Preso ventanilla


Ike Sturm

tapa Spirit
Spirit (2005)

Como buen invitado de casa, Ike Sturm te deja con ganas de más. El contrabajista y compositor pone un impresionante esfuerzo orquestal de jazz contemporáneo en su álbum debut, Spirit, pero con cuatro canciones que suman 32 minutos, uno desearía que èl comparta más ideas de su ensamble de diez miembros.

Sturm compone piezas semanalmente como director musical para el ministerio de jazz de la Iglesia Saint Peter en Manhattan, que en su biografía dice que es considerada internacionalmente como ‘ la iglesia del jazz ‘. Ahora, a mediados de sus 20 años, él también ha actuado con notables del jazz como María Schneider y ha estudiado con Dave Holland. Él dice que la inspiración para Spirit vino durante un viaje por los fiordos de Noruega, y cada uno de los tres primeros movimientos se propone capturar una parte diferente de la Santísima Trinidad Santa (el cuarto se llama “Together”).

No hay, sin faltar el respeto, nada abiertamente espiritual sobre las composiciones. Se encadenan varios conceptos en general de manera sobria, fusionando la fácil accesibilidad de una banda sonora con las profundas complejidades de orquestación clásica, complementados por voces líderes con el gancho seductor de Dave Holland o Pat Metheny.

La apertura “Spirit” se centra en la Creación, construída desde una simple apertura de instrumentales y vocalizaciones como coro de la esposa de Sturm, Misty, a su solo de bajo a lo Metheny y finalmente una gruesa orquestación de compleja y suave fusión liderada por el saxofonista tenor Matt Blanchard. “Acts” es algo más animada en general, con un bastante coherente beat a rock/fusión, destacado por los melódicos solos del guitarrista Ryan Ferreira y Blanchard. “Everdoing” retorna a lo meditativo, mientras que “Together” -no sorprendentemente- fusiona numerosos conceptos incluidos un cambio abrupto a un interludio de rock de cuatro compases con Sturm y Ferreira interfiriéndose como si estuvieran sobre el escenario con Stanley Clarke.

La mayor parte del trabajo composicional de Sturm implica colaboraciones en artes visuales con su hermana Madeline, pintora y clarinetista también participante de este álbum, y Spirit posee la calidad que uno podría esperar para una galería de dramáticos cuadros canónicos. Esto es a menudo sutil sin ser aburrido, y si las piezas individuales no son necesariamente una declaración de innovación en sí mismas, están montadas de forma inteligente y de manera agradable. ¿Qué haría al álbum completo -o al menos algo a considerar en el futuro?, el trabajo que él ha compuesto para su iglesia. Parece seguro asumir que hay algo más allá del himnario familiar del Domingo..

Fuente para la reseña: Mark Sabbatini para https://www.allaboutjazz.com/spirit-ike-sturm-review-by-mark-sabbatini.php

Track Listing – Spirit

1. Spirit (7:54)
2. Acts (8:12)
3. Everdoing (7:46)
4. Together (8:09)

Artist List

Ike Sturm: basses
Matt Blanchard: tenor saxophone
Nathan Heleine: alto saxophone (4)
Eli Asher: trumpet, flugelhorn (3-4)
Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (1-2)
James Hirschfeld: trombone
Misty Ann Sturm: voice (1, 3-4)
Maddy Sturm: clarinet, bass clarinet (1, 3-4)
Ryan Ferreira: guitar
Toby Koenigsberg: piano
Ted Poor: drums (1-3)
Ben Parris: drums (4)
Ruth Bennett: harp (1, 3)
Eric Schmitz: vibes
tapa JazzMass
JazzMass (2009)

Hay gente que cree que el jazz, como el blues, es impío o “la música del diablo”. Sin embargo, la espiritualidad de muchos artistas de jazz llega a través en su escritura, y el bajista/compositor/arreglador Ike Sturm es uno de ellos.

Sturm es el director musical para el ministerio de jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan. La institución tiene una tradición de servicios de jazz semanales que conmemoran iconos tales como Duke Ellington, John Coltrane, Miles Davis y Thelonious Monk. La iglesia comisionó a Sturm para que compusiera una masa de jazz para coro, cuerdas y septeto; el resultado, JazzMass, destaca a Sturm acompañado por los miembros de su familia, un pequeño cast de músicos de sesión, los saxofonistas Loren Stillman y Donny McCaslin, el Coro de la Iglesia de Saint Peter y un ensamble de cuerdas de 10 piezas.

“Kyrie” tiene una calidad etérea, con la ligera vocalización de Misty Ann Sturm -apoyada por el coro y complementada por la sección de cuerdas- establece el mood. Los solos del guitarrista Ryan Ferreira, con contribuciones de Stillman y McCaslin. La trompetista Ingrid Jensen aparece un poco durante la improvisación final.

Las cuerdas están más implicadas en “Gloria”. Misty Ann Sturm canta como una flauta que pronuncia palabras. A veces, ella y el coro canta a capella. La sección rítmica -Ike Sturm, el pianista Adam Benjamin y el baterista Ted Poor- proporcionan rellenos, los vocalistas toman un descanso, mientras Stillman y McCaslin solean. Ellos, sobre todo, son complementados por el bajo, la batería y la guitarra, pero las cuerdas también participan. Como el sonido se intensifica, el coro ayuda. Después de que la música se ablanda, y los vocalistas hacen una aparición, Jensen solea. Benjamin subraya el siguiente paso vocal. En casi nueve minutos, “Gloria” es una obra maestra orquestal, cambiando fácilmente de vocal a instrumental, mezclándose ambos de vez en cuando.

“Offertory: Stillness” es una inquietante pieza que destaca a los jugadores adicionales: el trombonista Tim Albright, la violinista Sara Caswell y la clarinetista Madeline Sturm. Empieza suavemente con un interludio instrumental, seguido por la vocalización de Misty Ann Sturm, emparejado con la trompeta de Jensen. El bajo de Ike Sturm es un poco más fuerte, y Poor destaca puntos clave con una variedad de platillos. Ferreira solea sobre el bajo y la batería, con Benjamin en Rhodes.

