma que el autor Michael Chabon es un maestro de los párrafos iniciales de una novela, Taylor Haskins elabora algunas majestuosas declaraciones de apertura en sus álbumes. La melancólica apertura de “Somewhere I’ve Never Traveled” es un rayo de luz solar cortando un banco de nubes oscuras, el zumbido de la flauta nativa americana un evocador subtexto para otra melodía optimista.

Y los cambios de tono en “Four Moons”, en la cual la línea de bajo pulsante de Driscoll instila un sentido de urgencia a la melodía… un efecto que tira a las cuerdas y a la trompeta de Haskins en su órbita. Los tonos más oscuros cambian a tonos ligeros en la pista del título “Fuzzy Logic”, anclados por la cuidadosa guitarra de Monder trazando notas hacia arriba, yendo a la deriva y golpeados por el insistente trabajo de batería de Hirshfield. El trío de cuerdas agudiza el tono en “Comfortable Disease”, bancando la asombrosa armonía de la melodía angular de Haskins, un efecto que oscila al extremo opuesto del espectro con la interpretación del conjunto de la escultural melodía “Airwaves” de Thomas Dolby. Haskins ensancha la extensión de la fuerte melodía de Dolby, permitiéndose ir cuidadosamente a la deriva donde Dolby había decidido elevarse.

Los tonos claros son explorados en la recta final del álbum. La balada de “Perspective” se mueve con la efímera gracia de un penacho de humo, con la armonía de la trompeta y cuerdas proporcionando su diminuta calidez y suave resplandor. Y “Too Far” abre con armoniosas declaraciones de cuerdas y trompeta, estirando lentamente la melodía en una manera ordenada y luego inmediatamente se ajustan para recomenzar. “Conviction” juega un poco con el tempo, tanto la melodía como el ritmo engañan las expectativas de donde caerá el siguiente zapato, superponiendo una lenta melodía con rápido ritmo pensante.

Los tonos ligeros y matices continúan con “I Believe In You” una breve melodía, una idea de una canción, y tan exquisitamente creada para personificar, quizás, el latido de corazón de esta grabación. Hay una pizca de perfección en como inmaculadamente esta canción está diseñada, de la manera en que árboles enormes y deslumbrantes arreglos florales son empequeñecidos por la gloriosa simplicidad de la semilla de la que provienen.

Haskins finaliza el álbum con una versión de “Take It With Me” de Tom Waits. La agridulce tristeza inherente de una canción del Tom Waits “Mule Variations”, encaja perfectamente con este álbum de expresionismo monocromático de nubes-oscuras-en-un-día-soleado. Es un poco una repetición de álbumes anteriores. Haskins cerraba “American Dream” con una versión de “Johnsburg, Illinois” (del álbum “Swordfishtrombones”) y como hizo en la canción final de “Recombination”, finaliza Fuzzy Logic en la melódica… un instrumento de viento que se parece un poco a un teclado y suena un poco como una armónica, y que transmite una tristeza y una calidez que son igualmente encantadores. Este tipo de cosas comunes son bonitas y sutiles ataduras entre álbumes de diferentes personalidades, ilustrando que aparentes diferencias son simplemente facetas de expresiones similares.

Es una sublime conclusión a un álbum encantador.

Fuente: La reseña original en inglés de todos los discos de Taylor Haskins pertenece a Dave Sumner, para http://www.birdistheworm.com/i-listen-to-all-of-this-taylor-haskins-fuzzy-logic-and-everything-else/

Apunte: Taylor Haskins está siendo aclamado como una de las voces más originales en la trompeta de hoy en día. Ha actuado, grabado y ha salido de gira por el mundo tocando con una amplia variedad de músicos en sus más de 24 años de carrera, incluyendo la Orquesta de Artie Shaw y la Maynard Ferguson’s ‘Big Bop Nouveau’ y más recientemente con el grupo de Richard Bona. En la actualidad Taylor suele actuar y grabar con Guillermo Klein y su grupo ‘Los Guachos’, con la Big Band de Dave Holland (con quien ganó un premio Grammy en el año 2005 por el álbum “Overtime”), con la Big Band de Alan Ferber (nominado para un premio Grammy en el año 2015 por el álbum ‘March Sublime’), y más recientemente con Nels Cline y su proyecto ‘Lovers’. Su carrera como líder se compone de este puñado de cinco discos, los cuales tienen cada uno de ellos diferentes direcciones musicales, pero todas ellas agrupadas en un jazz moderno, abierto a sonoridades varias pero fundamentalmente rock y folk. Si a este atractivo combo le sumamos el mesurado lirismo de su trompeta, la destreza para la escritura y los brillantes elencos que lo acompañan (entre los cuales están, por citar algunos, Ben Monder, Adam Rogers, el propio Klein, Todd Sickafoose y Henry Hey) el disfrute sonoro está asegurado. Buen provecho!!

