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Shoko Nagai

tapa Vortex
Vortex (2003)

¿Quién es Shoko Nagai?

Shoko Nagai es una versátil artista musical que improvisa y actúa con músicos de renombre mundial en el piano y acordeón y compone partituras originales para películas y espectáculos en vivo. Como adolescente en su Japón natal, Nagai fue entrenada en órgano electrónico Yamaha, el “Electone”, para tocar música popular. Desde que se trasladó a los Estados Unidos procedente desde Japón a estudiar música clásica y jazz en Berklee, ella adaptó su dominio del teclado al piano preparado, el acordeón, la melódica y otros instrumentos, a menudo inspirada por el enfoque minimalista del compositor Toru Takemitsu. Si está tocando Klezmer, música balcánica o experimental, Nagai tiene una carismática presencia en el escenario, que hipnotiza al público con su intenso enfoque y virtuoso sonido.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1999, ella ha sido calificada como una “MVP” de la escena de jazz del Downtown, actuando con John Zorn, Erik Friedlander, Ikue Mori, Marc Ribot, Frank London, Matana Roberts, Miho Hatori (Cibo Matto), Satoshi Takeishi, Butch Morris, Elliot Sharp, Ned Rothenberg y muchos artistas eclécticos. Nagai con frecuencia viaja internacionalmente, actuando en Suecia (la ceremonia de premio Nobel de 2009 para el escritor alemán, Herta Muller), Italia (Napoli Teatro Festival 2015), Austria (Saalffelden Jazz Festival 2014), Francia (Banlieues Bleues 2012), Suiza (Rote Fabrik 2012), Holanda (Bimhuis 2012), Japón (Fuji Rock Festival 2012), Israel (Romanian Institute 2011), Canadá (Suoni Popolo Festival 2008), Alemania (Moers Jazz Festival 2007), y Brasil (resfest 2007) y en EE UU (Newport Jazz Festival2015, Saratoga Jazz Festival 2008). Ella ha recibido subvenciones de JazzJants (Centro de Artes de Painted Bride) en 2008 y de la Fundación para las Artes de Nueva York en 2010.

Las composiciones de Nagai para películas incluyen, “L’amour Caché” (2007), dirigida por Alessandro Capone y realizada por Butch Morris, así como un trío de películas dirigidas por Linda Hoaglund: “ANPO: Art X War” (festivales cinematográficos de 2010 Toronto, DOC NYC, Vancouver, y Hong Kong), “Things Left Behind” (2012), producida por la radio nacional de Japón NHK y “The Wound and The Gift”, narrada por Vanessa Redgrave (Vancouver, DOC NYC, Tokyo FilmX 2014).

Sobre el disco

Combinando la influencia del post bop de los ’60, el free jazz y la world music, el Shoko Nagai Quintet ha desarrollado un sonido único en la escena del jazz de Nueva York. Con algunos de los más talentosos músicos que se encuentran en Nueva York, la alineación consta de Sam Newsome, Greg Tardy, Dave Hertzberg y Satoshi Takeishi y la líder en el poderosamente emotivo piano. Las composiciones de Nagai son enérgicas, sentidas y multifacéticas,y las improvisaciones del ensamble reflejan el singular “mood” de cada pieza. El Quinteto publicó su primer CD “Two Level Crossing”por medio de Skyproduction Record en el año 2000 y ha actuado extensivamente en Blue Note, Knitting Factory,Tonic, Stone, Location One y en todas partes de la ciudad de Nueva York.

Fuentes para la reseña: http://www.shokonagai.net/new-page-1/ ; https://store.cdbaby.com/cd/shoko1

Apunte: Pocos día atrás destacábamos el rol de la pianista y acordeonista japonesa Shoko Nagai en el bellísimo “Rings”, disco de Erik Friedlander publicado el año pasado. Fieles a nuestra curiosidad fuimos en la búsqueda de “algo más” de la pianista y encontramos este Vortex segundo disco de un Quinteto que ella lideraba a principios del siglo XXI. Con los años, Nagai ha dirigido sus intereses a la música más experimental, siendo su actividad principal un dúo con su esposo Satoshi Takeishi casualmente llamado “Vortex”. En Vortex (el disco), la música es efectivamente ese combo mencionado de post-bop sesentero, free jazz y world music, con un toque distinto dado por el exotismo de la percusión de Takeishi. Los saxofonistas se entrelazan improvisando en las largas composiciones de Nagai, el piano es lìrico y emotivo, y la música resultante es densamente intensa: Vortex es poderoso y accesible pero no es música de fondo. Altamente recomendable!

