Preso ventanilla


Huw Warren, Peter Herbert, Martin France
febrero 8, 2016, 10:23 pm
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tapa Hermeto+
Hermeto + (2009)

El pianista Huw Warren ha sido inspirado por la música de Hermeto Pascoal durante más de 25 años, y Hermeto + es un merecido homenaje al idiosincrásico compositor brasileño. Las melodías -mitad de ellas escritas por Pascoal, mitad escritas por Warren- se mueven desde baladas líricas a melodías danzables up-tempo, a través de ocasionales piezas experimentales, demostrando el rango de los estilos de ambos compositores, así como la capacidad técnica del trío de Warren.

El álbum está sustentado por dos melodías de Warren: “The End Is Also the Beginning” y “The Beginning Is Also the End.”; de hecho, el primero es un breve re-trabajo de la melodía central de éste último (o viceversa), una composición más compleja que abre con alguna interacción en formato free entre Warren y Martin France en batería. Entre estas dos melodías, el álbum alterna entre las composiciones de Warren y Pascoal.

Las melodías de Pascoal son sobre todo up-tempo, asuntos alegres y danzables; ellas levantan los espíritus con su calor y humanidad. Los músicos se acercan a ellas con el respeto, pero con la creatividad y la comprensión como bien se están reconsiderando, no limitándose a reproducir estas canciones.La manera de tocar el piano de Warren es especialmente excepcional en “Briguinha de Musicos Malacos.”; el tempo y la precisión de su forma de tocar la melodía da un enérgico -de hecho sin aliento- sentir, especialmente en el último minuto cuando Warren lleva el ritmo aún más lejos. En el encantador “Harmonia sem Chronologia”, Warren se dobla en el piano y el acordeón, creando un sonido maravillosamente rico e irresistible. Por contraste, “Desencontro Certo” es una balada, realizada como un solo de piano. El estilo delicado y exacto de Warren se adapta muy bien a esta pieza y su rendimiento es atractivo y conmovedor.

Las propias composiciones de Warren son más experimentales y abstractas que la mayor parte de las de Pascoal, pero aún gratificantes. Dos excepciones a esta regla se encuentran entre las mejores pistas en el álbum. “Nos da Good Knight” es una de las más simples y más inmediatamente participativa melodía en esta colección. Escrita por Warren, esta es una versión instrumental de una canción con letra de su colega galés Aled Jones Williams (“Nos da” es en galés “buena noche”). “DP & C” es una melodía estilo hard-bop impulsada por el apretado y poderoso bajo de Peter Herbert y el excepcional tamborileo de France.

Hermeto + es estimulante, original, bellamente arreglado y hermosamente tocado. Esto reafirma los talentos de Pascoal como compositor, y esperamos que las propias habilidades composicionales de Warren lleguen a una audiencia más amplia. Los talentos musicales del trío complementan las melodías con una frescura y vitalidad que amplía sus posibilidades, y el resultado es un placer de principio a fin.

Fuente para la reseña Bruce Lindsay para http://www.allaboutjazz.com/hermeto–huw-warren-basho-records-review-by-bruce-lindsay.php

Apunte: Decía Huw Warren: “Escuché por primera vez la música de Hermeto hace más de 25 años y me enamoré de ella al instante. Ha seguido fascinándome y encantándome desde entonces, y una pequeña parte del espíritu de Hermeto ha impregnado todo mi trabajo hasta el momento. Espero que esta grabación sea una celebración, un tributo y un musical “gracias” por todo esto y más.” Pascoal es famoso por hacer música poco convencional, con vitalidad rítmica, métricas inusuales, sonidos ‘no-musicales’ y una libertad estética que genera admiración e inspiración a músicos de todo el planeta. Imbuidos de ese espíritu los integrantes del trío se desafían a encontrar nuevos timbres de sus respectivos instrumentos, logrando una obra que reúne de manera equilibrada la sapiencia compleja y académica con la frescura de la música popular. Muy recomendable!

