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Greg Ward

tapa South Side Story
Greg Ward’s Fitted Shards

South Side Story (2010)

Como muchos músicos, el saxofonista/compositor de Chicago, Greg Ward (ahora establecido en New York) compatibiliza múltiples actividades: trabajando con nombres desde Al Jarreau a Von Freeman; grabando proyectos diversos con Mike Reed’s People, Places, and Things o con el artista electrónico Guillermo Scott Herren aka Prefuse 73; y aún conduciendo una orquesta para el artista de hip hop Lupe Fiasco. En este entorno cambiante, sería fácil perder la identidad, pero su brillantemente concebido y excepcionalmente ejecutado debut, South Side Story, demuestra lo contrario, revelando que Ward consiguió su propia magia.

La potente banda de Ward y su poderosa música son los frutos de un artista bastante enfocado buscando su propia voz, tanto que Ward declara en las liner notes del CD, “sentí que este álbum fue la manera más concisa para transmitir mi historia”. Esta música que se desarrolla es fresca, decisiva, y penetrante, recuerda en tono a cualquier número de realizaciones progresivas actuales, pero suena como nada más que la visión singularmente audaz de Ward.

La fortaleza de la música desecha cualquier noción de tentativa de encajar en un nicho; las Influencias de Ward abarcan una plétora de ideas y texturas, con clara composición e hirviente improvisación. Comenzando con “Segue”, un torbellino que arranca como una galáctica ópera rock, cambiando a un groove melódico con una infecciosa armonía de saxo/órgano.

A continuación, las pistas se desarrollan como capítulos de un libro, con inesperados y emocionantes eventos que acechan a la vuelta de cada esquina. El pulso de latido del corazón de “All In”; contiene un exuberante manto proporcionado por los coloridos sintetizadores de Ward, así como una sección donde Kirchner proporciona la exótica percusión. El contemplativo “Castle of Ice” es como la calma antes de la tormenta “Step Forward´s”, con su regeneración de distorsión y granulados tonos de órgano, así como los dardos de saxofón de Ward entre los cambios.

Las dos pistas más largas son poderosas afirmaciones de las intenciones de Ward. La pista del título, de once minutos y medio, comienza con callados susurros de los instrumentos. Creciendo en el impulso, se transforma en un potente spot para el piano solista de Rob Clearfield. Luego Ward se une a la refriega, y las dos voces líderes suben hasta las nubes. “Fitted Shards” es su contraparte -no sólo en longitud, sino también en creatividad- los temas disparan como fragmentos destrozados, así como Ward confirma, “la canción es acerca de los quebrantos, trozos rotos de todo lo que soy”. El grupo trae juntos perfectamente, como sólo músicos consumados pueden- una pieza que se mueve a través de intrincados canales con los sonidos de los salvajes teclados de Clearfiled, el enfurecido alto de Ward, y una conclusión que es tanto sublime como espiritual.

Incisivo y cerebral, el debut de Ward es tan cortante como el nombre de su grupo.

Fuente para la reseña: Mark Turner para https://www.allaboutjazz.com/south-side-story-nineteen-eight-records-review-by-mark-f-turner.php

Track Listing – South Side Story

1. Segue (2:54)
2. All In (6:54)
3. Castle of Ice (2:43)
4. Step Forward (8:46)
5. Instructions (2:08)
6. South Side Story (11:27)
7. Like Mozart (7:04)
8. University of Opportunity (6:45)
9. Fitted Shards (12:26)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone; composition
Rob Clearfield: keyboards, piano, synth
Jeff Greene: upright and electric bass
Quin Kirchner: drums, percussion

tapa Phonic Juggernaut
Greg Ward’s Phonic Juggernaut

Phonic Juggernaut (2011)

El trío Phonic Juggernaut de Greg Ward puede ser fuerte, también puede ser rápido, pero nunca puede ser descrito como fuera de control. El saxofonista de veinte y algo toma la alineación de jazz moderno saxofón/bajo/batería y adhiere a las tradiciones de jazz, no como un acto regresivo, sino como el avance de un sonido inteligente e innovador..

