Preso ventanilla


Chick Corea Trio
febrero 1, 2015, 1:55 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , ,

tapa Trilogy
Trilogy (2013)

Corea es como las mareas, va y viene. Este Trilogy no sé si hace una cosa o la otra, eso depende, como siempre, del punto de vista de cada uno. A sus setenta y tres años, Corea ha pasado por todos los caminos imaginables con mayor o menor fortuna, pero siempre con un notable grado de profesionalidad. Quiero decir que, sin entrar en personales juicios de valor sobre ello, cualquiera de esos caminos los ha recorrido de manera brillante y convincente.

En este triple cedé el pianista vuelve al trío rítmico convencional mezclando un variado repertorio de piezas propias con otras pertenecientes a esa memoria colectiva multicolor que son los standards. No faltan las temibles “coreanadas”, ya saben, ese afán exhibicionista que hace de Corea un músico capaz de lo más sublime pero también del pastiche más vergonzante. Esto último es aquí una anécdota pero está presente. La línea del pianismo “coreano” en Trilogy es bastante parecida a la que exhibió en ese disco faro del trío de piano “pos Evans” Now He Sings, Now He Sobs. En éste como en aquél la música del trío fluye tan natural que parece que no pueda ser de otra manera. McBride y Blade son un complemento a la altura del empeño.

Quizás este disco sea una especie de testamento musical del Corea acústico, una especie de muestrario, un legado eficaz y completo. La quinta estrella se escapa volando gracias a alguna de esas “coreanadas” mencionadas y especialmente, me resisto a ocultarlo, a una interpretación de más de diez minutos de Someday My Prince Will Come con el protagonismo de la inefable e indescriptible voz de Gayle Moran. Como es la última pieza del disco es fácil de obviar. A parte de ello, tres discos bastante recomendables.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3195

Apunte: Trilogy es una grabación en vivo de diferentes actuaciones del trío alrededor del mundo. Corea, con unos vitales y envidiables 73 años, demuestra junto a los excepcionales Blade y McBride que puede mantenerse en la cresta de la ola varios años más. Las apariciones de los invitados españoles Niño Josele y Jorge Pardo aportan mucho a la causa del trio, y por todo lo bueno incluido en este disco triple tendemos un manto de piedad sobre la versión de Someday My Prince Will Come que canta la esposa de Corea, Gayle Moran. Fans de Corea y los no tanto (aquellos que se abruman con su pirotecnia) podrán disfrutar esta colección que de alguna manera resume al Corea acústico. Saludos!

Track Listing

CD1:

01. You’re My Everything (11:59)
02. Recorda Me (7:29)
03. The Song is You (13:54)
04. Work (5:14)
05. My Foolish Heart (9:20)
06. Fingerprints (10:22)
07. Spain (18:29)

CD2:

01. This is Now (12:42)
02. Alice in Wonderland (9:03)
03. It Could Happen to You (12:00)
04. Blue Monk (10:00)
05. Armando’s Rhumba (9:13)
06. Op. 11, no. 9 (10:43)
07. How Deep is the Ocean? (13:47)

CD3:

01. Homage (10:02)
02. Piano Sonata: The Moon (29:57)
03. Someday My Prince Will Come (10:21)

Artist List

Chick Corea: piano
Christian McBride: bass
Brian Blade: drums
Jorge Pardo: flute (CD1#4, CD1#6)
Niño Josele: guitar (CD1#4, CD1#6)
Gayle Moran: vocals (CD3#3)

Password en todos los casos: presoventanilla



Daniel Schläppi & Marc Copland
enero 18, 2015, 2:24 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , ,

tapa Essentials
Essentials (2012)

El contrabajista Daniel Schläppi, en respuesta a sus esfuerzos de reproducción, grabación y producción de jazz de primera categoría en los últimos diez años, ganó una beca de seis meses en New York en el año 2010.

Durante su permanencia, él escuchó el trío neoyorquino de Marc Copland con Gary Peacock y Bill Stewart, y después le envió a Copland un correo electrónico con links a mp3s de su site. Copland respondió positivamente y, él y Copland pasaron semanas tocando juntos, dando como resultado final la grabación en estudio de Essentials.

Este álbum auditivamente bellísimo será bien recibido por todos los que están familiarizados con trabajos anteriores de Copland, y debería aportar una importante notoriedad para Schläppi en los Estados Unidos. La música puede apreciarse en muchos niveles: el puro y cristalino sonido, por las emociones que los músicos sacan de las baladas, la profundidad de la inteligencia en las armonías escogidas, las vueltas y giros de las líneas, el sentido de la suspensión tanto en la armonía como en el tiempo, y sobre todo, la conexión musical que se expone entre Schläppi y Copland.

Esta conexión es la calidad esencial de esta fantástica grabación. Hay magia real creada en este muy expuesto ajuste. Ahora, esto es el concierto de Schläppi, y tal como él está grabado al frente, cuando está combinado con su enorme sonido, hace de su contrabajo un compañero completo para los colores iridiscentes del piano de Copland.

La selección de melodías y ritmo (incluidas las improvisaciones) han sido cuidadosamente planificadas, creando un marco donde el aumento y la disminución de la intensidad interactúa con la música haciendo que suene, al mismo tiempo, tanto bien-ensayado como en-el-momento. En cierto modo, se hace más evidente como procede el álbum, en las ocho, generalmente más cortas, pistas improvisadas “Essentials” (solista y en dúo) proporciona una imagen sumamente íntima de los músicos, y es realmente el corazón alrededor del cual los más viejos y más recientes standard y un original de Copland están colgados.

Cuando se escucha entre estas intensas pistas, las reconocibles melodías actúan como una especie de liberación hasta que ellas son quebradas y reformuladas por Copland y Schläppi. El álbum abre con el primer “Essential”, una corta introducción de Schläppi al magnífico “Never Let Me Go”, el cual que debe ser incluido entre las grandes performances de esta melodía, incluyendo aquella de Bill Evans en “Alone” (Verve, 1968). Que Copland, quien claramente tiene una conexión musical con Evnas, eligiera para grabar esta melodía con Schläppi, puede seguramente tomarse como un elogio musical de lo más alto.

