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Gaubert / Ceccarelli / Top – Ligne Sud Trio
abril 22, 2016, 9:27 pm
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tapa Lendemains prometteurs
Lendemains Prometteurs (2016)

Difícil no adorar este disco. Ligne Sud Trio (pequeño recordatorio: el grupo está integrado por Christian Gaubert en composición y piano, André Ceccarelli en batería y Jannick Top en bajo eléctrico) vuelven con un excelente álbum, una vez más. Dos invitados de renombre están presentes con Thomas Savy en saxofón y Christophe Leloil en trompeta. Tres canciones para el primero, cuatro para el segundo de las diez que componen el opus. El octavo «Comme Un Espoir» está tocado en trío (el único del álbum porque los invitados no tocan sobre las mismas piezas) y los dos últimos son solos de piano pues «Mare Nostrum» es pura improvisación. Un hermoso jazz, dinámica a medida del deseo, huele bien al sol, al azul del Mediterráneo, a hermosa y gran música. Un disco que recalienta los corazones. Un indispensable que hay que tener en la discoteca, más aún cuando posiblemente sea difícil de escucharlos sobre el escenario.

Fuente para la reseña: Jean-Luc Thibault para http://www.nouvelle-vague.com/ligne-sud-trio-lendemains-prometteurs/

Apunte: Aunque no se escuchen voces, el canto parece ser la semilla de estos elegantes temas. Christian Gaubert orientó sus composiciones hacia formas rítmicas inspiradas en tradiciones étnicas (búlgaras, turcas o armenias), pero el universo armónico permanece contemporáneo: música muy visual y dinámica que deja huella en la cabeza. Estos señores se divierten de lo lindo y nosotros estamos dispuestos a disfrutar con ellos.

Track Listing

01. Inspiration Ethnique (Christian Gaubert) (5:43)
02. Lendemains Prometteurs (Christian Gaubert) (5:14)
03. Humeur Changeante (Christian Gaubert) (6:41)
04. Impression Dominante (Christian Gaubert) (6:14)
05. Valse Indansable (Christian Gaubert) (4:43)
06. Green Dolphin Street (Bronislau Kaper) (5:46)
07. Mouvement Obsédant (Christian Gaubert) (6:54)
08. Comme un Espoir (Christian Gaubert) (5:59)
09. Ilien (Christian Gaubert) (7:51)
10. Mare Nostrum (Christian Gaubert) (5:50)

Artist List

Christian Gaubert: piano
André Ceccarelli: drums
Jannick Top: electric bass
Thomas Savy: saxophones (3,5,7)
Christophe Leloil: trumpet (1,2,4,6)

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Marc Copland
abril 17, 2016, 8:51 pm
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tapa Poetic Motion
Poetic Motion (2002)

Hasta aquí encerrado en el difícil ejercicio de acompañante, y la relectura de standards en trio o quinteto, Marc Copland reinvierte el arte del piano solo, una de las firmas del sello Sketch.
Así en sus composiciones se van revelando gradualmente de otros estados del alma que los de Giovanni Mirabassi (Avanti) o René Urtreger (Onirica). De baladas soñadoras en cadencias rotas, de deslizamientos melódicos en nerviosas oposiciones, nace una nueva alquimia del verbo pianístico.
Por sus armónicas y su cromatismo, esta música destila más a menudo una secreta melancolía, vinculada a este arte poético, ya que son convocados para nosotros, a la mesa del lector convertido en oyente, a menos que sea al revés, Virgilio, Prévert, E.E Cummings, Jules Supervielle, Dylan Thomas.
Sin embargo, como predelas que precisan la exposición narrativa de un cuadro, las citas poéticas están dispuestas al pie de un inédito de Robert Zavatsky “Nevertheless”, entre los que ciertas palabras o frases significativas son repetidas como títulos de las nueve composiciones del álbum “Blackboard”, “Not going gently”, “Bittersweet road”, “Dark territory”.

Irisaciones de esta música que reenvía delicadas impresiones, diversas fosforescencias de la música europea de principios del siglo precedente. Por aquí y por allá, encuentros breves, evocaciones sutiles que nos hacen pasar de Debussy a Satie, de Chopin a Bill Evans o Keith Jarrett.
¿Sensibilidad romántica, compromiso novelesco? Ni siquiera. Muy a menudo el piano solo es un pretexto de una brillante demostración donde la emoción le disputa a la técnica. Marc Copland se dedica a traducir la circulación del sentido poético. Sin dejarse invadir por una nostalgia demasiado embarazosa, sabe sin embargo acordarse, en estos ecos delicados que el jazz vuelve a atravesar, de esta perla fina de “Naima”. Misterioso reto el de atacar una y otra vez a esta balada, de sacar de eso una nueva versión, especialmente conmovedora, en el espíritu mismo del jazz. La interpretación de “Spartacus Love theme” de Alex North se tiene que inscribir también en esta tentativa.
Marc Copland trató de construir un álbum conceptual, una novela poética hecha de esquemas. Nada más apropiado para el sello Sketch, que con Poetic Motion nos lleva a una aventura estética de las más exitosas.

Fuente para la reseña: Sophie Chambon para http://www.citizenjazz.com/Marc-Copland.html

Apunte: No muchos músicos tienen el honor de ser identificados de manera casi unánime como poetas. Bellamente grabado en los Studios La Buissonne, Poetic Motion (un eslabón faltante y clave de la cadena Copland en MQC/PV) ratifica que Marc Copland con sus obras en solitario puede ser tranquilamente calificado como uno de ellos.

Track Listing

1. Second Sight (6:50) [Marc Copland]
2. Blackboard (7:39) [Marc Copland]
3. Not Going Gently (7:23) [Marc Copland]
4. Nevertheless (6:32) [Marc Copland]
5. Spartacus Love Theme (6:44) [Alex North]
6. When We Met (4:43) [Marc Copland]
7. Bittersweet Road (7:00) [Marc Copland]
8. Dark Territory (7:41) [Marc Copland]
9. Naima (5:10) [John Coltrane]

Artist List

Marc Copland: piano

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Luca Aquino

tapa Icaro Solo
Icaro Solo (2010)

Cuando vivió en el Lower East de Manhattan hace muchos años, el gran saxofonista tenor Sonny Rollins, buscando un lugar para practicar sin molestar a sus vecinos, se aventuraría sobre el puente Williamsburg en Nueva York a deshacerse durante horas hasta finalizar. Esto le proporcionó el entorno necesario dentro del cual pudo expandir su genio musical. Se trataba sobre todo de la libertad para tocar, para desarrollar, para explorar.