Track Listing

1. Rise and Fall (8:29)
2. Reminiscence (12:53)
3. Revival Life (13:02)
4. The Sirens of TITAN (10:40)
5. U.TA.KA.TA.NO (5:12)
6. The Northern Sky was Glowing with Purple and Crimson (10:02)
7. Whirl Around Future (8:33)

Artist List

Shoko Nagai: piano
Sam Newsome: soprano saxophone
Greg Tardy: tenor saxophone
Dave Hertzberg: bass
Satoshi Takeishi: percussion

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

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Juanjo Fernandez Quinteto

tapa Frozen Frame
Frozen Frame (2016)

El pianista gallego afincado en Barcelona, Juanjo Fernández, compuso esta música como soporte musical para una exposición. Son diez temas dónde se mezclan con facilidad, la música contemporánea con el jazz y el folk. Con unos músicos de diferente procedencia, al clarinete el catalán Jordi Casas, un alemán Alexander Reichardt al saxo alto y los italianos Giorgio Fausto Menossi a la batería y Emanuele Tiziani a la guitarra y arco. El primer tema es “Breve introducción al correcto manejo de la sierra de arco”, y si prestas atención podrás escuchar el arco de Tiziani, pero no te obsesiones, mejor déjate envolver por el clima felliniano del tema, música festiva, que invita a compartir. El clarinete de Casas y sus devaneos con el saxo alto de Reichardt, nos invitan a soñar. “Interludio”, pues eso, un momento de reflexión, una idea del piano, una tensión compartida, una pequeña habitación que nos intriga delante de una nueva puerta. El siguiente tema es “Hay quien escribe mil palabras al día”, a las primeras de cambio no puedes evitar pensar en Nacho Mastretta, y no sólo por el clarinete, sino también por el ritmo que establece Menossi, o la guitarra de Tiziani (tan clara y precisa como la de mi admirado Pablo Novoa), en fin un tema impresionante, una composición que te atrapa desde el primer momento y en la que descubres nuevas facetas en cada escucha. A continuación vienen seis temas que forman una suite, por darle algún nombre que nos ayude a imaginar. El tema principal, “Frozen Frame”, un tema largo, que se va hacía el free jazz, los vientos aúllan, el arco vuelve a erosionar con fuerza, en el ecuador del tema Fernández encuentra su espacio, aun que le persigue el arco de Tiziani puede relajarse y jugar a engarzar notas melódicas. “Domingo en Outeiro”, con un compás de tres por cuatro nos lleva a una parada peregrina, un alto en el camino, ahora la orquesta quiere ser simplemente eso una orquesta de baile, con todo el homenaje a las grandes orquestas de baile que tuvieron un papel fundamental en la España del siglo XX. “La segunda vida de los objetos”, cambio de registro, vuelve por un momento el free liderado por el piano de Fernández, notas insistentes, notas que desafían cualquier melodía, buscando dúos con algún viento o con la batería de Menossi, pero siempre irreverente. “Febrero”, otro tema corto, otra puerta que se abre momentáneamente antes de acceder a otra habitación importante, toda la suite va alternando pequeñas puertas con habitaciones grandes, este “Febrero” es frio, transcendental, de mirada larga y penetrante. “5: 40 A.M.” todavía es más frio, el arco y los vientos traen contenidos que hieren, música industrial, música que hay que escuchar desde el todo, el piano de Fernández, cercano a su tocayo de apellido, el gran Agustí. Tema complejo, intenso, todo el quinteto formando un solo que te engulle sin remedio. Vuelve el descanso con 1 de Junio, las notas del piano tienen más colores, de nuevo un pequeño entremés como en aquellas obras de antaño, para prepararnos para una nueva aventura, “Aachen”, última etapa en el camino, para mí sigue formando parte de la suite, continua ese aire tan denso, aunque el piano de Fernández tiene todo el espacio que necesita, el quinteto vuelve a trabajar unido, mientras que en los tres primeros temas ese aire de baile más cercano a Mastretta o a Nino Rota o incluso a la música judía de Mickey Katz revisada por Don Byron te ofrecía unas melodías transparentes y alegres, en la suite y como colofón en este “Aachen”, todo es más reflexivo, más profundo. En fin un quinteto que tiene mucho que decir, siempre que quieras escucharlo.

