Preso ventanilla


Jeremy Udden

tapa Torchsongs
Torchsongs (2006)

La experiencia que Jeremy Udden adquirió a travez de los seis años que compartió con la Either/Orchestra de Boston parece haberle dado al álbum debut del saxofonista una variedad de estados de ánimo. El álbum fue grabado en dos sesiones celebradas en 2003 y 2005, y varias de las composiciones fueron escritas mientras Udden estuvo confinado en su departamento por cuatro meses debido a un caso de vértigo severo. Esencialmente, Udden grabó dos grupos separados empleando a Ben Monder (guitarra), John Lockwood (bajo), Matt Wilson (batería) y el invitado Bob Brookmeyer (trombón de válvulas) para las sesiones del 2003, y Nathan Blehar (saxofón tenor), Tim Miller y Ben Monder (guitarras), Leo Genovese (teclados), Garth Stevenson (bajo) y Ziv Ravitz (batería) para las grabaciones del 2005.

Udden muestra la capacidad de tocar en diferentes estilos que van desde lírico a la vanguardia. El autor afirma que se han inspirado en Lee Konitz, y uno puede escucharlo en su técnica. La pista de apertura en Torchsongs, “Every Step”, una relajada composición mid-tempo, comienza con un lavado de mediados de los ’60, como si usted escuchara una sesión de Paul Desmond/Jim Hall con Udden (él toca el saxofón soprano en esta pista), con un “mood” RCA ; los cepillos de Wilson proporcionan una impresión bastante justa de Connie Kay.

El segundo track, “Tut Muffin”, toca al mismo tempo con un acompañamiento más moderno de Genovese en Fender Rhodes. Bob Brookmeyer aparece en “Marin” y, después de su solo, se entrelaza en contrapunto con el soprano de Udden sobre el trombón de válvula, como si esto fuera todavía de mediados de los ’50 en Pacific Jazz Records. Un cover fragmentario “Blinks”, de Steve Lacy, es mucho más cercano al free jazz. El solo “de fusión” de Genovese en el Rhodes pone el tono, mientras el baterista Ziv Ravitz y Monder proporcionan la disonancia.

El hit pop de los ’80 “Eternal Flame” proporciona una declaración de melodía conmovedora y el solo del alto de Udden, pero también establece un estridente solo de rock de Monder en la guitarra. Brookmeyer y Udden (en el alto) proporcionan la coda de cierre en el dueto “Afterthought”.

Fuente para la reseña: Michael P. Gladstone para http://www.allaboutjazz.com/torchsongs-jeremy-udden-fresh-sound-new-talent-review-by-michael-p-gladstone.php

Track Listing – Torchsongs

01. Every Step (6:13)
02. Tut Muffin (5:08)
03. Marin (4:57)
04. Fish Lake (5:51)
05. Blinks (5:35)
06. Eternal Flame (6:31)
07. Red Keys (8:04)
08. Indecision (8:00)
09. Wednesday (4:53)
10. Loaded (4:44)
11. Afterthought (1:44)

Todas las composiciones son de Jeremy Udden, excepto ‘Blinks’ de Steve Lacy y ‘Eternal flame’ de The Bangles.

Artist List

Jeremy Udden: saxes
Nathan Blehar: tenor saxophone
Ben Monder, Tim Miller: guitar
Leo Genovese: Fender Rhodes
John Lockwood, Garth Stevenson: bass
Matt Wilson, Ziv Ravitz: drums
Special Guest: Bob Brookmeyer: valve trombone

tapa Plainville
Plainville (2009)

Crisis de identidad: Los modelos a imitar de Jeremy Udden para su primer álbum eran Joe Henderson y Joe Lovano – pero él escuchaba a Beck y Wilco.

En su reseña del Village Voice sobre Plainville (Fresh Sound New Talent) de Jeremy Udden, Jim Macnie recordó cómo un amigo intentó clasificarlo como “jazz para fans de Wilco”. Como Macnie explicó, esa no es toda la historia con Udden o Plainville, pero no es un mal punto de partida.

Udden, de 31 años de edad, ha tomado el camino de una gran cantidad de jóvenes músicos de jazz de estos días -de Aaron Parks y Brian Blade a Julian Lage y Jim Black- esto es, sus influencias son tanto el folk o el rock, como el jazz. Y en lugar de recorrer el pop contemporáneo, ellos escriben material original basado en el pop que están escuchando. Cuando Udden -graduado en una maestría en el New England Conservatory (en adelante NEC) y ex miembro de la Boston’s Either/Orchestra- realizó su álbum debut, Torchsongs, en el 2006, él dijo que sus modelos eran álbumes clásicos del jazz moderno: Lush Life de Joe Henderson (Verve) y Rush Hour de Joe Lovano (Blue Note). Esos eran su idea de álbumes conceptuales de jazz. Pero los discos que él realmente estaba escuchando eran “Yankee Hotel Foxtrot” de Wilco (Nonesuch) y “Sea Change” de Beck (Interscope).

“Torchsongs” se repartió en partes iguales. “Marin” aporta logradamente un dúo entre Udden y uno de sus maestros del NEC, el gran trombonista y compositor Bob Brookmeyer. En su sentido del tiempo y sus armonías, es como el jazz que usted conoce. Pero otras canciones, como “Fish Lake”, parecían folk en sus progresiones de acordes. Y aunque “Fish Lake” incluyó solos, el mismo Udden no tocó ninguno.

Con “Plainville”, su inmersión en el pop y el folk es total. El tema de apertura comienza con el sonido de un armonio, seguido de un banjo metalico y la melodía quejumbrosa del alto de Udden antes de transformarse en un ritmo más parecido al trote de unos cascos de caballos. El rasguido de la guitarra acústica de “Christmas Song” sugiere un vals de Leonard Cohen. “Red Coat Lane” es otro vals, éste introducido por el saxo alto acentuado con un golpe rígido y sordo antes de que el banjo de Brandon Seabrook vaya llevando la melodía sobre un armonio que va resoplando gradualmente. Y “Curbs” y “Big Licks” se levantan con ritmos pesados y ásperas y discordantes guitarras eléctricas. A pesar de estos estallidos, el clima tiende hacia lo pastoral y elegíaco (el disco lleva el nombre de la ciudad natal de Udden’s en el sur de Massachusetts; incluso exhibe una foto en sepia del almacén de ramos generales en la tapa)

Los arreglos en su totalidad están bellamente balanceados, con una cadencia natural al cambiar texturas y algunas improvisaciones brillantes, ya sean las guitarras eléctricas de Ben Monder y Seabrook o el banjo de Seabrook y el saxo de Udden. En “Big Licks”, todo el mundo se calla mientras Udden construye líneas mezclando frases cortas y largas, trepando, zambulléndose, corriendo, amagando irse -como en el jazz- a armonías adyacentes, mientras el bajista Eivind Opsvik mantiene el tempo vagamente a su lado hasta que todos se unen para un nuevo crescendo.

