Preso ventanilla


Antoine Pierre

tapa Urbex
Urbex (2015)

Urbex es un buen primer álbum del baterista de Lieja, Antoine Pierre quien es conocido por algunos aficionados por haber integrado alineaciones famosas, autores de algunos discos notorios recientemente aparecidos sobre los cuales se pudo apreciar su ataque dinámico y a veces fogoso: “Côté Jardin” de Philip Catherine (Challenge) en 2012, “Wanted” de Jean-Paul Estiévenart (WERF) en 2013, “New Feel” de LG Jazz Collective (Igloo) en 2014, y “Grizzly” de Toine Thys Trio (Igloo) en 2015. Pero Urbex da esta vez la oportunidad de conocer también otra faceta de su arte: la composición. Porque Mr. Antoine se impuso el ejercicio de escribir la integridad del repertorio que, lejos de ser una hilera de piezas de bravura para bateristas extrovertidos, ofrece una música sabia en arreglos precisos y llena de enredos imprevisibles (la deriva free de “Walking On A Vibrant Soil” es completamente inesperada, por ejemplo). El octeto reunido alrededor de líder no es tampoco el combo de base en lo que ofrece, por la diversidad de los instrumentos utilizados y por las sonoridades plurales e imaginativas de una bella densidad armónica. El espacio reservado para los solistas es bastante amplio para que cada uno pueda expresarse y las sorpresas en este campo son numerosas: citemos por ejemplo el solo de guitarra orientalista de Bert Cools en “Litany For An Orange Tree”; el increíble y peligroso triple salto del trompetista Jean-Paul Estiévenart en “Metropolitan Adventure”; el solo de bajo de Félix Zurstrassen en “Urbex”, el piano evanescente de Bram De Looze en “Moon’s Melancholia”; sin olvidar por supuesto, el estallido de ritmos complejos sobre la que se embala “Who Planted This Tree?” como la firma obligatoria de un baterista de alto vuelo. Y luego, están estas dos largas y vertiginosas composiciones que son “Urbex” y “Ode To My Moon”. La primera, misteriosa e inquietante como un deambular en medio de ruinas urbanas, llega a cumbres en la expresividad. La segunda, que se extiende como la sombra de la luna a la cual se refiere, literalmente está habitada por los tres sopladores y se revela un trayecto iniciático para los oyentes deseosos de sumergirse en la belleza de las músicas improvisadas. Por otra parte, todos aquellos a quienes le gusta el jazz amarán este álbum sofisticado y generoso (cerca de 70 minutos de música) que, gracias a un enfoque fresco que cultiva el arte del rebote, cautiva a lo largo y seduce duraderamente.

Fuente para la reseña: http://www.dragonjazz.com/nouveau.htm

Apunte: Escuchar nuevos músicos, descubrir y disfrutar su música, es uno de los placeres más grandes de la vida, dejando de lado aquellos otros placeres que ya sabemos. Siguiendo con esa actividad que tanto nos apasiona, los invito a poner los oídos en la música de origen belga. La escena belga no parece ser tan amplia y conocida en Europa como la francesa y la italiana, pero tiene artistas valiosos e interesantes. Tal es el caso del baterista Antoine Pierre, habitual sideman de otros músicos belgas más conocidos (Philip Catherine, sin dudas el más conocido), que ha lanzado recientemente Urbex su primer disco como líder, acompañado de compañeros tan talentosos como desconocidos (por lo menos para nosotros, escuchas hispanoparlantes). Urbex es un disco muy variado, anclado en un sonido bien contemporáneo, en el cual seguramente reconocerán influencias de músicos que nos gustan a todos (no me pidan nombres, descúbranlo ustedes) y que tiene el valor no menor de sostener nuestro interés a lo largo de sus setenta minutos. En mi caso, he escuchado este disco varias veces, y cada vez el resultado fue mas convincente. Espero lo disfruten!

Track Listing

01. Coffin For A Sequoia (To Basquiat) (6:53)
02. Litany For An Orange Tree (7:04)
03. Who Planted This Tree? (4:48)
04. Les Douze Marionnettes (6:54)
05. Urbex (12:10)
06. Metropolitan Adventure (5:41)
07. Walking On A Vibrant Soil (5:25)
08. Wandering #1 (0:39)
09. Metropolitan Adventure (reprise) (2:06)
10. Moon’s Melancholia (2:57)
11. Ode To My Moon (13:30)

Artist List

Antoine Pierre: batterie, compositeur
Bert Cools: guitare
Bram De Looze: piano
Toine Thys: saxophone ténor, clarinette basse, saxophone soprano
Steven Delannoye: saxophone tenor, clarinette basse
Jean-Paul Estiévenart: trompette
Fréderic Malempré: percussions
Félix Zurstrassen: basse électrique

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Mike Holober

tapa Balancing Act
Balancing Act (2015)

El pianista y compositor Mike Holober ha tenido una activa carrera con big bands (incluyendo la HR Big Band Frankfurt, la WDR Big Band Cologne, la Stockholm Jazz Orchestra, y la Westchester Jazz Orchestra en E.E.U.U.). Por lo tanto, él trae un refinado acercamiento a la composición y a los arreglos en esta grabación de octeto. Se puso un objetivo ambicioso: destacar a una cantante, pero como otro instrumento de primera línea antes que en el foco primario. “Quise usar a una cantante y la lírica en extendidas formas de composición -no envueltas en secciones repetidas o estrofas, y no solo como canciones”, dice él. La cantante Kate McGarry aparece en las ocho pistas, a menudo vocalizando sin letras.

El enfoque queda mejor demostrado en las cuatro extendidas composiciones para las que Holober compuso música y letras, como en la apertura “Book of Sighs”.La voz de McGarry es una perfecta combinación directamente desde el comienzo: ligera y ágil, capaz de proyectar claramente letras así como de mezclarse con otros instrumentos. En verdad, para el declarado propósito de Holober, la pieza sigue adelante desde la declaración vocal que abre a una ampliada forma instrumental, con solos alternados. Si bien hay un montón de oportunidades para cada uno de los miembros de la banda para brillar, nunca hay un sentimiento básico de soplar sobre los cambios. Holober también demuestra un verdadero talento para escribir letras: “I read the Book of Sighs/Chapter One, your eyes…It was more than I could take in just one night.”

Holober y el saxofonista Jason Rigby contribuyen ambos con canciones sin letras, y hay dos intrigantes covers, ambos de pop moderno antes que standards. El encantador “Lullabye: Goodnight My Angel” de Billy Joel, consigue una versión ampliada que derriba expectativas por dar la mayor parte de la melodía a los vientos, con la ocasional vocalización sin letras- y ninguna lírica es cantada hasta el final mismo. El clásico “Piece of My Heart” de Jerry Ragavoy-Bert Berns (más fuertemente asociado con Janis Joplin) consigue un lavado de cara rítmico y armónico. Esto suena bastante diferente del original, que un oyente no podría identificarlo al principio, y encaja perfectamente con el resto del programa.