Este natural de Chicago convertido en neoyorquino puede ser escuchados con el baterista Charles Rumback y Mike Reed’s People, Places, and Things, así como con el conjunto electrónico Prefuse 73. Su lanzamiento inicial como líder, “South Side Story” (Nineteen Eight, 2010), fue una sesión en cuarteto, pero también incursiona en la escritura para conjuntos de cámara, orquestas y ballet.

Así como el baterista Tony Williams una vez propulsó a Miles Davis de su sonido de los años ’50 al jazz/rock de los años ’60, el baterista Damion Reid catapulta el sonido aquí, acortando el jazz con modernos beats. Reid, que también ocupa la silla del baterista en las bandas de los saxofonistas Steve Lehman y Rudresh Mahanthappa, empareja la energía de Ward golpe-por-golpe, paseando el sonido en todas partes; en su agitado dinamismo está la chispa constante aquí.

El disco se abre con el atronador “Above Ground”; un entrenamiento pesado que tiene un momento de pausa para el solo del bajista Joe Sanders. Ward toca con ferocidad, acompañado en todo momento por Sanders y Reid, y con una intensidad de sonido que recuerda los trabajos de finales de los ’80 de los saxofonistas Steve Coleman y Greg Osby.

Pero esto no es solo una versión trío de DIY hardcore rock. Los arreglos de Ward incluyen el ágil y pulido “Velvet Lounge Shut-In”, un vehículo para el bajo de Sanders para llevar la melodía, con algún hábil trabajo de tom-tom y platillo de Reid, mientras las progresivas capas de “This Ain’t In Book 3” comienza con el bajo inclinado y el amable saxofón, construyendo sobre el agresivo tamborileo una pared impenetrable de sonido.

La pieza de cierre, “Sectionate City”, es la única no escrita por Ward. La composición de Andrew Bird se convierte en una pieza de música electrónica, con el trío haciendo un jazz fusión un tanto lavado, pero mezclando elementos bajo un paraguas de jazz y haciéndolo de manera honesta.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para https://www.allaboutjazz.com/phonic-juggernaut-greg-ward-thirsty-ear-recordings-review-by-mark-corroto.php

Track listing – Phonic Juggernaut

1. Above Ground (11:24)
2. Leanin’ In (9:50)
3. Velvet Lounge Shut-In (11:12)
4. Phonic Juggernaut (8:42)
5. This Ain’t In Book 3 (7:09)
6. U.S. 4 (6:09)
7. Sectionate City (6:18)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone
Joe Sanders: bass
Damion Reid: drums

tapa Touch My Beloved's Thought
Greg Ward & 10 Tongues

Touch My Beloved’s Thought (2016)

Touch My Beloved’s Thought es una empresa audaz que se inspira en el drama, la pasión, y la presentación de la grabación de 1963 de Charles Mingus, Black Saint and Sinner Lady. El saxofonista de Chicago, Greg Ward, normalmente se inclina hacia la vanguardia del jazz moderno, con acercamientos al clásico hard bop y al free jazz, pero en Touch My Beloved’s Thought fue mucho más allá, creando una deslumbrante banda de sonido para un grupo compuesto por diez colegas de confianza.

La inspiración vino en forma de una comisión para honrar la obra maestra de de Mingus, y desde esto, la pieza fue desarrollada, como el original, con un acompañamiento de una producción de danza (coreografiada por Onye Ozuzu). La performance resultante, la única desde la cual esta grabación fue hecha, se estrenó en el Constellation de Chicago en Agosto de 2015.

Volver al álbum de Mingus seguramente enriquece la experiencia de audición, pero no es necesario, como Ward explica, la conexión a la pieza de Mingus fue más de inspiración y continuación en lugar de una reescritura. El compositor tomó fragmentos, intros, detuvo intervalos, y momentos fugaces como saltando de puntos para crear algo único. Incluso el título remite al subtítulo del original.

Arrancando con ‘Amanecer’, una secuencia de acordes tocados por los saxos atrae, como el oyente es atraído por las capas de la fanfarria de apertura. Enseguida la composición es sorprendente, especialmente cuando el tema es refundado una y otra vez, ganando en profundidad y peso. El solo de saxofón a la marca de 4 minutos es un delicioso descanso, especialmente contra el rico acompañamiento. La apertura realmente establece la escena -el siguiente ‘Singular Serenade’ rompe el gran sonido en un escenario más íntimo, impulsada por el piano y empapado en el blues. Hay una familiaridad vagamente fastidiosa a la melodía.