Y aún así, dice Udden cuando lo llamamos por teléfono a Brooklyn, “Ni una sola de las canciones comenzaron como una influencia del jazz”. En su lugar, las piezas habitualmente comenzaban siendo escritas por Udden en guitarra. Y en cuanto a su identificación como un músico de jazz dice: “Si la gente pregunta, digo que toco el saxo, así que es jazz. Pero tocamos mayormente folk y rock. Es engañoso: esto es lo que escucho cuando escribo música. Si realmente tuviera tanta necesidad de audiencia, probablemente fundaría una banda de covers de los Beatles o algo así. El mundo del jazz, odio decirlo, pero es algo con lo que cada vez me identifico menos, aunque probablemente sea el único mundo que acepte esta música”.

Pero casi todos los músicos en el CD tienen antecedentes en el jazz. Nathan Blehar es otro graduado de NEC, en este caso uno que abandonó el saxo, que cambió por la guitarra acústica. Tocó el saxo en Torch Songs, pero aquí toca la guitarra de cuerdas de nylon “-típico fanático de Leonard Cohen-”, confirma Udden, que toca la introducción a “Christmas Song.”

El jazz habitualmente valora la complejidad rítmica y armónica. En Torch Songs, Udden dice que trató de escribir melodías simples, basadas en negras con armonías complejas. Para Plainville, intentó escribir melodías más complejas, en corcheas, sobre armonías más sencillas. Y viró a formas estrofa/estribillo más del pop y el folk que formas de composición continua más similares a las del jazz. “Curbs”, explica, combina el beat de “UMass” de los Pixies con una melodía saltarina que imitó de la cantante Joanna Newsom en “Bridges and Balloons”. “Habitualmente no le digo a la banda que es o que estoy tratando de hacer, por lo que toma vida propia”. El otro problema, dice, era “decidir qué era lo que iba a hacer de un tema instrumental, sin letra, algo interesante y que funcionara como un todo”.

En cuanto a la rítmica, Udden dice que el baterista RJ Miller “es en gran medida un baterista de jazz, pero en este grupo su acercamiento es realmente el de un baterista de rock” ajustándose al rol asignado en cada pieza. “Tantos bateristas de jazz simplemente no tienen esa autocontención. Ni siquiera noté, hasta que mezclamos Plainville que RJ toca las escobillas sobre el tambor durante todo el tema. No toca ningún otro tambor en toda la pista”. Con menos intercambio entre solistas y sección rítmica, “hay que tomar la inspiración de algún otro lado”.

Si uno escucha como lo cuenta a Udden, se transformó en un músico de jazz casi por accidente. Se ríe al recordarse excitado cuando escuchó a un chico tocar “La Pantera Rosa” en tercer o cuarto grado (“todavía me gusta Mancini”), y fue entonces cuando escucho a una banda invitada con el saxofonista David Pope en tenor. “Usaba esos tiradores muy cool y tomaba los solos inclinándose mucho hacia atrás, tirando riffs en el saxo y era lo más cool que había visto jamás”. Aún así, Udden era un instrumentista algo abúlico hasta que su hermana se unió a la banda de marchas -“y entonces yo también me uní a la banda de marchas”-. Esto fue en la King Philip Regional High School de Wrentham, la cual es conocida por su currícula de música. Udden ensayaba tres horas por día, cuatro días a la semana, “y tenía el saxo en la boca todo ese tiempo. Así que logré suficiente técnica para entrar en la banda de jazz”. Otro punto de inflexión llegó luego de que su padre le dijo luego de una performance de la banda “Sería realmente una pena si no hicieras algo con esto”.

Así que, fue la NECs. Había comenzado a hacer algo y encontraba que tenía talento para eso, “por lo que seguí tomando el siguiente paso lógico”. Tocó en una banda de ska, luego en la banda de zapadas de Boston Miracle Orchestra, que teloneó a Phish en una ocasión. Se unió a la Either/Orchestra. Se tomó su tiempo de descanso cuando desarrolló síndrome de túnel carpiano. Cerca de su graduación, a la edad de 23 años, comenzó a preguntarse si ser un músico de jazz era lo que realmente quería hacer.

“Cuando estás incorporando tanta información, es difícil dejar ir esas cosas cuando estas tocando. Y necesitaba tomar distancia físicamente de Boston, distancia temporal del estudio y largos períodos sin tocar el saxo y sin escuchar jazz, para luego volver y decidir qué me gustaba y qué no me gustaba”.

Para Udden, la respuesta fue un acercamiento más sencillo, tanto en la ejecución como en la composición. Descubre que los ejecutantes que tocan a una velocidad del demonio lo ponen incómodo. “No es que sea el instrumentista más lento del mundo, pero sé que no soy el más veloz. Así que para mí, tocar tan rápido es como si tocara ejercicios. Mientras que si toco cosas más sencillas sobre un tempo medio, puedo tener la mente más despejada y puede ocurrir un verdadero acto de improvisación”. Recuerda una frase de uno de sus mentores, Lee Konitz: “Si la gente supiera cuan despejada está mi mente en realidad antes de tocar algunas cosas, sería muy embarazoso”.

Desde muy temprano Udden puso el foco en la calidad de su sonido y su tono aéreo y flotante es algo que comparte con Konitz, tanto como sus sorprendentes escaladas, las curvas y giros de sus líneas, algunas de las cuales son realmente veloces. A pesar de sus recelos, Udden aún habla como un músico de jazz, e improvisa como uno. Y cabe preguntarse si algún músico que no sea de jazz podría haber aparecido con algo como Plainville.

Fuente para la reseña Jon Garelick para http://thephoenix.com/boston/music/91570-slow-hand/?page=1#TOPCONTENT

Track Listing – Plainville

01. Plainville (5:48)
02. Red Coat Lane (4:13)
03. Curbs (6:06)
04. Christmas Song (4:58)
05. 695 (6:24)
06. Modest (5:49)
07. Big Lick (4:34)
08. The Reunion (3:34)
09. Empty Lots (7:31)

Artist List

Jeremy Udden: alto, soprano saxophones, cymbals (5)
Pete Rende: pump organ, Fender Rhodes, pedal steel guitar, Prophet
Brandon Seabrock: banjo, electric guitar, steel string acoustic guitar
Eivind Opsvik: bass
RJ Miller: drums
Nathan Blehar: nylon-string acoustic guitar (1, 4)
Mike Baggetta: electric guitar (9)
Justin Keller: tenor saxophone (9)

tapa Folk Art
Folk Art (2012)

Impulsado por el compulsivo banjo de Brandon Seabrook, el álbum del 2009, Plainville del saxofonista Jeremy Udden, fue una sorprendentemente original mezcla de jazz y americana, una especie de “Kind of Blue” de las raíces, que ha demostrado ser difícil de superar. En la música en su próxima etapa, la continuación más enchufada de Udden, “If the Past Seems So Bright”, tenía algunos grandes momentos, pero también algunos difusos. Perfeccionando su sonido en Folk Art, una vez más nos atrae con su inquitante moderación.

