Preso ventanilla


Urciuolo Smith Duo
mayo 22, 2019, 9:27 pm
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tapa La danza di Uaio il pesce
La danza di Uaio il pesce (2005)

Desde hace algún tiempo para el sello Itinera, este CD a dúo del pianista napolitano de treinta y cinco años, Luca Urciuolo y el baterista de Caserta Mauro Smith, de cuarenta y cinco años, es una de las sorpresas más interesantes de la música. Italiana en los últimos años.

El álbum, toda música original firmada por Urciuolo, es en verdad valiente e intenso, narrativo pero no linealmente melódico, centrado en la expresividad torrencial del pianista, para quien la batería actúa como un alter ego dialógico, mucho más que un soporte rítmico.

El papel del ritmo en las tramas dibujadas por el dúo es muy importante, pero al mismo tiempo difícil de descifrar. Urciuolo tiene una formación clásica, pero luego pasó a la música rock, para luego ir al jazz; Smith combina experiencias en el rock con instalaciones que combinan música, pintura y arquitectura; su colaboración tiene casi quince años (aunque este trabajo se grabó en 2001) y hace que esta versatilidad tome forma en un diálogo en el que el movimiento rítmico de las piezas cambia constantemente, se actualiza y se vuelve a proponer después de suspensiones abstractas o cambios de la atmósfera.

Casi todas las pistas son un ejemplo de este espíritu de vagabundo que explora solo territorios parcialmente conocidos. “Unicodoppio”, que abre el CD, continúa, por ejemplo, durante tres minutos como viaje en ritmos mínimos pero continuos, variando los pasajes al teclado, para luego demorar unas pocas docenas de segundos en una lenta cascada de notas y comenzar de nuevo a dúo, esta vez, sin embargo, con un tema de fondo melódico, desarrollado sin una repetición en todas sus posibles implicaciones, hasta la solución de la tensión acumulada, en el octavo minuto; seguido de un último minuto de reflexión enrarecida.

“Studio n. 1” procede a un ritmo muy intenso que mezcla de moods árabes, atmósferas minimalistas y variaciones de jazz. “Chinaski” se encamina con sugestiones clásicas y luego se abre y se dilata y procede largamente con reiteraciones del tema y sus exploraciones suspendidas, de gran impacto, para luego encabritarse sobre tonos altos y ritmos en crescendo, con cataratas de notas, para concluir de nuevo sobre un relax soñado. Esplendido. “Lontano” es quizás la pieza más convincente, junto con el “Mantra” en vivo, pero también se desvanece varias veces en largos y reflexivos silencios, que se reavivan en los ritmos dictados por los tambores y se describen en un triunfo de notas cristalinas, que termina en un poderoso crescendo.

Un álbum realmente fascinante, una de las muchas perlas ocultas de nuestra vital y desconocida producción de jazz. Muy recomendable.

Fuente para la reseña: AAJ ITALY STAFF para https://www.allaboutjazz.com/la-danza-di-uaio-il-pesce-balance-point-acoustics-review-by-aaji-staff.php

Apunte: El compositor, pianista y acordeonista Luca Urciuolo y el baterista, arquitecto y artista visual Mauro Smith grabaron en el año 2001 y publicaron en el año 2005 La danza di Uaio il pesce, un hermoso disco que tiene como referencia histórica-cultural la música europea y mediterránea, y como desarrollo la improvisación, que debe ser entendida como una constante variación rítmico-melódica. “La colaboración con Mauro Smith, que ya había formado parte del grupo “Neroitalia”, nació inmediatamente después de la experiencia provechosa del cuarteto. Tenga en cuenta que Smith es un baterista y, como tal, habría tenido que manejar el ritmo de apoyo del dúo y, en cambio, Mauro toca como otro músico, por lo que la melodía que sale de él es lo más particular que podemos esperar. Esta colaboración fue bastante interesante, ya que dio origen a un proyecto original que recibió mucho apoyo. Aunque Mauro y yo hemos sido definidos como un dúo experimental, quiero aclarar que la música que tocamos es muy comunicativa, abierta, con una melodía básica muy directa y comprensible. Cada pieza está hecha por el 30% de composición y el 70% de improvisación, y esta última es totalmente temática, es decir, aprovecha la vocación básica de la pieza y nos permite desarrollar nuevas armonías durante la presentación. Se trata de improvisación desnuda y cruda”, esto le decía Luca Urciuolo a Lidia Borghi en un reportaje publicado en “Fresco di stampa” en Febrero de 2008. Que lo disfruten.