JazzMass es una sólida asociación de culto y de improvisación musical. Ike Sturm compone ocho de las 10 pistas y arregló las otras.

Fuente para la reseña: Woodrow Wilkins para https://www.allaboutjazz.com/jazzmass-ike-sturm-self-produced-review-by-woodrow-wilkins.php

Track Listing – JazzMass

01. Kyrie (6:32)
02. Gloria (8:54)
03. Interlude (2:18)
04. Hymn: Just as I Am (5:32)
05. Offertory: Stillness (8:04)
06. Sanctus (6:06)
07. Thanksgiving (3:11)
08. Our Father (3:15)
09. Angus Dei (8:09)
10. Hymn: Shine (5:07)

Artist List

Ike Sturm: basses
Misty Ann Sturm: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ingrid Jensen: trumpet, flugelhorn
Adam Benjamin: piano, Rhodes piano
Ryan Ferreira: guitar
Ted Poor: drums
Tim Albright: trombone
Sara Caswell: violin
Madeline Sturm: clarinet
Sarah Brailey: soprano

Saint Peter’s Church Choir:
Janet Planet: soprano
Abigayl Venman: soprano
Brenda Earle: alto
Sarah Lynch: alto
Melissa Stylianou: alto
Anna Williams: alto
Charlie Christenson: tenor
Scott Murphree: tenor
John Young: tenor
Roosevelt Andre Credit: baritone
Clay Greeberg: baritone
Mark Sullivan: baritone

String ensemble:
Sara Caswell: violin I
Caleb Burhans: violin I
Courtney Orlando: violin I
Amie Weiss: violin II
Laura Arpiainen: violin II
Sharon Gunderson: violin II
Corrina Albright: viola
Beth Myers: viola
Maria jeffers: cello
Jody Redhage: cello
tapa Shelter of Trees
Shelter Of Trees (2015)

El bajista/compositor Ike Sturm ha servido como Director de Música para el Ministerio de Jazz en la Iglesia de Saint Peter en Manhattan desde 2004 y presenta un ofrecimiento de amor de jazz y música sagrada en Shelter Of Trees. El set es elevador aún siendo calmante, centrado y aún diverso como la banda de Sturm: Evergreen, estira las fronteras que podrían estar limitadas a la etiqueta de música consagrada.

La grabación comienza con el jubiloso “Rejoice” con el equilibrio perfecto entre la música y la voz, su diversidad presentada en un espacioso telón rural, el cual también se encuentra en el apropiadamente titulado “River”, ya que fluye con poder y gracia. La banda está compuesta de notables personalidades del jazz como el pianista Fabian Almazan, el saxofonista Loren Stillman, y el vibrafonista Chris Dingman que ofrecen inspiradas performances bajo las meditadas composiciones de Sturm, elevadas aún más por hermosas cantantes que incluyen la esposa del líder de la banda, Misty Ann Sturm.

Hay lujosas armonías vocales (“Turning Point”); un sedoso groove pinceleado con estética de música rock (“Shelter of Trees”) y absorbentes melodías (“Guide”). Cada pista tiene su propia fuerza, con una posible cima alcanzada en “Sanctus” donde los instrumentos, voz, y la lírica convergen y se mueven hacia una entusiasta conclusión.

Shelter Of Trees está dedicado al padre de Sturm, Fred Sturm, un respetado compositor y maestro de jazz que murió en el 2014. Esto también celebra el 50 Aniversario de Jazz en la Iglesia de Saint Peter cuya rica historia y diversos programas siguen apoyando la comunidad y el compañerismo. Esto es una apropiada publicación que hace un alegre ruido.

Fuente para la reseña Mark F. Turner para https://www.allaboutjazz.com/shelter-of-trees-ike-sturm-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – Shelter Of Trees

01. Rejoice (4:13)
02. River (7:17)
03. Origins (5:29)
04. Turning Point (5:26)
05. Shelter of Trees (6:27)
06. Guide (6:27)
07. Renew (5:56)
08. Sanctus (5:25)
09. Family (4:13)
10. Psalm 23 (8:35)

Artist List

Misty Ann Sturm: voice
Chanda Rule: voice
Melissa Stylianou: voice
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Chris Dingman: vibraphone
Jesse Lewis: guitar
Ike Sturm: basses
Jared Schonig: drums

Guest musicians:

Zaneta Sykes: marimba (tracks 4 + 5)
Annabelle + Kendall Sturm, Maia + Luna Opazo: voices (track 6)

Apunte: En las reseñas que acompañan a los tres discos como líder del bajista y compositor Ike Sturm, se repite hasta el hartazgo que es el Director Musical del Ministerio del Jazz de la Iglesia de Saint Peter de Manhattan. Toda esta breve discografía gira alrededor de la fé que profesa Sturm. Digo esto para alertar a quienes se espantan cuando oyen hablar de este tipo de asociaciones. Muy por el contrario, la música de Sturm suena absolutamente genuina, inteligente y de una complejidad que no excluye al oyente casual ni aburre al más experimentado. Otra cosa para destacar es el fabuloso empaste musical que logra Sturm, tanto con músicos notables como son Stillman, McCaslin, Dingman, Benjamin o Almazan, como con otros que nos resultan poco conocidos. Juro que me animaría a ir a misa si pudiera ir a la Iglesia de Saint Peter!

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Andre Canniere

tapa-as-of-yet
As Of Yet (2006)

El debut del trompetista André Canniere es la prueba auditiva que cosas buenas pueden bajar de la Torre de Marfil. Cada uno de los músicos en As of Yet es diplomado de la Eastman School of Music (Canniere en 2003), pero ellos superan los típicos estereotipos a menudo asociados con músicos entrenados por universidades, el más común de ellos es que “piensan” la música, antes que “sentirla”. Como muestra este álbum, mucho de lo que solía ser considerado música académica ha sido asimilada por una nueva generación de músicos que se sienten tan cómodos en la periferia como en el bolsillo. (En aras de plena revelación, he conocido varios de estos músicos durante años).