Reseña de Candido Querol para http://www.b-ritmos.com/juanjo-fernandez-quinteto/

Apunte: En Barcelona existe una galería de arte llamada El Catascopio y Frozen Frame antes de ser “disco” fue originalmente un proyecto de musicalización del pianista Juanjo Fernández de las exposiciones que allí se realizaban. El propio peso de la música hizo que este proyecto prosperara más allá de ser mero soporte, y pasase al primer plano en salas de Cataluña, para luego plasmarse en esta grabación. La propuesta obviamente tiene como plataforma al jazz moderno con variadas influencias, pero no hay una predominancia de ningún estilo en particular y tampoco uniformidad en la expresión de estados de ánimo o ambientes; lo bueno de todo esto es que no conspira contra la solidez del álbum como un todo, y por otra parte (y lo más importante) lo hace muy entretenido de principio a fin, ya que uno se va enganchando en la espera de lo que va a venir. Muy recomendable!

Lista de temas

01. Breve introducción al correcto manejo de la sierra de arco (3:52)
02. Interludio (1:30)
03. Hay quien escribe mil palabras al día (5:51)
04. Frozen Frame (7:22)
05. Domingo en Outeiro (3:40)
06. La segunda vida de los objetos (6:17)
07. Febrero (2:44)
08. 5:40 A.M. (6:24)
09. 1 de junio (2:55)
10. Aachen (6:18)

Lista de artistas

Juanjo Fernandez: piano
Alexander Reichardt: saxo alto
Jordi Casas: clarinete
Emanuele Tizian: guitarra
Giorgio Fausto Menossi: batería

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Joonsam
mayo 14, 2017, 1:41 am
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tapa A Door
A Door (2016)

Es difícil mejorar un trío que ofrece Aaron Parks en el piano y Nate Woods en batería, pero cuando el bajista Joonsam Lee estaba listo para lanzar su álbum debut como líder, fortaleció una ya formidable alineación añadiendo a Ralph Alessi en trompeta, Yvonnick Prene en armónica, Ben Monder en guitarra, y las fascinantes adiciones de Yeahwon Shin en voz y Chungeun Han en flauta de bambú. El trío, sin embargo, sigue siendo el núcleo.

Publicado por Origin Records, A Door (Origin 82716) es una colección de composiciones escritas por Joonsam -con una excepción- desde el año 2007 en adelante. Este trío es el formato perfecto con el realce dado por los artistas invitados.

Una nota repetitiva del bajo de Joonsam introduce “Whirlwind” luego el piano de Parks y la trompeta de Alessi agregan la melodía mientras Joonsam y Wood consiguen un cerrado objetivo en el groove. Por supuesto, Aaron Parks se lleva la atención en cualquier situación pero Joonsam y Wood forman la gran tríada que es una delicia de escuchar.

La trompeta de Ralph Alessi sirve como el relámpago en este torbellino asì como la sección rítmica trabaja el vórtice. Una larga pausa es el ojo de la tormenta hasta que el bajo, el piano y los tambores comienzan otra vez. Alta energía aquí. Preste atención a los patrones de cierre de Nate Wood.

Sigue “Zadrak” con el guitarrista Ben Monder uniéndose al trio. El gancho te atrapa desde el principio. La melodía de piano es cautivante y la línea de bajo de Joonsam es fascinante. Nuevamente me encuentro excarvando las opciones rítmicas de Wood y me emocioné experimentando este trío. El trabajo de la guitarra de Ben Monder es tenue y fluye extremadamente bien con la canción.

“Boa Noite” es una estupenda pieza. El trío establece el cálido movimiento y se une a la talentosa y conmovedora armónica de Yvonnick Prene. Prene nunca defrauda y su toque de luz aquí, es perfecta.

También luz en el toque es Parks, quien es conmovedor como podrías desear. Joonsam y Wood trabajan un lento swing que permite a Parks y Prene volver juntos en exquisita armonía. Amo esto.

“23451” es una excursión de 54 segundos del trío y Ralph Alessi. Escúchela hasta que usted la tenga. Usted la tendrá.