Track Listing

01. The End is also the Beginning… (1:33)
02. Santo Antonio (5:08)
03. DP & C (5:34)
04. Harmonia sem Chronologia (3:11)
05. Desencontro Certo (4:51)
06. Cowbois and Shepherds (5:34)
07. Santa Caterina (5:25)
08. Jegue (3:58)
09. All is Sound (2:09)
10. Briguinha de Musicos Malacos (5:05)
11. Nos da Good Knight (3:54)
12. All is Music (2:43)
13. All is Life (2:06)
14. Frevo en Maceio (3:57)
15. The Beginning is also the End… (5:04)

Tracks 2,4,5,7,8,10,14 written by Hermeto Pascoal
Tracks 1,3, 6,9,12,13,15 written by Huw Warren © prs/mcps

Artist List

Huw Warren: Piano, Accordion, Keyboards
Peter Herbert: Double Bass
Martin France: Drums, Electric Drums

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Matthieu Michel / Uli Scherer
febrero 4, 2016, 6:28 pm
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tapa The Sadness Of Yuki
The Sadness Of Yuki (2003)

Matthieu Michel nació en Fribourg el 29 de Abril de 1963. Pasó su infancia en la aldea de Courtepin. Se inicia en el seno de la banda de la aldea que dirigía su padre, Avenir de Barberêche-Courtepin, luego se interesa más por el jazz, aprendiendo a tocar la trompeta con Americo Bellotto, durante tres años en Viena y Berlín. A partir de 1992 fue uno de los miembros de la Vienna Art Orchestra dirigida por Mathias Rüegg. Sus dos hermanos son también músicos profesionales, Jean-François Michel es profesor de trompeta en los conservatorios de Fribourg y Ginebra, solista famoso y compositor, y en lo que respecta a Guy Michel, enseña la tuba.
En 1986 realiza en Berlín “Blue Light”, su primer disco como líder con Walter Norris, Yiye Wilson de Oliveira, Danny Hayes, Manfred Brundl y Alexandro Sanguinetti. En 1989, lanza su segundo CD como líder, con Mauricio Magnoni, Michel Bastet, Mathias Demoulin y Marcel Papaux. En 1994, registra “Okipik”, CD en dúo con Uli Scherer. En1995, graba 2 CD’s. El primero, “Estate” , junto a Richard Galliano, Thierry Lang, Heiri Kaenzig y Joris Dudli; el segundo con Joachim Kühn, Ricardo Del Fra y Daniel Humair. En 1996 registra “The Sadness Of The Yuki“, su 2º CD con Uli Scherer, así como “Makara” con Uli Scherer, Thierry Lang y Daniel Perrin. En el 2003, en el marco de “Live In Vevey , realiza el CD “Matthieu Michel Live At Thatre Oriental” con Martin Reiter, Peter Herbert y Alex Deutsch.

Uli Scherer es un pianista y compositor de jazz de vanguardia nacido en Villach, Austria el 26 de Marzo de 1953. Scherer estudió piano en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Viena . Es miembro fundador de la Vienna Art Orchestra, donde permaneció desde 1977 hasta 1997 y con el que grabó numerosos discos. También trabajó durante muchos años con Wolfgang Puschnig, sobre todo en las formaciones AM4, SamulNori & Red Sun y realizó proyectos con Klaus Dickbauer. Los conjuntos y proyectos mencionados en su mayoría cuentan con composiciones del propio Scherer. De 1986 a 1990 fue profesor en la Escuela de Jazz de St. Gallen en Suiza y desde 1995 ha impartido clases en la Universidad de Música y Artes Escénicas para piano de jazz. En los últimos años el foco de su trabajo compositivo estuvo en el campo del teatro musical. Por encima de todo, su estilo cálido e individual lo convirtió en un músico destacado en la escena del jazz de Austria. También trabajó con Albert Mangelsdorff, Eberhard Weber, Günter Sommer, Kenny Wheeler, Matthieu Michel, Lauren Newton y la NDR Bigband.

Apunte: El mes pasado, estando a la espera del nuevo disco de Michel Benita (“River Silver”, ECM, 2016), por simple curiosidad me puse a buscar material relacionado con los músicos que lo acompañan. Entre ellos, me llamó la atención los discos del trompetista Matthieu Michel. Escuché “Estate” (donde se destaca la participación de Richard Galliano), The Sadness Of The Yuki junto al pianista Uli Scherer y “Matthieu Michel Live At Thatre Oriental”, grabación de una actuación en vivo en donde actúa como guitarrista invitado Wolfgang Muthspiel. Todas estas obras son realmente agradables, pero me gustó sobremanera la elegante belleza melódica contenida en The Sadness Of The Yuki: se trata nada más y nada menos que del diálogo inteligente y sensible (para nada sensiblero) de dos virtuosos de sus instrumentos. Si no los conocen, los invito a descubrirlos.