Desde esta altura, la música nunca pierde su intensidad o emoción. Otra balada romántica, “My Romance” sigue, pero está hecha de una manera mucho más ligera. “Things Ain’t What They Used To Be” de Ellington y “Face of the Bass” de Ornette Coleman provee un poco de humor serio, pero la combinación de “Essential 6″ y el tratamiento de otro mundo dado a “Work Song” de Nat Adderley es tanto espeluznante como sorprendente.

El aterrizaje es suave y dulce, pero sutilmente intenso, con una magnífica interpretación de “Yesterdays” (Kern/Harbach), seguida por una declaración solista final de Schläppi, un último comentario sobre la música anterior y un “gracias” a Copland.

Encuentren setenta y cinco minutos sin interrupciones. Pongan Essentials y escuchen, solo escuchen.

Fuente para la reseña: Budd Kopman para http://www.allaboutjazz.com/essentials-daniel-schlaeppi-catwalk-review-by-budd-kopman.php

Apunte: Un dúo siempre es un verdadero desafío. Copland está acostumbrado a eso y lo ha demostrado con íntimos y magníficos discos junto a artistas tan renombrados como dispares entre si, como son Greg Osby, Gary Peacock, Bill Carrothers, Ralph Towner, Tim Hagans, Vic Juris y Dave Liebman. En este caso en particular, Copland indudablemente ha visto “algo” en Daniel Schläppi que lo llevó a compartir el estudio de grabación. El contrabajista suizo, junto al guitarrista Tomas Sauter son los responsables del sello independiente Catwalk (sello en el cual fue editado Essentials). En pocos años de existencia Catwalk ha registrado obras de altísima calidad y Essentials es una muestra más de ello. Quienes ya conocen a Copland encontrarán lo habitual y tan preciado en él: un obsesivo de las relecturas de viejos (y no tantos) standards, lejos del virtuosismo extremo que apabulla con notas por segundo, moviéndose sigilosamente, a veces suspendiendo en el aire las armonías, otras veces forzándolas, e instalando puentes de silencio que hablan tanto o más que la propia música. Essentials es un continuo que debe escucharse de un tirón porque si no, justamente, se pierde la magia, el embrujo del ambiente creado. Escuchado parcialmente, o siendo una actividad secundaria, puede parecer un disco más de versiones. Una vez que escuchó el álbum finalizado, abrumado, Copland escribió: “La comunicación y la empatía entre nosotros está muy clara. Creo que Daniel me puso en el estudio en un buen día, este es un muy buen CD y estoy muy feliz de haber sido parte de él”. Y nosotros estamos muy felices de poder escucharlo.

Track Listing

01. Essential 1 (D. Schläppi) (0:43)
02. Never Let Me Go (J. Livingston, R. Evans) (7:34)
03. My Romance (R. Rodgers) (5:56)
04. Essential 2 (M. Copland, D. Schläppi) (3:40)
05. Things Ain’t What They Used To Be (D. Ellington) (5:57)
06. Essential 3 (M. Copland, D. Schläppi) (3:29)
07. Between Now And Then (M. Copland) (5:31)
08. Essential 4 (D. Schläppi) (2:02)
09. The Face Of The Bass (O. Coleman) (3:41)
10. The Meaning Of The Blues (B. Worth, B. Troup) (8:55)
11. Essential 5 (D. Schläppi) (2:24)
12. Solar (M. Davis) (3:44)
13. Essential 6 (M. Copland, D. Schläppi) (4:29)
14. Work Song (N. Adderly) (5:01)
15. Essential 7 (D. Schläppi) (1:34)
16. Yesterdays (O. Harbach, J. Kern) (7:19)
17. Essential 8 (D. Schläppi) (1:55)

Artist List

Daniel Schläppi: bass
Marc Copland: piano

Link de descarga
Password: presoventanilla



Olivier Bogé
enero 14, 2015, 12:03 am
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , ,

tapa Imaginary Traveler
Imaginary Traveler (2012)

Algunos álbumes tienen la forma más sutil de acercarse a los oyentes. No hay solos llamativos, las melodías son sólidas y relajadas, el volumen es medido aún en cantidades, y no hay una pista que realmente se destaque del paquete, y sin embargo, con ninguna definición o frase gancho para enrollar al oído, el sonido de la última nota del álbum inmediatamente impulsa la decisión de iniciar el álbum de nuevo desde el principio.

El saxofonista Olivier Bogé ha creado uno de estos álbumes.

Hay una relajada facilidad en este álbum. Es tranquilo como hace su punto. La guitarra combina bien con el Fender Rhodes. El saxo se integra dentro y fuera de la mezcla con aire casual. La guitarra alterna entre el sol y la sombra, y allí donde no se equivoca nada con las secciones de guitarra eléctrica, es cuando la cuerda de acero hace que las melodías realmente brillen. El Rhodes hace un facsímil bastante decente de vibraciones, enviando notas brillantes para que el saxo y el bajo giren alrededor. Los tambores mantienen una charla agradable.

Solo es un álbum agradable.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-olivier-boge-joe-chambers-trio-enchantier-christian-escoude/

Apunte: En el mes de Agosto de 2014, en MQC/PV escuchamos la segunda grabación de Olivier Bogé como líder (“The World Begins Today”), en el cual participaron algunos importantes músicos de la escena jazzera mundial (Tigran Hamasyan, Jeff Ballard). “The World Begins Today” tomó la posta de este Imaginary Traveler y llevó las cosas solo un poco más allá. Digo “sólo un poco más allá” porque Imaginary Traveler es una obra tan o más lograda que su segundo disco. Al traducir la reseña del muy respetable Sr. Dave Sumner, quedé con una sensación contradictoria: por un lado dice que se trata de esos álbumes en los que uno decide volver a escuchar apenas terminan las últimas notas del último tema, y por otro dice que “solo” es un álbum agradable. Me pregunto: cuántos cientos (miles?) de músicos desearían hacer un disco al que los oyentes se sientan atraídos a escuchar nuevamente apenas finalizado??. El volver a escuchar el disco se debe a que desde el primer tema se atrapa la atención del oyente y esta no decae a medida que transcurren los temas, quedando la impresión de que el grupo ha redondeado las composiciones de Olivier Bogé de tal manera que parece que tuvieran años de convivencia musical. Para quienes no hayan escuchado anteriormente “The World Begins Today”, me permito poner como punto de referencia que Imaginary Traveler tiene un aroma (salvando las obvias distancias) a “Seasons Of Change” de Brian Blade & Fellowship Band: ese aroma proviene de una dinámica grupal parecida (sin llegar a las altas intensidades que tiene la Fellowship) , en el papel “rosenwinkeliano” de la guitarra de Perchaud (otro músico en el ojo de MQC/PV), en el modo impulsor de la batería de Karl Jannuska, que no es Blade pero es un gran baterista. Bogé, como bien dijo nuestro amigo Nico, no te desnuca con su sonido, pero tiene un fraseo melódico, una lírica medida, y lo más importante, una escritura sagaz e inteligente. Finalmente, declaro que Imaginary Traveler, a mi entender, es un discazo. Si no lo entienden así, al menos espero que lo disfruten como yo. Saludos!

