Preso ventanilla


Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Ernst Reijseger, Harmen Fraanje, Mola Sylla
diciembre 24, 2016, 8:26 pm
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Down Deep (2013)

Sobre el escenario se precisa la desinhibición más absoluta. Lo pensaba hace unos días viendo una obra de teatro. Sólo si el escenario es un espacio natural para el actor (músico), si en él se puede ser el mismo que hace inconfesables muecas frente al espejo de casa con la tranquilidad de sentirse a salvo de miradas ajenas, si en él siente uno expandir su cuerpo en vez de contraerse por la tensión, sólo entonces se puede hacer una música de vuelo tan libre como a la que dan vida Reijseger, Fraanje y Sylla.

Hay una foto en el interior del libreto de este Down deep en la que los tres músicos miran a cámara y gritan. Reijseger, con la boca bien abierta, tensas las comisuras de los labios hasta sus máximos extremos, como si fuera un niño pequeño que estalla en el sollozo de una pataleta. El gesto de Sylla es semejante, pero en su mirada se percibe un brillo de locura y provocación. Fraanje, por su parte, apenas abre la boca y agarra con una mano el hombro izquierdo de Sylla. ¿Casualidad que su gesto, mucho más comedido, sea el del más joven de los tres?

Ernst Reijseger es uno de esos locos maravillosos y ejemplares músicos de la improvisación europea, que en Holanda tienen un característico humor que comulga sin complejos con los lenguajes más abiertos y experimentales (esos que tanto asustan). Reijseger ha ido desarrollando una carrera en el que a la vertiente más jazzística y libre improvisadora (Clusone 3, ICP Orchestra, Louis Sclavis…) suma una relación muy particular con diversos folclores, como demostró, por ejemplo, en el asombroso Colla Voche (junto a los sardos Tenore e Concurdu de Orosei); también otras facetas, como la de compositor de música para películas de Werner Herzog (obviamente, no hablamos de música cinematográfica al uso; tampoco el cine de Herzog lo es). Reijseger es un improvisador total, a la par que un músico que vive una relación con su instrumento tan natural que le permite, si es preciso, manejarlo sin complejos como una guitarra, además de cantar (o algo similar), aullar y lo que haga falta. No guarda las formas, no imposta, simplemente es, y el chelo baila en sus manos como un excelso bailarín de salsa haría balancearse entre sus brazos a la pareja de baile.

El holandés Reijseger y el senegalés Mola Sylla ya se habían reunido de antemano en un proyecto conjunto en 2003 (Janna, junto al percusionista Serigne C.M. Gueye) y coincidido en varios grupos desde finales de los 80. Es en 2007 cuando el pianista Harmen Fraanje les sugiere la reunión y 2012 el año de la grabación. Antes, Fraanje y Reijseger ya habían grabado juntos en un disco de 2004 del trompetista Eric Vloeimans, y el pianista había sido uno de los instrumentistas (organista, además de pianista) en la música de la película La cueva de los sueños olvidados, de Herzog, un fascinante viaje al interior de la cueva rupestre de Chauvet (Francia).

Sólo hay improbables cuando la mentalidad está sellada como una ostra. Sólo puede resultar inconcebible tal unión de instrumentos y talentos si se entiende la música como un compartimento estanco. Y la reunión de este trío es lo más natural del mundo, así se comprende al escucharlo. No hay empaste de lenguajes, sino la hibridación lógica de tres expresiones individuales que conjuntamente han logrado un trabajo que emociona profundamente (ahí, deep down) y que no hace concesión alguna al africanismo comercial de world music. Hay recitados como hay gritos, y hay una voz que estalla salvajemente en Amerigo, la increíble versión que hacen del original del flautista Magic Malik. Aparentemente el tema se desarrolla bajo los fundamentos de un lenguaje de minimalismo instrumental al uso con la incesante repetición de una serie de arpegios. Sobre ellos, la invocación casi ritual de las percusiones aéreas de Sylla y el solo de Reijseger. Hasta que… ¡bum! Bien avanzada la música, Mola Sylla prende la mecha y dinamita todo control canónico de la voz. La belleza bruta expresa lo más hondo y ese vendaval vocal le deja a uno sin aire.

Amerigo es la única versión del disco junto a E lucevan le stelle (de la ópera Tosca, de Giacomo Puccini), un inciso operístico que asoma improbable en el chelo de Ernst Reijseger después de un inicio abstracto con el piano de Fraanje disociado, en su fraseo jazzístico, del juego con los armónicos en el frotar del arco de Reijseger (característica sonoridad cinematográfica del chelista) y de los efectos selváticos de Sylla.

El disco tiene altibajos, no tanto por demérito de los valles como por altura de los picos. Es difícil seguir después de la congoja que produce Amerigo, aunque el aparente estatismo de Shaped by the tide (con el tempo determinado por el pulsar de la mbira y un golpeo constante cuyo origen no logro determinar –quizá Sylla percuta el suelo con los pies-) serena las emociones y permite que Reijseger frasee con cierta placidez una especie de espiritual luminoso que va atardeciendo en su declive. El chelista establece un estupendo groove, con el chelo a modo de contrabajo, en Hemisacraal, territorio para el recitado de Mola Sylla bajo el que el propio Reijseger canturrea y retuerce su voz (como si de una línea de direccionalidad armónica más se tratara), mientras Fraanje lo mismo complementa el pulso del chelista que va desplegando su solo sobre éste o apunta maneras de elegante nocturno de Chopin.

En parecidos terrenos a los de Shaped by the tide se mueve Ana, con la mbira hipnotizando mediante un patrón constante. Sylla canta mientras Fraanje determina una atmósfera etérea que, junto al pulso de la mbira, libera a Reijseger para entrar y salir de la base. El inicial Elena es un precioso, emotivo y delicado vals somnoliento en el que Fraanje disfruta de espacio para sus particulares (y siempre contenidas) digresiones, mientras M´br es lo más parecido a un blues del desierto en el que lo interesante, además del efecto hipnótico de la repetición, es la forma en la que Reijseger y Fraanje juegan con ella. Eso sí, el contraste más radical lo proporciona Down deep, cuya percusión inicial bien pudiera ser un zapateado flamenco al que sigue un enloquecido “rapeo” de Sylla, antes de clausurar con Her eyes, una sencilla melodía casi infantil que repiten y repiten a modo de canción de cuna. Y es que la música del trío, en su compleja expresión de sencillez, puede hacer a los melómanos tan felices como una nana a un niño.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/reijseger_fraanje_sylla_down_deep.html

Track Listing – Down Deep

1. Elena (6:04)
2. M’br (5:23)
3. Amerigo (8:32)
4. Shaped By The Tide (5:28)
5. Hemisacraal (6:00)
6. E Lucevan Le Stelle (3:43)
7. Ana (8:52)
8. Down Deep (2:15)
9. Her Eyes (2:48)

Artist List

Ernst Reijseger: cello, voice
Harmen Fraanje: piano, voice
Mola Sylla: vocals, m’bira, xalam, kongoma

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Count Till Zen (2015)

Aunque este es el segundo disco del trío, Ernst Reijseger está últimamente que no para, porque hace poco ha editado dos trabajos en solitarios: Crystal Palace y Feature. Aquí se acompaña del pianista Harmen Fraanje y el senegalés Mola Sylla, que canta en wolof, el idioma mayoritario en Senegal.