En ‘With All Sorrow, Sing a Song of Jubilee’, una balada, introducida por el piano, alberga un extendido solo de trombón que vuelve a un viejo estilo de jazz, pero lo suficientemente fresco como para subrayar cómo la buena música es atemporal. El siguiente ‘Grit’ es un perfecto encapsulamiento de una figura rítmica de Mingus, audaz y alegre, y algo para agarrar. Finalmente, escuchemos juntos al arreglo increíble de trompeta en ‘Round 3 ‘ -esto es una fantasía de cobre digna de perderse en ella. Pisa muy fuerte y grita y una línea de bajo tan suntuosa le hará llorar.

En Touch My Beloved’s Thought, temerarias voces y cambios sutiles trabajan de la mano con chisporroteantes solos y el enérgico labor del ensamble para traer este homenaje vivo.

En esta época conectada, cuando toda la música está disponible en cualquier momento y en cualquier lugar, y lo rico desde donde inspirarse siempre está fluyendo, se puede hacer una mirada retrospectiva pero hay que seguir avanzando. Es genial escuchar una obra que se creó en 2016 y apoyaría cualquier argumento sobre la vitalidad del jazz de hoy.

Fuente para la reseña: Paul Acquaro para http://www.freejazzblog.org/2016/10/greg-ward-10-tongues-touch-my-beloveds.html

Track Listing – Touch My Beloved’s Thought

1. Daybreak (6:48)
2. Singular Serande (4:02)
3. The Menacing Lean (6:32)
4. Smash, Push, Pull, Crash (0:45)
5. With All Your Sorrow, Sing a Song of Jubilance (5:47)
6. Grit (3:26)
7. Round 3 (6:20)
8. Dialogue of the Black Saint (4:41)
9. Gather Round, The Revolution Is At Hand (12:34)

Artist List

Greg Ward: alto saxophone, compositions
Tim Haldeman: tenor saxophone
Keefe Jackson: tenor saxophone, baritone saxophone
Ben LaMarGuy: cornet
Russ Johnson: trumpet
Norman Palm: trombone
Christopher Davis: bass trombone
Dennis Luxion: piano
Jason Roebke: bass
Marcus Evans: drums

Apunte: Descubrí a Greg Ward por intermedio de su imprescindible “Touch My Beloved’s Thought” lanzado en el año 2016 por medio del sello discográfico de Dave Douglas. Quise saber más sobre él y busqué antecedentes. Me encontré con dos discos muy distintos entre si, y a la vez distintos a “Touch My Beloved’s Thought”. Cuarteto en su debut como líder, junto a un músico que está dentro del radar de MQC/PV como es el tecladista Rob Clearfield y que claramente lo ayuda a llevar la música a un lugar de difícil encasillamiento. “South Side Story” pasea con una mirada progresiva por las fronteras del jazz. Eso fue en el año 2010. En el año 2011 se prueba con un power jazz trío, lanzando “Phonic Juggernaut”, compartiendo los reflectores con el impresionante trabajo de Damion Reid en batería. Y, finalmente, su último trabajo como líder a la fecha, el mencionado “Touch My Beloved’s Thought”, es un exquisito blend de tradición inspirado en el genio de Mingus, con la amplitud de herramientas y conocimientos musicales de un músico del siglo XXI. A mi humilde entender, Greg Ward tiene lo necesario para aportar su grano de arena a la construcción de la evolución del jazz del siglo XXI.

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Erik Friedlander
septiembre 24, 2017, 8:45 pm
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tapa Nothing on Earth
Nothing on Earth (2014)

¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.

“Aasiaat” ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En “Maniitsoq”, el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de “Aurora”, aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.

Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.

Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/

Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco “Rings”, olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior “Rings”, aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone

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Abe Rábade Trio

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VerSons (2013)

Noveno trabajo del pianista gallego con su habitual trío desde el año 2008. El repertorio del disco consta de temas standards del jazz, algunas piezas del barroco y una pincelada de folk tradicional gallego.

