Preso ventanilla


Hristo Vitchev Quartet
agosto 28, 2016, 11:34 pm
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tapa Song for Messambria
Song for Messambria (2009)

El jazz está padeciendo parálisis por análisis. Sellos, sub-géneros y exceso de pensamiento crítico son el equivalente de intentar colocar la proverbial pieza cuadrada en un agujero circular. La música se está perdiendo, lavada en un mar de confusión sónica y conveniencia comercial para facilitar la colocación de productos por la mayoría de los sellos discográficos.

Hristo Vitchev es un guitarrista/compositor de Sofia, Bulgaria cuya música parece tejer en y alrededor de todos los más tradicionales auto limitados sellos, abrazando una fusión impresionista de jazz moderno, clásico contemporáneo europeo y una textura de intrigante samba con una impecable delicadeza. Mi viaje crítico comenzó con el más reciente “The Perperikon Suite”, seguido de “Secrets Of An Angel”, y ahora Song for Messambria. La melodía de apertura “Waltz For Iago” es un lírico escaparate que destaca la intrigante interacción entre Vitchev y el pianista Weber Iago. El trabajo de Vitchev es espacioso, metódico y hecho con un distintivo sentimiento de objetivo musical. La maravillosa progresión armónica en todas partes sólo es destacada por el solo de bajo de Dan Robbins y sostenida con los sutiles matices del baterista Joe DeRose. “Sad Cloud” es cualquier cosa menos triste, comenzando con un lírico solo de bajo y un subyacente sutil sentir samba que es contagioso. Este ecléctico grupo dibuja a partir de una multitud de influencias que son intoxicantes con habilidades improvisacionales a las que agregan tremendo pop y vitalidad para la química del ensamble. La sensible y emocional balada “Looking For One” es el principal ejemplo del arte que esta realización incorpora. Esta melodía increíblemente íntima y emocional pinta una introspectiva mirada a un amor perdido, la nostalgia de lo que fue o lo que podría haber sido. “Parisian Skies” nuevamente contiene aquel sutil sentir samba funcionando justo debajo de la superficie donde Vitchev demuestra que menos es más, con carreras limpias y precisas, y un notable sentido de la dirección melódica. Solo desde un punto de vista compositivo, esta realización es una exploración sónica de cultural riqueza.

Este estreno de 2009 de Vitchev es un soplo de aire fresco. Trascendiendo los géneros musicales en una pintura lírica tan llena de movimiento y belleza como el arte de portada. Un profundo rico tapiz sónico sostenido por un acercamiento único armónico y de acordes que reúne partes y piezas de cultural textura y sabor en un brillante mosaico. Con un nuevo lanzamiento inminente en 2012, este será un año muy bueno!

Fuente para la reseña Brent Black para http://www.criticaljazz.com/2011/12/hristo-vitchev-song-for-messambria-fos.html

Track Listing – Song for Messambria

01. Waltz For Iago (8:40)
02. Sad Cloud (6:36)
03. Looking For One (7:50)
04. Dali In Bali (6:50)
05. Parisian Skies (5:05)
06. At Daybreak (4:45)
07. The Road To Naklabeht (6:01)
08. Song For Messambria (5:35)
09. Faith Avenue (6:55)
10. It Follow (4:14)

Artist List

Hristo Vitchev: guitar
Joe DeRose: drums
Weber Iago: piano
Dan Robbins: bass

tapa Familiar Fields
Familiar Fields (2013)

Las nueve composiciones originales de Familiar Fields fueron concebidas por el compositor/guitarrista Hristo Vitchev entre las realizaciones de Song for Messambria (First Orbit Sounds, 2009) y los siete movimientos de Perperikon Suite (Self Produced, 2011). Vitchev sabiamente decidió que estas piezas merecen una casa propia, y esa elección está aquí más que justificada. Compartir el liderazgo instrumental con su frecuente colaborador, el pianista Weber Iago, Familiar Fields demuestra una vez más la claridad lírica de Vitchev y su capacidad para transmitir emociones.

“Ballad for the Fallen” establece el escenario para una gran parte de lo que sigue en Familiar Fields. Es una pieza multidimensional que rápidamente cambia en tono y ritmo a medida que avanza. Abriendo en una vena funky, esto gira desde el liderazgo de Vitchev a un fino solo del bajista Dan Robbins, regresando luego a un trepidante solo de guitarra. Luego de cuatro minutos de la pieza, Iago tiene el primero de sus muchos y significantes solos.”Wounded by a Poison Arrow”, a pesar del título amenazante, es uno de las piezas más ligeras en la colección, con Vitchev y Iago maniobrando uno alrededor del otro tocando a velocidades que requieren considerable agilidad.

En las dos primeras pistas, el nuevo baterista del cuarteto, Mike Shannon, es enérgico y articulado; se mueve y recoloca las piezas con sutileza y la destreza, haciendo la transición en “The Prophet’s Daughter” rebajando el ritmo a un paso más moderado antes de que Iago tome un solo a ritmo rápido y luego da forma a Robbins, ralentizando el ritmo de nuevo con su propio solo. “They Are No More” es la primer balada en la colección y proporciona la introducción a las dos partes de la pista del título; “Part I” tiene un dramático estilo inicial, proporcionado por los pesados acordes de Iago. “Part II” comienza en un susurro comparativo como Iago cuidadosamente introduce una variación sobre el tema antes de encender una trepidante improvisación.

“The Fifth Season” tiene tanto un trasfondo latino como clásico que Yago hábilmente yuxtapone antes de que él se libere a sí mismo para una de las más creativas improvisaciones del álbum. Esto no es mucho antes de que Vitchev empareje los recursos de Iago con un solo rápido como un rayo. “Willing to Live” cierra el set, comenzando como una lenta balada con Iago como líder. Cada miembro del cuarteto se une individualmente, trabajando a la manera de Shannon, que utiliza los cepillos y platillos en esta meditativa conclusión.

Dentro del tono y técnica de Vitchev no es difícil escuchar las influencias de Wes Montgomery, Pat Metheny y Lee Ritenour. Es experto en la gama completa de técnicas ampliadas, pero más a menudo se lo describe -justificadamente- como un impresionista. Un tono melódico y expresivo domina la mayor parte de su juego y el nominado al Grammy Iago, empareja sus capacidades instrumentales. La música en Familiar Fields debería tener una afinidad generalizada entre los admiradores de la innovación lírica.

Fuente para la reseña Karl Ackermann para https://www.allaboutjazz.com/familiar-fields-hristo-vitchev-first-orbit-sounds-review-by-karl-ackermann.php

Track Listing – Familiar Fields

1. Ballad for the Fallen (7:33)
2. Wounded By a Poisoned Arrow (6:10)
3. The Prophet’s Daughter (8:36)
4. They Are No More (8:59)
5. Familiar Fields, Pt. 1 (8:26)
6. Familiar Fields, Pt. 2 (6:21)
7. The Mask of Agamemnon (7:51)
8. The Fifth Season (8:32)
9. Willing to Live (8:43)

Artist List

Hristo Vitchev: guitar
Weber Iago: piano
Dan Robbins: bass
Mike Shannon: drums

tapa In Search of Wonders
In Search of Wonders (2016)

Hay músicos, muchos músicos, tal vez demasiados, que por muy diversos motivos (en los que no vamos a entrar aquí y ahora), no logran el reconocimiento profesional y artístico que su talento se merece. Un ejemplo de ello podría muy ser el guitarrista Hristo Vitchev.

Vitchev, oriundo de Bulgaria pero residente desde hace muchos años en el Area de la Bahía de San Francisco, lleva editados, con este ‘In search of wonders’ siete discos a su nombre y dos más en colaboración con otros músicos. Y sin embargo, siendo sinceros, y salvo algún friki de la guitarra en el jazz, ¿cuántos conocíamos a este excelente músico? Pues nadie.

