Preso ventanilla


Guilhem Flouzat

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Portraits (2015)

Para su segundo álbum como líder, el baterista Guilhem Flouzat decidió rendir homenaje a músicos que le inspiran a través de retratos musicales. Del luminoso « Ben’s Song » (para Ben Wendel) hasta el delicado « Knight » final (para el fiel contrabajista Desmond White) llevado por la voz de Becca Stevens, navegamos entre varias aguas: balada etérea (« Where We Should Go »), suites elegíacas donde se entremezclan los saxófonos de Ben Wendel, Jay Rattman y Anna Webber (« At This Juncture In Time », « What’s Up Yourself ») o el clásico trio piano / bajo / batería revisitada de manera movida (« Underachiever »).

Entre los músicos presentes al lado del baterista, observaremos más particularmente dos de ellos: el saxofonista neoyorquino Ben Wendel, de lirismo y precisión notables, y el desconocido pianista alemán Can Olgun, que brilla en cada una de sus intervenciones y del que se volverá a hablar ciertamente de ahora en adelante. En cuanto al líder, se confirma todavía más como uno de los bateristas hexagonales que cuentan y se revela como un compositor dotado.

Fuente para la reseña: Julien Aunos para http://www.citizenjazz.com/Guilhem-Flouzat-3473319.html

Apunte: El baterista y compositor Guilhem Flouzat en su segundo álbum como líder, ratifica y amplía todo lo bueno que había mostrado en su debut del año 2011, “One Way…or Another”. Sus canciones son formas limpias y asimétricas, activadas por su diversa e inteligente energía como baterista, privilegiando siempre el todo antes que un lucimiento personal. Siete jovenes y talentosos músicos son parte de este proyecto y a quienes el líder rinde homenaje con sus retratos musicales, configurandolos en cinco alineaciones diferentes, para ejecutar sus ideas con precisión e inyectando sus propias líneas frescas, y a la vez, intensas. Portraits es un álbum sutil, de un sofisticado compositor, que se disfruta y gana ampliamente con cada nueva audición.

Track Listing

1. Ben’s Song (5:28)
2. Where We Should Go (4:45)
3. Underachiever (5:00)
4. At This Juncture In Time (7:02)
5. Knight (5:53)
6. Sleepwalk (4:22)
7. Truce (5:14)
8. What’s Up Yourself (7:52)
9. A Dream (5:00)

Artist List

Guilhem Flouzat: drums
Becca Stevens: voice (2 & 9)
Ben Wendel: tenor sax (except 3)
Jay Rattman: alto sax (4, 6 & 8)
Anna Webber: tenor sax & flute (4, 6 & 8)
Laurent Coq: piano (2, 5, 7 & 9)
Can Olgun: piano (1, 3, 4, 6 & 8)
Desmond White: bass

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Andre Canniere

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As Of Yet (2006)

El debut del trompetista André Canniere es la prueba auditiva que cosas buenas pueden bajar de la Torre de Marfil. Cada uno de los músicos en As of Yet es diplomado de la Eastman School of Music (Canniere en 2003), pero ellos superan los típicos estereotipos a menudo asociados con músicos entrenados por universidades, el más común de ellos es que “piensan” la música, antes que “sentirla”. Como muestra este álbum, mucho de lo que solía ser considerado música académica ha sido asimilada por una nueva generación de músicos que se sienten tan cómodos en la periferia como en el bolsillo. (En aras de plena revelación, he conocido varios de estos músicos durante años).

La grabación abre con la pista del título, una colección de intrincadas melodías construídas lentamente sobre una sólida línea de bajo de Ike Sturm. Canniere y el saxofonista Josh Rutner en el se meten en el anillo para cortar y tejer uno alrededor del otro para llevar a la pieza a un punto culminante. La melodía laxa pero intrincada estaría bastante en casa en un registro de Ben Allison o Dave Douglas

Rutner abre “Bridges” en un estilo Brecker-Berg- un aspecto de su manera de tocar más relacionado con su trabajo “latino”, antes que en su banda principal, The Respect Sextet. La melodía gospel es propulsada por los tambores rodantes de Ted Poor, quien ha estado haciendo su propio nombre desde hace pocos años atrás en un trío conducido por el trompetista Cuong Vu.

“Accelerated Decrepitude” tiene una melodía con influencias balcánicas que conduce al fuerte trabajo de trompeta de Canniere. El guitarrista Ryan Ferreira abre la pieza con tonos de ataque menos largos, luego cambia a un puntiagudo comping bajo los solos.

Una cuestión programática con el registro es la preponderancia de melodías lentas, ligeras. Tras las dos pistas de apertura, el disco probablemente podría haber sido hecho sin “The Rest”, otro enredado lento. Cortarlo, sin embargo, significaría quedarse sin el puntilloso y precioso solo de guitarra de Ferreira. No sorprende que Ferreira sea el guitarrista elegido por Canniere, dado los trabajos anteriores del trompetista con Ben Monder, otro guitarrista que hace maravillas con espacios abiertos.

El CD se cierra con tres temas en directo de una calidad mejor que bootleg, grabados en diversos clubes de la ciudad de New York en 2005. Ryan Ferreira muta en otra criatura en “Thirteenth Species”. Ha desaparecido el sonido Frisell y los espacios tamaño camión Mack entre cada nota, sustituido por una conducción fuzz chop que impulsa a Rutner a gritar en las alturas. A continuación, la música toma otro giro a la izquierda y Poor y Ferreira, inician una monstruosa marcha a lo Metallica detrás del solo de Canniere. Apasionante. Versiones en vivo de “As of Yet” y “Accelerated Decrepitude” cierran la grabación.

A pesar de unos pocos spots más lentos que lo necesario, As of Yet es una fuerte declaración de apertura de Canniere, que se ha sumergido con cada uno de la escena de New York, de María Schneider y Donny McCaslin a la Westchester Chamber Orchestra y la New York Repertory Orchestra. Su debut da a los oyentes una razón para esperar en la parte inferior de la Torre de Marfil para ver qué más podría descender de los sagrados recintos de la academia.

Fuente para la reseña: Jason Crane para https://www.allaboutjazz.com/as-of-yet-andre-canniere-omatic-records-review-by-jason-crane.php

Track Listing – As Of Yet

1. As Of Yet (11:55)
2. Bridges (7:05)
3. Accelerated Decrepitude (6:17)
4. The Rest (6:08)
5. 13th Species (live bonus) (7:40)
6. As Of Yet (live bonus) (14:01)
7. Accelerated Decrepitude (live bonus) (8:28)

Artist List

Andre Canniere: trumpet/composer
Josh Rutner: tenor saxophone
Ryan Ferreira: guitar
Ike Sturm: bass
Ted Poor: drums

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Forward Space (2012)

Aunque Estados Unidos todavía puede reclamar ser el hogar del jazz y su mayor mercado comercial, hay todavía muchos músicos de aquel país que deciden ir a nuevas pasturas El trompetista Andre Canniere es uno de estos: un joven músico y compositor de EE.UU., que ahora está establecido en Londres. Como con muchos de sus emigrados compañeros músicos, él es un talentoso músico con originales ideas composicionales, y Forward Space demuestra que lo que es una pérdida para EE.UU., es una ganancia para el Reino Unido.

Canniere estudió en la Eastman School of Music, trabajo con artistas tales como Maria Schneider y Donny McCaslin y realizó su álbum debut As Of Yet (Omatic Records, 2006) antes de trasladarse al Reino Unido en el 2008. Desde el groove funk-encuentra-rock de apertura de “Cruch”, las repeticiones tipo trance de “Forward Space”, el ampuloso paseo de “Cure” y la espaciosa, considerada belleza de “September Piece” -la cual tiene algo de sonido nórdico- Canniere demuestra una capacidad para mezclar y combinar las influencias de diferentes géneros para crear un original cóctel todo propio. Esta música es accesible, con algunos ganchos preparados y algunas melodías atractivas, pero esta accesibilidad nunca es el resultado del exceso de temas familiares o banal y simplista escritura.