Fuentes para la reseña: https://fr.wikipedia.org/wiki/Matthieu_Michel ; http://www.matthieumichel.com/biography.htm; https://de.wikipedia.org/wiki/Uli_Scherer

Track Listing

1. L’Aveugle (4:57)
2. Afternoon (7:11)
3. Song For Four (5:50)
4. The Sadness Of Yuki (11:31)
5. Point Du Jour (3:44)
6. Vann (5:43)
7. Rites Of Darkness (3:33)
8. Over The Rainbow (6:37)

Artist List

Matthieu Michel: flugelhorn
Uli Scherer: piano

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Joel Silva

tapa Geyser
Geyser (2014)

Como regla general, un baterista de jazz desarrolla su carrera en la condición de sideman por más – o incluso por esto – que se destaque en su instrumento. Algunos, sin embargo, tienen algo que decir además de lo que hacen con los parches y los platillos y se lanzan a una actividad como compositores y líderes de grupo. Este es el caso de Joel Silva: con pruebas dadas en la batería, sin embargo, surgió con un disco a nombre propio, Geyser, reuniendo a algunos de los mejores músicos de la escena nacional, entre consagrados e instrumentistas en etapa de afirmación.

La música concebida por Joel Silva está hecha de contrastes, con colores vibrantes y otros momentos de calma, como el fenómeno hidrogeológico que le da nombre. Eso significa que siempre es sorprendente, no siendo posible predecir lo que sucede. Precisamente lo que queremos en una música como el jazz.

Licenciado en jazz por la ESMAE, de Porto, Joel Silva tiene un largo curriculum de colaboraciones con Carlos Barretto, Maria João, Nuno Ferreira, Nelson Cascais, Júlio Resende, Mário Delgado, Bruno Santos y Desidério Lázaro, siendo uno de los más requeridos bateristas de la actualidad.

João Moreira divide sus actividades entre los escenarios y la enseñanza. Carlos Bica, Mário Laginha y sus hermanos Pedro y Bernardo Moreira son algunos de los músicos portugueses con quienes tocó, habiendo tenido también asociaciones con Ben Monder, Chris Cheek, Mark Turner y Julian Argüelles, entre otros.

João Paulo Esteves da Silva completó sus estudios en Francia, con premios a la excelencia, y ha desarrollado una aplaudida carrera en a veces solista, a veces con nombres como Dennis Gonzalez, Ricardo Rocha, Carlos Bica, Claudio Puntin y Peter Epstein, siendo uno de los pilares del grupo Matéria Prima.

António Quintino es el producto de formación jazzística ofrecida por la Escola Superior de Música de Lisboa y se ha hecho notar al lado de Afonso Pais, Paula Sousa, Daniel Bernardes e José Peixoto, entre otros.

Fuente para la reseña: http://www.culturgest.pt/arquivo/2015/03/joelsilva.html

Apunte: Joel Silva, 33 años, nacido en la ciudad de Leiria, Portugal, fan de Soundgarden, casi tanto como de la playa, los amigos, la comida y la buena vida, llegó al jazz tras tocar rock en bandas de garage, afirmándose rápidamente como baterista y actuando junto a importantes nombres de la escena portuguesa e internacional. “Compongo desde siempre. A veces, sólo surgen ideas que me parecen interesantes y que desarrolladas pueden convertirse en temas o canciones. Este disco acaba por surgir naturalmente con una selección de algunos de mis temas más recientes y también aquellos que encajan mejor en el concepto que elegí”, declaraba Silva respecto a la composición. Y sobre el título del disco, Geyser, decía lo siguiente: “Encuentro fascinantes estas manifestaciones hidrogeológicas. Además de eso, pienso que todo el proceso de formación de un geiser se puede comparar al modo como compongo. El agua, la montaña y la tierra son elementos necesarios para la formación de los géiseres y son también elementos con los cuales siempre me he identificado bastante”. Geyser es un excelente disco debut de un joven músico, que, esperemos tenga mucho más para expresar en el futuro.

