Preso ventanilla


Antonio Sánchez

Para una parte considerable de su base de fans, Antonio Sánchez instantáneamente trae a la mente un redoble en un tempo de paso ligero, balanceándose con la cámara a través de un laberinto de corredores en “Birdman or the Unexpected Virtue of Ignorance”. La banda de sonido de Sánchez para aquella película de Alejandro G. Iñárritu del 2014, concebida para solo de batería, es tanto un acto composicional como una hazaña percusiva, a pesar de que depende de su propia reproducción.

A Sánchez, que ha sido un importante baterista de jazz desde finales del siglo pasado, le quedaba casi nada para demostrar su capacidad para la orquestación dinámica -ha sido un sello distintivo de su trabajo con el guitarrista Pat Metheny, el vibrafonista Gary Burton y otros. Pero cuando “Birdman” levantó su perfil, él fue equilibrado y listo.

The Meridian Suite es el más ambicioso nuevo álbum de Sánchez, con la banda electro-acústica que él llama Migration. Se une a un doble álbum lanzado esta primavera, Three Times Three, en el que está al mando de tres tríos all-star -con socios como el saxofonista tenor Joe Lovano, el pianista Brad Mehldau, el guitarrista John Scofield y el bajista Christian McBride.

Three Times Three, mostrando el estilo despierto y adaptable de Sánchez en una sección de ritmo, habría sido un fuerte argumento en sus propios méritos. El juego es de buen gusto y asertivo, y las nuevas composiciones sirven como una forma de respetuoso pastiche. “Constellations”, una larga e intrincada pieza con Mehldau y el bajista Matt Brewer, emula la agridulce fluidez del propio trío de Mehldau. “Nooks and Crannies” montado en un dinámico y correoso groove se adapta perfectamente a Scofield y McBride.

tapa Three Times Three
Three Times Three (2014)

Track Listing

Disc 1

1. Nar-This (12:40)
2. Constellations (14:00)
3. Big Dream (8:13)

Disc 2

1. Fall 8:40
2. Nooks And Crannies (8:51)
3. Rooney And Vinski (6:28)
4. Leviathan (9:04)
5. Firenze (8:37)
6. I Mean You (7:53)

Artist List

Antonio Sanchez: drums
Joe Lovano: tenor sax
John Patitucci: bass, electric bass
Matt Brewer: acoustic and electric bass
Brad Mehldau: piano
John Scofield: guitar
Christian McBride: electric and acoustic bass

Pero The Meridian Suite pertenece a otro orden de realización. Inspirado por la continuidad sin costuras de “Birdman”, tal como es experimentado por el espectador, Sánchez compuso una suite de más de una hora cubriendo una extensión de estilos en un arco continuo. Él escribió con sus colaboradores en mente: Seamus Blake en el saxofón tenor y EWI (electronic wind instrument), John Escreet piano acústico y Fender Rhodes, y Matt Brewer en bajos acústico y eléctrico. Junto al ensamble a veces están el guitarrista Adam Rogers y la vocalista Thana Alexa, esposa de Sánchez.

El ondulante barrido del trabajo, el cual evoca ciertos recientes esfuerzos de Pat Metheny, se despliega con intuitiva lógica: motivos melódicos revolotean dentro y fuera de la imagen, regresando posteriormente en forma alternativa. Incluso cuando hay una clara ruptura -como en la comprimida e integrada fusión de “Channels of Energy”- parece que estalló de la idea anterior.

Sánchez ha desarrollado un gran sentido de la escala como compositor, y él aquí lo empuja al límite. Los veinte minutos finales de la suite, “Pathways of the Mind”, se desplazan desde un movimiento baladístico a estrellarse con una agitación modal, y luego en una repetición jazz-rock, antes de convertirse en un compás con simples dimensiones, aunque su elaboración es otra historia.

tapa The Meridian Suite
The Meridian Suite (2015)

Track Listing

1. Grids and Patterns (11:25)
2. Imaginary Lines (10:30)
3. Channels of Energy (8:25)
4. Magnetic Currents (3:53)
5. Pathways of the Mind (21:16)

Artist List

Antonio Sánchez: drums
Seamus Blake: tenor saxophon, electric wind instrument (EWI)
John Escreet: piano, Fender Rhodes
Matt Brewer: acoustic and electric bass

Special guests:
Thana Alexa: vocals
Adam Rogers: guitar

Fuente para la reseña: Nate Chinen para http://www.nytimes.com/2015/06/09/arts/music/review-antonio-sanchez-with-2-albums-the-meridian-suite-and-three-times-three.html?_r=0

¿Qué decía Sánchez sobre Three Times Three y The Meridian Suite?

Aunque su papel al interpretar la música es el de baterista, Antonio Sánchez ha incursionado en la composición debido a su formación musical integral, que incluye el estudio del piano, donde compone. En su haber cuenta con casi media decena de discos como líder de grupo.

Para este año, Sánchez publicará dos discos: uno de ellos es una larga suite de jazz, llamada The Meridian Suite. Se trata de una hora de música continua, sin ninguna interrupción. De cierta manera, comentó Antonio Sánchez, esa continuidad está ligeramente influenciada por el plano-secuencia de la película de Alejandro González Iñárritu.

Esta suite y su duración están en contraste con las composiciones: ”(las composiciones) son como cuentos cortos, yo quería desarrollar una novela: poder desarrollar mis personajes y mi trama a lo largo de una hora. ”Birdman” fue una buena manera de ver eso, que pareciera que no hay cortes. Descubrí muchas facetas de mi ser musical al no verme limitado a cinco, seis, siete ocho o diez minutos de duración… Surgieron muchas historias de mi ser que nunca hubieran salido… Fue una experiencia muy grata hacer este disco”. El baterista comentó que en la suite hay rock, jazz y otras influencias musicales: ”me gusta hacer música que no tenga reglas”, afirmó.

Three Times Three es el otro disco que publicará este 2015, se trata de un conjunto de tríos, tres formaciones diferentes en donde recurre a músicos como John Scofield, Joe Lovano y John Patitucci, entre otros. ”Lo más divertido fue escribir temas en el sonido individual de cada uno de estos músicos”.

Explicó la decisión de hacerlo en el formato de tríos: ”Lo quería hacer en trío porque muchas veces cuando hacemos lo que llaman all-star, muchas estrellas en un mismo disco, los resultados no son tan buenos. Pero con los tríos se puede limitar a un contexto musical más pequeño, para que cada quien luciera más”.

En relación a la composición y la interpretación, Antonio abundó en su método: ”Un artista tiene el deber de sacar a la luz todas sus influencias, de alguna manera… influencias musicales e influencias de vida. No lo hago de una manera consciente, siempre sale de una manera subconsciente que no puedo controlar… Lo que me gusta es dejar que la música se escriba sola, por decirlo de alguna manera. Los buenos temas se escriben casi solos, sirves como un vehículo para música: es la misma analogía para la música en vivo, las mejores noches me siento como un vehículo para que fluya la música”.