Los duros, efervescentes, ritmos en Forward Space exclaman en los parlantes. El bajista Ryan Trebilcock es el personaje clave aquí, trabajando en tándem con Jon Scott o con Chris Vatalaro en baterías. Ambas combinaciones dan a Canniere y Hannes Riepler la seguridad de un sólido latido del corazón sobre el cual el trompetista y el guitarrista pueden tejer sus inventivas líneas. Riepler y el tecladista George Fogel son igualmente adecuados para los roles de ritmo y liderazgo; el trabajo de Fogel en teclados eléctricos funciona especialmente bien en establecer el “mood” de una pieza. Canniere toca la trompeta en la mayoría de las canciones, pero también resulta ser algo de un multi-instrumentista, tocando todo en la delicadamente suelta “Song For J.”, dedicada a su hijo Jonas.

Canniere toma su inspiración de la política y economía mundial, así como de su propia familia, haciendo de Forward Space algo no predecible, pero siempre tocado desde el corazón.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para https://www.allaboutjazz.com/forward-space-andre-canniere-whirlwind-recordings-ltd-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Forward Space

1. Crunch (6:43)
2. Forward Space (5:48)
3. Cure (7:59)
4. Marshlands Blackout (7:00)
5. September Piece (6:02)
6. Lost In Translation (6:18)
7. Spreading Hypocrisy (5:45)
8. Song For J (4:13)

Artist List

Andre Canniere: trumpet, flugelhorn (4), melodica (3), Rhodes piano (8), guitar (8), cahon (8)
Hannes Riepler: guitar
George Fogel: piano, keyboards
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums (2, 6, 7)
Chris Vatalaro: drums (1, 3-5)

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Coalescence (2013)

Coalescence es el título perfecto para esta fascinante colección de Andre Canniere. La idea que nuestras experiencias e influencias son absorbidas en un todo más grande trabaja en muchos niveles, tanto personal como musical. Algunos quisieran hacernos creer que la verdadera originalidad en estos tiempos post-modernos viene sólo a través de la yuxtaposición de los diferentes elementos e influencias en nuevas combinaciones y formas. Esto es, por supuesto, discutible y enciende el antiguo argumento ‘naturaleza o nutrición’, en la medida en que tenemos una esencia individual identificable o propia.

Tengo la sospecha de ello, el segundo álbum de Canniere tras “Forward Space” desde el 2012, que probablemente podría inclinarse hacia el lado de la nutrición que divide, dado las insinuaciones que él da al explicar las inspiraciones detrás de los títulos de las canciones en las notas del álbum. Así, la animada apertura “Sweden Hill” está inspirada en…”recuerdos fragmentados de la pequeña ciudad rural donde pasé los primeros cinco años de mi vida”. La pieza pasa a través de una animada estructura episódica en la que el pianista Ivo Neame brilla no sólo en la apertura de rítmica latina y su impresionista solo sino también en su reflexivo diálogo con Canniere durante el último solo. De modo similar “Gibbs & East” es un homenaje a Rochester NY, aunque el significado del lugar para el compositor no es divulgado, como también es el caso con el evocador y sereno cierre del álbum “Elk Run”, un tranquilo camino de tierra en el norte de Pennsylvania, aparentemente. Esta última pieza es la única balada del álbum y se siente como si deseara indicar el final de un viaje, o, al menos, una reflexión sobre la pérdida durante el mismo. Neame otra vez sobresale aquí, su inicialmente circunspecto solo construye un lento y burbujeante climax.

Estos fragmentos biográficos sugieren que Canniere es un interesante personaje, una impresión reforzada por un rápido vistazo a su intimidante currículum, que incluye trabajos con Maria Schneider, Bjorkestra, Donny McCaslin & Darcy James Argue, y su decisión de trasladarse a Londres en 2008. Nuevamente las notas del álbum revelan que “Nylon” fue inspirada por esta salida y llegada dibujando un amplio y free solo de Canniere en la última sección de la pieza. La única reserva de esta composición es, sin embargo, el solo de guitarra de Hannes Riepler el cual se siente demasiado apoyado en el estilo AOR (Adult Rock Oriented) de los ´80 para mi gusto personal, pero que no puede ser una cuestión para otros. En otras partes las contribuciones de Riepler son perceptiblemente más circunspectas, encajan bien con el ensamble y el “mood” de las piezas, de modo que es muy descabellado sugerir que el solo pretendía demostrar lo que Canniere ha dejado en los EE.UU.?

Otra manera en que Canniere es inusual es en su deseo de comunicar o conectar con determinados temas o conceptos a través de la música instrumental. Así, mientras muchos contemporáneos evitan conexiones con los problemas del mundo real, “Gaslands” es una melancólica conversación principalmente entre Canniere y Neame que es una protesta contra las prácticas ambientalmente cuestionables del fracking, destinada a extraer el gas de esquisto de la roca subyacente. “Point Zero” también se propone protestar contra las leyes de armas estadounidenses a la luz de los tiroteos del 2012 en Newtown. Ese deseo de comunicar sobre cuestiones reales, tal vez sorprendentemente sólo ha sido igualado recientemente en el jazz del Reino Unido por el Kairos 4tet, quién también destaca a Ivo Neame, y sugiere una interesante y meritoria trayectoria futura.

El álbum fue lanzado el pasado otoño, pero en realidad parece haber perdido en la temporada de box setas y buena voluntad para todos los hombres. Mientras la performance de Canniere en el lanzamiento como parte del Festival de exhibición del sello Whirlwind trajo avisos positivos, la colección como un todo parece haber recibido poca atención. Eso sería una lástima, creo que la calidad de las actuaciones de Canniere y Neame en particular son de un alto estándar y también es refrescante escuchar un álbum con esa rara ambición y deseo de conectar con los problemas del mundo real.

Fuente para la reseña: Phil Barnes para https://www.allaboutjazz.com/andre-canniere-coalescence-by-phil-barnes.php

Track Listing – Coalescence

1. Sweden Hill (8:32)
2. Gibbs and East (3:48)
3. Nylon (6:31)
4. Gaslands (7:00)
5. Zuid Intro (1:46)
6. Zuid (9:27)
7. Parallax (7:10)
8. Point Zero (4:13)
9. Elk Run (6:41)

Artist List

Andre Canniere: trumpet
Ivo Neame: piano, accordion
Hannes Riepler: guitar
Ryan Trebilcock: bass
Jon Scott: drums