De Abe Rábade podemos decir, sin temor a equivocarnos, que es un músico comprometido consigo mismo. Ya la elección del programa que forma VerSons es suficientemente aclaratoria en éste sentido. Composiciones de Vivaldi, Haendel, Coltrane, M. Davis o Monk hablan por sí mismos.

No acaba aquí su compromiso, sino que además su labor como fotógrafo también se plasma en la confección de la carátula y las instantáneas interiores del disco.

No obstante el egocentrismo no es su fuerte, ninguna de las composiciones lleva su firma, ya que Abe parte de sí mismo para hacer suyas otras ideas y ofrecerlas generosamente al oído capaz de comprender.

Y ahí es donde radica su importancia. La capacidad para ser original y personal es lo que le catapulta a ser uno de los grandes jazzman de España.

Abe Rábade muestra su versatilidad y su dinamismo en composiciones como “Like Sonny”, y “A Saia Da Carolina”: de sus manos salen sonidos sincopados valiéndose de sus hábiles dedos convertidos ocasionalmente en corredores que aceleran y deceleran para alcanzar la meta final.

En “All or Nothing at All”, “Golden Earrings”, “Solar” y “Four in One”, el hard bop se ofrece swingueante y extrovertido rememorando al gran Bill Evans.

Lírico en “In the Wee Small Hours of the Morning”. Dos almas cohabitan en “No niño novo do vento”. En un mismo cuerpo blues y canción melódica.

El broche final llega de la mano de “Lascia L’espina”: balada solemne y lírica, casi como un himno. Después el silencio y tras él, intimismo bucólico, indolente y otoñal para elevar el tono y finalmente caer en reflexión. Es como si se contara la historia de una vida en una canción.

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/web/?p=9248

Lista de Temas – VerSons

01. Like Sonny (John Coltrane) (7:35)
02. All or Nothing at All (Arthur Altman) (6:51)
03. Golden Earrings (Victor Young) (6:00)
04. The Peacocks (Jim Rowles) (6:37)
05. Estate: Adagio (Antonio Vivaldi) (2:59)
06. A saia da Carolina (tradicional galega) (7:54)
07. In the Wee Small Hours of the Morning (David Mann) (2:08)
08. Solar (Miles Davis) (7:01)
09. Four in One (Thelonious Monk) (2:55)
10. No niño novo do vento (Luís Emilio Batallán) (5:52)
11. Lascia L’espina (Friedrich Haendel) (15:44)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería
tapa Tránsitos
Tránsitos (2015)

Sin duda estamos ante uno de los mejores trabajos discográficos del 2015, aunque se publicó a final de año. Fue grabado en el Festival de Jazz de Primavera de Orense, en el que el Abe Rábade Trio interpretó en directo la suite Tránsitos junto a la orquesta Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Paul Daniel. Este proyecto con el músico compostelano tiene su origen en una de las facetas de la Orquesta radicada en Santiago de abrirse a la colaboración con otras músicas y qué mejor que hacerlo con el pianista compostelano de mayor proyección nacional e internacional.

La conexión entre la música clásica y el jazz era una de los ámbitos que Abe Rábade tenía en mente desde hace mucho y al presentarse la oportunidad afrontó el reto y el resultado no puede ser más espectacular. “Hacía muchos años que no tenía tanta ilusión en acometer un proyecto. Que tengas la oportunidad de dedicarle dos años a una composición, en este caso una pieza orquestal, y que se estrene en tu ciudad y con la orquesta de tu ciudad es un sueño hecho realidad y que denota una apertura de mente por parte de la Real Filharmonía de Galicia”.

Tránsitos consta de cuatro movimientos que giran en torno a cuatro composiciones originales de Abe Rábade, tres de las cuales ya estaban grabadas en discos y una es inédita, aunque el trío ya la había tocado en varias ocasiones.

“Cada una de las piezas tiene un desarrollo orquestal único, asumo el lenguaje musical que los músicos de una orquesta y el público que asiste a conciertos de música clásica están acostumbrados a tocar y a escuchar. La obra está escrita para orquesta pero en su 50 por ciento sigue siendo jazzística”, ha comentado Abe Rábade sobre este trabajo.