La mayor parte del álbum consiste en una suite ejecutada por un cuarteto incluyendo a Seabrook, el bajista Jeremy Stratton y el baterista Kenny Wollesen, con interludios de solo de guitarra acústicos por Nathan Blehar y Will Graefe. La lánguida y atmosférica música, dibuja la intensidad a partir de sus apareamientos: el alto saxofón de Udden derrama repentinas notas sobre el nervioso punteo de Seabrook en “Bartok”; Seabrook urgentemente puntea sobre las agitadas figuras de Wollesen en “Up”.”Our Hero” alardea de una animada melodía a lo Ornette Coleman.

La música corre el riego de convertirse en estática, pero Udden evita la monotonía a través de sus agudos contrastes texturales, amplia gama colorista y el mando atmosférico. Un saxofonista sotto voce, cuyas notas se rizan como el humo, tiene la clase de presencia estable, lírica que recuerda a íconos tales como Jimmy Giuffre, Lee Konitz y Wayne Shorter. Las dos pistas finales presentan a la banda Plainville, con Seabrook en guitarr eléctrica, Blehar en guitarra acústica, Pete Rende en Rhodes, Elvind Opsvik en bajo y RJ Miller en batería. Ellos son sólidos, pero tranquilos, sobre todo teniendo en cuenta la agitación que Seabrook ha creado en la guitarra.

Fuente para la reseña: Lloyd Sachs para http://jazztimes.com/articles/76737-folk-art-jeremy-udden

Track Listing – Folk Art

01. Prospect (Part 1) (5:43)
02. Train (1:57)
03. Up (5:22)
04. Portland (6:35)
05. Dress Variation (2:33)
06. Alexander (Part 2) (5:19)
07. Bartok (4:05)
08. Our Hero (Part3) (2:38)
09. Jesse (4:14)
10. Thomas (7:59)

Todos los temas son de Jeremy Udden, excepto “Jesse” de Pete Rende y “Thomas” & “Dress Variations” de Nathan Blehar.

Artist List

Jeremy Udden: alto & soprano saxes
Brandon Seabrook: banjo
Jeremy Stratton: bass
Kenny Wollesen: drums
Eivind Opsvik: bass
Pete Rende: Rhodes, Wurlitzer
Will Graefe: guitar
Nathan Blehar: nylon-string
RJ Miller: drums

Password en todos los casos: presoventanilla

Apunte: “Inquietante moderación” dice muy acertadamente Lloyd Sachs en su reseña de “Folk Art“, sobre el carácter musical de Jeremy Udden. Jeremy pertenece a una generación de músicos con muchísima información musical, con amplios y diversos gustos por diferentes géneros, y que no dudan en poner todo eso en una música personal y, en este caso, por momentos con genuina emoción. La evolución de Udden de un disco a otro, es siempre positiva buscando hacer cosas distintas con una mirada que parte desde una formación jazzera para ir con un espíritu indie a los territorios del folk y de la tradición norteamericana. Resumiendo: “Torchsongs” es un muy buen disco, “Folk Art” es excelente y “Plainville” es un verdadero discazo. Finalmente quiero agradecer especialmente a mi amigo Nicolobo Ramos que me ayudó con la traducción de las reseñas de los discos. Espero lo disfruten. Saludos!



Karl Jannuska featuring Sienna Dahlen

tapa Streaming
Streaming (2010)

Estudios demuestran que todo el mundo presta más atención a una voz femenina -la más atrayente, la mejor atención- y esto, independientemente del género. La cantante Sienna Dahlen tiene una voz muy seductora, que podría vender agua de lluvia en una tormenta de nieve. Esto puede ser parcialmente responsable del atractivo extremo de Streaming y de su capacidad para captar la atención incluso de aquellos que tienden a evitar las voces. Sin embargo, “parcialmente” es la palabra clave, es simplemente un ingrediente en los dulce y deliciosos, livianos-pero-rellenos platos de folk-pop/jazz-blues que sirve el baterista Karl Jannuska en Streaming, su tercer álbum como líder de la banda, y su primero en presentar a una cantante.

Este álbum de composiciones originales de Jannuska llegan como refrescante limonada en un caluroso día de verano o un reconfortante chocolate caliente en una crujiente y fría noche de invierno; es un maravilloso plato para ser saboreado lenta y atentamente, apreciando su pleno sabor, o distraídamente, disfrutando del entorno. Alimento hecho de la mejor manera, preparado cuidadosamente; nada rápido o chatarra hay aquí, esto es un gran álbum, sano, que te hace sentir bien.

Nacido y criado en Manitoba, escolarizado en Montreal/Nueva York, y ahora radicado en París, Jannuska tiene la capacidad de absorber y asimilar su entorno sin perder su propio camino.Sus composiciones reflejan una forma folclórica, occidental-teñida y un urbanismo de la costa este, con un dinamismo francés. Esto está fuertemente estructurado, pero el resultado se eleva por encima de todo, respira y libera un agradable y minimalista frescor. Streaming no es un álbum demandante -es tan accesible como el jazz puede ser- pero las melodías encantan y la orquestación y la interpretación ofrecen mucho más para disfrutar, haciendo que el resultado se aleje de ser meramente agradable música ambiental o de fondo.

Las melodías en Streaming no necesariamente se mantendrían firmes sin la voz de Dahlen, pero esta es la forma en la que el álbum fue concebido. Las letras no son tontas; claramente fueron escritas con la voz de Dahlen en mente, suave y enigmática, con íntimas resonancias del estilo Sara K./Cassandra Wilson. Las letras en seis de las pistas fueron escritas por Jannuska, mientras que Dahlen aporta tres, y coescribieron una.

Jannuska limita el rango del registro en los suaves fraseos del saxofón y en las claras y redondeadas notas de la guitarra, tejiendo todas las partes indistinta y moderadamente, casándose con los lujosos timbres de la voz de Dahlen, dando al álbum un sentido suave y de múltiples capas. Desde la apertura, como una marcha “As Far As The I Can See”, pasando por el pegadizo groove rodante de “Gold Star”, la atmosférica, alocada pista del título, la esperanzadora y personal balada, “A Whiter Christmas”, y el cercanamente emotivo “Silent Jubilee”, el álbum fluye a la perfección y sin esfuerzo.

Verdaderamente, Jannuska establece límites a sus músicos y sus estructuras melódicas no ofrecen mucho espacio para los solos, pero tanto con su bandas de París o Montreal -el disco fue grabado en ambas ciudades- Jannuska se rodea de talentosos músicos que manejan bien para utilizar ese espacio limitado en forma sutil y atrayente; músicos que comunican la satisfacción que viene de hacer lo que aman a tan alto nivel, y con unos buenos amigos.

El álbum, primero de Jannuska como líder en el sello parisino Paris Jazz Underground que él ayudó a establecer, tiene un magnífico sonido, reminiscente de aquella aclamada estética ECM, incluso el minimalista, desolado paisaje de la portada es, intencionadamente o no, evocadora del sello.

Streaming es mucho menos juguetón e inspirado en el mundo que el disco previo de Jannuska, “Thinking in Colours” (Effendi/Crystal Records, 2008). En cambio, es un álbum más sobrio y más reflexivo -pero tampoco es una nueva cara que Jannuska. Esto es una sucesión de Jannuska, una vez más, encontrando su verdadera forma en una manera ligeramente diferente.