El artista de jazz italiano Luca Aquino de modo similar ha tomado la idea de libre improvisación creativa solista en exterior, grabando Icaro Solo en vivo sobre un dispositivo de loop/playback/grabación en la Iglesia de San Agustín, en Benevento, Italia. El resultado es un fascinante, muy entretenido, contemplativo, y maravillosamente estimulante CD. Mientras Icarus podrá haberse aventurado temerariamente hacia el sol, Aquino solo se desliza aquí, pero siempre en completo control de su instrumento; de sus maravillosas ideas; su interacción con el dispositivo de loops; y su perfecto entorno acústico.

Usando la máquina de loops para crear una fundación de ideas con las cuales acoda largas líneas como cintas de libre improvisación, la espontaneidad de Aquino emite hacia fuera sin límites. El suyo es un enfoque minimalista hacia el instrumento, no totalmente disímil a lo que Miles Davis hizo en la grabación de álbumes como Sketches of Spain (Columbia, 1960) o, más tarde, In A Silent Way (Columbia, 1969) y Bitches Brew (Columbia, 1970). Los fragmentos de melodía de Aquino son establecidos, ampliados y desarrollados maravillosamente, liberados y recreados en una telaraña de belleza musical que nunca aburre. Cada corte se desarrolla de esta manera: trece improvisaciones que representan un divertido e interesante incursión en el sonido, el desarrollo creativo y la visualización del alma musical de Aquino.

Icaro Solo sigue más admirablemente al fino “Lunaria” (EmArcy, 2009) de Aquino. Continúa retratando a Aquino como un fino trompetista y una brillante mente musical.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/icaro-solo-luca-aquino-emarcy-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – Icaro Solo

01. Riverberi (2:01)
02. Trapano Duet (1:36)
03. Labirinto (3:46)
04. La zattera rossa (5:01)
05. Piume check (5:11)
06. Icaro (5:50)
07. Fabio e Mattia (2:12)
08. B/n (3:54)
09. 100 mts. into the Church (2:42)
10. Trapano e cera (1:55)
11. Non perdere il filo ()
12. Sol (4:26)
13. Wax Drill (3:13)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, live loops, vocals, electronic and acoustical effects.

tapa Chiaro
Chiaro (2011)

Para este su nuevo álbum, Aquino emigra de sello y va bajo el ala protectora de Paolo Fresu. Además de cambiar sello, incluso sale del país, después de los baños turco-macedonios de Amam, y va a Noruega a registrar sus visiones al confín entre el clasicismo mediterráneo y la psicodelia eléctrica. El trompetista, ya reconocido internacionalmente como uno de los talentos del jazz italiano, con la ayuda de Audun Erlien al bajo y de Wetle Nolte a la batería se permite la merecida consagración en un viaje de ensueño, lleno de ecos, tanto sónicos como poéticos.

El sonido es aquel del jazz nu-wave itálico anagráficamente nacido alrededor de los setenta, dispuesto a incorporarse al canon de club lento y ahumado los desvirtuados eléctricos que acercan las “blue notes” a las asperezas de la experimentación. El encuentro entre distintas estéticas es conducido en forma natural, súper fina y nunca por encima de las líneas, implicando al gurú Lucio Dalla en una revisión del standard de Trenet, “La Mer”, aludiendo a las contaminaciones rock en el corte de apertura “John Bonham Strike” y deformaciones rock-caleidoscópicas con progresiones de alucine cósmico davisiano. Aquino trata la materia sonora con tensiones de potencia y calma que no descartan la sacralidad de la magia del canon italiano, infectandolo de sonidos y ritmos proto-kraut (La Strada) con el estupor derivado de las auroras boreales de Nils Petter Molvaer (Vinzela quando parli ) y la experimentación jocosa que intriga y no supone (Ninna nanna per E.T.).

Un modo de componer y tocar que nos gusta, porque hechiza y al mismo tiempo hace pensar en una nueva vía que prosigue el camino pavimentado desde hace décadas por la trompeta estelar de Davis (Melòdia), haciendo palpable la tensión, orientada a pintar las infinitas variaciones sobre el blues (Oslo), prefiriendo la melodía a la matemática rebuscada del free. Cotización ascendente para Luca.

Fuente para la reseña: Marco Braggion para http://sentireascoltare.com/recensioni/luca-aquino-chiaro/

Track Listing – Chiaro

01. John Bonham Strike (L. Aquino) (9:30)
02. La scatola nera degli applausi indotti (L. Aquino) (0:57)
03. Melòdia (L. Aquino) (7:13)
04. Oslo (A. Di Liberto) (6:49)
05. La Mer (C. Trenet) – con Lucio Dalla (6:00)
06. Sopra le nuvole (L. Aquino, G. Grasso) (4:00)
07. Medley:
A) Angolo suite cerca disperatamente salotto in legno massello stile barocco, uso camino (L. Aquino) (8:01)
08. B) La Strada (N. Rota) (3:23)
09. C) Vinzela quando parli (L. Aquino) (3:58)
10. Ninna nanna per E.T. (L. Aquino) (6:05)

Musicisti

Luca Aquino – Oslo Trio:
Luca Aquino: tromba, flicorno, loop station, elettronica dal vivo;
Audun Erlien: basso elettrico, basso preparato, effetti, sintetizzatore Casio;
Wetle Holte: batteria, percussioni, glockspeinel, elettronica dal vivo;

Lucio Dalla: voce e clarinetto #5
Pasquale Pedicini: tastiere #6
Sergio Fanelli, Alba Paraiso, Raffaele Matta: archi #7

tapa aQustico
aQustico (2013)

Basado en sus ofrecimientos registrados hasta el momento, uno podría tener la impresión que el trompetista italiano Luca Aquino tiene las raíces de los legendarios exploradores italianos en su ADN musical. Mientras Colón, Vespucio y otros tuvieron que navegar en aguas desconocidas, Aquino (que se traduce como “poca agua”) sale aún otra vez y entrega riqueza auditiva con aQustico.