Apunte: Originario de la zona rural de Pennsylvania (E.E.U.U.), Canniere es un aclamado trompetista, compositor y educador establecido actualmente en Londres. Durante los aproximadamente cinco años que desarrolló su carrera en su pais de origen, Canniere trabajó con artistas tales como Maria Schneider, Becca Stevens, Donny McCaslin, Kate McGarry, Ingrid Jensen y Darcy James Argue, actuando en giras por los EE UU y Europa y performances en el Wigmore Hall, Carnegie Hall, The Barbican, Birdland, The London Jazz Festival, The Hague Jazz Festival y The Rochester International Jazz Festival. Desde su arribo al Reino Unido, el perfil de Canniere ha ido siempre en ascenso, tanto como artista solista o como colaborador. Su debut en el sello Whirlwind Recordings con el disco Forward Space (2012) fue según la revista especializada Jazzwise “uno de los mejores registros en largo tiempo” y además listado como uno de los mejores álbumes del 2012. Al año siguiente, lanza Coalescence, su segundo disco en Whirlwind Recordings el cual fue igualmente alabado por la prensa y estableció firmemente a Canniere como “uno de los artistas más convincentes de la actual escena del jazz londinense” (The Scotsman). Como compositor, Canniere ha sido descripto como “un recién llegado imaginativo” cuya música es “audazmente trabajada” y “muestra atisbos de una insólita fluidez y libertad dentro del contexto de un sonido de jazz contemporáneo denso y rítmicamente intrincado” (Guardian). La revista Jazzwise entiende que “las composiciones de Canniere contrastan elementos de jazz y folk con un más oscuro lenguaje armónico que extrae de Radiohead y un acercamiento más crudo rockero, basado en el groove, traído de la escena alternativa jazzera de Nueva York”. Además de sus trabajos como líder de banda y compositor, Canniere mantiene una activa carrera como sideman y músico de sesión. Ocupa la silla de trompetista en diversas bandas establecidas en Londres, incluyendo a Henrik Jensen’s Followed By Thirteen, Dee Byrne’s Entropi y The Overground Collective. También ha colaborado con otros celebrados artistas del jazz en el Reino Unido como son Michael Janisch, Jasper Hoiby, Ivo Neame, Jim Hart, James Maddren, Alex Garnett y Alice Zawadzki. Recientemente, ha lanzado “The Darkening Blue” su tercer y último disco a la fecha, también por el sello Whirlwind Recordings, pero aún no ha llegado al barrio…estaremos atentos!!

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The Rob Clearfield Quintet

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The Long and Short of It (2013)

Durante los últimos años, un notable joven pianista de Chicago ha enriquecido la labor de algunos de los músicos de jazz más creativos de la ciudad.

Sin él, el muy importante álbum doble del último año, “By a Little Light”, de Matt Ulery, y la nueva asombrosa continuación de Ulery también, “Wake an Echo”, habría perdido un poco de su belleza armónica y brillo tonal. Asimismo el trabajo etéreo de la cantante Grazyna Auguscik y el filoso toque del saxofonista alto Greg Ward han sido profundizados considerablemente por las contribuciones del pianista Rob Clearfield.

Ha venido produciendo tanto trabajo importante para muchos de los artistas de jazz más aventureros de Chicago, de hecho, que no ha tenido tiempo para enfocar un proyector donde corresponde: sobre su propia música.

Hasta ahora. En la noche del sábado, Clearfield celebrará el lanzamiento de su primera grabación como líder de banda, The Long and Short of It, un álbum cada bit tan lírico, imaginativo, poético y desafiante de género como su trabajo como sideman lo anunciaba.

La pregunta es: ¿cómo tiene Clearfield concebido un insólito lenguaje musical que de algún modo abraza el melodicismo despreocupado del pop, la intensidad cerebral de música clásica y el espíritu espontáneo de la improvisación del jazz?

“Me esfuerzo en escuchar ampliamente”, dice Clearfield, 28 años, quien nació en el área de Chicago y ha desarrollado su carrera y música completamente aquí.

“En lo que respecta a este registro en cuestión, y la escritura y el sonido global del grupo, estoy realmente en Ben Monder y Kurt Rosenwinkel”, agrega Clearfield, apuntando a los guitarristas que están redefiniendo las posibilidades armónicas de jazz -especialmente Rosenwinkel.

“Una cosa que me encanta de estos tipos es que cuando ellos fijan una pieza, la pieza tiene un sonido real. Todas las armonías y todas las expresiones – hay un paisaje tonal específico para la pieza. Incluso cuando ellos realmente se alejan en la improvisación, nunca realmente se apartan del hilo central”.

Lo mismo puede decirse del paisaje tonal de The Long and Short of It, que transporta el ferviente lirismo de la firma de Clearfield y una estética teñida de rock, desarrollada por el guitarrista John Kregor, el saxofonista tenor Scott Burns, el percusionista Eric Montzka y el bajista Patrick Mulcahy.

Sorprendentemente, las declaraciones de Clearfield en piano acústico y eléctrico a menudo flotan en el fondo, sin embargo, su influencia es inconfundible en la moderación de esta música, así como su naturaleza no categorizable

Clearfield atribuye esta forma poco ortodoxa a una variedad de fuentes, algunas menos previsibles que otras.

“En cuanto a mi propia manera de tocar, soy un gran admirador de (Johannes) Brahms tanto como cualquier otro compositor”, dice Clearfield, refiriéndose al gigante de siglo XIX cuyo romanticismo inequívocamente es sostenido por las estructuras musicales de un clasicismo anterior.

“Me encanta cómo él es muy serio, pero sin tomarse demasiado en serio a sí mismo. Él no es como (Franz) Liszt, tan grande como él, quien va a llevar una capa”, bromea Clearfield, refiriéndose al romántico pianista y compositor, cuya forma exterior es tan extravagante como su música fue exhibicionista. Clearfield claramente matiza más cerca de las más moderadas -aunque todavía emocionalmente intensas- expresiones de Brahms, lo que se puede escuchar en la música de Clearfield, aunque articuladas en una sintaxis jazz-pop.

“De un modo similar, un par de mis influencias del piano de jazz son Herbie Hancock y Brad Mehldau”, sigue Clearfield. “Aquellos tipos también son como Rosenwinkel y Monder: todo está conectado, todo viene de aquella primera semilla de improvisación. Ellos comienzan con una idea, y todo lo demás viene de aquel lugar de partida”.

Fuente para la reseña: Howard Reich para http://articles.chicagotribune.com/2013-08-08/entertainment/ct-ott-0809-jazz-scene-20130808_1_matt-ulery-kurt-rosenwinkel-rob-clearfield

Apunte: El joven y talentoso pianista Rob Clearfield ha sido (y es) miembro de varias agrupaciones musicales de Chicago, su ciudad natal. Entre las más conocidas figuran los ensambles de jazz del bajista Matt Ulery (un viejo conocido de esta página), del saxofonista Greg Ward, como así también la banda de prog-rock District 97. The Long and Short of It marca un ambicioso debut como líder de un quinteto igualmente talentoso, en especial el saxofonista Scott Burns. La música se desarrolla consistentemente entre el jazz, la música clásica, el prog-rock y el pop, y quien haya escuchado la música de Matt Ulery también podrá encontrar algunas similitudes con la obra del bajista. Clearfield recientemente ha lanzado un nuevo disco en formato trio, Islands, del cual se pueden escuchar algunos temas en la página del artista en Bandcamp. En resumen: The Long and Short of It es un muy buen disco de un artista a seguir.

Track Listing

1. The Hunter (13:30)
2. The Long and Short of It (6:47)
3. What Are You Doing Here? (5:57)
4. Victoria Park (8:12)
5. Sitting Cross-Legged (13:53)
6. Maybe Next Time (6:21)
7. The Post-Modern Prometheus (8:04)
8. Life Imitates Life (12:09)

Artist List

Scott Burns:tenor saxophone
John Kregor: guitar
Rob Clearfield: piano, electric piano
Patrick Mulcahy: basses
Eric Montzka: drums, cymbals

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Francesco Turrisi

¿Quién es Francesco Turrisi?

Francisco Turrisi ha sido definido por la prensa como un “alquimista musical” y un “políglota musical”, por la variedad de sus influencias y experiencias musicales. En 2015 acompañó a Bobby McFerrin para una gira por Italia, ha tocado la música de Steve Reich con el grupo avantgarde de Nueva York “Bang on a Can”, ha tocado con el bajista Barry Guy y la cantante griega Savina Yannatou y ha participado en mas de veinte conciertos con el grupo de música antigua “L’Arpeggiata” junto a Gianluigi Trovesi, (entre ellos en el Carnegie Hall, Wigmore Hall, Koln Philharmonie etc…)

Ha dejado su nativa Italia en 1997 para estudiar piano jazz y música antigua en el prestigioso Conservatorio Real de La Haya, donde obtuvo un BA y MA. Desde 2004 colabora con el grupo de música antigua L’Arpeggiata, con el que tocó en los festivales mas importantes en Europa y en el mundo (China, Turquía, Colombia, Rusia etc…). Colabora regularmente con la cantante italiana tradicional Lucilla Galeazzi, con los grupos irlandeses Yurodny (jazz contemporáneo con influencias balcánicas), Gregory Walkers (música antigua) Crash Ensemble y Resound (música contemporánea). Francisco también es líder de “Taquin”, un ensemble que experimenta intentando acercar los mundos del jazz contemporáneo, la música antigua y la música mediterránea. Y también fundador de Tarab (ensamble que crea un puente imaginario entre música tradicional irlandesa y mediterránea) y de Zahr (que busca lazos entre la música árabe e italiana).