“2 Tunes and Off-hour Waiting Area” comienza con un groove pesado del trío y es una cosa bella. Alessi agrega su trompeta a la melodía y el trío trabaja el groove. La pieza es un número bien escrito y Joonsam merece reconocimiento tanto por su composición como por su realización. Parks hace sus solos en el punto medio de la pieza y trae verdadera vida y emoción. Sus giros melódicos con Alessi son una cosa espléndida. Incluso Alessi se une al ritmo para cerrar la canción.

Yeahwon Shin adhiere sus bellas vocalizaciones a “Love Trauma”. No hay letras, pero el significado es perfectamente claro en su entonación y delicadeza. El piano agrega una melancolía que agudiza la voz. La canción es dolorosa y hermosa. El sobrio ritmo permite una completa exposición de la melodía y armonía. Es dulce. Es triste.

La trompeta con sordina de Ralph Alessi vuelve para “Ice Skate”. Esto es una bien pintada imagen de planeos y giros con un despreocupado sentir en la repetición del ritmo y líneas de piano, asi como la trompeta consigue expresar un alegre jugueteo.

“23452” es un retorno al trío con Alessi en una excursión tonal.

“Doraji the Flower” es una canción tradicional de Corea. Chung Eun Han adhiere su flauta de bambú en la pieza que es completamente coreana. Es muy diferente de melodías occidentales e incluso se distingue de la tradición china y japonesa. El trío es un fino soporte de la flauta de Han que lleva la melodía exquisitamente. La performance de Parks es maravillosa con y sin Han. Juntos, son absorbentes.

Joonsam y Wood tocan el ritmo tan lánguidamente y -me atrevería a decir- amorosamente. Es reverente y caliente. Arrebatadora.

“Where the Water Comes Together with Other Water” es la pieza más larga del álbum. El goteo del piano crea la imagen, así como la guitarra de Monder modela riachuelos fluyendo hacia la unidad con el piano. Joonsam hace rodar las líneas de bajo a lo largo de arroyos cada vez mayores.

La canción entonces rompe en expresiones abiertas desde el trío hasta el retorno de Monder en la guitarra. Me encuentro intrigado y capturado por la forma en que Joonsam escribe. Tan familiarizado con la música occidental como un oriental pueden estar, hay un patrimonio cultural musical que vigoriza e informa la música oriental que los occidentales no poseen. Esto es parte de la belleza de los músicos que se unen y escuchan temas orientales con ritmos y toque occidentales.

El álbum cierra con “Airport Music”. Es solo el trío de Joonsam, Parks y Wood que nos lleva a casa. Apropiado.

La melodía y el ritmo parece cansado, quizás agotado, de los viajes y el turismo. Ni siquiera un ritmo de marcha, el ritmo intencionalmente arrastra y no puede esperar llegar a casa. La melodía es un cariñoso recuerdo de lo que ha ocurrido y lo que vendrá nuevamente así como los sonidos de la muchedumbre del aeropuerto abre y cierra la canción.

De hecho, Joonsam nos lleva a través de una “puerta” en su estreno. Lleno de cariño y de imágenes brillantes, la música es una revelación de quien es Joonsam, como ve el mundo a través de sus ojos y lo que suena a través de sus orejas. Es un mundo de frágil belleza y tiernos momentos para ser expresado claramente y con pasión.,

Fuente para la reseña: Travis Rogers, Jr. para http://travisrogersjr.weebly.com/music-reviews/joonsam-opens-a-door

Apunte: Joonsam Lee, bajista de Corea del Sur se trasladó a la ciudad de Nueva York en 2007. Desde entonces estuvo escribiendo composiciones que reflejan la amplia gama de situaciones musicales que ha experimentado en ese tiempo, desde conciertos con su propio trío, actuaciones sinfónicas, giras internacionales y el trabajo en los clubes de la Gran Manzana. A Door reúne buenas composiciones con algunos temas que son verdaderas perlas (“Zadrak”, “Love Trauma”, “Doraji the Flower”, por ejemplo) y brillantes interpretaciones de un elenco estelar (en especial Aaron Parks: sencillamente magnìfico). Cálido, sensible y estimulante testimonio musical. Muy recomendable!