Track Listing

1. Degelo (6:20)
2. No Cume Do Pico (7:30)
3. Running Water (8:50)
4. Geyser (7:44)
5. Terra Branca (4:07)
6. Tuerem Tuerem (7:38)
7. Vesihiisi Sihis Hississa (4:42)
8. This Is What I Can See From Here (7:04)
9. Wake Up (3:27)

Artist List

Joel Silva: drums
João Moreira: trumpet
Diogo Duque: trumpet
João Paulo Esteves: piano
Antonio Quintino: bass
Sofia Vitoria: voice

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Rez Abbasi Acoustic Quartet
enero 3, 2016, 10:17 pm
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tapa Natural Selection
Natural Selection (2010)

Una espiritualidad profunda y sentimental no es una cualidad asociada con la música secular. Sin embargo, de vez en cuando, incluso la música secular alcanza tales niveles de éxtasis que estos elementos puedan ser sumergidos en el corazón de su melodía y cambios armónicos, así como su ritmo itinerante. Con menos frecuencia, esta fusión se encuentra en la confluencia de los ríos místicos del sonido, donde la multitud de las culturas de todo el mundo colisionan. Civilizaciones tan antiguas como Egipto, India y China mucho tiempo han sostenido la música en los crisoles que, durante unos miles de años, han sido seductoramente atractivas a todos los que siguen las artes. Esto no es debido a sus relucientes ondulaciones que ojos y oídos occidentales ven y oyen en cortinas de azafrán que se burlan de los sentidos, sino porque lo espiritual y lo secular parecen reunirse en el infinito, como líneas paralelas que hipnotizan, seduciendo siempre con su atractivo horizonte.

En algún lugar en un crisol todas las propias músicas del guitarrista Rez Abbasi, cantan. Natural Selection es una milagrosa colisión del mundo del color y sonido matizado del Subcontinente; el ulular de “muwashas” del Medio Oriente, vagando a través del desierto y montañas; y la casi escultural belleza de impresionismo europeo, todo envuelto en el idioma improvisatorio del jazz. Esto es la selección natural, donde todos los elementos útiles han sobrevivido y han renacido en una brillante nueva estética provocada por una mente fértil, y la magia encantadora de dedos que revolotean y se deslizan sobre las cuerdas de guitarra con desenfrenado color, produciendo una música tan viva que casi puede ser probado, ya que penetra en lo más recóndito de la mente donde el placer es parecido al dolor. A pesar de que toca un instrumento en el que muchos han sobresalido -la guitarra acústica- Abbasi suena como nadie antes de él.

Sus lamentos de guitarra acerca de una indecible pérdida en “Lament”, ondulando y llorando con sorprendentes, flexibles glissandos, es como él recrea la magistral música del príncipe del sonido sufí, el fallecido Ustad Nusrat Fateh Ali Khan. E incluso Joe Henderson no habría podido imaginar que su “Punjab” podría ser resucitado para volar en la cara del genio de las cuerdas de una guitarra acústica, tocando sobre los ecos del vibráfono. Las propias creaciones de Abbasi son solo eso: puro genio que nace de las turbias y neblinosas mañanas de montaña, o crepusculares intercambios entre su guitarra y el vibráfono de Bill Ware, así como del diálogo entre el bajo de Stephen Crump y la percusión de Eric McPherson. El compositor postula que escuchó esta llamada-y-respuesta en la música, tal como fue creada. Por consiguiente, “Up on a Hill”, “When Night Falls”, “Bees” y “Blu Vindaloo” resuenan con manchas y expresiones como voces en armonía, con las bronceadas modulaciones de campanas tubulares que también suenan con conmovedora grandeza. Todo esto, mientras los ecos de carácter muy espiritual suenan mucho después de que las últimas notas se han desvanecido y muerto.