La grabación abre con la pista del título, una colección de intrincadas melodías construídas lentamente sobre una sólida línea de bajo de Ike Sturm. Canniere y el saxofonista Josh Rutner en el se meten en el anillo para cortar y tejer uno alrededor del otro para llevar a la pieza a un punto culminante. La melodía laxa pero intrincada estaría bastante en casa en un registro de Ben Allison o Dave Douglas

Rutner abre “Bridges” en un estilo Brecker-Berg- un aspecto de su manera de tocar más relacionado con su trabajo “latino”, antes que en su banda principal, The Respect Sextet. La melodía gospel es propulsada por los tambores rodantes de Ted Poor, quien ha estado haciendo su propio nombre desde hace pocos años atrás en un trío conducido por el trompetista Cuong Vu.

“Accelerated Decrepitude” tiene una melodía con influencias balcánicas que conduce al fuerte trabajo de trompeta de Canniere. El guitarrista Ryan Ferreira abre la pieza con tonos de ataque menos largos, luego cambia a un puntiagudo comping bajo los solos.

Una cuestión programática con el registro es la preponderancia de melodías lentas, ligeras. Tras las dos pistas de apertura, el disco probablemente podría haber sido hecho sin “The Rest”, otro enredado lento. Cortarlo, sin embargo, significaría quedarse sin el puntilloso y precioso solo de guitarra de Ferreira. No sorprende que Ferreira sea el guitarrista elegido por Canniere, dado los trabajos anteriores del trompetista con Ben Monder, otro guitarrista que hace maravillas con espacios abiertos.

El CD se cierra con tres temas en directo de una calidad mejor que bootleg, grabados en diversos clubes de la ciudad de New York en 2005. Ryan Ferreira muta en otra criatura en “Thirteenth Species”. Ha desaparecido el sonido Frisell y los espacios tamaño camión Mack entre cada nota, sustituido por una conducción fuzz chop que impulsa a Rutner a gritar en las alturas. A continuación, la música toma otro giro a la izquierda y Poor y Ferreira, inician una monstruosa marcha a lo Metallica detrás del solo de Canniere. Apasionante. Versiones en vivo de “As of Yet” y “Accelerated Decrepitude” cierran la grabación.

A pesar de unos pocos spots más lentos que lo necesario, As of Yet es una fuerte declaración de apertura de Canniere, que se ha sumergido con cada uno de la escena de New York, de María Schneider y Donny McCaslin a la Westchester Chamber Orchestra y la New York Repertory Orchestra. Su debut da a los oyentes una razón para esperar en la parte inferior de la Torre de Marfil para ver qué más podría descender de los sagrados recintos de la academia.

Fuente para la reseña: Jason Crane para https://www.allaboutjazz.com/as-of-yet-andre-canniere-omatic-records-review-by-jason-crane.php

Track Listing – As Of Yet

1. As Of Yet (11:55)
2. Bridges (7:05)
3. Accelerated Decrepitude (6:17)
4. The Rest (6:08)
5. 13th Species (live bonus) (7:40)
6. As Of Yet (live bonus) (14:01)
7. Accelerated Decrepitude (live bonus) (8:28)

Artist List

Andre Canniere: trumpet/composer
Josh Rutner: tenor saxophone
Ryan Ferreira: guitar
Ike Sturm: bass
Ted Poor: drums

tapa-forward-space
Forward Space (2012)

Aunque Estados Unidos todavía puede reclamar ser el hogar del jazz y su mayor mercado comercial, hay todavía muchos músicos de aquel país que deciden ir a nuevas pasturas El trompetista Andre Canniere es uno de estos: un joven músico y compositor de EE.UU., que ahora está establecido en Londres. Como con muchos de sus emigrados compañeros músicos, él es un talentoso músico con originales ideas composicionales, y Forward Space demuestra que lo que es una pérdida para EE.UU., es una ganancia para el Reino Unido.

Canniere estudió en la Eastman School of Music, trabajo con artistas tales como Maria Schneider y Donny McCaslin y realizó su álbum debut As Of Yet (Omatic Records, 2006) antes de trasladarse al Reino Unido en el 2008. Desde el groove funk-encuentra-rock de apertura de “Cruch”, las repeticiones tipo trance de “Forward Space”, el ampuloso paseo de “Cure” y la espaciosa, considerada belleza de “September Piece” -la cual tiene algo de sonido nórdico- Canniere demuestra una capacidad para mezclar y combinar las influencias de diferentes géneros para crear un original cóctel todo propio. Esta música es accesible, con algunos ganchos preparados y algunas melodías atractivas, pero esta accesibilidad nunca es el resultado del exceso de temas familiares o banal y simplista escritura.

Los duros, efervescentes, ritmos en Forward Space exclaman en los parlantes. El bajista Ryan Trebilcock es el personaje clave aquí, trabajando en tándem con Jon Scott o con Chris Vatalaro en baterías. Ambas combinaciones dan a Canniere y Hannes Riepler la seguridad de un sólido latido del corazón sobre el cual el trompetista y el guitarrista pueden tejer sus inventivas líneas. Riepler y el tecladista George Fogel son igualmente adecuados para los roles de ritmo y liderazgo; el trabajo de Fogel en teclados eléctricos funciona especialmente bien en establecer el “mood” de una pieza. Canniere toca la trompeta en la mayoría de las canciones, pero también resulta ser algo de un multi-instrumentista, tocando todo en la delicadamente suelta “Song For J.”, dedicada a su hijo Jonas.

Canniere toma su inspiración de la política y economía mundial, así como de su propia familia, haciendo de Forward Space algo no predecible, pero siempre tocado desde el corazón.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para https://www.allaboutjazz.com/forward-space-andre-canniere-whirlwind-recordings-ltd-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Forward Space

1. Crunch (6:43)
2. Forward Space (5:48)
3. Cure (7:59)
4. Marshlands Blackout (7:00)
5. September Piece (6:02)
6. Lost In Translation (6:18)
7. Spreading Hypocrisy (5:45)
8. Song For J (4:13)

Artist List

Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (4), melodica (3), Rhodes piano (8), guitar (8), cahon (8)
Hannes Riepler: guitar
George Fogel: piano, keyboards
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums (2, 6, 7)
Chris Vatalaro: drums (1, 3-5)

tapa-coalescence
Coalescence (2013)

Coalescence es el título perfecto para esta fascinante colección de Andre Canniere. La idea que nuestras experiencias e influencias son absorbidas en un todo más grande trabaja en muchos niveles, tanto personal como musical. Algunos quisieran hacernos creer que la verdadera originalidad en estos tiempos post-modernos viene sólo a través de la yuxtaposición de los diferentes elementos e influencias en nuevas combinaciones y formas. Esto es, por supuesto, discutible y enciende el antiguo argumento ‘naturaleza o nutrición’, en la medida en que tenemos una esencia individual identificable o propia.