Dos mundos musicales tan diferentes como son el jazz y la música clásica se entienden a la perfección en este llamativo proyecto. Además de gran músico y gran compositor, Abe Rábade es siempre consciente de la necesidad de que la música se renueve y es lo que le llevó a aceptar este desafío. “No podemos correr el riesgo de que la música deje de estar viva, es necesario que entre aire fresco. Por eso para mí fue una sorpresa enorme que la Real Filharmonía de Galicia tuviese la iniciativa de colaborar conmigo como músico de jazz para componer una obra para una orquesta sinfónica”.

Abe Rábade siempre mira hacia adelante. Con cada nuevo proyecto sorprende. A su lado los fieles escuderos Bruno Pedroso y Pablo Martín Caminero hacen un trabajo encomiable en todas sus aportaciones. Conforman un triángulo equilátero robusto. Los fraseos de Rábade son cristalinos. Se encuentra en un momento muy dulce con mucha fuerza, no reñida con la expresividad. Tránsitos está formado por melodías, que en manos de Rábade pueden transformarse y recorrer muchos caminos en su desarrollo.

La grabación incluye tres piezas como “Zigurat”, que abre el disco y culmina con dos temas de origen latinoamericano interpretados por el trio. Un tango de Carlos Gardel, “El día que me quieras” tocado con exquisita elegancia y lirismo. Y una canción tradicional de Oaxaca en Méjico, llamada “La Martiniana”, con inicio a piano solo interpretando la melodía principal y un gran desarrollo jazzístico como ya nos tiene acostumbrados este magnífico trío. El disco se complementa con la grabación de la actuación en un DVD, que incluye un tema extra, “Like Sonny” de John Coltrane, con arreglos de Abe Rábade.

Reseña de Carlos Lara para http://www.tomajazz.com/web/?p=22261

Lista de Temas – Tránsitos

1. Zigurat (7:07)
2. Tránsito 1: Source (9:57)
3. Tránsito 2: Deep Cycle (10:55)
4. Tránsito 3: Jamal’s Mood (9:49
5. Tránsito 4: Void (10:52)
6. El Día Que Me Quieras (13:09)
7. La Martiniana (12:50)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería
Orquesta Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Paul Daniel

Todos los temas compuestos por Abe Rábade, excepto “El día que me quieras”, por Carlos Gardel y “La Martiniana”, por Andrés Henestrosa.
tapa Once
Once (2016)

El pianista y compositor compostelano Abe Rábade, uno de los máximos exponentes de la actual escena jazzística española, acaba de editar nuevo disco Once (Karonte” que se suma a su extensa discografía – como líder, participando en formaciones de otros músicos y una elevada cantidad de proyectos musicales variados — iniciada con “Babel de Sons” en 2001.

Partiendo de que una pieza melódica puede transformarse en las manos de Rábade y recorrer muchos caminos en su desarrollo, el pianista propone que lo acompañemos para recorrer Once caminos (temas) que él abrió a su alrededor, sugerentes, cabales y vigorosos que, según propio testimonio, se dejan andar despacio. Ante una invitación tan apetecible, allá vamos.

Para templar y poner a punto la “musculación” sensorial, nada mejor que su versión jazzística del tema “A Bruxa” de Antón Seoane. Seguimos camino por composiciones propias, una de ellas tributo a Paco de Lucía — y dos standars “Con Alma” de Dizzy Gillespie y “Smoke gets in your eyes” de Jerome Kern con el que llegamos a la meta final.

El camino es de lo más reconfortante con variados paisajes musicales que adquieren una diversidad de colorido, intenso por momentos, en contraste con otros más tamizados.

Y es que en Abe Rábade la “discontinuidad” es una nota no escrita pero que está presente y claramente identificable por su angulosidad, asimetría y sentido de la forma .La utilización de los espacios, el empleo de los silencios, las disonancias, los intervalos separados por los contrastes de registros y sonidos, las anticipaciones y los retrasos o los acentos desenlazados están en los temas recorridos.

Rábade maneja las dos manos con independencia, movilizando toda clase de escalas, arpegios, adornos, inversiones y alteraciones armónicas para convertir una composición en una jazzística lámpara de Aladino de la que todo puede salir.

Le gustan las disecciones melódicas sin coartadas que llena de matices emocionales. Cuando acompaña, es un buen organizador de retaguardia. Sabe calcular el peso de una disonancia y la densidad de un ataque para combinarlo y proyectarlo sabiamente en el espacio.