Count Till Zen es un trabajo que lo tiene difícil para ser fácilmente etiquetado en las tiendas de discos. Es jazz, sí, pero se sostiene fuertemente sobre diversas músicas tradicionales de África. Sin embargo, esta no es una calculada mezcla de géneros. Es un disco sencillo y fresco. Todo parece fluir de forma natural. Aunque la mayor parte de las composiciones tienen la voz de Sylla como protagonista, en escuchas posteriores podemos apreciar el enorme trabajo de Reijseger y Fraanje, especialmente en temas como Badola, Headstream y Debenti.

Si hace poco hablábamos aquí del disco de Anders Jormin, Lena Willemark y Karin Nakagawa como uno de los trabajos más interesantes que se han editado últimamente en esto que algunos llaman world jazz, Count Till Zen sería su pareja perfecta. Distintas influencias y distintas formas de afrontar las canciones, pero con el mismo y excelente resultado.

Reseña de Juan Manuel Vilches para http://www.musicopolis.es/ernst-reijseger-harmen-fraanje-mola-sylla-count-till-zen-2015/1649262015/

Track Listing – Count Till Zen

01. Perhaps [4:07]
02. Bakou [5:48]
03. Badola [3:01]
04. Count Till Zen [5:08]
05. Headstream [2:41]
06. Debenti [5:54]
07. Out Of The Wilderness [7:19]
08. Faleme [7:27]
09. E Konkon [3:55]
10. Friuli [4:51]

Artist List

Ernst Reijseger: cello [5 string cello]
Harmen Fraanje: piano, voice
Mola Sylla: voice, idiophone [kongoma], xalam, percussion

Apunte: No puedo apuntar nada en especial, ya que Jesús Gonzalo en su excelente blog hace una amplia reseña donde lo dice TODO sobre los tres discos en los que el dúo Reiseger / Sylla unieron sus talentos. Espero lo disfruten. Felicidades!!

Password en ambos casos: presoventanilla



Ernst Reijseger with Mola Sylla and Serigne C.M. Gueye
diciembre 24, 2016, 7:31 pm
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Janna (2003)

Janna es la grabación en la cual el extraordinario violoncelista e improvisador Ernst Reijseger colabora con el poeta e instrumentista senegalés Mola Sylla y el percusionista Serigne C.M. Gueye sobre un programa de canciones y poesía que borra las fronteras entre tradiciones europeas y africanas y crean algo completamente nuevo desde las ruinas. Esto sólo puede lograrse si cada miembro de este trío trae consigo la totalidad de su herencia musical a la mesa y lo coloca allí para ser oído, pillado, reformado, y moldeado por el fuego de la creación. Desde la apertura “Jangelma”, una canción/poema que ofrece una cáustica visión de la educación de los africanos francófonos, la voz de Sylla, entonando sus palabras tan deliberadamente y suavemente al principio, es completamente poseída por la emotividad creciente del toque de Reijseger y comienza a gritar su rabia y dolor. Esto es bruscamente contrastado con “Baba”, un himno percusivo de gratitud, donde canción, baile, e improvisación son entrelazados. La interacción entre instrumentos de percusión y el violoncelo en “Sang Xale Man” (“Cover Me Up”) es de otro mundo en su articulación como alma musical tan arraigada en la antigüedad es imposible creer que es una moderna composición/improvisación. Cada pieza está bastante extendida. Hay sólo ocho selecciones aquí, sumando casi un total de 70 minutos. Texturas, dinámicas y tonos son las inquietudes musicales que transmiten estas hermosas canciones, poemas e historias sin el compromiso o el respeto para la ceremonia. Esta es profundamente, maravillosamente, emocionalmente dada, música exploratoria que no puede ser clasificada, gracias a Dios.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/janna-mw0000035163

Track Listing

1. Jangelma [Mola Sylla] (12:42)
2. Baba [Mola Sylla] (6:42)
3. Sàng Xale Man [Mola Sylla, Traditional] (7:19)
4. Noon [Mola Sylla] (7:13)
5. Fier [Mola Sylla] (7:00)
6. Njaarelu Adiye [Mola Sylla] (8:32)
7. Doxandéem [Mola Sylla, Arrg. Mola Sylla, Serigne C.M. Gueye] (9:22)
8. Sicroula [Mola Sylla] (8:29)

Artist List

Ernst Reijseger: cello, percussion
Mola Sylla: vocals, nose flute, mbira, kongoma, xalam, bejjen
Serigne C.M. Gueye: soruba, djembe, bougarbou, leget

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Francesco Turrisi

¿Quién es Francesco Turrisi?

Francisco Turrisi ha sido definido por la prensa como un “alquimista musical” y un “políglota musical”, por la variedad de sus influencias y experiencias musicales. En 2015 acompañó a Bobby McFerrin para una gira por Italia, ha tocado la música de Steve Reich con el grupo avantgarde de Nueva York “Bang on a Can”, ha tocado con el bajista Barry Guy y la cantante griega Savina Yannatou y ha participado en mas de veinte conciertos con el grupo de música antigua “L’Arpeggiata” junto a Gianluigi Trovesi, (entre ellos en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Koln Philharmonie etc…)

Ha dejado su nativa Italia en 1997 para estudiar piano jazz y música antigua en el prestigioso Conservatorio Real de La Haya, donde obtuvo un BA y MA. Desde 2004 colabora con el grupo de música antigua L’Arpeggiata, con el que tocó en los festivales mas importantes en Europa y en el mundo (China, Turquía, Colombia, Rusia etc…). Colabora regularmente con la cantante italiana tradicional Lucilla Galeazzi, con los grupos irlandeses Yurodny (jazz contemporáneo con influencias balcánicas), Gregory Walkers (música antigua) Crash Ensemble y Resound (música contemporánea). Francisco también es líder de “Taquin”, un ensemble que experimenta intentando acercar los mundos del jazz contemporáneo, la música antigua y la música mediterránea. Y también fundador de Tarab (ensamble que crea un puente imaginario entre música tradicional irlandesa y mediterránea) y de Zahr (que busca lazos entre la música árabe e italiana).

Ha registrado 4 albumes como líder y 2 como co-líder para su sello Taquin Records y para el sello irlandés Diatribe Records
Su último álbum “Grigio” tiene como invitados a la cantante tradicional irlandesa Roisin El Safty, la cantante de música antigua catalana Clara Sanabras y el virtuoso de tambores Zohar Fresco.

Ha tocado, colaborado y registrado con artistas del mundo del jazz, música clásica, música antigua y world music, entre ellos:
Bobby McFerrin, Dave Liebman, Gianluigi Trovesi, Nils Landgren, Wolfgang Muthspiel, Barry Guy, Gabriele Mirabassi, Savina Yannatou, Maria Pia de Vito, Theodosii Spassov, Gavin Bryars, Bang on a Can, Misia, The King’s Singers, Veronique Gens, Philippe Jaroussky, Pepe el Habichuela, Lucilla Galeazzi, Bijan Chemirani

Fuente para la biografía: http://www.francescoturrisi.com/biografia/

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Si Dolce E Il Tormento (2009)

El nacido en Turín, Francesco Turrisi ha sido algo de un soplo de aire fresco en la escena de la música irlandesa desde su llegada a la isla esmeralda en 2006. En poco tiempo se ha ganado una reputación como un excelente pianista de jazz, percusionista y acordeonista; una voz original. Él puede ser encontrado tocando en el efervescente balcánico-condimentado Yurodny, o en Zahr, un grupo que explora el alcance y la influencia de la música árabe, y Tarab, un grupo que mezcla la música folklórica tradicional irlandesa con una abundancia de sabores mediterráneos. Este grabación debut del trío está fuertemente influenciada por los años de Turrisi como clavecinista en L’Arpeggiata, el muy alabado ensamble musical de Christina Pluhar. Su pasión por la música de siglos pasados se entrelaza con su personalidad como pianista de jazz y el resultado es un atrapante y consistentemente hermoso trabajo.

