Preso ventanilla


Abe Rábade Trio

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VerSons (2013)

Noveno trabajo del pianista gallego con su habitual trío desde el año 2008. El repertorio del disco consta de temas standards del jazz, algunas piezas del barroco y una pincelada de folk tradicional gallego.

De Abe Rábade podemos decir, sin temor a equivocarnos, que es un músico comprometido consigo mismo. Ya la elección del programa que forma VerSons es suficientemente aclaratoria en éste sentido. Composiciones de Vivaldi, Haendel, Coltrane, M. Davis o Monk hablan por sí mismos.

No acaba aquí su compromiso, sino que además su labor como fotógrafo también se plasma en la confección de la carátula y las instantáneas interiores del disco.

No obstante el egocentrismo no es su fuerte, ninguna de las composiciones lleva su firma, ya que Abe parte de sí mismo para hacer suyas otras ideas y ofrecerlas generosamente al oído capaz de comprender.

Y ahí es donde radica su importancia. La capacidad para ser original y personal es lo que le catapulta a ser uno de los grandes jazzman de España.

Abe Rábade muestra su versatilidad y su dinamismo en composiciones como “Like Sonny”, y “A Saia Da Carolina”: de sus manos salen sonidos sincopados valiéndose de sus hábiles dedos convertidos ocasionalmente en corredores que aceleran y deceleran para alcanzar la meta final.

En “All or Nothing at All”, “Golden Earrings”, “Solar” y “Four in One”, el hard bop se ofrece swingueante y extrovertido rememorando al gran Bill Evans.

Lírico en “In the Wee Small Hours of the Morning”. Dos almas cohabitan en “No niño novo do vento”. En un mismo cuerpo blues y canción melódica.

El broche final llega de la mano de “Lascia L’espina”: balada solemne y lírica, casi como un himno. Después el silencio y tras él, intimismo bucólico, indolente y otoñal para elevar el tono y finalmente caer en reflexión. Es como si se contara la historia de una vida en una canción.

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/web/?p=9248

Lista de Temas – VerSons

01. Like Sonny (John Coltrane) (7:35)
02. All or Nothing at All (Arthur Altman) (6:51)
03. Golden Earrings (Victor Young) (6:00)
04. The Peacocks (Jim Rowles) (6:37)
05. Estate: Adagio (Antonio Vivaldi) (2:59)
06. A saia da Carolina (tradicional galega) (7:54)
07. In the Wee Small Hours of the Morning (David Mann) (2:08)
08. Solar (Miles Davis) (7:01)
09. Four in One (Thelonious Monk) (2:55)
10. No niño novo do vento (Luís Emilio Batallán) (5:52)
11. Lascia L’espina (Friedrich Haendel) (15:44)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería
tapa Tránsitos
Tránsitos (2015)

Sin duda estamos ante uno de los mejores trabajos discográficos del 2015, aunque se publicó a final de año. Fue grabado en el Festival de Jazz de Primavera de Orense, en el que el Abe Rábade Trio interpretó en directo la suite Tránsitos junto a la orquesta Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Paul Daniel. Este proyecto con el músico compostelano tiene su origen en una de las facetas de la Orquesta radicada en Santiago de abrirse a la colaboración con otras músicas y qué mejor que hacerlo con el pianista compostelano de mayor proyección nacional e internacional.

La conexión entre la música clásica y el jazz era una de los ámbitos que Abe Rábade tenía en mente desde hace mucho y al presentarse la oportunidad afrontó el reto y el resultado no puede ser más espectacular. “Hacía muchos años que no tenía tanta ilusión en acometer un proyecto. Que tengas la oportunidad de dedicarle dos años a una composición, en este caso una pieza orquestal, y que se estrene en tu ciudad y con la orquesta de tu ciudad es un sueño hecho realidad y que denota una apertura de mente por parte de la Real Filharmonía de Galicia”.

Tránsitos consta de cuatro movimientos que giran en torno a cuatro composiciones originales de Abe Rábade, tres de las cuales ya estaban grabadas en discos y una es inédita, aunque el trío ya la había tocado en varias ocasiones.

