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Eric St-Laurent & Osmose

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Eric St-Laurent & Osmose feat. David Binney (2000)

Nacido y criado en Montreal, St-Laurent estudió improvisación en Nueva York antes de trasladarse a Berlín donde él giró tanto con grandes y pequeños nombres de las escenas musicales alemana y escandinava.

Desde que retornó a Toronto, Canadá, St-Laurent ha grabado y girado con Till Bronner, Dave Liebman, Dave Douglas, Rebekka Bakken, Slide Hampton, Luc de la Rocheliere, Sylvie Paquette, Richard Underhill, David Binney, Jojo Mayer, Carlos Del Junco, Bernard Primeau y ha representado a Canadá en The International Guitar Summit en Niza (MIDEM)

Ganador del premio SOCAN por la mejor composición original en el Montreal Jazz Festival y el premio a la mejor banda en el Vienne (Francia) Jazz Festival, St-Laurent ha participado en más de 50 grabaciones, produciendo múltiples álbums, compuso partituras para cortometrajes y teatro y girado extensamente en Europa y Canadá

En el año 2013, St-Laurent publicó “Dale”, junto al bajista Jordan O’Connor y el percusionista Michel DeQuevedo.

Fuente para la reseña: http://www.canadianjazzarchive.org/en/musicians/eric-st-laurent.html

Apunte: En el período de tiempo que St-Laurent estuvo en Alemania lideró el proyecto “Osmose”, una banda de jazz-rock con sección de ritmo muy correcta y ajustada conformada por músicos europeos y sumó para la grabación de este disco a un viejo compañero, un tal David Binney, en el saxo alto. En este contexto, St-Laurent y Binney (impecable: en el juego que le gusta jugar) se reparten solos, tocan al unísono, extienden lindas melodías y buena energía para la alegría de nuestros oídos. Temaso del disco: “En Marge Des Fluteaux”, para escuchar una y otra vez. Actualmente, St-Laurent tiene un trío en el que explora de manera más calma, músicas del mundo, en especial las de raíces afro-cubanas.

Track Listing

01. Circumstances (4:58)
02. Mozzin (5:03)
03. Homy Maroni (5:34)
04. En Marge Des Fluteaux (7:57)
05. Zart (5:50)
06. Black Olives (3:23)
07. Maydays (6:37)
08. Fish Pen (5:59)
09. Thomy’s Paradise (5:19)
10. Crystal Silence (4:40)

Artist List

Eric St-Laurent: guitar
Bene Aperdannier: piano
Jan Peter Eckelmann: drums
Björn Werra: bass
Special Guest:
David Binney: alto saxophone

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Michael Felberbaum
mayo 25, 2015, 4:30 pm
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tapa Sweet Salt
SweetSalt (2007)

Tocando en clubes de Roma a la edad de quince años, aprendiendo y actuando con muchos artistas norteamericanos, y liderando sus propias bandas en París, Michael Felberbaum conoce una o dos cosas sobre la guitarra del jazz moderno

No sólo porque él sabe un poco, pero se puede oír en su forma de tocar música que está llena de brillantez, potencia y tacto, en el estimulante SweetSalt.

Las influencias de guitarra habituales podrían ser referidas (Pat Metheny, John Scofield, etc), pero Felberbaum se estira hacia las fronteras de contemporáneos como Ben Monder, Adam Rogers, y Mike Moreno, estableciendo nuevos destinos conectados.

El proyecto de Felberbaum para esta exitosa realización une inteligencia y emoción con música que evidencia historias contemporáneas tales como “Tal Tales”, una simple melodía que se extiende episódicamente, y “All Fall” una melodía pastoral, como rural, que amanece como una salida de sol sobre una vista hermosa, desplegado en un moderno conjunto oscilante con coloridas y lacerantes líneas instrumentales.

Pero hay también una sabia, afilada y callejera actitud que impregna la música con calculado y laberínticos patrones, pegado por una banda muy seria: Pierre De Bethmann toca con una progresividad a lo Herbie Hancock, ya sea atacando los marfiles o proveyendo inquisitivos toques en el Fender Rhodes. La intrincada armonía se sustenta en la fuerza del bajista Darryl Hall y del baterista Karl Jannuska, tanto poniendo la joroba en el funky “Camel” como en el fresco “PhosphorEssence”.

Desde ondulantes, complejos tempos (“London”), a obras más lentas y contemplativas (“A Brief Interval”), no hay piezas débiles en este ser, todas garantizan múltiples giros. Añada Michael Felberbaum a la creciente lista de talentosos guitarristas franceses tales como Misja Fitzgerald-Michel, Sylvain Luc y Biréli Lagrène.