Para que vean como está el negocio: en http://www.distritojazz.com conocimos a Hristo Vitchev a través de un correo electrónico que él envió, para preguntarnos si estaríamos interesados en escuchar su música y comentarla. Obviamente le dijimos que sí y en ello estamos. Y estamos encantados de hacerlo porque es un gran jazz lo que hacen este hombre y sus acompañantes

In search of wonders’ es un disco doble donde Hristo Vitchev se hace acompañar por su cuarteto habitual, ya estuvieron juntos en el anterior disco, y en las quince canciones que componen este trabajo hay lugar para mucha y muy distinta música, pero todo ella marcada por un elemento de virtuosidad y lirismo muy notable.

En las composiciones de Vitchev se aprecian influencias que van desde Pat Metheny a John Scofield pasando por Wes Montgomery, pero no es menos cierto que este guitarrista tiene una voz propia, muy poética e introspectiva, la práctica totalidad del segundo cd, pero que también es capaz de presentar temas, como el formidable ‘It may backfire’, donde da rienda suelta a su lado más moderno y actual, haciendo en este tema un acercamiento muy interesante a esto que Iñigo Ortega a dado en llamar, con acierto, ‘post jazz’.

Hristo Vitchev se ha convertido con la edición de este disco en una de esas pequeñas pepitas de oro que se van descubriendo en el jazz y este trabajo bien merecerá la pena que esté al fin de año entre los más destacados de este 2016.

Un último y necesario apunte para dar cuenta de los variados e interesantes intereses artísticos de este guitarrista; el cuadro de la portada, un delicado, minucioso y minimalista cuadro que remite tanto a la cultura china como a Cy Twombly son obra del propio Hristo Vitchev.

Reseña de http://www.distritojazz.com/discos-jazz/hristo-vitchev-quartet-in-search-of-wonders

Track Listing – In Search of Wonders

Disc 1:

1. The Transitory Nature (8:44)
2. It May Backfire (13:35)
3. Post Nubes (7:09)
4. Fuchsia Brown Eyes (7:04)
5. In Search of Wonders (5:30)
6. Almost Home (Intro) (1:38)
7. Almost Home (6:50)

Disc 2

1. Falling in Orange (8:03)
2. Old Theme (7:25)
3. It Is Here, Somewhere (9:30)
4. Stay (Prelude) (2:22)
5. Stay (6:15)
6. Without Words, As the Full Moon Shines (9:07)
7. The Invisible Stairway (6:35)
8. We Search for Wonders (1:03)

Artist List

Hristo Vitchev: guitar
Dan Robbins: bass
Jasnam Dava Singh (Weber Iago): piano
Mike Shannon: drums

Apunte: Palabras de Hristo Vitchev, artista impresionista (Sobre las influencias) “…(Metheny) Él es definitivamente uno de mis héroes. Primero fui expuesto a la música de Metheny alrededor de 1999, y el primer registro que oí fue Imaginary Day. Aún recuerdo cómo estaba fascinado por los colores tonales y texturas de ese álbum. En ese momento, sin embargo, todavía estaba en la música rock y aún tenía que descubrir el jazz. En cierto modo, el misterio y la curiosidad que la música de Pat plantó en mí era una de las fuerzas detrás de la decisión de estudiar y entender esta gran forma americana de arte. Por supuesto, nadie puede escapar a las influencias conscientes y subconscientes de sus ídolos, pero si tuviera que compararme con su estilo, yo diría que soy más un impresionista, mezclando planos tonales y armónicos a un grado más finitos y jugando con los matices más pequeños. Los pianistas están entre mis mayores influencias: Tord Gustavsen, Esbjörn Svensson, Brad Mehldau, por no hablar de Ravel, Debussy, y todo los grandes compositores impresionistas.”
(Sobre Song for Messambria) “Durante años, he viajado a muchos sitios diferentes y he pasado una considerable cantidad de tiempo viviendo en tres continentes diferentes.Viajar para mí es la mejor manera de aprender, asimilar y comprender toda la singularidad de las diferentes culturas, tradiciones y la diversidad humana. Puedo afirmar que estoy muy inspirado por lugares geográficos, y por el propio acto de viajar. Song for Messambria fue inspirado por la encantadora ciudad de Messambria (ahora Nesebar), situada en la costa del Mar Negro de Bulgaria y también una de las ciudades más antiguas de Europa.”
(Sobre Familiar Fields) “El concepto de Familiar Fields realmente empezó hace unos años cuando viajaba de regreso a casa en Bulgaria por primera vez en 14 años. A medida que pasaron los años, me pregunté cuánto de mis recuerdos era real y cuánto se era imaginado. Cuando finalmente volví, todo era tan diferente, pero del modo más fascinante que mis memorias estaban más vivas que nunca. Esta era la cosa más extraña. Aquí estaba en un lugar del que yo no sabía casi nada, pero todo parecía como si hubiera sido una parte de mí todos estos años. Era como que yo estaba caminando a través de los campos más familiares pero también descubriendo nuevas fronteras entre ellos. Este fue el comienzo del proceso de la escritura para la grabación. La música se desarrolló de manera muy similar. Tuve que esperar unos años antes de que supiera que la música estaba lista para poner en la cinta.”
(Sobre In Search Of Wonders) “Ha sido un apasionante viaje desde que comencé la grabación y publicación de mi propio trabajo. Toda la música presentada en esta publicación describe quién soy tanto como artista y como persona. Todos nosotros somos, en primer lugar, los mejores amigos; el compañerismo, la confianza, el respeto y el amor que todos compartimos es muy especial. Que es en realidad todo lo que se necesita como artista para poder abrir y presentar incluso los sectores más frágiles de tu alma y corazón. Sólo tengo en mente cuando escribo esta música. Mi proceso de composición así como los arreglos son siempre motivados por imágenes vivas. Cuando me siento en el piano para escribir, a menudo cierro mis ojos invocando una imagen. Sólo cuando aquella imagen está en el foco de atención, las notas, acordes, y ritmos toman la forma de la tinta. La vida está llena de cosas increíbles, pero hay que tener el deseo y la energía para levantar la cabeza, mirar alrededor y notarlas. Estamos muy agradecidos de habernos encontrado unos a otros y hacer las cosas que amamos como grupo. Estas son nuestras maravillas, y este es nuestro tributo musical a todo lo que nos rodea.”

Password en todos los casos: presoventanilla



Christian Scott aTunde Adjuah

tapa Stretch Music
Stretch Music (2015)

Escuchar la banda del joven trompetista negro Christian Scott aTunde Adjuah puede producir de todo, menos indiferencia. Desde el comienzo, su música te conmueve, hace emerger sensaciones viscerales, estremece por momentos, por momentos da lugar a ritmos y melodías festivas y dionisíacas, y por momentos convoca tensiones propias de la lucha, de la épica. Al mismo tiempo nos lleva a paisajes sonoros y emocionales que pueden también resultar familiares al amante de ciertas bandas de rock como Joy Division o Radiohead. Hay algo en ese paisaje musical que de alguna manera interpela al oyente.

El ensayista y activista por los derechos civiles (entre un largo etcétera) Leroi Jones señala, refiriéndose al jazz y su crítica, que “la música de los negros es esencialmente la expresión de una actitud, o una colección de actitudes, acerca del mundo, y solo secundariamente sobre el modo de hacer música.[…] Las notas de un solo de jazz, cuando aparecen, existen como tales por razones que son musicales pero solo de manera concomitante. Los alaridos de Coltrane no son ‘musicales’, pero son música, y una música muy conmovedora. Los gritos de Ornette Coleman son musicales solo una vez que se comprende la música que su actitud emocional intenta crear. Esta actitud es real, y quizás sea el aspecto más singular e importante de su música.”

En el caso del joven trompetista de Nueva Orleans y de su joven banda, ese mundo lleva la marca de la opresión, persecución y violencia policial de los negros afroamericanos en Estados Unidos, tal como pusieron nuevamente arriba de la mesa los nuevos casos de brutalidad policial racista la semana pasada, y que ha dado lugar a movimientos de lucha como #BlackLivesMatter.