Tiene una gran empatía, una compenetración mutua, con la sección rítmica , con la que lleva colaborando desde 2008. Pablo Martín (contrabajo), no solo se circunscribe al turno solista intercambiando referencias con expresividad, abandonando por completo sus funciones metronómicas mientras Bruno Pedroso (batería) estimula con fluidez rítmica encajando con la libertad del trio, subrayando el ritmo con sabiduría y seguridad, potenciando ambos el rico léxico del líder.

Recorridas las “once” etapas del camino, al final uno queda satisfecho por haberlo iniciado, con ganas de reiniciarlo nuevamente.

Reseña de Nonito Pereira para http://nitope.blogspot.com.ar/2016/10/abe-rabade-trio-once.html

Lista de temas – Once

01. A bruxa (7:33)
02. Tule (5:50)
03. Tránsito 5: Meditación e Danza (7:54)
04. Once in a while (4:06)
05. Gotas (4:36)
06. Intermezzo (1:04)
07. 11 contra 7 (8:41)
08. Con Alma (8:59)
09. 11 para Paco (12:54)
10. Cuarzo Branco (6:32)
11. Smoke gets in your eyes (8:03)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería

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Apunte: Sin dudas, el trio liderado por el pianista gallego Abe Rábade debe ser uno de los más sólidos en el mundo del jazz en lo que respecta a este clásico formato. La discografía de Rábade es bastante amplia ya, pero estos últimos tres lanzamientos no hacen más que ratificar todo lo bueno que ya hemos escuchado de él. Rábade es un artista integral, versátil, que acepta retos, que da renovados bríos a los standards, y que no traba la emoción con frío intelectualismo. Obras altamente recomendables!

 



Bardoscia – Alborada – Marcotulli

tapa Trigono
Trigono (2016)

Elegante trabajo entre el jazz y la clásica, Trigono remite en el título a la atípica formación, que podríamos definir como un “trío plural”, dado que los protagonistas son Marco Bardoscia, Rita Marcotulli y, como tercer vèrtice, el cuarteto de arcos Alborada.

El programa propuesto es cautivador, con músicas más originales siempre de inmediato atractivo, gracias al lirismo de los temas. Así como es muy apreciable la ejecución de todos los protagonistas, con los cuatro de Alborada siempre en primer plano de una textura dentro de la cual Marcotulli interviene a veces como soporte, otras improvisando en el género con modalidades que la caracterizan en aquellos contextos un poco “crossroad” en los cuales ha escrito importantes páginas en el pasado (The Woman Next Door, Koiné).

Sin embargo – y también a pesar de algunos momentos refinadísimos, como por ejemplo la única pieza firmada por la pianista, “Rappresenta” y de la estructura original y compleja – el trabajo despertaría quizás poca atención de un oyente de extracción jazzera si no fuera por algunos pasajes de la misma Marcotulli – el comienzo de “Mr. Hopkins” o el desarrollo de “ELM”, de Richie Beirach, para dar algunos ejemplos – y, sobre todo, de las frecuentes intervenciones de Bardoscia -autor de casi la mitad de las piezas- el cual da muestra en varias ocasiones de sus cualidades de instrumentista ofreciendo solos cantables de gran atractivo y acompañando con un sonido profundo y expresivo, resultando así un poco el protagonista del trabajo.

Para señalar la excelente aportación de Maria Pia De Vito, huésped en “I’m a Dreamer”, las dos ocasiones -en la apertura y cierre de álbum- del sagrado himno “Abide With Me” y -como cumbre de un trabajo de todos modos excelente- “Ninna Nanna per la piccola Sara”, de Barcoscia, conmovedor pasaje en que todos los protagonistas tienen la oportunidad de dar lo mejor de sí.

Neri Pollastri para https://www.allaboutjazz.com/trigono-marco-bardoscia-tuk-music-review-by-neri-pollastri.php

Apunte: Trigono no es una joya absoluta, pero tiene un alto contenido de belleza y poesía conmovedora; sus buenas intenciones, curan. Y eso ya es fabuloso.