Fuente para la reseña: Raul D’Gama Rose para http://www.allaboutjazz.com/natural-selection-rez-abbasi-sunnyside-records-review-by-raul-dgama-rose.php

Track Listing – Natural Selection

01. Lament (6:11)
02. Pakistani Minor (5:53)
03. Personal Mountains (4:25)
04. Up On The Hill (7:59)
05. When Light Falls (2:36)
06. Bees (7:20)
07. Blu Vindaloo (6:27)
08. New Aesthetic (5:21)
09. Punjab (5:01)
10. Ain’t No Sunshine (3:24)

Artist List

Rez Abbasi: guitar – acoustic
Bill Ware: vibraphone
Stephan Crump: acoustic bass
Eric McPherson: drums

tapa Intents and Purposes
Intents And Purposes (2014)

Releer algunos de los clásicos del jazz-rock eléctrico de los años ‘ 70 según una perspectiva acústica podría parecer una apuesta decididamente arriesgada para muchos. No para el guitarrista de origen pakistaní Rez Abbasi, que en la conducción de un cuarteto acústico completado por el vibráfono de Bill Ware y por la sección de ritmo formada por contrabajista Stephan Crump y el baterista Eric McPherson propone su personal relectura en este Intents and Purposes, segundo disco del cuarteto después de Natural Selection de 2010.

Las ocho piezas escogidas para la operación hacen parte del repertorio de nombres históricos del jazz-rock como Weather Report, Return to Forever, Mahavishnu Orquesta, Headhunters, Eleventh House, Tony Williams Lifetime, Billy Cobham y Pat Martino, todo caracterizado en los originales por el pesado recurso de los instrumentos eléctricos, y en particular la guitarra, presente en seis de las ocho piezas seleccionadas, que enajenaron a la mayor parte de la crítica más tradicionalista de la época, provocando innumerables discusiones sobre la pertenencia o no de esta música al mundo del jazz. En realidad aquella del jazz-rock fue una estación muy breve y todos los protagonistas citados cambiaron pronto de ruta, algunos volviendo hacia ámbitos más tradicionales, algunos continuando una misma búsqueda personal sobre otras vías, dejando el campo a la acaecida fusion, que no representa una evolución del jazz-rock, aunque justo los Weather Réport fueron uno de los primeros y más importantes exponentes, y a una serie de epígonos pronto olvidados.

El trabajo de Abbasi es pues una ocasión para redescubrir, y quizás revalorizar, una porción importante de la música de aquellos años, juzgado demasiado a menudo superficial y apresuradamente. El guitarrista no busca una improbable comparación con sus colegas de los originales, pero da una interpretación particular de las piezas, desvistiéndolas de los sellos eléctricos y devolviendo en ello el destilado de la pura esencia musical, demostrando al mismo tiempo la legitimidad de sus pretensiones de pertenencia al mundo del jazz. Abbasi es un músico sensible y fino, autor aquí de una óptima prueba, y bien asistido por sus pares, en particular del vibrafonista Bill Ware, que provee un fondo tímbrico original a la guitarra del líder con su instrumento. Destaca el contraste entre el fraseo sumiso e intimista de estas versiones con el enfoque enérgico y estrepitoso de los originales, pero en el fondo es la confirmación de que en la música (y particularmente en el jazz) es la personalidad del intérprete que da la impronta final a la composición.

Sin duda un álbum para escuchar y un artista a seguir, y una buena oportunidad para (re)acercarse con mayor espíritu crítico a un género considerado a menudo marginal, pero que tiene muchos buenos trabajos en su activo.

Fuente para la reseña: Mario Calvitti para http://www.allaboutjazz.com/intents-and-purposes-rez-abbasi-acoustic-quartet-enja-records-review-by-mario-calvitti.php

Track Listing – Intents And Purposes

01. Black Market (7:56)
02. Butterfly (7:35)
03. Joyous Lake (7:59)
04. Resolution (4:55)
05. Medieval Overture (8:30)
06. Red Baron (5:53)
07. Low-Lee-Tah (4:44)
08. There Comes A Time (6:01)

Artist List

Rez Abbasi: steel string, fretless, and baritone acoustic guitar
Bill Ware: vibraphone
Stephan Crump: acoustic bass
Eric McPherson: drums

Apunte: Rez Abbasi es un artista que sin pausa ha elaborado una obra musical caracterizada por un multiculturalismo que fundamentalmente ha rescatado la tradición de la música del sur asiático (Abbasi es de origen paquistaní), cruzándola con el jazz (que fue la música aprehendida por el guitarrista en su nuevo hogar, Estados Unidos). Eso lo ha hecho de tal forma que su música suena sumamente original y con un propio sello distinguible a lo largo de su discografía. Con el formato acústico con el cual ha registrado Natural Selection e Intents And Purposes esa identificación se mantiene aún cuando en Intents And Purposes el origen del disco son piezas emblemáticas del jazz-rock de los ‘ 70. Discos de composiciones complejas y sonidos riquísimos, con cuatro solistas interactuando de forma brillante, para escuchar muy atentamente. Altamente recomendables!