Christian Scott aTunde Adjuah, a sus 33 años, ya es un músico, compositor y productor de jazz consagrado. Dirige una joven banda de tremendos músicos (Elena Pinderhughes, flauta; Braxton Cook, saxo alto; el exquisito Lawrence Fields, piano; Dominic Minix, guitarra; Kris Funn, contrabajo; y el alucinante Corey Fonville en batería) con la que gira por el mundo y con la que ya lleva grabados 8 discos. Forma parte de una generación de nuevos músicos de jazz norteamericanos tan disímiles como talentosos, entre los que podemos incluir a Robert Glasper, Kamasi Washington, Esperanza Spalding, Thundercat y su hermano Ronald Jr, entre otros, que comparten un afán por ir más allá las fronteras tradicionales del género, y acercarse a géneros populares en la juventud. Lo que significa, el lector ya habrá adivinado, que transitan por el universo del hip hop. En esto no hay originalidad, ya que es un camino que en su momento recorrió el último Miles Davis, que lejos de respetar las fronteras preestablecidas, encontró en el hip hop una estética y una energía bullendo desde una juventud oprimida. Por cierto, en este otro universo, hay un planeta con un campo gravitacional musical común enraizado en esa opresión racial alrededor del cual orbitan estas nuevas estrellas, se trata de Kendrik Lamar.

Pero en el caso de aTunde Adjuah sus influencias van más allá, y constituyen claramente su música, a la que él mismo llama, marcando esta amplitud, “stretch jazz”: “Estamos tratando de estirar –no reemplazar– las convenciones rítmicas, melódicas y armónicas del jazz para abarcar todas las formas, lenguajes y culturas posibles”, dice en uno de sus discos. Así, además de las notable amplitud de referencias dentro del jazz, desde las más obvias (Miles, Coltrane, Monk, etc.) hasta las del latin jazz, lo vemos tocando con raperos y portando su remera de Joy Division como un estandarte mientras algo de la oscuridad de la banda británica se cuela en sus composiciones. También lo podemos encontrar de repente compartiendo escenario con Tom Yorke y Flea y su banda Atoms For Peace, tocando “The eraser”. De hecho, el cantante de Radiohead es una de sus referencias musicales, comparten una amistad y su propia versión del tema es estremecedora.

Pero aquellas son solo algunas fuentes de inspiración del torbellino interior que levanta el “stretch jazz” de aTunde Adhjuah cuando lo escuchamos. La fuente, retomando a Leroi Jones, hay que buscarla en esa relación con el mundo social del artista. Y en este caso, ese contexto se hace explícito, y nos encontramos una búsqueda conciente del jazz como forma de expresión de denuncia, crítica y lucha: “Una de las cosas que me molesta de una gran cantidad de músicos es que sé que a diario ven una gran cantidad de cosas jodidas pasando, y tienen sentimientos sobre esas cosas. Pero en lugar de escribir sobre eso, ves canciones en sus álbumes llamadas ‘silla roja’… me importa un carajo una silla roja… Cuando la gente mire atrás dentro de 30 años y trate de averiguar lo que teníamos que decir, o cómo nos sentíamos acerca de cualquier cosa, no lo sabremos, porque la música se está plagando de ‘sillas rojas’.” (1)

En la mayoría de los temas, los títulos de los temas hablan por sí solos: “Danziger”, por ejemplo, hace referencia a los disparos policiales desde el puente Danziger seis días después de que el huracán Katrina azotara New Orleans, que se llevaron la vida de dos afroamericanos e hirieron a otros cuatro, ninguno de los cuales estaba armado ni había cometido ningún delito. Esta búsqueda estética abarca a toda la banda: una vez, grabando “Dred Scott”—inspirada por la historia del esclavo que demandó por su libertad ante la corte suprema y perdió, sufriendo una muerte cruel por tuberculosis— algo faltaba. “Habíamos grabado tres o cuatro veces —recuerda Kris Funn, el bajista—. Él paró toda la sesión y se puso serio como la mierda… prácticamente nos dio una biografía de 10 minutos de Dred Scott, y nos dijo ‘ahora pónganse en sus zapatos, y pongan el instrumento en sus manos. Y como sea que se sientan, pongan eso en su interpretación.’”

Las raíces esclavistas de la opresión del pueblo afroamericano son obviamente parte del universo de Christian Scott aTunde Adjuah, y el lo plantea de entrada: siguiendo una tradición bastante extendida en los 60s y 70s (recordar a Muhammad Alí, o el mismo Leroi Jones, que adoptó el de Amiri Baraka), agregó dos apellidos africanos al original legal. “Acepto el hecho de que ‘Scott’ sea parte de mi linaje y de mi historia —dice—, y no soy el tipo de persona ve en el nombre algo inherentemente malo, negativo o malicioso solo porque este viene de alguien que compró a tu familia. Pero en el otro extremo también reconozco que mi historia va más allá de los Estados Unidos.”

Proveniente de una familia humilde de artistas (padre artista visual, hermano director de cine, y un tío, Donald Harrison Jr., reconocido saxofonista alto, que lo inició en el instrumento), cuenta a quien quiera oir (se pueden leer varias entrevistas en la web) cómo sintió de chico la opresión de ser afroamericano. Cuando tenía diez años, por ejemplo, su amigo Byron murió en sus brazos luego de una balacera: “me afectó enormemente, porque era mi amigo. Pero eran todos mis amigos. Me acuerdo de ser chico y que te digan ‘cuando tengas 18, todos tus amigos van a estar muertos o en la cárcel’. Y vos pensás que es una broma cuando sos chico. Cuando tenés 14 y ves que pasa de verdad, te afecta.”

“Ku Klux Klan Police Department” (“Departamento de Policía Ku Klux Klan”, como se nombra popularmente a la policía por su racismo) abre el tremendo Yesterday You Said Tomorrow (Ayer dijiste mañana), su octavo disco, y el trompetista aprovecha en cada presentación en que puede para explicar el origen de la canción (y trata de hacerlo con todas, al punto de editar un disco con introducciones a algunos de sus temas). A continuación transcribimos su relato y dejamos al lector frente a frente con la música de Christian Scott aTunde Adjuah.

“Esta es una canción que compuse sobre un tema realmente serio. Cuando compuse el tema, este se encontró en realidad con un montón de desprecio de mucha gente en esta cultura en particular. Nosotros tocamos stretch music, que es como llamamos a nuestra música, pero básicamente es una forma de jazz, y el tema fue compuesto a partir de una experiencia que tuve en mi barrio de Nueva Orleans con un grupo de oficiales de policía. Me arrastraron una noche, me apuntaron con sus armas sin ninguna razón, diciéndome que me desvista y que me tire al suelo, y –supongo– que los deje hacer lo que sea que quisieran hacerme. No había hecho nada malo, estaba volviendo a casa de una actuación con una gran banda llamada Soulive, este auto de policía sigue al mío por 9 cuadras, me tiran el vehículo encima, y lo próximo que se es que mi auto está todo rodeado, los jefes de policía salen del auto y me ponen un revolver en la cabeza, me dicen que salga del auto, me saque la ropa y me tire al suelo. No había hecho nada malo así que les pregunto por qué me están deteniendo, y me dicen que me calle, que ellos eran mis jefes, la autoridad, y que iba a hacer lo que ellos dijeran. A lo que les digo que yo pago mis impuestos y que no los considero mis jefes, y que me tienen que decir por qué me detienen. […] Lo próximo que me dice es que si no obedecía mi madre me iba a tener que buscar en la morgue. Al rato aparecieron oficiales de más alto rango, así que tenía varias patrullas apuntándome a las 3 am. Finalmente me permitieron irme.