Ha registrado 4 albumes como líder y 2 como co-líder para su sello Taquin Records y para el sello irlandés Diatribe Records
Su último álbum “Grigio” tiene como invitados a la cantante tradicional irlandesa Roisin El Safty, la cantante de música antigua catalana Clara Sanabras y el virtuoso de tambores Zohar Fresco.

Ha tocado, colaborado y registrado con artistas del mundo del jazz, música clásica, música antigua y world music, entre ellos:
Bobby McFerrin, Dave Liebman, Gianluigi Trovesi, Nils Landgren, Wolfgang Muthspiel, Barry Guy, Gabriele Mirabassi, Savina Yannatou, Maria Pia de Vito, Theodosii Spassov, Gavin Bryars, Bang on a Can, Misia, The King’s Singers, Veronique Gens, Philippe Jaroussky, Pepe el Habichuela, Lucilla Galeazzi, Bijan Chemirani

Fuente para la biografía: http://www.francescoturrisi.com/biografia/

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Si Dolce E Il Tormento (2009)

El nacido en Turín, Francesco Turrisi ha sido algo de un soplo de aire fresco en la escena de la música irlandesa desde su llegada a la isla esmeralda en 2006. En poco tiempo se ha ganado una reputación como un excelente pianista de jazz, percusionista y acordeonista; una voz original. Él puede ser encontrado tocando en el efervescente balcánico-condimentado Yurodny, o en Zahr, un grupo que explora el alcance y la influencia de la música árabe, y Tarab, un grupo que mezcla la música folklórica tradicional irlandesa con una abundancia de sabores mediterráneos. Este grabación debut del trío está fuertemente influenciada por los años de Turrisi como clavecinista en L’Arpeggiata, el muy alabado ensamble musical de Christina Pluhar. Su pasión por la música de siglos pasados se entrelaza con su personalidad como pianista de jazz y el resultado es un atrapante y consistentemente hermoso trabajo.

El título del álbum se traduce como “dulce es la tormenta”; sin embargo, aparte de un asalto sobre las teclas a lo Cecil Taylor, la música es en su mayor parte dulcemente seductora y balsámica, con una corriente de melancolía uniendo las piezas. En general la sensación que genera es similar a la inducida por el estado de contemplar la lluvia caer desde la comodidad de intramuros, con el ocasional estruendo de truenos y destellos de relámpagos en la música para acelerar el pulso.

En la pista del título de tres minutos de duración, Turrisi remonta la melodía bien conocida de Claudio Monteverdi (que data de 1624), acompañado por Brendan Doyle en clarinete y Richard Sweeney en theorbo, un laúd de cuello largo que trae una elegante cortesía a esta delicada miniatura. Turrisi se aparta para perseguir unas carreras que caen cuidadosamente en cascada, dejando a Doyle llevar la melodía.

“Salve Regina “, cuyo lirismo sigue tan naturalmente al de la apertura, ve a Turrisi conducir un trío de jazz más convencional, con Dan Bodwell que proporciona el bajo profundo y terroso, y Sean Carpio que emplea sutilmente el trabajo de platillo y aro. Aunque haya insinuaciones de la influencia del primer Keith Jarrett en la voz de Turrisi de vez en cuando, parece estar más fuertemente inflluenciado por períodos musicales y moods en contraposición a estilos individuales. Esta seductora pieza, y la primera mitad igualmente encantadora de “Ciaccona”, comparten un eterno elemento folk evocador del innovador “Jazz på svenska” (Megafon, 1964), del influyente pianista sueco Jan Johansson.

Con este fin, Turrisi tiene más en común con los gustos de Johansson, Bobo Stenson, Dag Arnesen, y Stefano Bollani que Jarrett. “Ciaccona” se desarrolla en un ejercicio de free jazz, con las meditaciones anteriormente líricas de Turrisi disolviéndose gradualmente, virando hacia la abstracción tempestuosa. En el contexto del álbum como un todo es la tormenta del título, que perfora y ayuda a definir más claramente las islas de serenidad tanto antes como después.

Turrisi es atraído por la forma corta, y el sonido barroco de “Passacaglia”, el bonito “Lamento di Paolo e Francesca”, y “Toccata” duran apenas tres minutos cada uno. El ligeramente más largo “Canzonetta Spirituale sopra la Nanna”, de Tarquino Merula, él único otro no original del álbum, ve a Turrisi mostrar sus cartas credenciales como uno de los pianistas más interesantes en la escena contemporánea del jazz. Sea cual sea la duración de la composición, Turrisi nunca sacrifica mood por excesiva muestra de destreza técnica. Los ocasionales solos extendidos de piano son aún más atractivos debido precisamente a su racionamiento.

Asimismo, las contribuciones de Brendan Doyle en el clarinete y clarinete bajo son sucintas y conmovedoras, especialmente en la preciosa “Passamezzo Antico”, cuya melodía recurrente se prolonga largo tiempo después de que el álbum ha finalizado.Sólo en “Variazioni sopra la Follia” hace que Doyle realmente levante algún vapor, desplegando una melodía suave al principio, que construye despacio, pero constantemente a un bluseado lamento coltraneano, una impresión realzada por el raro empleo de Turrisi de acordes de mano izquierda como acompañamiento, a lo McCoy Tyner. Turrisi, Carpio y Bodwell todos solos a su turno.

Cuando Bodwell camina bajo los reflectores, arranca sonidos silenciosamente poderosos y emotivos de las cuerdas de su bajo; la claridad excepcional de producción de este CD realmente son subrayados. De hecho, la presentación entera de esta música desde la producción al embalaje comparte la clase del sello ECM, una comparación que también se siente en la música misma.

La pista de cierre del álbum es la hermosa “La Monica”, que exhibe la ágil interacción del trío. El enfoque no ocupado del bajo por parte de Bodwell y los cepillos de Carpio complementan amablemente el estilo elegíaco, suelto de Turrisi y las tempranas melodías europeas/italianas.

En la combinación de los sonidos de Italia de hace siglos con un enfoque más moderno para el piano, Turrisi está, en cierto modo, describiendo los pasos de una rama del jazz, porque sin la influencia clásica europea mucho de lo que llegó a ser conocido como el jazz nunca habría llegado a pasar. El éxito de la música radica en el hecho de que suena familiar y totalmente fresca al mismo tiempo. Esto es una pequeña gema de un álbum, y Francesco Turrisi es claramente un nombre para seguir mirando.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/francesco-turrisi-si-dolce-e-il-tormento-by-ian-patterson.php–

Track Listing – Si Dolce E Il Tormento

01. Si Dolce è il Tormento (2:32)
02. Salve Regina (3:11)
03. Passacaglia (4:38)
04. Ciaccona (6:27)
05. Lamento di Paolo e Francesca (3:15)
06. Canzonetta Spirituale sopra la Nanna (5:46)
07. Passamezzo Antico (5:53)
08. Variazioni sopra la Follia (13:23)
09. Toccata (3:20)
10. La Monica (3:46)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums
Brendan Doyle: clarinet, bass clarinet
Richard Sweeney: theorbo (3, 5)

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Fotografía (2011)

Sería simplista llamar al pianista Francesco Turrisi un experimentador, aunque su música abarca multitud de influencias culturales, desde su Italia natal a lo largo y ancho del Mediterráneo, a caballo de los siglos, y absorbiendo de fuentes tan diversas como el barroco, aires moros y jazz; simplista, porque su música fluye de manera tan natural como un río sigue su lecho -está en Turrisi y de él, y esto lo dirige. Como en el memorable debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe, 2009), no hay ningún sentido de esfuerzo de fusión, ningún sentido de construcción cuidadosa; en Fotografia, hay en cambio, un muy natural sonido de confluencia de ideas y emociones.