Fuente para la reseña: Pascal-Denis Lussier para http://www.allaboutjazz.com/karl-jannuska-streaming-by-pascal-denis-lussier.php

Track Listing – Streaming

01. As Far as the I Can See (2:41)
02. Nothingness (6:06)
03. Sundogs (7:00)
04. Gold Star (4:31)
05. Streaming (3:38)
06. Timbuktu (6:04)
07. A Whiter Christmas (6:20)
08. Snow in May (3:30)
09. Bittersweet (5:58)
10. Silent Jubilee (4:57)

Artist List

Karl Jannuska: drums
Sienna Dahlen: voice
Olivier Zanot: alto and soprano sax (1-7)
Nicolas Kummert: tenor sax (1-7)
Pierre Perchaud: acoustic/electric guitar (1-7)
Mathias Allamane: acoustic bass
Christine Jensen: alto sax (8-10)
Joel Miller: tenor sax (8-10)
Ken Bibace: electric guitar (8-10)
Fraser Hollins: acoustic bass (8- 10)

tapa The Halfway Tree
The Halfway Tree(2010)

El nuevo opus del baterista de origen canadiense, instalado en Francia desde hace casi diez años, sigue estando arraigado en el seno del colectivo PJU, y teníamos cronicado (hace dos años exactamente) el precedente Streaming, ya en colaboración con su compatriota, la cantante Sienna Dahlen. Es un retorno a su pais natal lo que simboliza el árbol de la cubierta del disco, ese gran álamo que se sitúa a medio camino entre Brandon y Winnipeg, dos ciudades de la provincia de origen del baterista, Manitoba. Esta pradera perdida evoca los recuerdos de lectura, todo un imaginario, el de las novelas de James Oliver Curwood, por ejemplo. El árbol asciende como una nube atómica sobre el horizonte completamente desierto de la carretera que cruza las praderas canadienses…

No estamos más desconcertados esta vez por este álbum poético de sonidos ligeros y refinados, de climas claramente atmosféricos como la voz de Sienna, sin ser helados siempre, incluso en «Coldest Day of the Year»: se observa con satisfacción una música extrañamente familiar, de acentos pop y de jazz inteligentemente mestizados.

Los músicos asumen perfectamente un acompañamiento eficaz al nivel de colores y timbres. Son siete, equilibrio feliz de tres franceses, tres canadienses y un belga. Encontramos a Nicolas Kummert al tenor y en ciertos vocales como “Precious Things”, Olivier Zanot en el alto, Pierre Perchaud en la guitarra eléctrica y acústica. Los recién llegados son Tony Paeleman al piano y Fender y Andrew Downing en violoncello de 5 cuerdas. Karl Jannuska y Sienna Dahlen siguen co-escribiendo las palabras de las once canciones del álbum, pero la música es siempre del baterista de allí que la coherencia del álbum abraza la personalidad del baterista. Siempre golpeado por la dualidad de este músico, de energía terrible en concierto o en álbumes de los amigos (ilustrado en este “Smokescreen” enervado), sabe también dar prueba de una otra sensibilidad, “a flor de piel”, vibrante e hipnótica, en canciones que todavía quieren creer en una cierta belleza del mundo, como en la dulce y envolvente “Million Miles Away”. Es el resultado de una educación entre matemáticas, música y religión, un aprendizaje exigente que le permite encontrarse el cruzamiento de todos los sonidos y las músicas que le gustan?. Karl Jannuska se entrega más todavía en este álbum entre dos, del medio, de la medida desarreglada a veces, al desarreglo medido? Como si este álbum levantara por fin ciertas contradicciones, reconcilia lo contrario de una personalidad musical compleja.

Es una dulce violencia (“Noble Energy”) que atraviesa en definitiva la música suavemente íntima de un músico comprometido en la creencia de un mundo mejor.

Fuente para la reseña: Sophie Chambon para http://www.lesdnj.com/article-karl-jannuska-the-halfway-tree-104467620.html

Track Listing – The Halfway Tree

01. Put an Apple in Your Life (4:55)
02. Coldest Day of the Year (5:09)
03. Alerces (5:05)
04. Precious Things (5:51)
05. Smokescreen (5:07)
06. Million Miles Away (4:02)
07. Firloupe (2:55)
08. One Droning Pedal Tone (6:18)
09. Lilac By Night (4:28)
10. Noble Energy (2:11)
11. Four-Leaf Clover (6:04)

Artist List

Karl Jannuska: drums
Sienna Dahlen: voice
Olivier Zanot: alto sax
Nicolas Kummert: tenor sax
Pierre Perchaud: guitars
Tony Paeleman: piano/ Fender Rhodes
Andrew Downing: 5 string cello

Apunte: Días atrás bromeaba con una querida amiga diciéndole que Jannuska era un baterista de buenas intenciones musicales, mientras ella me decía que desconfiaba de los bienintencionados. Broma aparte, lo que entiendo como buenas intenciones es la búsqueda de hacer algo distinto a lo aprendido, algo personal y original, que represente al propio artista, aunque los resultados finales no sean excepcionales. Claramente es el caso de Jannuska y Dahlen que hicieron en Streaming un correcto álbum de canciones enmarcadas musicalmente en un buen combo folk/pop/jazz/blues, y un par de años después dieron un gran paso adelante con The Halfway Tree, en el que Jannuska crea ritmos casi minimalistas para que los otros músicos entren y salgan decorando bellamente las canciones por las que se desliza la cantante. Como suelo proponer muchas veces, no es música para ambiente sonoro mientras se desarrolla otra actividad: es para disponerse a escuchar seriamente, algo absolutamente fuera de moda en estos tiempos. Salud!

Password en ambos casos: presoventanilla



Mário Laginha Novo Trio
junio 20, 2015, 5:11 pm
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tapa Terra Seca
Terra Seca (2013)

Un piano, un contrabajo y una guitarra portuguesa: así nació el Mario Laginha Novo Trio

El pianista se unió a uno de sus cómplices habituales, el contrabajista Bernardo Moreira y convocó una guitarra portuguesa, interpretada por Miguel Amaral, de quien Mário Laginha dice estar «muy impresionado»: «es una persona con la que da gusto trabajar; es un gran músico, un gran guitarrista»

El estreno ocurre con el disco Terra Seca, tejido de complicidades entre los músicos y los instrumentos, comenzando por el piano y contrabajo, dupla habitual en bandas de jazz.

«La presencia que en principio sería extraña es la guitarra portuguesa; y esta extrañeza no es sólo por la instrumentación, sino por el tipo de música que tocamos. Cuando hablamos de guitarra portuguesa, la gente piensa en fado. Todavía creo que se puede ir más allá del fado, y me atrajo mucho experimentar», explica Mário Laginha.