En este atractivo e íntimo esfuerzo, Aquino, respaldado por un excelente grupo de acordeón con sección rítmica, explora extendidas texturas musicales y entrega un intrigante conjunto de siete retratos sónicos. A diferencia de algunas de sus grabaciones anteriores, aQustico no emplea ningún efecto electrónico. Esto es una exposición completamente acústica en la cual Aquino y equipo son libres de confiar en sus personales declaraciones musicales y su comunicación colectiva. El repertorio se compone principalmente de sencillas y elegantes melodías -principalmente temas modales y escalares son casi como folk- seguidos por largas improvisaciones. Variados interludios rítmicos dentro de cada selección generan adecuada tensión y resolución. El estímulo es predominantemente baladístico y bello (“Chet e Liz”). Hay algunas ideas de libre improvisación (“Japan Pop”) y un poco de jazz straight ahead.

Aquino tiene un precioso sonido de trompeta y flugelhorn que resuena bello y vulnerable -hay la voz de un niño cantando allí. Sus improvisaciones, más melismáticas que boppish, son muy largas exploraciones de tonalidad como cintas y gotean de íntima expresión (“Mastroianni,” “Aqustico”). Algo de su trabajo aquí respetuosamente recuerda a Chris Botti, Chet Baker y Miles Davis. La duplicación de los vientos de Aquino con el acordeón del talentoso Carmine Ioanna y con el piano de Sade Mangiaracina piano es sencillamente magnífico (“Aqustico”). Tanto Ioanna como Mangiaracina están sumamente involucrados en la pintura del tono en todas partes y ofrecen solos que refuerzan la reservada y algo romántica naturaleza de las selecciones (“La Ninna Nanna del Capitano”). El bajo de Giorgio Vendola es robusto y la percusión de Alessandro Marzi es tan sabrosa como lo que ocurre alrededor de él (“Incerto”).

Si los genes presentes en Luca Aquino son exploradores-intensivos o no, aQustico es un sólido navío artístico que conduce la imaginación a las orillas de la belleza, la riqueza y a una abundancia de alegría. Todo a bordo esto van a bordo.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/aqustico-luca-aquino-tuk-music-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – aQustico

1. Mastroianni (Sade Mangiaracina) (5:46)
2. Aquistico (Luca Aquino) (10:49)
3. Chet e Liz (Luca Aquino) (4:08)
4. 1/2 Cuba Dani Kira (Luca Aquino) (5:29)
5. Incerto (Giorgio Vendola) (4:40)
6. Japan pop (Luca Aquino) (7:47)
7. La ninna nanna del Capitano (Luca Aquino) (5:52)

Artist List

Luca Aquino: trumpet and flugelhorn
Carmine Ioanna: accordion
Sade Mangiaracina: piano
Giorgio Vendola: bass
Alessandro Marzi: drums and percussion

tapa Rock 4.0
Rock 4.0 (2014)

La sorpresa Luca Aquino, uno de los trompetistas europeos más requeridos de hoy, vuelve a su primer amor, el rock, recuperando en clave de jazz los hits de sus héroes de juventud como Bob Dylan, Neil Young, Radiohead y los Doors. Un año después de su último álbum “aQustico”, en enero estará listo “OverDOORS”, el nuevo disco-tributo a Jim Morrison y a sus favoritos Doors. Pero antes el músico festeja sus 40 años con Rock 4.0, anexo al magazine Musica Jazz de julio-agosto. Al concluir un intenso tour mundial entre Europa, África y Japón, Aquino ha reunido a sus compañeros de viaje para registrar, entre París y Benevento, un álbum de composiciones originales y libres reinterpretaciones de algunos clásicos del rock.”En mi vida”, confiesa Luca, “he amado mucho el rock, pero sólo mediante el estudio y la práctica del jazz he podido comprender plenamente la belleza y la fuerza de esta música. Rock 4.0 es una fiesta, simple y ruidosa, entre guitarras distorsionadas, cervezas y Converse coloradas”.

No es un fenómeno, ni un chico prodigio como brotan tantos hoy, al contrario, él ha pensado mucho antes de elegir la música, pero hoy Aquino tiene un cuaderno lleno de compromisos, discos, conciertos y proyectos que lo mantendrán ocupado durante buena parte del año. De gira por Europa con su grupo o con el cuarteto de Manu Katché, el superbaterista de Peter Gabriel y Sting, Luca tira fogonazos de romanticismo de la trompeta que como un autodidacta puro ha descubierto. Un amor nacido tarde, primero incierto, interrumpido entre dudas e incertidumbres y luego retomado hasta el asombroso estallido actual. Aquino vive entre su Benevento nativo, París, Roma y dónde va tocando, un carácter brillante, melena rebelde y su amado terrier Jack Russell que siempre se ofrece detrás. Lo ha llamado Chet en honor del sublime trompetista Baker que, después de Miles Davis, es uno de sus grandes maestros. “Es cierto, he comenzado tarde, a los veinte años. No he estudiado en el conservatorio ni en la Berklee School como se usa hoy. Solo sé que un día mi tío, saxofonista, me regaló una vieja trompeta y empecé a soplarla con placer. Pero mi música siempre había sido el rock, de Jefferson Airplane a Led Zeppelin, hasta los predilectos Doors. Que no he traicionado, sino que busco ahora de develar el lado alegre de Jim Morrison que ciertamente existe. Es cierto que en la película de Oliver Stone parecía un condenado, pero en mi próximo disco quisiera que emergiera un Morrison más despreocupado”.

Luca parte desde lejos para narrar su descubrimiento tardío y problemática del jazz: “Mi padre era un comerciante, yo estaba en Economía y el comercio iba muy bien. He entrado en crisis hasta vender la trompeta. Cuando conseguí la licenciatura, mi padre para celebrarla, me ha sorprendido con el regalo de una trompeta nueva. Ha sido el momento más tierno de mi vida que ha cambiado todo. Y hoy papá es uno de mis hinchas más encarnizados”.

¿Cómo explica una desenvuelta mutación del rock al jazz? “No logré conectar el sonido de mi trompeta al rock y, a los 21 años, he entendido que con el jazz venía mejor. Miles Davis ha sido mi primer héroe. En Benevento he seguido los seminarios de Paolo Fresu y he quedado fulgurado por el sonido bellísimo de su trompeta. He seguido con sus seminarios de Nuoro y Paolo se ha convertido con el tiempo en consejero y productor de mis discos para su etiqueta Tuk. He seguido con atención también trompetistas contemporáneos como Jon Hassell, Thomasz Stanko y Nils Petter Molvaer”. A Hassell, colaborador de Brian Eno, lo ha conocido también de cerca: “He compartido con él un proyecto dedicado a Gil Evans. Es un filósofo, un gurú, un lobo también en la vida, hambriento de música. Hasta tres días antes del estreno, en las pruebas dejó abiertos muchos interrogantes, que se disolvieron como por milagro solo durante el concierto.”