Fuentes para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/sweetsalt-michael-felberbaum-fresh-sound-new-talent-review-by-mark-f-turner.php; http://www.hanskaprojekt.eu/michael-felberbaum/; http://www.citizenjazz.com/Michael-Felberbaum.html

Apunte: Nacido en Roma pero de padres neoyorquinos, Michael Felberbaum siempre quiso ser músico. Su padre escuchaba jazz clásico pero a él le gustaban James Brown, los Beatles, Led Zeppelin; quería ser rocker en definitiva. Comenzó a tocar la guitarra de oído, sin conocer nada de teoría. Más tarde se fue a Estados Unidos a estudiar a Berklee, se quedó cuatro años y descubrió la composición y los arreglos. Luego se fue a Boston y comenzó a tocar como reemplazante en un club donde solo había guitarras ya que el piano estaba roto. Tres años cada semana, tuvo allí lo que él considera su verdadera formación como guitarrista: standards, jams y giras. En 1990 vuelve a Europa, estableciéndose en Paris, al cual considera el lugar más interesante para el jazz en Europa. Empieza por tocar como sideman en bandas de la escena local, hasta que el saxofonista Steve Potts lo convoca para su banda, lo cual considera una experiencia fantástica, ya que Potts le dió lugar para que se animara a tomar riesgos, a salirse de lo establecido, incluso comienza a tocar la guitarra acústica. También forma parte de Bad Elephant junto a uno de los mellizos Moutin, grupo en el que el humor tenía un importante espacio y que actuaba en lugares más relacionados con el rock que con el jazz. Formó parte de experiencias cooperativas, como fueron un trío junto al violoncelista Dimos Goudaroulis y la cantante Morena Fattorini. A este trio se le sumó para una gira por Brasil, el baterista John Betsch, a quien ya conocía del grupo de Steve Potts. Habitual colaborador en la discografía del pianista Pierre De Bethmann, tiene un puñado de álbumes como líder o co-líder: [1995] “For Elevators” con Igal Foni (Jazzis), [2001] “Diffuse Useful Overtones” en dúo con Daniel Casimir (Greenjay), [2004] “Sharp Water” (Nocturne) y finalmente, el que escuchamos hoy, “Sweetsalt” (Fresh Sound New Talent). Con una forma de tocar económica y elocuente, es apreciado por sus colegas fundamentalmente por sus composiciones, hecho que ahora tendremos la oportunidad de comprobar.

Track Listing:

01. All Fall (5:43)
02. Camel (6:47)
03. Tal Tales (6:44)
04. Sweetsalt (6:30)
05. PhosphorEssence (7:31)
06. London (6:40)
07. A Brief Interval (4:08)
08. Coin (3:05)
09. Opi Dance (8:02)

Track Listing

Michael Felberbaum: guitar
Pierre De Bethmann: piano, Fender Rhodes
Darryl Hall: bass
Karl Jannuska: drums

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Miles Okazaki
mayo 24, 2015, 12:01 pm
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tapa Mirror
Mirror (2006)

Mirror es la culminación de cinco años de trabajo y los resultados son simplemente excepcionales. Finalista en el 2005 de la Thelonious Monk International Jazz Guitar Competition, Miles Okazaki es un activo músico en New York que está involucrado en una variedad de proyectos, incluyendo regulares grabaciones y giras de conciertos con la vocalista de jazz Jane Monheit.

Aunque él haya estado ocupado con otros frentes, también se enfocó en sus propias ideas como músico y compositor. Okazaki declara “mantengo un pié en el mundo del straight-ahead viajando con Jane Monheit y varias otras cosas, pero pienso que encontrarás en esto algo diferente”. Y de verdad Mirror lo es.

Esta suite de tres partes de quince exploraciones rítmicas refleja los diversos intereses de Okazaki, incluyendo estudios de la música del Norte y del Sur de la India e influencias globales como la música brasileña, africana, y del medio oriente. Sus influencias primarias para estas composiciones son el compositor clásico Johann Sebastian Bach y el gran saxofonista de jazz John Coltrane. La partitura de Okazaki es ejecutada perfectamente, sin embargo, permite la libertad creativa, proporcionando un conducto abierto entre la estructura y la improvisación.