La recomendación para los jóvenes músicos es: ”Lo mejor es estudiar como loco, practicar como loco, y a la hora de componer y de tocar relajarte”. Otro proyecto próximo sería una beca que lleve su nombre para jóvenes músicos mexicanos. ”Lo que más placer me daría es ayudar a un compatriota cada determinado tiempo para que se venga a estudiar a una de las mejores escuelas”.

Extracto de un reportaje publicado en http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2015/583358/6/antonio-sanchez-de-la-composicion-de-jazz-al-cine.htm

Apunte: El mexicano Antonio Sánchez saltó a la “fama” siendo parte de la banda de Pat Metheny desde el año 2002. Sánchez ha participado en gran cantidad de discos de otros talentosos músicos (los discos “Permutation” y “Stories” en trio junto al maestro Enrico Pieranunzi y Scott Colley son dos joyas del formato trio de piano que no pueden dejar de escuchar) y desde hace ya unos años viene registrando de manera regular sus propios discos como líder. Sin ir más lejos después de haber grabado el excelente “New Life” en el año 2013, en el último año se publicaron tres discos con Sánchez como líder: Three Times Three, la banda de sonido de la película “Birdman” y el recién aparecido The Meridian Suite. Three Times Three es un disco doble de nueve temas en total ejecutados por tres tríos diferentes: Sánchez, Brad Mehldau y Matt Brewer; Sánchez, Joe Lovano y John Patitucci, y finalmente Sánchez, John Scofield y Christian McBride. Todos músicos hiperconsagrados que colaboran con Sánchez para hacer un disco casi perfecto de jazz contemporáneo. Pero Sánchez tenía una carta más en la manga para este año con The Meridian Suite: junto a la banda Migration, Antonio brinda un resumen de su carrera de estos fecundos años: obviamente está allí la impronta del Metheny Group, pero lo más atractivo es la dinámica de todo el grupo que como las olas va y viene llevándonos para un lado u otro, sin dejar de tenernos atrapados esperando lo próximo que va a venir, aún cuando los temas son de una duración que conspira contra toda difusión radiofónica (el último tema, “Pathway Of The Mind” dura veintiún minutos…). Sánchez no deja de tocar absolutamente todo su kit de batería, pero jamás suena excesivo: todo lo que toca tiene un sentido y el espacio para su banda está asegurado, en especial para John Escreet que suena muy convincente (lo he escuchado a Escreet en otro contexto y siempre me ha dado la sensación de no tener absolutamente claro adonde quiere llegar). Aún no he escuchado la banda de sonido de “Birdman” pero aseguro que The Meridian Suite es uno de los discos del año y es el ejemplo perfecto de como la batería puede ser mucho más que la sección rítmica de una banda.

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Shai Maestro Trio
agosto 30, 2015, 9:21 pm
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tapa Shai Maestro Trio
Shai Maestro Trio (2012)

El pianista nacido en Israel Shai Maestro es conocido para el público británico a través de su a menudo emocionante trabajo con el bajista/compositor Avishai Cohen. Él ahora confirma aquella promesa en su propio grupo, con el alguna vez baterista de Lee Konitz, Ziv Ravitz, y el bajista peruano Jorge Roeder, en un repertorio todo original, excepto la canción tradicional melancólicamente solemne, “Kalimankou Denkou”. El influjo de Cohen, música románticamente intensa y cinematográfica, es inmediatamente evocada en la alternativamente ondulante y estruendosa “Confession”, mientras “Braves One” suena como una balada country-rock (pero desarrollada con un pegadizo balance a lo EST de libertad y certeza), y la meditativa “Painting” es una ensoñación bajo la cual murmura el arco del bajo y los platillos se intensifican en constante oleaje. El toque clásico de Maestro conserva la delicadeza expresiva sea cual sea el mood. En ocasiones se limita a frases fragmentarias insertas en imparable ganchos de tambores y lujosas líneas de bajo de Roeder y “The Flying Sheperd” es una danza como de niños, que se desarrolla como un juego de ritmo extendido. La dedicación a Avishai Cohen, “One for AC” podría haber venido directamente del repertorio del famoso mentor de este dotado joven pianista. La carrera solista de Maestro será una para mirar.

Fuente para la reseña: John Fordham para http://www.theguardian.com/music/2012/jun/21/shai-maestro-trio-review

Track Listing – Shai Maestro Trio

01. Confession (0:31)
02. Sleeping Giant (7:02)
03. Braves One (9:57)
04. Painting (5:02)
05. Silent Voice (5:20)
06. Angelo (4:27)
07. Lethal Athlete (2:53)
08. The Flying Shepherd (4:59)
09. Kalimankou Denkou (4:56)
10. One for AC (11:33)

Artist List

Shai Maestro: piano
Jorge Roeder: double bass
Ziv Ravitz: drums

tapa The Road To Ithaca
The Road To Ithaca (2013)

Israel es a día de hoy un estupendo vivero de nuevas figuras del jazz. El joven pianista Shai Maestro es uno de ellos. Y en su último trabajo, The Road to Ithaca (2013), ha vuelto a demostrar una sensibilidad especial. Ni siquiera tiene 30 años y parece que lleva una vida entera en esto del jazz. En cierto modo es así. Aunque como en el camino a Ítaca que Ulises emprendió tal y como Homero nos relata hay muchas trampas; y las cosas más deseadas pueden pasar por delante de nuestros ojos, tocarlo casi con las yemas de los dedos para, finalmente, desaparecer. Por cierto, este relato es el que inspiró el título del disco.

Para Shai Maestro, Ítaca es una metáfora del éxito en el mundo del jazz, y tal vez se identifique con este mito clásico porque empezó realmente joven. Nacido en Israel en 1987, y después de estudiar no sólo jazz sino también música clásica desde los 5 años en las más prestigiosas escuelas del país, Maestro entró a formar parte del grupo del contrabajista Avishai Cohen (el jazzman israelí más famoso en el mundo) cuando todavía no tenía siquiera 20 años.

Aparte de varias giras mundiales, Shai Maestro se doctoró con honores grabando 4 discos con Cohen, o como él mismo declaraba medio en broma, Avishai fue su particular Berklee, haciendo referencia a la prestigiosa escuela de jazz norteamericana.

En 2010 el talento creativo de Maestro sale a la luz con su primer trabajo como líder. Se trata de “Shai Maestro Trio” (2010), con el bajista peruano Jorge Roeder y el batería israelí Ziv Ravitz. Grupo con el que repite en este The Road to Ithaca. El grupo no se cansa de explicar que la conexión que hay entre los tres es absoluta. Llama la atención en este sentido hasta qué punto para el grupo es necesaria una experiencia en directo es importante, incluso para grabar un disco. Maestro llega a definir el uso de auriculares o del cristal que separa la batería del resto de instrumentos en la sala de grabación de obstáculos para conseguir el clímax musical deseado. Por ello, y a pesar de las dificultades técnicas que entraña, para el trío era fundamental que el disco se grabara en directo para captar con la experiencia musical en su integridad.