El título del álbum se traduce como “dulce es la tormenta”; sin embargo, aparte de un asalto sobre las teclas a lo Cecil Taylor, la música es en su mayor parte dulcemente seductora y balsámica, con una corriente de melancolía uniendo las piezas. En general la sensación que genera es similar a la inducida por el estado de contemplar la lluvia caer desde la comodidad de intramuros, con el ocasional estruendo de truenos y destellos de relámpagos en la música para acelerar el pulso.

En la pista del título de tres minutos de duración, Turrisi remonta la melodía bien conocida de Claudio Monteverdi (que data de 1624), acompañado por Brendan Doyle en clarinete y Richard Sweeney en theorbo, un laúd de cuello largo que trae una elegante cortesía a esta delicada miniatura. Turrisi se aparta para perseguir unas carreras que caen cuidadosamente en cascada, dejando a Doyle llevar la melodía.

“Salve Regina “, cuyo lirismo sigue tan naturalmente al de la apertura, ve a Turrisi conducir un trío de jazz más convencional, con Dan Bodwell que proporciona el bajo profundo y terroso, y Sean Carpio que emplea sutilmente el trabajo de platillo y aro. Aunque haya insinuaciones de la influencia del primer Keith Jarrett en la voz de Turrisi de vez en cuando, parece estar más fuertemente inflluenciado por períodos musicales y moods en contraposición a estilos individuales. Esta seductora pieza, y la primera mitad igualmente encantadora de “Ciaccona”, comparten un eterno elemento folk evocador del innovador “Jazz på svenska” (Megafon, 1964), del influyente pianista sueco Jan Johansson.

Con este fin, Turrisi tiene más en común con los gustos de Johansson, Bobo Stenson, Dag Arnesen, y Stefano Bollani que Jarrett. “Ciaccona” se desarrolla en un ejercicio de free jazz, con las meditaciones anteriormente líricas de Turrisi disolviéndose gradualmente, virando hacia la abstracción tempestuosa. En el contexto del álbum como un todo es la tormenta del título, que perfora y ayuda a definir más claramente las islas de serenidad tanto antes como después.

Turrisi es atraído por la forma corta, y el sonido barroco de “Passacaglia”, el bonito “Lamento di Paolo e Francesca”, y “Toccata” duran apenas tres minutos cada uno. El ligeramente más largo “Canzonetta Spirituale sopra la Nanna”, de Tarquino Merula, él único otro no original del álbum, ve a Turrisi mostrar sus cartas credenciales como uno de los pianistas más interesantes en la escena contemporánea del jazz. Sea cual sea la duración de la composición, Turrisi nunca sacrifica mood por excesiva muestra de destreza técnica. Los ocasionales solos extendidos de piano son aún más atractivos debido precisamente a su racionamiento.

Asimismo, las contribuciones de Brendan Doyle en el clarinete y clarinete bajo son sucintas y conmovedoras, especialmente en la preciosa “Passamezzo Antico”, cuya melodía recurrente se prolonga largo tiempo después de que el álbum ha finalizado.Sólo en “Variazioni sopra la Follia” hace que Doyle realmente levante algún vapor, desplegando una melodía suave al principio, que construye despacio, pero constantemente a un bluseado lamento coltraneano, una impresión realzada por el raro empleo de Turrisi de acordes de mano izquierda como acompañamiento, a lo McCoy Tyner. Turrisi, Carpio y Bodwell todos solos a su turno.

Cuando Bodwell camina bajo los reflectores, arranca sonidos silenciosamente poderosos y emotivos de las cuerdas de su bajo; la claridad excepcional de producción de este CD realmente son subrayados. De hecho, la presentación entera de esta música desde la producción al embalaje comparte la clase del sello ECM, una comparación que también se siente en la música misma.

La pista de cierre del álbum es la hermosa “La Monica”, que exhibe la ágil interacción del trío. El enfoque no ocupado del bajo por parte de Bodwell y los cepillos de Carpio complementan amablemente el estilo elegíaco, suelto de Turrisi y las tempranas melodías europeas/italianas.

En la combinación de los sonidos de Italia de hace siglos con un enfoque más moderno para el piano, Turrisi está, en cierto modo, describiendo los pasos de una rama del jazz, porque sin la influencia clásica europea mucho de lo que llegó a ser conocido como el jazz nunca habría llegado a pasar. El éxito de la música radica en el hecho de que suena familiar y totalmente fresca al mismo tiempo. Esto es una pequeña gema de un álbum, y Francesco Turrisi es claramente un nombre para seguir mirando.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/francesco-turrisi-si-dolce-e-il-tormento-by-ian-patterson.php–

Track Listing – Si Dolce E Il Tormento

01. Si Dolce è il Tormento (2:32)
02. Salve Regina (3:11)
03. Passacaglia (4:38)
04. Ciaccona (6:27)
05. Lamento di Paolo e Francesca (3:15)
06. Canzonetta Spirituale sopra la Nanna (5:46)
07. Passamezzo Antico (5:53)
08. Variazioni sopra la Follia (13:23)
09. Toccata (3:20)
10. La Monica (3:46)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums
Brendan Doyle: clarinet, bass clarinet
Richard Sweeney: theorbo (3, 5)

tapa-fotografia
Fotografía (2011)

Sería simplista llamar al pianista Francesco Turrisi un experimentador, aunque su música abarca multitud de influencias culturales, desde su Italia natal a lo largo y ancho del Mediterráneo, a caballo de los siglos, y absorbiendo de fuentes tan diversas como el barroco, aires moros y jazz; simplista, porque su música fluye de manera tan natural como un río sigue su lecho -está en Turrisi y de él, y esto lo dirige. Como en el memorable debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe, 2009), no hay ningún sentido de esfuerzo de fusión, ningún sentido de construcción cuidadosa; en Fotografia, hay en cambio, un muy natural sonido de confluencia de ideas y emociones.

Aunque Fotografia comparta el mismo neo-clasicismo, teñido de folk, y el aventurerismo de las franjas-de-jazz del debut de Turrisi, este es un ofrecimiento más oscuro, más impresionista, y aparentemente más conceptual como un todo. Inspirado por la tradición italiana de alentar a los niños a bosquejar pensierini -pequeños pensamientos- Turrisi crea edificaciones sonoras en torno a diversos temas, comprensiva e intuitivamente apoyado por el baterista João Lobo y el bajista acústico Claus Kaarsgaard. Los títulos —”I Am The Shadow Man”, “Remorse”, “A Thousand Pieces”, “Ants”, “Towards the Depths”— son sugestivos del impresionismo a veces sombrío en estas viñetas, aunque el lirismo de bello dolor está incorporado en Fotografia.