“Cada una de las piezas tiene un desarrollo orquestal único, asumo el lenguaje musical que los músicos de una orquesta y el público que asiste a conciertos de música clásica están acostumbrados a tocar y a escuchar. La obra está escrita para orquesta pero en su 50 por ciento sigue siendo jazzística”, ha comentado Abe Rábade sobre este trabajo.

Dos mundos musicales tan diferentes como son el jazz y la música clásica se entienden a la perfección en este llamativo proyecto. Además de gran músico y gran compositor, Abe Rábade es siempre consciente de la necesidad de que la música se renueve y es lo que le llevó a aceptar este desafío. “No podemos correr el riesgo de que la música deje de estar viva, es necesario que entre aire fresco. Por eso para mí fue una sorpresa enorme que la Real Filharmonía de Galicia tuviese la iniciativa de colaborar conmigo como músico de jazz para componer una obra para una orquesta sinfónica”.

Abe Rábade siempre mira hacia adelante. Con cada nuevo proyecto sorprende. A su lado los fieles escuderos Bruno Pedroso y Pablo Martín Caminero hacen un trabajo encomiable en todas sus aportaciones. Conforman un triángulo equilátero robusto. Los fraseos de Rábade son cristalinos. Se encuentra en un momento muy dulce con mucha fuerza, no reñida con la expresividad. Tránsitos está formado por melodías, que en manos de Rábade pueden transformarse y recorrer muchos caminos en su desarrollo.

La grabación incluye tres piezas como “Zigurat”, que abre el disco y culmina con dos temas de origen latinoamericano interpretados por el trio. Un tango de Carlos Gardel, “El día que me quieras” tocado con exquisita elegancia y lirismo. Y una canción tradicional de Oaxaca en Méjico, llamada “La Martiniana”, con inicio a piano solo interpretando la melodía principal y un gran desarrollo jazzístico como ya nos tiene acostumbrados este magnífico trío. El disco se complementa con la grabación de la actuación en un DVD, que incluye un tema extra, “Like Sonny” de John Coltrane, con arreglos de Abe Rábade.

Reseña de Carlos Lara para http://www.tomajazz.com/web/?p=22261

Lista de Temas – Tránsitos

1. Zigurat (7:07)
2. Tránsito 1: Source (9:57)
3. Tránsito 2: Deep Cycle (10:55)
4. Tránsito 3: Jamal’s Mood (9:49
5. Tránsito 4: Void (10:52)
6. El Día Que Me Quieras (13:09)
7. La Martiniana (12:50)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería
Orquesta Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Paul Daniel

Todos los temas compuestos por Abe Rábade, excepto “El día que me quieras”, por Carlos Gardel y “La Martiniana”, por Andrés Henestrosa.
tapa Once
Once (2016)

El pianista y compositor compostelano Abe Rábade, uno de los máximos exponentes de la actual escena jazzística española, acaba de editar nuevo disco Once (Karonte” que se suma a su extensa discografía – como líder, participando en formaciones de otros músicos y una elevada cantidad de proyectos musicales variados — iniciada con “Babel de Sons” en 2001.

Partiendo de que una pieza melódica puede transformarse en las manos de Rábade y recorrer muchos caminos en su desarrollo, el pianista propone que lo acompañemos para recorrer Once caminos (temas) que él abrió a su alrededor, sugerentes, cabales y vigorosos que, según propio testimonio, se dejan andar despacio. Ante una invitación tan apetecible, allá vamos.

Para templar y poner a punto la “musculación” sensorial, nada mejor que su versión jazzística del tema “A Bruxa” de Antón Seoane. Seguimos camino por composiciones propias, una de ellas tributo a Paco de Lucía — y dos standars “Con Alma” de Dizzy Gillespie y “Smoke gets in your eyes” de Jerome Kern con el que llegamos a la meta final.

El camino es de lo más reconfortante con variados paisajes musicales que adquieren una diversidad de colorido, intenso por momentos, en contraste con otros más tamizados.

Y es que en Abe Rábade la “discontinuidad” es una nota no escrita pero que está presente y claramente identificable por su angulosidad, asimetría y sentido de la forma .La utilización de los espacios, el empleo de los silencios, las disonancias, los intervalos separados por los contrastes de registros y sonidos, las anticipaciones y los retrasos o los acentos desenlazados están en los temas recorridos.