Track Listing

1. Unicodoppio (9:06)
2. Studio n. 1 (3:16)
3. Chinaski (9:01)
4. Il treno (9:24)
5. Lontano (10:58)
6. Si torcono (6:16)
7. Mantra (10:25)
8. Bassoventre (9:23)

Musicisti

Luca Urciuolo: pianoforte
Mauro Smith: batteria

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Ben Wendel
mayo 17, 2019, 9:14 pm
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tapa The Seasons
The Seasons (2018)

The Seasons no es un nuevo proyecto conceptual del saxofonista y bajista Ben Wendel, miembro fundador de la ecléctica banda Kneebody, cuyo tono expresivo golpea tanto como los hechizos. Aún así, esta es la primera vez que lo presenta en el registro. Para ese propósito, reunió un notable quinteto conducido armónicamente por el pianista Aaron Parks y el guitarrista Gilad Hekselman, y todos propulsados por el vínculo rítmico del bajista Matt Brewer y el baterista Eric Harland. En 2015, el saxofonista lanzó 12 videos musicales en YouTube, correspondientes a 12 duetos de cámara originales que intentaban describir cada mes. La idea, introducida por el compositor clásico ruso Tchaikovsky en 1876, adquiere ahora proporciones contemporáneas con el flujo fluido de canciones de Wendel.

En “January”, a pesar de las connotaciones invernales que implica el mes, hay una ausencia total de frialdad en su fluidez ternaria debido a la ardiente forma en que Hekselman y Wendel conducen sus improvisaciones. En cambio, ese sopor invernal se deja para “August”, una balada gris que se vuelve más oscura y agitada a medida que avanza.

Wendel es abrasivamente lírico en sus solos, alcanzando alturas climáticas en piezas como “February”, una confluencia de vibrante post-bop y robusto rock con un toque de estilo rítmico brasileño; y “June”, una historia bellamente en capas, influenciada por las músicas post-bop y clásica, donde el suplicante tenor del líder de la banda, alcanza una extensa gama de timbres. El pianismo urbano de Parks no solo se nota en esta última melodía, sino también en “July”, un número amistoso y entusiasta de pop-meet-folk melódico impulsado por el fagot; “September”, un exuberante título de funk rock con el que sobresale en el arte de componer e improvisar; y en el conmovedor “November”, donde una indestructible energía pop / rock sirve extemporizaciones por Brewer y Hekselman.

El guitarrista, que comparte una innegable química musical con el saxofonista, infunde texturas populares contrastantes en el methenyano “May”, donde el sugerido crossover de jazz toma la forma de un blues. La guitarra y el fagot son fuerzas complementarias en “December” empapado de efectos, una pieza más contemplativa que atrae tanto el misterio como el encanto. La batería de Harland se siente relajada aquí cuando es necesario, sin embargo, demuestra tener un lado de conversación cuando fue proclamado único acompañante de Wendel en la sección introductoria de “April”.

“March” nos lleva a lugares acogedores con sus ricas armonías y deliberado acento de bossa nova, mientras que “October” tiene un toque primordialmente afro, además de la superficie electro que le confiere un aspecto moderno psicodélico.

The Seasons es un maravilloso trabajo multicolor, una demostración sagaz de las capacidades de Wendel. Es un álbum que, merecidamente, estará entre las opciones naturales para el mejor del año.

Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/10/22/ben-wendel-the-seasons-album-review