El estilo musical de The Road to Ithaca es definido como un puente entre la sencillez del pop, la improvisación y libertad del jazz y el lirismo de la música clásica. Además, Shai Maestro señala su origen israelí como una fuerte influencia musical de lo más heterogénea. “Israel es un país muy joven, un país de inmigrantes, un país plural. No hay un estilo musical definido con el que identificarse, como la salsa para los cubanos, por ejemplo. Nuestra cultura musical, particularmente con la que yo he crecido, proviene de diferentes lugares: Europa central, Europa del este, África, Oriente Medio, incluso América del Sur”, declara. De esta manera el jazz, con sus formas siempre libres, siempre en constante evolución se presta a ensamblar todos estas músicas para crear un sonido único. El sonido que Shai Maestro quiere compartir con todos nosotros en The Road to Ithaca

Fuente para la reseña: http://www.radiosefarad.com/nuevas-musica-judias-shai-maestro-road-to-ithaca/

Track Listing – The Road To Ithaca

01. Gal (9:09)
02. Cinema G (3:58)
03. Let Sound Be Sound (1:54)
04. Paradox (8:12)
05. Untold (5:31)
06. Invisible Thread (4:44)
07. Zvuv (The Fly) (8:49)
08. The Other Road for Naomi Gangi (4:00)
09. Vertigo (4:03)
10. Malka Moma (3:38)
11. Water Dance (Bonus Track) (8:14)

Artist List

Shai Maestro: piano
Jorge Roeder: double bass
Ziv Ravitz: drums
Neli Andreeva: voice (track: 10)

tapa Untold Stories
Untold Stories (2015)

Escuchar el Shai Maestro Trío es como despertar a un mundo nuevo: un mundo de maravillas, emoción, belleza, e incertidumbre. Sonidos de intriga, expresiones de alegría, pensamientos introspectivos, y la mayor intensidad, todo viene a la palestra en uno u otro tiempo con Maestro, el bajista Jorge Roeder y el baterista Ziv Ravitz abiertos y compartiendo ellos mismos a través de la música.

Directamente en la puerta, estos tres hombres se establecen como músicos de alta energía y astutos escultores del ritmo ( “Maya’s Song”). Los dedos de Maestro parecen danzar sobre las teclas, Roeder empuja y aguijonea dominando el medio del terreno, y Ravitz entrega algún vigoroso trabajo de tambores que despierta, alimenta y conduce a sus compañeros. Esto es un funcionamiento impresionante, pero esto es simplemente un vistazo de lo que este trío es capaz de hacer. En otra parte, pensamientos profundos, rastros de melancolía, e insinuaciones de esperanza hacen su camino en la imagen (“When You Stop Seeing”); las reflexiones soñolientas de Maestro de una pieza de arte Chagall-esca se convierten en música para que la escuchen todos ( “Painting”). La potencia de Ravitz y la delicadeza del Maestro se miran fijamente el uno al otro, antes de que vengan juntos a aumentar el nivel de poder y tensión en la música (“Elusive”); y las reglas de introspección, como Maestro cuidadosamente delibera mientras Ravitz y Roeder dejan cosas en una manera relativamente simple (“Looking Back (Quiet Reflection)”).

Untold Stories es el tercer esfuerzo de este equipo, y es un álbum que sólo puede ser hecho por un grupo de músicos que han tenido el tiempo para realmente llegar a conocerse el uno al otro en un nivel musical y personal. Este trío es una entidad única, y no un grupo de tres músicos tratando de resolver con el concepto de convivencia, y estas historias son todas apasionantes, emocionantes y hermosas en su propio modo.

Fuente para la reseña Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/untold-stories-shai-maestro-motema-music-review-by-dan-bilawsky.php?width=1280

Track Listing – Untold Stories

01. Maya’s Song – Paris Session (5:59)
02. When You Stop Seeing – Paris Session (5:32)
03. Treelogy – Live (4:40)
04. Elusive – Live (7:02)
05. Painting – Live (7:46)
06. Endless Winter – Brooklyn Session (6:16)
07. Shades – Brooklyn Session (1:10)
08. Looking Back (Quiet Reflection) – Live (6:42)

Artist List

Shai Maestro: piano
Jorge Roeder: bass
Ziv Ravitz: drums

Apunte: Maestro, se inició en el mundo del jazz con 8 años, después de haber empezado tres años antes una formación clásica. Compañero de estudios en su Israel natal de otros jóvenes músicos talentosos como Gilad Hekselman, Avishai Cohen (el trompetista), Eli Degibri u Omer Avital, con menos de 20 años se incorporó a la banda de Avishai Cohen (el contrabajista) permaneciendo allí entre 2006 y 2011, hasta que decidió dejar la banda del contrabajista para dedicarse por completo a su trío, formado un año antes junto al bajista peruano Jorge Roeder y el baterista, también israelí, Ziv Ravitz. La música del trio se respalda en la técnica pero fundamentalmente en la gran sensibilidad y musicalidad de los tres (en especial de Maestro, claro está). En ocasión de la presentación del disco The Road To Ithaca, Maestro decía: “El trío se encuentra en constante evolución. La música que tocamos es un reflejo de lo que somos como seres humanos. Nuestra misión es la de borrar las diferencias entre la vida y la música, y tratar de expresar la forma más cruda de nuestro ser. Sigo aprendiendo que la música puede contener todo: la belleza de nuestro ser, pero también nuestro lado “feo”. Para mí, se trata de presentar un panorama completo del músico, sin filtrar. No quiero desarrollar una carrera de presentar solamente hermosa música pre-meditada a la audiencia en el camino hacia el éxito. Ziv, Jorge y yo estamos más interesados en la exploración de la esencia de nuestro ser y presentarlo. Inédito, crudo”. El descubrimiento y conocimiento propio, y entre los tres (personal y musical), marcan la evolución de un álbum a otro que resulta evidente, y por otra parte es muy bienvenida para los oyentes.

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Kristian Borring
agosto 27, 2015, 8:50 pm
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tapa Nausicaa
Nausicaa (2011)

Nausicaa es el álbum debut del guitarrista danés Kristian Borring, afincado en Londres. Esto es un estreno seguro y confidente, demostrando los talentos de Borring como compositor y como músico. Hay expuestos algunos compases complejos, pero no son nunca exagerados y la música es accesible desde el principio.

Borring estudió guitarra en Holand y en Londres, obteniendo un grado de Maestría de la Guildhall School of Music en 2006. Desde entonces, él ha estado trabajando con un diverso rango de músicos de jazz europeos, incluyendo a los saxofonistas Tim Garland y Bobby Wellins, al bajista Jasper Høiby y las vocalistas Monika Lidke y Christine Tobin.