Aunque Fotografia comparta el mismo neo-clasicismo, teñido de folk, y el aventurerismo de las franjas-de-jazz del debut de Turrisi, este es un ofrecimiento más oscuro, más impresionista, y aparentemente más conceptual como un todo. Inspirado por la tradición italiana de alentar a los niños a bosquejar pensierini -pequeños pensamientos- Turrisi crea edificaciones sonoras en torno a diversos temas, comprensiva e intuitivamente apoyado por el baterista João Lobo y el bajista acústico Claus Kaarsgaard. Los títulos —”I Am The Shadow Man”, “Remorse”, “A Thousand Pieces”, “Ants”, “Towards the Depths”— son sugestivos del impresionismo a veces sombrío en estas viñetas, aunque el lirismo de bello dolor está incorporado en Fotografia.

Siete pensierini corren desde la idiosincracia fractural de diez segundos de “Pensierino 1, in mille pezze”, a la extrañamente ingrávida “Pensierino 7, verso il basso”, la cual destaca a Turrisi en las entrañas del piano y hermosas figuras del bajo de Kaarsgaard. Entre medio, hay acordes dramáticos, arco temperamental y percusión tintineante sobre el vagamente siniestro “Pensierino 2, Sono l’uomo ombra ” y la melancolía de “Pensierino 3, rimorso “, con el lento walking bass de Lobo sugiriendo un triste ensimismamiento. El rápido y repetitivo motivo en “Pensierino 4, formicai” transporta la cabizbaja inclemencia de una hormiga en una misión, mientras “Pensierino 5, scarabocchio” tiene un arranque-parada, corriendo calidad. “Pensierino 6, il lago fantasma” mantiene un ambiente sereno y fantasmal en su marco barroco.

En lugar de encadenar estos pensierini juntos en una suite continua, Turrisi rompe con vuelos cortos de imaginación lírica. El solo piano de “Fotografia 1” exuda quietud contemplativa, aunque no sin una absorbente energía. Hay más de una narrativa para “Fotografia 2”, con su blues mediterráneo, y es de algún modo antiguo y moderno simultáneamente. Una interpretación sencilla de “Luiza” captura la vena blues de Antonio Carlos Jobim, con Turrisi empleando moderadamente la mano izquierda, descansando realmente. “Pensierosa (por Helen)” oscila entre meditativa y clásicamente elegante, y la innegablemente conmovedora “Lachrimae” tiene la rara belleza de una sonata de Beethoven, aunque, de nuevo, es esencialmente un inquietante blues.

En el punto medio y sujetando estas reflexivas piezas, están tres composiciones tradicionales italianas inspiradas en las interpretaciones del cantante Pino de Vittorio. El arco meditabundo de Kaarsgaard es el protagonista de la primera mitad de “Alla Caprinese”, que se mueve desde lo oscuro hacia la luz tal como el lirismo liviano como una pluma de Turrisi ilumina la pieza. “Attaccati li Tricci” I y II resaltan al Turrisi encantador, cayendo entre líneas arábigas, e inclinándose hacia el juego de manos con simples melodías.

Menos inmediatamente accesible que el primer CD de Turrisi, Fotografia, es, sin embargo, totalmente absorbente y apunta a un artista que se niega a permanecer quieto. El sombreado, matices y profundidad emocional hacen de esto un viaje encantador.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/fotografia-francesco-turrisi-diatribe-recordings-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Fotografía

01. Attaccati Li Tricci (5:09)
02. Fotografia I (2:45)
03. Pensierino I, In Mille Pezzi (0:52)
04. Luiza (2:16)
05. Pensierino II, Sono L’uomo Ombra (3:33)
06. Pensierosa (For Helen) (5:28)
07. Pensierino III, Rimorsa (2:52)
08. Alla Carpinese (7:32)
09. Pensierino IV, Formicai (2:36)
10. Lachrimae (For My Father) (4:37)
11. Pensierino V, Scarabocchio (2:45)
12. Pensierino VI, Il Lago Fantasma (3:18)
13. Fotografia II (2:55)
14. Pensierino VII, Verso Il Basso (4:36)
15. Attaccati Li Tricci II (11:06)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Claus Kaarsgaard: bass
João Lobo: drums

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Songs Of Experience (2013)

Originalmente me familiaricé con la música de Francesco Turrisi a través de su realización de 2011, “Fotografia”. Un álbum excelente que presentaba una alineación estándar de trío de piano, que se concentraba en un equilibrio entre la música de cámara y jazz infundido de folk. El resultado fue una agradable dualidad de elegancia y sencillez. En esta realización, Songs of Experience, Turrisi vuelve con el formato de trío, y mientras tiene a João retornando a los tambores, él sustituye la posición del bajo por el trompetista Fulvio Sigurta. Esto resulta en un álbum completamente diferente.Y mientras yo hubiera estado eminentemente contento con más de las cosas buenas, estoy encantado de presenciar la nueva dirección de Turrisi.

En su superficie, Turrisi ha grabado un álbum de jazz nórdico. Temperamental y sereno, las melodías fluyen y los ritmos gorjean y expansivos sonidos se reproducen en una tranquila esquina del mundo. De hecho, la influencia nórdica no es más que una extensión. Con sede en Dublín, pero sus raíces en suelo italiano, no es inexplicable que los sonidos de Escandinavia podrían haber llegado a la música de Turissi. Aparte del obvio efecto de la era digital volando las barreras geográficas para permitir que el expresionismo musical se disemine a través de la faz del planeta, también parece haber una tendencia donde el enfoque nórdico del jazz se mueve hacia al sur, así como el movimiento del jazz mediterráneo hacia al norte para encontrarlo.

Hay ejemplos en Bird is the Worm de músicos italianos desarrollando un jazz tranquilo influenciado por música folklórica local. Y mientras los modismos de la música popular Italiana difieren, es decir, de las de Copenhague, los rasgos que se fusionan con el jazz crean similitudes en el sonido Las contracorrientes de influencias son también resultado de músicos que se dirigen a otros países para estudiar, como Turrisi hizo cuando salió de Italia para estudiar en el Conservatorio Real de La Haya, en Holanda. Colaboraciones de diferentes músicas encuentran los lugares maleables donde existen similitudes y, por tanto, evocan nuevas ideas y nuevas expresiones y nuevos sonidos.

Pero esto es solo el hablar de influencias y tendencias de la música… dentro del béisbol, de interés principalmente para chiflados del jazz como yo. Tal vez como usted, también.

¿Cómo es la música?

El piano con una helada agudeza, la trompeta que expresa un cansancio y esperanza simultáneamente, y los tambores que dicen mucho hablando muy poco. Esta es la música que llena la habitación cuando una penetrante quietud ha echado raíces. Esta es la música que habla en voz baja, toma su tiempo para manifestarse, y es fantásticamente sugestiva cuando lo hace.

Algunas melodías, como “Incubo N.1” ofrecen una mezcla a lo Mingus de vanguardia y blues. Y “Birth” es una declaración exasperada de música de cámara… algo que, quizás, los admiradores de Wayne Horvitz puedan apreciar. Pero sobre todo somos presentados con melodías de elegancia y austeridad, con una tensión dramática continuamente mantenida al borde de estallar, y, lo que es más importante aún, de una belleza que se revela lentamente, desarrollándose de manera seductora de la primera a la última nota.