Como protagonista, tocando la melodía principal, o en compañía secundaria, como acompañante, la guitarra portuguesa tiene en este disco «un papel “sui generis”», señala el compositor

«En grupos de jazz, muchas veces quien toca una melodía es, por ejemplo, un saxofón o una trompeta, y allí el sonido es melódico, no es armónico. En este disco, la guitarra portuguesa es armónica y melódica, mientras que otras veces es rítmica», añade.

El disco está «más próximo del jazz que de otra cosa. Los más fundamentalistas dirán “esto no es jazz, no tiene el ‘swing’ habitual”; otros dirán que tampoco es música clásica, y yo estoy de acuerdo; y todos dirán que no es fado, y de hecho no lo es del todo».

Entre esta indefinición, Mário Laginha apunta que al jazz como la mayor influencia del disco, seguida de la música clásica. «Este es un trío que tiene un lado de música de cámara».

«Y después hay un lado portugués, que viene de la música popular y del fado».

Y ahora, el origen del nombre del disco: «La tierra seca es, por regla general, una zona poco habitada, donde es necesario hacer un esfuerzo para transformarla en fértil. Y yo pensé que, musicalmente, teníamos que ir a una zona poco habitada. Y eso tiene un lado fascinante porque es necesario ir a la búsqueda, es necesario convertirla en fértil.”

Fuente para la reseña: http://www.snpcultura.org/terra_seca_mario_laginha_novo_trio.html

Apunte: El Mário Laginha Novo Trio, nació al mundo el 18 de septiembre de 2013 en el auditorio lisboeta de Culturgest. Terra Seca, dedicado a Bernardo Sassetti, fue compuesto casi de manera completa por Laginha, a excepción del tema “Fuga para um dia de sol”, escrito por Miguel Amaral, quien ya tiene editado a su nombre el álbum “Chuva Oblíqua”. Como bien aclara Laginha, el jazz es el “territorio” más reconocible, pero la guitarra portuguesa de Miguel Amaral, trae ecos del fado y de otras músicas populares del país, como así también el recuerdo de músicas del gran Egberto Gismonti. Hablar solo de jazz es insuficiente para definir una música que se mueve libremente entre las músicas de cámara, clásica y contemporánea. Por estos días, en una nueva edición de la reunión anual de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), el Hot Clube de Portugal y la Universidade Lusíada se llevará a cabo un concierto inédito: se encontrarán en el escenario un verdadero promotor de la integración de los distintos lenguajes jazzísticos como es David Liebman, con el Mário Laginha Novo Trio. Da toda la impresión que en el caso de que el Novo Trio perdure en el tiempo, se verán más frutos de nuevas tierras fértiles.

Track Listing

01. Terra Seca (8:21)
02. Dança (9:43)
03. Quando as Mãos Se Abrem (4:30)
04. Tão Longe e Ainda Perto (6:29)
05. Fuga para um Dia de Sol (4:21)
06. Há Correria no Bairro (5:22)
07. Enquanto Precisares (5:55)
08. Pela Noite Fora (7:23)
09. O Recreio do João (3:55)
10. Chão Que Se Move (4:55)

Artist List

Mário Laginha: piano
Miguel Amaral: guitarra portuguesa
Bernardo Moreira: contrabaixo

Link de descarga
Password: presoventanilla



Joaquín Chacón & Mariano Díaz

tapa Skytrain
Skytrain (2014)

De todo un poco y entre col y col, lechuga. Jazz de variedad estilística y sobre todo tamizada de intensidad y energía a raudales. Composiciones ex profeso para la ocasión repartidas fundamentalmente entre Mariano Díaz y Joaquín Chacón. Entendimiento total, funcionamiento con piloto automático. Frescura creativa y originalidad repartida a lo largo de los 60 minutos que dura la obra.

Y qué decir de los músicos, de lo más granado del panorama nacional que cuenta además con el españolizado Dave Liebman que últimamente aparece con profusión en un buen puñado de proyectos sin olvidar su lujuriosa trayectoria llegando a ser acompañante del mismísimo Miles Davis.

Con ello sería difícil destacar una composición de otra, un momento de otro, pero en “Boundaries of Conciousness”, Joaquín Chacón viste su guitarra de elegancia y se acerca a Pat Metheny con Dave Liebman en el tenor y Mariano Díaz al piano en uno de los temas más pausados del disco juntamente con la evocadora y bucólica “Gris”(Mariano Díaz, Joaquín Chacón y Dave Liebman reflexionan apaciblemente) o la preciosa balada dedicada a Bohumir Kvasnicka, “B.K. In Memoriam” donde Joaquín Chacón se reparte entra la tradición y la modernidad bien secundado en los solos por Perico Sambeat y Mariano Díaz.

“Skytrain” entre el funk y el rock pero con instrumentación acústica.

En “Yotsuya Station”, aparece Dave Liebman con su flauta india al comienzo lo que viene a ser casi una costumbre o un sello de identidad de los discos donde participa y una pincelada étnica que se complementa con Perico Sambeat en el soprano saxofón y Mario Rossi en el contrabajo.

Excelente “Energy Thieves”, donde el hard-bop nos roba la energía con sutileza, modernidad y calidad.

Aires groove en “She Cool And Groovy”, recordando por momentos a Weather Report.

Con la alternativa “Yotsuya Station” finaliza el álbum pero en esta ocasión con Dave Liebman en soprano saxofón.

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/web/?p=12101

Apunte: Sin teclados ni sintetizadores habituales en el jazz rock, Skytrain es una muy interesante colección de temas que, de alguna manera, evoca el sonido y las atmósferas del jazz rock de los setenta (aires de Weather Report o del Metheny Group atraviezan a Skytrain), sin caer en los excesos que llevaron al decaimiento del interés por el género. La evocación no va en desmedro del resultado final del disco, ya que su fortaleza radica en una propuesta variada y diversa que se disfruta y logra mantener la atención a lo largo del tiempo que se extiende el álbum.

Track Listing

01. Skytrain (5:52)
02. Notas Discordantes (6:22)
03. Boundaires of Consciousness (5:23)
04. The Skin (6:24)
05. Yousuya Station – featuring Perico Sambeat (6:44)
06. Gris (6:23)
07. Energy Thieves (4:33)
08. B. K. In Memoriam (6:42)
09. She Cool and Groovy (6:44)
10. Youtsuya Station -alternate take – featuring Dave Liebman (5:41)

Artist List

David Liebman: sax
Perico Sambeat: sax
Mario Rossi: bass
Javier Colina: bass
Guillermo McGill: drums
Mariano Díaz: piano
Joaquín Chacón: guitar

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Olivier Le Goas & Trilog
junio 12, 2015, 8:47 pm
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tapa Seven Ways
Seven Ways (2009)

Olivier Le Goas ha navegado entre la escena de la vanguardia neoyorquina (Ben Monder, Jim Black, Drew Gress) y la francesa, donde lo hizo particularmente en compañía de Éric Löhrer. Tras un primer disco bajo su nombre en 2006 [1], Le Goas ha montado el trío Trilog con los músicos Manu Codjia, guitarrista que no es necesario presentar, y Vicente Mascart, saxofonista ya observado en el momento del concurso de La Défense en 1994 cuando consiguió el primer premio. Por otro parte, Mascart también participó en la Orquesta Nacional de Jazz Claude Barthélémy y coordina el departamento de jazz del Conservatorio de Nevers.