Siete pensierini corren desde la idiosincracia fractural de diez segundos de “Pensierino 1, in mille pezze”, a la extrañamente ingrávida “Pensierino 7, verso il basso”, la cual destaca a Turrisi en las entrañas del piano y hermosas figuras del bajo de Kaarsgaard. Entre medio, hay acordes dramáticos, arco temperamental y percusión tintineante sobre el vagamente siniestro “Pensierino 2, Sono l’uomo ombra ” y la melancolía de “Pensierino 3, rimorso “, con el lento walking bass de Lobo sugiriendo un triste ensimismamiento. El rápido y repetitivo motivo en “Pensierino 4, formicai” transporta la cabizbaja inclemencia de una hormiga en una misión, mientras “Pensierino 5, scarabocchio” tiene un arranque-parada, corriendo calidad. “Pensierino 6, il lago fantasma” mantiene un ambiente sereno y fantasmal en su marco barroco.

En lugar de encadenar estos pensierini juntos en una suite continua, Turrisi rompe con vuelos cortos de imaginación lírica. El solo piano de “Fotografia 1” exuda quietud contemplativa, aunque no sin una absorbente energía. Hay más de una narrativa para “Fotografia 2”, con su blues mediterráneo, y es de algún modo antiguo y moderno simultáneamente. Una interpretación sencilla de “Luiza” captura la vena blues de Antonio Carlos Jobim, con Turrisi empleando moderadamente la mano izquierda, descansando realmente. “Pensierosa (por Helen)” oscila entre meditativa y clásicamente elegante, y la innegablemente conmovedora “Lachrimae” tiene la rara belleza de una sonata de Beethoven, aunque, de nuevo, es esencialmente un inquietante blues.

En el punto medio y sujetando estas reflexivas piezas, están tres composiciones tradicionales italianas inspiradas en las interpretaciones del cantante Pino de Vittorio. El arco meditabundo de Kaarsgaard es el protagonista de la primera mitad de “Alla Caprinese”, que se mueve desde lo oscuro hacia la luz tal como el lirismo liviano como una pluma de Turrisi ilumina la pieza. “Attaccati li Tricci” I y II resaltan al Turrisi encantador, cayendo entre líneas arábigas, e inclinándose hacia el juego de manos con simples melodías.

Menos inmediatamente accesible que el primer CD de Turrisi, Fotografia, es, sin embargo, totalmente absorbente y apunta a un artista que se niega a permanecer quieto. El sombreado, matices y profundidad emocional hacen de esto un viaje encantador.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/fotografia-francesco-turrisi-diatribe-recordings-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Fotografía

01. Attaccati Li Tricci (5:09)
02. Fotografia I (2:45)
03. Pensierino I, In Mille Pezzi (0:52)
04. Luiza (2:16)
05. Pensierino II, Sono L’uomo Ombra (3:33)
06. Pensierosa (For Helen) (5:28)
07. Pensierino III, Rimorsa (2:52)
08. Alla Carpinese (7:32)
09. Pensierino IV, Formicai (2:36)
10. Lachrimae (For My Father) (4:37)
11. Pensierino V, Scarabocchio (2:45)
12. Pensierino VI, Il Lago Fantasma (3:18)
13. Fotografia II (2:55)
14. Pensierino VII, Verso Il Basso (4:36)
15. Attaccati Li Tricci II (11:06)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Claus Kaarsgaard: bass
João Lobo: drums

tapa-songs-of-experience
Songs Of Experience (2013)

Originalmente me familiaricé con la música de Francesco Turrisi a través de su realización de 2011, “Fotografia”. Un álbum excelente que presentaba una alineación estándar de trío de piano, que se concentraba en un equilibrio entre la música de cámara y jazz infundido de folk. El resultado fue una agradable dualidad de elegancia y sencillez. En esta realización, Songs of Experience, Turrisi vuelve con el formato de trío, y mientras tiene a João retornando a los tambores, él sustituye la posición del bajo por el trompetista Fulvio Sigurta. Esto resulta en un álbum completamente diferente.Y mientras yo hubiera estado eminentemente contento con más de las cosas buenas, estoy encantado de presenciar la nueva dirección de Turrisi.

En su superficie, Turrisi ha grabado un álbum de jazz nórdico. Temperamental y sereno, las melodías fluyen y los ritmos gorjean y expansivos sonidos se reproducen en una tranquila esquina del mundo. De hecho, la influencia nórdica no es más que una extensión. Con sede en Dublín, pero sus raíces en suelo italiano, no es inexplicable que los sonidos de Escandinavia podrían haber llegado a la música de Turissi. Aparte del obvio efecto de la era digital volando las barreras geográficas para permitir que el expresionismo musical se disemine a través de la faz del planeta, también parece haber una tendencia donde el enfoque nórdico del jazz se mueve hacia al sur, así como el movimiento del jazz mediterráneo hacia al norte para encontrarlo.

Hay ejemplos en Bird is the Worm de músicos italianos desarrollando un jazz tranquilo influenciado por música folklórica local. Y mientras los modismos de la música popular Italiana difieren, es decir, de las de Copenhague, los rasgos que se fusionan con el jazz crean similitudes en el sonido Las contracorrientes de influencias son también resultado de músicos que se dirigen a otros países para estudiar, como Turrisi hizo cuando salió de Italia para estudiar en el Conservatorio Real de La Haya, en Holanda. Colaboraciones de diferentes músicas encuentran los lugares maleables donde existen similitudes y, por tanto, evocan nuevas ideas y nuevas expresiones y nuevos sonidos.

Pero esto es solo el hablar de influencias y tendencias de la música… dentro del béisbol, de interés principalmente para chiflados del jazz como yo. Tal vez como usted, también.

¿Cómo es la música?

El piano con una helada agudeza, la trompeta que expresa un cansancio y esperanza simultáneamente, y los tambores que dicen mucho hablando muy poco. Esta es la música que llena la habitación cuando una penetrante quietud ha echado raíces. Esta es la música que habla en voz baja, toma su tiempo para manifestarse, y es fantásticamente sugestiva cuando lo hace.

Algunas melodías, como “Incubo N.1” ofrecen una mezcla a lo Mingus de vanguardia y blues. Y “Birth” es una declaración exasperada de música de cámara… algo que, quizás, los admiradores de Wayne Horvitz puedan apreciar. Pero sobre todo somos presentados con melodías de elegancia y austeridad, con una tensión dramática continuamente mantenida al borde de estallar, y, lo que es más importante aún, de una belleza que se revela lentamente, desarrollándose de manera seductora de la primera a la última nota.

Excelente.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/francesco-turrisi-songs-of-experience/

Track Listing – Songs Of Experience

01. Nel Mezzo (6:17)
02. Uppon Lamire (1:52)
03. Le (Lullaby for Aoife Naima) (6:54)
04. Incubo n.1 (3:22)
05. Toccata Arpeggiata nello Stile Cromatico (2:57)
06. Incubo n.2 (5:10)
07. Birth (10:40)
08. Incubo n.3 (2:17)
09. Canto (10:21)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Fulvio Sigurtà: trumpet & flugelhorn
João Lobo: drums

tapa-grigio
Grigio (2013)

Para el pianista Francesco Turrisi música “vieja” es un término redundante. En el mundo del italiano establecido en Dublín toda la música existe en un continuo. El debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe Records, 2009) puede ser el único ejemplo del laúd medieval theorbo -laúd de cuello largo- en un contexto de jazz. “Fotografia” (Diatribe Records, 2011), una serie de improvisaciones de trio de piano que oscilaba entre la abstracción del free-jazz, y el lirismo de blues mediterráneo y brasileño. Para “Songs of Experience” (Taquin Records, 2013), Turrisi evitó el bajo en favor de la trompeta y el flugelhorn de Fulvio Sigurtà en piezas altamente melódicas y minimalistas, que dibujó igualmente desde las tradiciones clásicas y folk. En Grigio, Turrisi agrega barroco italiano, tradicional irlandés y canción hebrea a una paleta de colores.