Esto es un proyecto totalmente ambicioso, pero la música nunca lo muestra. Las composiciones y arreglos son realizadas maravillosamente -llenas de alegría y energía, independientemente de su complejidad.

Fuente para la reseña Mark Sullivan para http://www.allaboutjazz.com/balancing-act-mike-holober-palmetto-records-review-by-mark-sullivan.php

Apunte: El pianista y compositor neoyorquino Mike Holober tal vez no sea un nombre muy conocido por el público de jazz porque él se ha movido en los últimos diez años en el círculo de las grandes bandas. Tal es así que Balancing Act es apenas su primer disco como líder en los últimos seis años. Y no podría haber sido mejor esta vuelta, ya que se ha rodeado de un verdadero dream team, para efectuar un complejo pero muy audible disco que tiene un envidiable dinamismo, haciendo un fino equilibro entre lo escrito y lo improvisado. Gran disco, para escuchar atentamente.

Track Listing

01. Book Of Sighs (8:41)
02. Idris (6:58)
03. Lullabye: Goodnight My Angel (7:48)
04. Grace At Sea (9:06)
05. Piece Of My Heart (4:51)
06. Canyon (9:49)
07. Sighs Matter (8:38)
08. When There Were Trains (7:13)

Artist List

Mike Holober: piano
Kate McGarry: voice
Marvin Stamm: trumpet, flugelhorn
Dick Oatts: alto saxophone, soprano saxophone, flute
Jason Rigby: tenor saxophone, clarinet, bass clarinet
Mark Patterson: trombone
John Hebert: bass
Brian Blade: drums

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Jean Lapouge

Quién es Jean Lapouge?

Nace en 1953. Comienza el estudio de la guitarra de manera autodidacta en 1966. Escribe sus primeras composiciones y forma su primer grupo en 1970. Su carrera profesional comienza en 1972 con varios compromisos en orquestas de baile del oeste de Francia. De 1976 a 1993, forma diferentes grupos:

– Noëtra, particularmente con Christian Paboeuf (oboe) y Pierre Aubert (violín). El grupo se agrandará y contará con hasta ocho músicos. Entre 1979 y 1982 él mismo compone y registra todo el repertorio de la formación. Tres CD’s: “Neuf Songes”, “Définitivement bleus…” y “Résurgences d‘errances”, editados por Muséa Records, difunden la música del grupo. En 1983 el octeto se reduce a un quintet y toca en París en “Dunois”. Siempre en el 83, esta formación registrará un concierto dado por radio que será finalmente editado en forma de CD en 2010 por Muséa.

– El dúo Contrejour, siempre con Christian Paboeuf (1986). Giran al oeste y el suroeste de Francia y registran una maqueta de disco. Por suerte esta maqueta será finalmente realizada y sale en CD bajo el título “Atlas” en 2010 por Muséa Geat winds.

– El trío y cuarteto del mismo nombre con Mikko Fontaine (percusiones) y J.François Bercé (contrabajo) (1987).
El grupo se desempeña, en el marco de los conciertos de músicas de noche en Burdeos, en la primera parte de Jack DeJohnette (1988), John Surman (1990) y Miroslav Vitous (1994). Participa en las “Tombées de la Nuit” en Rennes en 1990 y graba un disco, “Hauts Plateaux”, que salió también bajo el sello Muséa en junio de 1993.

– En 1994, se reunió con el contrabajista estadounidense Kent Carter y forma el Jean Lapouge/Kent Carter Dúo. El dúo es contratado para una gira por Turquía en noviembre de 1994, una aparición en el marco de Parthenay Jazz Festival en 1995 y una gira por el este de Francia en marzo de 1996. El dúo se vuelve cuarteto, para algunos conciertos, con la adición de Pascal Gachet (trompeta/bugle) y Lionel Morand (violoncelo). En Junio del 97, el dúo se hace trío, con Jeff Boudreaux (batería) en ocasión de una gira de seis conciertos en Portugal. En Junio del 98, nueva gira de cuatro conciertos en Portugal. En Mayo de 2001, el trío participa en el festival de jazz d’Auvers de Oise. Los registros realizados durante el período de actividad del grupo fueron reunidos bajo la forma del CD “Plaything”, editado en 2011 por Muséa Geat winds.

– En 2005, forma un trío con Christian Pabœuf (vibráfono/oboe) y Christiane Bopp (trombón). Registra en 2007 el CD “Des Enfants” que saldrá en 2012, y en el 2009 registran el CD “Temporäre”, que saldrá en año 2011.

Enseña guitarra en Périgueux desde el año 1983.

tapa Plaything
Plaything (2011)

Entre “Hauts Plateaux” (Musea Parallèle, 1993) y su nuevo disco “Temporäre” (Great Winds, 2011), el fundador del grupo NOËTRA, Jean Lapouge, tocó en trío con Kent Carter (contrabajo) y Jeff Boudreaux (batería) durante un pequeño decenio. El grupo grabó tres veces durante este período. El contexto resueltamente es jazz, permitiéndole al compositor experimentar un nuevo tipo de composición y un juego de guitarra más libre. La rítmica, que es real. Plaything (Great Winds, 1994-2002) es fruto de esas grabaciones y representa la voluntad de cada uno de servir mejor a lo que en realidad importa más: las ideas musicales.

Fuente para la reseña: https://www.amazon.fr/Plaything-Jean-LAPOUGE/dp/B004SCNT0E/275-5867707-3535132?ie=UTF8&*Version*=1&*entries*=0

Track Listing – Plaything

1. Plaything, Pt. 1 (3:50)
2. Madrilènes (7:12)
3. Closer (2:35)
4. Trois canards dans la mare (5:18)
5. Illusion du fond (6:38)
6. Trop loin, trop cher (4:51)
7. Hongrois (5:14)
8. Plaything, Pt. 2 (3:53)
9. Aura (5:34)

Artist List

Jean Lapouge: guitar
Kent Carter: double-bass
Jeff Boudreaux: drums

tapa Temporare
Temporäre (2011)

Alguna música sólo suena bonita cuando todas las pruebas indican que no debería ser así. Temporäre de Jean Lapouge la convierte en una excelente exhibición A. El trío de Lapouge consiste de su guitarra, el trombón de Christiane Bopp, y las vibraciones de Christian Paboeuf (quien también se dobla sobre el oboe en un par de tracks); no es un típico trío de jazz. Y las composiciones no exactamente lo devuelven a la tienda del jazz.

Hay una tensión palpable en las ásperas llamadas de la guitarra de Lapouge contra las vibraciones que pasan rozando, y contra el telón de resonantes notas del trombón. Pero entonces la guitarra se pone apacible y el trombón es una palabra amable en el oído y las vibraciones son luminosas y cálidas, y una extraña serenidad se establece. Como los sueños pueden ser tanto serenos como aterradores, Temporäre no muestra ninguna inclinación a trazar una línea divisoria entre las variadas emociones que este álbum evoca.