Apunte: En 2015, el saxofonista Ben Wendel inspirado en The Seasons de Tchaikovsky, encontró una forma sencilla de superar la innumerable cantidad de opciones de entretenimiento para llegar a sus oyentes, con una serie de videos de YouTube también llamados The Seasons. Lanzados todos los meses de ese año, los clips bellamente construidos capturaron a Wendel interpretando sus composiciones originales con compañeros de dúo, desde el saxofonista Joshua Redman hasta el guitarrista Gilad Hekselman y la vocalista Luciana Souza. Cada pieza fue escrita con un compañero en particular en mente. El video con el baterista Jeff Ballard, por ejemplo, resalta un trabajo que se está deteniendo y es irregular, mientras que el dúo con Souza fluye junto con un rebote floral. En 2016, Wendel interpretó el conjunto de canciones en The Jazz Gallery y luego regresó al material a principios de 2018 en Village Vanguard. La última serie de actuaciones le permitió armar un quinteto compuesto por los diversos artistas que tocaron con él en la serie de YouTube. Al respecto dijo: “Un aspecto interesante de escribir duetos es que tienes que escribir de una manera en la que cada parte cuente. Tienes que crear todo un universo con solo dos voces. Lo que terminó siendo genial al organizar estos para un conjunto más grande, es que la estructura central de estas composiciones era lo suficientemente fuerte como para que fuera mucho más fácil transferirla a más voces. Creo que sería mucho más difícil si lo hubiera hecho al revés. Yendo en esta dirección, me sentí bastante natural”.

Track Listing

01. January (6:47)
02. February (6:48)
03. March (6:15)
04. April (6:39)
05. May (6:36)
06. June (5:00)
07. July (6:07)
08. August (6:51)
09. September (3:59)
10. October (6:16)
11. November (6:34)
12. December (10:47)

Artist List

Ben Wendel: saxophone, bassoon
Aaron Parks: piano
Gilad Hekselman: guitar
Matt Brewer: bass
Eric Harland: drums

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Kneebody
mayo 17, 2019, 9:04 pm
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tapa Anti-Hero
Anti-Hero (2017)

“El noveno álbum de estudio del quinteto de jazz-rock acústico-eléctrico, Anti-Hero, es un asunto fangoso y sin alegría. Más que nunca, Kneebody se ha vuelto ambiciosamente antémico, yendo por encima de todo lo demás, pero esta vez la naturaleza pomposa de la música eclipsa cualquier indicio de diversión.” Steve Greenle para https://jazztimes.com/reviews/albums/kneebody-anti-hero-motema/

“Tan atractivo al instante como es Anti-Hero, no es una aventura rápida. Advertencia: antes de que se dé cuenta, permanecerá habitualmente en su apartamento, y lo acompañará a todas partes en el automóvil, reorganizando sus listas de reproducción. Sin embargo, no se preocupe, las escuchas repetidas revelan una profundidad digna de una relación a largo plazo (y es posible que simplemente se encuentre despejando un lugar en la mejor de las estanterías de 2017).” Mike Jacobs para https://www.allaboutjazz.com/anti-hero-kneebody-motema-music-review-by-mike-jacobs.php

“…Anti-Hero, en consecuencia, es un álbum con todas las marcas de un conjunto experimentado: controlado y cuidadoso, indulgente y satisfecho, frustrantemente desafiante. Es un disco que sufre por falta de fuerza limitante. El jazz en la era post-posmoderna se ha convertido en una bestia indomable y elaborada, y las bandas como Kneebody a veces parecen sufrir bajo el peso de todas las opciones disponibles para ellos.” Colin Fitzgerald para https://www.popmatters.com/kneebody-anti-hero-2495389946.html

“…No es que Kneebody desafíe los géneros, es simplemente que la banda se niega a ser acorralada por ellos. Como la mejor música improvisada, la paleta de sonidos de Kneebody toma influencias de muchas fuentes: la fusión de los 70, el heavy metal, el hip-hop, el bebop y el soul clásico, solo por mencionar algunos…Los músicos en Kneebody saben dónde ha estado esta música y dónde la quieren llevar. En Anti-Hero, han creado un vehículo que nos permite simplemente disfrutar del viaje.” Frank Alkyer para http://downbeat.com/reviews/detail/anti-hero

“Kneebody está bien establecido en este punto como uno de los líderes en jazz contemporáneo creativo, pero el hambre de sus primeros años aún no ha mostrado signos de desgaste. Esta es una banda aún en su período pico, y Anti-Hero es la prueba de ello.” S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2017/03/01/kneebody-anti-hero-2017/

Apunte: Al momento de buscar una reseña que contara un poco de que se trata Anti-Hero, me sorprendió la disparidad de opiniones que encontré en la web, tanto positivas como negativas. Me pareció interesante mostrar esas posturas. De todas maneras, si el álbum está en MQC/PV, obviamente entenderán que me gusta (mucho). Kneebody es en esencia una banda fusión de jazz-rock, aunque su sonido subraya la inutilidad de calificarla como tal en el sentido clásico del término: el placer más consistente que ofrece Kneebody y Anti-Hero es la forma en como se desenvuelven sus músicos como un solo organismo de una fuerza y lirismo que no están limitados por una sola tradición.