Común a todas las grabaciones de Turrisi en un mayor o menor grado, es la vena de música barroca/temprana que traspasa su música. La novedad aquí, sin embargo, es el empleo de Turrisi de un cantante. Tres números cantados muy bellamente por Clara Sanabras, “Che Si Puo Fare?”, “Augellin” y “Canzonette spiritual sopra la nanna” ilustra la fuerza melódica y la profundidad lírica de los lamentos italianos del siglo XVII. Turrisi ha tocado estas canciones con L’Arpeggiata, pero el impulso rítmico del bajista Dan Bodwell y el baterista Sean Carpio se combinan con las volteretas de las líneas de jazz de Turrisi para formar un marco completamente contemporáneo para la música, cuyos temas de amor y angustia -y la indiferencia del mundo- son eternos.

Tres canciones tradicionales irlandesas interpretadas por le cantante de canto gaélico Róisín Elsafty enfatiza la universalidad del blues. “Elenaor a run”, una canción del siglo XVII, muestra la hermosa voz de Elsafty, con una sutil presencia de Turrisi en piano y Ebow. El lamento de “Sile Beag Ni Chonnallain” y el evocador arrullo que es “Seoithin Seo” podrían traer una lágrima al ojo de un verdugo. Estas tres canciones están en el CD de Elsafty, “Má bhíonn tú liom Bí liom” (Vertical Records, 2007) -altamente recomendado para quienes deseen mojar un dedo en la canción tradicional irlandesa. La banda de Turrisi, Tarab, mezcla música folk irlandesa y del mundo, pero estas melodías con Elsafty están más cercanas al espíritu de la tradición irlandesa que las que él se ha comprometido a registrar hasta ahora.

El firme adorno circular de Turrisi forma la espina dorsal de la impresionista pista del título. El tambor de cuadro de Zohar Fresco proporciona un pulso moderado, mientras la violoncelista Kate Ellis y el saxofonista soprano Nick Roth -ambos de Tarab- evocan líneas distraídamente armónicas. “Hadasha” del saxofonista John Zorn también embarca desde un implacable piano ostinato, aunque los bestiales gritos del violoncelo y el saxofón le dan un ambiente vanguardista, más abstracto. “Maoz trsur” es una canción tradional hebrea arreglada por Roth; desde su intro minimalista de piano y bajo, la voz sin palabras de Fresco se junta al revoloteo del saxofón alto y al moderado violoncelo en apacible unión, parecido a un rezo. Las simples líneas melódicas de Turrisi “Tu Ridi” doblan a una cadenciosa influencia árabe.

El virtuosismo de piano de Turrisi toma un asiento trasero en sus hábiles tratamientos de las canciones tradicionales que atraviesan un milenio. Sobre la superficie, puede parecer haber poco que una la canción italiana barroca con el himno hebreo o el lamento irlandés, pero el manifiesto en los arreglos de Turrisi es el espíritu esencial humano común al verso y la música a través del tiempo y las culturas. Otra asombrosa adición a la corta pero sumamente impresionante discografía de Turrisi.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/grigio-francesco-turrisi-diatribe-records-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Grigio

01. Che si può fare (4:43)
02. Grigio (4:48)
03. Eleanór a rún (5:58)
04. Hadasha (4:41)
05. Augellin (5:07)
06. Maoz tsur (3:52)
07. Síle Bheag Ní Chonnalláin (3:52)
08. Canzonetta spirituale sopra la nanna (7:01)
09. Tu ridi (3:09)
10. Seoithín seó (3:29)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Nick Roth: soprano sax
Kate Ellis: cello
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums

special guests:

Zohar Fresco: frame drums, percussion and vocals
Róisín Elsafty: vocals
Clara Sanabras: vocals

Apunte: El pianista italiano Francesco Turrisi, establecido en Dublin, es el arquetipo del músico de jazz moderno, tomando su inspiración en una amplia variedad de fuentes, desde el jazz y lo arábigo pasando por el barroco y la música popular Italiana, y a partir de esto, desarrolló en los últimos años esta serie de excelentes realizaciones, destacándose como una voz original e inconfundible. El tipo y calidad de la música, así como la estética de su presentación tiene muchos puntos de contacto con el espíritu del sello ECM, por lo que me animo a decir que en algún momento Manfred Eicher pondrá sus ojos en él y lo invitará a grabar en la casa alemana. Tómense el tiempo para escuchar esta música. Va a contrapelo de las urgencias diarias. Espero la disfruten.

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Gilad Atzmon & The Orient House Ensemble with Robert Wyatt and Guillermo Rozenthuler

tapa-musik
Musik / Re-Arranging the 20th Century (2004)

Mi primer contacto con la música de Gilad Atzmon no ha podido ser más fructífero. Atzmon es, además de instrumentista y compositor, escritor. De origen israelí todo en él rezuma compromiso social y crítica política. Si nos quedamos expresamente con este “Musik” ya en el mismo título encontramos el primer mensaje: Music (terminado en C) “tiene connotaciones de industria cultural anglosajona. Por eso he preferido escribir el título con K, para apelar a un entendimiento más germánico, más europeo, lo que implica una búsqueda del placer y la belleza más allá de las cuentas de resultados”. El subtítulo también resulta clarificador: “Reparando el siglo XX”.

Atzmon es un defensor declarado de la causa palestina y enemigo de lo que él denomina “las fuerzas BBS, por Bush, Blair y Sharon. (…) básicamente, las BBS son sirvientes del capital”. Musicalmente critica que pop y rock (movimientos que él entiende inicialmente contestatarios) se han convertido en una música globalizada “que sólo proyecta valores como el reinado del consumo, la supremacía de la lengua inglesa y la omnipresencia y superioridad de los Estados Unidos en todos los aspectos de la vida…”

Vaya esto por delante del análisis en sí mismo del trabajo discográfico de Atzmon para entender algo más la personalidad sonora de este disco. “Musik” es un entramado sonoro realmente complejo donde se dan cita innumerables estilos más allá del jazz en si mismo. Quizá sea el jazz y la improvisación lo que unifica el resultado final del CD pero en él nos encontramos con el tango argentino (voz incluida del argentino Guillermo Rozenthuler), sonoridades varias de la música oriental o, incluso, música callejera y cabaretera en un delirante recorrido por el siglo XX (en el tema que es subtítulo del título).

Es “Musik” un disco denso, intenso y que gana con el paso de las escuchas. Mucho se dice de voz (textos del propio Atzmon) pero más se dice con una música llena de armonías y colores muy diversos, ritmos cambiantes y ricas instrumentaciones, donde se busca la liberación del pueblo americano (“Liberating the American People) con sonidos más orientales que occidentales y se termina desdramatizando en un divertido “track” fantasma final.

Nota: los comentarios entrecomillados de Gilad Atzmon pertenecen a una entrevista de Fernando Neira publicada por el diario “EL PAIS” en Diciembre de 2004.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/atzmon_gilad_musik.html

Apunte: Su música es en buena medida una expresión de sus convicciones. Sin ir más lejos, su disco MusiK: re-arranging the 20th century (ENJA, 2004), es una obra cargada de ironía y compromiso, que juega, por ejemplo, a combinar elementos musicales judíos y árabes obteniendo una belleza que adquiere un valor metafórico evidente. Las músicas folclóricas de la Europa oriental enriquecen el jazz de Gilad Atzmon, que no pierde en ningún momento el contacto con la raíz bebop. En su anterior trabajo, Exile (ENJA/TIPTOE, 2003) – Premiado en los BBC Awards y en la revista Time Out como Mejor Álbum de Jazz del Año-, Atzmon y su Orient House Ensemble también trataban de transmitir el sufrimiento palestino y defendían la diversidad cultural mediante un colorido juego de mezclas musicales, no exento de provocación.