En momentos en que muchos músicos repiten “tubos” pop o rock a su salsa, Le Goas, se inspira en la música clásica. Por supuesto, como buen número de sus pares, el baterista-compositor encuentra su inspiración en la música del final del siglo XIX, comienzos del siglo XX: Ravel le ha dictado «Sainte», un diálogo tranquilo y bastante lento. Sin embargo, sus fuentes datan de aún más lejos, más allá hasta de Bach, cuyos contrapuntos se prestan a las mil maravillas a las elucubraciones de los músicos de jazz, hasta la música de siglos XVI y XVII : «Le chant du regard» se basa en un tema de Erasmus Widmann [2], «Rêve de Bourgogne» de un anónimo del siglo XVII, y Henry Purcell aporta «The Answer». Le Goas compuso «Seven Ways» y «Dia». «Turn Out The Star» de Bill Evans cierra todo.

Seven Ways evoca tanto a los trovadores por sus melodías danzantes y repetitivas con toques desusados, como al siglo XXI por las elevaciones free de Mascart, los chorus rock de Codjia o la batería “terrenal” de Le Goas. La reverberación del saxofón y los acordes vaporosos de la guitarra permiten a Trilog desarrollar ambientes meditabundos y etéreos que Le Goas parece adorar.

El trío respeta globalmente la arquitectura tema-solo-tema pero siembra su intención de dúos o de solos. Cuando Mascart toca el soprano, Codjia a menudo se pone en el rol de líneas de bajo sobre motivos recurrentes; cuando pasa al tenor, el guitarrista se inclina más hacia los acordes “en suspensión”. Los solos de este último son a veces fluidos, a la Abercrombie, a veces bajo influencia rock. Mascart, es un Janus [3] del saxofón: la faceta “soprano” es resueltamente nerviosa, tirada hacia los agudos y la histeria (aunque, de cuando en cuando, el instrumento desempeña un papel más místico), mientras que la faceta “tenor” revela a un músico falsamente indolente, de sonido amplio, a la imagen de los “jóvenes leones” de los años 80-90. El «baterista-compositor» conoce, pero gracias a una independencia bien controlada, sigue siendo neto y preciso. Bella sonoridad “animal” que refuerzan su potencia, un ataque tenso y un sonido mate sobre las pieles. Se piensa naturalmente en Elvin Jones.

Seven Ways recuerda por supuesto a John Abercrombie por su costado volador, pero a veces también al Steve Coleman de “Genesis & The Opening Of The Way” por la fusión.

Brevemente: Le Goas y su Trilog proponen una música contrastante -meditativa o de juglares- con inclusiones free que colorean sus declaraciones.

[1] “Gravitations” junto a Ralph Alessi (tp), Drew Gress (b) y John Abercrombie (g), que se registró en el sello suizo Altrisuoni, como Seven Ways.

[2] (1572 – 1634) Compositor y organista alemán.

[3] Janus, en la mitología romana, un dios que tenía dos caras mirando hacia ambos lados de su perfil.

Fuente para la reseña: Bob Hatteau para http://www.citizenjazz.com/Olivier-Le-Goas-Trilog.html

Apunte: Lograr que una música hecha con raíces renacentistas, filtrada por las influencias rock del guitarrista y las excursiones free del saxofonista suene atractiva, por momentos pegadiza y en otros adquiera una expresión casi mística o de trascendencia, no es tarea sencilla. Esta muy interesante propuesta de Olivier Le Goas junto a los aventureros Vincent Mascart y Manu Codjia, permite escuchar un particular universo musical que rompe los códigos habituales del jazz fronterizo, creando una fusión que se diferencia de lo que conocemos habitualmente como “música de fusión”. Seven Ways no admite una escucha desatenta, porque los músicos nos desafían; contrariamente, la valoración aumenta con las sucesivas audiciones. Es esa clase de obras con la cual uno puede no sincronizar inmediatamente, pero si aprender a disfrutarla.

Track Listing

01. Le chant du regard (8:07), según Widmann
02. Rêve de Bourgogne (4:49), según un anónimo del siglo XVII
03. Dia (5:32).
04. Sainte (6:33), según Ravel
05. Seven Ways (8:19).
06. The Answer (7:42), según Purcell
07. Turn Out The Star (5:25), Bill Evans

Todos los arreglos y las composiciones son de Le Goas salvo indicación contraria.

Artist List

Olivier Le Goas: drums
Manu Codjia: guitar
Vincent Mascart: soprano saxophone, tenor saxophone

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Raffaele Casarano & Locomotive

Sobre el músico

Nació el 07 de Mayo de 1981; se acerca al estudio del saxofón a la edad de siete años con una fuerte pasión por la música, en particular el jazz, realizando los estudios con el maestro Fabio Sammarco docente en el Conservatorio “N. Piccinni” de Bari. Se diploma en saxofón en julio de 2004 en el Conservatorio de Música “T. Schipa”, de Lecce, con excelentes votos, con el maestro Luigi Fazi, estudiando jazz posteriormente con Roberto Ottaviano.

Frecuenta master clases con artistas como Dave Liebman, Emiliano Rodriguez y Maurizio Giammarco.

Ha colaborado y trabajado con: Paolo Fresu, Roberto Ottaviano, Eddy Palermo, Maurizio Giammarco, Buena Vista Social Club (Notte Della Taranta 2006), Meridiana multi_jazz orchestra (Pino Minafra, Nicola Pisani, Faraualla, Vittorino Curci, Gianni Lenoci, etc), Javier Girotto, Andrea Pozza, Patrizia Conte, Gaetano Partipilo, Ensemble Notte Della Taranta, Negramaro, Moni Ovadia, Anonima folk, Riccardo Pittau, Opa Cupa, Manigold, Vertere String 4tet Marian Serban, Marcello Zappatore, Bachire Gareche, etc.

En septiembre de 2004 funda el proyecto Locomotive que lo verá actuando en muchos clubes italianos pero en particular en enero de 2005 en el Sounds Jazz Club de Bruselas.

En mayo de 2005 funda junto a Andrea Sabatino, el Sabatino-Casarano 5tet con Nicola Andrioli (piano), Marcello Nisi (batería) y Marco Bardoscia (contrabajo)

De ahí comienza un año de preparativos para grabar luego su primer disco “Legend” en el sello Dodicilune Records, donde participa la Orquesta Del Conservatorio T. Schipa y el gran anfitrión Paolo Fresu.

R. Casarano es director artístico e ideólogo junto a la asociación MusicAltra, del “Locomotive Jazz Festival” desde la primera edición en agosto 2006, en su pueblo nativo Sogliano Cavour (Lecce).

El Festival ha hospedado a: Danilo Rea, Giovanni Tommaso, Javier Girotto, Fabrizio Bosso junto a músicos de jazz salentinos, con amplio consentimiento del público.