Esto no es la típica grabación de guitarra de jazz con un “escuchen mis cortes personales”, pero no hay ningún error en ello: la performance de Okazaki y su escritura están en el centro de cada pieza – con vívidos ritmos, trabajo de acordes, solos intensos, armónicos coloreados de cuerdas, en una variedad de moods, tanto intensos como sensibles. Aunque cada pieza individualmente es satisfactoria, el concepto general se aprecia mejor al escuchar la grabación en su totalidad, así como la conexión de los miembros forman una matriz elaborada y cohesiva.

Otra de las claves de la ecuación es el apoyo de un elenco estelar de músicos progresivos, incluidos varios notables: los saxofonistas Miguel Zenon, Dave Binney, Chris Potter, y el baterista Dan Weiss. La banda se completa con el sólido trabajo del bajista Jon Flaugher y el multi-instrumentista de vientos Christof Knoche, quien añade sombras de texturas.

El viaje comienza con un compás multilingüe en “Theme I” introduciendo guitarra, batería y clarinete bajo. El trabajo rítmico de Okazaki eleva “Mirror I”, el cual destaca retorcidas improvisaciones de vientos y un maravilloso solo de saxofón alto de Zenón. “Howl” contiene una espina dorsal funky con con un agradable riff, acalorada batería y un extraño solo de guitarra

Algunos de los muchos puntos de interés incluyen el solo de tabla india de Dan Weiss en “Invention”, el balanceo y las secciones de solos superpuestas en “Momentum”, y el complejo groove (ciclo rítmico de 49 beats) de “Canon”, destacando marco de tambores y solos abrasadores de Binney y Knoche.

“Halfway”, uno de las piezas más móviles, explora un emotivo tema con solos de guitarra y clarinete bajo. Chris Potter también invitado en “Improvisation”, intercambia libres solos con Okazaki, junto con samples de batería programada que repiten sus invenciones.

Desde la tensión construída y explosiva de “Volcano”, donde la guitarra de Okazaki rockea entre un flujo de magma de vientos y tambores, a la pacífica “Chorale”, Mirror es un dinámico trabajo de ingenio. Esta inteligente, única grabación es una de las mejores realizaciones del año.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/mirror-miles-okazaki-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Apunte: Okazaki tiene registrados a la fecha tres discos como líder: “Mirror” (2006), “Generations” (2009) y “Figurations” (2012). Cada uno de ellos está ligado a un concepto musical: Mirror, es una historia del ritmo, “Generations” es una historia de la armonía y “Figurations” es una historia de la melodía. De todas maneras aclara que aunque él se enfoque en esas exploraciones, obviamente toda la música tiene los tres elementos. “Toda la música es bastante rítmica. La cuestión es si el ritmo se enfoca en el ritmo o si el ritmo está más enfocado en algún otro elemento. El ritmo es mi principal preocupación. Para “Mirror” estuve escribiendo la música durante cinco años”, mientras entre otras cosas, acompañaba a la cantante Jane Monheit en sus giras. En las liner notes de Mirror, Okazaki afirma que si bien la guitarra puede guiar el curso de las acciones, el centro de atención está en el conjunto. Miles Okazaki, el músico constructor-destructor de métricas irregulares, arma estos rompecabezas musicales, por momentos los dota de una densidad sonora en la que músicos como Binney y Zenón se sienten como peces en el agua, y termina entregando un álbum debut sorprendente, complejo, desafiante y muy atractivo para aquellos oyentes a los que les gusta escapar de la “peligrosa” zona de confort.

Track Listing

01. Theme I (0:47)
02. Spiral (2:58)
03. Mirror I (4:22)
04. Howl (6:16)
05. Invention (4:48)
06. Theme II (1:09)
07. Metamorphosis (3:13)
08. Halfway (6:18)
09. Momentum (6:26)
10. Canon (5:52)
11. Theme III (0:26)
12. Improvisation (3:50)
13. Volcano (7:46)
14. Mirror II (7:02)
15. Chorale (4:03)

Artist List

Miles Okazaki: guitars (1-15), percussion (2,10), computer (12,13)
Dan Weiss: drums (1-15), tabla (5), percussion (10) drum samples (12)
Christof Knoche: soprano (2-5,7,8, 13,14), alto sax (5,9,10,15), bass clarinet (1,5,6,8,11,13), harmonica (5)
David Binney: alto saxophone (4-6,8,10,13-15)
Miguel Zenon: alto saxophone(3,7,9)
Chris Potter: tenor saxophone (12)

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André Matos
mayo 13, 2015, 8:50 am
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tapa Pequenos mundos
Pequenos mundos / Small Worlds (2003)