Aquino no es un fundamentalista del jazz pero tiende al melting-pot más variado: “Hay jazz y jazz. Está aquel con la “J” mayúscula y aquel con muchas “Z”, que son para mi las otras músicas, del pop a la electrónica. Personalmente, amo la melodía, soy un romántico-reflexivo. Hace un mes me he embelesado escuchando por casualidad la voz de Toto Cutugno.”

Con Lucio Dalla ha inventado un sugestivo dueto sobre La mer de Charles Trenet que se desprende tanto del álbum “Dalla in Jazz” como de aquel de Luca, “Chiaro”. “A Lucio lo he encontrado durante un espectáculo del pintor Mimmo Paladino, que es un amigo de la familia. Hemos improvisado junto un dueto para trompeta y clarinete, y él me ha dado las felicitaciones. Le he preguntado si tenía ganas de registrar conmigo La Mer. Me contestó que sabía hablar perfectamente la lengua, pero que nunca había cantado en francés. Con la base ya lista, cuando lo alcancé en Bologna, descubrí que no sabía tanto el francés, pero luego cantó con gran profesionalidad. He tenido poco tiempo para conocerlo, pero me bastó para sentir que tenía una gran disponibilidad y pasión por la música. Lucio era arte puro”.

Chiaro, seguido después por aQustico con todos temas originales, también ha sido el álbum que le ha propiciado el feliz encuentro con Manu Katché: “Le gustó tanto que me contactó para que me sumara a su cuarteto. Tocamos juntos desde hace un par de años. Katché es uno que va a alta velocidad y hace mucho free. Las primeras exhibiciones fueron mal y pensé que me echaba. Luego me he empeñado y ahora todo hila bien”. Con Katché, Aquino ha registrado el álbum “Live in Paris” que saldrá a la venta en setiembre por el sello alemán ACT.

Sueños, proyectos especiales? Luca Aquino revela uno sorprendente: “Soy un apasionado de Umberto Nobile y de sus aventuras en el Polo Norte. Nobile era irpino de Avellino, no de Benevento, y sobre él estoy muy documentado. He leído todo, he visto lo filmado, pero nadie ha pensado nunca acompañar sus viajes con la música. El sueño es el de viajar junto a Nobile con mi música y mi trompeta. Antes o después sucederá.”

Fuente para la reseña: http://www.repubblica.it/spettacoli/musica/2014/08/06/news/luca_aquino_il_jazzista_che_ama_il_rock_adesso_vi_mostro_il_jim_morrison_pi_scanzonato-93263922/

Track Listing – Rock 4.0

01. Sarè (1:03)
02. The Crystal Ship (2:42)
03. Mapa (0:37)
04. Sfrikix (4:21)
05. No Surprises (3:54)
06. Dancing With Lee (0:25)
07. La volata (2:29)
08. Sugar Mountain (3:22)
09. B (1:37)
10. Knockin’ On Heaven’s Door (3:19)
11. Light My Fire (5:08)
12. Indian Summer (5:16)
13. Fascino (1:25)
14. Sinfonietta per Doris (4:27)
15. Scacco matto (0:36)
16. Country Fuzz (2:50)
17. 111 (3:14)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, sax horn, electronics
Raffaele Casarano: tenor sax, electronics
Marco Maria Bardoscia: double bass, bass
Dario Congedo: drums

with
Javier Girotto: flute, soprano sax, baritone sax (tracks 4, 10, 11, 12, 14)
Kekko Fornarelli: piano (track 10)
Antonio Jasevoli: Guitar (tracks 5, 8)
Dario Miranda: bass (tracks 1, 9)
Giovanni Imparato: percussion, voice (track 11)
Clausio Coccoluto: beats, arrangement (track 17)

tapa OverDOORS
OverDOORS (2015)

 

El Aquarius Theatre de Hollywood fue el lugar del relanzamiento en vivo de The Doors en 1969, en un período que hasta entonces había estado lleno de vicisitudes y problemas en el seno del histórico grupo estadounidense. Y a nosotros nos gusta confiar en el igualmente acuático, acústico, claro y lunar (si no otro, parafraseando los numerosos juegos de palabras que encontramos en los títulos de sus anteriores trabajos) Luca Aquino, para celebrar la banda y darle otro presente.

He aquí explicado el título, OverDOORS, que entrega una nueva “llave” de lectura a las famosas “puertas” de la percepción.

Una convencida e innovadora vuelta al pasado que implica también la cubierta de autor del dibujante Francesco Bongiorni, milanés viviendo en Madrid, que ha colaborado con revistas del calibre del New York Times y El Mundo, para citar sólo algunas de ellas. El artista ya había realizado para nosotros la primera salida del catálogo de nuestro sello, el doble cd Songlines/Night & Blue de Paolo Fresu Quintet.

El trompetista Luca Aquino publicará pues el próximo 21 abril su tercer álbum producido por el sello Tǔk Music (distribución de Ducale Music) de Paolo Fresu

El disco es pues un personal tributo a su banda de rock preferida, The Doors, y llega después de la experiencia de aQustico y dos años después de un tour mundial con el grupo del baterista Manu Katché.

El sonido comienza por la experiencia nórdica de Chiaro, pero igualmente prosigue hacia una nueva dirección. Las relecturas del repertorio de The Doors son libres y desenvueltas, Aquino se inspira en las melodías originales para hacerlas propias y crear algo inédito con arreglos decididos. Para acompañarlo en esta aventura están Darío Miranda al bajo eléctrico, Antonio Jasevoli en la guitarra y Lele Tomasi en la batería. Tres son los indispensables cameos vocales: Petra Magoni, Carolina Bubbico y Rodolphe Burger.

La pasión de Aquino por el rock se remonta a sus primeras escuchas musicales; descubre a Miles Davis y a Chet Baker en una segunda instancia y sólo posteriormente se apasiona por el jazz, manteniendo siempre un enfoque transversal donde elementos como el rock y la electrónica se funden en forma natural a la música afroamericana.