Fuente para la biografía: http://www.jazzitalia.net/Artisti/raffaelecasarano.asp#.VXifCvl_Okp
tapa Legend
Legend (2006)

¡Hay que ser un poco agrandado para atreverse a registrar un primer disco con una orquesta de cuerdas! Sin embargo, es lo que hizo el joven saxofonista italiano Raffaele Casarano.

Pero: ¿es una buena idea?
Sí y no.

Sí, en el sentido de que se demuestra unas ganas de cierta originalidad a través de este enfoque.

Y no porque algunas piezas tienden a volverse melosas por momentos y a perder así su eficacia. Aunque destilada con sobriedad, la orquestación diluye temas que sin embargo, se bastarían solos por sí mismos. Sin embargo, se observan algunos bellos arreglos que ponen de manifiesto una cierta idea de acompañamiento, cuya voluntad es integrar las cuerdas más cerca del cuarteto, por ejemplo.

Mientras tanto, Casarano también invitó a la estrella italiana de la trompeta: Paolo Fresu, a quien encontró, por casualidad, en un andén de estación (de ahí el nombre del grupo). A todo señor, todo honor: es el propio sardo quien abre el álbum con su fraseo inimitable y reconocible entre todos. Se une posteriormente con el saxofonista (que igualmente muestra una bella maestría al soprano) para un diálogo animado y entusiasta. Excepto las cuatro composiciones orquestadas (el groovy “Legend”, las gentiles baladas “Coccinella” y “My Head”, así como “Rue de la Tulipe”, un alegre ritournelle en homenaje al Sounds, club de jazz de Bruselas que acogió el cuarteto y a Paolo Fresu antes del registro del CD), las piezas más interesantes son aquellas donde el cuarteto se desempeña solo. Apreciamos entonces las rupturas, las esperas, las tensiones, las escapadas, las preguntas y las respuestas que se juegan entre el alto saxofonista y el excelente pianista Ettore Carucci. Carucci inflama más de una vez los temas por un enfoque en primer lugar sombrío y seco antes de hacerlos estallar bajo sus luminosas improvisaciones. Así, en “You Don’ t See Me”, empuja a Casarano a “pelearse” en un solo nervioso. Igualmente, su introducción desestabilizadora e inquietante en “The Fall” arrastra esta balada dolorosa y sensible hacia un intercambio musical más brutal. Es el pianista quien enerva “Larry” por sus intervenciones cortantes.

Finalmente, son estas piezas que revelan una hermosa dinámica de grupo en el que se encuentra un poderoso Marco Bardoscia en el contrabajo y un ardiente Alessandro Napolitano en los tambores.

Es el lirismo alegre y este espíritu de concisión que hace atractivo a este cuarteto. Y decimos entonces que esta locomotora no necesita cargar con demasiados vagones.

Fuente para la reseña: Jacques Prouvost para http://www.citizenjazz.com/Raffaele-Casarano-Locomotive.html

Track Listing – Legend

01. Legend (6:38)
02. Rue de la Tulipe (7:07)
03. The Fall intro (1:59)
04. The Fall (7:02)
05. Larry (9:20)
06. Coccinella (8:22)
07. You don’t see me (10:31)
08. My Head (4:57)
09. O que serà (A flor da Pele) (5:29)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto and soprano sax
Paolo Fresu: trumpet
Ettore Carucci: piano
Marco Bardoscia: bass
Alessandro Napolitano: drums
Alessandro Monteduro: percussion
Giuseppe Bassi: bass (2)
Dario Congedo: drums (2,5)

Orchestra del Conservatorio Tito Schipa directed by Massimiliano Carlini, arrangements by Simone Borgia (1,2,8) and Fabrizio Piccinno (6)

tapa Noe
Noè (2014)

Un estado, una dimensión, un lugar musical. Quizás una perspectiva, un horizonte, una dirección. Hay tantas posibles lecturas y sugestiones contenidas en “Noè”, el nuevo trabajo discográfico de Raffaele Casarano, firma valiosa para el territorio salentino, capaz de afirmarse entre los mejores músicos del panorama nacional.

Era esperado este retorno, después de “Argento” (su última grabación en estudio), del crecimiento del Locomotive Jazz Festival, dirigido por el mismo Casarano y la espectacular versión de “Lu rusciu de lu mare”, (que goza de la participación del amigo Giuliano Sangiorgi), que ha abierto la última edición de La Notte della Taranta y ya ha superado las 13 mil visualizaciones.

Los temas, en definitiva, no faltan, mientras se corre inexorablemente hacia el estreno nacional del disco, que será presentado en un “vivo”, en el Teatro Romano de Lecce, el próximo 22 de septiembre. Del trabajo, pero no solo, hemos hablado precisamente con Raffaele Casarano.

¿Cómo ha nacido el título y con que acercamiento ha tomado vida esta experiencia discográfica? “Viene del término hebreo, que significa ‘quietud’, silencio. Este disco ha nacido justo así: del silencio y de la quietud del tiempo, que ha tomado la forma de la experiencia, de las retrospectivas, de mi vida como es ahora. Eso es lo que hay hoy en mi idea musical. Soy un músico anómalo que hace jazz “de trazos rock”, que consigue dialogar con otros géneros musicales. Este es un álbum ‘abierto’ en el que no he ahorrado y donde el jazz no es mainstream: el enfoque es de contenido, deriva de un estudio pormenorizado sobre todos los géneros”.

El álbum está a punto de salir: que espera en particular de este trabajo? “Es el cuarto álbum que registro y, como siempre, trato de contar lo que he vivido, transformándolo en sonido. Todos los temas contenido en el disco fueron tocados y registrados en toma directa, todos juntos, en Correggio, en una única sala, prefiriendo también mantener el error (afortunadamente no hay) en una fusión de almas y sonido. Esta inmersión introspectiva para por ocho piezas en escala, entre las cuales está “Lu rusciu de lu mare” con la participación de Giuliano Sangiorgi”.

Entre las piezas, hay una que merece particular atención y es la que le ha dedicada a Vittorio Bodini. “Sí, me fascina nuestro poeta que ha contado el Sur. Me ha impresionado su idea de que se pueda repartir el territorio y gozar de una división, aunque el modo de mirar las cosas es diferente del mío. Fue un homenaje que gusté de tributarle”.

Qué diferencias hay desde el punto de vista musical entre “Noè” y el precedente “Argento”? “Existe siempre una continuidad en el trabajo de un artista, aunque yo soy como un electrocardiograma, que sube y baja, vive de cambios de humor. Argento era un disco contaminado, principalmente electrónico. En Noè prevalecen la implosión intimista y la emotividad”.

Aparte de Giuliano Sangiorgi, que ha participado en “Lu rusciu de lu mare” hay otras colaboraciones en el disco? “No hay, salvo el guitarrista de Negramaro, Emanuele Spedicato, que ha tocado la guitarra slide. Pero es una opción deseada, debía ser una experiencia muy íntima del cuarteto”.