Track Listing

01. Whirlwind (6:44)
02. Zadrak (6:35)
03. Boa Noite (5:07)
04. 23451 (0:54)
05. 2 Tunes and Off-Hour Waiting Area (4:57)
06. Love Trauma (5:20)
07. Ice Skate (4:29)
08. 23452 (0:38)
09. Doraji the Flower (5:56)
10. Where Water Comes Together With Other Water (7:54)
11. Airport Music (4:20)

Artist List

Joonsam: bass
Aaron Parks: piano
Nate Wood: drums
Ralph Alessi: trumpet (1,4,5,7,8)
Ben Monder: guitar (2,10)
Yeahwon Shin: vocal (6)
Yvonnick Prene: harmonica (3)
Chung Eun Han: bamboo flute (9)

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Taylor Haskins

tapa Gnosis
Gnosis (2017)

Si recorres su producción discográfica, no hay un momento en que el trompetista Taylor Haskins haya sido normal. Sus primeras grabaciones muestran un conocimiento intuitivo de los puntos de encuentro entre el post-bop y el indie-rock, y su agudeza en esa área en particular, resultó en una música que rivalizó con las que otras almas afines, tales como Ben Allison y Kneebody estaban haciendo en ese momento. El paso del tiempo vio evolucionar el sonido de Haskins hacia la música que se centra cada vez más en las posibilidades melódicas y cómo podría prosperar en diferentes entornos. Allí estaba el folk-jazz “Americano Dream (2010)”, la cuerdas de cámara de “Fuzzy Logic” (2014) y el proyecto electro-acústicos del 2011, “Recombination”. Mientras que una fuerte presencia electrónica no es nada nuevo para Haskins, Recombination fue emblemática de algo más definitivo. Su más reciente grabación, Gnosis, se presenta mucho más a sí misma como la penúltima visión de esa área en particular de la exploración.

“Hazy Days” es hipotética banda sonora para una AI (*) que está siempre en movimiento. Los teclados electrónicos cantan en idiomas robóticos que se funden con el beat propulsado como subtexto del baterista Nate Smith, y la estructura de la canción emerge intermitentemente desde la nube de efectos electrónicos. “View From Here” es prácticamente el mismo enfoque, pero se ha liberado de las nubes, y la dirección de la canción se enfoca con claridad. Gran parte de este cambio es directamente atribuible a la guitarra y el contrabajo de los invitados Nir Felder y Fima Ephron, que profundizan las texturas electrónicas mientras que trazan una ruta directa para atravesar la melodía. Esto es un resultado similar para su tratamiento de “Equal Night”.

Hay un gran número de invitados en Gnosis, y es refrescante cuánto el líder de la sesión les da espacio para dejar su impronta. La pista del título “Gnosis”, el efecto etéreo de la alto flauta de Jamie Baum empuja a la trompeta de Haskins a alturas aún mayores con el más gentil de los empujones, mientras Brandee Youger dirige su arpa para cubrir aquellas convergencias armónicas con las motas diminutas de melodía, como si fuera la luz del sol que brilla sobre la superficie ondulada del mar. Y luego está el contraste de los sonidos orgánicos del trombonista Josh Roseman y la percusión de mano de Daniel Freedman con la electrónica en “Lost Worlds”, y cómo su tono es el efecto calmante de un sol naciente al final de una noche maníaca. Más diversión en contraste se encuentra en la forma en que la pulsante corriente submarina del bajo eléctrico de Todd Sickafoose es muy diferente de la expresividad salvaje del tecladista Henry Hey y aún así, suenan unidos.

Este es, por lejos, lo más diferente que Haskins ha sonado desde el principio de sí mismo y desde el pack, ahora. Y, teniendo en cuenta dónde comenzó, y los lugares a donde el jazz moderno ha avanzado, es un logro notable. Es también un poco más fascinante. Y mientras Gnosis se comporta como un punto de inflexión en la continua evolución de un artista, también podría ser otro punto de partida. Es algo por lo que vale la pena esperar.