Pequenos mundos / Small Worlds es el primer álbum del guitarrista André Matos. Él ha sumado al saxofón tenor del norteamericano Nathan Blehar, los argentinos Leo Genovese en el piano y Demian Cabaud en bajo y al israelí Ziv Ravitz en batería. Presenta seis de sus originales y una composición de Demian, el bajista. André, nacido en Portugal, se reunió con todos estos jovenes músicos en el área de Boston. Siendo estudiantes de la Berklee College of Music llegaron a tocar mucho juntos y desarrollaron una sólida amistad y complicidad musical. “Estos chicos, que son mis amigos en primer lugar, tuvieron un papel importante durante mi estancia en Boston, y ellos resultan ser grandes músicos “, dice el guitarrista de 23 años. En las composiciones de André uno puede escuchar fuertes melodías y armonías de “jazz”, y al mismo tiempo un reflejo de su herencia portuguesa. “Trato de escribir canciones, no composiciones; la mayor parte del tiempo oigo que músicos como Leo y Nathan sacarán provecho de ello, lo que significa que no tengo que hablar mucho de lo que quiero en una canción”. Actualmente vive en Lisboa, donde se le enseña y realiza periódicamente en los más conocidos. Actualmente vive en Lisboa donde da clases y actúa con regularidad en los lugares más conocidos.

Aunque el guitarrista André Matos utiliza un enfoque minimalista salpicado de notas dispersas y un delicado tono, la música en este debut está en voz alta y clara, con alarde composicional. La pieza de apertura “Surrealistic Cous-Cous” está pintada con un sintetizador moog y un repetitivo riff de bajo funky que aparentemente le da forma a la música que abarca una variedad de estados de ánimo como la emotiva calidez en “Transatlantic Affair”. Muchas piezas tienen un aire de simple melodicismo tal como “Los Pasos Perdidos”, con foco en la dinámica grupal antes que los solos individuales. Con miembros de la banda de Portugal, América del Norte, Israel y Argentina, la música recuerda la verdad de que la comunidad jazzística se trata de un pequeño mundo.- Mark Turner (All About Jazz)

Fuente para la reseña: http://www.freshsoundrecords.com/pequenos_mundos__small_worlds-cd-4021.html

Apunte: En la oportunidad que escuchamos el disco de la cantante portuguesa Sara Serpa (“Praia”, 2008, Inner Circle Music) hacíamos mención a la importancia que tenía en ese disco la orientación musical a cargo de André Matos. Fieles a nuestra (mala) costumbre de recorrer la historia desde el fin hacia el principio, descubrimos que en Pequenos mundos / Small Worlds, debut discográfico con tan solo 23 años de edad de Matos, ya estaba la semilla que germinaría años más tarde. Lo realmente destacable en Pequenos mundos / Small Worlds es el hecho que haya confiado en su propio material, convocando a otros talentosos y curiosos músicos (Genovese, en especial) para alejarse lo suficiente de la tradición y que el resultado global sea original, consistente y, confirmándonos la sensación de que Matos tenía algo interesante para decir, como felizmente después ocurrió también en “Quare” (2010, Inner Circle Music) y otras producciones más junto a Sara Serpa.

Track listing

1. Surrealistic Cous-cous (A.Matos) (2:36)
2. Por Outras Palavras (A.Matos) (7:33)
3. Pequenos Mundos (A.Matos) (8:15)
4. Transatlantic Affair (A.Matos) (9:18)
5. Uncle John (A.Matos) (8:44)
6. Los Pasos Perdidos (D.Cabaud) (6:38)
7. Spirit of Change (A.Matos) (7:54)

Artist List

André Matos: guitar
Nathan Blehar: tenor saxophone
Leo Genovese: piano, moog
Demian Cabaud: bass
Ziv Ravitz: drums

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SkyDive Trio
mayo 10, 2015, 10:45 pm
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tapa Sun Moee

Sun Moee (2015)

SkyDive Trio es el guitarrista Thomas T Dahl, el bajista Mats Eilertsen y el baterista Olavi Louhivuori. Si estos nombres suenan familiares, posiblemente es porque el trío constituye las tres quintas partes del disco SkyDive de Eilertsen, donde Tore Brunborg y Alexi Tuomarila son las otras dos, y las tres séptimas partes del proyecto “Rubicon” también de Eilertsen, donde Eirik Hegdal, Trygve Seim, Rob Waring y Harmen Fraanje son las partes restantes de la fracción.