Track listing

01. Echoes of a Million Thoughts (8:07)
02. The Enlightened Path (5:28)
03. Petreto Bicchisano (6:38)
04. Child’s Dream (6:53)
05. Signs (6:43)
06. Don’t Be Afraid (9:27)
07. Imaginary Traveler (5:54)
08. Ya Magou Gavarit (I Can Speak) (8:49)

All songs by Olivier Bogé
Recorded & mixed by André Charlier at Studio des Egreffins, Videlles, France, on Decembre 22 & 23, 2010.

Artist List

Olivier Bogé: sax
Pierre Perchaud: guitar
Tony Paeleman: piano, Feder Rhodes
Nicolas Moreaux: bass
Karl Jannuska: drums

Link de descarga
Password: presoventanilla



Phronesis
enero 7, 2015, 12:49 am
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , ,

Quienes son Phronesis?

El trio escandinavo/británico Phronesis tiene la habilidad y capacidad de impresionar, excitar, inspirar y conmover como pocas otras formaciones de jazz actual. Liderados por el contrabajista danés Jasper Høiby, sus fantásticos directos han llevado a Jon Newey (director de la prestigiosa revista Jazzwise de Inglaterra) a describirlos como “el trío más imaginativo y excitante desde EST”.

En 2010 Phronesis cautivaron al público británico y desarrollaron una reputación como uno de los mejores trios de jazz en Inglaterra. Fueron nominados a “Mejor Grupo de Jazz” en los Parliamentary Jazz Awards en abril, salieron en la portada de la revista Jazzwise en agosto y fueron nominados a “Mejor Grupo de Jazz” en los prestigiosos Mobo Awards en octubre 2010. Ese mismo año el grupo realizó conciertos memorables en Europa en el Banlieues Bleues Festival de Paris, el Festival de Jazz de Copenhague y el North Sea Jazz Festival, así como en los festival de jazz de Brecon, Glasgow y Londres.

En junio de 2011 realizaron su primera gira en Estados Unidos incluyendo conciertos en el Festival de Jazz de Ottawa y en el de Montreal y en el legendario Jazz Standard Club de Nueva York. En agosto de 2011 estrenaron el “pitch black project” en el festival de Brecon, un concierto totalmente a oscuras que les mereció una excelente crítica (5*****) en el Telegraph que lo describió como “un triunfo único y para no perderse”. El proyecto se volverá a presentar en Alemania y en el Festival de Jazz de Londres en noviembre de 2011.

Su tercer album “Alive” (Edition Records), con el batería invitado Mark Guiliana (Avishai Cohen/Meshell Ndegeocello), salió en Julio de 2012 y fue elegido como disco del año por la revista Jazzwise y MOJO Magazine, lo cual reafirmó su calidad y su proyección como uno de los referents de la escena de jazz contemporáneo de Europa. El trio está trabajando en su cuarto disco que saldrá a princios de 2012.

Jasper Høiby, contrabajista danés afincado en Londres, creó Phronesis en 2005 tras graduarse del Royal Academy of Music de Londres. El album debut “Organic Warfare” salió en noviembre de 2007 en Loop Records. Su segundo y aclamado album “Green Delay” salió en junio de 2009 y fue elogiado por The Guardian, Jazzwise (lo calificó como uno de los 10 mejores discos del 2009) y The Times.

Biografía publicada en http://www.stageplanet.net/stageplanet/index.php/es/artistas/phronesis
tapa Organic Fanfare
Organic Warfare (2007)

La segunda realización del sello Loop viene de un trio liderado por el bajista nacido en Copenhagen, Jasper Høiby. Ahora establecido en Londres, Høiby es un miembro del excitante y joven Loop Collective de creativos músicos. También ha aparecido en un filoso trío junto al trompetista Tom Arthurs y el baterista Stu Ritchie.

Sin embargo a la fecha él es probablemente más conocido por su trabajo con miembros del más establecido Fire Collective. Høiby ha grabado y girado con la aclamada cantante Julia Biel, apareciendo en su excelente álbum “Not Alone”

Hoiby también está involucrado en otros proyectos liderados por músicos británicos y daneses, pero este álbum de Phronesis marca su grabación debut como líder. Y que debut es.

Para este álbum, Høiby retornó a Dinamarca y enlistó los talentos de sus compatriotas, el pianista Magnus Hjorth y el baterista Anton Eger. Ambos son músicos sumamente activos en la floreciente escena del jazz escandinavo. Estos magníficos jovenes músicos hacen una enorme contribución al suceso de este álbum, el cual ha sido registrado en los Sincere Studios de Copenhagen.

El material está comprendido enteramente por originales de Hoiby y lo revela para ser un excelente escritor con un oído infalible para una buena melodía. El camino de Høiby con una melodía es emparejado por su forma con un groove y el estilo en el cual él mezcla los dos concitando la atención del oyente en todas partes del álbum entero. Con once pistas relativamente cortas la idea es no permitir que duren más de lo debido.

Aunque Høiby lidere desde el bajo, esto es ostensiblemente un trío de piano y el mood varía desde el lirismo al estilo ECM, a uno más rítmico, liderado por un groove en el estilo del EST (menos la electrónica) o el propio británico Neil Cowley Trio.

La apertura “Untitled” y su posterior reprise tiene un aire pastoral en la dirección de ECM. Sin embargo aún aquí el enorme, cantante sonido del bajo de Høiby parece insinuarse en algo más orientado hacia el groove.

La saltarina, energética pista del título repite la intensidad de la aproximación de Cowley, mientras “Melody” combina melodía y groove a la manera del EST.