Excelente.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/francesco-turrisi-songs-of-experience/

Track Listing – Songs Of Experience

01. Nel Mezzo (6:17)
02. Uppon Lamire (1:52)
03. Le (Lullaby for Aoife Naima) (6:54)
04. Incubo n.1 (3:22)
05. Toccata Arpeggiata nello Stile Cromatico (2:57)
06. Incubo n.2 (5:10)
07. Birth (10:40)
08. Incubo n.3 (2:17)
09. Canto (10:21)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Fulvio Sigurtà: trumpet & flugelhorn
João Lobo: drums

tapa-grigio
Grigio (2013)

Para el pianista Francesco Turrisi música “vieja” es un término redundante. En el mundo del italiano establecido en Dublín toda la música existe en un continuo. El debut de Turrisi, “Si Dolce e il Tormento” (Diatribe Records, 2009) puede ser el único ejemplo del laúd medieval theorbo -laúd de cuello largo- en un contexto de jazz. “Fotografia” (Diatribe Records, 2011), una serie de improvisaciones de trio de piano que oscilaba entre la abstracción del free-jazz, y el lirismo de blues mediterráneo y brasileño. Para “Songs of Experience” (Taquin Records, 2013), Turrisi evitó el bajo en favor de la trompeta y el flugelhorn de Fulvio Sigurtà en piezas altamente melódicas y minimalistas, que dibujó igualmente desde las tradiciones clásicas y folk. En Grigio, Turrisi agrega barroco italiano, tradicional irlandés y canción hebrea a una paleta de colores.

Común a todas las grabaciones de Turrisi en un mayor o menor grado, es la vena de música barroca/temprana que traspasa su música. La novedad aquí, sin embargo, es el empleo de Turrisi de un cantante. Tres números cantados muy bellamente por Clara Sanabras, “Che Si Puo Fare?”, “Augellin” y “Canzonette spiritual sopra la nanna” ilustra la fuerza melódica y la profundidad lírica de los lamentos italianos del siglo XVII. Turrisi ha tocado estas canciones con L’Arpeggiata, pero el impulso rítmico del bajista Dan Bodwell y el baterista Sean Carpio se combinan con las volteretas de las líneas de jazz de Turrisi para formar un marco completamente contemporáneo para la música, cuyos temas de amor y angustia -y la indiferencia del mundo- son eternos.

Tres canciones tradicionales irlandesas interpretadas por le cantante de canto gaélico Róisín Elsafty enfatiza la universalidad del blues. “Elenaor a run”, una canción del siglo XVII, muestra la hermosa voz de Elsafty, con una sutil presencia de Turrisi en piano y Ebow. El lamento de “Sile Beag Ni Chonnallain” y el evocador arrullo que es “Seoithin Seo” podrían traer una lágrima al ojo de un verdugo. Estas tres canciones están en el CD de Elsafty, “Má bhíonn tú liom Bí liom” (Vertical Records, 2007) -altamente recomendado para quienes deseen mojar un dedo en la canción tradicional irlandesa. La banda de Turrisi, Tarab, mezcla música folk irlandesa y del mundo, pero estas melodías con Elsafty están más cercanas al espíritu de la tradición irlandesa que las que él se ha comprometido a registrar hasta ahora.

El firme adorno circular de Turrisi forma la espina dorsal de la impresionista pista del título. El tambor de cuadro de Zohar Fresco proporciona un pulso moderado, mientras la violoncelista Kate Ellis y el saxofonista soprano Nick Roth -ambos de Tarab- evocan líneas distraídamente armónicas. “Hadasha” del saxofonista John Zorn también embarca desde un implacable piano ostinato, aunque los bestiales gritos del violoncelo y el saxofón le dan un ambiente vanguardista, más abstracto. “Maoz trsur” es una canción tradional hebrea arreglada por Roth; desde su intro minimalista de piano y bajo, la voz sin palabras de Fresco se junta al revoloteo del saxofón alto y al moderado violoncelo en apacible unión, parecido a un rezo. Las simples líneas melódicas de Turrisi “Tu Ridi” doblan a una cadenciosa influencia árabe.

El virtuosismo de piano de Turrisi toma un asiento trasero en sus hábiles tratamientos de las canciones tradicionales que atraviesan un milenio. Sobre la superficie, puede parecer haber poco que una la canción italiana barroca con el himno hebreo o el lamento irlandés, pero el manifiesto en los arreglos de Turrisi es el espíritu esencial humano común al verso y la música a través del tiempo y las culturas. Otra asombrosa adición a la corta pero sumamente impresionante discografía de Turrisi.

Fuente para la reseña: Ian Patterson para https://www.allaboutjazz.com/grigio-francesco-turrisi-diatribe-records-review-by-ian-patterson.php

Track Listing – Grigio

01. Che si può fare (4:43)
02. Grigio (4:48)
03. Eleanór a rún (5:58)
04. Hadasha (4:41)
05. Augellin (5:07)
06. Maoz tsur (3:52)
07. Síle Bheag Ní Chonnalláin (3:52)
08. Canzonetta spirituale sopra la nanna (7:01)
09. Tu ridi (3:09)
10. Seoithín seó (3:29)

Artist List

Francesco Turrisi: piano
Nick Roth: soprano sax
Kate Ellis: cello
Dan Bodwell: bass
Sean Carpio: drums

special guests:

Zohar Fresco: frame drums, percussion and vocals
Róisín Elsafty: vocals
Clara Sanabras: vocals

Apunte: El pianista italiano Francesco Turrisi, establecido en Dublin, es el arquetipo del músico de jazz moderno, tomando su inspiración en una amplia variedad de fuentes, desde el jazz y lo arábigo pasando por el barroco y la música popular Italiana, y a partir de esto, desarrolló en los últimos años esta serie de excelentes realizaciones, destacándose como una voz original e inconfundible. El tipo y calidad de la música, así como la estética de su presentación tiene muchos puntos de contacto con el espíritu del sello ECM, por lo que me animo a decir que en algún momento Manfred Eicher pondrá sus ojos en él y lo invitará a grabar en la casa alemana. Tómense el tiempo para escuchar esta música. Va a contrapelo de las urgencias diarias. Espero la disfruten.

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Desidério Lázaro
octubre 26, 2016, 12:41 am
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Samsara (2012)

Samsara, el nuevo disco de Desidério Lázaro, es básicamente lo contrario del primero, “Rotina Impermanente” (JACC). Comenzando con la formación, este es un disco de un quinteto con dos guitarras, mientras que el debut de 2010 se “resumía” a un trío sin instrumentos armónicos. Observé en ese momento que “Rotina Impermanente” era un desafío enorme para el debut del joven músico. El riesgo que un trío sin piano o guitarra tiene es por un lado la mayor exposición del solista, pero también en el esfuerzo adicional puesto para superar la falta de la guitarra o del piano, y por otra parte en la terminación propia del espacio sonoro. Sonny Rollins es la referencia citada más a menudo cuando se habla de tríos de saxofón, pero obviamente Desidério Lázaro no tiene el volumen de sonido (o la musicalidad) del gigante Rollins, y no era esa su elección. Creo que Lázaro tenía como modelo el saxofonismo más cerebral de un Mark Turner (del Fly Trio), èl mismo se reveló como un fuerte saxofonista: a pesar de que la apuesta haya sido sólo parcialmente ganada, “Rotina Impermanente” resultó ser un debut convincente.

Definitivamente, Samsara es claramente otra cosa y, como he dicho, comenzando con la presencia de las guitarras de Afonso Pais y João Firmino. Samsara es un disco menos “duro” que el anterior, merced a las combinaciones armónicas de los tres solistas, pero también por la opción más funky, diríamos por momentos danzable, que el disco anterior. Las guitarras y los saxofones (tenor y soprano) se combinan y se desafían en solos de manera bastante agradable.