Tengo la sospecha de ello, el segundo álbum de Canniere tras “Forward Space” desde el 2012, que probablemente podría inclinarse hacia el lado de la nutrición que divide, dado las insinuaciones que él da al explicar las inspiraciones detrás de los títulos de las canciones en las notas del álbum. Así, la animada apertura “Sweden Hill” está inspirada en…”recuerdos fragmentados de la pequeña ciudad rural donde pasé los primeros cinco años de mi vida”. La pieza pasa a través de una animada estructura episódica en la que el pianista Ivo Neame brilla no sólo en la apertura de rítmica latina y su impresionista solo sino también en su reflexivo diálogo con Canniere durante el último solo. De modo similar “Gibbs & East” es un homenaje a Rochester NY, aunque el significado del lugar para el compositor no es divulgado, como también es el caso con el evocador y sereno cierre del álbum “Elk Run”, un tranquilo camino de tierra en el norte de Pennsylvania, aparentemente. Esta última pieza es la única balada del álbum y se siente como si deseara indicar el final de un viaje, o, al menos, una reflexión sobre la pérdida durante el mismo. Neame otra vez sobresale aquí, su inicialmente circunspecto solo construye un lento y burbujeante climax.

Estos fragmentos biográficos sugieren que Canniere es un interesante personaje, una impresión reforzada por un rápido vistazo a su intimidante currículum, que incluye trabajos con Maria Schneider, Bjorkestra, Donny McCaslin & Darcy James Argue, y su decisión de trasladarse a Londres en 2008. Nuevamente las notas del álbum revelan que “Nylon” fue inspirada por esta salida y llegada dibujando un amplio y free solo de Canniere en la última sección de la pieza. La única reserva de esta composición es, sin embargo, el solo de guitarra de Hannes Riepler el cual se siente demasiado apoyado en el estilo AOR (Adult Rock Oriented) de los ´80 para mi gusto personal, pero que no puede ser una cuestión para otros. En otras partes las contribuciones de Riepler son perceptiblemente más circunspectas, encajan bien con el ensamble y el “mood” de las piezas, de modo que es muy descabellado sugerir que el solo pretendía demostrar lo que Canniere ha dejado en los EE.UU.?

Otra manera en que Canniere es inusual es en su deseo de comunicar o conectar con determinados temas o conceptos a través de la música instrumental. Así, mientras muchos contemporáneos evitan conexiones con los problemas del mundo real, “Gaslands” es una melancólica conversación principalmente entre Canniere y Neame que es una protesta contra las prácticas ambientalmente cuestionables del fracking, destinada a extraer el gas de esquisto de la roca subyacente. “Point Zero” también se propone protestar contra las leyes de armas estadounidenses a la luz de los tiroteos del 2012 en Newtown. Ese deseo de comunicar sobre cuestiones reales, tal vez sorprendentemente sólo ha sido igualado recientemente en el jazz del Reino Unido por el Kairos 4tet, quién también destaca a Ivo Neame, y sugiere una interesante y meritoria trayectoria futura.

El álbum fue lanzado el pasado otoño, pero en realidad parece haber perdido en la temporada de box setas y buena voluntad para todos los hombres. Mientras la performance de Canniere en el lanzamiento como parte del Festival de exhibición del sello Whirlwind trajo avisos positivos, la colección como un todo parece haber recibido poca atención. Eso sería una lástima, creo que la calidad de las actuaciones de Canniere y Neame en particular son de un alto estándar y también es refrescante escuchar un álbum con esa rara ambición y deseo de conectar con los problemas del mundo real.

Fuente para la reseña: Phil Barnes para https://www.allaboutjazz.com/andre-canniere-coalescence-by-phil-barnes.php

Track Listing – Coalescence

1. Sweden Hill (8:32)
2. Gibbs and East (3:48)
3. Nylon (6:31)
4. Gaslands (7:00)
5. Zuid Intro (1:46)
6. Zuid (9:27)
7. Parallax (7:10)
8. Point Zero (4:13)
9. Elk Run (6:41)

Artist List

Andre Canniere: trumpet
Ivo Neame: piano, accordion
Hannes Riepler: guitar
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums

Apunte: Originario de la zona rural de Pennsylvania (E.E.U.U.), Canniere es un aclamado trompetista, compositor y educador establecido actualmente en Londres. Durante los aproximadamente cinco años que desarrolló su carrera en su pais de origen, Canniere trabajó con artistas tales como Maria Schneider, Becca Stevens, Donny McCaslin, Kate McGarry, Ingrid Jensen y Darcy James Argue, actuando en giras por los EE UU y Europa y performances en el Wigmore Hall, Carnegie Hall, The Barbican, Birdland, The London Jazz Festival, The Hague Jazz Festival y The Rochester International Jazz Festival. Desde su arribo al Reino Unido, el perfil de Canniere ha ido siempre en ascenso, tanto como artista solista o como colaborador. Su debut en el sello Whirlwind Recordings con el disco Forward Space (2012) fue según la revista especializada Jazzwise “uno de los mejores registros en largo tiempo” y además listado como uno de los mejores álbumes del 2012. Al año siguiente, lanza Coalescence, su segundo disco en Whirlwind Recordings el cual fue igualmente alabado por la prensa y estableció firmemente a Canniere como “uno de los artistas más convincentes de la actual escena del jazz londinense” (The Scotsman). Como compositor, Canniere ha sido descripto como “un recién llegado imaginativo” cuya música es “audazmente trabajada” y “muestra atisbos de una insólita fluidez y libertad dentro del contexto de un sonido de jazz contemporáneo denso y rítmicamente intrincado” (Guardian). La revista Jazzwise entiende que “las composiciones de Canniere contrastan elementos de jazz y folk con un más oscuro lenguaje armónico que extrae de Radiohead y un acercamiento más crudo rockero, basado en el groove, traído de la escena alternativa jazzera de Nueva York”. Además de sus trabajos como líder de banda y compositor, Canniere mantiene una activa carrera como sideman y músico de sesión. Ocupa la silla de trompetista en diversas bandas establecidas en Londres, incluyendo a Henrik Jensen’s Followed By Thirteen, Dee Byrne’s Entropi y The Overground Collective. También ha colaborado con otros celebrados artistas del jazz en el Reino Unido como son Michael Janisch, Jasper Hoiby, Ivo Neame, Jim Hart, James Maddren, Alex Garnett y Alice Zawadzki. Recientemente, ha lanzado “The Darkening Blue” su tercer y último disco a la fecha, también por el sello Whirlwind Recordings, pero aún no ha llegado al barrio…estaremos atentos!!