Sin embargo estas comparaciones son simplemente convenientes puntos de referencia . Høiby no es ningún mero copista y su escritura es coherentemente interesante en todas partes. Liderando desde el bajo, él es capaz de poner su propio sello en la música. Hay un verdadero espíritu colectivo dentro del grupo y cada miembro hace una contribución vital al sonido total

El enorme tono del bajo y el ágil trabajo de dedos hacen de él tanto un componente rítmico vital como un solista importante, el cierre “Naïve Tune” es un particular highlight. De manera apropiada él está en el corazón mismo de la música. De manera apropiada él está en el corazón mismo de la música.

Hjorth es un pianista versátil y creativo que es vital para la estética del grupo. Él tiene memorables solos en “French” y “Seven For Samba”, pero su rol principal no es el de “pianista más sección de ritmo”. En un grupo tan democrático que da a cada miembro una más o menos igual prominencia hace que el trío alcance una orgánica identidad grupal.

La contribución de Eger es también brillante, especialmente en la lenta combustión de “Smoke Like A Camel” y “4 now”. Él es un intenso pero delicado baterista y su forma de tocar nunca se impone pero siempre agrega. Su apoyo comprensivo, atención para el detalle y el uso del kit entero trae a la mente no sólo a Magnus Öström del EST, sino también a bateristas británicos como Sebastian Rochford (uno de los socios de Høiby en la banda de Julia Biel) y Martin France. De hecho, Eger a veces suplanta a France en la banda de Django Bates, Human Chain.

El británico Bates se ha movido en la dirección opuesta a la de Hoiby y ahora vive en Copenhagen. Bates dirige una big band en Dinamarca bajo el nombre de “stoRMChaser” y despliega a Eger en la silla del baterista.

Impecablemente registrado por el ingeniero August Wanngren, “Organic Warfare” merece que le vaya bien. De hecho, este es un álbum que rara vez hubiera sido de mi reproductor, y no sólo a los efectos de revisión. Høiby deliberadamente mantiene las cosas armónicamente simples y el resultado es una música que siempre es melódica y rítmicamente interesante pero nunca “difícil”.

Esta es música que consigue ser luminosa y accesible, pero sin ningún atisbo de compromiso. En ese sentido, esto es el espíritu de EST, Cowley Keith Jarret y aún Pat Metheny. Esta es música que merece ser escuchada y debería tener algo atractivo tanto para los curiosos oyentes de rock, como para la audiencia del jazz.

Fuente para la reseña Ian Mann para http://www.thejazzmann.com/reviews/review/phronesis-organic-warfare/

Track Listing – Organic Warfare

01. Untitled #1 (2:16)
02. Organic Warfare (3:10)
03. French (4:18)
04. Melody (4:55)
05. Smoking the Camel (6:36)
06. Seven for Samba (5:14)
07. Three bar Loop (4:52)
08. Mournful (5:01)
09. ‘4 Now’ (6:36)
10. Untitled #2 (5:43)
11. Naïve Tune (6:00)

Artist List

Jasper Høiby: double bass
Magnus Hjorth: piano
Anton Eger: drums

tapa Green Delay
Green Delay (2009)

Siguiendo al suceso de Organic Warfare (Loop, 2007), el bajista nacido en Copenhagen y miembro del Loop Collective Jasper Høiby, presenta su segundo álbum como líder -Green Delay- con su trío Phronesis establecido en Londres. Høiby se une en este set de composiciones originales al baterista Anton Eger y al pianista Ivo Neame, quien reemplaza a Magnus Hjorth de Organic Warfare

Caracterizado por intensos grooves conducidos por el bajo en compases impares, melodías líricas, y la interacción fantástica, este álbum muestra la aptitud de Høiby como compositor, mientras enmarca la fuerza pura de los ejecutantes como improvisadores contemporáneos. El trío muestra un gran equilibrio entre los miembros, donde los tres igualmente contribuyen al ímpetu de la música, y todos también tienen sus momentos destacados.

“Abraham’s New Gift” establece el escenario. Un frenético riff -desempeñado por el bajo y doblado por la mano izquierda del piano- establece el álbum con energética fuerza y dirección. Secciones más libres permiten al groove dejarse caer y reconstruirse, abriéndose para los solos. Como si la complejidad rítmica proporcionada por Eger y Høiby no inspirara lo suficiente, los solos de Neame, airosos, tienen un asombroso comando armónico.

La pista del título es una composición cuidadosamente elaborada. La melodía surge de otra inteligente línea de bajo, donde un desplazamiento rítmico entre los dos da el impresionante efecto de las líneas moviéndose como si se persiguieran unos a otras.

En “Rue Cinq Diamants” el mood es puesto por un lento e hipnótico ostinato del bajo, que se repite durante el tiempo de duración, dejando espacio para tocar algunos de los fantásticos texturales de Eger. Las melodías etéreas y puntillosas agregan a la hipnosis, pintando un siniestro dreamscape.

“Love Song” es una particular y destacada pista que muestra a los tres músicos en su mejor momento. Høiby toca tanto la línea de bajo como la melodía, entrelazando ingeniosamente los dos, con Neame que dobla para el efecto seguido de tres impresionantes solos. La influencia del pianista Herbie Hancock en Neame es clara; paralelismos similares se puede distinguir entre Høiby y Avishai Cohen, quien él mismo ha manifestado su admiración por el trabajo de Høiby.

En todo el álbum, Eger proporciona gran soporte textural, particularmente en “Summersault”, donde él toma provecho de la vasta paleta textural que puede ser producida a partir del kit de batería. Esto, combinado con infecciosos grooves, expone el sonido de este trío -un formato que, en ocasiones, puede caer en la trampa de sonar demasiado escaso.

Escuchando este registro, se hace rápidamente evidente cuán apretado es Phronesis como una unidad. Aunque las cerebrales composiciones de Høiby requieran considerables ensayos, la interacción y las reacciones entre los músicos parecen completamente naturales, dando un impresionante ambiente general.

En las liner notes, Høiby dedica Green Delay a su hermana Jeanette, quien ha perdido la vista. Conmovedoramente, él escribe “Hermana, ahora que tus ojos han dejado de trabajar, aquí hay algo para tus oídos”. Como la reputación de Høiby crece, es una certeza de que no sólo serán los oídos de Jeanette los que escucharán.