Es notable que muchos de los pasados compañeros musicales de Borring son ejecutantes fuertemente melódicos, ya que esto es también una de las fortalezas del guitarrista. Es un músico melódico y preciso, con un redondeado y abierto tono -semejante al guitarrista irlandés Mark McKnight- y sus composiciones también se enfocan fuertemente en la melodía. El pianista Arthur Lea comparte este enfoque y demuestra ser un excelente intérprete de las melodías de Borring. El bajista Spencer Brown y el baterista Jon Scott son rítmicamente solidarios, pero también son capaces de tocar más firme, dándole a la música un borde que asegura no hacerla demasiado apacible o relajada. Los dos son particularmente efectivos en “The Famous G”, recostándose en un infeccioso groove bajo las líneas fluídas de Borring.

El saxofonista Will Vinson -nacido en Londres, pero ahora radicado en Nueva York- se une al cuarteto en tres canciones, su potente pero fluído líquido alto refuerza el sonido en el swing de “Clapton Cowboys” y ofrece algunas líneas al unísono con Borring en el bop de “Last Whistle”. En el apacible “Nausicaa”, él captura el mood de la pieza con un enfoque más reflexivo y melancólico.

El álbum cierra con “Nausicaa—reprise”. Es un corto dueto de piano y guitarra que enfatiza la tristeza inherente de la melodía: un precioso, aunque algo pesimista final para una impresionante primera realización de Borring.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para http://www.allaboutjazz.com/nausicaa-kristian-borring-ultra-sound-records-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Nausicaa

1. Below Sea Level (10:14)
2. The Famous G (6:58)
3. Last Whistle (5:27)
4. Invisible Lady (8:47)
5. Nausicaa (7:51)
6. Lucinda’s Dream (7:28)
7. Clapton Cowboys (6:37)
8. Nausicaa – Reprise (1:46)

Grabado en Porcupine Studios, Londres, Enero 2010

Artist List

Kristian Borring: guitar, compositions
Arthur Lea: piano, Fender Rhodes
Spencer Brown: double bass
Jon Scott: drums
Will Vinson: alto saxophone (3, 5, 7)

tapa Urban Novel
Urban Novel (2014)

El guitarrista danés Kristian Borring ha estado viviendo en Londres desde 2006, consolidándose como líder y sideman en la escena del Reino Unido. Urban Novel es su segundo álbum, su primero para el pequeño sello indie Jellymould Jazz. Grabado en Londres en Diciembre de 2012, Urban Novel consta de solo composiciones originales de Borring y destaca al guitarrista en compañía de algunos de los mejores sidemen de Gran Bretaña. Este es un álbum que fácilmente realza la reputación de Borring.

En su álbum debut, “Nausicaa” (Ultra Sound Records, 2011), Borring se mostraba como un músico fuertemente melódico. En Urban Novel continúa demostrando esa capacidad, la cual es mejorada por su acogedor y abierto tono -un sonido agradable que atrae y retiene la atención. Borring se une aquí al pianista Arthur Lea y al baterista Jon Scott, ambos compañeros de Nausicaa, más el bajista Mick Coady.

Donde Urban Novel se diferencia instrumentalmente del álbum debut, es en la opción de Borring del músico invitado, con el vibrafonista Jim Hart substituyendo al saxofonista alto Will Vinson. Esto es un cambio crucial, del sonido contrastante del alto al sonido mucho más complementario del vibrafono. Hart comparte el calor de Borring y la fluidez de expresión, creando una asociación provechosa.

Las melodías en Urban Novel van desde el brillante, chispeante, “Number Junky”, al suave groove bossa de “Arcade Coffee Shop”, y a la melancólica “(Kasper) In Darkness” y “Urban Novel”, las cuales destacan ambas, algunos magníficos unísonos que juegan Borring y Hart. El combo vibrafono/guitarra es también sorprendentemente rico en “Hipster”, la pista inmediatamente más accesible del álbum, bendecida con una pegadiza melodía e insistente ritmo.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para http://www.allaboutjazz.com/urban-novel-kristian-borring-jellymould-jazz-review-by-bruce-lindsay.php

Track Listing – Urban Novel

1. Hipster (6:04)
2. Equilibrium (7:25)
3. (Kasper) In Darkness (6:40)
4. Arcade Coffee Shop (4:25)
5. Urban Novel (5:41)
6. Number Junky (8:19)
7. Hidden Corners (8:17)
8. Weltall (6:43)

Artist List

Kristian Borring: guitar
Arthur Lea: piano
Mick Coady: bass
Jon Scott: drums
Jim Hart: vibes (1, 3, 6, 8)

Apunte: Músico en ascenso en la escena del jazz británico, el danés Kristian Borring no se destaca por ninguna complejidad en su manera de componer o por una búsqueda de un sonido o un estilo que lo distinga dentro de la gran cantidad de buenos guitarristas de jazz. Es más, muchas reseñas hacen referencia al Metheny más jazzero-tradicional cuando tienen que buscarle a Borring alguna influencia. Su fortaleza más bien está en la atmósfera cool que envuelve su música, que parece ser la banda de sonido de un personaje querible y de andar despreocupado por la vida. La música fluye natural y coherentemente, haciéndonos copartícipes de buenos momentos de una (justamente) especie de novela urbana. Pasar de Nausicaa (irreprochable técnicamente dentro de un esquema bastante convencional) a Urban Novel (incorporando al vibrafonista Jim Hart que añade otros tintes a la música, además de presentar melodías que quedan revoloteando en la cabeza de quien escucha) ha significado un paso hacia adelante en la evolución musical de Borring. Swing y onda: recomendable para un amplio rango de oidos.

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Matthieu Donarier Trio
agosto 17, 2015, 11:36 am
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tapa Optic Topic
Optic Topic (2004)

Francia no es el punto caliente del jazz hecho en Europa y, por lo tanto, es probable que muchos de los que leen estas páginas nunca hayan oído hablar del multi-instrumentista de vientos francés Matthieu Donarier. El trío de Donarier, completado con el guitarrista Manu Codjia y el baterista Joe Quitzke, ha estado tocando juntos durante siete años y estas aventuras han conducido a resultados concisos e intuitivos. Optic Topic, su primer documento registrado, se centra en un “mood” con frecuentes visitas a espacios opacos donde las corrientes andan arrastrando los pies debajo de la superficie, aunque ellos permanezcan sin miedo para aventurarse en valientes excursiones.

Las composiciones, son de todos excepto una escrita por Donarier, están influenciadas por una variedad de fuentes, más notablemente por los viajes de Donarier por Medio Oriente, España y Canadá, lo que le otorga un toque de sensibilidad occidental. Estas doce en su mayoría breves pistas, no están en la escuela tema-solo-tema, pero destacan fragmentos melódicos dirigidos por el matiz y la flexibilidad, aunque la verdadera alegría sea la energía colectiva del grupo. Mientras Donarier, con varios saxos y clarinetes, favorece los vuelos líricos y Quitzke proporciona el pulso y el color, Codjia es el foco. Él llena los espacios sabiamente, evitando la histeria de una guitarra autoritaria, con el cambio de formas cargadas por efectos, flexibles patrones ostinato, e incisivos y lacerantes fragmentos solistas.