A propósito del cuarteto, el álbum coincide con el décimo aniversario del “Locomotive Quartet.”.. “El cuarteto ha nacido hace diez años, aunque al principio vió la participación de Ettore Carucci al piano, Marco Bardoscia al contrabajo y Alessandro Napolitano en la batería. Luego con “Argento” el cuarteto ha visto las entradas de Mirko Signorile y Marcello Nisi. También por esta razón, el disco ha representado un momento propio de esta formación”.

Saliendo por un instante de “Noè”, hay otra experiencia que está mucho en su corazón y es el Locomotive Jazz Festival, que sin embargo este año se enriquece de una versión invernal. ¿Cuál es el balance de esta experiencia? “Muy positivo, visto que surge en un territorio fuertemente impregnado por la música popular y la pizzica**. Ha crecido, adquiriendo la atención a nivel nacional y europeo, pero el crecimiento exponencial se debió principalmente al público, que ha estado cerca nuestro y nos ha apoyado con entusiasmo. Precisamente por esto, estamos pensando en nuevas iniciativas de participación como la “Locomotive Card” que permite ser partidario del festival por un año, brindando algunas ventajas para los momentos culturales”.

Mientras te preparas al preestreno nacional del 22, que cosa apeteces todavía decir sobre el disco… “Querría hacer una invitación a adquirir los discos, porque si la música es solamente digital se pierde el sentido casi artesanal de una obra. En cambio, un disco es fruto de un trabajo paciente: usando una metáfora, es como el pan salido del horno y de las manos de un panadero. La música merece apoyo”.

**pizzica: danza folklórica popular originaria de la península de Salento, región de Apulia

Fuente para la reseña Mauro Bortone para http://www.lecceprima.it/eventi/cultura/terzapagina-raffaele-casarano-presenta-noe.html

Track Listing – Noè

01. Oriental food [R. Casarano] (4:31)
02. Gaia [M. Bardoscia] (5:39)
03. Amonefe [M. Signorile] (5:04)
04. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi] (4:39)
05. Ballata per Bodini [R. Casarano] (7:12)
06. Woman’s drive [R. Casarano] (7:54)
07. Legend [R. Casarano – Ed. Dodicilune] (6:53)
08. Arca di Noé [M. Signorile] (2:58)
09. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi con G. Sangiorgi] (4:39)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto e soprano sax, live electronics
Mirko Signorile: piano
Marco Bardoscia: contrabbasso, live electronics
Marcello Nisi: batteria
Giuliano Sangiorgi e Lele Spedicato featuring in “Lu rusciu de lu mare”

Password en ambos casos: presoventanilla

Apunte: Apadrinado por Paolo Fresu, Raffaele Casarano está concitando la atención de los medios italianos que ya lo consideran como uno de los más talentosos intérpretes de la nueva generación del jazz italiano. Fresu, lo quiere transformar en la joya de la corona de la creativa fragua del Tùk Music, sello dirigido por el propio Paolo. Seguidores como somos del jazz hecho en Italia no podía faltar en MQC/PV un par de muestras de lo que Casarano tiene para decir, que no es poco. Saludos!



Girona Jazz Project Big Band & Guillermo Klein
junio 7, 2015, 7:18 pm
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tapa El Camino
El camino (2010)

Guillermo Klein es un gran músico y arreglista argentino que después de haber pasado por los Estados Unidos y Argentina imparte también, de vez en cuando, su magisterio por todo el Estado Español.

Guillermo lleva trabajando con big bands desde que creó la suya propia allá por el año 1993 llamada Los Guachos, con lo que trabajar en este formato no le pilla de sorpresa.

La música de Klein es una sabia mezcla de jazz, clásica y folclore en su justa medida y yo como seguidor de su obra pocas excusas puedo ponerle como compositor, arreglista y director ya que todo lo hace francamente bien.

En esta ocasión es la Girona Jazz Project Big Band la que se pone a las órdenes de Klein para la grabación de varias de las composiciones del propio músico en el sello Quadrant.

Algunos de los temas desarrollados en esta grabación pertenecen a la primera etapa neoyorkina de Klein, son composiciones de los años 93 y 94 y habían quedado apartadas en algún cajón; se nota que son temas donde Guillermo va sentando las bases de su posterior música y que tienen una fuerte carga emocional y de juventud. Además de los temas de aquella época que son “Abismo”, “La Manzana de las Luces”, “El Camino” y “Lola” para la ocasión y viéndose con estos mimbres Klein compone dos temas “Llagosta” que abre el disco y “Barcelona” más frescos y contemporáneos. Aún queda tiempo para añadir “El Rio” y “El Espejo” con lo que este cd a pesar de los pequeños desajustes que se filtran en algunas de las líneas de la big band es un magnífico ejemplo de la música que Guillermo Klein es capaz de componer.

Otro acierto de Quadrant recuperando la magnifica música de este maestro argentino del jazz actual que debería de tener mayor repercusión, esperemos que este disco ayude a ello.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2011/03/girona-jazz-project-big-band-guillermo-klein-el-camino/

Apunte: Cada vez que escucho un proyecto liderado por Guillermo Klein imaginariamente coloco a Klein de manera inamovible en el podio de los (tres? cinco?) artistas más geniales que han nacido en nuestro querido pais; a Klein (y calculo que a ustedes también) seguramente poco le importa esta consideración, porque lo que verdaderamente importa es la música, compuesta, arreglada y ejecutada por una Big Band, una configuración casi olvidada en la difusión de los medios tradicionales (¿quién no tiene un amigo que nos mira como diciendo “qué es esa música de los años ’50??”). Pues bien, este proyecto de Klein con los músicos de la Girona Jazz Project es impactante desde lo profundamente emocional de algunos de sus temas, ya que cuando escuchamos “El Camino”, realmente podemos ver un camino que tristemente vamos dejando atrás; cuando suena “Abismo”, estamos ante el abismo de un vacío existencial que casi puede palparse…o cuando la dinámica de “El Río” nos arrastra, podemos sentirnos en los rápidos como si no pudiéramos hacer pié en el lecho…disponer de una Big Band tiene la ventaja de poder contar con muchos recursos expresivos a la hora de transmitir sensaciones, emociones o estados de ánimos. Klein en Argentina, Estados Unidos o España concita el respeto y la atención de grupos de talentosos músicos para expresar su arte compuesto sabiamente de tradición y modernidad.

Track Listing

01. Lola (6:58)
02. La manzana de las luces (11:08)
03. El camino (8:37)
04. Abismo (6:19)
05. El espejo (6:46)
06. El río (5:42)
07. Llagosta (3:05)
08. Badalona (3:37)

Artist List

Saxos:
Gorka Garay
Albert Comaleras
Adrià Bauzó
Xavi Molina
Jordi Casas

Trompetas:
Roqui Albero
Jaume Torner
Ivó Oller
Jordi Fontanillas

Trombones:
Carlos Martín
Jordi Gual
Eduard Prats

Francesc Ubanell: guitarra
Alex Carbonell: piano
Oriol Casadevall: contrabajo
Ramon Prats: batería

Guillermo Klein: dirección

Link de descarga
Password: presoventanilla




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