Leemos en las liner notes del cd “En el jazz están de moda los tributos y hoy la tendencia es declararse rockero. Por estas razones, he frenado, a lo largo del tiempo, el deseo de dedicar un álbum a los Doors, mi banda preferida en absoluto. Luego, ha prevalecido el amor por Jim Morrison y sus compañeros. OverDoors ha madurado con fuerza entre algunas dificultades. La primer duda surgió sobre la elección de los tema: los habría reexaminado a todos. La otra profunda indecisión que ha resonado en mis pistones fue, en cambio, alimentada por las distintas posibilidades de relectura de los pasajes de la histórica banda californiana. Una única pregunta por meses: ¿un enfoque de cover o una autónoma reelaboración musical? Al fin he recorrido ambas sendas, calzando Converse, sintiéndome libre de desentrañar y recomponer Light My Fire, sino también de cantar la letra y soplar melodías etéreas y eternas como Blue Sunday y Yes, The River Knows. Tengo curiosidad de hacer escuchar el groove de Waiting for the Sun a Carlo, Piero y a otros amigos con los cuales, sentados sobre una banqueta, soñábamos viajando en las notas de LA Woman”.

Fuente para la reseña: http://italia.allaboutjazz.com/nuovo-cd-di-luca-aquino-overdoors/

Track Listing – OverDOORS

01. Peace Frog (6:18)
02. Waiting For The Sun (5:26)
03. OverDOORS (1:37)
04. Blue Sunday (5:00)
05. Queen Of The Highway (3:16)
06. Ship Of Fools (5:04)
07. Yes, The River Knows (3:50)
08. Riders On The Storm (4:30)
09. Hyacinth House (6:18)
10. Light My Fire (6:03)
11. Indian Summer (6:44)

All songs composed by Jim Morrison • John Paul Densmore • Raymond Daniel Manzarek • Robert Alan Krieger and published by Doors Music Company, except OverDOORS by Luca Aquino – Tǔk Music • Five Fishes, Light My Fire published by Warner Chappell Music Inc. and Indian Summer written by Jim Morrison and Robert Alan Krieger.

Artist List

Luca Aquino: trumpet and live electronics
Dario Miranda: electric bass
Antonio Jasevoli: guitars
Lele Tomasi: drums
Guests:
Rodolphe Burger: voice and guitars on “Riders On The Storm”
Petra Magoni: voice on “Queen Of The Highway”
Carolina Bubbico: voice on “Indian Summer”

Apunte: Luca Aquino es un trompetista, flugelhornista y compositor nacido el 1 de Junio de 1974 en Benevento, antigua ciudad del sur de Italia. Aquino tiene un sonido inconfundible, melodioso, reconocible a primera escucha, hecho de un perceptible vibrato, de notas disminuidas que no encuentran una conclusión, como invernando en el tiempo a la espera de que lleguen las siguientes. Rasgos escandinavos para un músico mediterráneo. Dotado de gran sensibilidad por la melodía, la perfección del sonido y la musicalidad del silencio, no desdeña el uso de la electrónica. Hechas estas aclaraciones (que aparecen en su biografía), este megapost parcial de la discografía como líder del trompetista, pretende dar a conocer la música de un “jazzista que ama al rock”, pero que felizmente es mucho más que eso, algo que queda demostrado en las diferentes direcciones musicales que recorren estos álbumes. Que lo disfruten. Saludos!

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The Watershed
abril 10, 2016, 7:01 pm
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tapa Inhale-Exhale
Inhale / Exhale (2016)

Este es un álbum que al principio, parte de la nada y que a la llegada bordea verdaderas cumbres.

Al principio, digamoslo, es el encuentro de amigos músicos que se presentan cada uno con absolutamente nada, solo con algún riffs, y que hacen girar la improvisación. Y esos amigos entonces piensan que está ocurriendo algo, que se encontraron de inmediato, fusionándose al punto que se dicen que con esto mínimo podrían entrar en el estudio. Entonces, tan pronto lo dicen, lo hacen.

Y para la llegada, digamoslo, un álbum superior y que no se parece a nada más. Que se querría aferrar a algunas influencias y que no llegaría más allá. Porque este álbum lleva en él su propia identidad y sobre todo su extrema riqueza musical.

¡ Son locos los matices de este álbum ! Que en la misma pisada puede pasar así de un pop-jazz evanescente a extremos potentes y muy rock. Donde las cinceladas sublimes de Christophe Panzani al tenor encuentran muchos contrastes en la guitarra de Pierre Perchaud, ya sea eléctrica o acústica. Es un groove grave a lo Hendrix o bien son refinadas delicadezas. Y siempre pasa algo nuevo. Lanzan tres notas de salida y esto gira. Pero no solo para girar, sino también para instalar climas, ambientes, sonoridades como sobre en la pista del titulo que evoluciona en diferentes espacios como cambiantes polvos de oro.

Pierre Perchaud que se había perdido un poco durante sus escapades con la ONJ vuelve aquí particularmente inspirado. Sus sonoridades muy rock se casan a las mil maravillas a las muy jazz de Panzani sea que estas pertenezca al tenor (que fraseo, Dios!) o al clarinete bajo. Christophe Panzani que, hay que recordarlo, tuvo mucho tiempo el pupitre de saxo tenor en la orquesta de Carla Bley, lugar de pocos.

Detrás, esto está siempre asegurado con un Karl Jannuska dantesco como de costumbre. Uno de los más grandes bateristas que cuenta este hexágono.Y Tony Paelemean que de un álbum en álbum se revela aquí bastante demostrativo, alternando nuevamente entre el piano acústico y el eléctrico.

Asistimos al nacimiento de un grupo absolutamente notable, donde cada uno de sus miembros parece prestar una atención y cuidado en cada una de sus intervenciones, con empatía total con los otros tres.

Esto es fuerte, a menudo es conmovedor, esto viaja y nos lleva.

Inspire / Expire y deje llevarse por este álbum absolutamente espléndido y que dice mucho sobre este jazz del mañana que se acecha y hacia quien se abren puertas muy prometedoras.