Lapouge, miembro fundador del Colectivo Noetra (encajaría bien en el temprano ECM world-jazz a lo Oregon y Terje Rypdal), puede que no haya visto mucho éxito comercial de su música, pero el desarrollo de su sonido ha resultado en una voz genuinamente única. Temporäre, una realización del año 2011 del sello Musea Records, va a atraer a los admiradores del Cuarteto de Bill Frisell. Este es un álbum de música misteriosa que resulta también ser bastante hermosa.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-recapping-the-best-of-2011-part-1/

Track Listing – Temporäre

1. Chemins, cortèges (6:09)
2. Temporäre (6:28)
3. En janvier (5:13)
4. Carillon (8:19)
5. My Song Goes Wrong (6:38)
6. Au dessus des nuages (7:59)
7. Bras de mer (7:17)

Artist List

Jean Lapouge: guitar
Christiane Bopp: trombone
Christian Paboeuf: vibes, oboe

tapa Des Enfants
Des Enfants (2012)

La música de Jean Lapouge es bastante diferente de cualquier otra cosa a su alrededor. Su trío de guitarra, vibraciones y trombón es una combinación inusual en sí y de por sí, pero es la música donde la diferenciación realmente se ajusta. El trío de Lapouge crea animadas y encantadoras melodías que son conmovedoramente extrañas.

Y sobre los talones de su realización del año 2011, “Temporäre”, él ha grabado alguna de la más agradablemente convincente música de los últimos dos años.

Lapouge fue tempranamente influenciado en sus estudios de guitarra por el trabajo de John McLaughlin en la obra de Miles Davis “Bitches Brew” y por el surgimiento de los pioneros del prog-rock Soft Machine. Más tarde, en los ’80, ayudó a fundar el Noetra Collective, un grupo que mezclaba jazz, rock y música de cámara. En muchos sentidos, esa misma mezcla está en su música de hoy en Esta música es una mezcla de curiosas explosiones de serenas disonancias y gruesos trazos de pincel de serenidad de arrullo. El trombón es práctico con las melodías … largas notas sonoras, almibarado y acogedor. La guitarra añade el color, a menudo da algún sonido vibrante agudo para cortar en el grosor almibarado del trombón. Las vibraciones entregan más que un elemento de percusión, aunque con sus intrínsecamente brillantes y relucientes notas, las vibraciones actúan a menudo como luciérnagas en la oscuridad del bosque. El oboe y la flauta baja hacen un aspecto de invitados, añadiendo sabor a un perfil poco convencional.

El álbum abre con “Des Enfants”, y una hermosa declaración de melodía por el trombón, y finaliza con la guitarra y vibraciones que pasan rozando alrededor de una reformulación de la melodía que es simplemente malditamente ingeniosa.

El segundo track “13 Etrange” se aproxima a la influencia del prog. Pulsantes tempos impares, efectos brillantes y deconstruidas melodías. También lo encuentro evocador del álbum en dúo de Andy Summers y Robert Fripp, “I Advance Masked”.

“Two Days Before” es una garbosa melodía de vibraciones y trombón jugando a saltarse y la guitarra saltando en círculos alrededor de ellos, y finaliza con combos de rápidos golpes del trombón.

El cuarto track “Les Americains” sube hacia arriba y cae en una serie de pasos, a veces estrepitosos contra el piso, a veces lanzándose por encima de las nubes. Paboeuf saca el oboe, y sus afiladas llamadas hacen juego con el bonito brillo de la guitarra de Lapouge, juntando dos sonidos opuestos en una majestuosa corriente ondulante.

“Demain il Fera Beau” tiene la comodidad de inmersión en un capullo de oscuridad, y la incertidumbre de sentir atravesar el camino sin caer. Esto es un álbum de melodías que evocan ecos del igualmente curioso álbum Quartet de Bill Frisell, que también destacó la guitarra y el trombón, con trompeta, violín y tuba como colaboradores

En sexto track “Les Soldats” es una vuelta leve a la melodía de “Les Americains”, reflejando el paso y el cambio de altitudes, pero donde la pista anterior se enfocó más en el aspecto rítmico de la composición, esta explora las posibilidades atmosféricas de la melodía.

El álbum termina con “Sombre”, una callada pieza que permite que el silencio llene los espacios en blanco con una atractiva densidad, lo que da una sensación de gruesas nubes con lluvia. El trombón emite ráfagas de caprichosas frases repitiendo un motivo, mientras las vibraciones y la guitarra mantienen las manos y ofrecen notas complementarias que cuelgan congeladas en el aire, tanto como el trombón sube y baja con un poco de abandono. Esto termina con la misma encantadora belleza con la cual comenzó.

Esta música en realidad fue registrada entre 2005 y 2007, poco antes de la sesión de Temporäre. Por varios motivos, Lapouge no lo liberó hasta este año. Afortunadamente, lo hizo, y afortunadamente, todavía suena fresco, misterioso y sublime. Actualmente trabajando con un trío de guitarra, cello y batería, Lapouge está buscando tener prontamente una nueva realización con el nuevo trío.

Fuente para la reseña Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/jean-lapouge-des-enfants/

Track Listing – Des Enfants

1. Des enfants (5:22)
2. 13 étrange (5:57)
3. Two Days Before (6:43)
4. Les américains (6:37)
5. Demain il fera beau (6:22)
6. Les soldats (4:01)
7. Sombre (5:41)

Artist List

Jean Lapouge: guitar, guitar synthesizer
Christiane Bopp: trombone
Christian Paboeuf: vibes, oboe, bass flute

tapa Plein Air
Plein Air (2014)

Mientras Lapouge primero se hizo conocido con una banda, muchos han elegido su lugar dentro del universo del rock progresivo, sus álbumes en solitario, al menos para mi conocimiento, habían sido firmemente colocados dentro del universo de jazz. Aquellos familiarizados con el material de Noetra obviamente encontrarán similitudes en el alcance y el estilo de Lapouge como artista en solitario, pero en términos de específico estilo explorado, Plein air es una producción de jazz. La especialidad de Lapouge es explorar finos detalles y matices, y este CD documenta muy bien aquél enfoque y capacidad. Las composiciones instrumentales son todas de una cuidadosa y delicada naturaleza, del tipo de las que se podría describir como introspectivas, y ciertamente la música exige una intensa y atenta escucha. Música de auriculares es una expresión que aparece de vez en cuando, y este es un álbum perfecto para ser colocado en esa categoría: un álbum que se disfruta mejor en una habitación silenciosa con los auriculares puestos. La guitarra de Lapouge es, naturalmente, el elemento clave en todas partes. No siempre dominante, usted sabe, el hombre no huye de tener una función más complementaria cuando es necesario, pero si la guitarra es el principal instrumento o el proveedor de suaves detalles, su desplumada, resonante y frágil guitarra frágil es la señal de identidad clave en todas partes. En selectas ocasiones él optará por una entrega sutilmente más intensa, en raras ocasiones él también añadirá algún más áspero y distorsionado efecto al tono de la guitarra, pero en primer lugar, motivos de tonos claros de guitarra están a la orden del día. En algunas ocasiones, con lo que suena hay como un ligero guiño en la dirección de Django Reinhardt. El baterista Muris hace un excelente trabajo de apoyo a las actuaciones con suave ritmo y detalles percusivos, mientras el papel de Catelin es bastante más sorprendente, ya que utiliza el violoncello proporcionando tanto los lastimeros timbres del cello y las más melancólicas vibraciones del violín complementando los suaves motivos de guitarra, doblándose también hacia arriba proporcionando líneas de bajo a modo de cuerdas punteadas, que dan a muchas de estas composiciones una agradable y a veces sorprendente dinámica. Hay pocas ocasiones donde somos tratados a carreras de solo de bajo por vía de cuerdas punteadas, por ejemplo, que es más elegante y eficaz de lo que la descripción podría indicar.