Rábade maneja las dos manos con independencia, movilizando toda clase de escalas, arpegios, adornos, inversiones y alteraciones armónicas para convertir una composición en una jazzística lámpara de Aladino de la que todo puede salir.

Le gustan las disecciones melódicas sin coartadas que llena de matices emocionales. Cuando acompaña, es un buen organizador de retaguardia. Sabe calcular el peso de una disonancia y la densidad de un ataque para combinarlo y proyectarlo sabiamente en el espacio.

Tiene una gran empatía, una compenetración mutua, con la sección rítmica , con la que lleva colaborando desde 2008. Pablo Martín (contrabajo), no solo se circunscribe al turno solista intercambiando referencias con expresividad, abandonando por completo sus funciones metronómicas mientras Bruno Pedroso (batería) estimula con fluidez rítmica encajando con la libertad del trio, subrayando el ritmo con sabiduría y seguridad, potenciando ambos el rico léxico del líder.

Recorridas las “once” etapas del camino, al final uno queda satisfecho por haberlo iniciado, con ganas de reiniciarlo nuevamente.

Reseña de Nonito Pereira para http://nitope.blogspot.com.ar/2016/10/abe-rabade-trio-once.html

Lista de temas – Once

01. A bruxa (7:33)
02. Tule (5:50)
03. Tránsito 5: Meditación e Danza (7:54)
04. Once in a while (4:06)
05. Gotas (4:36)
06. Intermezzo (1:04)
07. 11 contra 7 (8:41)
08. Con Alma (8:59)
09. 11 para Paco (12:54)
10. Cuarzo Branco (6:32)
11. Smoke gets in your eyes (8:03)

Músicos

Abe Rábade: piano
Pablo Martín Caminero: contrabajo
Bruno Pedroso: batería

Password en todos los casos: presoventanilla

Apunte: Sin dudas, el trio liderado por el pianista gallego Abe Rábade debe ser uno de los más sólidos en el mundo del jazz en lo que respecta a este clásico formato. La discografía de Rábade es bastante amplia ya, pero estos últimos tres lanzamientos no hacen más que ratificar todo lo bueno que ya hemos escuchado de él. Rábade es un artista integral, versátil, que acepta retos, que da renovados bríos a los standards, y que no traba la emoción con frío intelectualismo. Obras altamente recomendables!

 



Bardoscia – Alborada – Marcotulli

tapa Trigono
Trigono (2016)

Elegante trabajo entre el jazz y la clásica, Trigono remite en el título a la atípica formación, que podríamos definir como un “trío plural”, dado que los protagonistas son Marco Bardoscia, Rita Marcotulli y, como tercer vèrtice, el cuarteto de arcos Alborada.

El programa propuesto es cautivador, con músicas más originales siempre de inmediato atractivo, gracias al lirismo de los temas. Así como es muy apreciable la ejecución de todos los protagonistas, con los cuatro de Alborada siempre en primer plano de una textura dentro de la cual Marcotulli interviene a veces como soporte, otras improvisando en el género con modalidades que la caracterizan en aquellos contextos un poco “crossroad” en los cuales ha escrito importantes páginas en el pasado (The Woman Next Door, Koiné).

Sin embargo – y también a pesar de algunos momentos refinadísimos, como por ejemplo la única pieza firmada por la pianista, “Rappresenta” y de la estructura original y compleja – el trabajo despertaría quizás poca atención de un oyente de extracción jazzera si no fuera por algunos pasajes de la misma Marcotulli – el comienzo de “Mr. Hopkins” o el desarrollo de “ELM”, de Richie Beirach, para dar algunos ejemplos – y, sobre todo, de las frecuentes intervenciones de Bardoscia -autor de casi la mitad de las piezas- el cual da muestra en varias ocasiones de sus cualidades de instrumentista ofreciendo solos cantables de gran atractivo y acompañando con un sonido profundo y expresivo, resultando así un poco el protagonista del trabajo.