Volví a casa de mi madre en Nueva Orleans, con una mezcla de sensaciones: enojado, pero también herido. Pensando en porqué lo habían hecho, vinieron a mi mente un montón de insultos racistas que me tiraron esos oficiales […] Volví a casa… Y después de pasar una noche terrible decidí que lo más inteligente que podía hacer era componer un tema que representara con precisión el rango de emociones que sentí en ese momento, de modo de iluminar a mucha gente que estas todas todavía pasan.[…] Yo nací en Nueva Orleans, y las cosas que ví y sentí mientras crecí contrastan con la brutalidad policial con la que veo hoy. La primera vez que escribí el tema, la gente me miraba como si estuviera siendo sensacionalista, como si lo que estaba diciendo no fuera cierto. […] Y es loco porque desde otras culturas te hacen ver como si todos acá fuéramos parte de un elemento criminal, y esta fuera nuestra vida normal, y nos mereciéramos lo que nos pasa. Completamente falso. […] Vamos a tocar este tema convencidos de que esta nueva generación tiene la oportunidad de crear su propia realidad… si no empezamos ahora, mis hijos o tus hijos van a heredar esa situación. Entonces, este último tema es un tema sobre el abrumador racismo contra los latinos, negros en especial afroamericanos que en este país específicamente distingue a la policía, y se llama ’Ku Klux Klan Police Department’.”

Excelente Nota de Juan Duarte para http://www.laizquierdadiario.com/El-jazz-como-denuncia-del-racismo-policial

Apunte: Desde su debut discográfico allá por el año 2002, la crítica especializada ha insistido (no sin razón) en querer atribuirle la herencia musical de Miles Davis a Christian Scott aTunde Adjuah. Con algunos altibajos en la calidad de sus registros, pareciera que con Stretch Music al menos una parte de esa herencia pudiera empezar a justificarse. En primer lugar en la toma y expresión de conciencia de pertenencia a su comunidad y en segundo lugar en el estiramiento de los límites de su música, partiendo casi del punto donde llegó Davis antes de su muerte. Como quiera que sean las cosas, Stretch Music es un grandísimo álbum de combativas declaraciones musicales. Espero lo disfruten.

Track Listing

01. Sunrise in Beijing (Feat. Elena Pinderhughes) (5:04)
02. TWIN (4:15)
03. Perspectives (4:22)
04. West of the West (8:07)
05. Liberation over Gangsterism (Feat. Elena Pinderhughes) (4:09)
06. The Corner (Feat. Braxton Cook) (1:34)
07. Of a New Cool (7:34)
08. Runnin 7’s (2:07)
09. Tantric (4:24)
10. The Last Chieftain (Feat. Matthew Stevens) (7:11)
11. The Horizon (2:10)

Artist List

Christian Scott aTunde Adjuah: Trumpet, Sirenette and Reverse Flugelhorn
Elena Pinderhughes: Flute
Braxton Cook: Alto, Straight Alto
Corey King: Trombone
Cliff Hines: Guitar
Lawrence Fields: Piano, Fender Rhodes
Kris Funn: Bass
Corey Fonville: Drums, SPD-SX pad (tracks 1, 2, 3, 4, 5, 7, 8, 9, 10)
Joe Dyson Jr.: Pan African Drums, SPD-SX (tracks 1, 2, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11)
Special Guests:
Matthew Stevens: Guitar (tracks 4, 5, 7, 10)
Warren Wolf: Vibes (tracks 3, 7)

Link de descarga
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FORQ
julio 30, 2016, 7:47 pm
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tapa FORQ
FORQ (2014)

Conformado por el fundador de Lost Tribe, Adam Rogers en guitarra (Michael Brecker, Chris Potter, Norah Jones, Joe Jackson, Cassandra Wilson, Paul Simon). el fundador de Rudder, Henry Hey en teclados (Jeff “Tain” Watts, Joe Locke, Chris Botti, Bill Bruford, Seamus Blake, David Bowie, Empire of the Sun), el fundador de Snarky Puppy y ganador de premio Grammy, Michael League en bajo (Kirk Franklin, Wayne Krantz/Ari Hoenig Quartet, Lalah Hathaway), y Jason “JT” Thomas en batería (Roy Hargrove’s RH Factor, Marcus Miller, D’Angelo), Forq es un conjunto estelar, pero con el espíritu y la coherencia de una banda de garaje.

Aunque establecido en la ciudad de Nueva York, el grupo mantiene un sutil acento de Texas, donde Michael League y Jason Thomas establecieron una rápida amistad y una relación musical a través de casi dos años de conciertos semanales con el legendario tecladista Bernard Wright en trío. Al trasladarse a la costa este, League se asoció con Henry Hey y Adam Rogers (quienes son vecinos del East Village, por coincidencia) para formar un grupo profundamente arraigado en aquel groove sureño distintivo, pero con el fuego y la inventiva por el cual Nueva York es conocida. Hey y Rogers contribuyen con todos los temas menos una de las pistas en el álbum debut de Forq, una mezcla de material feroz, juguetón y emotivo. Este es el cocktail Texas-encuentra-Manhattan que ha creado un sonido rico tanto en inteligencia musical como de bolsillo innegable.

Fuente para la reseña: http://www.ticketline.co.uk/forq#bio

Track Listing – FORQ

1. Grout (6:11)
2. Fire Song (5:12)
3. Starchy (5:52)
4. Mångata (7:53)
5. Viridiana (10:37)
6. Earflower (5:23)
7. Stella (8:10)
8. The Hard Way (6:21)

Artist List

Michael League: bass
Jason “JT” Thomas: drums
Henry Hey: keyboards
Adam Rogers: guitar

tapa Batch
Batch (2015)

La unión entre el bajista/compositor/productor Michael League y el conjunto de jazz-fusión Snarky Puppy ha sido fructuosa y próspera, con nueve álbumes hermosos y dos más en camino. Aunque él pueda parecer el bandleader modelo, ha sido conocido alrededor de Forq. La segunda producción discográfica de Forq es un signo seguro de buenos dientes, con el cuarteto capaz de League, Chris McQueen (guitarra), Henry Hey (teclados), y Jason Thomas (batería), empujando las expectativas de escucha mientras giran a través de una diversa mezcla de influencias.”Gerrard” comienza como algo entre “Take Five” de Dave Brubeck y “Third Stone From the Sun”de Jimi Hendrix antes de que los Doors entren sin permiso con un solo psicodélico de órgano. “Burr” suena a John Scofield que está de juerga con la Tribal Tech, como una borracha flauta Mellotron se tambalea a lo largo a un sucio blues shuffle. “Lenburu” sacude juntos los elementos de Weather Report, Brand X, y Headhunters-era-Herbie Hancock con condimento latino para una pista que realmente cocina. Si tiene un paladar para las travesuras musicales, hay un lugar para usted con Forq.

Fuente para la reseña: Matt Swanseger para http://www.eriereader.com/article/forq–batch

Track Listing – Batch

1. Lymaks (6:14)
2. Crush (5:36)
3. Burr (5:02)
4. Ultra-Violet (5:21)
5. 635-South (2:28)
6. Lenburu (5:14)
7. Gerrard (7:58)

Artist List

Henry Hey: keyboards & khan
Chris McQueen: electric, baritone, & Hammertone guitars
Michael League: electric bass, Moog keybass, & celeste
Jason “JT” Thomas: drums, percussion, & celeste

Apunte: Impulsado por Michael League, bajista del grupo de jazz/fusión Snarky Puppy (tal vez el más mimado del momento en este género), FORQ es ante todo una reunión de amigos. League de manera simple, cruda y divertida declaraba sobre los propósitos de esta banda: “Teníamos la idea de empezar una banda que fuera grande en groove y exploración sónica, sin quedar atrapados en los enganches del moderno mundo del jazz. Nosotros queremos tocar mierda con personalidad, carácter y no cosas frikis y sesudas. También, queremos que la gente sacuda sus culos. Pienso que la banda tiene un muy duro sonido estilo NYC, que es industrial, pero también innovador, y también tiene algún serio sabor de Texas, considerando que dos de los muchachos son de allí (JT y Chris) y que todos vivimos allí durante diferentes períodos diferentes de tiempo”. Ya saben amigos, para subir el volumen y mover las cabezas.