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Joel Harrison

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1300Digipak
tapa Infinite Possibility
Joel Harrison String Choir

The Music of Paul Motian (2011)

La enigmática singularidad de Paul Motian como baterista se continúa en su faceta compositiva. Piezas breves hasta el esquematismo, de una calma orientalista que suena a vaciamiento o de una arisca angulosidad, hay en ellas algo del aprendizaje de una lógica particular similar a la que supone introducirse en el corpus monkiano, quizás la mayor influencia en el baterista, si bien las piezas de Motian son misterios a plena vista. Joel Harrison, guitarrista ducho en discos conceptuales (sobre el country, George Harrison o el jazz rock) se plantea un reto más; interpretarlas con un cuarteto de cuerdas y dos guitarras, un entorno nada natural para ello. Claves en el triunfo que es The Music of Paul Motian son esta intuición y la aproximación de Harrison a este material, desde el punto de vista de un compositor, no de un intérprete, algo muy palpable en cómo da lógica individual a cada una de las piezas, cómo introduce cuidadosamente los episodios improvisatorios y en cómo emplea los instrumentos en la trama camerística del sexteto de cuerdas.

Porque The Music of Paul Motian es un disco en el que el oyente acostumbrado a la música de cámara se sentirá mucho más cómodo que el que base su dieta exclusivamente en combos jazzísticos. Hay en él una claridad y una gracia clásica que no fuerza las convenciones del formato del cuarteto de cuerda, y un lenguaje cromático muy asentado, sin nuevas técnicas, con algún detalle etno, como en el precioso arreglo de Etude, una de las mejores piezas del disco. Junto a ella destacan la ingravidez de “It Should Have Happened a Long Time ago”, la arremolinada “Drum Music”, la melancolía de “Cathedral Song” y “From Time to Time” y los arreglos de dos temas asociados a Motian, “Jade Visions” y “Misterioso”, éste el más convencionalmente jazzístico. Digamos que no ha sido un disco realizado a vuela pluma: desde el primer chispazo a su realización final dista algo más de una década. A la altura que la singularidad y la excelencia de Motian merecen.

Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1671:joel-harrison-string-choir catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – The Music of Paul Motian

01. It Should Have Happened A Long Time Ago (5:20)
02. Drum Music (4:11)
03. Cathedral Song (5:34)
04. Misterioso (6:35)
05. Mode V1 (6:24)
06. Owl Of Cranston (4:37)
07. Jade Visions (4:37)
08. Split Decision (2:29)
09. Etude (7:24)
10. Mumbo Jumbo (1:06)
11. Conception Vessel (3:15)
12. From Time To Time (3:35)

Artist List

Christian Howes: violin
Sam Bardfeld: violin
Mat Maneri: viola
Peter Ugrin: viola
Dana Leong: violoncello
Joel Harrison: guitar
Liberty Ellman: guitar

Joel Harrison 7

Search (2012)

Pocas carreras en la actualidad presentan un progreso como el de Joel Harrison, sostenido álbum a álbum. Tras discos en los que tramaba encuentros con un cuarteto de cuerdas, el legado del jazz-rock, géneros como el country o su soberbio diálogo con la obra de Paul Motian, Search es el álbum del Harrison-compositor. Cuatro piezas largas, un denso estudio para piano solo y dos versiones forman un disco que parte del “deseo”, afirma Harrison, “de traer influencias de la música clásica a mi escritura jazzística”. Que una de las versiones escogidas sea de la pieza coral de “O Sacrum Convivium”, de Olivier Messiaen, da pistas de la “música clásica” a la que se refiere. Por ejemplo, hay mucho de Philip Glass en su escritura para las cuerdas en fases y de la plasticidad de un John Adams. Como éste, Harrison es un compositor para el que el movimiento continuo es fundamental, ya se trate de una pieza pastoril irresistiblemente ascensorial como “Grass Valley and Beyond” o la profundamente sentida de “A Magnificent Death”. Por distintas que éstas sean, están unidas por el impulso a cantar algo noble que mueve la obra de Harrison.

El detalle de lo escrito no deja aparte la improvisación porque si algo resulta incuestionable en la carrera del guitarrista es su olfato para formar grupos, en este caso unos 7 fantásticamente empastados, de alcance semiorquestal y de mentalidad estructural en sus partes improvisadas. Harrison claramente escribe por secciones, con una particular atención para las cuerdas, y consigue un logro fundamental en el engarce de la rítmica formada por Stephan Crump y Clarence Penn. Su guitarra, en una incesante labor de conjunto y textura, raramente ocupa el primer plano guardado para un dramático Donny McCaslin. En una pieza tan guitarrística como el “Whipping Post” de los Allman Brothers, segunda de las versiones del disco, destina de hecho el dueto original a unos incandescentes Leong y McCaslin. Harrison sigue buscando, pero lo que es más, sigue encontrando.

Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2423:joel-harrison-7-&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Search

1. Grass Valley and Beyond (11:15)
2. A Magnificent Death (15:00)
3. All the Previous Pages are Gone (8:24)
4. The Beauty of Failure (6:24)
5. Whipping Post (8:26)
6. O Sacrum Convivium (6:19)
7. Search (2:18)

Artist List

Joel Harrison: guitar
Donny McCaslin: tenor saxophone
Gary Versace: piano, Hammond B-3
Christian Howes: violin
Dana Leong: cello
Stephan Crump: bass
Clarence Penn: drums

Joel Harrison 19

Infinite Possibility (2013)

Una de las muchas cosas sobre Joel Harrison es que él no es un esclavo de su instrumento. Muchos guitarristas escriben música a la manera de un guitarrista, independientemente del género. Y pueden culparles? Viejos hábitos son difíciles de romper. Porque es tan agradable ver a cualquier guitarrista dedicarse con entusiasmo y usar su energía para escribir la música en una manera que no fácilmente conviene a las seis cuerdas (y sin embargo muchas cuerdas están implicadas). Y como el Joel Harrison 7 abruptamente da paso a Joel Harrison 19, la música del hombre aún no ha caído en ninguna trampa guitarra-centrada. Pero si ustedes han escuchado el álbum previo de Harrison, “Search”, o ha tenido la oportunidad de ver al Joel Harrison 7 en los últimos dos años, más o menos, usted sabrá que su marca de jazz vibra en una longitud de onda diferente. Incluso en un mar lleno de muchos contemporáneos únicos, él todavía es original. Una de las razones es porque sus canciones son completamente buenas, memorables, nunca inútilmente distantes. Lo otro es debido a que él siempre tiene tremendos talentos junto a él.

Infinite Possibility es la primera incursión dentro de la escritura big band, y las 19 piezas del ensamble que conformó para el estudio es una lista seria; Ben Kono, Ned Rothenberg, Ben Wendel, Taylor Haskins, Curtis Fowlkes, Kermit Driscoll, tantos músicos que ya tienen su propia y voluminosa carrera solista. Y Infinite Possibility puede estar lleno de canciones de Harrison, pero el show es la Orquesta. Hay solos aquí y allá, con los solistas recibiendo los créditos apropiados en las liner notes, pero esto no es música de Big Band que es solo-conducida. Incluso Harrison mismo practica una gran moderación, salvándose arriba por grandes momentos como su enfrentamiento entre él y sus vientos en “Dockery Farms”. Es como un movimiento de nubes de tormenta.

Hay un sentimiento misterioso de “adonde va esto?” en la música, compartiendo más en común con los arreglos de Gil Evans para los legendarios álbums de Miles Davis que con las cosas de la era del swing. De hecho, llamarlo big band es bastante engañoso (yo uso el término porque Harrison se refiere a ella como tal en las liner notes). En la superficie, la primera mitad de “Remember” es más clásica contemporánea que jazz. El conductor J.C. Sanford ha renunciado a la batuta de la John Hollenbeck Large Ensemble y a la Alice Coltrane Orchestra, entonces está apenas fuera de su elemento en este proyecto de jazz-encuentra-clásica-encuentra-esteroides. La presencia de James Shipp en el vibráfono, tiene la extraordinaria capacidad para establecer el tono para la apertura “As We Gather All Around Her”, que también establece el tono para el álbum entero; un sutil sentido de posibilidad, pelando capas de una forma que no se diferencia de la mano corriendo la cortina en la cubierta del álbum. La suave voz de Everett Bradley se encuentra tan cómoda en la mezcla que también podría ser un instrumento de viento. A su tiempo, Laila Biali tiene una parte vocal en “Remember”; ella también podría ser un theremin.

Infinite Possibility no puede ser más recomendable. Las canciones fluyen y la música se re-energiza a si misma. Escuchando a Infinite Possibility, me encontré olvidando una y otra vez que escuchaba a una orquesta de 19 piezas tocando música compuesta por un guitarrista de jazz. Harrison y sus compatriotas pueden atropellar las fronteras jazzeras de sus instrumentos tan bien, que es verdaderamente reconfortante. Esto nos muestra que hay mucho más que se puede hacer en este sentido, a partir de ahora cada vez que nos parezca.