Para señalar la excelente aportación de Maria Pia De Vito, huésped en “I’m a Dreamer”, las dos ocasiones -en la apertura y cierre de álbum- del sagrado himno “Abide With Me” y -como cumbre de un trabajo de todos modos excelente- “Ninna Nanna per la piccola Sara”, de Barcoscia, conmovedor pasaje en que todos los protagonistas tienen la oportunidad de dar lo mejor de sí.

Neri Pollastri para https://www.allaboutjazz.com/trigono-marco-bardoscia-tuk-music-review-by-neri-pollastri.php

Apunte: Trigono no es una joya absoluta, pero tiene un alto contenido de belleza y poesía conmovedora; sus buenas intenciones, curan. Y eso ya es fabuloso.

Track Listing

01. Abide With Me • Take One (1:10)
02. Inside (4:24)
03. Rappresenta (4:42)
04. Andrea’s Milonga (3:59)
05. Mr. Hopkins (3:19)
06. Farfalla | Peace (7:06)
07. I’m A Dreamer (4:31)
08. Elm (5:51)
09. Ninna Nanna Per La Piccola Sara (5:25)
10. My Head (4:10)
11. J’adore La Pluie (4:07)
12. L’attesa (3:51)
13. Abide With Me • Take Two (3:16)

Musicisti

Marco Bardoscia: contrabbasso
Rita Marcotulli: pianoforte
Quartetto Alborada:
Anton Berovski: violino
Sonia Peana: violino
Nico Ciricugno: viola
Piero Salvatori: violoncello
Ospiti:
Maria Pia De Vito: voce
Paolo Fresu: pianoforte
Nguyen Le: chitarra elettrica

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Laurent Stoutzer
agosto 27, 2017, 9:57 pm
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tapa Praxis
Praxis (2008)

Praxis: puesta en práctica de conceptos teóricos… Con este cuarteto, el guitarrista Laurent Stoutzer, pedagogo muy comprometido con la enseñanza del jazz en Estrasburgo y en el Bajo Rhin, presenta un interesante enfoque de las combinaciones posibles en la puesta en juego de un cuarteto.

Se percibe en este ex jugador de hockey una ciencia de las estrategias y las combinaciones en el arte de la composición. Pero, para ir al objetivo, es necesario un equipo de alto nivel !

Con Benjamin Moussay, pianista culto, sensible y muy abierto, dispone de un sólido apoyo armónico y creativo (“Stygmates”, “Nùstar”). Es el posicionamiento del contrabajo que aporta a este cuarteto un toque original. Arnaud Cuisinier tiene un juego preciso tanto pizzicato como con el arco, tanto solista como de acompañante (en “Ishima Iwa”, por ejemplo). Baterista atento y eficaz, Luc Isenmann se muestra muy particularmente en el diálogo guitarra/batería de “Duo”: un golpe seco de colores rock sobre la guitarra saturada, el juego sutil de platillos sobre las fases vaporosas del final…

Praxis pone en valor un fino guitarrista, con un rico bagaje musical, pero nunca demostrativo. Es por ello que este cuarteto funciona como un verdadero grupo favoreciendo el equilibrio de las voces en una música variada.

Fuente para la reseña: Thierry Giard para http://www.culturejazz.fr/spip.php?article722

Apunte: Debut en MQC/PV del guitarrista y ex jugador de hockey Laurent Stoutzer. Stoutzer utiliza todos los medios de escritura posibles, desde la música antigua, a la música contemporánea e improvisada, la energía del rock y el jazz más vanguardista. Praxis es su primer disco como líder y además el nombre que tiene en la actualidad su grupo. La audiencia de Praxis por momentos puede resultar no sencilla, justamente por todo aquello que pone en juego Stoutzer en la escritura, pero en la dificultad también reside lo valioso: hay alguien aquí buscando un sonido propio, queriendo decir algo distinto. Espero lo disfruten!