Desidério Lázaro, uno de los más sólidos saxofonistas de la nueva generación, es en Samsara melódico, enérgico y ecléctico. Samsara, el tema, algo místico como el nombre sugiere, es una especie de sereno himno a la vida y a la alegría que marca el disco entero, incluso en los momentos más funky.

Equilibrado y sin pretensiones, Samsara confirma a Desidério Lázaro también como líder, al frente de una banda de generosos solistas, Pais y Firmino, y también de una sección rítmica donde puntua sin tachas la batería de Joel Silva, e incluso la sorpresa del seguro contrabajo de Francisco Brito.

Sin el compromiso de la escritura en sí, entre el acid jazz y el rock, entre el pop y el jazz, sin preocupaciones de novedades o de exploraciones, Samsara es el tipo de disco que gana en la presentación en vivo.

Samsara marca también el estreno de una nueva editora independiente, Sintoma Records, creada por músicos, que pretende dar respuesta a la necesidad de los artistas de ver sus obras editadas sin intermediarios.

Fuentes para la reseña: http://www.jazzlogical.net/discos/Dediserio_Lazaro_Samsara.html , http://www.andrefsantos.com/blog/entrevista-iv-desidrio-lzaro

Apunte: ¿Quién eres Desidério? “Estoy involucrado en la música desde los 6 años y desde los 15 que decidí que sería músico. En este sentido, muchas de las expectativas y proyecciones para una vida adulta pronto fueron resueltas en ese momento. Soy un músico hoy y todo se encaminó en una forma natural, pasando por las escuelas clásica (Conservatorio de Faro y Setúbal), jazz (Hot Club y el Conservatorio de Amsterdam) y de “la calle” (cantante de una banda de rock, otros proyectos pop)”. Consultado sobre qué mensaje o sensaciones intenta transmitir en su música, Lázaro nos dice que “todo lo que siento en ese momento, ya que los músicos también son actores y es un reto vivir un viaje de cada composición que se toca con tus emociones implicadas.” En ese sentido admira en un músico “esa capacidad de involucrarse con la música que está por tocar a partir del primer segundo, sin preconceptos, sin academicismos, sin ego”. Para Lázaro la “técnica es todo, sonido, ataque, articulación, afinación, los dedos de las manos. Yo diría que la velocidad de los dedos es lo más fácil de la técnica”. Da importancia total al estudio y a la práctica pero “lamenta no tener la energía de los 15 años” a la hora de practicar, pero “intento (e intentaba) centrar la atención en tres aspectos que me parecen fundamentales: técnica, lenguaje e improvisación”. Y reflexiona: “la vida es larga, hay tiempo para todo, para estudiar todo lo que quieras, a fondo. Sólo es preciso paciencia”. En lo que respecta a la tradición del jazz, Lázaro dice “doy total importancia a la tradición, herramienta fundamental para comprender todo lo que se hace y lo que se hará”, aclarando que la corriente que más lo influenció es el hard-bop y que entre los artistas que fueron/son su inspiración se encuentran “Coltrane, Miles, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Bill Evans, Cannonball, Sonny Rollins, Hank Mobley”.

Track Listing

1. Samsara (14:10)
2. Aceita (7:35)
3. Control (6:03)
4. Decisões (14:12)
5. Despertador (6:38)
6. Andreia (5:08)
7. Sete (12:47)

Artist List

Desidério Lázaro: tenor and soprano saxophones
João Firmino: guitar (right speaker)
Afonso Pais: guitar (left speaker)
Francisco Brito: doublebass
Joel Silva: drums

Link de descarga



Jon Crowley
octubre 16, 2016, 2:21 pm
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I Walk Amongst the Humans (2016)

La forma en la que un rayo de sol pinta un grueso rayo de luz a través de la habitación, con una fuerte y controlada explosión sobre el cristal de la ventana y despliega una manta de calor por el piso, es cómo el trompetista Jon Crowley pinta melodías en la superficie de las canciones. Esto tiene la presencia de algo tangible, algo que puede ser captado y embotellado, y tiene el mismo poder de cautivar y cerrar el lugar tanto en tiempo como en tranquilidad, como aquel grueso rayo de sol de la tarde que cubre el cuarto en serenidad. Este es un talento que Crowley sigue mostrando en su nueva realización I Walk Amongst the Humans.

Y donde con realizaciones anteriores, como la de 2011, “At the Edge”, Crowley añadía una influencia indie-rock como subtexto melódico, en esta nueva está llena de dramatismo…un útil recordatorio de que a veces la luz del sol puede quemar. La exactitud de las oleadas de intensidad proporcionan algunas excepcionales construcciones y repentinas caídas retornan a un estado de calma, como en “Other Lives” o “A Little Poison”, donde, en cambio, la intensidad viene a un lugar que descansa en un estado de melodiosa alegría.Y luego están aquellos momentos cuando Crowley establece arder ferozmente en “In Dreams” y “On a Park Bench”.

Pero no importa la forma que cada canción asume al final, siempre estará acompañada por aquellos rayos de melodías de luz del sol. Música hermosa incluso cuando se dirige hacia algún borde.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/recommended-jon-crowley-i-walk-amongst-the-humans/

Apunte: Jon Crowley, trompetista y compositor establecido en Brooklyn, ha llegado con I Walk Amongst the Humans, su tercer disco como líder, a redondear una obra bellísima, con emotivos temas que van creciendo en intensidad musical y momentos de redentora calma. El intercambio de primeros roles entre Crowley y John Beaty (saxo alto vigoroso, líder de la banda Beaumont, adherente a la corriente musical llamada “stretch music”, alguien a quien debemos investigar…) es de los puntos más altos de un disco que casi no tiene puntos bajos. Poquísimas radios difundirán esta música, así que no se pierdan la oportunidad de escuchar al recién llegado al barrio.

Track Listing

1. Still Here (5:58)
2. Other Lives (5:18)
3. I Disappear (4:57)
4. Dark Center (4:45)
5. A Little Poison (4:42)
6. In Dreams (8:12)
7. On A Park Bench (6:19)

Artist List

Jon Crowley: trumpet
John Beaty: alto saxophone
Noah Berman: electric guitar, effects
Brad Whiteley: piano, Fender Rhodes
Ben Thomas: upright bass
Max Maples: drums

Link de descarga
Password: presoventanilla



Julian Lage

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Sounding Point (2009)

Con un descubridor como el vibrafonista Gary Burton (reveló en su momento la magia de Pat Metheny y el talento Kurt Rosenwinkel), poco tiene de meritorio anunciar el potencial de este joven guitarrista californiano que desde los cinco años ya llamó la atención de gente como Carlos Santana, Pat Metheny, Kenny Werner, Toots Thielemans, Martin Taylor o David Grisman, que lo incluyeron en sus respectivos proyectos.

Era de esperar, entonces, que su debut discográfico no tardaría en publicarse. “Sounding Point”: con un repertorio complejo, personal y compensado que ejemplifica el dote creativo y técnico del instrumentista con piezas hibridas entre lo clásico y el jazz contemporáneo como “Clarity” o “Familiar Posture”, algún trazo de empirismo modélico como “Constructive Rest” y la inclusión de alguna revisión bien planteada como aquel “Encore: All Blues” de Miles Davis o el “Alameda” de Elliot Smith.

Lo dicho, Julian Lage tiene lenguaje propio, cosas que contar y un talento creativo enorme; aún así y siendo este su primer trabajo, se intuye que en directo el guión de Lage debe transcurrir más fresco que en estudio, más intuitivo, con mayor naturalidad y menos encorsetado por un combo formado por Jorge Roeder (bajo), Tupac Mantilla (percusión, Aristides Rivas (violoncelo) y Ben Roseth (saxo) que están a su altura pero que se contaminan por mimetismo de ese estreñimiento vírico que crea el estudio de grabación.