(*) AI (Artificial Intelligence: inteligencia artificial)

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-taylor-haskins-gnosis/

Apunte: En la oportunidad de haber escuchado la discografía de Taylor Haskins, destacamos el hecho de los cambios de direcciones musicales que el talentoso e inquieto trompetista imponía con cada nuevo disco. Gnosis de alguna manera retoma lo iniciado en Recombination, pero en esta oportunidad el impacto que produce es mucho mayor. Haskins está volando ahora por cielos donde también planean, Nils Petter Molvaer, FORQ, Rudder, Jason Lindner, los últimos Christian Scott aTunde Adjuah y Erik Truffaz y también, un poco, los Snarky Puppy, por mencionar algunos casos conocidos en MQC/PV. La electrónica que a veces conspira contra la emoción, en este caso está tan bien gestionada por Haskins, que si algo se puede decir de Gnosis es el poder que tiene de atraparte desde el primer track para soltarte cuando se apaga el último. Párrafo aparte para los músicos que forman parte de esta grabación: entusiasma de inmediato el solo hecho de leer la nómina. Esto es genuina y fascinante fusión del siglo XXI, producto de la apropiación sin ataduras que han hecho estos jovenes del legado musical de mediados del siglo XX para acá.

Track Listing

1. Hazy Days (feat. Nate Smith) (5:07)
2. The View from Here (feat. Nir Felder) (5:48)
3. Gnosis (feat. Brandee Younger & Jamie Baum) (4:15)
4. Equal Night (feat. Henry Hey) (7:38)
5. Circle Theory (3:30)
6. Lost Worlds (feat. Josh Roseman) (4:14)
7. Artificial Scarcity (3:01)
8. Plucky (feat. Daniel Freedman & Brandee Younger) (3:27)
9. alt_X (6:22)

Artist List

Taylor Haskins: analog EVI, synthesizers, piano, programming, trumpet
with:
Nate Smith: drum set
Fima Ephron: electric bass (2,4)
Brandee Younger: harp (3, 8)
Nir Felder: guitar (2, 4)
Henry Hey: rhodes & wurlitzer electric pianos (4, 7, 9)
Josh Roseman: trombone (6)
Todd Sickafoose: acoustic bass (3, 7, 9)
Daniel Freedman: percussion (6, 8)
Jamie Baum: alto flute (3)

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Bryan and the Aardvarks
abril 26, 2017, 11:33 pm
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tapa Heroes Of Make Believe
Heroes of Make Believe (2011)

El opus de Bryan Copeland, con cuatro años de preparación, documenta su tiempo en Nueva York, expresado como una serie de arrullos, preludios a sueños… aquellos que simbolizan nuestros ideales y objetivos, pero también el tipo que se manifiesta en un estado de pacífico sueño. Heroes of Make Believe, interpretado por su cuarteto Bryan & the Aardvarks, encuentra un terreno intermedio entre el jazz moderno y compases indie-pop que construye grandes mundos en las diminutas esquinas ambientales aisladas del universo de música.

Lo que esto significa es que estas son canciones que son melódicamente difusas y sus reflejos de gruesas capas de armonías y ritmos susurrantes, brillan tanto como las más hermosas estrellas en el cielo.

Un tercio de las pistas son improvisadas, que sólo sirven para poner más énfasis en la fuerza de la conexión entre los miembros del cuarteto, porque hay muy poco para diferenciar estas melodías de aquellas construidas sobre las composiciones. Todos ellos están conectados a la misma visión creativa. Una canción como “When Night Falls” tiene la misma deriva rítmica y resplandeciente belleza melódica como la suave balada “Soft Starry Night”.

Fabian Almazan es experto en utilizar tres sets de teclados de gran uso. “These Little Hours” tiene a Almazan lanzando cálidas notas en sintetizadores al aire, sacudido por las vibraciones de Dingman. Añadiendo algún piano, Almazan da la definición a sonidos brillantes. En “Where the Wind Blows” se destaca la elevación del piano de Almazan que lleva la canción a las más altas elevaciones. Y en “Still I Dream” se destacan las líneas deslizantes de Almazan en el Fender Rhodes.

El trabajo de Chris Dingman en vibraciones es la contribución más evidente a la presencia de ensueño de la música. En “Sunshine Through the Clouds”, las vibraciones centellean como estrellas, mientras el arco en el bajo de Copeland arco es tan grueso como la luz de la luna lo suficientemente densa como para ser agarrada. Copeland utiliza el arco para un fuerte efecto, también, en “Today Means Everything”, balanceando una vivaz cadencia con algunos bien ubicados cambios de humor.

Los sintetizadores de Almazan añaden un poco de florecer dramático a canciones como “When Night Falls” and “Still I Dream”, un armónico clarín que hace sonar a la canción como deshaciéndose en jirones, incapaz de contener toda esa belleza armónica. Dingman anda sin rodeos por centro de esta niebla armónica con notas pacientemente expresadas, como si perfilara el área en el espacio donde la melodía existe, y creando un camino para el oyente para que este lo siga.