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Martin Speake
julio 16, 2016, 7:38 pm
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tapa Secret
Secret (2002)

Secret es una cuarteto cooperativo formada por el alto saxofonista Martin Speake y la pianista Nikki Iles, junto al bajista canadiense Duncan Hopkins y el baterista Anthony Michelli. Su debut homónimo como unidad, grabado en el otoño de 2000 en Londres, es una oportunidad de 79 minutos de escuchar un nuevo combo. Todas menos dos de las composiciones son escritas por Iles (5), Speake (5), y Hopkins (2).

La razón más inmediata para la celebración es el trabajo de Martin Speake. Él tiene más de una semejanza a Jackie McLean y lleva la antorcha del post bop en el nuevo milenio sin una mirada hacia atrás. Su estilo es el de un bopper con la fluidez de un Charles McPherson de mediados de los ’60, actualizado para la escena de hoy. Speake fue el responsable de la formación del grupo y parecen congeniar muy bien juntos. De hecho, los otros registros y giras como una unidad de trabajo son por medio del Nikki Iles Trio.

El álbum comienza en un modo baladistico o mid-tempo, casi tranquila, en las cuatro primeras pistas. En “J.T.’s Symmetrical Scale” Speake recoge esto y la interacción con Iles conduce a un áspero solo. Michelli usa cepillos en todas partes sobre la melodía. Speake también toca agresivamente en “Fly’s Dilemma”, seguido de un creciente solo de piano de Iles. B.B. King puede haber advertido que “The Thrill is Gone”, pero en la actualización de Secret del standard de Brown & Henderson, es una entrega de atractiva balada que deviene en una muestra funky.

En total, la mayor parte de las melodías originales son finos vehículos para el funcionamiento del ensamble y de los solistas, y el álbum concluye con “Luiza” de Jobim. Desde este álbum, los diferentes miembros del grupo han registrado en varios álbumes del sello Basho. Speake tiene pendiente una realización para el sello ECM con Bobo Stenson y Paul Motian y espera ser incorporado al sello. Su álbum en dúo “My Ideal” con Ethan Iverson, pianista de The Bad Plus, fue liberado por Basho en la primavera de 2004.

Michael P. Gladstone para https://www.allaboutjazz.com/secret-martin-speake-basho-records-review-by-michael-p-gladstone.php

Track Listing – Secret

01. Secret Place (5:14)
02. Veils (3:42)
03. The Heron (6:47)
04. Oncology (6:20)
05. J.T.’s Symmetrical Scale (5:09)
06. The Thrill is Gone (8:15)
07. Westerly (5:31)
08. Coventry (5:09)
09. So to Speake (1:53)
10. Fly’s Dilemma (5:27)
11. Nikki (5:14)
12. Secret Wood (8:05)
13. Willow (for Mick Hutton) (6:53)
14. Luiza (4:43)

Artist List

Martin Speake: alto sax
Nikki Iles: piano
Duncan Hopkins: bass
Anthony Michelli: drums

tapa Bloor Street
Bloor Street (2010)

Esto es la ocasional pero íntima asociación -primero explorada en el disco “Secret”, del 2002- entre el alto saxofonista Martin Speake, la pianista Nikki Iles, el bajista Duncan Hopkins y el baterista Antonio Michelli. La calidad de las composiciones, lo incisivo de los solistas y el espíritu colectivo del emprendimiento hace de esto un mejor álbum que su predecesor. El flujo contramelódico sin costuras de Hopkins bajo Speake y Iles, es evocador del difunto compañero de Bill Evans, Scott La Faro, en la apertura “Time to Evolve”, y (como en la mayor parte del material de este álbum) este tema tiene una complejidad que sin embargo suena no forzada. “Unit Six” es un laberíntico bop a lo Lennie Tristano que Speake desarrolla con paciente precisión paciente sobre el paseo de Hopkins, y en el tartamudo cierre de “Ants” de manera fascinante se entrelazan cortas figuras de saxo y piano sobre tatuajes de los tambores que giran funky. El suave toque de Iles y el tono redondeado de Hopkins se combinan de manera sublime en la cadenciosa “Moon Beam”. El único inconveniente es que este grupo de cuatro personas tiene raras reuniones.

Fuente para la reseña John Fordham para https://www.theguardian.com/music/2010/mar/11/martin-speake-secret-bloor-street

Track Listing – Bloor Street

1. Time to Evolve (5:32)
2. Bloor Street (7:58)
3. Moon Beam (4:09)
4. Unit Six (6:03)
5. Make Some Memories (8:33)
6. Salem House (9:16)
7. Mojive (7:35)
8. Changing Tides (5:55)
9. Ants (6:04)

Artist List

Martin Speake: alto sax
Nikki Iles: piano
Duncan Hopkins: double bass
Anthony Michelli: drums

Apunte: Nacido en Barnet, Inglaterra en 1958, Martin Speake, creció en el seno de una familia rodeada de música, lo que hizo se sintiera inspirado a tocar el saxofón a la edad de 16 años. Entre 1977 y 1981, estudió saxofón clásico en el Trinity College of Music, donde fue galardonado con el prestigioso premio Dame Ruth Railton. En 1988, comienza a desarrollar sus propios proyectos los cuales son muchos y diversos, consolidándose como compositor e improvisador. Speake se siente confortable tocando tanto personales interpretaciones de la música de Charlie Parker con su cuarteto, como improvisando libremente junto al baterista Mark Sanders, como tocando baladas standards en dueto con Ethan Iverson o música hindú con Dharambir Singh y Sarvar Sabri. Tiene grabados 18 discos a su nombre de diversos proyectos que incluyen la internacionalemente aclamada realización de ECM “Change Of Heart” junto a Paul Motian, Bobo Stenson y Mick Hutton. De toda esa discografía, hemos elegido este par de discos que tienen la particularidad de tener la misma formación, una distancia importante en años en el lanzamiento comercial y lo más importante, un muy satisfactorio resultado final. Secret y Bloor Street son discos enrolados en una corriente de jazz contemporáneo más tradicional, por así decirlo, pero que redondean sólidamente los objetivos de lograr buenas composiciones, con buenos arreglos e interacción grupal y buenos solos que sin dudas invitan (y convencen) a repetidas audiencias. Ojalá lo disfruten.

Password en ambos casos: presoventanilla



André Frenandes

tapa Wonder Wheel
Wonder Wheel (2014)

André Fernández, guitarrista con la Jazz Orquestra de Matosinhos, una de las big bands más dinámicas de Portugal, es un músico dotado y obviamente esperaba grandes cosas de este disco. Él comisionó a María Bouza Pinto, un artista que es el epitome de “la Lisboa cool” para diseñar la cubierta. Y reclutó a Ines Sousa del conjunto rock con mucho futuro, Julie And The Carjackers para manejar las voces.

Hasta ahora, todo bien, pero en este punto Fernandes ha olvidado algo importante. La verdad es que debería haber llegado con unas cuantas canciones dignas para que Sousa cantara.

En su lugar, esperando obviamente que sería “directo en la noche”, la idea era que ella iba a vocalizar scat sin palabras como su cuarteto improvisaba a su manera alrededor de unos poco arreglos “principales”.

Esto funciona durante unos minutos. En “300 Pessoas (300 People)”, Sousa se adapta bien, hay un buen solo por el bajista argentino Demian Cabaud, algún interesante trabajo de teclado por Mario Laginha, y un bien construido, suave quiebre rockero por el líder.

La segunda pista, “A Menina Que Tinha Asas (The Little Girl Who Had Wings)”, destaca más del excelente piano, pero ahora la vocalización sin palabras comienza a aburrir. Por el tercer número, “Campo Del Cielo (Sky Field)”, escrito por Cabaud, se hace directamente irritante.