Track Listing

01. For the Fallen (5:21)
02. Uprising (7:01)
03. Drum Battle (10:07)
04. Anti-Hero (5:59)
05. The Balloonist (3:31)
06. Mikie Lee (5:22)
07. Profar (4:43)
08. Carry On (3:03)
09. Yes You (6:23)
10. Austin Peralta (6:06)

Artist List

Ben Wendel: sax
Shane Endsley: trumpet
Kaveh Rastegar: bass
Adam Benjamin: keyboards
Nate Wood: drums

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Jamie Saft Quartet
mayo 17, 2019, 8:58 pm
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tapa Blue Dream
Blue Dream (2018)

Su tercer lanzamiento bastante convencional consecutivo, Blue Dream, es el segundo lanzamiento de Jamie Saft de este año, en una especie de seguimiento al espléndido recital de piano “Solo a Genova” (Rarenoise, 2018). Ambos títulos aparecen después de una serie diversa de proyectos que incluyen “Plymouth” (Rarenoise, 2014), “Red Hill” (Rarenoise, 2014) y “Serenity Knolls” (Rarenoise, 2017), ninguno de los cuales tiene mucho en común desde el punto de vista sonoro o conceptual desde un nivel elevado de creatividad colectiva.

Similar en concepto a la excursión en trío “Loneliness Road” (Rarenoise, 2017), esta salida del cuarteto no contiene un pronunciado giro a la izquierda como lo representan las voces de Iggy Pop en el registro mencionado anteriormente, sino que encuentra al cuarteto en una mezcla de originales y covers en un estilo aparentemente tradicional. Sin embargo, Blue Dream es algo así como un momento único expandido de una vigorosa inspiración porque los doce cortes, ninguno de los cuales se extienden más allá de la marca de siete minutos, continúan con una continuidad tan perfecta.

Según lo grabado por Saft con Brian Gunn, luego mezclado y masterizado por Christian Castagno, el ambiente y el realismo del sonido ayudan en gran medida a mejorar esa sensación. En la apertura de “Vessels”, por ejemplo, el piano de Saft hace eco a través del remolino del saxo tenor de Bill McHenry, ambos levantados en alto por el bajo acústico de Bradley Christopher Jones y la batería de Nasheet Waits . El portentoso “Equanimity” procede virtualmente sin interrupción en la secuencia de la pista cuidadosamente ejecutada, mientras que incluso una pieza de material externo, “Sweet Lorraine”, sugiere que la mezcla estéreo refleja directamente el espectro de emociones dentro de la(s) performance(s).

La ingenuidad que invariablemente marca los mejores trabajos de Jamie Saft, impregna Blue Dream. Sin embargo, los otros tres músicos son tan ágiles (por no mencionar humildes) como el líder, de modo que cuando McHenry se lamenta durante “Words and Deeds”, ese intervalo es una progresión sumamente lógica de las interacciones intensas y nudosas que lo preceden y, por extensión, un excelente ejemplo del arte de grabación habitual del líder de la banda. Como si se tratara de una catarsis emocional, la limpia pureza del piano acústico durante “Mysterious Arrangements”, se presenta como una pausa momentánea con el propósito de la autorreflexión que precede a los crescendos que comprenden “Sword’s Water”. Como resultado, la alegría juguetona de “Violets for My Furs” es un delicioso contraste.

Y la apasible conclusión, “There’s A Lull in My Life”, suena simultáneamente transicional y enfática, tanto más cuanto las notas que toca Jamie Saft en los marfiles son tan claras y resonantes. Como corresponde a la experiencia general de escuchar este álbum, las palabras del título de la canción llevan más que un indicio de un significado mucho más profundo.