Conclusión: Plein air es un álbum que debe ser buscado por aquellos que prefieren el jazz-fusión más delicado, que se complacen en detalles sutiles, música donde el tono individual se da mucho espacio y que se centra en los matices más finos de la música. Adeptos a los cuidadosos detalles de guitarra, son más que probablemente necesarios, así como un gusto por la música que exige mucha atención para que sus calidades sean reveladas.

Fuente para la reseña: Olav M Bjornsen para http://www.progressor.net/review/jlt_2014.html

Track Listing – Plein Air

1. Par la Cote (6:07)
2. Acteur Fetiche (8:21)
3. Mario (5:58)
4. En Campagne (3:45)
5. Un Hymne (6:20)
6. Anna Karenine (4:49)
7. Cloches (5:20)

Artist List

Jean Lapouge: guitar
Grégoire Catelin: cello
David Muris: drums

Apunte: El guitarrista Jean Lapouge nació en 1953 y fue líder del grupo prog-rock Noetra (fines de los 70, principios de los 80), continuando su derrotero musical con formaciones más reducidas (en especial trios), editando en los últimos años un puñado de discos muy interesantes, con trios (justamente) bastante disímiles entre si en lo que respecta a la instrumentación. La música es un original blend de jazz, prog, música de cámara, cierto halo a sello ECM, detallista, con melodías por momentos encantadoras y de inequívoco carácter reflexivo. Además de los referidos puntos de contacto con algunas obras de Bill Frisell y el dúo Andy Summers/Robert Fripp, también encuentro cierta conexión con The Gnostic Trio, proyecto de Frisell, Carol Emanuel y Kenny Wollesen interpretando temas de John Zorn. Música de auriculares, de tratamiento personal, no como fondo de otras actividades.

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Gaubert / Ceccarelli / Top – Ligne Sud Trio
abril 22, 2016, 9:27 pm
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tapa Lendemains prometteurs
Lendemains Prometteurs (2016)

Difícil no adorar este disco. Ligne Sud Trio (pequeño recordatorio: el grupo está integrado por Christian Gaubert en composición y piano, André Ceccarelli en batería y Jannick Top en bajo eléctrico) vuelven con un excelente álbum, una vez más. Dos invitados de renombre están presentes con Thomas Savy en saxofón y Christophe Leloil en trompeta. Tres canciones para el primero, cuatro para el segundo de las diez que componen el opus. El octavo «Comme Un Espoir» está tocado en trío (el único del álbum porque los invitados no tocan sobre las mismas piezas) y los dos últimos son solos de piano pues «Mare Nostrum» es pura improvisación. Un hermoso jazz, dinámica a medida del deseo, huele bien al sol, al azul del Mediterráneo, a hermosa y gran música. Un disco que recalienta los corazones. Un indispensable que hay que tener en la discoteca, más aún cuando posiblemente sea difícil de escucharlos sobre el escenario.

Fuente para la reseña: Jean-Luc Thibault para http://www.nouvelle-vague.com/ligne-sud-trio-lendemains-prometteurs/

Apunte: Aunque no se escuchen voces, el canto parece ser la semilla de estos elegantes temas. Christian Gaubert orientó sus composiciones hacia formas rítmicas inspiradas en tradiciones étnicas (búlgaras, turcas o armenias), pero el universo armónico permanece contemporáneo: música muy visual y dinámica que deja huella en la cabeza. Estos señores se divierten de lo lindo y nosotros estamos dispuestos a disfrutar con ellos.

Track Listing

01. Inspiration Ethnique (Christian Gaubert) (5:43)
02. Lendemains Prometteurs (Christian Gaubert) (5:14)
03. Humeur Changeante (Christian Gaubert) (6:41)
04. Impression Dominante (Christian Gaubert) (6:14)
05. Valse Indansable (Christian Gaubert) (4:43)
06. Green Dolphin Street (Bronislau Kaper) (5:46)
07. Mouvement Obsédant (Christian Gaubert) (6:54)
08. Comme un Espoir (Christian Gaubert) (5:59)
09. Ilien (Christian Gaubert) (7:51)
10. Mare Nostrum (Christian Gaubert) (5:50)

Artist List

Christian Gaubert: piano
André Ceccarelli: drums
Jannick Top: electric bass
Thomas Savy: saxophones (3,5,7)
Christophe Leloil: trumpet (1,2,4,6)

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Marc Copland
abril 17, 2016, 8:51 pm
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tapa Poetic Motion
Poetic Motion (2002)

Hasta aquí encerrado en el difícil ejercicio de acompañante, y la relectura de standards en trio o quinteto, Marc Copland reinvierte el arte del piano solo, una de las firmas del sello Sketch.
Así en sus composiciones se van revelando gradualmente de otros estados del alma que los de Giovanni Mirabassi (Avanti) o René Urtreger (Onirica). De baladas soñadoras en cadencias rotas, de deslizamientos melódicos en nerviosas oposiciones, nace una nueva alquimia del verbo pianístico.
Por sus armónicas y su cromatismo, esta música destila más a menudo una secreta melancolía, vinculada a este arte poético, ya que son convocados para nosotros, a la mesa del lector convertido en oyente, a menos que sea al revés, Virgilio, Prévert, E.E Cummings, Jules Supervielle, Dylan Thomas.
Sin embargo, como predelas que precisan la exposición narrativa de un cuadro, las citas poéticas están dispuestas al pie de un inédito de Robert Zavatsky “Nevertheless”, entre los que ciertas palabras o frases significativas son repetidas como títulos de las nueve composiciones del álbum “Blackboard”, “Not going gently”, “Bittersweet road”, “Dark territory”.

Irisaciones de esta música que reenvía delicadas impresiones, diversas fosforescencias de la música europea de principios del siglo precedente. Por aquí y por allá, encuentros breves, evocaciones sutiles que nos hacen pasar de Debussy a Satie, de Chopin a Bill Evans o Keith Jarrett.
¿Sensibilidad romántica, compromiso novelesco? Ni siquiera. Muy a menudo el piano solo es un pretexto de una brillante demostración donde la emoción le disputa a la técnica. Marc Copland se dedica a traducir la circulación del sentido poético. Sin dejarse invadir por una nostalgia demasiado embarazosa, sabe sin embargo acordarse, en estos ecos delicados que el jazz vuelve a atravesar, de esta perla fina de “Naima”. Misterioso reto el de atacar una y otra vez a esta balada, de sacar de eso una nueva versión, especialmente conmovedora, en el espíritu mismo del jazz. La interpretación de “Spartacus Love theme” de Alex North se tiene que inscribir también en esta tentativa.
Marc Copland trató de construir un álbum conceptual, una novela poética hecha de esquemas. Nada más apropiado para el sello Sketch, que con Poetic Motion nos lleva a una aventura estética de las más exitosas.