Fuente para el apunte: José Manuel Gómez para http://blogs.tiempodehoy.com/locrudoylococido/2012/10/31/gilad-atzmon-en-el-bugui/

Track Listing

1. Joven, Hermosa y Triste (5:55)
2. Surfing (5:28)
3. Liberating the American People (8:31)
4. Tutu Tango (4:52)
5. musiK (4:58)
6. Re-Arranging the 20th Century (8:18)
7. Lili Marleen (5:09)
8. And She Is Happy (7:43)

All compositions by Gilad Atzmon except (1) music by Gilad Atzmon, words by Gilad Atzmon and Guillermo Roeznthuler, (6) music by Gilad Atzmon including « It Ain’t Necessarily So » by Gershwin-Gershwin, « Roll Out the Barrel » by Vejvoda, « Mack the Knife » by Kurt Weill, words by Robert Wyatt, (7) by Norbert Schultze and Hans Leip.

Recorded at Eastcote Studios, London.

Artist List

Gilad Atzmon: soprano and alto saxophones, clarinet, sol, trombone, shabbaabeh flute, piccolo
Frank Harrison: piano
Yaron Stavi: double bass
Asaf Sirkis: drums, bandir, riqq
Romano Viazzani: accordion
Dumitru Ovidiu Fratila: violin, trumpet-violin
Robert Wyatt: voice, trumpet (6)
Guillermo Rozenthuler: vocals (1, 2, 5)

Matthaios Tsahourides: pontic lyra, greek bouzouki (3, 7)
Tali Atzmon: vocals (7, 8)

Link de descarga
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Francisco Pais

tapa Not Afraid Of Color
Not Afraid Of Color (2006)

Interesante debut discográfico de este quinteto compuesto por jóvenes músicos residentes en Nueva York, con un líder nítidamente más volcado en la búsqueda de un sonido grupal que en su lucimiento como instrumentista.

El sobrio pero efectivo papel que Francisco Pais –de origen portugués– se reserva dentro de su banda contrasta con el protagonismo que suelen tener los guitarristas en los grupos que lideran. De hecho en este álbum escuchamos solear antes a Chris Cheek, a Ferenc Nemeth y a Leo Genovese que al propio Pais.

El líder se revela como un buen compositor a través de nueve temas directos entre los que podríamos destacar “Water From The Moon”, “Gratitude”, “Tides”, “Lift Your Head From The Sand And Face Reality” y “Charme”. Tanto en los pasajes más rítmicos como en los más reflexivos, el quinteto aparece muy cohesionado. Además, Pais se muestra como un buen improvisador y como un hijo de su tiempo, habiendo asimilado algunas lecciones de las generaciones anteriores (Scofield, Frisell, Metheny…), dejando algunas pinceladas cercanas a un pop sofisticado, buscando un lenguaje propio. Las intervenciones del Cheek, lo muestran en forma, moviéndose con una libertad que le permite dar lo mejor de sí, firmando un puñado de buenos solos, aportando calidez y tejiendo sugerentes diálogos con las cuerdas de Pais. El trabajo del resto del grupo acaba por darle al sonido del quinteto un acabado muy pulido con Nemeth y Genovese aportando ideas frescas aquí y allá.

Pese a algunos baches de monotonía en el ecuador del disco, Not Afraid Of Color resulta bastante disfrutable.

Reseña de Sergio Zeni para http://www.tomajazz.com

Track Listing – Not Afraid Of Color

01. Water From the Moon (8:40)
02. Gratitude (6:39)
03. Tides (11:39)
04. Always Dreaming (5:07)
05. Melody for Damien (4:49)
06. Transfiguration (8:18)
07. Lift your Head From the Sand and Face Reality (5:44)
08. Desert Of Colors (6:10)
09. Charmed (3:56)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor saxophone, soprano saxophone
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes electric piano
Massimo Biolcati: bass
Ferenc Nemeth: drums

tapa School Of Enlightenment
School Of Enlightenment (2008)

El guitarrista Francisco Pais es un jazzero de mente lírica procedente de Portugal, que ahora vive en Boston, poseedor de un refrescante enfoque y sonido. Él sigue a su excepcional debut en 2006 con una realización que además codifica y centra su concepto, prefiriendo el color a la línea, destilado al volumen y moderación al abandono, sin embargo, vibra con una suntuosa pasión propia. Como el goteo de buen gusto de nuevas grabaciones procedentes de pequeños nuevos grupos de la escena de Lisboa, el sonido no es abiertamente latino pero figuradamente empapado en sus climas.

Dos de los socios musicales de larga data de Pais están a bordo, complementando su formidable cociente de cortes con únicas capacidades pan-étnicas: el baterista húngaro Ferenc Nemeth y el pianista argentino y estilista del Rhodes, Leo Genovese. El veterano saxofonista Chris Cheek otra vez compromete sus amplios talentos con la visión de Pais, elevando esta sesión desde un proyecto a un verdadero status de banda.

Gretchen Parlato añade el calor que derrite corazones a la incandescencia de esta sesión, acoplando su voz a la poesía de Ann Bruno en dos canciones. “Early Shift”, primero rasgueado con un sabor de rock moderno, luego ajustándose a balada que tiene poco que ver con el jazz, pero todo tiene que ver con el mood y el tono, en el cual los sonidos y letras arrastran todo. “The Thing with Feathers” la encuentra no solo en el tono perfecto, sino tan emocionalmente que después de repetidas escuchas, la canción puede ponerse fatigosa pero nunca la cantante. Ambas destacan a Cheek siguiendo el arco emocional de Parlato con su propio instrumento de sentida vocalización. El rumor sobre Parlato es que ella es la cantante de la que todo el mundo espera grandes cosas, pero como estas dos gemas revelan, ella ya lo está entregando.

La pista del título es un enardecido destilado de una tendencia que incorpora ritmos contemporáneos en el jazz de pequeños grupos, viniendo por cortesía de la misteriosa destreza de Nemeth para estilos de drum ‘n’ bass. Purgando todo mientras se contiene a si mismo en el borde mismo de lo que exactamente ha sido llamado, él conduce el contorno angular de la melodía, expresada en la voces al unísono del saxo soprano y la guitarra distorsionada.

La sección de solos emociona en la manera como Pais, Cheek y Genovese danzan y se envuelven uno alrededor del otro, superponiendo intuitivamente líneas mezcladas con el vocabulario del jazz dentro de una rítmica de electrónica sin instrumentación eléctrica.

Las sagaces líneas solistas de Genovese en “Baron”, sobre el descabellado patrón mod-bossa de Nemeth, merecen una mención especial, especialmente por aquellos que están buscando algunas nuevas adiciones al vocabulario del Rhodes.

Pais regala un último tema titulado irónicamente, “You Just Won Another Day with Yourself”, una exquisita composición que califica para el Real Book, circa 2010 -una balada que se balancea con un susurro ondulante, como ramas en una cambiante brisa tropical, empapada en una melancolía autoreflexiva. Estira el largo gancho de su melodía dentro de su solo, un destilado magnífico (aquella palabra otra vez) de cientos de sesiones de Blue Note, marcando con ello una perfecta y tristemente colocada, lágrima de jazz/blues.