Track Listing

1. Phantomatic (7:05)
2. Ishima iwa (4:42)
3. Mayana (7:58)
4. Fruit défendu (7:07)
5. Stygmates (9:22)
6. Neshama (5:52)
7. Nùstar (5:41)
8. Duo (3:24)

Artist List

Laurent Stoutzer: guitare
Benjamin Moussay: piano
Arnaud Cuisinier: contrebasse
Luc Isenmann: batterie

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Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Josiah Woodson

tapa Suite Elemental
Suite Elemental (2017)

30/40 años atrás músicos talentosos como Josiah Woodson no tenían ninguna dificultad para encontrar su camino en un sello de grabación de jazz de buen tamaño y cosechar las ventajas de la máquina corporativa para la promoción, la exposición y la penetración de mercado. Era la ruta tradicional entonces. Ahora los artistas jóvenes con algo para decir tienen que tomar su destino en sus propias manos, usando el equipo ‘arrancador’ de marketing disponible vía web, en la forma de redes sociales, video streaming, el crowd funding y la blogósfera. Woodson ha tomado esta ruta para su debut y mientras que internet ha hecho el mundo más pequeño, se ha hecho no menos abarrotado, lo que significa que la exposición es todavía un reto. Su background es bastante típico para un principiante del jazz, al menos en sus primeros años. Educado formalmente en la música en Ohio y Boston, obtuvo su educación musical tocando con músicos de la talla de Branford Marsalis, Billy Hart, Gary Bartz, David Sánchez, Danilo Pérez y Marcus Belgrave. En lugar de tomar la tradicional ruta del jazz a Nueva York, Woodson se trasladó a París donde vive y trabaja, siguiendo las huellas de Sidney Bechet, Dexter Gordon, Kenny Clarke, Archie Shepp y, más recientemente, Logan Richardson.

Woodson toca trompeta, flugelhorn, flauta y guitarra en este álbum, pero él no es una banda de una persona. Su grupo, Quintessentiel, incorpora su actitud cosmopolita que destaca a miembros de Martinica, Australia, EE.UU y Francia.

El álbum de 6 pistas es el telón de fondo de una narrativa explorando el camino de un príncipe como él experimenta los cuatro elementos de la naturaleza -“Air”, “Eau”, “Feu” y “Terre” en camino a convertirse en rey. Woodson describe tanto la historia y la música como “una oportunidad para despertar la imaginación tanto como sea posible, para dar al oyente la oportunidad de crear su propia realidad en su mente, para imaginar lo que está sucediendo en la historia en sus propios términos”. Por la conformación de su música alrededor de tales universales, primarios, elementos constitutivos, Woodson nos permite ponernos dentro de su visión creativa; después de todo, ¿quién de nosotros no puede imaginar las texturas y tonos que encarnan el aire que respiramos o el agua que bebemos?

Dentro de mi cabeza hay asombro, armonía, alegría, imprevisibilidad y peligro, una mezcla de energías crudas, primordiales y constantes benignas eternas, conceptos con los que puedo relacionarme dentro de la interpretación musical de Woodson.

“Air” es optimista, ligero y de sonido fresco infundido por la trompeta y una buena performance en el solo de Rhodes del invitado Lovell Bradford. “Eau” brilla con flujos y reflujos, con Woodson líder en guitarra y flauta. Imagine una rápida secuencia de movimiento con el ritmo impulsado por la corriente, con remolinos más silenciosos y charcos en el borde del agua. “Feu” es más oscuro en el tono y se abre con una promesa de amenaza antes de estallar con chispas de energía. Ricardo Izquierdo en saxo tenor añade esa sensación de aprensión. “Terre” comienza con el bajo, como supongo que debería, con otro huésped neoyorquino, Peter Giron. Originalmente concebido como el inicio del set, es la pieza más fundamentada de la suite, con un espíritu juguetón. Si le gusta esta pista, a continuación, me gustaría instarle a que vea el vídeo de Youtube que incluye la lectura de Tarani Joy Woodson. La historia llega a su fin con el “Solstice” un optimista melodía liderada por la guitarra.

Woodson ha elaborado uno de los álbumes más estimulantes y alegres como he escuchado en mucho tiempo, para mis oídos, más sugerente, entretenido y sencillamente melódico, de muchos de los artistas más importantes del firmamento del jazz actual.