Las pistas más largas de la sesión son las que ofrecen más agallas. La segunda pista, “La Chute”, es el ejemplo perfecto, con Codjia marcando el ritmo y asumiendo una posición de dureza (con breves taps en las cuerdas, a la manera de su compatriota, Marc Ducret), como las chispas de fuerza que florecen en el ímpetu de Quitzke y los espirales del soprano de Donarier. El trío también mira a entornos presentados por Tim Berne (una influencia obvia) en el liderado por el tenor, “OpticTopic”, con Donarier ajustando la nudosa construcción inicial, como Codjia dobla eso y Quitzke ajusta hacia abajo el ritmo para enviar el trío a una lágrima.

La lanzada interacción rítmica forjada por la primera línea también aparece nuevamente en “Saveur eXquise”, más lejos estimulada por la juguetona acentuación de Quitzke. “Jamais Contente” es otro punto alto, con torrentes puntiagudos de Codjia que motivan a Quitzke, quien empuja hacia fuera los cambios rítmicos antes de un cambio inesperado de paso que dibuja el humo del clarinete con sordina de Donarier. Y para elementos folk, no hay que mirar más que “Mail Planet”, con los punteos asordinados de Codjia que establecen el groove para los vuelos del tenor de Donarier.

En lo que se refiere a ambientes más oscuros, el grupo se destaca en “Los que faltan”, una melancólica balada escrita por Quitzke, sin duda el momento más desesperado del trío. Quizás la más compleja de las pistas, y posiblemente el registro más fuerte, es “Histoire d’un Jour”, que al principio comienza con un sombrío tema introductorio antes de que el grupo tome una nueva ruta como los tintineos intermitentes de Quitzke, las ondas sonoras de Codjia y el distante tenor de Donarier cantando dulcemente. Este pronóstico algo ominoso, tarde o temprano gira su foco a Codjia, cuya visión lunar y solo a lo Torn/Frisell, se eleva sobre un paisaje nebuloso, perfectamente concluido por su pista conjunta, la maravillosamente introspectiva “La Vie Sauve”. Éste seguramente se quedó dormido; esperemos que no demoren siete años para hacer otro registro.

Fuente para la reseña: Jay Collins para http://www.onefinalnote.com/reviews/d/donarier-matthieu/optic-topic.asp

Track Listing – Optic Topic

01. Chose rêvées (Le jour) (1:16)
02. La chute (5:40)
03. Los que faltan (2:32)
04. OpticTopic (3:35)
05. Histoire d’un jour (7:39)
06. La vie sauve (2:50)
07. Jamais contente (5:04)
08. Saveur exquise (3:22)
09. Lee Miller (1:32)
10. A la source (3:46)
11. Mail planer (6:34)
12. Apercues (La nuit) (1:34)

Artist List

Matthieu Donarier: saxophones, clarinette
Manu Codjia: guitare électrique
Joe Quitzke: batterie

tapa Live Forms
Live Forms (2009)

ar cuenta de lo cotidiano de un grupo que celebra sus diez años de existencia no es cosa fácil; se plantea la cuestión de la huella sonora que se quiere dejar. Es la problemática que guió el registro del segundo álbum del trío de Matthieu Donarier: el primero era el resultado de un trabajo en estudio [1], pero esta vez el saxofonista y clarinetista, miembro del colectivo Yolk, deseaba captar su trabajo en su vida diaria: la escena. Esta opción estética debía permitir descubrir el repertorio, constituido por «standards» ( [2]) y de composiciones antiguas o nuevas. Además, la música registrada en concierto parece restituir mejor la concepción del trío.

En poco menos de un año después del lanzamiento del proyecto, Live Forms aparece pues en casa de Yolk; es el fruto de presentaciones en Saint-Nazaire y Angers, pero también de un trabajo que se ha extendido en poco más de un mes: tres salas (El Fanal en Saint-Nazaire, Pannonica en Nantes, el centro cultural de la Universidad de Angers), cada vez con residencia de varios días en el mismo lugar, ensayos / conciertos abiertos al público durante la jornada, luego conciertos “oficiales” por la tarde, cada prestación fue registrada. De rodar el repertorio y operar las elecciones más coherentes comparado con la voluntad fijada.

El resultado está a la altura. En este trío de roles giratorios -Donarier, Manu Codjia y Joe Quitzke aseguran la línea melódica, la línea de bajo o el ritmo en el seno de una misma pieza- impresiona la economía de medios, la sobriedad que puede permitirse el control instrumental total. Jamás una nota de más, justo una sucesión de ideas magníficamente desarrolladas, proveyendo sorpresas perpetuas, esté en el nivel rítmico o melódico. Las composiciones firmadas por Donarier, apasionantes, parecen ser una fuente de inspiración sin fin para sus dos cómplices. En cuanto a las versiones – dos piezas de Brassens («Le temps ne fait rien à l’affaire», «Le roi des cons») – ellas son habitadas, dinamitadas, reinventadas, dejando al oyente tarareando las palabras del tío Georges. Sin olvidar una versión magistral de «Gnossienne n°3» de Satie y «Il pleut dans ma chambre» de Trenet, que recuperan una originalidad total sin renegar del espíritu de sus compositores.

Es un magnífico regalo de aniversario, por consiguiente, para el primer decenio de este trío, e ilustración perfecta de lo que es capaz de proponer en concierto: una música de frescura sorprendente, toda en poliritmias, paisajes sonoros en perpetua renovación y melodías que también son pegadizas. Uno de los grandes éxitos del año.

Fuente para la reseña Julien Gros-Burdet para http://www.citizenjazz.com/Matthieu-Donarier-Trio,3463103.html

Track Listing – Live Forms

01. Au bal de l’anarchYste (7:12)
02. Le roi des cons (4:16) (G. Brassens)
03. Abrakadabra (4:49)
04. Au refuge (2:47)
05. Gnossienne n°3 (5:32) (Erik Satie)
06. Le temps ne fait rien à l’affaire (6:07) (G. Brassens)
07. Tipperrary (4:46)
08. Novosibirsk (8:14)
09. Underwater Scenes (With Lili) (4:31)
10. Il pleut dans ma chambre (7:16) (C. Trénet)
11. Butterfly me (Butterfly You) (1:34)

Todas las composiciones son de Donarier excepto las indicadas

Artist List

Matthieu Donarier: saxophones
Manu Codjia: guitare
Joe Quitzke: batterie

Apunte: Nacido en el oeste de Francia, vivió en Paris entre 1995 y 2003 donde primero estudió en el departamento de Jazz y músicas improvisadas en el Conservatorio Nacional Superior antes de desarrollar sus redes de trabajo en la capital. En 1998 arma su propio trio, el cual ganó varios premios entre los cuales se encuentra el de la competencia Défense en 1999 y desde entonces ha sido parte de numerosas aventuras musicales: Daniel Humair’s ‘Babyboom’, ‘Le Sacre du Tympan’, Gábor Gadó Quartet, Caratini Jazz Ensemble, Stephan Oliva…


Actualmente es el líder de tres proyectos: el Trio – con Manu Codjia y Joe Quitzke – activo por 15 años en Europa, “Kindergarten” con Poline Renou, un fresco duo unplugged, en el cual se mezcla música de cámara, estructuras polirítmicas y literatura, y también su último proyecto con el pianista holandés Albert Van Veenendaal, con quien grabó “Planetarium” (2014, Clean feed). También es co-líder del proyecto “Wood” con el gran contrabajista Sebastien Boisseau. Apasionado por la literatura y el dibujo, Donarier desarrolla una música que reinventa una y otra vez, donde el sonido es un material para ser esculpido, una estructura profundamente rítmica donde las fronteras de la improvisación y la composición tienden a desaparecer. A la fecha, el último álbum del Matthieu Donarier Trio se llama “Papier Jungle”, el cual se lanzó a la venta en Marzo de este año, nuevamente por el sello Yolk Records.