Password en ambos casos: presoventanilla



Rudy Royston

tapa 303

303 (2014)

Los álbumes debut de bateristas de jazz tienden a ser intencionadamente versátiles para aclarar la identidad del líder más allá de la trampa tendida. Así es con 303 de Rudy Royston, el cual abarca Mozart (“Ave Verum Corpus”) y Radiohead (“High and Dry”) y encima ofrece nueve originales que recuerdan a los oyentes que Royston ha estado igualmente cómodo adornando el Quinteto de jazz de cámara Big Sur de Bill Frisell, el apoyo al J.D. Allen trío, y dividiendo la diferencia con el Dave Douglas Quintet.

Royston despliega un par de bajistas (Mimi Jones y Yasushi Nakamura) para permitirse a sí mismo más libertad para sear y calmar cuando la situación lo justifique. “Goodnight Kinyah” es una canción de arrullo algo inquietante para su hija, y “Bownze”, es swing filtrado a través de la sensibilidad de Ornette Coleman. Hay dos oraciones: una en capas, corta, compleja “Prayer (for the people)” en la pista 3 y una espectral, solemne “Prayer (for the earth)” como pista de cierre que es misteriosamente hendida en el medio por cerca de dos minutos de silencio total.

Pero quizás las mejores canciones son las que se encaminan y desenvuelven por una variedad de secciones, como son “Play on Words”, “Gangs of New York” y la pista del título. Ellas muestran el marcadamente afilado septeto del disco, con el pianista Sam Harris celebrando juntos la sección rítmica y la front line del guitarrista Nir Felder, el saxofonista Jon Irabagon y la trompetista Nadje Noordhuis. Los intercambios pueden ser ardientes o más sutiles, pero con Royston en la sala de máquinas, las canciones tienen la vívida sensación de estar recién acuñadas en ambos sentidos.

En el mejor de los casos, con sus líneas de vientos al unísono, fundamentos bop e impecable profesionalidad, 303 se siente como una actualización de una clásica grabación de Blue Note desde mediados del siglo XX. Royston demuestra que está bien equipado para cambiar las marchas como un catalizador, tocando con el sutil refinamiento de Joe Chambers y el esplendor cinético de Art Blakey.

Fuente para la reseña Britt Robson para http://www.wonderingsound.com/review/rudy-royston-303/

Apunte: La versatilidad de Rudy Royston lo ha hecho ser un baterista requerido por gran cantidad de diversos artistas para tocar jazz mainstream, soul jazz o músicas más vanguardistas: Dave Douglas, Bill Frisell, Tia Fuller, J.D. Allen, entre otros, son algunos de los que se han beneficiado con su talento. Quizás por haber estado tanto tiempo ocupado tocando con otros artistas recién llega a su álbum debut como líder a los 43 años. Quizás por esa misma razón no hay una idea o dirección o mood que predomine en 303 (por cierto, 303 es el código de área de su lugar de residencia, Denver, Colorado), más bien es una lógica mirada panorámica que representa los intereses de Royston. Y la elección de una banda de profesionales con personalidades musicales tan disimiles también va en ese sentido. Gran disco, sin dudas altamente recomendable.

Track Listing

01. Mimi Sunrise [4:33]
02. Play On Words [6:17]
03. Prayer (For the People) [2:33]
04. Good Night Kinyah [8:43]
05. Gangs of New York [6:45]
06. High and Dry (Radiohead) [5:49]
07. Miles to Go [3:20]
08. 303 [7:11]
09. Ave Verum Corpus (Mozart) [6:02]
10. Bownze [4:36]
11. Prayer (For the Earth) [8:13]

Artist List

Rudy Royston: drums & percussion
Jon Irabagon: saxophones
Nadje Noordhuis: trumpet
Nir Felder: guitar
Sam Harris: piano
Mimi Jones: bass (tracks 1, 3, 5, 7, 11)
Yasushi Nakamura: bass