Fuente para la reseña: Jean-Marc Gelin para http://www.lesdnj.com/2016/01/the-watershed-inhale-exhale.html

Apunte: Si bien Inhale / Exhale parece no tener una dirección musical clara, porque con el vehículo del jazz van y vienen de lo progresivo al rock, creando melodías identificables, inspirándose en músicas repetitivas y minimalistas, jugando sobre los climas que crean, o teniendo momentos más experimentales, es muy interesante el espíritu que envuelve a todo el proyecto. Cuando la música gana en intensidad (por ejemplo en “Fat Bum” o “Peter Hot Father”), la cosa se pone más jugosa, y nos deja la esperanza de un buen futuro para este talentoso grupo.

Track Listing

01. Watershred (4:02)
02. Diana (3:11)
03. Peter Hot Father (5:44)
04. Pas de deux (2:02)
05. Inhale – Exhale (5:10)
06. Dark Water (2:32)
07. Bright Sun (4:57)
08. HKJ (0:38)
09. Tricle-down (2:05)
10. Fat Bum (5:13)
11. Running Water (5:09)
12. Vermilion Sky (4:09)

Enregistré au Studio des Bruères à Poitiers (86) en octobre 2014.

Artist List

Pierre Perchaud: guitar
Christophe Panzani: tenor saxophone, bass clarinet
Tony Paeleman: keyboards
Karl Jannuska: drums

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Jamie Saft / Steve Swallow / Bobby Previte
abril 9, 2016, 8:50 pm
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tapa The New Standard
The New Standard (2014)

Sobre los músicos

Jamie Saft es una de las nuevas estrellas de la vanguardia neoyorquina. Saft forma parte de dos de las bandas que intervinieron en esa magna sesión, Electric Masada y The Dreamers. Dirige además el New Zion Trio. Sus habilidades como instrumentista y como productor las ha demostrado sobradamente en sus colaboraciones con Beastie Boys, The B-52’s, Laurie Anderson, Antony and The Johnsons y muchos otros.

Steve Swallow es una figura fundamental del jazz desde los años 60, cuando trabajó en las orquestas lideradas por Benny Goodman, Clark Terry, Art Farmer y Stan Getz. En 1978 se unió a la banda de Carla Bley, de la que sigue formando parte en la actualidad. Además, Swallow ha tocado, en pie de igualdad, con nombres muy sonoros del jazz moderno, como Gary Burton, Pat Metheny, John Scofield, Paul Motian, Chick Corea y Lee Konitz. Es elegido sistemáticamente mejor bajista eléctrico en la encuesta de la prestigiosa revista DownBeat desde 1985.

Bobby Previte es un personaje habitual de la escena jazzística de Nueva York. Su trabajo explora los lazos entre la música escrita y la improvisada y por ello ha obtenido este año el codiciado Greenfield Prize. La revista The New Yorker dijo que los proyectos de Previte “hablan en lenguas visionarias”. Ha colaborado con grandes maestros de diferentes disciplinas artísticas, como el cantante Tom Waits, el director de cine Robert Altman y el compositor John Adams.

Sobre el disco

En la superficie, Strange Bedfellows parece un nombre adecuado para este trío. El tecladista Jamie Saft y el baterista Bobby Previte, son tanto ferozmente eclécticos como técnicamente dotados ejecutantes-compositores, han colaborado antes, en contextos tan lejanos como la banda de improvisado-extreme-metal Beta Popes.(Saft toca la guitarra allí). El veterano bajista Steve Swallow puede parecer una extraña pieza en este rompecabezas, pero Saft se demuestra sumamente capaz en ajustes de jazz más convencionales en The New Standard. Él toca el piano en las tres primeras pistas del álbum, todos originales que proporcionan variaciones sobre patrones de blues, sumergiéndose en los estilos de Wynton Kelly, Bobby Timmons y aún Horace Silver (“Come on Home” parece dispuesto a aparecer en sus melodías). Las cosas están sueltas, con temas que toman asiento en la interacción del grupo, y la sensación es contagiosa. Incluso cuando la canción está limitada a tres acordes, Swallow la mantiene fresca con algunos grandes paseos. Si Previte no deja caer bombas, él gira el beat en un boogaloo shuffle o un groove soul.

Tres de las 10 pistas incluyen a Saft en el órgano. Su enfoque en el instrumento desciende más desde the Band que de Blue Note, sin embargo; en otras palabras, más acordes y menos líneas de una sola nota. Otra vez sus compañeros responden con clase, balanceándose con fuerza bajos sus expresiones gospel o gordos riffs. El grupo también reduce la velocidad y le da a Swallow un tiempo bajo el reflector en la fuera-de-tempo pista del título; su performance es una maravilla de tono y melodía. Con la pensativa declaración de cierre, “Surrender the Chaise”, que destaca otro solo (parecido a una guitarra) de Swallow, esta ágil sesión ofrece mucha variedad en todas partes.

Fuentes para la reseña: Mike Shanley para http://jazztimes.com/articles/135415-the-new-standard-jamie-saft-steve-swallow-bobby-previte; http://www.donostiakultura.com/index.php?option=com_flexicontent&view=items&cid=12&id=37643&lang=es&r=20150720

Apunte: Músicos como Saft y Previte habituados a asumir riesgos artísticos en cada nuevo proyecto que afrontan, se suman a Swallow que es toda una institución en si mismo dentro de la ejecución del bajo eléctrico, para tocar sus nuevos standards, dando una vuelta de tuerca al tradicional sonido del “piano trío”. Altamente recomendable!.

Track listing

01. Clarissa (4:08)
02. Minor Soul (6:20)
03. Step Lively (6:50)
04. Clearing (4:54)
05. Trek (4:11)
06. The New Standard (6:40)
07. I See No Leader (5:40)
08. Blue Shuffle (6:43)
09. All Things To All People (6:11)
10. Surrender The Chaise (6:27)

Artist List

Bobby Previte: drums
Steve Swallow: electric bass
Jamie Saft: organ, piano

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Giovanni Tommaso Apogeo

tapa Codice 5
Codice 5 (2010)

Es casi inútil recorrer la carrera de Giovanni Tommaso partiendo de Perigeo. Son hechos bien conocidos, sobre todo musicalmente por la incidencia que han tenido en la evolución del jazz italiano. En verdad hay que decir que muy pocos epígonos han tenido en Italia su corriente musical antes de los últimos cinco o seis años y con notables resistencias psicológicas, físicas y doctrinales por parte de muchos, organizadores a la cabeza, que prefieren servir un manjar seguro, aunque recalentado, antes que proponer un menú refinado, pero fresco y genuino. Giovanni Tommaso ha puesto siempre en hermosa muestra su honestidad intelectual, recorriendo su camino musical a contrapelo de las corrientes más fáciles y comerciales. Codice 5 es el espejo de ese sentir, un trabajo de siembra más que de recolección, directo e inmediato y que se abre hacia fronteras cada vez más agudas y también hacia nuestros jóvenes jazzistas. Un trabajo que tiene como socio al sello Saint Louis Jazz Collection, que comparte el recorrido artístico con atención y seguridad.