En “Down The Road” el alivio debería estar a la mano. Sousa canta palabras reales, escritas por Akiko Pavolka, una música japonesa establecida en Nueva York. Lamentablemente Fernández sólo podría venir a levantar un particularmente andar con paso lento, poco inspirada partitura para poner detrás de ellas.

Pero entonces -¡aleluya!- un milagro. Sousa canta una imponente, agudamente sentida, interpretación en clave baja de la canción de James Shelton de 1950 “Lilac Wine”. Esta versión ranquea por encima de la versión de 1978 de la británica Elkie Brooks y sólo muy ligeramente por debajo del renacimiento realizado magníficamente por Miley Cyrus, incluida en su Backyard Sessions.

Lamentablemente, aunque esto es un triunfo, “Lilac Wine” llega demasiado tarde. Hay otro tediosa vocalización sin palabras en “Salto Para Lado Nenhum (Jump To Nowhere)” antes de la canción del título, una segunda composición insignificante de Fernandes/Pavolka. Se acabó todo. Sólo las hipnóticas tensiones de la canción de Shelton persisten -un recordatorio triste de lo que podría haber sido.

Fuente para la reseña: Chris Mosey para https://www.allaboutjazz.com/wonder-wheel-andre-fernandes-tone-of-a-pitch-music-review-by-chris-mosey.php

Track Listing – Wonder Wheel

1. Salto Para Lado Nenhum (6:20)
2. Wonder Wheel (4:49)
3. 300 Pessoas (3:58)
4. Down The Road (4:54)
5. Campo Del Cielo (5:51)
6. A Menina Que Tinha Asas (6:24)
7. Canção nº3 (5:35)
8. Lilac Wine (5:14)

Artist List

André Fernandes: guitars
Inês Sousa: vocals
Mário Laginha: piano, Rhodes
Demian Cabaud: double Bass
Alexandre Frazão: drums

All Music by André Fernandes except “Campo del cielo” by Demian Cabaud, “Lilac Wine” by James Alan Shelton.
Lyrics to “Down the road” and “Wonder Wheel” by Akiko Pavolka.

tapa Dream Keeper
Dream Keeper (2016)

Esta es la primera vez que el guitarrista André Fernandes lanza un disco en una editora no portuguesa y esto es una indicación de que su creciente importancia ha trascendido las fronteras. Por ello no es extraño el trabajo llevado por la editorial que condujo, y en el que publicó su trabajo, el tristemente desaparecido Tone of a Pitch, o TOAP, como terminó por ser conocida. Fue la británica Edition que difundió este registro, persiguiendo su objetivo de divulgar las creaciones de los valores que van surgiendo en Europa.

También el grupo que lo acompaña es internacional, con el español Perico Sambeat (ex colaborador de Bernardo Sassetti que aparecen aquí también, como flautista) y Iago Fernández (baterista de Cangas, Cascais en la vecina ciudad de Vigo), el finlandés Alexi Tuomarila y el argentino, pero radicado en Porto, Demian Cabaud. Ahora los otros instrumentos que se oyen en algunas pistas, tan fundamental para los resultados obtenidos son plata-de-la-casa, es decir, Pablo Gaspar, Desidério Lázaro, Gonçalo Marques y Marcelo Araújo. Escuchar si, de hecho, como el clarinete bajo (Gaspar) / flauta hacen crecer la música, lo que conduce a resultados inusitados.

Si hay una característica que más define la música de André Fernandes es su capacidad -y el muy evidente gusto- en la captura de las formas convencionales del jazz (o “jazzes”, porque son varias las corrientes sintetizadas en el vocabulario que utiliza, fusión de jazz-rock incluido) y hacerlas suyas. Esto sucede tanto en el estilo guitarrístico que estableció, colorido y lánguigo, como también en sus composiciones: podemos reconocer las formas y los ambientes, más eso es, precisamente, lo que ilumina las diferentes maneras como los entiende. Fernandes es la prueba de que para hacer buen jazz, no es suficiente con tener dominio técnico del idioma: es necesario dar personalidad a las combinaciones sonoras.

En este nuevo disco, la diversidad tímbrica proporcionada por la baraja de soplos le permite ir más lejos en términos de escritura. No raramente desembocamos en situaciones que nos retrotraen al llamado “jazz de cámara”, y lo interesante es que esto sucede sin perder en nada la dimensión post-bop de los temas.

Antes agregar refinamiento a la general intensidad expositiva, dos factores que no son habituales encontrarlos juntos. En otras palabras, el que es uno de los más polarizantes músicos de jazz nacionales vuelve a sorprender con un disco que es una auténtica pedrada en el estanque, aquí y en cualquier parte del mundo.

Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paea para http://www.jazz.pt/ponto-escuta/2016/02/09/andre-fernandes-dream-keeper-edition-records/

Track Listing – Dream Keeper

1. Chifre (5:34)
2. Rabbit Hole (5:48)
3. Snakes and Lizards (6:03)
4. Anti Hero (6:32)
5. Jack (5:39)
6. Abarat (10:02)
7. Dream Keeper (5:34)

Artist List

André Fernandes: guitar
Perico Sambeat: alto and soprano saxophone, flute
Alexi Tuomarila: piano
Demian Cabaud: bass
Iago Fernandez: drums

Marcelo Araújo: percussion on 2 and 6
Paulo Gaspar: bass clarinet on 1, 2, 3, 4 and 6
Desidério Lázaro: tenor saxophone on 2 and 6
Gonçalo Marques: trumpet and flugelhorn on 2 and 6

Apunte: André Fernandes casi sin pausa viene acrecentando el valor de una discografía rica en intenciones de ir cambiando el rumbo a seguir en cada proyecto, aún cuando algunos de estos giros hayan sido sutiles. A veces los resultados fueron brillantes (“Timbuktu” (2006), “Cubo” (2007)) y otras, sin ser brillantes, no dejaron de ser álbumes con varias piezas de excelente factura (“Imaginario” (2009), “Motor” (2012)). En lo que respecta a estas, sus dos últimas producciones de estudio, no creo que Wonder Wheel sea mediocre como sostiene Chris Mosey en su reseña; o en todo caso, si alguien o muchos coinciden con Mosey, quiero señalar que rescato el disco porque no me irrita y no me deja malas sensaciones al finalizar. No es poco, creo. Y Dream Keeper me da la sensación de que está a la altura de “Cubo”: a medida que se repiten las audiciones las melodías van quedando registradas gustosamente en la memoria.

Password en ambos casos: presoventanilla



Francisco Pais

tapa Not Afraid Of Color
Not Afraid Of Color (2006)

Interesante debut discográfico de este quinteto compuesto por jóvenes músicos residentes en Nueva York, con un líder nítidamente más volcado en la búsqueda de un sonido grupal que en su lucimiento como instrumentista.

El sobrio pero efectivo papel que Francisco Pais –de origen portugués– se reserva dentro de su banda contrasta con el protagonismo que suelen tener los guitarristas en los grupos que lideran. De hecho en este álbum escuchamos solear antes a Chris Cheek, a Ferenc Nemeth y a Leo Genovese que al propio Pais.

El líder se revela como un buen compositor a través de nueve temas directos entre los que podríamos destacar “Water From The Moon”, “Gratitude”, “Tides”, “Lift Your Head From The Sand And Face Reality” y “Charme”. Tanto en los pasajes más rítmicos como en los más reflexivos, el quinteto aparece muy cohesionado. Además, Pais se muestra como un buen improvisador y como un hijo de su tiempo, habiendo asimilado algunas lecciones de las generaciones anteriores (Scofield, Frisell, Metheny…), dejando algunas pinceladas cercanas a un pop sofisticado, buscando un lenguaje propio. Las intervenciones del Cheek, lo muestran en forma, moviéndose con una libertad que le permite dar lo mejor de sí, firmando un puñado de buenos solos, aportando calidez y tejiendo sugerentes diálogos con las cuerdas de Pais. El trabajo del resto del grupo acaba por darle al sonido del quinteto un acabado muy pulido con Nemeth y Genovese aportando ideas frescas aquí y allá.