Fuente para la reseña: Andy Hazell para http://ukvibe.org/album_reviews/josiah-woodson/

Apunte: Josiah Woodson, multiinstrumentista. Suite Elemental es una artesanía, en forma de disco, tan breve como gratamente sorprendente. Woodson conoce la historia y la cuenta junto a un elenco multicultural con un lenguaje aggiornado a estos tiempos. Para combatir con arte a los que quieren aislarnos unos de otros.

Track Listing

1. Air (7:54)
2. Eau (8:34)
3. Feu (9:16)
4. Terre (9:06)
5. Solstice (8:49)
6. [rep]Rise (1:30)

Artist List

Josiah Woodson: composition, trumpet, flugelhorn, guitar, flute
Ricardo Izquierdo: tenor sax
Daniel Gassin: piano
Zacharie Abraham: upright bass
Laurent-Emmanuel “Tilo” Bertholo: drums
Special Guests
Lovell Bradford: Rhodes
Peter Giron: upright bass
Ralph Lavital: guitar
Philippe Makaia: gwo ka

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Josh Moshier / Mike Lebrun
agosto 19, 2017, 9:03 pm
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tapa Joy Not Jaded
Joy Not Jaded (2009)

Los millennials están aquí.

El tecladista Josh Moshier y el saxofonista Michael Lebrun, un par de artistas de jazz establecidos en Chicago, nacidos en los 80, investigan profundamente en el mundo del jazz con Joy Not Jaded. En este set fino y de alta energía, la pareja y su banda trabajan un sonido de inclinación moderna que sigue fiel a la tradición post-bop.

El set de todo el material original -cinco melodías de la pluma de Moshier, seis de Lebrun- abre con “King’s Road” de Moshier, inspirado por paseos nocturnos sobre autopistas de Los Angeles (la noche es el único momento en que cualquier impulso puede lograrse allí). Una figura rítmica de piano repetida de cinco notas introduce el sonido que se enrolla en un groove de suave fluir apoyando el tono redondo del saxo tenor de Lebrun. “Avocado Soul”, (vaya figura en el título), mientras tanto, es un escaparate de la capacidad de la banda con una balada maravillosamente reflexiva.

Un compañero de Chicago, el guitarrista John Moulder, se une al grupo básico en “Jambo” (palabra swahili que significa “hola!”), formando una vibración de baile de conjunto exuberante y optimista que da paso a una vuelta introspectiva del saxofón. “Eleven Toe Waggle” destaca a la banda en su momento más funky, con el teclado eléctrico de Moshier que cambia de brillante a sucio. Llámelo brillando grunge.

“Known Unknowns” aligera el estado de ánimo, en una adorable melodía cadenciosa, ofreciendo, de nuevo, la limpieza, el tono exacto de la guitarra de John Moulder.

Joy Not Jaded, registrado en 2009, dice que la supuesta generación Millennial, a la cual Moshier y Lebrun pertenecen, está aquí. El futuro del jazz está vivo y bien en las manos de esta generación.

Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/joy-not-jaded-josh-moshier-oa2-records-review-by-dan-mcclenaghan.php

Apunte: Meses llevo escuchando este disco. Y no me agota. Si bien es un territorio musical bastante tradicional, el swing y la energía positiva que tiene Joy Not Jaded te lleva a pasear por donde quieras. La banda es un relojito y además cuenta con el siempre bienvenido John Moulder, aportando su talento y apadrinando musicalmente a los jóvenes Josh Moshier y Mike Lebrun. No se puede pedir mucho más. Disfrutad sin ataduras!!

Track Listing

01. King’s Road (6:35)
02. Jambo 6:16
03. Saturnine 5:06
04. The Second Handers (6:41)
05. Eleven Toe Waggle (7:10)
06. Avocado Soul (4:22)
07. Finally Done Still Frustrated (6:01)
08. Known Uknowns (7:06)
09. Sleepwalking (6:59)
10. Misfortunately Pleasant (5:27)
11. Who Shall Excel Them (8:06)

Artist List

Mike Lebrun: tenor saxophone
Josh Moshier: piano, Rhodes, Wurlitzer
Robert Meier: double-bass
Max Krucoff: drums
John Moulder: guitar (2-4, 8).

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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