Fuente para la reseña Alex J. Watson para http://www.allaboutjazz.com/green-delay-phronesis-loop-records-review-by-alex-j-watson.php

Track Listing – Green Delay

01. Abraham’s New Gift (7:12)
02. Blue Inspiration (7:36)
03. Blackout (6:00)
04. Green Delay (5:43)
05. Rue Cinq Diamants (5:09)
06. Love Song (9:00)
07. Happy Notes (7:09)
08. Five Songs Six Words (5:08)
09. Summersault (5:47)

Artist List

Jasper Høiby: bass
Ivo Neame: piano
Anton Eger: drums

tapa Alive
Alive (2010)

“La nueva esperanza del jazz europeo”, “el trío mas excitante e interesante desde la desaparición de EST”, etc…; asi ha sido anunciada la llegada de este trío a la escena internacional por parte de la prensa especializada británica.

¿Podemos encontrarnos ante una campaña de publicidad exagerada por parte de estos medios o de verdad estamos ante una de las nuevas revelaciones del jazz europeo?. La única verdad, hasta el momento, es que nos encontramos ante la tercera grabación de este trío británico, de formación internacional, liderado por el contrabajista de origen danés Jasper Høiby al que suelen acompañar el batería noruego Antón Eger que en esta ocasión, por imprevistos de ultima hora, cede las baquetas al percusionista invitado Mark Guiliana que por cierto ha trabajado en el grupo del bajista Avishai Cohen y por el pianista y único ingles de la banda Ivo Neame.

Tras una primera escucha lo que si podemos decir sin temor a equivocarnos es que el grupo presenta bastantes cartas a su favor para pertenecer al olimpo de los nuevos tríos de jazz sin desentonar y todo ello con bastante brillantez.

El grupo fue creado en el año 2005 y grabó su primer disco en el 2007 para alcanzar muy buenas críticas y premios con su segunda grabación “Green Delay” que salió al mercado en el 2009.
Ahora utilizan este “Alive”, su directo grabado en el Forge Arts Venue de Londres, como perfecta tarjeta de visita para romper más esquemas y proponerse al mercado internacional donde de momento no habían sido tan reconocidos.

Este disco ha obtenido las recompensas como mejor grabación de jazz del año para revistas tan dispares, en un principio, como pueden resultar ser Jazzwise o Mojo un medio mas dedicado al pop y rock, con lo cual puede darnos una pequeña idea de lo que vamos a encontrarnos en el cedé.

Un hecho destacable es que toda la música que el trío toca esta compuesta por el contrabajista y líder Jasper Høiby, ocho temas que pertenecen a sus dos anteriores grabaciones, entre los que destacan por sus fuertes ritmos los iniciales “Blue Inspiración” y “French” o los magníficos “Abraham’s New Gift”, el africano “Happy Notes” y “Love Song” donde la alargada sombra del estilo del anteriormente mencionado Avishai Cohen sobrevuela la música. También temas mas tranquilos tienen cabida en el repertorio del grupo como “Eigth Hours” o el inquietante “Rue Cinq Diamants” siempre bajo la firme mano de Jasper al contrabajo que en ningún momento rebaja su presencia.

Este cd es una buena manera de engancharse y unirse a la marea de acólitos del nuevo sonido de Phronesis, que ira creciendo con el tiempo y que, finalmente sí creo que se merecen una plaza en el olimpo de los nuevos tríos del jazz internacional.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2011/03/phronesis-alive/

Track Listing – Alive

01. Blue Inspiration (Jasper Høiby) (11:05)
02. French (Jasper Høiby) (8:35)
03. Eight Hours (Jasper Høiby) (5:32)
04. Abraham’s New Gift (Jasper Høiby) (10:08)
05. Rue Cinq Diamants (Jasper Høiby) (6:09)
06. Happy Notes (Jasper Høiby) (10:09)
07. Love Song (Jasper Høiby) (14:06)
08. Untitled#2 (Jasper Høiby) (7:15)

Artist List

Ivo Neame: piano
Jasper Høiby: double bass
Mark Guiliana: drums

tapa Walking Dark
Walking Dark (2012)

Como la pila de talentosos y excitantes trios de piano sigue creciendo cada vez más alto, se requiere un muy talentoso y excitante trío para elevarse a la cima y permanecer allí. Entra Phronesis. En la cima con su tercer álbum -el premiado Alive (Edition Records, 2010), álbum de jazz del año, tanto en la revista Jazzwise y como en la Mojo- el trío está enérgicamente todavía allí con el álbum número cuatro, Walking Dark.

El bajista danés Jasper Høiby lidera la banda, la cual formó en el 2005 después de trasladarse a Londres. En Walking Dark se une al pianista británico Ivo Neame y al baterista sueco Anton Eger. Si el término piano trio sugiere un instrumento o músico dominante, esto es una descripción incorrecta para Phronesis. Al igual que sus homólogos europeos Michael Wollny del [em] o el Kit Downes Trio, no hay una personalidad musical que desborda a los demás. Los tres músicos hacen dinámicas y creativas contribuciones al sonido como a la escritura.

Eger no estuvo disponible para “Alive” por lo que Mark Guiliana estuvo en la batería. Guiliana fue una parte clave del éxito del álbum, ajustándose a la ligereza de toque de Eger y su capacidad de usar todo el kit de batería para sacar el máximo partido. Eger es más juguetón, frenético e imprevisible que Guiliana, trayendo un borde añadido al sonido general del apacible “Eight Hours”, de Høiby, el cual aparece en ambos álbums y permite una comparación directa de los estilos de ambos músicos

Como el sonido de Eger pasa rozando a través de sus tambores y platillos presenta un contrapunto fascinante a los tonos gordos y poderosos del contrabajo de Høiby. Neame aprovecha al máximo las posibilidades de la interacción entre bajo y batería, a veces coincidiendo con los potentes ritmos de Høiby, a veces corriendo alrededor del teclado en emulación de los patrones percusivos de Eger. A veces, los músicos dan la sensación de que si intercambiaran los instrumentos el sonido seguiría siendo tan fuerte, intrincado e imaginativo.

“Suede Trees” de Høiby es casi un tema pegadizo: un simple groove que los tres músicos bloquean estableciendo con facilidad, un mood de optimista alegría que se acentúa aún más con el animado solo de Høiby. “Upside Down”, otro tena de Høiby, revisita este positivismo. “Passing Clouds”, de Neame, es más reflexiva y melancólica, un mood que lleva más lejos en la maravillosa “Charm Defensive”. Las tres composiciones de Eger, tienen una urgencia sobre ellas. En particular “The Economist” corre lejos limpiamente, llena de energía acumulada.