Hay un puñado de interludios diseminados por todo el álbum. Estos representan la mayoría de los aspectos improvisacionales para este álbum, y parece ser pequeños clips de aquellas conversaciones, añadidas como breves transiciones armónicas entre canciones. Por sí solos, no serían particularmente especiales, pero como parte del flujo temático del álbum, proporcionan un impulso de sustancia embriagadora, lavados armónicos que sirven para mejorar las posteriores melodías, y darles un poco de gravedad.

El álbum termina con la animada “I’d Be Lost”, que echa algo de polvo entre las grandes declaraciones. Almazan y Dingman disparan algunas líneas impresionantes, pero el sencillo enfoque del tempo de Joe Nero proporciona a la canción su carácter eminentemente atractivo, con el contraste entre las rápidas entregas y un paseo casual.

Es una agradablemente animada despedida para un álbum que pasa la mayoría de su tiempo vagando, y esto acentúa la delicada belleza de la música mostrando cierta dureza.

Un álbum genuinamente hermoso. De la clase que es fácil escuchar muchas veces.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/bryan-the-aardvarks-heroes-of-make-believe/

Apunte: Bryan Copeland declara en su site de Bandcamp: “Heroes of Make Believe es una colección de canciones que he compuesto durante los 4 años pasados desde mi traslado a Nueva York. La música representa una culminación de mis experiencias de vida e influencias hasta hoy. El concepto del álbum comenzó con la composición de “Sunshine Through the Clouds” como un réquiem para mi difunto amigo Daniel Gilmer. Cada pieza en el álbum tiene un significado especial para mí y es una expresión de momentos muy importantes en mi vida. Cada canción es una encarnación del insoportable dolor, inmensa alegría, y todo lo que hay entre ellos, que he experimentado en toda mi vida.” Podemos agregar, que el álbum tiene una rara belleza que se sustenta en preciosas melodías indies, realzadas por el increíble brillo, calidez y cercanía que proporcionan el talentoso tándem compuesto por Fabian Almazan y Chris Dingman. Excelente obra. Muy disfrutable!

Track Listing

01. These Little Hours (7:20)
02. Where the Wind Blows (9:15)
03. Sunshine Through the Clouds (7:03)
04. When Night Falls (4:20)
05. Marmalade Sky (9:41)
06. Soft Starry Night (7:47)
07. Mysteria (0:45)
08. Still I Dream (6:45)
09. Insomnia (0:53)
10. Today Means Everything (6:57)
11. Just Before Dawn (1:29)
12. I’d Be Lost (7:27)

Artist List

Bryan Copeland: Bass
Fabian Almazan: Fender Rhodes/Piano/Synth
Chris Dingman: Vibes/Glockenspiel
Joe Nero: Drums

Link de descarga
Password: presoventanilla



Robin Buyer Sextet
abril 24, 2017, 11:16 pm
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tapa Leave
Leave (2016)

Para ser el supuesto animal de juerga entre los géneros presentes en “A Closer Listen”[1], el post-rock no ha sido exactamente un invitado muy animado hasta ahora este año. Afortunadamente, los novatos del Robin Buyer Sextet han llegado trayendo los proverbiales barrilitos de cerveza y bandejas de DJ para despertarnos de nuestra socialización demasiado civilizada. Los Amigos Británicos tienen una persuasión inclusiva: ignoren el desagradable momento de llamar a un disco Leave (“Partan” o “Váyanse”) y sumérjanse en una fusión catártica y alegre de math-rock, jazz y pop que sin duda será recordada como una de las mejores del 2016 en su género.

Nuestro Rich mencionó a “Shelter” en su artículo “10 temas para empezar tu verano”[2] y la exuberancia, elasticidad y variedad rítmica exhibidos en ese tema, se mantiene a través de las siete pistas, que encajan prolijamente en media hora. A pesar de ser un disco debut para el colectivo de Brooklyn, su fundador y principal compositor Robin Buyer tiene experiencia tanto académica como en otras bandas, habiendo estudiado ejecución de bajo y etnomusicología en la universidad, así como formado parte de un grupo de Gamelanes[3]. Que esto no los confunda, Leave es un disco de sonoridad completamente occidental, basado en un post-rock fundado en lo rítmico (el groove). Lo que lo distingue es su matrimonio de ritmos intrépidos y melodías contagiosas, enriquecidos por una abundante diversidad de instrumentos.