Fuente para la reseña: Sophie Chambon para http://www.citizenjazz.com/Marc-Copland.html

Apunte: No muchos músicos tienen el honor de ser identificados de manera casi unánime como poetas. Bellamente grabado en los Studios La Buissonne, Poetic Motion (un eslabón faltante y clave de la cadena Copland en MQC/PV) ratifica que Marc Copland con sus obras en solitario puede ser tranquilamente calificado como uno de ellos.

Track Listing

1. Second Sight (6:50) [Marc Copland]
2. Blackboard (7:39) [Marc Copland]
3. Not Going Gently (7:23) [Marc Copland]
4. Nevertheless (6:32) [Marc Copland]
5. Spartacus Love Theme (6:44) [Alex North]
6. When We Met (4:43) [Marc Copland]
7. Bittersweet Road (7:00) [Marc Copland]
8. Dark Territory (7:41) [Marc Copland]
9. Naima (5:10) [John Coltrane]

Artist List

Marc Copland: piano

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Luca Aquino

tapa Icaro Solo
Icaro Solo (2010)

Cuando vivió en el Lower East de Manhattan hace muchos años, el gran saxofonista tenor Sonny Rollins, buscando un lugar para practicar sin molestar a sus vecinos, se aventuraría sobre el puente Williamsburg en Nueva York a deshacerse durante horas hasta finalizar. Esto le proporcionó el entorno necesario dentro del cual pudo expandir su genio musical. Se trataba sobre todo de la libertad para tocar, para desarrollar, para explorar.

El artista de jazz italiano Luca Aquino de modo similar ha tomado la idea de libre improvisación creativa solista en exterior, grabando Icaro Solo en vivo sobre un dispositivo de loop/playback/grabación en la Iglesia de San Agustín, en Benevento, Italia. El resultado es un fascinante, muy entretenido, contemplativo, y maravillosamente estimulante CD. Mientras Icarus podrá haberse aventurado temerariamente hacia el sol, Aquino solo se desliza aquí, pero siempre en completo control de su instrumento; de sus maravillosas ideas; su interacción con el dispositivo de loops; y su perfecto entorno acústico.

Usando la máquina de loops para crear una fundación de ideas con las cuales acoda largas líneas como cintas de libre improvisación, la espontaneidad de Aquino emite hacia fuera sin límites. El suyo es un enfoque minimalista hacia el instrumento, no totalmente disímil a lo que Miles Davis hizo en la grabación de álbumes como Sketches of Spain (Columbia, 1960) o, más tarde, In A Silent Way (Columbia, 1969) y Bitches Brew (Columbia, 1970). Los fragmentos de melodía de Aquino son establecidos, ampliados y desarrollados maravillosamente, liberados y recreados en una telaraña de belleza musical que nunca aburre. Cada corte se desarrolla de esta manera: trece improvisaciones que representan un divertido e interesante incursión en el sonido, el desarrollo creativo y la visualización del alma musical de Aquino.

Icaro Solo sigue más admirablemente al fino “Lunaria” (EmArcy, 2009) de Aquino. Continúa retratando a Aquino como un fino trompetista y una brillante mente musical.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/icaro-solo-luca-aquino-emarcy-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – Icaro Solo

01. Riverberi (2:01)
02. Trapano Duet (1:36)
03. Labirinto (3:46)
04. La zattera rossa (5:01)
05. Piume check (5:11)
06. Icaro (5:50)
07. Fabio e Mattia (2:12)
08. B/n (3:54)
09. 100 mts. into the Church (2:42)
10. Trapano e cera (1:55)
11. Non perdere il filo ()
12. Sol (4:26)
13. Wax Drill (3:13)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, live loops, vocals, electronic and acoustical effects.

tapa Chiaro
Chiaro (2011)

Para este su nuevo álbum, Aquino emigra de sello y va bajo el ala protectora de Paolo Fresu. Además de cambiar sello, incluso sale del país, después de los baños turco-macedonios de Amam, y va a Noruega a registrar sus visiones al confín entre el clasicismo mediterráneo y la psicodelia eléctrica. El trompetista, ya reconocido internacionalmente como uno de los talentos del jazz italiano, con la ayuda de Audun Erlien al bajo y de Wetle Nolte a la batería se permite la merecida consagración en un viaje de ensueño, lleno de ecos, tanto sónicos como poéticos.

El sonido es aquel del jazz nu-wave itálico anagráficamente nacido alrededor de los setenta, dispuesto a incorporarse al canon de club lento y ahumado los desvirtuados eléctricos que acercan las “blue notes” a las asperezas de la experimentación. El encuentro entre distintas estéticas es conducido en forma natural, súper fina y nunca por encima de las líneas, implicando al gurú Lucio Dalla en una revisión del standard de Trenet, “La Mer”, aludiendo a las contaminaciones rock en el corte de apertura “John Bonham Strike” y deformaciones rock-caleidoscópicas con progresiones de alucine cósmico davisiano. Aquino trata la materia sonora con tensiones de potencia y calma que no descartan la sacralidad de la magia del canon italiano, infectandolo de sonidos y ritmos proto-kraut (La Strada) con el estupor derivado de las auroras boreales de Nils Petter Molvaer (Vinzela quando parli ) y la experimentación jocosa que intriga y no supone (Ninna nanna per E.T.).

Un modo de componer y tocar que nos gusta, porque hechiza y al mismo tiempo hace pensar en una nueva vía que prosigue el camino pavimentado desde hace décadas por la trompeta estelar de Davis (Melòdia), haciendo palpable la tensión, orientada a pintar las infinitas variaciones sobre el blues (Oslo), prefiriendo la melodía a la matemática rebuscada del free. Cotización ascendente para Luca.

Fuente para la reseña: Marco Braggion para http://sentireascoltare.com/recensioni/luca-aquino-chiaro/

Track Listing – Chiaro

01. John Bonham Strike (L. Aquino) (9:30)
02. La scatola nera degli applausi indotti (L. Aquino) (0:57)
03. Melòdia (L. Aquino) (7:13)
04. Oslo (A. Di Liberto) (6:49)
05. La Mer (C. Trenet) – con Lucio Dalla (6:00)
06. Sopra le nuvole (L. Aquino, G. Grasso) (4:00)
07. Medley:
A) Angolo suite cerca disperatamente salotto in legno massello stile barocco, uso camino (L. Aquino) (8:01)
08. B) La Strada (N. Rota) (3:23)
09. C) Vinzela quando parli (L. Aquino) (3:58)
10. Ninna nanna per E.T. (L. Aquino) (6:05)

Musicisti

Luca Aquino – Oslo Trio:
Luca Aquino: tromba, flicorno, loop station, elettronica dal vivo;
Audun Erlien: basso elettrico, basso preparato, effetti, sintetizzatore Casio;
Wetle Holte: batteria, percussioni, glockspeinel, elettronica dal vivo;

Lucio Dalla: voce e clarinetto #5
Pasquale Pedicini: tastiere #6
Sergio Fanelli, Alba Paraiso, Raffaele Matta: archi #7

tapa aQustico
aQustico (2013)

Basado en sus ofrecimientos registrados hasta el momento, uno podría tener la impresión que el trompetista italiano Luca Aquino tiene las raíces de los legendarios exploradores italianos en su ADN musical. Mientras Colón, Vespucio y otros tuvieron que navegar en aguas desconocidas, Aquino (que se traduce como “poca agua”) sale aún otra vez y entrega riqueza auditiva con aQustico.