Pese a algunos baches de monotonía en el ecuador del disco, Not Afraid Of Color resulta bastante disfrutable.

Reseña de Sergio Zeni para http://www.tomajazz.com

Track Listing – Not Afraid Of Color

01. Water From the Moon (8:40)
02. Gratitude (6:39)
03. Tides (11:39)
04. Always Dreaming (5:07)
05. Melody for Damien (4:49)
06. Transfiguration (8:18)
07. Lift your Head From the Sand and Face Reality (5:44)
08. Desert Of Colors (6:10)
09. Charmed (3:56)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor saxophone, soprano saxophone
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes electric piano
Massimo Biolcati: bass
Ferenc Nemeth: drums

tapa School Of Enlightenment
School Of Enlightenment (2008)

El guitarrista Francisco Pais es un jazzero de mente lírica procedente de Portugal, que ahora vive en Boston, poseedor de un refrescante enfoque y sonido. Él sigue a su excepcional debut en 2006 con una realización que además codifica y centra su concepto, prefiriendo el color a la línea, destilado al volumen y moderación al abandono, sin embargo, vibra con una suntuosa pasión propia. Como el goteo de buen gusto de nuevas grabaciones procedentes de pequeños nuevos grupos de la escena de Lisboa, el sonido no es abiertamente latino pero figuradamente empapado en sus climas.

Dos de los socios musicales de larga data de Pais están a bordo, complementando su formidable cociente de cortes con únicas capacidades pan-étnicas: el baterista húngaro Ferenc Nemeth y el pianista argentino y estilista del Rhodes, Leo Genovese. El veterano saxofonista Chris Cheek otra vez compromete sus amplios talentos con la visión de Pais, elevando esta sesión desde un proyecto a un verdadero status de banda.

Gretchen Parlato añade el calor que derrite corazones a la incandescencia de esta sesión, acoplando su voz a la poesía de Ann Bruno en dos canciones. “Early Shift”, primero rasgueado con un sabor de rock moderno, luego ajustándose a balada que tiene poco que ver con el jazz, pero todo tiene que ver con el mood y el tono, en el cual los sonidos y letras arrastran todo. “The Thing with Feathers” la encuentra no solo en el tono perfecto, sino tan emocionalmente que después de repetidas escuchas, la canción puede ponerse fatigosa pero nunca la cantante. Ambas destacan a Cheek siguiendo el arco emocional de Parlato con su propio instrumento de sentida vocalización. El rumor sobre Parlato es que ella es la cantante de la que todo el mundo espera grandes cosas, pero como estas dos gemas revelan, ella ya lo está entregando.

La pista del título es un enardecido destilado de una tendencia que incorpora ritmos contemporáneos en el jazz de pequeños grupos, viniendo por cortesía de la misteriosa destreza de Nemeth para estilos de drum ‘n’ bass. Purgando todo mientras se contiene a si mismo en el borde mismo de lo que exactamente ha sido llamado, él conduce el contorno angular de la melodía, expresada en la voces al unísono del saxo soprano y la guitarra distorsionada.

La sección de solos emociona en la manera como Pais, Cheek y Genovese danzan y se envuelven uno alrededor del otro, superponiendo intuitivamente líneas mezcladas con el vocabulario del jazz dentro de una rítmica de electrónica sin instrumentación eléctrica.

Las sagaces líneas solistas de Genovese en “Baron”, sobre el descabellado patrón mod-bossa de Nemeth, merecen una mención especial, especialmente por aquellos que están buscando algunas nuevas adiciones al vocabulario del Rhodes.

Pais regala un último tema titulado irónicamente, “You Just Won Another Day with Yourself”, una exquisita composición que califica para el Real Book, circa 2010 -una balada que se balancea con un susurro ondulante, como ramas en una cambiante brisa tropical, empapada en una melancolía autoreflexiva. Estira el largo gancho de su melodía dentro de su solo, un destilado magnífico (aquella palabra otra vez) de cientos de sesiones de Blue Note, marcando con ello una perfecta y tristemente colocada, lágrima de jazz/blues.

La digestión de estas sesiones revelan no sólo la amplitud de influencias que Pais ha asimilado en su bagaje, sino la profundidad de atención que acumula en su descendencia composicional y, a su turno, su audiencia, la cual debería aumentar con esta sensualmente satisfactoria realización.

Phil DiPietro para http://www.allaboutjazz.com/school-of-enlightenment-francisco-pais-product-of-imagination-records-review-by-phil-dipietro.php

Track Listing – School Of Enlightenment

01. Early Shift (7:06)
02. School Of Enlightenment (6:15)
03. Budejovica (3:18)
04. Baron (4:29)
05. The Thing With Feathers (4:19)
06. Tatui (5:35)
07. Think Again (6:25)
08. Everything Is Something New Somewhere (10:22)
09. You Just Won Another Day With Yourself (5:47)

Artist List

Francisco Pais: guitar
Chris Cheek: tenor and soprano saxophones
Ferenc Nemeth: drums
Leo Genovese: piano, Fender Rhodes
Peter Slavov: bass
Demian Cabaud: bass (1,7)
Gretchen Parlato: vocals (1, 5)

tapa Raise Your Vibration
Raise Your Vibration (2012)

El practicante de yoga y muchas otras prácticas meditativas es referido como un yogui. Francisco Pais, un nativo de Portugal no sólo es un devoto yogui sino que ha viajado por el mundo tocando con los mejores músicos de jazz desde la meca del mundo que es la Gran Manzana también conocida como la Ciudad de Nueva York.

Habiendo dejado caer su última realización Raise Your Vibration, Pais trae el verdadero significado a la palabra orgánica con un enfoque sincero y apasionado de sus composiciones, un enfoque como zen de menos es más cuando el arte es canalizado desde un lugar más profundo que el corazón. Ir al alma y colgar una izquierda…Pais tiene la extraña habilidad de tomar la música original que es el subproducto cultural de sus experiencias de vida mezclando elementos de rock y músicas del mundo, con ganchos pop e increíble sensibilidad jazz, con el resultado final de un sub género en busca de un nombre. La música realmente significativa está sola sin la necesidad de una etiqueta y esto es donde Pais sobresale.

Highlights? Mientras Pais es un guitarrista estelar y una bestia composicional, él ahora asume el papel de cantante, entonces la pregunta lógica sería, “Cómo suena?” Francisco Pais…Cada artista trae algo a la mesa (esperamos algo nuevo ) y marcos musicales de referencia pueden ser intrínsecamente injustos, pero imagine un híbrido vocal de Peter Gabriel y Michael Stipe transformado con el fraseo de Michael Franks. Fácil, verdad? En el espìritu de Gabriel, Stipe y Franks esta particular realización es un algo conceptualizada realización de cortas historias que examinan la pérdida de un padre, el nacimiento de un niño, y las historias de amor perdido. Las composiciones son, en su mayor parte, alejadas de lo más melancólico, más son esperanzadoras y están escritas en directo contraste con las melodías de jazz más estereotipadas, que tocan la melodía, solo y luego tocan el encabezado. La vida está muy lejos de ser previsible y así son estos ofrecimientos de Pais.

Elegancia cruda texturada podría ser el desarrollo temático predominante a lo largo de Raise Your Vibration. Los originales de Raise Your Vibration corre desde lo más sombrío que adorna un poema de Emily Dickinson, “Never Wearing Out”, a la furia sónica más infundida de blues de “Humble Over The Fact”.