En lugar de describir un conjunto de melodías deprimidas y pesimistas, Walking Dark se refiere a una serie de shows conocidos como conciertos Pitch Black. Tocados en total oscuridad, ellos se los dedicaron a hermana visualmente impedida de Høiby. Esta es música que refleja muchos “moods”, pero nunca pierde su optimismo. Phronesis crea música desde el corazón y el alma, y hace que el mundo sea un poquito mejor.

Fuente para la reseña Bruce Lindsay para http://www.allaboutjazz.com/walking-dark-phronesis-edition-records-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Walking Dark

01. Walking Dark (6:00)
02. Passing Clouds (3:56)
03. Democracy (7:34)
04. Suede Trees (5:01)
05. Upside Down (4:41)
06. Charm Defensive (5:36)
07. Lipwash – Part I (1:34)
08. Lipwash – Part II (4:46)
09. Zieding (8:50)
10. The Economist (6:01)
11. American Jesus (7:08)
12. Eight Hours (8:03)

Recorded in Copenhagen, Denmark on 2nd, 3rd, 4th November 2011 at The Village Recording Studio.

Artist List

Jasper Høiby: double bass
Anton Eger: drums
Ivo Neame: piano
Written-By: Anton Eger (tracks: 3, 9, 10), Ivo Neame (tracks: 2, 6, 11), Jasper Høiby (tracks: 1, 4, 5, 7, 8, 12)

tapa Life To Everything
Life To Everything (2014)

Life To Everything es la quinta grabación del trío Phronesis, tercera en el sello Edition. Este grupo multinacional (sus integrantes son de Dinamarca, Inglaterra y Noruega) ha grabado en directo su nuevo CD en noviembre de 2013 dentro de la celebración del London Jazz Festival. Nueve nuevas composiciones, tres de cada uno de los integrantes de esta formación, conforman esta obra. Su propuesta continúa sustentándose en los elementos que han venido caracterizando su música, y que han proprocionado a este trío reconocimiento tanto dentro del mundo del jazz, como fuera de él. Un elemento esencial es la importancia que la interacción tiene en su música. Esta se muestra como algo unitario, ya que en su desarrollo son igualmente importantes las aportaciones de cada uno de los tres músicos. Otro factor es la importancia de lo compuesto frente a lo improvisado. Phronesis organiza su discurso en torno a un material escrito que explota un cierto virtuosismo por parte de sus integrantes. La intensidad de su música, lo atractivo de sus melodías, y unos desarrollos muy bien conjuntados a pesar de su aparente dificultad sirven para diferenciar su propuesta del resto.

Reseña de Pachi Tapiz para http://www.tomajazz.com/web/?p=11090

Track Listing – Life To Everything

01. Urban Control (7:53)
02. Phraternal (6:33)
03. Behind Bars (9:01)
04. Song For Lost Nomads (7:01)
05. Wings 2 The Mind (8:41)
06. Nine Lives (6:35)
07. Deep Space Dance (5:02)
08. Herne Hill (5:02)
09. Dr Black (7:38)

Artist List

Jasper Høiby: double bass
Anton Eger: drums
Ivo Neame: piano

Apunte: Llevo varios (muchos) días escuchando los discos de Phronesis y lo primero que debo decir es que a pesar de que el único denominador común de los cinco discos grabados a la fecha sea el bajista Jasper Høiby, esto no hace mella en el entramado y monolítico sonido que han logrado. Ustedes podrán apreciar que las reseñas (todas de diferentes analistas) hablan de referencias tales como el EST o el Neil Cowley Trio. Coincido con ellas. Creo que Phronesis está en un punto medio entre el EST y el Neil Cowley Trio. No hay una fuerte personalidad como la de Esbjörn Svensson o la de Neil Cowley que hagan notar que es un clásico “piano trio”. El énfasis está en la interacción de los músicos y en especial, a mi entender, en el fuerte rol que juegan los bateristas (Eger en cuatro de los cinco discos y Guiliana, brillante, en “Alive”). Sin dudas, Jasper Høiby tiene muy en claro hacia donde llevar su música y busca los socios apropiados, para que ellos justamente se apropien, valga la redundancia, de sus ideas y las desarrollen codo a codo, muy democráticamente. Finalmente, me quedo con una frase de Bruce Lindsay, refiriéndose a Walking Dark: “Phronesis crea música desde el corazón y el alma, y hace que el mundo sea un poquito mejor.”

Password en todos los casos: presoventanilla



Dylan Ryan / Sand
diciembre 25, 2014, 4:56 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , ,

Layout 1
Circa (2014)

“Los cimientos arquitectónicos de las ciudades contrastan con los fines simbólicos del alma, y en la irregularidad del tránsito se refleja esa contradicción.” Luis Alberto Spinetta, circa 1974.

Cuando el baterista experimental Dylan Ryan formó su trío Sand hace un par de años atrás con el guitarrista Timothy Young y el bajista Devin Hoff, rápidamente se fusionaron por el similar background de los tres en las áreas de la experimentación, el rock y el jazz y las seductoras zonas en las que estos estilos se superponen.

Y sin embargo, el logro más grande de su álbum debut es que han logrado unir aquellas cosas de una manera que hicieron una música fácilmente seductora.

“Sky Bleached” (2013), por lo tanto, fue un sólido álbum debut para Dylan Ryan Sand, y es en gran parte de las mismas características que hacen de Circa (30 de Septiembre de 2014, Cuneiform Records) un sólido seguimiento.

Por lo tanto, ¿cómo lo hacen? Comencemos con Young, un guitarrista diversamente talentoso que llena un montón del espacio sónico con sus ricas y etéreas superficies y puede rockear tan duro como el mejor de ellos, asumiendo funciones tanto de guitarra rítmica como líder con igual aplomo. Hoff es tan versátil, pero la cosa es, que él asume tanto roles de bajos acústicos como eléctricos con sólo su standup, el bajo desconectado. Y el propio Ryan es un baterista tan ágil, que puede pilotar suavemente por difíciles patrones rítmicos, y exponer un toque delicado aún durante momentos más pesados. Un poco como Stewart Copeland y que otro baterista “Stewart”, Bill Stewart.