En este atractivo e íntimo esfuerzo, Aquino, respaldado por un excelente grupo de acordeón con sección rítmica, explora extendidas texturas musicales y entrega un intrigante conjunto de siete retratos sónicos. A diferencia de algunas de sus grabaciones anteriores, aQustico no emplea ningún efecto electrónico. Esto es una exposición completamente acústica en la cual Aquino y equipo son libres de confiar en sus personales declaraciones musicales y su comunicación colectiva. El repertorio se compone principalmente de sencillas y elegantes melodías -principalmente temas modales y escalares son casi como folk- seguidos por largas improvisaciones. Variados interludios rítmicos dentro de cada selección generan adecuada tensión y resolución. El estímulo es predominantemente baladístico y bello (“Chet e Liz”). Hay algunas ideas de libre improvisación (“Japan Pop”) y un poco de jazz straight ahead.

Aquino tiene un precioso sonido de trompeta y flugelhorn que resuena bello y vulnerable -hay la voz de un niño cantando allí. Sus improvisaciones, más melismáticas que boppish, son muy largas exploraciones de tonalidad como cintas y gotean de íntima expresión (“Mastroianni,” “Aqustico”). Algo de su trabajo aquí respetuosamente recuerda a Chris Botti, Chet Baker y Miles Davis. La duplicación de los vientos de Aquino con el acordeón del talentoso Carmine Ioanna y con el piano de Sade Mangiaracina piano es sencillamente magnífico (“Aqustico”). Tanto Ioanna como Mangiaracina están sumamente involucrados en la pintura del tono en todas partes y ofrecen solos que refuerzan la reservada y algo romántica naturaleza de las selecciones (“La Ninna Nanna del Capitano”). El bajo de Giorgio Vendola es robusto y la percusión de Alessandro Marzi es tan sabrosa como lo que ocurre alrededor de él (“Incerto”).

Si los genes presentes en Luca Aquino son exploradores-intensivos o no, aQustico es un sólido navío artístico que conduce la imaginación a las orillas de la belleza, la riqueza y a una abundancia de alegría. Todo a bordo esto van a bordo.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/aqustico-luca-aquino-tuk-music-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – aQustico

1. Mastroianni (Sade Mangiaracina) (5:46)
2. Aquistico (Luca Aquino) (10:49)
3. Chet e Liz (Luca Aquino) (4:08)
4. 1/2 Cuba Dani Kira (Luca Aquino) (5:29)
5. Incerto (Giorgio Vendola) (4:40)
6. Japan pop (Luca Aquino) (7:47)
7. La ninna nanna del Capitano (Luca Aquino) (5:52)

Artist List

Luca Aquino: trumpet and flugelhorn
Carmine Ioanna: accordion
Sade Mangiaracina: piano
Giorgio Vendola: bass
Alessandro Marzi: drums and percussion

tapa Rock 4.0
Rock 4.0 (2014)

La sorpresa Luca Aquino, uno de los trompetistas europeos más requeridos de hoy, vuelve a su primer amor, el rock, recuperando en clave de jazz los hits de sus héroes de juventud como Bob Dylan, Neil Young, Radiohead y los Doors. Un año después de su último álbum “aQustico”, en enero estará listo “OverDOORS”, el nuevo disco-tributo a Jim Morrison y a sus favoritos Doors. Pero antes el músico festeja sus 40 años con Rock 4.0, anexo al magazine Musica Jazz de julio-agosto. Al concluir un intenso tour mundial entre Europa, África y Japón, Aquino ha reunido a sus compañeros de viaje para registrar, entre París y Benevento, un álbum de composiciones originales y libres reinterpretaciones de algunos clásicos del rock.”En mi vida”, confiesa Luca, “he amado mucho el rock, pero sólo mediante el estudio y la práctica del jazz he podido comprender plenamente la belleza y la fuerza de esta música. Rock 4.0 es una fiesta, simple y ruidosa, entre guitarras distorsionadas, cervezas y Converse coloradas”.

No es un fenómeno, ni un chico prodigio como brotan tantos hoy, al contrario, él ha pensado mucho antes de elegir la música, pero hoy Aquino tiene un cuaderno lleno de compromisos, discos, conciertos y proyectos que lo mantendrán ocupado durante buena parte del año. De gira por Europa con su grupo o con el cuarteto de Manu Katché, el superbaterista de Peter Gabriel y Sting, Luca tira fogonazos de romanticismo de la trompeta que como un autodidacta puro ha descubierto. Un amor nacido tarde, primero incierto, interrumpido entre dudas e incertidumbres y luego retomado hasta el asombroso estallido actual. Aquino vive entre su Benevento nativo, París, Roma y dónde va tocando, un carácter brillante, melena rebelde y su amado terrier Jack Russell que siempre se ofrece detrás. Lo ha llamado Chet en honor del sublime trompetista Baker que, después de Miles Davis, es uno de sus grandes maestros. “Es cierto, he comenzado tarde, a los veinte años. No he estudiado en el conservatorio ni en la Berklee School como se usa hoy. Solo sé que un día mi tío, saxofonista, me regaló una vieja trompeta y empecé a soplarla con placer. Pero mi música siempre había sido el rock, de Jefferson Airplane a Led Zeppelin, hasta los predilectos Doors. Que no he traicionado, sino que busco ahora de develar el lado alegre de Jim Morrison que ciertamente existe. Es cierto que en la película de Oliver Stone parecía un condenado, pero en mi próximo disco quisiera que emergiera un Morrison más despreocupado”.

Luca parte desde lejos para narrar su descubrimiento tardío y problemática del jazz: “Mi padre era un comerciante, yo estaba en Economía y el comercio iba muy bien. He entrado en crisis hasta vender la trompeta. Cuando conseguí la licenciatura, mi padre para celebrarla, me ha sorprendido con el regalo de una trompeta nueva. Ha sido el momento más tierno de mi vida que ha cambiado todo. Y hoy papá es uno de mis hinchas más encarnizados”.