Fuente para la reseña: Doug Collette para https://www.allaboutjazz.com/blue-dream-jamie-saft-rarenoiserecords-review-by-doug-collette.php

Apunte: Jamie Saft ha explorado el jazz, el noise, el avant garde, la electrónica, el funk y otras músicas que son difíciles de etiquetar. Sin embargo, en Blue Dream, dentro de un contexto muy tradicional, con una icónica formación en cuarteto, estos creativos músicos se las arreglan de maravillas para hacer una clara declaración de como tomar una tradición y convertirla en algo nuevo, algo diferente: las viejas herramientas funcionan bien si la imaginación está en juego.

Track Listing

01. Vessels (5:38)
02. Equanimity (6:00)
03. Sword’s Water (3:49)
04. Violets For Your Furs (5:56)
05. Blue Dream (3:37)
06. Infinite Compassion (4:31)
07. Sweet Lorraine (2:50)
08. Walls (3:54)
09. Decamping (3:07)
10. Words And Deeds (4:41)
11. Mysterious Arrangements (4:24)
12. There’s A Lull In My Life (6:47)

Artist List

Jamie Saft: piano
Bill McHenry: tenor saxophone
Bradley Christopher Jones: acoustic bass
Nasheet Waits: drums

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Mythic Sunship

tapa Another Shape of Psychedelic Music
Another Shape of Psychedelic Music (2018)

Es reconfortante analizar cómo ha ido evolucionando aquello llamado stoner, desde los 90 hasta el presente. Algunos se han quedado en los tres primeros discos de Black Sabbath de forma vitalicia. Pero otros han visto en el kraut y otras corrientes avant rock 70s, la panacea para poder expresarse con libertad absoluta, sin corsés estilísticos, y con total perspectiva libertaria del asunto. Se cierra el círculo, y todos salimos ganando. Mythic Sunship así lo ven, e igual se tiran por el lado difícil del german rock más expansivo, que por el free jazz más beatnick. Y entre medio, puedes agregar condimentos space, hard, blues o experimental, con un resultado de plato cinco tenedores.

Rasmus Cleve Christensen (bajo), Frederik Denning (batería) y los guitarras Emil Thorenfeldt y Kasper Stougaard Andersen forman la Mítica Nave Solar. Con el importante añadido de Soren Skov al saxo invitado en cada tema de éste álbum. Cuarto, si no me equivoco, y que comenzó su andadura con “Ouroboros” (2016), “Land Between Rivers” (2017) y “Upheaval” (enero del 2018). Editando el que hoy traemos en diciembre de ése mismo año. Un doble vinilo producido por Jonas Munk (Causa Sui) y que no dejará indiferente a nadie, en su particular parcela estilística. Largas jams instrumentales con un 50% de composición y otro 50% improvisado. Así es como yo lo percibo.

En la inicial “Resolution” (14:23), traen reflexivos pensamientos del más lanzado Coltrane, y eso nos deriva a territorios Soft Machine. Se introduce una sección rítmica implacable y atmosféricas guitarras de bagaje teclistico. Como si Terje Rypdal (dos, en realidad ), entraran en fase alucinógena con Jan Garbarek……de hecho, muchas veces lo hicieron. El viaje asciende in crescendo, hasta que lo eléctrico toma dominio absoluto y se nos han ido a la isla de Tago Mago. Cuando de nuevo vuelve el saxo, caen en una franquicia de King Crimson con hipnótica enloquecida. Absorto me he quedado, ya nada más comenzar.

“Backyard Ritual” (17:45), consta de un entretejido de excéntricas guitarras a la Ash Ra Tempel, con saxo flotante y ritmo superlativo, que atrae a un wah wah vicioso en trance y todo entra en un paroxismo “tarantelico” (de “tarantella”, no de “Tarantino”). Gottsching & Hendrix como bufete de abogados sobrados en pro del desmadre psico y la pasada infinita. Se encadena a “Last Exit” (8:55), y es como una sesión sin vacunar en el Birdland de los 60 de un universo paralelo. Donde el desmadre sónico llega a cotas prohibidas en nuestro plano astral. Desmesurado gigantismo sonoro sólo apto para expertos buceadores mentales. “Way Ahead”(7:05) no da respiro, y sigue el desfogue, la rabia y la bilis progresiva. Ahora en turbo-motorik , como unos Soft Machine hasta las cejas de speed. El bajo toca metal y las guitarras salvajes confunden y entrecruzan estilos. Stooges y Charlie Parker.