En conjunto, esta es una banda que es capaz de reproducir la mayoría de los originales de Ryan con una soltura que persiste pero lo suficientemente flexible para dar estas canciones un flujo natural. Sin embargo, estas canciones raras veces van más allá de los cinco minutos, incluso más corto que en Sky Bleached. Piense en ellos como jams compactas.

Dentro de este acercamiento conciso, las ideas totalmente formadas vienen en adelante.“Trees, Voices, Saturn” es como una vintage brisa marina, con un jam groove de rock de fines de los años 60′, debido especialmente al groove del bajo de Hoff. “Possession” es lo que Black Sabbath hubiera sonado si ellos hubieran intentado la fusión, y “Visionary Fantasy” cuenta con una introducción rockera con intensa angularidad, al igual que The Who. La guitarra de Young es textural dentro de un concepto metalero, mientras que los tambores de Ryan son monstruosos en la construcción de un intenso final.

Me gusta “Pink Noir” por su guitarra atmosférica deslizándose por sobre el ágil trabajo del borde de Ryan. Y “Mortgage On My Soul” es uno de los pocos y auténticos rocks de Keith Jarret desde siempre. Aquí, se rockea más duro todavía, y Ryan destruye sus platillos para asegurarse de que así sea. “Raw Rattle” encuentra a Ryan revolcándose a lo John Bonham mientras Young hace heno con sus picantes y temblorosas notas

Aunque Dylan Ryan / Sand es un pequeño grupo, ellos crean un gran sonido; aunque las canciones son cortas, son completas declaraciones musicales. Circa hace mucho de muy poco.

Fuente para la reseña de S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2014/09/25/dylan-ryan-sand-circa-2014/

Apunte: Sky Bleached fue una muy agradable sorpresa de fines del año pasado. En aquella oportunidad mencionamos que Dylan Ryan reconocía a The Cure, Black Sabbath o Joni Mitchell entre sus influencias pero aclaraba que Sand era una banda de jazz. Un año más tarde, leemos en esta reseña de S. Victor Aaron referencias tales como Stewart Copeland, John Bonham, The Who, nuevamente Black Sabbath. Desde el hemisferio sur de este maltrecho planeta vamos a agregar una referencia más, aunque dudo que Ryan, Young y Hoff lo hayan escuchado alguna vez: el primer disco de Invisible, el de la tapa con la pintura del charco del artista plástico holandés M.C. Escher, ese manual de surrealismo y rock progresivo (?) vernáculo, editado en el año 1974. Dylan Ryan / Sand se ha despojado de casi todos sus ropajes jazzeros y han quedado unas músicas breves y poderosas. Circa sería un disco instrumental de un utópico Invisible, donde Luis se hubiera quedado transitoriamente sin voz, pero se hubiera abroquelado a Machi y Pomo más que nunca. Discazo, si.

Track Listing

01. Trees, Voices, Saturn (4:36)
02. Possession (4:36)
03. Sledge Tread (2:04)
04. Visionary Fantasy (4:38)
05. Pink Noir (4:34)
06. Mortgage On My Soul (4:07)
07. Slow Sculpture (3:17)
08. Low Fell (5:08)
09. Night Sea Journey (1:54)
10. Raw Rattle (3:09)

Artist List

Dylan Ryan: drums
Timothy Young: guitar
Devin Hoff: bass

Link de descarga
Password: presoventanilla



Christian Gaubert, André Ceccarelli, Jannick Top
diciembre 24, 2014, 2:04 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , ,

tapa Ligne Sud Trio
Ligne Sud Trio (2013)

Christian Gaubert vive en la música desde hace mucho tiempo: desde los años 60, tras los estudios en el Conservatorio de Marsella del que saldrá titular de primeros premios en piano y solfeo, antes de mejorar en órgano y armonía, este pianista constituirá sus primeras formaciones, entre las que estarán un trío de jazz con Marcel Sabiani y una Big Band. Una larga historia que no sólo abría sus primeras páginas: éstas serían numerosas y salpicadas de encuentros con numerosas figuras de proa del mundo del variété (Aznavour, Bécaud, Lavilliers, Croisille…); pero Gaubert, pronto septuagenario, primero es conocido como director de orquesta y compositor, en particular de músicas de películas. El cine por lo tanto, es el centro de su trabajo, y en la carretera se cruza con Francis Lai, pasando a ser el arreglador para “Vivre pour vivre”, “Love Story”, “Mayerling”, “Itinéraire d’un enfant gâté”, “Les yeux noirs”… muy recientemente, ha escrito la banda de sonido de “Salaud, on t’aime”, el última filme de Claude Lelouch, que se estrenará próximamente en salas.

Séptimo arte, encuentros…se comprende mejor el significado de un trío de acentos melodiosos, formado exclusivamente por hombres del sur. Dos marselleses: Gaubert mismo y Jannick Top, cuya vibración tranquilizadora está aquí a años de luz de los furores del sonido de Infernal Machina, y un natural de Niza, André Ceccarelli, o la seguridad del groove en la serenidad de una larga amistad duradera. Una asociación de bienhechores para una Ligne Sud, que cuenta historias de tranquilo encanto, salpicadas de melodías sin edad, pero seguro persistentes.

Apoyado por una rítmica que es también la del grupo Troc, plena de flexibilidad y contoneos felinos, Christian Gaubert puede dejar curso libre a su imaginación y al brillo de su digitación. Ligne Sud propone trece baladas soleadas, todas invitaciones a un viaje tranquilo y relajante. He aquí un disco para el placer: Ceccarelli y Top no tienen nada más que demostrar, su complicidad es el mejor aliado al juego hipermelódico de este pianista. El refuerzo de Thomas Savy sólo aumenta al sentimiento de bienestar constante, cuando el saxofonista viene para añadir sus propios colores al paisaje de «Lumières citadines».

Con Ligne Sud, es un poco como si cada uno de nosotros fuese invitado a bordo de una berlina inglesa con asientos de cuero, con sus parantes de nogal, en un confort a la antigua; el motor ronca, entreabrimos los cristales y dejamos entrar el paisaje, canturreamos un chabadabada con la garantía de llegar a buen puerto, sin tropiezos ni brusquedades. Un paseo que se trata de romanticismo, de calma impresionista, de luces urbanas, de nostalgia o de un hermoso día de noviembre. Una música sensual, plena de sigilosa elegancia – una música para todos, excepta de vulgaridad y con el bien en sus notas, tanto que es grato ponerse entre los oídos, justo para el placer de estar en buena compañía.