Como ocurre en estos casos (de los llamados niños prodigio), Lage –antes de editar este primer álbum-, ha pisado los principales escenarios de jazz del mundo, ha trabajado con los mejores y ha recibido excelentes críticas allí por donde las seis cuerdas de su guitarra han sonado.

Reseña de Quim Cabeza para http://www.distritojazz.es/2011/02/julian-lage-sounding-point/

Track Listing – Sounding Point

01. Clarity (5:54)
02. All Purpose Beginning (7:16)
03. Familiar Posture (2:58)
04. The Informant (3:23)
05. Peterborough (0:46)
06. Long Day, Short Night (5:47)
07. Quiet, Through And Through (2:18)
08. Lil’ Darlin’ (5:20)
09. Tour One (4:27)
10. Alamenda (2:19)
11. Constructive Rest (2:39)
12. Motor Minder (5:54)
13. Encore: All Blues (7:14)
14. Hitchcock Prelude (2:09)

Artist List

Julian Lage: guitar; compositions (tracks: 1 to 3, 5, 7, 11, 12)
Béla Fleck: banjo (tracks: 4, 6, 10)
Jorge Roeder: bass (tracks: 1, 2, 7, 8)
Aristides Rivas: cello (tracks: 1, 2)
Chris Thile: mandolin (tracks: 4, 6, 10)
Tupac Mantilla: percussion (tracks: 1, 2, 8, 12)
Taylor Eigsti: piano (tracks: 9, 14)
Ben Roseth: saxophone (tracks: 1, 2, 5, 7, 12)

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Gladwell (2011)

Gladwell es el nombre de una ciudad imaginaria cuya vida y lugares son descritos por Lage y su banda a través de las distintas composiciones del disco. Esto nos da la medida de su planteamiento experimental, aunque como en toda música programática, a nadie se le ocurriría nada de ello de no leer las explicaciones del autor. Lo que esta música sí comunica de inmediato es la libertad de que goza la banda, y que empieza en su atípica formación y continúa por la riqueza del diálogo entre instrumentos o su aprovechamiento de las técnicas de estudio. Lo más notable es que este desapego de las convenciones no deja de mostrar una sólida escuela. El propio Lage encarna a la perfección este raro talento al unir su fértil imaginación con su conocimiento de estilos de raíz como el country y el blues, todo ello expresado por supuesto con impecable nitidez y un brillante dominio de la riqueza tímbrica de la guitarra.

Reseña de Leo Sánchez para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1569:julian-lage-group&catid=4:discos&Itemid=7

Track listing – Gladwell

01. 233 Butler (5:33)
02. Margaret (6:49)
03. Point the Way (2:12)
04. However Blake (6:27)
05. Freight Train (2:10)
06. Cathedral (2:09)
07. Listening Walk (4:28)
08. Cocoon (2:21)
09. Autumn Leaves (3:16)
10. Iowa Taken (9:06)
11. Listen Darkly (1:08)
12. Telegram (4:53)

Artist List

Julian Lage: electric guitar, acoustic guitar
Jorge Roeder: acoustic bass
Aristides Rivas: cello
Tupac Mantilla: drums, percussion
Dan Blake: tenor saxophone, melodica

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World’s Fair (2015)

No se dejen engañar por Julian Lage. Parecerá el tipo más dulce del mundo, modesto, pura calma californiana; su música, sencilla, sin esfuerzo, sin verdadero mérito. Nada más lejos. Lo más probable es que para el segundo cuatro (0:04) de este disco el oyente esté enganchado, y eso no se consigue siendo un peso pluma. Lage es, en realidad, una bestia de la guitarra, uno de los músicos más extraordinarios de hoy en día. El hecho de que lleva tocando toda la vida y que le encanta el instrumento le pone en una categoría que trasciende el puro virtuosismo, haciéndolo invisible, como inservibles serían las clasificaciones en estilos o géneros, aunque el “folk post-Internet” que acuña el anotador y también guitarrista Matt Munisteri no va desencaminado: aun con cierto sabor local, a pesar del instrumento acústico y las modas recientes esto no es —menos mal— un disco de “Americana”. Con temas como “Peru” y “Japan”, se trata más bien de la visión del mundo a través de los ojos de Lage. Su relato es muy evocador, tranquilo sin llegar a lo sombrío, a ratos enérgico y pletórico con momentos de un nivel guitarrístico escandaloso (su paleta tímbrica con la acústica es abrumadora). La única limitación aparente de Lage es su propia imaginación, y de momento parece lejos de agotarse.

Reseña de Fernando Ortiz de Urbina para http://jazzofftherecord.blogspot.com.ar/2015/02/daniel-cano-julian-lage.html

Track Listing – World’s Fair

01. 40’s (3:50)
02. Peru (2:54)
03. Japan (4:11)
04. Ryland (3:16)
05. Double Stops (1:50)
06. Gardens (3:56)
07. Century (2:55)
08. Where or When (2:21)
09. Missouri (4:11)
10. Red Prairie Dawn (2:51)
11. Day and Age (2:41)
12. Lullaby (3:00)

Artist List

Julian Lage: guitar

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Arclight (2016)

Después de haber grabado el año pasado ‘Room’, junto con el guitarrista de rock Nels Cline, Julian Lage edita su cuarto álbum como líder, ‘Arclight’, y presenta el que es su nuevo trío, formado por dos pesos pesados del jazz actual, como son el contrabajista Scott Colley y el baterista Kelly Wollesen.

Los once temas que componen este disco son una buena muestra de las influencias e intereses del guitarrista californiano, pues hay composiciones de evidente inspiración brasileña (‘Supera’), pasando por el country (‘Ryland’) y acabando por el jazz manouche (‘Persian rug’), y todo ello sin olvidar, obviamente el jazz más moderno (‘Presley’) o el blues (‘Harlem blues’).

Tengo la impresión de que la carrera de Lage no ha debido ser nada fácil. Como es sabido el guitarrista fue considerado un niño prodigio , ya que con ocho años fue el protagonista de la película ‘Jules at Eight’k, a los trece lo pusieron a tocar en la entrega de los premio Grammy y desde los 15 años es miembro del Stanford Jazz Workshop de la prestigiosa Universidad de Stanford . Con este currículo es fácil que se le hubiese ido la cabeza y que, al igual que le ha pasado a decenas de niños, se hubiese perdido en el más absoluto olvido. Pues no. Ha sabido mantener (o se la han mantenido) la cabeza fría y ha llevado una carrera seria y sin prisa (sólo tiene 29 años).

Arclight’ es un disco muy correcto, acaso no especialmente emocionante, pero que deja ver que quienes están al frente de él tienen muchas notas y muchos acordes en sus manos y saben cómo hacer para que todo fluya de manera natural.

Reseña de Jaun Ez para http://www.distritojazz.com/discos-jazz/julian-lage-arclight

Track listing – Arclight

01. Fortune Teller (3:04)
02. Persian Rug (2:23)
03. Nocturne (3:19)
04. Supera (4:02)
05. Stop Go Start (3:32)
06. Activate (2:09)
07. Presley (4:12)
08. Prospero (3:08)
09. I’ll Be Seeing You (3:31)
10. Harlem Blues (3:28)
11. Ryland (4:02)

Artist List

Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Kenny Wollesen: drums, percussion

Apunte: ¿Qué decir de Julian Lage que ya no esté dicho en líneas anteriores, si desde pequeñito deslumbra al mundo con su prodigiosa musicalidad? Pertenece a esa raza de humanos nacida de una genética distinta, donde los cromosomas parecen haber sido reemplazados por notas musicales devenidas en sustancia biológica. Son los X-Men de la música. Nuestros mortales oídos les pertenecerán por siempre.

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