Claras son las referencias al pasado de Giovanni Tommaso, también en el nombre, pero sobre todo en la música. El contrabajista de Lucca no es sólo el impulso rítmico, es el director, el aglutinante entre los músicos que lo acompañan en las nueve piezas de su autoría; una escritura rica en tensiones con acentos fílmicos, como en la obertura Bassifondi. Ácida, rocosa con Scannapieco y Ferra exaltando las disonancias armónicas que hacen aun más intrigante la estructura de la pieza (Macchie d’inchiostro). Sabe también administrar el flujo clásico con una innovación arraigada en cada pasaje, nunca deducido y gracias a las tramas tejidas por el toque de Claudio Filippini, como en la micro suite en cinco partes de Codice 5. Fascina el “new sound” de acento neoyorquino de Buone Nuove con Pinciotti en bella evidencia de hacer saltar los esquemas y sustentar las redondeces sonoras del tenor de Scannapieco. El tributo a Jimi Hendrix (To Jim H.) no pudo embozarse de rock duro, lo que hace golpear continuamente el pie. Casa Jazz cierra el trabajo, y se abre con un largo solo de Tommaso, casi explicando el contenido de este largo pasaje, símbolo del encuentro entre América y Europa, casi de “memoria seca”, lleno de referencias a sus respectivas tradiciones de dos mundos que logran felizmente reunirse, sin banalidad en las notas del quinteto. Post Scriptum: el pasaje en cuestión parece cerrarse después de cuatro minutos y poco más, pero basta esperar un poco (aproximadamente un minuto y medio), para que pueda escucharse la pieza fantasma (Bonus Track) con Giovanni Tommaso en soledad. Y vale la pena.

Fuente para la reseña: Alceste Ayroldi para http://www.jazzitalia.net/recensioni/codice5.asp#.VwfnsvnhDIU

Apunte: Nacido en Lucca, el contrabajista, compositor, arreglador y director de orquesta Giovanni Tommaso, inicia la actividad jazzística en 1957 con el grupo “Quartetto di Lucca”. Se vá a Nueva York entre 1959 y 1960, para luego trasladarse a Roma en 1967, dónde en aquellos años muchos músicos procedentes de África, Europa y Estados Unidos hicieron experimentos de jazz de vanguardia, con Steve Lacy como jefe de esta corriente. En 1971 forma el grupo “Perigeo” que guía hasta el año 1977, realizando cinco álbumes y desarrollando una intensa actividad en todo el mundo, también al lado de prestigiosos grupos como Weather Report y la Mahavishnu Orchestra. A 30 años de la disolución de Perigeo, el 21 de Marzo de 2007 debuta en la Casa del Jazz de Roma con su nuevo grupo Apogeo. La grabación del concierto es inserta en la colección “Jazz Italiano Live”, distribuida por el diario L’Espresso e Repubblica. Codice 5 es un disco que viene rotando en todos mis reproductores desde hace más de un año y cada vez que lo escucho ratifica lo que pienso: es un discazo.

“A menudo digo que el jazz no es sólo un estilo musical, sino también un estilo de vida. Por eso tras las elecciones musicales también hay motivaciones existenciales. En estos últimos 2 años he madurado la idea de formar APOGEO y he empezado a echar abajo ideas musicales, pero voluntaria y pacientemente he esperado hasta el año 2007 para iniciar esta nueva aventura en el trigésimo aniversario que me separa de la disolución del análogo grupo PERIGEO, como si el juego de los números tuviera un significado. La plantilla, en este caso exquisitamente acústica (guitarra aparte), es la misma pero con elementos diferentes. Esto me estimula aún más a encontrar un nuevo sonido (uno nunca finaliza la búsqueda). La única verdadera analogía con Perigeo es cierto descaro en el espaciamiento entre formas temáticas más o menos convencionales a formas más duras tanto rítmica como armónicamente. El criterio que me guía en la elección de los músicos es siempre el mismo: talento, ductilidad, espesor humano y entusiasmo. El instinto siempre me ha guiado y quizá por eso mis grupos han resistido a lo largo del tiempo y espero también sea este el caso. Mi admiración y gratitud a estos magníficos músicos que tanto me están dando.”(Giovanni Tommaso)

Track Listing

01. Bassifondi (5:33)
02. Macchie d’inchiosta (7:40)
03. Codice 5 (6:26)
04. Buone nuove (6:42)
05. To Jimi H. (8:15)
06. Sistema limbico (4:35)
07. La sesta notte (3:29)
08. Men At Work (7:11)
09. Casa Jazz (8:29)

Musicisti

Giovanni Tommaso: contrabbasso
Daniele Scannapieco: sax tenore e soprano
Bebo Ferra: chitarra
Claudio Filippini: pianoforte
Anthony Pinciotti: batteria

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André Carvalho

tapa Hajime
Hajime (2011)

Con claras influencias del jazz contemporáneo, música clásica contemporánea, así como de la música portuguesa, el estilo del Quinteto de André Carvalho, combina el estilo clásico con lo nuevo y moderno en un original producto de música inspiradora. Formado en el año 2008 por André Carvalho, el grupo solo toca composiciones originales de André escritas especialmente para esta formación.
El álbum lanzado ahora por Tone Of A Pitch Records con una invitada especial, Mariana Norton, cantante establecida en Lisboa, se espera que sea verdaderamente especial, una combinación de jazz y clásica, con un toque portugués.

Fuente para la reseña: https://andrecarvalho.bandcamp.com/album/hajime

Track Listing – Hajime

1. Charlie 8 (5:43)
2. Clarabóia (6:42)
3. 22 Margaridas (7:15)
4. À Margem de Binómios (4:24)
5. O Mágico e o Duque (Bass Intro) (2:33)
6. O Mágico e o Duque (8:20)
7. Postkarte (7:27)
8. E porque não? (8:30)
9. Crónicas e Casacos (5:28)

Artist List

Zé Maria: tenor and soprano saxophone
Bruno Santos: guitar
Filipe Melo: piano, Fender Rhodes and melodica
André Carvalho: double bass, all compositions
João Rijo: Drums
Mariana Norton: vocals on “Postkarte”

tapa Memória de amiba
Memória de Amiba (2013)

Memória de Amiba es el segundo álbum, como líder, del contrabajista portugués André Carvalho, una colección de nuevas composiciones con marcado carácter y tendencia hacia el jazz moderno y contemporáneo.