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John Moulder Quintet
diciembre 31, 2015, 2:06 pm
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tapa The Eleventh Hour - Live at the Green Mill
The Eleventh Hour: Live At The Green Mill (2012)

Mientras que muchos guitarristas íconos del jazz y del blues de Chicago parecen canalizar los callejones oscuros y las señales de neón de los bares a través de sus instrumentos, el sonido de John Moulder es más semejante a una síntesis de la orilla del lago -una belleza y serenidad, como puede también puede mostrar un rostro de furia y fría precisión. Desde hace algún tiempo, Moulder ha venido desarrollando silenciosamente su sonido que es bastante singular. The Eleventh Hour proporciona la oportunidad de escucharlo en una actuación en vivo.

Grabado en el célebre centro de jazz Green Mill de Chicago, Moulder presenta un conjunto de canciones extraídas de álbumes anteriores. Pero mientras los anteriores álbumes de estudio como “Bifröst” (Origin, 2009) y “Trinity” (Origin, 2006) fueron mezcladas con efectos atmosféricos,es una experiencia emocionante escuchar el sofocante calor y la gracia fría de su guitarra sin diluir por efectos y mecanismos de estudio.

Para este show, Moulder lidera un quinteto de profesionales que incluyen al saxofonista/clarinetista bajo Geof Bradfield y el pasado miembro del Pat Metheny Group, el baterista Paul Wertico. Los cinco suenan como si hubieran estado tocando juntos desde pequeños. No hay mejor prueba de esto que la que puede ser encontrada en el track de cierre del álbum, “Time Being”, donde una hipnótica apertura de circular interacción entre Moulder y el pianista Jim Trompeter lideran una serie de solos que se construyen uno encima del otro, alcanzando su punto máximo con una oleada de electricidad que explota con las notas finales. Esto es uno de aquellos raros acontecimientos en los que una canción realmente merece la descripción de “mágica”.

Para una grabación en vivo, la calidad de audio es sólida como una roca. Cuando los inevitables sonidos del lugar golpean el audio, sirven para mejorar la experiencia de escucha en lugar de reducirla. En vivo, el corazón del sonido de Moulder golpea fuerte, y trae el espectáculo directamente a los altavoces de quien escucha, como si estuviera sentado en el reservado del Mill la noche entera.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.allaboutjazz.com/the-eleventh-hour-live-at-the-green-mill-john-moulder-origin-records-review-by-dave-sumner.php

Apunte: John Moulder sorprendió hace unos años atrás con “Bifröst”, un álbum de estudio que lo mostraba como un astuto creador de potentes imágenes musicales. En el legendario club de jazz The Green Mill de la ciudad de Chicago, el hombre que en estudio mantenía la rienda apretada sobre el tono, la textura y el balance sonoro, suena en vivo sin ataduras compartiendo libremente y con garra vibrantes solos con sus colegas. Gran disco, con momentos altísimos donde la banda parece estar en llamas. Saludos!

Track Listing

01. Proclamation of the Unexpected (5:58)
02. African Sunset (8:04)
03. Cold Sea Triptych (Introduction) (1:32)
04. Cold Sea Triptych (7:27)
05. The Eleventh Hour (12:24)
06. Gateway (11:35)
07. Magical Space (7:12)
08. Creation (11:58)
09. Time Being (8:16)

Artist List

John Moulder: electric and acoustic guitars
Geof Bradfield: saxophones, bass clarinet
Jim Trompeter: piano
Larry Gray: bass
Paul Wertico: drums

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Olivier Bogé
diciembre 29, 2015, 9:04 pm
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tapa Expanded Places
Expanded Places (2015)

Desde su primer álbum, “Imaginary Traveler”, la música de Olivier Bogé siempre revistió un carácter apacible, con una narración tranquila que lleva fácilmente, cuando se procura describirlo por las palabras, a utilizar el término paisaje. Es en efecto lo que evoca. Incluso, para ser más preciso, el desfile de paisajes. El viaje, no por el desarraigo sino por el movimiento. Hasta ahora, si bien nos había dado a través de su anterior disco y posteriores conciertos un resumen de su talento de pianista – pianista de formación, es por otra parte en este instrumento, o sobre la guitarra, que él compone -, se celebra su rol de saxofonista. Posiblemente esta postura era un poco restrictiva para las imágenes que tenía la intención de poner en sonido. Tiene una lógica implacable verlo hoy superponer para sus Expanded Places las partes de piano, guitarra, Fender Rhodes, melodías jugadas al saxofón, voces oníricas. Para el que sabe leer entre líneas, estaba escrito. Se trata más de una prolongación que de un cambio radical.