Quizás la melodía más inventiva tanto armónica como texturalmente sería “Chakra Song” que es una exploración musical de una carta y diagrama mostrando el nombre, el color, el sonido y la ubicación de los vórtices de energía que Pais ha estado estudiando como un yogui durante años. Mientras que las influencias de Francisco Pais son más que evidentes, su música es diametralmente opuesta y está tan lejos de lo derivativo como uno puede conseguir. En el saxo alto y clarinete bajo tenemos al increíblemente poco apreciado Myron Walden, Leo Genovese maneja el piano y el Rhodes con igual habilidad, Bill Vint toca la flauta en “Never Wearing Out” y Julie Vangyzen da aquel borde ecléctico al mismo número en el fagot y el clarinete. Daniele Camarda y Justin Brown redondean la sección de ritmo en el bajo y batería respectivamente.

Uno no tiene que practicar yoga o cualquier otra práctica de meditación para comprender o tener un especial reconocimiento por esta encantadora realización. Es raro que un álbum contenga tal honestidad y pasión que tanto una conexión visceral como cerebral puede ser hecho por todo lo que debería tomar el tiempo para simplemente escuchar. Mientras mi práctica del Taoísmo está en una etapa temprana, el llamativo si no omnipresente mood de Raise Your Vibration, es uno de calidez y de apertura para trabajar fuera de las normas más tradicionales de progresiones armónicas para crear una obra de profundidad duradera y de gran integridad artística. La vida sería más fácil para la mayoría de nosotros si practicáramos vivir de la misma manera.

Increíblemente inventivo y muy entretenido. Una impresionante grabación.

Fuente para la reseña: Brent Black para http://www.criticaljazz.com/2012/10/francusco-pais-raise-your-vibration.html

Track Listing – Raise Your Vibration

01. Broken Open (6:18)
02. Chakra Song (5:45)
03. Lightness of Being (4:17)
04. Never Wearing Out (5:00)
05. Humble Over the Fact (3:19)
06. Space for Your Soul (4:47)
07. Magnifying (3:42)
08. The Dream (2:38)
09. The Other Side (5:26)

Artist List

Francisco Pais: guitar, voice
Myron Walden: bass clarinet and alto sax
Justin Brown: drums
Leo Genovese: piano and Fender Rhodes
Daniele Camarda: bass
Bill Vint: flute
Julie Vangyzen: basoon, bass clarinet

Apunte: Nacido en Sintra, un pequeño pueblo cerca de Lisboa, Portugal, Francisco Pais ha tocado su propia música en todo el mundo con algunos de los mejores músicos de la escena neoyorkina, lo cual queda bien explicitado en las envidiables alineaciones de estos tres discos. Su música es una atractiva mezcla de jazz, world music, pop sofisticado y talentosos intérpretes que son instados por Pais a ocupar los primeros planos. Y en el caso de Raise Your Vibration, sorprende con su voz, que en mi humilde opinión tiene un parecido bastante llamativo a la voz de Sting. Disiento con las comparaciones con Gabriel / Stipe / Franks que hace Brent Black en la reseña. Pais ha recibido palabras elogiosas de famosos colegas; Esperanza Spalding, ganadora de un premio Grammy, dijo de Pais: “Francisco Pais es un increíblemente talentoso compositor y arreglador; él es dedicado, lo apoyo y creo en él”. Lionel Loueke, miembro de la banda de Herbie Hancock, también decía: “La manera de tocar de Francisco es lanzada, con una desafiante y elegante mezcla de bellas armonías y líneas melódicas. Lo que lo hace un gran ejecutante”. Seane Corn, activista y celebridad del yoga, también se refirió a Pais con cálidas palabras: “Francisco tiene el corazón de un yogui y el alma de un artista. Su trabajo es elegante y rico, y siempre he sido inspirado por lo que crea, sabiendo que lo que está compartiendo conmigo y el mundo se ha manifestado de la pureza y la verdad de su corazón. Él es un verdadero artista y un músico divino”

Password en todos los casos: presoventanilla



The Printmakers

tapa Westerly
Westerly (2015)

The Printmakers no apuran las cosas. Cinco años atrás fueron nominados como mejor banda para los premios Parliamentary Jazz. No hubo ninguna grabación, solo el zumbido acumulado alrededor de las relativamente infrecuentes apariciones de una colaboración entre algunos de los mejores actores de la escena británica. Ahora, dieciocho meses después de haber grabado este set en vivo en un escondite de Lake District, su álbum debut Westerly es liberado y es una delicia.

La pianista y compositora Nikki Iles y el tesoro del jazz nacional y artista de grabación de ECM, Norma Winstone son el corazón de esta banda que mezcla las prodigiosas energías creativas del guitarrista Mike Walker, el saxofonista Mark Lockheart, el accionar del bajo de Steve Watts y el baterista James Maddren. Juntos, una mezcla de temas originales de Iles, composiciones de amigos y colaboradores como Steve Swallow, Ralph Towner o John Taylor y un par de canciones de Joni Mitchell y Paul Simon están imbuidas de una serena energía.

Cada pieza se permite cobrar impulso y engrosarse en intensidad, con un desarrollo bellamente ponderado, e improvisaciones que burbujean de la mezcla. La apertura, “A Breath Away” de Ralph Towner, se construye como una lenta exhalación de suspiros mudos, acordes de piano delicadamente colocados, desplazamientos rítmicos y conexiones hasta que que la lírica de Winstone fluye sobre un groove de samba urgente y el solo del tenor de Lockheart explota como si ya no pudiera ser más contenido. “Under the Canopy” y “Tideway” de Nikki Iles, tienen ambos un suave tinte brasileño; la oscura obsesión de “Two Grey Rooms” de Joni Mitchell y la ironía humorística de “City of Dallas” de Steve Swallow, tienen ambos un tinte country para el pulso constante.”Westerly”, de Iles (para convertirse pronto en un estándar del jazz británico?) tiene más de un matiz con la ocasional tranquila elevación del acordeón y Steve Watts desapareciendo en el banjo. Los grooves danzantes y un ritmo más enérgico barre ” ‘O’ ” de John Taylor y otro original de Iles, “High Lands”.

Sea en los riesgosos saltos de intervalos y puntiagudo tema de ” ‘O’ ” o en los lánguidos pasos de “Westerly”, hay una perfecta mezcla y equilibrio de esta banda que viene seguramente de la familiaridad del uno con el otro, pero también de los individuos que parecen estar en la cima de sus poderes, haciendo solo lo necesario para hacer que la música brille. Iles despliega solos típicamente líricos y constantemente inventivos, pero también se recuesta y se adhiere al groove; Walker rockea en “High Lands”, pero igualmente enhebra líneas sutiles en la mezcla en otros sitios; Watts y Maddren no están nunca por delante de la mezcla, pero son efervescentemente propulsivos en todas partes; la mezcla del saxo de Lockheart y la voz de Winstone es misteriosa, a veces sonando como un solo nuevo sonido.

Esto es música silenciosamente enérgica y alegre. The Printmakers nos ha dado una impresión que durará.

Fuente para la reseña: Mike Collins para http://www.londonjazznews.com/2015/05/cd-review-printmakers-westerly.html

Apunte: La pianista Nikki Iles y la gran dama del jazz británico Norma Winstone lideran esta banda de All Stars británicos. Estas canciones son cantadas y tocadas magníficamente, con una clase de elegancia de quienes saben lo que hay que hacer, sin excederse jamás de lo que los temas piden. Westerly es un álbum enrolado dentro del jazz mainstream, que no sorprenderá al mundo de la música pero que tiene una contundencia a la hora de convencer al oyente basada en el repertorio adoptado y la calidad y compromiso grupal de estos experimentados músicos.

Track Listing

01. A Breath Away (7:39)
02. Under The Canopy (6:34)
03. I Do It For Your Love (6:07)
04. ‘O’ (7:53)
05. Westerly (6:53)
06. Tideway (8:51)
07. The Glide (6:53)
08. Two Grey Rooms (6:08)
09. High Lands (5:57)
10. City Of Dallas (5:22)

Artist List

Steve Watts: bass, banjo
James Maddren: drums, percussion
Mike Walker: guitar
Nikki Iles: piano, accordion
Mark Lockheart: tenor saxophone, soprano saxophone, bass clarinet
Norma Winstone: voice

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