Track Listing

01. Abide With Me • Take One (1:10)
02. Inside (4:24)
03. Rappresenta (4:42)
04. Andrea’s Milonga (3:59)
05. Mr. Hopkins (3:19)
06. Farfalla | Peace (7:06)
07. I’m A Dreamer (4:31)
08. Elm (5:51)
09. Ninna Nanna Per La Piccola Sara (5:25)
10. My Head (4:10)
11. J’adore La Pluie (4:07)
12. L’attesa (3:51)
13. Abide With Me • Take Two (3:16)

Musicisti

Marco Bardoscia: contrabbasso
Rita Marcotulli: pianoforte
Quartetto Alborada:
Anton Berovski: violino
Sonia Peana: violino
Nico Ciricugno: viola
Piero Salvatori: violoncello
Ospiti:
Maria Pia De Vito: voce
Paolo Fresu: pianoforte
Nguyen Le: chitarra elettrica

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Laurent Stoutzer
agosto 27, 2017, 9:57 pm
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tapa Praxis
Praxis (2008)

Praxis: puesta en práctica de conceptos teóricos… Con este cuarteto, el guitarrista Laurent Stoutzer, pedagogo muy comprometido con la enseñanza del jazz en Estrasburgo y en el Bajo Rhin, presenta un interesante enfoque de las combinaciones posibles en la puesta en juego de un cuarteto.

Se percibe en este ex jugador de hockey una ciencia de las estrategias y las combinaciones en el arte de la composición. Pero, para ir al objetivo, es necesario un equipo de alto nivel !

Con Benjamin Moussay, pianista culto, sensible y muy abierto, dispone de un sólido apoyo armónico y creativo (“Stygmates”, “Nùstar”). Es el posicionamiento del contrabajo que aporta a este cuarteto un toque original. Arnaud Cuisinier tiene un juego preciso tanto pizzicato como con el arco, tanto solista como de acompañante (en “Ishima Iwa”, por ejemplo). Baterista atento y eficaz, Luc Isenmann se muestra muy particularmente en el diálogo guitarra/batería de “Duo”: un golpe seco de colores rock sobre la guitarra saturada, el juego sutil de platillos sobre las fases vaporosas del final…

Praxis pone en valor un fino guitarrista, con un rico bagaje musical, pero nunca demostrativo. Es por ello que este cuarteto funciona como un verdadero grupo favoreciendo el equilibrio de las voces en una música variada.

Fuente para la reseña: Thierry Giard para http://www.culturejazz.fr/spip.php?article722

Apunte: Debut en MQC/PV del guitarrista y ex jugador de hockey Laurent Stoutzer. Stoutzer utiliza todos los medios de escritura posibles, desde la música antigua, a la música contemporánea e improvisada, la energía del rock y el jazz más vanguardista. Praxis es su primer disco como líder y además el nombre que tiene en la actualidad su grupo. La audiencia de Praxis por momentos puede resultar no sencilla, justamente por todo aquello que pone en juego Stoutzer en la escritura, pero en la dificultad también reside lo valioso: hay alguien aquí buscando un sonido propio, queriendo decir algo distinto. Espero lo disfruten!

Track Listing

1. Phantomatic (7:05)
2. Ishima iwa (4:42)
3. Mayana (7:58)
4. Fruit défendu (7:07)
5. Stygmates (9:22)
6. Neshama (5:52)
7. Nùstar (5:41)
8. Duo (3:24)

Artist List

Laurent Stoutzer: guitare
Benjamin Moussay: piano
Arnaud Cuisinier: contrebasse
Luc Isenmann: batterie

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Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Josiah Woodson

tapa Suite Elemental
Suite Elemental (2017)