Fuente para la reseña: John Garrat para http://www.popmatters.com/review/173813-joel-harrison-19-infinite-possibility/

Track Listing – Infinite Possibilty

1. As We Gather All Around Her (10:05)
2. Dockery Farm (8:56)
3. Remember (5:50)
4. The Overwhelming Infinity Of Possibility (9:26)
5. Highway (8:52)
6. Blue Lake Morning (9:41)

Todos los temas compuestos por Joel Harrison

Artist List

Joel Harrison: guitar – electric
Michel Gentile: flute
Ned Rothenberg: saxophone, clarinet, flute
Ben Kono: saxophone, oboe, english horn, flute
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ben Wendel: tenor saxophone
Rob Scheps: tenor saxophone, clarinet, flute
Andy Laster: baritone saxophone
Seneca Black: trumpet
Taylor Haskins: trumpet
Dave Smith: trumpet
Justin Mullen: trumpet
Alan Ferber: trombone
Jacob Garchik: trombone
Curtis Fowlkes: trombone
Ben Stapp: tuba
Joseph Daley: tuba, euphonium
Daniel Kelly: piano, keyboards
Kermit Driscoll: bass
James Shipp: vibes, marimba, hand percussions
Rob Garcia: drums
Everett Bradley: vocals
Laila Biali: vocals
J.C. Sanford: conductor

Password en todos los casos: presoventanilla

Apunte: Joel Harrison es un músico que se reinventa todo el tiempo. En los últimos tres años ha hecho tres obras de una calidad poco común. Capaz de una relectura imaginativa de la belleza abstracta y etérea de las composiciones del inmenso Paul Motian, como de armar una Big Band para seguir explorando posibilidades artísticas: 6, 7 o 19 músicos cuidadosamente elegidos, son medios para alguien que entiende que el cambio es movilizador, que eventualmente se puede equivocar en el trayecto, pero que siempre se rescata algo (o mucho, como en este caso) positivo. En The Music Of Paul Motian, las versiones de “Owl Of Cranston”, “Etude” o “From Time To Time” por ejemplo, son de una profunda belleza, dentro de un álbum que por la expresividad de las cuerdas y el carácter camarístico que tiene, ya de por si es delicado y de una solemnidad bien entendida, no de acartonamiento. En Search, Harrison experimenta con influencias de la música clásica trayéndolas a su visión del jazz y conserva cello (Dana Leong repite) y violín en la instrumentación del disco, algo que comparte con la estructura armada para The Music Of Paul Motian. Las largas piezas (“Grass Valley and Beyond” y “A Magnificent Death”) son muy ricas, tanto en sus cambiantes climas y pasajes instrumentales, como en las intervenciones solistas. Dicho sea de paso la resolución final de “A Magnificent Death”, de los últimos dos minutos y medio, aproximadamente, es de una brillante escritura. “All the Previous Pages are Gone” parece un compendio del conocimiento enciclopédico de Harrison de las diferentes corrientes del jazz desde casi su nacimiento, con partes estructuradas y otras improvisadas bastantes cercanas al free. “The Beauty Of Failure” es una sentida balada(?) con Donny McCaslin remarcando una frase emotivo que hace de este tema lo más cercano a un tema tradicional, pero no por eso menos bello. La versión de “Whipping Post” es muy buena, con las partes cantadas reemplazadas por el tenor de McCaslin, pero me pasa algo particular: tengo marcada a fuego la impresionante versión de Frank Zappa que viene en el álbum “Them Or Us”, con lo cual las comparaciones saltan cada vez que la escucho. “O Sacrum Convivium”, otra pieza de cansino desarrollo, es la única oportunidad de escuchar a Harrison en primera persona, con la banda apenas sonando por detrás, pero son solo unos instantes iniciales, ya que McCaslin aparece prontamente a decir su discurso y el tema se va deambulando con los aportes mansos de todos los músicos. Cierra el disco un corto tema (“Search”) con el piano solo creando un clima de expectación, que concuerda plenamente con el título del disco y del tema. Pero Harrison, como ya dije anteriormente, es un músico inconformista y proyecto tras proyecto cambia de dirección y experimenta con nuevas instrumentaciones y miradas sobre la música contemporánea. Es el mismo tipo de inquietud que anima a otros músicos talentosos como por ejemplo John Hollenbeck, con el cual lo asocio mentalmente. Harrison en Search armó un septeto; Hollenbeck alterna entre su quinteto y el gran ensamble. Infinite Possibility muestra justamente, algunas de las incontables puertas que se abren al disponer de una instrumentación tan variada. El panorama auditivo es tan amplio, tantos climas, matices y detalles que cuanto más atenta(s) sea(n) la(s) escucha(s) más grande será el disfrute. Esto no se cocina en un solo hervor, pero vale la pena meterse en la olla.