¿Cómo explica una desenvuelta mutación del rock al jazz? “No logré conectar el sonido de mi trompeta al rock y, a los 21 años, he entendido que con el jazz venía mejor. Miles Davis ha sido mi primer héroe. En Benevento he seguido los seminarios de Paolo Fresu y he quedado fulgurado por el sonido bellísimo de su trompeta. He seguido con sus seminarios de Nuoro y Paolo se ha convertido con el tiempo en consejero y productor de mis discos para su etiqueta Tuk. He seguido con atención también trompetistas contemporáneos como Jon Hassell, Thomasz Stanko y Nils Petter Molvaer”. A Hassell, colaborador de Brian Eno, lo ha conocido también de cerca: “He compartido con él un proyecto dedicado a Gil Evans. Es un filósofo, un gurú, un lobo también en la vida, hambriento de música. Hasta tres días antes del estreno, en las pruebas dejó abiertos muchos interrogantes, que se disolvieron como por milagro solo durante el concierto.”

Aquino no es un fundamentalista del jazz pero tiende al melting-pot más variado: “Hay jazz y jazz. Está aquel con la “J” mayúscula y aquel con muchas “Z”, que son para mi las otras músicas, del pop a la electrónica. Personalmente, amo la melodía, soy un romántico-reflexivo. Hace un mes me he embelesado escuchando por casualidad la voz de Toto Cutugno.”

Con Lucio Dalla ha inventado un sugestivo dueto sobre La mer de Charles Trenet que se desprende tanto del álbum “Dalla in Jazz” como de aquel de Luca, “Chiaro”. “A Lucio lo he encontrado durante un espectáculo del pintor Mimmo Paladino, que es un amigo de la familia. Hemos improvisado junto un dueto para trompeta y clarinete, y él me ha dado las felicitaciones. Le he preguntado si tenía ganas de registrar conmigo La Mer. Me contestó que sabía hablar perfectamente la lengua, pero que nunca había cantado en francés. Con la base ya lista, cuando lo alcancé en Bologna, descubrí que no sabía tanto el francés, pero luego cantó con gran profesionalidad. He tenido poco tiempo para conocerlo, pero me bastó para sentir que tenía una gran disponibilidad y pasión por la música. Lucio era arte puro”.

Chiaro, seguido después por aQustico con todos temas originales, también ha sido el álbum que le ha propiciado el feliz encuentro con Manu Katché: “Le gustó tanto que me contactó para que me sumara a su cuarteto. Tocamos juntos desde hace un par de años. Katché es uno que va a alta velocidad y hace mucho free. Las primeras exhibiciones fueron mal y pensé que me echaba. Luego me he empeñado y ahora todo hila bien”. Con Katché, Aquino ha registrado el álbum “Live in Paris” que saldrá a la venta en setiembre por el sello alemán ACT.

Sueños, proyectos especiales? Luca Aquino revela uno sorprendente: “Soy un apasionado de Umberto Nobile y de sus aventuras en el Polo Norte. Nobile era irpino de Avellino, no de Benevento, y sobre él estoy muy documentado. He leído todo, he visto lo filmado, pero nadie ha pensado nunca acompañar sus viajes con la música. El sueño es el de viajar junto a Nobile con mi música y mi trompeta. Antes o después sucederá.”

Fuente para la reseña: http://www.repubblica.it/spettacoli/musica/2014/08/06/news/luca_aquino_il_jazzista_che_ama_il_rock_adesso_vi_mostro_il_jim_morrison_pi_scanzonato-93263922/

Track Listing – Rock 4.0

01. Sarè (1:03)
02. The Crystal Ship (2:42)
03. Mapa (0:37)
04. Sfrikix (4:21)
05. No Surprises (3:54)
06. Dancing With Lee (0:25)
07. La volata (2:29)
08. Sugar Mountain (3:22)
09. B (1:37)
10. Knockin’ On Heaven’s Door (3:19)
11. Light My Fire (5:08)
12. Indian Summer (5:16)
13. Fascino (1:25)
14. Sinfonietta per Doris (4:27)
15. Scacco matto (0:36)
16. Country Fuzz (2:50)
17. 111 (3:14)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, sax horn, electronics
Raffaele Casarano: tenor sax, electronics
Marco Maria Bardoscia: double bass, bass
Dario Congedo: drums

with
Javier Girotto: flute, soprano sax, baritone sax (tracks 4, 10, 11, 12, 14)
Kekko Fornarelli: piano (track 10)
Antonio Jasevoli: Guitar (tracks 5, 8)
Dario Miranda: bass (tracks 1, 9)
Giovanni Imparato: percussion, voice (track 11)
Clausio Coccoluto: beats, arrangement (track 17)

tapa OverDOORS
OverDOORS (2015)

 

El Aquarius Theatre de Hollywood fue el lugar del relanzamiento en vivo de The Doors en 1969, en un período que hasta entonces había estado lleno de vicisitudes y problemas en el seno del histórico grupo estadounidense. Y a nosotros nos gusta confiar en el igualmente acuático, acústico, claro y lunar (si no otro, parafraseando los numerosos juegos de palabras que encontramos en los títulos de sus anteriores trabajos) Luca Aquino, para celebrar la banda y darle otro presente.

He aquí explicado el título, OverDOORS, que entrega una nueva “llave” de lectura a las famosas “puertas” de la percepción.

Una convencida e innovadora vuelta al pasado que implica también la cubierta de autor del dibujante Francesco Bongiorni, milanés viviendo en Madrid, que ha colaborado con revistas del calibre del New York Times y El Mundo, para citar sólo algunas de ellas. El artista ya había realizado para nosotros la primera salida del catálogo de nuestro sello, el doble cd Songlines/Night & Blue de Paolo Fresu Quintet.

El trompetista Luca Aquino publicará pues el próximo 21 abril su tercer álbum producido por el sello Tǔk Music (distribución de Ducale Music) de Paolo Fresu

El disco es pues un personal tributo a su banda de rock preferida, The Doors, y llega después de la experiencia de aQustico y dos años después de un tour mundial con el grupo del baterista Manu Katché.

El sonido comienza por la experiencia nórdica de Chiaro, pero igualmente prosigue hacia una nueva dirección. Las relecturas del repertorio de The Doors son libres y desenvueltas, Aquino se inspira en las melodías originales para hacerlas propias y crear algo inédito con arreglos decididos. Para acompañarlo en esta aventura están Darío Miranda al bajo eléctrico, Antonio Jasevoli en la guitarra y Lele Tomasi en la batería. Tres son los indispensables cameos vocales: Petra Magoni, Carolina Bubbico y Rodolphe Burger.

La pasión de Aquino por el rock se remonta a sus primeras escuchas musicales; descubre a Miles Davis y a Chet Baker en una segunda instancia y sólo posteriormente se apasiona por el jazz, manteniendo siempre un enfoque transversal donde elementos como el rock y la electrónica se funden en forma natural a la música afroamericana.