Blues con sobredosis en el cruce de caminos es “Out There”(13:53), de orientación alemana en la senda de Passport, Out of Focus, Cornucopia, Thirsty Moon, Kollektiv o Emergency. “Elevation” (5:33) finaliza el apalizamiento neuronal con diabólica descarga espacial en sesión extendida doble. Vuelven los ovni de Ash Ra Tempel, más el saxo protestón (bendita protesta), a la Coltrane, que enseña los dientes al dúo guitarrero. Todo apuntalado por una tremenda rítmica que no ofrece tregua ni para ir a mear. Aviso de que ésta es una de esas audiciones que agotan una vez finalizada. Confieso que estrujan neuronas como el peor de los mítines politiqueros. Aunque no aburre mortalmente como éstos. Puede que su escucha sea peligrosa, pero aseguro que volverás a por más como la más adictiva de las drogas.

“Walk -on-the-wild-side-music” a todo trapo y sin contemplaciones. Para mí, esto es “verdadero metal”, al menos su vibración y dangerous feel. Nada de tontadas infantiles. Ya lo deja claro el título del disco, “Otra Forma de Música Psicodélica“. Sin engañar ni defraudar a nadie. Sube el listón de la voluptuosidad sonora a nuevas cotas.
Magnífico y desproporcionado.

Reseña de J.J.Iglesias para https://www.rockliquias.com/2019/04/mythic-sunship-another-shape-of.html

Apunte: Sobre Another Shape of Psychedelic Music, la reseña de J.J. Iglesias para el site Rockliquias, lo dice todo. Comparto con el autor el entusiasmo y el fervor con los cuales nos recomienda la audición de esta obra. Breve: el disco es toda una locura; como su escucha es compleja (una intensa experiencia hasta en lo físico, sin dudas), debe ser degustado con calma, a un volumen importante, sin prisa, para apreciar bien todos sus matices, que son muchos. En fin: banda de sonido de una tribu de refugiados pos hecatombe nuclear y/o ambiental, implorándole vaya a saber uno a que Dios…

Track Listing

1. Resolution (14:23)
2. Backyard Ritual (17:45)
3. Last Exit (8:55)
4. Way Ahead (7:05)
5. Out There (13:53)
6. Elevation (13:14)

Artist List

Rasmus Christensen: bass
Frederik Denning: drums
Emil Thorenfeldt: guitar
Kasper Stougaard Andersen: guitar
with:
Jonas Munk: guitar

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Liebman-Ineke-Laginha-Cavalli-Pinheiro Quintet
abril 7, 2019, 11:04 pm
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tapa delantera
Is seeing believing? (2016)

La esencia del jazz es atemporal, y esta atemporalidad es el patrón que marca Is seeing believing? (Challenge Records INT, 2016). Este trabajo de estudio, que lleva en la firma de la dirección artística el nombre del experimentado saxofonista Dave Liebman, nos transporta al punto en el que la tradición del jazz era el ahora y se expandía como un lenguaje natural que tenía el swing como única condición.

Cada tema de este proyecto a quinteto tiene la capacidad de envolverte para que te sientas parte de todo lo que sucede en la música, te invita a explorar la dialéctica de los sonidos, sus distintas voces y la profunda comunicación que se establece entre estos prolíficos músicos.

“Meter a la audiencia en nuestro círculo”, ese era el objetivo en palabras de Liebman. Y el logro es más que evidente una vez que la música para y tienes la sensación de que el swing te ha acompañado en cada una de las pistas. El primer tema, un atractivo arreglo del clásico “Old folks”, evidencia lo arraigado que estos músicos tienen el sentido del swing, algo que no es de extrañar teniendo al baterista Eric Ineke guiando el propósito.

Este elemento dominante dota al disco de una personalidad global que se combina con la aproximación a una sutil forma de hacer minimalista. Esta simplicidad prevalece, indistintamente, en los medios tiempos de temas como “Ditto”, en la visita a los ritmos brasileños como en “Rainy Sunday” o en la versión del standard “I remember you”. Y es que, más allá de las voces instrumentales, en este repertorio el silencio juega un papel importante en el desarrollo lírico de la narración, algo que llega a ser una percepción casi física en la balada “Beatriz”.