Carvalho ha contado en este proyecto con la participación de grandes músicos de jazz de la escena portuguesa, mostrándonos, dicho sea de paso, un excelente nivel musical jazzístico de todos los componentes que le acompañan, y el buen estado creativo en el que se encuentra el contrabajista. La alta calidad sonora del disco tiene nombre propio, Tiago de Sousa, encargado de la grabación, la mezcla y la masterización de todas las piezas que se incluyen en este trabajo, su labor es esencial en el resultado final.

El concepto musical que engloba la obra, abre un gran protagonismo a los demás instrumentos que participan en cada tema, desvelando exquisitos momentos musicales en las improvisaciones y arreglos de los mismos. El líder contrabajista, como tal, es parte fundamental de sus creaciones, pero deja expresar a sus compañeros con total libertad.

“Chamada náo atendida”, es el tema que encabeza el álbum, una pieza que se mueve con variados cambios de amalgamas rítmicas, algo muy característico del jazz contemporáneo, que de forma posterior aparece también en otros de los temas incluidos. La presencia del vibráfono y el sonido del grupo, en conjunto, nos recuerdan aquellas magnificas grabaciones a septeto (Gary Burton & Friends ‎– Six Pack, 1992) compartidas por el maestro vibrafonista Gary Burton y el guitarrista Kurt Rosenwinkel, entre otros.

La audición continúa con “Bleistift”, una pieza a tempo de tres por cuatro en la que caben destacar las improvisaciones del pianista Óscar Graça y el saxo tenor de Zé Maria, bien arrebujados por una impecable sección rítmica. El final del tema es un contundente solo del baterista Joao Rijo, cuya tarea en el grupo se hace vital y sumamente meritoria.

El piano de Óscar Graça, el saxo soprano de Jorge Reis, y la guitarra de Bruno Santos, toman las riendas en la introducción de “Tadzio”, tema en el que destacan las improvisaciones del guitarrista Bruno Santos, seguidas del vibrafonista Jeffery Davis, con solos cortos y sugerentes por parte de ambos. Seguimos el repertorio con “Selina Kyle”, composición en la que se dan de nuevo las amalgamas rítmicas y escuchamos las primeras improvisaciones del contrabajista André Carvalho, con un sonido limpio y redondo. El sonido del saxo soprano finaliza la composición estrechando diálogos con el saxo tenor, bien arropados por el resto de compañeros.

Jeffery Davis ejecuta una delicada introducción en solitario en “Intro to Contemplações do Panteão”, para dar paso a la exposición de “Contemplações do Panteão”, pieza en la que destacan los acertados arreglos del compositor y los apoyos en torno a una enérgica y expresiva improvisación del saxofonista Ricardo Toscano, con fraseos rápidos bien construidos. En “Intro to Nóia do Gil”, es el baterista Joao Rijo el encargado de introducir a golpe de timbales y platos lo que de forma posterior se convierte en el contundente ritmo del tema “Nóia do Gil”, en el que vibráfono y guitarra nos seducen con largos e intensos pasajes de improvisación.

Nos acercamos al final del disco con dos composiciones más: “Vi e Maria”, en la que Carvalho realiza una preciosa e inspiradora exposición de la melodía con todos los componentes del grupo, precediendo los solos de saxo soprano y guitarra, a cual de ellos más lírico y elocuente. Y “Aunt Beru”, una partitura cargada de excelentes arreglos en la que Carvalho y el guitarrista invitado André Santos, hacen gala de su técnica deleitándonos con emotivas improvisaciones.

¿Qué inspira a André Carvalho para la creación de este mágico y trascendental álbum? La respuesta está en la portada interior del disco, en el que tema por tema nos aclara con breves anotaciones sus fuentes y musas, convertidas en composiciones con un tratamiento subjetivo y abierto a la vez, conduciendo su música con un encantador, audaz y desenvuelto modo de entenderla.

Enhorabuena a su creador y a todos los músicos que le acompañan.

Reseña de José Antonio García López para http://www.tomajazz.com/web/?p=10701

Track Listing – Memória de Amiba

01. Chamada não atendida (7:45)
02. Bleistift (8:57)
03. Tadzio (9:39)
04. Selina Kyle (6:46)
05. Intro to Contemplações do Panteão (1:54)
06. Contemplações do Panteão (5:43)
07. Intro to Nóia do Gil (1:09)
08. Nóia do Gil (8:06)
09. Vi e Maria (6:47)
10. Aunt Beru (8:23)

Artist List

Jorge Reis: soprano and alto saxophone
Zé Maria: tenor saxophone
Bruno Santos: guitar
Jeffery Davis: vibraphone
Óscar Graça: piano
André Carvalho: double bass, all compositions
João Rijo: drums
André Santos: guitar on “Aunt Beru”
Ricardo Toscano: alto saxophone on “Contemplações do Panteão”

Apunte: El bajista y compositor André Carvalho, nativo de Portugal y recientemente relocalizado en Nueva York ha registrado dos álbumes como líder, en donde demuestra una intensa dedicación a la composición. Tanto “Hajime” como “Memória de Amiba” muestran su perspectiva altamente personal respecto a la música mostrando una original mezcla de jazz contemporáneo con elementos de la música portuguesa. “Hajime” fue galardonado con el premio “Carlos Paredes” en el año 2012, un prestigioso premio que reconoce los proyectos musicales portugueses. También fue reconocido como “Mejor Grupo” en la “Bucharest International Jazz Competition”, con el soporte del Ministerio de Cultura Portugués y la Embajada portuguesa en Bucarest. Durante los últimos años, ha sido una importante presencia en la escena del jazz europeo. Como líder de su banda o como versátil sideman, ha girado por Portugal, España, Austria, Alemania, Croacia, Eslovenia, Bélgica, Serbia, Rumania, Egipto y E.E. U.U. Espero disfruten tanto como yo, “Hajime” y “Memória de Amiba”. Saludos!

Password en ambos casos: presoventanilla




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