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Jerome Sabbagh
septiembre 28, 2015, 12:08 am
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tapa North
North (2004)

El sello Fresh Sound New Talent parece seguir exprimiendo néctar de aquellos europeos que deciden continuar su formación musical en Nueva York. Y es que parece que la fórmula de una base clásica a la europea, cumplimentada con una formación jazzística estadounidense funciona. Javier Vercher es uno de los frutos de esta combinación, y no lo es menos la presente grabación.

North es un disco que bien podría clasificarse de easy listening. No es un disco complejo, transversal, que intente giros ni sustituciones de acordes complejos, disonantes. La facilidad en la escucha del disco radica en que los temas se desarrollan buscando la horizontalidad, dilatando los compases de las melodías a lo ancho, buscando las notas precisas en cada momento, con sutiles cambios de escala y, eso sí, provocando una sensación de velocidad con la continua contracción y expansión de las ráfagas de notas.

El diálogo entre guitarra y saxofón es espléndido. El papel de Ben Monder no es de mero espectador, sino que en muchos momentos del disco roba el protagonismo al tenor de Jerome Sabbagh (en las primeras escuchas tuve la impresión de que el CD estaba firmado por el guitarrista), y en otros, el soporte de acordes arpegiados que la guitarra lleva a cabo sobre los fraseos del saxo hacen que el oído se fije más en el músico secundario que en el protagonista del fraseo (los dos primeros minutos del CD, con el tema “North”, son un claro ejemplo de esta impresión). En términos generales, los temas suenan brillantes, y sólo en determinadas ocasiones, tales como “Indian Song”, el cuarteto se separa de las frases cálidas para buscar el contraste entre acordes disonantes y melódicos, con fraseos entrecortados del saxofón y una ambientación tensa y estridente de la guitarra. El buen hacer de Joe Martin y del jovencísimo y novel Ted Poor a la batería están presentes en toda la grabación. Son pocos los momentos en los que pasan del segundo plano musical al primer plano para desarrollar solos (nos tropezamos con un solo de batería en “Trip”). Pero como suele ocurrir, el terreno sobre el que pisan los instrumentos solistas suele estar allanado por la generosidad de la sección rítmica.

Esta nueva entrega de Fresh Sound New Talent es un disco agradable, fácil de escuchar para los oídos aún no encallecidos, pero con multitud de recovecos y detalles para aquéllos exigentes, y con una de las guitarras más depuradas que he escuchado en bastante tiempo.

Reseña de Sergio Masferrer para http://www.tomajazz.com/discos/2005_02_breves.htm#sabbagh_north

Apunte: Es cierto que North, el disco debut de Sabbagh como líder, no es complejo para nada, pero eso no quita que tenga la suficiente capacidad para entretener y apuntalar la atención del oyente. Es clave para esto el buen támdem que logran conformar Sabbagh con Monder. Sabbagh toca muy bien, sus composiciones también están bien, pero es imposible pensar este disco sin la intervención de la guitarra de Monder que con gran soltura es capaz de pasar de una delicada y puntillosa intervención a una abstracción bien exhuberante, sin caer en excesos cerebrales que suelen “enfriar” los resultados incluso en sus propios discos como líder. A lo largo de los años, esta asociación Sabbagh/Monder/Martin/Poor se ha sostenido más o menos regularmente, llegando incluso a la última grabación de Sabbagh como líder, “The Turn” (2014).

Track Listing

1. North (5:07)
2. Follow The Light (6:22)
3. Extatik Eztetik (6:26)
4. Indian Song (5:55)
5. Sick Leo (6:52)
6. Trip (7:01)
7. Hymn (5:50)
8. Every Now And Then (5:23)
9. Not Quite Blue (6:35)

Artist List

Joe Martin: bass
Ted Poor: drums
Ben Monder: guitar
Jerome Sabbagh: tenor saxophone, compositions

Link de descarga
Password: presoventanilla



Ben Monder

tapa Hydra
Hydra (2013)

El guitarrista establecido en Nueva York, Ben Monder, ha sido un miembro activo de la escena del jazz contemporáneo por más de dos décadas, superando las cien sesiones como sideman para luminarias tales como Paul Motian, Maria Schneider y Kenny Wheeler. A pesar de estas prestigiosas colaboraciones, Monder ha mantenido un perfil relativamente bajo en solitario, con menos de media docena de registros como líder o co-líder; “Oceana”, la última realización a su propio nombre, fue publicado por Sunnyside Records en el año 2005.

Cuando se maneja con sus propios dispositivos, Monder revela una singular predilección por yuxtaponer principios del rock progresivo con atmosféricas texturas de la música ambiental. Un aparente heredero de nerviosos pero etéreos estilistas como John Abercrombie y Bill Frisell, el enfoque heterodoxo de Monder le ha valido un amplio reconocimiento de la crítica y la admiración de sus pares, sin embargo la popularidad lo sigue eludiendo. Actuando regularmente con su trío, cuarteto y en dúo con el cantante Theo Bleckmann, Monder, sin embargo, ha establecido una única e identificable estética en sus propios conjuntos, que alternan entre soundscapes de ensueños y la abstracción visceral.