Fracciones aparte, “Sun Moee” es tanto el título de una intensa y apasionante canción (Dahl) y un desinhibido y manipulador melódico álbum de trío de guitarra que vive una buena vida en el eco de Bill Frisell, Pat Metheny y ocasionalmente Terje Rypdal y Peter Green. Thomas T Dahl (quien ha escrito tres canciones, mientras que Eilertsen (3) y Louhivuori (1) completan el resto del material original) es la voz dominante del álbum con sus diferentes temperamentos de sonido, constante sentido melódico e impecable y cristalino fraseo, pero Eilertsen y Louhivuori también tienen papeles importantes en creatividad y sensibilidad en sus manos para la rica interacción del trío.

Por lo tanto, “Sun Moee” nunca se convierte en un especie de álbum de “solista con respaldo”, especialmente subrayado con el final, “Four Words”, pieza de timbre escultórica de Louhivuori que puede ser visto como una ruptura con el resto del repertorio del disco o como un muy interesante extensión del trío a travez de expresiones tonales y temporales.

Eso dice algo sobre esta fuerza creativa del trío que la versión de “Sour Times” de Portishead es, quizás, la pista menos interesante del álbum, y como tal podría fácilmente haber cedido lugar a más material original. Sin embargo, Sun Moee es un álbum que es fácil de querer, y un producto artesanal que viene con toda la autoridad del esfuerzo y maestría musical. Incluso en los casos en que la inspiración de esta obra maestra parece flotar peligrosamente, es difícil sentir nada de eso, salvo la alegría por los logros de este trío.

Fuente para la reseña: Terje Mosnes para Jazzinorge.no

Apunte: Mats Eilertsen es un músico conocido en nuestro blog: en el pasado, hemos escuchado sus álbumes como líder y otros como compañero de ruta del pianista Tord Gustavsen. En esta oportunidad, junto a dos de sus músicos habituales decide nombrar al trío como uno de sus álbumes (“SkyDive”, 2011, editado también por el sello Hubro), y también cede el protagonismo a la guitarra de Thomas Dahl. Este no es un típico trío de guitarra de jazz, ya que la música que se escucha tiene sonoridades de un indie-rock reflexivo y también (como corresponde a gran parte de la música nórdica) algo de ambient. Las referencias a Metheny y Frisell que se hacen sobre Dahl en la reseña son ciertas, pero tampoco son excesivas, apenas ciertos detalles de sonido. En resumen, sin llegar a ser excepcional Sun Moee es un muy buen disco que confirma la calidad y solidez de la discografía de este grupo de músicos nucleados alrededor de Mats Eilertsen.

Track Listing

1. Bravo (5:03)
2. Talbot (7:49)
3. Slow Turn (6:50)
4. Sour Times (6:31)
5. Signs (3:56)
6. Sun Moee (7:48)
7. Becks Back (6:22)
8. Four Words (6:27)

Artist List

Thomas T Dahl: guitars
Mats Eilertsen: double bass
Olavi Louhivuori: drums

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Ryan Meagher
mayo 9, 2015, 7:52 pm
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tapa Atroefy
Atroefy (2009)

El guitarrista Meagher mezcla sus raíces de rock de garaje con una sensibilidad jazzera en su debut como líder. Meagher es un dotado compositor-ejecutante con un no estereotipado e irreverente acercamiento en sus solos, como lo demuestra en la implacable “Divided Road”, la cargada de grunge “Downers” y en la lírica “Poetry in Motian”. Los saxofonistas Loren Stillman y Matt Renzi aportan una refinada estética y elegantes improvisaciones para este ingenioso toque de jazz moderno, la cual es puesta de relieve por los golpes del baterista Vinnie Sperrazza y el bajista eléctrico Geoff Kraly.

Fuente para la reseña: Bill Milkowski para http://jazztimes.com/articles/25427-atroefy-ryan-meagher

Apunte: Meagher definía de manera muy sintética y precisa la música de Atroefy: “Jazz moderno para el rockero indie. Música seria con real emoción.” Con una banda aguerrida, donde abundan buenos momentos del tándem Stillman/Renzi que recuerdan a otro fogoso tándem como son Binney/Potter, y donde además se cuenta con el aporte de la energía necesaria de Vinnie Sperraza, Meagher entrega material para hacernos dudar si esto es un disco de jazz hecho por rockeros o al revés. En realidad no importa tanto. Lo que si importa, es que el disco es muy interesante, entretenido y con momentos de intensas melodías, y la inversión de disponer de no más de cuarenta y cinco minutos para escucharlo atentamente, paga dividendos con creces. Saludos!