Una especie de calma tensa está presente en todas las melodías, la cual no llega a resolverse nunca, dejando la sensación de que falta algo, un momento de ruptura emocional, para que el trabajo sea redondo. Aunque, quizá, esto sea parte de la impresionante exhibición de un altísimo nivel de madurez que les da el poder controlar las intensidades y avivar la tradición sin ningún estruendo.

Reseña de Marta Ramón para https://jazztk.com/recomendatk/recomendatk-is-seeing-believing-liebman-ineke-laginha-cavalli-pinheiro-quintet/

Apunte: Este álbum, grabado en Portugal el 18 de Noviembre de 2014 y lanzado por el sello holandés fundado por el contrabajista Van de Geyn, reúne a músicos de diferentes nacionalidades: un estadounidense, dos portugueses, un italiano y un holandés, unidos por la experiencia de muchos años dentro de la International Association of Schools of Jazz Network, donde Liebman es el director artístico. El repertorio elegido abarca desde standards estadounidenses de renombre como “Slylark”, balada de Carmichael y “Old Folks” de Robinson, con Liebman en la flauta, con piezas conmovedoras del repertorio tradicional brasileño como “Coração Vagabundo” de Veloso y “Beatriz” de Lobo / Buarque para abrazar composiciones con un aspecto original y contemporáneo de Cavalli, Liebman y Pinheiro. Esta banda veterana es un “Quinteto de maestros”, un conglomerado con alta competencia pedagógica de jazz. No están luchando por la revolución o la innovación, sino dejando un testimonio de armonía artística con un resultado musical relajado y rico en swing, de sabor contemporáneo, sin presunciones pero con una sabia madurez artística y técnica.

Track Listing

01. Old Folks (7:07)
02. Coração Vagabundo (5:58)
03. Skylark (6:20)
04. Everybody’s Song but My Own (8:19)
05. Rainy Sunday (5:32)
06. I Remember You (6:38)
07. Is Seeing Believing? (8:22)
08. Ditto (4:54)
09. Beatriz (6:09)

Artist List

David Liebman: soprano and tenor saxophones, flute
Mário Laginha: piano
Ricardo Pinheiro: guitar
Massimo Cavalli: double bass
Eric Ineke: drums

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John Moulder
abril 7, 2019, 9:34 pm
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tapa Decade
Decade: Memoirs (2018)

Es difícil decir qué es lo más profundo: si las composiciones de Moulder, su ferocidad como guitarrista o sus dones como líder de la banda. Todos convergen en este álbum, una declaración importante de gran alcance expresivo y estilístico, desde la épica “Memoirs by the Sea” (Partes 1 y 2) y los conjuros de “One Last Call” hasta los susurros de guitarra acústica de “About Us”. Y el frágil lirismo de “Remembrance”. El pianista Gwilym Simcock, el saxofonista Tim Garland, el bajista Steve Rodby, el baterista Paul Wertico y el percusionista Ernie Adams brindan una amplia atmósfera, color y sustancia musical.

Fuente para la reseña: Howard Reich para https://www.chicagotribune.com/entertainment/music/reich/ct-ent-best-jazz-music-2018-1209-story.html

Apunte: Para registrar Decade: Memoirs, John Moulder se ha rodeado (como quizás nunca antes) de una alineación de ensueño: repasen la lista de artistas y se darán cuenta de lo que hablo. Como lo sugiere el título del álbum, predomina un ambiente nostálgico, pero optimista. Moulder suprime un poco su virtuosismo para dar lugar a sus compañeros con los que establece una química musical envidiable desarrollando estas contemplativas composiciones. Delicadeza, belleza y, paradójicamente, contundencia. Muy recomendable

Track Listing

1. Memoirs by the Sea Part 1 (6:42)
2. Memoirs by the Sea Part 2 (1:11)
3. One Last Call (6:27)
4. About Us (Introduction) (1:40)
5. About Us (5:43)
6. Remembrance (6:30)
7. Retreat Into Autumn (10:31)
8. African Sunset (5:18)
9. Gregory’s Hymn (6:08)

Artist List

John Moulder: electric, acoustic and nylon string guitars, all music
Gwilym Simcock: piano
Tim Garland: soprano saxophone, bass clarinet
Steve Rodby: acoustic bass
Paul Wertico: drums
Ernie Adams: percussion

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