Temáticamente similar a “Oceana” en su dramático flujo y reflujo, Hydra toma el relevo de esfuerzos anteriores de Monder como líder. Indicativo de su idiosincrático arte, Monder una vez más comparte la frontline con Bleckmann, cuya sonora vocalización o bien complementa o contrasta con la técnica multifacética del guitarrista, que atraviesa un amplio espectro. La sección de ritmo primaria consiste en el bajista John Patitucci y Ted Poor, baterista de muchos años de Monder (el bajista Skuli Sverrisson sustituye a Patitucci en dos cortes), con Gian Slater y Marta Cluver proporcionando ocasionales armonías vocales.

La serena apertura “Elysium” y la penúltima “Postlude”, sirven como meditativos sujetalibros, dejando al épico track del título revelar las profundidades de las quijotescas predilecciones de Monder en el contexto de una compleja narrativa musical. Abarcando una serie de cambios estilísticos en poco menos de media hora, el opus principal ilumina la relación experta del grupo, en gran parte en apoyo de las excursiones virtuosas del líder, que incluyen arpegios neoclásicos, caprichosas carreras cromáticas y barridos de saltos intervalicos. Acompañado por los estribillos divinos de Bleckmann, la diestra interacción del trío repetidamente modula en intensidad y complejidad -evocando conceptualmente la regenerativa naturaleza del trabajo homónimo.

Aventurándose más en el territorio de la vanguardia, “Tredecadrome”, de métrica impar, es simultáneamente impulsado por los riff metálicos sostenidos de Monder y las armonías corales multitrackeadas de Bleckmann, lo que redunda en un inusual y fascinante híbrido sónico. Sostenido por compases igualmente poco ortodoxos, el vigoroso calado acústico de Monder en “39” deslumbra con caleidoscópicos detalles, mientras que los exuberantes acordes y la sublime sensibilidad melódica de canciones como “Aplysia” y “Yugen” ofrecen conmovedores ejemplos de un lirismo post-Frisell.

Inspirado por el clásico literario de E.B. White, Charlotte’s Web, el sensible arrullo “Charlotte’s Song” finaliza la entrega con una nota callada, viniendo a cerrar uno de los álbumes más enigmáticamente encantadores de memoria reciente.

Fuente para la reseña: Troy Collins para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=44997#.Ur89cvtqSg8

Apunte: Con cierto recelo me dediqué a escuchar Hydra, teniendo en la memoria lo árido y tortuoso que me había resultado la escucha de “Oceana”. Curiosamente, las diferentes reseñas que leí, en general hacen referencia a que Hydra está en la misma senda de “Oceana”; por esa misma razón, he resistido la tentación de volver a escuchar “Oceana”, para entrar en Hydra libre de ataduras. Monder ha colaborado en muchos y buenos discos que hemos destacado en el blog, por lo que el crédito sigue abierto. Hydra es un disco que continuamente interpela al oyente, dado que su complejidad exige una atención permanente. Por otra parte, además de las intenciones artísticas y de todos los recursos técnicos que expone Monder, está siempre presente ese artista exquisito que es Theo Bleckmann, habitual voz de cuanto proyecto musical vanguardista se esté generando por los artistas del momento (Bleckmann tiene un dúo con Monder, suele participar en los proyectos de Hollenbeck, ha grabado junto a los Kneebody, por citar algunos ejemplos más conocidos). Las vocalizaciones de Bleckmann son el complemento ideal para las excursiones submarinas propuestas por Monder. “Dramático flujo y reflujo”, indica la reseña; como el movimiento de las olas, agrego. Corran, caminen o descansen, pero ponganse los auriculares y entren en el extraño pero fascinante mar de Monder.

Track Listing

1. Elysium (4:47)
2. Hydra (24:14)
3. Aplysia (8:45)
4. 39 (11:12)
5. Yugen (7:29)
6. Tredecadrome (15:13)
7. Postlude (2:34)
8. Charlotte’s Song (3:58)

Artist List

Ben Monder: guitars, bass (4)
Theo Bleckmann: voice (2-4, 6-8)
John Patitucci: bass (1, 5-7)
Skuli Sverrisson: bass (2, 3)
Ted Poor: drums (2-6)
Gian Slater: voice (1, 7)
Martha Cluver: voice (5, 7)

Link de descarga
Password: presoventanilla



Mike Moreno

tapa First in Mind
tapa Another Way
First in Mind (2011)

First in Mind es el título del tercer trabajo discográfico de Mike Moreno, uno de los guitarristas de referencia en el actual panorama jazzistico de Nueva York. Con una multitud de colaboraciones con musicos como Aaron Parks, Lizz Wright, Myron Walden e incluso con Q-Tip, este guitarrista nacido en Houston ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad y este nuevo lanzamiento es buena prueba de ello.

Siguiendo la línea de su anterior trabajo “Third Wish”, también para el sello Criss Cross, Moreno nos ofrece un álbum en el que sólo hay un original, el que da título al disco. El resto del repertorio está compuesto por versiones de lo más variado. Como “Soul Dance”, una composición del saxofonista Seamus blake, único tema en el que el guitarrista utiliza la acústica, sacándole un sonido espectacular. O como la espectacular versión de “Airegin” digna de un maestro, o del mismisimo “In a Silent Way”. También Moreno deja ver su admiración por el repertorio brasilero de la mano de Milton Nascimento y Nelson Cavaquinho con las versiones de “Milagre dos Peixes” y “A Flor e o Espinho” compuestas por ellos respectivamente.

El cuarteto de First in Mind es una formación bien conocida por el guitarrista, Aaron Parks con quien colaboró en su primer disco “Invisible Cinema” y que está también en el debut discográfico de Moreno “Between the Lines”, Matt Brewer, quien sustituye a Doug Weiss, y el batería Kendrick Scott que aparece en los 3 trabajos del guitarrista. First in Mind es un disco típico de Criss Cross, una buena sesión de jazz por parte de unos músicos muy interesantes, y en este caso por un guitarrista al que hay que seguir la pista. Si su primer trabajo “Between the Lines” estaba compuesto por originales, en Criss Cross, Moreno ha optado por exprimir algunos de los temas que le gustan dejando de lado sus composiciones, tanto aquí como en el anterior “Third Wish”, eso sí con su propia óptica y con una gran clase.