Password en ambos casos: presoventanilla



Enrico Pieranunzi / Federico Casagrande
agosto 2, 2015, 8:38 pm
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4-tapa Double Circle
Double Circle (2015)

¿Disputa de antiguos y de modernos? No. ¿Conflicto generacional? Tampoco. ¿Batalla de egos? Todavía menos: este “círculo doble” muestra más bien una complicidad inmensa entre estos dos italianos instalados fuera de su país desde hace tiempo.

Presentamos al primogénito, Enrico Pieranunzi, de 65 años de edad y casi tantos registros -entre los que están Live At The Village Vanguard con Marc Johnson y Paul Motian en 2013, interpretaciones notables de Scarlatti, Haendel o Bach, e intercambios con Phil Woods, Chet Baker, Charlie Haden, Billy Higgins, Lee Konitz o Paul Motian a lo largo de sus cuarenta años de carrera.

Cuarenta años, esta no es ni siquiera la edad de Federico Casagrande que, pasado por la Berklee College of Music, ya figura en una decena de discos (particularmente con el saxofonista Christophe Panzani y el baterista Gautier Garrigue), y que es bien captado por los radares jazzísticos nacionales desde “At The End Of The Day”, el año pasado, con Vincent Courtois, Vincent Peirani y Michele Rabbia.

Acercándose, envolviéndose y eludiéndose sin cesar uno al otro, el antiguo y el “jovencito” entregan once luminosos títulos (cinco del pianista, tres del guitarrista, dos escritos juntos y el clásico “Beija Flor”) en el curso de los cuales el placer de la escucha es permanente. Evitando el escollo de la demostración técnica, avanzan en común al ritmo de su inspiración melódica y armónica. Ésta estalla en el título introductorio « Anne Blomster Sang » -garantía de buen humor desde la mañana al despertar- o en « Within The House Of Night » (que se encontraba en “Permutation” de Pieranunzi, junto a Scott Colley y Antonio Sanchez (2012).

« Dangerous Paths » (Casagrande), suena como un espejo de « Critical Path » (también en “Permutation”), y una gran quietud se libra en « Clear ». Dos pequeñas audacias sonoras salen a la luz en los muy cortos « Sector 1 » y « Sector 2 ». El dúo concluye con un bello homenaje a Charlie Haden con una pieza epónima.

La música circula, fluída y flexible. Cuatro manos corren sobre las teclas y las cuerdas en un movimiento perpetuo de respuestas y de reactivaciones, creando una música que se dirige directamente a las orejas y al corazón, sin artificios y cosas innecesarias. El refinamiento, de la delicadeza pero jamás de la afectación, jamás del aburrimiento.

Fuente para la reseña: Thierry Michel para http://www.citizenjazz.com/Enrico-Pieranunzi-Federico-Casagrande.html

Apunte: Y Casagrande llega a Pieranunzi para imbuirse de la poesía evansiana del gran maestro italiano. Si mal no recuerdo, en la vasta discografía de Pieranunzi solo existe un antecedente de un disco grabado en dúo junto a un guitarrista, el entrañable “Duologues” junto a una leyenda del jazz como Jim Hall. Este formato le permite a Casagrande desprenderse de su costado más cerebral, desnudar su alma y unirse a Enrico en un lenguaje musical más directo, bello, sencillo y lo que es más importante, profundamente emotivo. Un clásico instantáneo. Discazo.

Track Listing

01. Anne Blomster Sang (E. Pieranunzi) (6:18)
02. Periph (E. Pieranunzi) (4:36)
03. Sector 1 (E. Pieranunzi – F. Casagrande) (1:33)
04. Clear (F. Casagrande) (3:51)
05. Dangerous Paths (F. Casagrande) (3:43)
06. Within The House Of Night (E. Pieranunzi) (3:09)
07. No-nonsense (E. Pieranunzi) (7:06)
08. Beija Flor (N. Silva – A. Tomás Jr – N. Cavaquinho) (6:02)
09. Disclosure (F. Casagrande) (5:57)
10. Sector 2 (E. Pieranunzi – F. Casagrande) (1:38)
11. Charlie Haden (E. Pieranunzi) (3:58)

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
Federico Casagrande: guitar

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Password: presoventanilla



Federico Casagrande

1-tapa Spirit Of The Mountain
Spirit Of The Mountains (2009)

Casagrande es un músico refinado, sensible, dotado de talento y musicalidad cristalinos; los excelentes Stefano Senni en contrabajo y Ferenc Nemeth en batería completan este interesantísimo trío.

Anticipamos que no estamos frente a una música de fácil escucha, a pesar de los ritmos y los matices contagiosos sagazmente distribuidos, a pesar del sonido y la técnica ejecutiva actualizados; no encontramos melodías pegadizas y aireadas ni desarrollos rítmicos armónicos tranquilizadores, la de Casagrande, música que poco o nada concede, solicita repetidas y atentas escuchas.

Si escuchara superficialmente o distraídamente, creyendo poder captar la señal y el sentido, corre el riesgo de engañarse: la música del trío reclama -pero sin voces- una dedicación total y exclusiva; dedicación que hallamos a cada paso de este disco granítico.”La meditación es la cosa más dura en el mundo”, y es también práctica de preparación de los más importantes escaladores. Y a la montaña. La de Casagrande y socios es música que nace de una casi meditación sobre la formación del sonido y del lenguaje de matriz afro-americana con una formación camarística. Música que nace del silencio y a eso se refiere continuamente deseando recuperarlo. Música de gran densidad y cohesión, “Desert” es un ejemplo de equilibrio e interacción todo jugado en la búsqueda timbrico-rítmica entre la guitarra que se acuerda de ser también un instrumento rítmico y la batería, instrumento tímbrico colorístico. Música que va a la montaña, a la cual es dedicada, a la que remite continuamente y de esta recoge la variedad desde lo extremadamente pequeño, con una precisión, determinación y coherencia asombrosos. El mundo musical de Casagrande es, como la montaña, un mundo en si, y para poderse mover en él hace falta gran humildad y disponibilidad de escucha. Lo que en un primer momento podría aparecer como una cierta excesiva homogeneidad, se revela en cambio como coherencia y firmeza.