A pesar del trabajo de creación que implica necesariamente la multiplicación de tomas a superponer, ha procurado mantener la profundidad que induce la interacción, rodeándose de dos cómplices, Nicolas Moreaux y Karl Jannuska, que le proporcionan apoyo perfectamente equilibrado, entre el aumento de potencia que el intercambio necesariamente origina y la plenitud a la cual estos paseos requieren. De ahí un montaje perfecto entre la música escrita, reflexiva, producida, y la fuerza de una intención mantenida de a tres. Esta premisa, además de que es el origen de un sonido y una energía muy personales, permite precisamente asociar el paisaje, compuesto, y el movimiento, jugado en el momento. Una cinemática que, paradójicamente, mantiene la atención tanto como favorece el vagabundeo. Nos sumergimos en este disco antes de perdernos allí, como la mirada se fija sobre un panorama magnífico antes de que el espíritu se escape de eso.

Si hubiera que asociar esta música con un campo estético, del lado de la Fellowship Band de Brian Blade o de Jeremy Udden (a quien Nicolas Moreaux también acompaña) es por donde habría que buscar. Pensamos igualmente en James Farm, un poco, con la salvedad de que Olivier Bogé sigue centrado en una narración global, al ser aquí raro los solos.Este trabajo estético lo hizo añadir ocasionalmente al “trío” el corno de Guillaume Bégni y el violoncelo de Manon Ponsot para enriquecer la paleta orquestal. Durante estos periplos más o menos apresurados, la aceleración viene en la medida de tantas superposiciones de estratos sonoros como del aumento en la potencia de la sección rítmica. Bajo los flujos de energía y de colores, las piezas despegan, se cargan de emociones.

Expanded Places es un disco que se vive. Toma todo su sentido cuando llega a desprenderse de eso, cuando se hace la banda sonido de nuestros vagabundeos soñadores. La escucha concentrada se revela apasionante, pero casi fuera del sujeto. Toda la magia de estas piezas viene justamente con la manera que tienen las melodías y las orquestaciones de inmiscuirse en nosotros, de invitarnos a la evasión, de provocarlo. Volvemos a este disco como a una senda que todavía no nos ha descubierto todas sus bellezas. Invariablemente, el aire allí es fresco y la luz inédita; cada paso se convierte en una suma de apaciguamiento y de sorpresa.

Fuente para la reseña: Olivier Acosta para http://www.citizenjazz.com/Olivier-Boge-3472331.html

Apunte: Decir que Expanded Places es el álbum más personal a la fecha de Olivier Bogé suena como un lugar común y gastado. Pero es así. Brillantemente, Olivier Acosta en su reseña nos comenta “nos sumergimos en este disco antes de perdernos allí, como la mirada se fija sobre un panorama magnífico antes de que el espíritu se escape de eso”. Es así. El vagabundeo mental al que nos llevan apaciblemente Bogé y sus aliados, es emotivo, placentero y enriquecedor. Al finalizar “Apedjan (For Tigran)” aseguro que tu estado de ánimo será distinto al que tenías cuando comenzó “Red Petals Disorder”. Va a mejorar, sin dudas. Y eso, en estos tiempos, no tiene precio. Discazo.

Track Listing

01. Red Petals Disorder (4:55)
02. Icarus’ Dream (7:20)
03. Beyond the Valley of Fears (7:46)
04. What People Say (5:22)
05. The Fairy & The Beard Man (4:04)
06. Expanded Places (5:30)
07. Sound of the Endless River (5:06)
08. Wings of Desire (6:17)
09. Apedjan (For Tigran) (7:19)

Artist List

Olivier Bogé: piano, saxophone, guitare, fender rhodes, chant
Nicolas Moreaux: contrebasse
Karl Jannuska: batterie
Invites:
Manon Ponsot: violoncelle
Guillaume Bégni: cor

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