Fuente para la reseña: http://emilesahead.blogspot.com.ar/2011/07/mike-moreno-first-in-mind.html

Track Listing “First in Mind”

1. First In Mind (7:54)
2. Soul Dance (8:53)
3. Airegin (5:50)
4. By Myself (6:09)
5. But Beautiful (8:31)
6. Milagre Dos Peixes (Miracle Of The Fishes) (7:17)
7. A Flor E O Espinho (The Flower And The Thorn) (7:35)
8. In A Silent Way (8:34)
9. Mantra #5 (5:27)

Artist List

Mike Moreno: guitar
Aaron Parks: piano, Fender Rhodes
Matt Brewer: bass
Kendrick Scott: drums

Another Way (2012)

Aunque sea difícil destacarse en un clima donde nuevos nombres aparecen casi a diario, Mike Moreno ha resultado ser uno de los más identificables jovenes guitarristas de jazz en los últimos años.

Como en casa en un número de ajustes, su fluído estilo se encuentra en el abstracto hip hop de “The Renaissance” (Universal Motown, 2008) de Q-Tip y ha recibido elogios de Pat Metheny que comentó que Moreno es “un chico muy talentoso que me impresionó más allá de las notas, por su sentimiento general, y por lo que él es”. Y no se trata sólo que Moreno impresiona por su manera de tocar, su habilidad composicional también gana atención en Another Way, su cuarta grabación como líder.

Similar a su debut del 2007, “Between The Lines” (World Culture Music), Another Way destaca las composiciones de Moreno interpretadas por un sólido ensamble que incluye a los ascendentes vibrafonistas Warren Wolf y Chris Dingman. La combinación de guitarra, vibráfono y piano con Aaron Parks, socio de largo tiempo, siendo una gran salida para las trazas contemporáneas de Moreno que encuentran inspiración desde Maurice Ravel a Wayne Shorter, donde dialoga con el guitarrista en su propio dialecto.

“Spinning Wheel” es un buen ejemplo del pensamiento melodicista de Moreno. El sonido tiene varias capas, elevada por la comunicación y espaciosos solos de los instrumentos de cuerda. Conocido por sus laberínticas carreras en la guitarra eléctrica, la técnica de Moreno en la acústica es igualmente impresionante y sale a la superficie en dos piezas a dúo junto a Parks, “Waking the Dancer” y “The Mariner”, enfatizando aún más su simpático lirismo.

El set no es unidimensional. La oscura vibración de “The Fifth Element” está construída alrededor de un persistente groove aglutinado por la flexibilidad rítmica de Matt Brewer y Ted Poor; solo para ser seguida por “Slow Fall”, una magnífica pieza serpenteante con matices de colores. La adición de vibráfonos es otro factor determinante en dos de las piezas más calientes de este set —”One And A Half” y “Behind The Wall”— ambas mostrando los inventivos mazos de Warren Wolf y la abrasadora guitarra de Moreno

Another Way continúa con el patrón de Moreno de excelencia e individualidad, estando abierto a nuevas posibilidades.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=41516#.UISaQmd0ig8

Track Listing “Another Way”

1. The Spinning Wheel (7:27)
2. Waking the Dancer (3:10)
3. One And A Half (7:21)
4. The Fifth Element (6:00)
5. Slow Fall (6:00)
5. Another Way (5:50)
6. Behind The Wall (5:53)
7. The Mariner (2:05)
8. Mirror Mirror (9:10)

Artist List

Mike Moreno: guitars
Aaron Parks: piano
Warren Wolf: vibraphone (1-3, 5-9)
Matt Brewer: bass
Ted Poor: drums (2-9)
Chris Dingman: vibraphone (4)
Jochen Reuckert: drums (1)

Apunte: Tanto First In Mind como Another Way son dos obras que muestran fundamentalmente el gusto de Moreno por las buenas (y no almibaradas) melodías, y además muestran la calidad de los excelentes músicos que lo acompañan. First In Mind está enfocado en composiciones de otros autores (los que primero le vienen a la mente a Moreno, estimo en un rapto bastante pobre de astucia..) y Another Way muestra sus propias composiciones. Ambos discos comparten la fortaleza de ser entretenidos, de convocar la atención, sin dejarla que decaiga en ningún momento, utilizando recursos para nada explosivos o rimbombantes: los arreglos, las intervenciones solistas, la interacción entre los músicos, todo apuntala la conformación de dos discos con sólidos resultados. Una cosa para señalar: cada vez que he escuchado estos discos, me pregunto si Moreno no pensará en hacer algún disco centrado solo en la guitarra acústica, ya que en los temas en que toca la acústica, su técnica y sonido es descollante. Moreno, en el término de dos años, ha realizado dos muy buenos discos, dentro de una corriente contemporánea y tradicional del jazz, que definitivamente no revoluciona el mundo de la música, pero que nos da casi dos horas de pleno disfrute y apreciación de estos talentos musicales.

Password en ambos casos: presoventanilla



André Matos


Quare (2010)

La distancia entre los sonidos modernos del post-bop y el free-jazz, alimentado por un experimentalismo de primer orden, es acortada significativamente en el nuevo álbum “Quare” de André Matos, guitarrista portugués residente en los Estados Unidos.
Publicado en la nueva editora de Greg Osby, Inner Circle Music, “Quare” es el tercer álbum de Matos, en el cual el guitarrista presenta su espectro musical, con un pensamientos composicional, en procura de una más adecuada atmósfera para las varias ideas presentadas, acompañado por algunos de los más importantes músicos de la escena musical neoyorquina.
Para André Matos, marca su evolución, entre muchas otras influencias, una asociación continua con el pianista Leo Genovese, el bajista Thomas Morgan y Sara Serpa, que es una estrella del jazz vocal hecho en Nueva York, siendo también compañera de Matos en diversos proyectos musicales. El baterista Ted Poor, que completa una sección rítmica y el saxofonista tenor Noah Preminger, contribuyen también de forma consistente para la frescura musical de este proyecto.