El disco se abre sobre una larga cadencia por la guitarra sola con amplio y eficaz uso de delay. Luego un riff contagioso pasa a ser el punto de partida para un tema, oblicuo, como todos los demás, y es inmediatamente evidente la cohesión y la interacción de un trío que hace una búsqueda del sonido, donde la dinámica y la variedad y riqueza tímbrico rítmica de la batería de Ferenc Nemeth son sus puntos de fuerza y de distinción. Y procede sin indecisiones por cerca de un hora. Y es un disco pesado como una escalada que quizás pueda encontrar en su interior un elemento de atracción y variación, pero esta es solo una nota marginal para una formación que esperamos poder escuchar pronto en directo y nuevamente en estudio.

Finalmente, gran aplauso a Dodicilune por haber “albergado” este importante testimonio de un autor del cual no se deben perder las huellas; la producción del registro, por cierto de calidad maravillosa, estuvo a cargo del Festival de Montreaux, y la ejecutiva del mismo Casagrande.

Fuente para la reseña: Andrea Gaggero para http://www.jazzitalia.net/recensioni/spiritofthemountains.asp#.VaGNALVVIb0

Track Listing – Spirit Of The Mountains

1. Beyond (8:15)
2. New (6:28)
3. Himalaya (7:33)
4. Desert (6:11)
5. Running Slow (4:42)
6. Foroyar (7:30)
7. Pelmo (5:41)
8. Point of View (7:13)
9. Signore delle Cime (1:33)

Artist List

Federico Casagrande: guitar
Stefano Senni: bass
Ferenc Nemeth: drums

2-tapa The Ancient Battle Of The Invisible
The Ancient Battle Of The Invisible (2012)

Un nuevo y sorprendente trabajo de Federico Casagrande en CAM Jazz. Un nombre ya conocido por el sello romano, que le habían visto participar del último álbum de Fulvio Sigurtà, “House of Cards”. Este cd, “The Ancient Battle Of The Invisible“, es la gran prueba de madurez en nombre del músico quien por años ha estado llamando a Francia como su hogar. Un trabajo del cual emergen muchas intrigantes facetas de este guitarrista. Escritura, arreglos, investigación del sonido, lo hacen un artista completo de 360 grados y un músico que realmente sabe pensar en la performance, y en un camino que es tanto lúcido como soñador. Dualismos, que integran libres improvisaciones que dejan espacio para piezas de gran profundidad..

Música visual de algún modo concebida pensando en un mundo imaginario que ya no existe más. “Esta vez de algún modo imaginé la música en las imágenes de una batalla épica: hombres que corren para conquistar, luchando, ayudándose el uno al otro, revelando sus orgullos y sus miedos, su fortaleza y sus debilidades, su sabiduría y su locura; todo eso rodeado por la severa belleza de la naturaleza”, explica Casagrande. “Lo veo como una alegoría de la batalla interna que el hombre tiene que enfrentar desde los antiguos tiempos: la batalla entre el amor y el odio, los deseos, los pensamientos, las pasiones… Todas estas fuerzas invisibles conducen nuestras acciones, nuestras vidas”. Una batalla que no se puede luchar solo, pero que encuentra su punto de llegada gracias a compañeros soldados Jeff Davis, Simon Tailleu y Gautier Garrigue.

Fuente para la reseña: http://www.ijm.it/index.php?view=display&id=193&option=com_music

Track Listing – The Ancient Battle Of The Invisible

1. 7 Roses (6:08)
2. Breeze (6:23)
3. Restless (6:13)
4. Arrowhead (4:20)
5. Speech (3:05)
6. Battlefield (6:03)
7. Fireplace (5:04)
8. Release (6:44)
9. Twilight (4:00)

Artist List

Federico Casagrande: electric guitar
Jeff Davis: vibes
Simon Tailleu: bass
Gautier Garrigue: drums

3-tapa At The End Of the Day
At The End of The Day (2014)

Instalado en Francia desde hace muchos años, Federico casagrande es uno de esos músicos que recorren Europa en búsqueda de reuniones; así es como se lo vió al lado de Roberto Negro (Loving Suite pour Birdy So), o con el saxofonista Christophe Panzani en el trío de geometría variable, The Drops. Entre poesía y energía, su juego sondea el alma con un gusto afirmado por las atmósferas contemplativas. Era todo el sentido de su trío “Spirit of The Mountain”, con el baterista Ferenc Németh y el contrabajista Stefano Senni. Una atmósfera que perdura, e incluso refinada con At The End of the Day, su segunda álbum como líder para la etiqueta CamJazz después de “The ancient battle of the Invisible” (2012).

Concebido originalmente como un solo, ese disco es motivo de encuentros fugaces y etéreos entre músicos de personalidad muy marcada como son el violonchelista Vicent Courtois y el acordeonista Vincent Peirani. Sus intervenciones no son permanentes; incluso a veces, son apenas sugeridas. Es cierto que el diálogo entre el arco de Courtois y los arpegios de casagrande en la grácil « So Clear You Speak » es evidente, como el velo onírico que cerca a « Some More, Please », cuando la guitarra preparada de cuerdas a veces sordas viene a buscar un eco persistente en los descensos agudos del fuelle del acordeón. Pero a menudo adivinamos un murmullo, una presencia fantasmal de la que Casagrande es a la vez el escenógrafo y el colorista, bien ayudado en esto por el percusionista y especialista en electrónica Michele Rabbia, discreto diseñador del universo íntimo de su anfitrión.

Totalmente interpretado en la guitarra acústica, At The End of The Day insiste en la proximidad carnal de los dedos con la madera y las cuerdas, incluso del soplo del guitarrista. El registro, realizado lo más próximo al instrumento, hace cuerpo con el músico. Pero esta impresión crepuscular, propicia al ensueño, que atormenta al oyente desde « Once Upon A Time », proviene de timbres que instila Rabbia. Sonidos cristalinos, artefactos electrónicos o polvos “noise” flotan en el aire sin ser agresivos. Esto da al propósito un cierto relieve, poco alejado a veces de paisajes de la música de Canterbury. Es en el centro del álbum, sobre el animado « Can You See it? » que la colaboración entre los dos italianos es la más intrincada. La electrónica asalta, en compañía del violoncelo, a una guitarra suprimida a sus tareas rítmicas. Esta canción corta e intensa, indica una dirección más tenebrosa que, deseamos, Casagrande podría explorar de ahora en adelante. Mientras tanto la puerta de su poderoso imaginario nos es muy ampliamente abierta por este disco singular y atractivo.