Cada uno de esos instrumentos contribuye significativamente, aunque sin oscurecer a otro -un triunfo tanto de la composición como de la producción. Cada uno conoce su lugar y propósito: la guitarra y las teclas en el centro, suavizando los abruptos cambios rítmicos del bajo y la batería de un lado y, del otro, sosteniendo las melodías que fluyen del violín y el saxo. La variedad e inteligencia de su talento para la música intensamente melódica nos trae a la mente performances como las de los noruegos Jaga Jazzist y The Samuel Jackson Five, pero hay una mayor urgencia en el Robin Buyer Sextet, que está generada por lo ajustado de las composiciones que se desarrollan rápidamente. El segundo tema, “Leave”, uno de los puntos altos del disco, se desparrama con dinámicas y climas, corriendo a través de secciones lideradas por el saxo y la guitarra que son interrumpidas por crescendos tajantes y abruptos con una batería penetrante. Es un comienzo impresionante y el disco entero en adelante apenas se suaviza.

Mucho del estilo math-rock puede eventualmente insistir con tempos y tonos repetitivos. Leave nunca siquiera reconoce tal amenaza, con tantos temas empleando cambios abruptos aunque coherentes, y distinguiéndose al inclinarse a distintos instrumentos. La primera mitad de “Dusked”, dominada por el bajo y la percusión melódica (mallets) crea un inequívoco clima de sala de jazz; para el cuarto minuto se ha transformado en una construcción oceánica de ritmos abruptos, acordes palpitantes y voces expansivas – cuya intensidad aumenta por el control rígido que impone la sección rítmica, aún mientras se apagan los acordes finales. Las acrobacias de la guitarra sobre el ritmo a medio tempo de “Shelter” son suficientes para poner a mover las caderas, pero sólo los más intrépidos bailarines podrían atravesar el final del tema – una clase maestra que se roba el show oscureciendo tramposamente el ritmo debajo de líneas de vientos que fluyen y ganchos melódicos de la guitarra. Simplemente, no se va a ir de mi cabeza.

Con tal progreso comprobable bien temprano en la carrera de la banda, hacia dónde puede ir desde aquí? Quizás la respuesta pueda yacer en la afición de Buyer por la world music. Los “me gusta” de Esmerine[4] ya han demostrado la energía de fusionar su sonido occidental con escalas y voces de medio oriente – sería fascinante ver si esta banda talentosa en grado sumo podría hacer algo similar. Por el momento, estamos más que encantados de que se hayan sumado a nuestra fiesta.

[1] N. del T.: La fuente para la reseña que traducimos.
[2] N. del T.: https://acloserlisten.com/2016/06/13/10-tracks-to-start-your-summer/
[3] N. del T.: https://es.wikipedia.org/wiki/Gamelán
[4] N. del T.: https://en.wikipedia.org/wiki/Esmerine

Fuente para la reseña: Chris Redfearn-Murray para A Closer Listen: https://acloserlisten.com/2016/07/23/robin-buyer-sextet-leave/ – Traducción: Nicolobo Ramos (el quinto Beatle) !!!

Apunte: El bajista y compositor Robin Buyer nació y se crió en el sur de Maryland. Tiene una licenciatura de la Universidad del Noreste en historia y análisis de la música, con foco en etnomusicología y performance de bajo. Anteriormente, Robin tocó y compuso para Gamelan Galak-Tika en Boston y tocó el bajo en la banda de OGR Fortunaut. Actualmente reside en Brooklyn, NY, donde ayuda a administrar Odd Gift Records. Su grupo el Robin Buyer Sextet lanzó Leave su disco debut en Junio de 2016. Y nos gusta mucho.

Track Listing

1. Stasis (1:04)
2. Leave (5:36)
3. Trails (3:37)
4. Shelter (5:16)
5. Dusked (4:50)
6. Still (4:30)
7. Rise (4:10)

Artist List

Robin Buyer: bajo/compositor
Evan Dice: violín
Nick Joliat: teclados
Ryan Kershaw: guitarra
Nick Pope: batería
Dylan Sherry: saxo tenor

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