Fuente para la reseña: http://a-trompa.net/novidades/quare-andre-matos

Track Listing

01. Lucky Star (5:11)
02. Interlude 1 (1:01)
03. Harlem Days (6:27)
04. Quare (6:00)
05. Hanging with Zuco (7:23)
06. Interlude 2 (0:41)
07. Voice Intro (2:51)
08. Seven (5:48)
09. Joy and Hope (0:54)
10. Exile (5:03)
11. Hope and Joy (6:56)
12. Canto do Tejo (2:56)
13. Interlude 3 (1:02)
14. Final Spin (6:36)
15. Vigia (4:03)
16. Ending (0:59)

Artist List

André Matos: electric guitar, acoustic guitar
Leo Genovese: piano, electric piano, optigan
Thomas Morgan: bass (1, 3-5, 7-12, 14, 15)
Ted Poor: drums (1, 3-5, 7, 8, 10-12, 14, 15)
Noah Preminger: tenor sax (2, 6, 9, 10, 11, 13, 16)
Sara Serpa: voice (4, 7, 8).

Nuevo link de descarga
Password: presoventanilla



Cuong Vu
diciembre 2, 2008, 8:02 pm
Filed under: Bill Frisell, Ted Poor | Etiquetas: , , , ,

It’s mostly residual (2005)

Desde su traslado desde Seattle en 1994, el trompetista Cuong Vu ha surgido como una voz importante en la escena del centro de Nueva York. Mientras su reputación ha seguido creciendo con grabaciones solistas que incluyen Bound en el 2000 y Come Play With Me en el 2001, su relación de cuatro años con la megaestrella del jazz Pat Metheny ha vuelto su nombre hacerse familiar para una audiencia siempre en expansión.
Vu ha aparecido en las dos últimas grabaciones del Pat Metheny Group, Speaking of Now de 2002 y The Way Up el ambicioso proyecto de este año y dos muy largas giras mundiales.

Su capacidad de mezclar un marco de referencia histórico con un avanzado pensamiento vernáculo y su sonido texturado único procesando técnicas lo ha visto surgir como un artista de una increíble profundidad y amplitud. Tanto él como el grupo -previamente enfocado en Metheny y el tecladista Lyle Mays como solistas primarios- ahora tiene una contrastante y nueva poderosa voz solista como la parte más rica de su paleta.

Mientras Vu indudablemente ha aprendido más de un par de cosas a partir del tiempo pasado con Metheny, fue reclutado por exactamente aquellas calidades que han hecho sus propias grabaciones tan intrigantes. Con exploraciones texturales avanzadas e igual parte de su concepción melódica total, It’s Mostly Residual lo encuentra expandiendose en la dirección que él ha estado persiguiendo siempre.

Vu aumenta su trío con el bajista Stomu Takeishi y el baterista Ted Poor añadiendo al guitarrista Bill Frisell, así le proporciona al álbum un paisaje acústico aún más grande, dibujando desde la propia capacidad de Frisell para tirar sonidos etéreos de su guitarra plena de fuerza. Frisell ha estado bajo el fuego de la crítica en años recientes por algunas de sus decisiones musicales, pero los álbumes como este afirman que él está siendo juzgado injustamente mal. Es tan capaz de extremos y bordes filosos como siempre, y las opciones que toma para sus propias grabaciones son simplemente una parte de un más amplio continuo musical que lo obliga a acercarse a una riqueza de estilos con la misma consideración -y siempre una inequívoca tendencia personal.

La escritura de Vu, que puede combinar melodías legato con exploraciones más libres, cubriendo toda la gama, desde delicado y espacioso a denso y agresivo, nunca ha sido mejor. La simplicidad parecida a un folk de la lírica pista del título parece escrita para la idiosincrasia y la expresión relajada de Frisell, incluso cuando la canción se calienta dinámicamente, llegando a un poderoso punto culminante. Las seis largas composiciones son todas caracterizadas por una capacidad extraña de encontrar eslabones entre ideas sorprendentemente dispares. “Expressions of a Neurotic Impulse” parece girar alrededor de un rock filoso y nervioso, pero esto es sólo el principio, mientras el cuarteto se mueve en un territorio menos definido, “Patchwork” emigra a partir de su principio apacible a una parte media más propulsiva que alterna la forma y el caos.

Mientras los admiradores de la estética del Pat Metheny Group puedan encontrar a It’s Mostly Residual un tanto extremo, casi un shock, la obra prueba que los mejores artistas pueden encontrar modos de incorporar nuevas experiencias en su visión del mundo personal, y hay una línea clara por todo el trabajo de Cuong Vu que sigue empujando para adelante

Fuente: John Kelman para All About Jazz – Traducción: La Bestia Políglota

…un disco para el poste de luz, y para el reflector de 1000 vatios. Así empieza este apunte Jesístico que dice además: disco neurótico, elíptico, casi infernal, de una belleza diabólica. Ambientes caóticos que despliegan ambientes no tan caóticos que fijan ambientes semiordenados y viceversa. Frisell trabajando como un loco, como un maldito loco que sostiene planetas sonoros. Trompetas sintetizadas, irritables. Melodías triunfales después de la guerra. Victorias, fracasos, guitarras agraviadas. Baterías quejosas. Bajo de 4 cuerdas como 4 postes que sotienen un rancho en la crecida del río. Reflexión, caos. Lejos, lejísimos del sonido PMG a pesar de ser uno de ellos.

Gracias jes, este disco es como para enchufarle todos los electodomésticos juntos sin temor a que salte la térmica. La Bestia.

Track listing:

01 It’s Mostly Residual
02 Expressions of a Neurotic Impluse
03 Patchwork
04 Brittle Like Twigs
05 Chitter Chatter
06 Blur

Artist List:

Cuong Vu – trumpet
Stomu Takeishi – bass
Ted Poor – drums
Bill Frisell – guitar

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com