Fuente para la reseña Franpi Barriaux para http://www.citizenjazz.com/Federico-Casagrande-3471298.html

Track Listing – At The End of The Day

1. Once Upon A Time (4:48)
2. Let’s Go See Around The Corner (5:55)
3. Some More, Please (6:08)
4. Can You See It? (4:12)
5. Maybe Not This Time (6:24)
6. Melancholia (4:32)
7. It’s All So Rarefied Out There (4:02)
8. So Clear You Speak (4:06)
9. All That’s Left Behind (6:21)

Artist List

Federico Casagrande: acoustic guitar
Vincent Courtois: cello
Vincent Peirani: accordion
Michele Rabbia: percussion and live electronics

Apunte: Cada paso que ha dado Casagrande en la construcción de su discografía ha sido en diferentes direcciones musicales, pero en un franco y sólido ascenso para que abramos los oídos y prestemos atención. De su debut como líder interpretando una música interesante, de cierta complejidad, por momentos cerebral con un trio convencional de guitarra/bajo/batería, dió un giro al cambiar en “The Ancient Battle Of The Invisible” absolutamente todos sus compañeros y agregar al vibrafonista Jeff Davis, clave para ampliar el espectro sonoro y tener un interlocutor para los diálogos, pero también para que su mente se suelte un poco más intentando traducir en música sus pensamientos, tarea ciertamente ambiciosa. Finalmente (por ahora, claro) llega “At The End of The Day”, donde un nuevo volantazo, nos lleva a encontrarnos con otra formación completamente nueva, en la que participan dos pesos pesados como son Peirani y Courtois, más el sorprendente trabajo de Rabbia en electrónica, soltando sus sonidos en dosis justas, sin un solo exceso, aportando al sentido de las ideas musicales. Casagrande solo toca la guitarra acústica y la grabación hace foco en el hombre y su instrumento: Casagrande acaricia y toca las cuerdas, respira y todo eso se escucha. Peirani aporta la melancolía intrínseca del acordeón y la sensación de música de cámara, de intimidad, de sosiego se completa con el arco de Courtois. Además de ser una gran obra, con “At The End of The Day”, Federico Casagrande logra una buena síntesis de su honestidad, inteligencia y sensibilidad como gran artista que es.

Password en todos los casos: presoventanilla



Tony Paeleman

tapa Slow Motion
Slow Motion (2014)

Tony Paeleman es un pianista viajero de orejas grandes abiertas: alimentado de rock que escuchaba de niño y que sigue ocupando un lugar fundamental en su vida diaria, formado en la escuela clásica, ha evolucionado hacia el jazz sin renegar por eso de estas influencias, que afloran en su trabajo. Este eclecticismo, esta necesidad de apertura, forman un artista al cual se siguen sus peregrinaciones con interés y manifiestamente buscado por sus talentos de melodista: lo vimos evolucionar al lado de Vincent Peirani, Olivier Bogé o incluso de las hermanas Sonia y Lisa Cat-Berro. Más recientemente, ha sido ordenado “caballero” por Christian Vander -podemos considerar esto como una distinción, conociendo la extrema exigencia del fundador de Magma- para participar en la aventura Offering (que celebraba el año pasado, durante una semana al Tritón, los treinta años de una experiencia en todo punto singular).

Slow Motion, el primer álbum de Tony Paeleman como líder, muestra en efecto que sabe poner en movimiento la música (no forzosamente lento, como podría hacerlo creer el título del álbum) a veces hasta la hipnosis y el aturdimiento, sin que sea negada por eso la expresividad de estas ocho composiciones habitadas de un canto profundamente melódico. Temas originales, a excepción de “Coming On The Hudson” (Thelonious Monk), que se perciben como invitaciones a un viaje luminoso. Esta itinerancia es servida con mucho exactitud –bello equilibrio entre potencia y sensibilidad– por un trío cuyos talentos individuales no tienen más que demostrar: Julien Pontvianne, entendido en Oxyd de Alejandro Herer, Nicolas moreaux, contrabajista (Chris Cheek, Jeff Ballard, Tigran Hamasyan), y Karl Jannuska, el más francés de los bateristas canadienses y seguramente uno de los más activos. Sin olvidar a Pierre Perchaud, antiguo miembro de la ONJ de Yvinec; su guitarra ilumina “Pandore”, cuyo motivo introductorio denota un parentesco directo con el imaginario de Christian Vander. Y luego, aquí y allá, voces aéreas (las hermana Cat-Berro,en particular) aumentan el poder de seducción de esta su aleación de refinamiento y onirismo. Con este disco, Tony Paeleman pone en evidencia, por cierto, sus calidades de pianista y de compositor, pero afirma también su facultad para hacer vibrar su música con elegancia, de elevarla hacia las alturas irisadas de su imaginación.

Basta con escuchar “Inner Voice” para convencerse: en poco más de seis minutos, todo el grupo parece ir a tutear cumbres embriagadoras (no obstante, la respiración a plenos pulmones es recomendada), y la conclusión del álbum (“Slow Motion”), dedicada a Paul Motian), suscita el escalofrío demasiado raro que se ama tanto en las músicas del alma. Ninguna razón, por lo tanto, para no aceptar este Slow Motion y sus paisajes encantadores, de los cuales nos impregnamos gradualmente con un placer cómplice.

Fuente para la reseña: Denis Desassis para http://www.citizenjazz.com/Tony-Paeleman-3470112.html

Apunte: Nativo de Niza, Tony Paeleman se instala en París en 2005 para graduarse pocos años más tarde en “jazz y música improvisada” en el Conservatorio Nacional de París. Pertenece a esta nueva generación de jóvenes jazzmen a los que no les incomoda la música acústica en el piano como el universo más eléctrico. Con el Rhodes, su instrumento del corazón por años, ha explorado en muchos grupos una gran paleta de estilos y sonidos con efectos: la O.N.J., Christian Vander Offering, Fredrika Stahl, Malia, Karen Lano, Milk Coffee & Sugar, lo tuvieron en sus filas. Es co-líder de la banda 117 Elements, junto a Julien Herné (bajo), destacando a Christophe Panzani (saxo) y Arnaud Renaville (batería), con quienes desarrolló una estética eléctrica con el Rhodes. En escena, ha multiplicado sus encuentros musicales, como por ejemplo con Olivier Bogé, Vincent Peirani, Karl Jannuska, Pierre Perchaud, Nicolas Moreaux, Rémi Vignolo, Emile Parisien, Sonia Cat-Berro, Michel Zénino, Guillaume Perret, Ivan Jullien Big Band, entre otros. Varios de estos nombres nos resultan bien conocidos y últimamente, ha participado en la grabación del excelente “Living Being” (2015, ACT Music) de Vincent Peirani. Espero disfruten el encantador Slow Motion. Salud!

Track Listing

1. Landscape (7:10)
2. Woo Song (6:45)
3. Pandore (5:41)
4. Dark Matter (5:28)
5. Coming On The Hudson (8:36)
6. The Train (7:18)
7. Inner Voice (6:29)
8. Crossroads (6:53)
9. Slow Motion (5:54)

Artist List

Tony Paeleman: piano, Fender Rhodes
Julien Pontvianne: tenor saxophone
Nicolas Moreaux: acoustic bass
Karl Jannuska: drums
Pierre Perchaud: guitar (track 3)
Lisa et Sonia Cat-Berro: vocals
Arthur Heintz: cor

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