Leemos en las liner notes del cd “En el jazz están de moda los tributos y hoy la tendencia es declararse rockero. Por estas razones, he frenado, a lo largo del tiempo, el deseo de dedicar un álbum a los Doors, mi banda preferida en absoluto. Luego, ha prevalecido el amor por Jim Morrison y sus compañeros. OverDoors ha madurado con fuerza entre algunas dificultades. La primer duda surgió sobre la elección de los tema: los habría reexaminado a todos. La otra profunda indecisión que ha resonado en mis pistones fue, en cambio, alimentada por las distintas posibilidades de relectura de los pasajes de la histórica banda californiana. Una única pregunta por meses: ¿un enfoque de cover o una autónoma reelaboración musical? Al fin he recorrido ambas sendas, calzando Converse, sintiéndome libre de desentrañar y recomponer Light My Fire, sino también de cantar la letra y soplar melodías etéreas y eternas como Blue Sunday y Yes, The River Knows. Tengo curiosidad de hacer escuchar el groove de Waiting for the Sun a Carlo, Piero y a otros amigos con los cuales, sentados sobre una banqueta, soñábamos viajando en las notas de LA Woman”.

Fuente para la reseña: http://italia.allaboutjazz.com/nuovo-cd-di-luca-aquino-overdoors/

Track Listing – OverDOORS

01. Peace Frog (6:18)
02. Waiting For The Sun (5:26)
03. OverDOORS (1:37)
04. Blue Sunday (5:00)
05. Queen Of The Highway (3:16)
06. Ship Of Fools (5:04)
07. Yes, The River Knows (3:50)
08. Riders On The Storm (4:30)
09. Hyacinth House (6:18)
10. Light My Fire (6:03)
11. Indian Summer (6:44)

All songs composed by Jim Morrison • John Paul Densmore • Raymond Daniel Manzarek • Robert Alan Krieger and published by Doors Music Company, except OverDOORS by Luca Aquino – Tǔk Music • Five Fishes, Light My Fire published by Warner Chappell Music Inc. and Indian Summer written by Jim Morrison and Robert Alan Krieger.

Artist List

Luca Aquino: trumpet and live electronics
Dario Miranda: electric bass
Antonio Jasevoli: guitars
Lele Tomasi: drums
Guests:
Rodolphe Burger: voice and guitars on “Riders On The Storm”
Petra Magoni: voice on “Queen Of The Highway”
Carolina Bubbico: voice on “Indian Summer”

Apunte: Luca Aquino es un trompetista, flugelhornista y compositor nacido el 1 de Junio de 1974 en Benevento, antigua ciudad del sur de Italia. Aquino tiene un sonido inconfundible, melodioso, reconocible a primera escucha, hecho de un perceptible vibrato, de notas disminuidas que no encuentran una conclusión, como invernando en el tiempo a la espera de que lleguen las siguientes. Rasgos escandinavos para un músico mediterráneo. Dotado de gran sensibilidad por la melodía, la perfección del sonido y la musicalidad del silencio, no desdeña el uso de la electrónica. Hechas estas aclaraciones (que aparecen en su biografía), este megapost parcial de la discografía como líder del trompetista, pretende dar a conocer la música de un “jazzista que ama al rock”, pero que felizmente es mucho más que eso, algo que queda demostrado en las diferentes direcciones musicales que recorren estos álbumes. Que lo disfruten. Saludos!

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The Watershed
abril 10, 2016, 7:01 pm
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tapa Inhale-Exhale
Inhale / Exhale (2016)

Este es un álbum que al principio, parte de la nada y que a la llegada bordea verdaderas cumbres.

Al principio, digamoslo, es el encuentro de amigos músicos que se presentan cada uno con absolutamente nada, solo con algún riffs, y que hacen girar la improvisación. Y esos amigos entonces piensan que está ocurriendo algo, que se encontraron de inmediato, fusionándose al punto que se dicen que con esto mínimo podrían entrar en el estudio. Entonces, tan pronto lo dicen, lo hacen.

Y para la llegada, digamoslo, un álbum superior y que no se parece a nada más. Que se querría aferrar a algunas influencias y que no llegaría más allá. Porque este álbum lleva en él su propia identidad y sobre todo su extrema riqueza musical.

¡ Son locos los matices de este álbum ! Que en la misma pisada puede pasar así de un pop-jazz evanescente a extremos potentes y muy rock. Donde las cinceladas sublimes de Christophe Panzani al tenor encuentran muchos contrastes en la guitarra de Pierre Perchaud, ya sea eléctrica o acústica. Es un groove grave a lo Hendrix o bien son refinadas delicadezas. Y siempre pasa algo nuevo. Lanzan tres notas de salida y esto gira. Pero no solo para girar, sino también para instalar climas, ambientes, sonoridades como sobre en la pista del titulo que evoluciona en diferentes espacios como cambiantes polvos de oro.

Pierre Perchaud que se había perdido un poco durante sus escapades con la ONJ vuelve aquí particularmente inspirado. Sus sonoridades muy rock se casan a las mil maravillas a las muy jazz de Panzani sea que estas pertenezca al tenor (que fraseo, Dios!) o al clarinete bajo. Christophe Panzani que, hay que recordarlo, tuvo mucho tiempo el pupitre de saxo tenor en la orquesta de Carla Bley, lugar de pocos.

Detrás, esto está siempre asegurado con un Karl Jannuska dantesco como de costumbre. Uno de los más grandes bateristas que cuenta este hexágono.Y Tony Paelemean que de un álbum en álbum se revela aquí bastante demostrativo, alternando nuevamente entre el piano acústico y el eléctrico.

Asistimos al nacimiento de un grupo absolutamente notable, donde cada uno de sus miembros parece prestar una atención y cuidado en cada una de sus intervenciones, con empatía total con los otros tres.

Esto es fuerte, a menudo es conmovedor, esto viaja y nos lleva.

Inspire / Expire y deje llevarse por este álbum absolutamente espléndido y que dice mucho sobre este jazz del mañana que se acecha y hacia quien se abren puertas muy prometedoras.

Fuente para la reseña: Jean-Marc Gelin para http://www.lesdnj.com/2016/01/the-watershed-inhale-exhale.html

Apunte: Si bien Inhale / Exhale parece no tener una dirección musical clara, porque con el vehículo del jazz van y vienen de lo progresivo al rock, creando melodías identificables, inspirándose en músicas repetitivas y minimalistas, jugando sobre los climas que crean, o teniendo momentos más experimentales, es muy interesante el espíritu que envuelve a todo el proyecto. Cuando la música gana en intensidad (por ejemplo en “Fat Bum” o “Peter Hot Father”), la cosa se pone más jugosa, y nos deja la esperanza de un buen futuro para este talentoso grupo.

Track Listing

01. Watershred (4:02)
02. Diana (3:11)
03. Peter Hot Father (5:44)
04. Pas de deux (2:02)
05. Inhale – Exhale (5:10)
06. Dark Water (2:32)
07. Bright Sun (4:57)
08. HKJ (0:38)
09. Tricle-down (2:05)
10. Fat Bum (5:13)
11. Running Water (5:09)
12. Vermilion Sky (4:09)

Enregistré au Studio des Bruères à Poitiers (86) en octobre 2014.

Artist List

Pierre Perchaud: guitar
Christophe Panzani: tenor saxophone, bass clarinet
Tony Paeleman: keyboards
Karl Jannuska: drums

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