30/40 años atrás músicos talentosos como Josiah Woodson no tenían ninguna dificultad para encontrar su camino en un sello de grabación de jazz de buen tamaño y cosechar las ventajas de la máquina corporativa para la promoción, la exposición y la penetración de mercado. Era la ruta tradicional entonces. Ahora los artistas jóvenes con algo para decir tienen que tomar su destino en sus propias manos, usando el equipo ‘arrancador’ de marketing disponible vía web, en la forma de redes sociales, video streaming, el crowd funding y la blogósfera. Woodson ha tomado esta ruta para su debut y mientras que internet ha hecho el mundo más pequeño, se ha hecho no menos abarrotado, lo que significa que la exposición es todavía un reto. Su background es bastante típico para un principiante del jazz, al menos en sus primeros años. Educado formalmente en la música en Ohio y Boston, obtuvo su educación musical tocando con músicos de la talla de Branford Marsalis, Billy Hart, Gary Bartz, David Sánchez, Danilo Pérez y Marcus Belgrave. En lugar de tomar la tradicional ruta del jazz a Nueva York, Woodson se trasladó a París donde vive y trabaja, siguiendo las huellas de Sidney Bechet, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Archie Shepp y, más recientemente, Logan Richardson.

Woodson toca trompeta, flugelhorn, flauta y guitarra en este álbum, pero él no es una banda de una persona. Su grupo, Quintessentiel, incorpora su actitud cosmopolita que destaca a miembros de Martinica, Australia, EE.UU y Francia.

El álbum de 6 pistas es el telón de fondo de una narrativa explorando el camino de un príncipe como él experimenta los cuatro elementos de la naturaleza -“Air”, “Eau”, “Feu” y “Terre” en camino a convertirse en rey. Woodson describe tanto la historia y la música como “una oportunidad para despertar la imaginación tanto como sea posible, para dar al oyente la oportunidad de crear su propia realidad en su mente, para imaginar lo que está sucediendo en la historia en sus propios términos”. Por la conformación de su música alrededor de tales universales, primarios, elementos constitutivos, Woodson nos permite ponernos dentro de su visión creativa; después de todo, ¿quién de nosotros no puede imaginar las texturas y tonos que encarnan el aire que respiramos o el agua que bebemos?

Dentro de mi cabeza hay asombro, armonía, alegría, imprevisibilidad y peligro, una mezcla de energías crudas, primordiales y constantes benignas eternas, conceptos con los que puedo relacionarme dentro de la interpretación musical de Woodson.

“Air” es optimista, ligero y de sonido fresco infundido por la trompeta y una buena performance en el solo de Rhodes del invitado Lovell Bradford. “Eau” brilla con flujos y reflujos, con Woodson líder en guitarra y flauta. Imagine una rápida secuencia de movimiento con el ritmo impulsado por la corriente, con remolinos más silenciosos y charcos en el borde del agua. “Feu” es más oscuro en el tono y se abre con una promesa de amenaza antes de estallar con chispas de energía. Ricardo Izquierdo en saxo tenor añade esa sensación de aprensión. “Terre” comienza con el bajo, como supongo que debería, con otro huésped neoyorquino, Peter Giron. Originalmente concebido como el inicio del set, es la pieza más fundamentada de la suite, con un espíritu juguetón. Si le gusta esta pista, a continuación, me gustaría instarle a que vea el vídeo de Youtube que incluye la lectura de Tarani Joy Woodson. La historia llega a su fin con el “Solstice” un optimista melodía liderada por la guitarra.

Woodson ha elaborado uno de los álbumes más estimulantes y alegres como he escuchado en mucho tiempo, para mis oídos, más sugerente, entretenido y sencillamente melódico, de muchos de los artistas más importantes del firmamento del jazz actual.

Fuente para la reseña: Andy Hazell para http://ukvibe.org/album_reviews/josiah-woodson/

Apunte: Josiah Woodson, multiinstrumentista. Suite Elemental es una artesanía, en forma de disco, tan breve como gratamente sorprendente. Woodson conoce la historia y la cuenta junto a un elenco multicultural con un lenguaje aggiornado a estos tiempos. Para combatir con arte a los que quieren aislarnos unos de otros.

Track Listing

1. Air (7:54)
2. Eau (8:34)
3. Feu (9:16)
4. Terre (9:06)
5. Solstice (8:49)
6. [rep]Rise (1:30)

Artist List

Josiah Woodson: composition, trumpet, flugelhorn, guitar, flute
Ricardo Izquierdo: tenor sax
Daniel Gassin: piano
Zacharie Abraham: upright bass
Laurent-Emmanuel “Tilo” Bertholo: drums
Special Guests
Lovell Bradford: Rhodes
Peter Giron: upright bass
Ralph Lavital: guitar
Philippe Makaia: gwo ka

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