La digestión de estas sesiones revelan no sólo la amplitud de influencias que Pais ha asimilado en su bagaje, sino la profundidad de atención que acumula en su descendencia composicional y, a su turno, su audiencia, la cual debería aumentar con esta sensualmente satisfactoria realización.

Phil DiPietro para http://www.allaboutjazz.com/school-of-enlightenment-francisco-pais-product-of-imagination-records-review-by-phil-dipietro.php

Track Listing – School Of Enlightenment

01. Early Shift (7:06)
02. School Of Enlightenment (6:15)
03. Budejovica (3:18)
04. Baron (4:29)
05. The Thing With Feathers (4:19)
06. Tatui (5:35)
07. Think Again (6:25)
08. Everything Is Something New Somewhere (10:22)
09. You Just Won Another Day With Yourself (5:47)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor and soprano saxophones
Ferenc Nemeth: drums
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes
Peter Slavov: bass
Demian Cabaud: bass (1,7)
Gretchen Parlato: vocals (1, 5)

tapa Raise Your Vibration
Raise Your Vibration (2012)

El practicante de yoga y muchas otras prácticas meditativas es referido como un yogui. Francisco Pais, un nativo de Portugal no sólo es un devoto yogui sino que ha viajado por el mundo tocando con los mejores músicos de jazz desde la meca del mundo que es la Gran Manzana también conocida como la Ciudad de Nueva York.

Habiendo dejado caer su última realización Raise Your Vibration, Pais trae el verdadero significado a la palabra orgánica con un enfoque sincero y apasionado de sus composiciones, un enfoque como zen de menos es más cuando el arte es canalizado desde un lugar más profundo que el corazón. Ir al alma y colgar una izquierda…Pais tiene la extraña habilidad de tomar la música original que es el subproducto cultural de sus experiencias de vida mezclando elementos de rock y músicas del mundo, con ganchos pop e increíble sensibilidad jazz, con el resultado final de un sub género en busca de un nombre. La música realmente significativa está sola sin la necesidad de una etiqueta y esto es donde Pais sobresale.

Highlights? Mientras Pais es un guitarrista estelar y una bestia composicional, él ahora asume el papel de cantante, entonces la pregunta lógica sería, “Cómo suena?” Francisco Pais…Cada artista trae algo a la mesa (esperamos algo nuevo ) y marcos musicales de referencia pueden ser intrínsecamente injustos, pero imagine un híbrido vocal de Peter Gabriel y Michael Stipe transformado con el fraseo de Michael Franks. Fácil, verdad? En el espìritu de Gabriel, Stipe y Franks esta particular realización es un algo conceptualizada realización de cortas historias que examinan la pérdida de un padre, el nacimiento de un niño, y las historias de amor perdido. Las composiciones son, en su mayor parte, alejadas de lo más melancólico, más son esperanzadoras y están escritas en directo contraste con las melodías de jazz más estereotipadas, que tocan la melodía, solo y luego tocan el encabezado. La vida está muy lejos de ser previsible y así son estos ofrecimientos de Pais.

Elegancia cruda texturada podría ser el desarrollo temático predominante a lo largo de Raise Your Vibration. Los originales de Raise Your Vibration corre desde lo más sombrío que adorna un poema de Emily Dickinson, “Never Wearing Out”, a la furia sónica más infundida de blues de “Humble Over The Fact”.

Quizás la melodía más inventiva tanto armónica como texturalmente sería “Chakra Song” que es una exploración musical de una carta y diagrama mostrando el nombre, el color, el sonido y la ubicación de los vórtices de energía que Pais ha estado estudiando como un yogui durante años. Mientras que las influencias de Francisco Pais son más que evidentes, su música es diametralmente opuesta y está tan lejos de lo derivativo como uno puede conseguir. En el saxo alto y clarinete bajo tenemos al increíblemente poco apreciado Myron Walden, Leo Genovese maneja el piano y el Rhodes con igual habilidad, Bill Vint toca la flauta en “Never Wearing Out” y Julie Vangyzen da aquel borde ecléctico al mismo número en el fagot y el clarinete. Daniele Camarda y Justin Brown redondean la sección de ritmo en el bajo y batería respectivamente.

Uno no tiene que practicar yoga o cualquier otra práctica de meditación para comprender o tener un especial reconocimiento por esta encantadora realización. Es raro que un álbum contenga tal honestidad y pasión que tanto una conexión visceral como cerebral puede ser hecho por todo lo que debería tomar el tiempo para simplemente escuchar. Mientras mi práctica del Taoísmo está en una etapa temprana, el llamativo si no omnipresente mood de Raise Your Vibration, es uno de calidez y de apertura para trabajar fuera de las normas más tradicionales de progresiones armónicas para crear una obra de profundidad duradera y de gran integridad artística. La vida sería más fácil para la mayoría de nosotros si practicáramos vivir de la misma manera.

Increíblemente inventivo y muy entretenido. Una impresionante grabación.

Fuente para la reseña: Brent Black para http://www.criticaljazz.com/2012/10/francusco-pais-raise-your-vibration.html

Track Listing – Raise Your Vibration

01. Broken Open (6:18)
02. Chakra Song (5:45)
03. Lightness of Being (4:17)
04. Never Wearing Out (5:00)
05. Humble Over the Fact (3:19)
06. Space for Your Soul (4:47)
07. Magnifying (3:42)
08. The Dream (2:38)
09. The Other Side (5:26)

Artist List

Francisco Pais: guitar, voice
Myron Walden: bass clarinet and alto sax
Justin Brown: drums
Leo Genovese: piano and Fender Rhodes
Daniele Camarda: bass
Bill Vint: flute
Julie Vangyzen: basoon, bass clarinet

Apunte: Nacido en Sintra, un pequeño pueblo cerca de Lisboa, Portugal, Francisco Pais ha tocado su propia música en todo el mundo con algunos de los mejores músicos de la escena neoyorkina, lo cual queda bien explicitado en las envidiables alineaciones de estos tres discos. Su música es una atractiva mezcla de jazz, world music, pop sofisticado y talentosos intérpretes que son instados por Pais a ocupar los primeros planos. Y en el caso de Raise Your Vibration, sorprende con su voz, que en mi humilde opinión tiene un parecido bastante llamativo a la voz de Sting. Disiento con las comparaciones con Gabriel / Stipe / Franks que hace Brent Black en la reseña. Pais ha recibido palabras elogiosas de famosos colegas; Esperanza Spalding, ganadora de un premio Grammy, dijo de Pais: “Francisco Pais es un increíblemente talentoso compositor y arreglador; él es dedicado, lo apoyo y creo en él”. Lionel Loueke, miembro de la banda de Herbie Hancock, también decía: “La manera de tocar de Francisco es lanzada, con una desafiante y elegante mezcla de bellas armonías y líneas melódicas. Lo que lo hace un gran ejecutante”. Seane Corn, activista y celebridad del yoga, también se refirió a Pais con cálidas palabras: “Francisco tiene el corazón de un yogui y el alma de un artista. Su trabajo es elegante y rico, y siempre he sido inspirado por lo que crea, sabiendo que lo que está compartiendo conmigo y el mundo se ha manifestado de la pureza y la verdad de su corazón. Él es un verdadero artista y un músico divino”

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Alex Beaurain

tapa Sentiments d'un clown
Sentiments d’un clown (2013)

Cristalizado en 2011 alrededor de Alex Beaurain, guitarrista francés instalado en Bruselas, este quinteto trabajó mucho y tocó en concierto antes de registrar este primer compacto en julio de 2013 para Mogno Records. Y esto se entiende aunque, a priori, la formación cambió de saxofonista, al tomar Erik Bogaerts en efecto el lugar del austríaco Gregor Siedl. El primer título, “Conte Des Dunes”, arranca sobre una bella melodía expuesta al unísono por ambos solistas antes de dejar lugar a una divertida improvisación del líder. La guitarra cortante y saturada, que no desdeña los pedales de efecto, da un ambiente de fusión a la música que no se encontrará en la continuación del álbum, mientras que el tándem compuesto por el baterista Toon Van Dionant y el bajista Olivo Stalon asegura un groove nervioso y obsesivo. ¡Esto arranca bien!