Fuente para la reseña: Denis Desassis para http://www.citizenjazz.com/Christian-Gaubert-Andre-Ceccarelli.html

Apunte: Insisto en estos días con la música de carácter simple, amable y elegante, como para cerrar el año de manera agradable y pacífica, en compañía de buena gente. Christian Gaubert es una leyenda de la música. Compositor y arreglador de artistas como Charles Aznavour o Gilbert Bécaud y habiendo compuesto extensamente para la televisión y el cine, aquí se encuentra con dos amigos para hacer de lujoso taquito este álbum extremadamente melodioso, sensual (ojo: no es smooth jazz esto) con el cual uno no puede menos que sentir una empatía inmediata. Para la dama y el caballero, con o sin el descapotable, da igual. Felicidades para todos!

Track Listing

01. Romantisme congénital (4:40)
02. Hector (4:35)
03. Calme impressionniste (5:19)
04. Sensualité extrême orientale (5:33)
05. Lumières citadines (4:46)
06. Maman Noël (4:16)
07. Bill Nostalgie (4:24)
08. Autour de Mi (3:48)
09. N’oublions pas (5:18)
10. Veillée contemporaine (5:23)
11. Constrastes urbains (5:17)
12. Un beau jour de novembre (4:45)
13. Fusion de styles (3:30)

Artist List

Christian Gaubert: piano, compositions
André Ceccarelli: drums
Jannick Top: electric bass
Guest:
Thomas Savy: saxophone

Link de descarga
Password: presoventanilla



Maciek Pysz Trio
diciembre 21, 2014, 5:28 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , ,

tapa Insight
Insight (2013)

Esta es una de las agradables e inesperadas sorpresas que llegan a mi casilla de correo electrónico de vez en cuando, que no solo son delicias musicales sino que también tienen un aspecto personal, cerrando una de las infinitas conexiones tejidas durante mi vida de activista del Jazz. Maciek Pysz es un guitarrista/compositor polaco residente en Londres desde 2003 y está considerado como uno de los más interesantes actores por venir en la escena. Sus compañeros son el bajista ruso Yuri Goloubev, músico de formación clásica, viviendo ahora en Milan, y el baterista israelí Asaf Sirkis, también residente en Londres, considerado como uno de los mejores músicos de los alrededores. Por supuesto Sirkis es uno de los muchos “kids on the block” que ha crecido bajo mis alas y recibió su primera oportunidad en mi sello de grabación, por lo tanto lo considero como uno de mis “niños musicales” esparcidos por todo el mundo.

El trío realiza nueve composiciones originales, todos por Pysz (una co-compuesta con el guitarrista italiano Gianluca Corona), que también estuvo a cargo de sus exquisitos arreglos. La música es una maravillosa amalgama de influencias mezclando improvisaciones jazzeras con backgrounds multiculturales como gitano, flamenco, folklores latinos y brasileño, y música clásica europea. Las influencias rítmicas también hacen referencias a pulsaciones de medio oriente. En conjunto, estos elementos son maravillosamente entrelazados, produciendo una única identidad musical, que pertenece al universo de la guitarra de la fusión jazz-world promovido por luminarias como Al Di Meola, Ralph Towner o John McLaughlin, entre otros. Sin temor a exagerar, se trata de una música tan buena como la música creada por estos grandes maestros.

No obstante las excelentes composiciones y arreglos, son también acompañados por magníficas performances. Los tres músicos son evidentes virtuosos, cada uno de ellos capaz de una performance impresionante, y cuando se combinan son capaces de hacer música realmente admirable. Pysz tiene una excelente técnica pero, más aún, un profundo sentimiento. La guitarra acústica/clásica ríe y llora, cambia entre una alegría vertiginosa y un humor melancólico. Las notas y los acordes están siempre en armoniosa relación entre ellos y con los otros dos músicos. Goloubev es ya bastante famoso como músico clásico, pero su performance aquí muestra que su sentido y respeto para el Jazz no son de ninguna magnitud menor. Sirkis, que “tiene sus caballos” y de forma inteligente ajusta su magia percusiva al delicado entorno acústico, simplemente une toda la experiencia musical en un completo y perfecto mensaje artístico.

Como si todo lo anterior no fuera suficiente, el álbum está grabado de manera soberbia, con un asombroso ambiente sonoro y dinámica de la más alta calidad, lo que convierte la experiencia de escuchar la música en un auténtico placer. Es evidente que es “el cielo de la guitarra” para los aficionados a la guitarra, pero el verdadero conocedor de música encontrará extraordinario este álbum en todos los sentidos. Totalmente recomendado!

Fuente para la reseña: Adam Baruch para http://polish-jazz.blogspot.com.ar/2013/07/maciek-pysz-insight-2013.html

Apunte: Insight es un CD amable, agradable, de fácil escucha, pero a la vez (y ahí está su gran fortaleza) muy distante de la banalidad. La música es simple solo en apariencia. Se pueden reconocer en Pysz las referencias mencionadas por Baruch en su reseña: pueden escucharse ecos de Al Di Meola, McLaughlin y también a Chick Corea. Pysz tiene el suficiente virtuosismo para tocar limpiamente a la velocidad de un rayo pero evita sabiamante aturdirnos con acumulación de notas por segundo. Asaf Sirkis, a quien hemos escuchado en el hermoso “Lighthouse” del trio Simcock/Garland/Sirkis, se puede decir que casi en la totalidad del disco golpea sus tambores con las manos, reafirmando la idea del sonido acústico para la totalidad del trio. Qué bueno es cuando algo escapa de la medianía general y los artistas lo hacen ver tan simple y cercano.

Track Listing

1. Those Days (6:35)
2. Blue Water (6:53)
3. Amici (7:24)
4. Lost in London (4:09)
5. Insights (4:45)
6. Moody Leaf (6:41)
7. Maroon (7:48)
8. Steps of Time (6:32)
9. Under the Sky (7:20)

Artist List

Maciek Pysz: guitar
Yuri Goloubev: bass
Asaf Sirkis: drums

Link retirado a pedido del autor




Seguir

Recibe cada nueva publicación en tu buzón de correo electrónico.

Únete a otros 190 seguidores