Track Listing

01. Divided Road (7:33)
02. A Familiar Farewell (6:31)
03. Can’t Complane (6:01)
04. Downers (8:22)
05. Republic (4:26)
06. Poetry In Motian (7:01)
07. Re: Creation (4:48)

Artist List

Ryan Meagher: guitar
Loren Stillman: alto saxophone
Matt Renzi: tenor saxophone, clarinet
Geoff Kraly: bass
Vinnie Sperrazza: drums

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Enoch Lee
mayo 1, 2015, 10:05 pm
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tapa Finish Line
Finish Line (2014)

Una cosa es para un aspirante a músico hacer su álbum debut con talentosos veteranos pero otra muy distinta para él es que haya creado un consumado trabajo como el que se encuentra en Finish Line del pianista y compositor de New York, Enoch Lee. Esto respira originalidad y objetivos, no sólo por las contribuciones de incondicionales que incluyen al saxofonista David Binney y al bajista Drew Gress, sino también porque las cartas de Lee -por medio de provocadoras composiciones y encantadoras melodías- inspiran a performances demoledoras de los veteranos mencionados anteriormente y de las estrellas en ascenso, el guitarrista Nir Felder y el baterista Nate Smith.

El jazz es sólo una parte de la ecuación, el conjunto se revela como un arco de historia donde cada composición construye la narrativa. La apertura, “Remember The End” establece el tono impulsado por el back beat funky de Smith mientras la banda se ajusta en un apretado groove. In The Battle tien una decisiva vibración indie-rock con armonías que se retuercen y abrasadores solos de Binney y Lee doblándolo en el piano y teclados, mientras “Too Cold” es un instrospectivo diálogo con música clásica y elementos de improvisación, destacando la relación entre el bajista y el pianista que comenzó cuando Gress instruyó a Lee en la New York University.

La propensión de Lee por los temas que suenan como canciones es evidente en “Still Awaiting” y “Think Carefully”; lírica y coloreada, con agraciados movimientos, es su composición original “Peace”, la cual incorpora sonidos sampleados de guerra y de conflicto civil para transmitir un significado más profundo. No hay mensajes ocultos en la música, pero lo que es evidente es la positividad de todo el conjunto.

Otros favoritos incluye el groovy “Circling” con Felder ofreciendo una pegadiza y psicodélica “guitar vamp” y un lacerante saxofón alto de Binney mientras Smith bombea el ritmo. La melodía tiene un aire de “domingo a la tarde en el parque”, sugiriendo el sinuoso patrón de flujos y reflujos de la vida.

Finish Line tomó vuelo cuando Lee creó una muestra de la música usando instrumentos de software y se la envió a cada músico con la pregunta si estarían interesados en unirse a él para el proyecto. Los resultados son muy gratificantes, escuchados en la memorable y reflexiva música de un talentoso pianista y compositor.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/finish-line-enoch-lee-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Apunte: Enoch Lee (Seong Yeob Lee) es un pianista, productor y compositor treinteañero de origen coreano que está construyendo su profesión en Nueva York. Estudió en Berklee y tiene un Master en Jazz Studies de la Universidad de Nueva York. Enoch cree que un artista tiene que encontrar y compartir la verdadera belleza para dar luz al corazón de la gente en tal circunstancia, porque los seres humanos son fácilmente afectados por lo que ven, se enteran y piensan. Intenta expresar la belleza genuina -los valores comunes de las personas, como la compasión, la bondad, el cuidado, el sacrificio, el amor entre el padre y un niño, y las maravillas de la naturaleza- por intermedio de su música. Con esa premisa (claramente no menor!), Finish Line ha sido concebido para una audiencia más grande que la de los aficionados incondicionales al jazz. Después de escuchar repetidamente lo que Lee viene a ofrecer desde su corazón, da toda la impresión de que está en buen camino.

Track Listing

01. Remember The End (Intro) (1:33)
02. In The Battle (4:55)
03. Circling (4:44)
04. Blur (3:28)
05. What Are You Looking For? (3:30)
06. Too Cold (4:16)
07. Still Waiting (5:08)
08. Think Carefully (4:21)
09. Bravery (3:31)
10. Peace (4:15)
11. Coming Back (5:34)
12. Another Beginning (Outro) (1:23)

Artist List

Enoch Lee: piano, keys
David Binney: saxophone
Nir Felder: guitar
Drew Gress: bass
Nate Smith: drums

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