“Lapin Vicieux” es una composición maliciosa como su título, con un tema tan travieso como una música de película de François de Roubaix. Eve Beuvens toma allí su primer solo de piano, marcado por un tacto flexible y delicado, antes de cederle el lugar a Stalon que hace roncar su bajo eléctrico. Composición épica de diez minutos, “La Râpe Et Le Clou” permite a cada uno brillar un poco pero es Erik Bogaerts quien se adueña de la fragua con un solo de saxo muy bien construido, montándose lentamente en potencia hasta soltar gritos como proyectiles antes de ser relevado por el perfecto piano de Beuvens. “Un Nom Pour Chaque Chose” todavía le permite a Erik Bogaerts extenderse, al soprano esta vez, en un estilo fluido y lírico familiarizado con el de Ben Sluijs en su período romántico. Tanto en “Supplice” como en “La Falaise”, el guitarrista demuestra una gran seguridad melódica en improvisaciones cantantes sobre las que se ciernen el espíritu del gran Philip Catherine (inevitable, querido Alex, cuando se vive en Bélgica!).

El repertorio incluye también dos baladas (“Histoire D’images” y “Bonjour A Neptune”) de tempos muy lentos y con acordes de lenta extinción. Por último, el disco finaliza con otro gran momento: “Exploration”, trasciende en su longitud por el saxofón inspirado de Bogaerts que se arremolina sobre sedosos lienzos de íntimas sonoridades desplegadas en ósmosis total por el guitarrista y la pianista. Muy bien producido y embalado en una bonita caja cuyas fotografías han sido tomadas por Alex Beaurain, Sentiments d’un Clown constituye una muy bella carta de presentación para este joven quinteto que exige que no dejen de seguirlo en concierto. ¡Aplauso!

Fuentes para la reseña: http://www.dragonjazz.com/belge11.htm#abq_clown; http://www.mognomusic.com/francais/bios/alex_beaurain.html

Track Listing – Sentiments d’un clown

01. Conte Des Dunes (5:46)
02. Lapin Vicieux (5:45)
03. La Rape Et Le Clou (9:47)
04. Histoire D’images (5:47)
05. Un Nom Pour Chaque Chose (4:26)
06. Supplice (8:40)
07. Bonjour À Neptune (6:33)
08. La Falaise (6:53)
09. Exploration (6:26)

Artist List

Alex Beaurain: guitare, compositeur
Erik Bogaerts: sax
Eve Beuvens: piano
Olivier Stalon: basses, voix
Toon Van Dionant: batterie

tapa Himeros
Himéros (2014)

“M. Duane”, que abre esta recopilación, es emblemática de la música de TAB: un jazz de cámara de profundo lirismo que es la parte bella de improvisaciones dibujadas por la escritura y coloreadas por la fusión a menudo inédita de los timbres presentados. Porque a lo largo de las temas, a menudo son aleaciones inesperadas las que nos ofrecen: saxófonos y bansuri, guitarras, udu, tapan, címbalos y otros elementos percusivos diversos sin batería clásica, se animan en un juego colectivo original en el que los arreglos han sido pensados minuciosamente. Escuche por ejemplo la bucólica “Instant” con su inquietante bansuri que planea por encima de las percusiones y ese pasaje de guitarra casi-clásica, todo en espontánea delicadeza; o el lascivo tintineo del título epónimo donde la exquisita delicadeza invita al callejeo; o aún “La Râpe et le Clou”, iluminado por increíbles sonidos asfixiados de gong como se oye en los monasterios indios o tibetanos. Que musicalidad, que refinamiento, y que sofisticación también en estos pequeños sainetes cincelados con amor. Este disco revela por otro lado una connivencia casi milagrosa entre el guitarrista francés Alex Beaurain, el saxofonista Frédéric Becker, y el percusionista Frédéric Malempré, tres músicos de orejas grandes abiertas y de pasiones múltiples que llegaron aquí a encontrar una unidad de tono de innegable encanto. Durante cerca de una hora, el trío impresionista hace sentir las imágenes como fotografías ricas en colores, vagabundeos, pastorales, exóticas a veces. Por la gracia y el virtuosismo de los tres cómplices, la música en su aparente sencillez melodiosa se vuelve aérea, atmosférica quedando tierna y emocionante (después de todo, Himéros personifica el deseo de amar). Afortunadamente, el repertorio del compacto también ha sido pensado en su carácter global y nunca viene nada a perturbar la magia de esta música de mañana tranquila que apacigua el humor e incita a la felicidad.

Fuente para la reseña: http://www.dragonjazz.com/belge_trio.htm#tab_himeros

Track Listing – Himéros

01. M. Duane (8:07)
02. Les tourments de Phalaenopsis (6:56)
03. Instant (6:00)
04. Mlle Palmer (5:56)
05. La Râpe et le Clou (7:51)
06. Punctum (5:37)
07. Himéros (6:32)
08. L’Inconnu des 3 (4:45)
09. Rouge Soie (4:43)

Artist List

Alex Beaurain: guitares
Frédéric Becker: saxophones / bansuri
Frédéric Malempré: percussions

Apunte: Alex Beaurain comienza con la guitarra a la edad de 14 años. Rápidamente, se interesa por el jazz y entra en el “CIM” en París (escuela de jazz y música actual) y sigue un ciclo profesional durante tres años con interventores tales como Pierre Carrié, Malo Vallois, Laurent David o Frédéric Favarel, que será una real influencia para él. Durante esos tres años tuvo la oportunidad de comenzar a tocar en la escena parisina. Más tarde decide vivir algunos años en Toulouse, dónde participa en proyectos diversos, entre otros, en big band con Denis Badault, en dúo con Alain Guelfi, pero también en proyectos de universos diferentes como la música Gnawa. Después de algunos años, decide irse e instalarse en Bruselas. Es allí dónde se concentra principalmente en sus propios proyectos en dúo (Beaurain / Becker), en trío (TAB), y el Quinteto (Alex Beaurain Quintet). En 2013 saca el álbum del quinteto por medio del sello Mogno Music y en el 2014, sacará 2 nuevos álbumes, uno en dúo y otro en trío. Ha tenido la oportunidad de tocar en varias escenarios ineludibles en Europa y principalmente en Francia como el Sunset, el Sunside, el Mandala, y otros, y luego en Bélgica en la inmensa mayoría de los clubs, como el Sounds Jazz Club, el Hopper, el Hotclub de Gand, como así también en festivales, el Brussels Jazz Marathon, el Jazz Jette June o el Jazzzondag.

Password en ambos casos: presoventanilla