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Laurent Rochelle Okidoki Quartet
septiembre 18, 2016, 9:25 pm
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Si tu regardes (2016)

Laurent Rochelle forma parte de esos músicos desgraciadamente demasiado discretos. Se lo había visto a comienzos del siglo con Monkomarok, un trio posteriormente aumentado con la cantante Alima. Al mismo tiempo, había iniciado el Lilliput Orkestra, un cuarteto instrumental de alto vuelo. Independientemente de estas dos experiencias, entre 2005 y 2012, participó en el espectáculo Princesas olvidadas o desconocidas cantado por Catherine Vaniscotte, en Bouffeurs de nuez de Damien Poupart Taussat, formó un dúo con Marc Sarrazy del cual salió “Intranquillité”. También ha formado la GLE, una big band con acentos de Frank Zappa, fruto de la combinación de Lilliput Orkestra con el Grand Chahut Ensemble; de esto salió un disco, “Suites erratiques”. También hizo música improvisada con Dieter Arnold, escribió mucho y tocó para espectáculos de marionetas. Se trata pues de un músico prolijo cuya discreción mediática significa ante todo que la creación no se negocia.

En Si tu regardes, encontramos al baterista Eric Boccalini, que toca en dúo con Didier Dulieux y colaboró mucho tiempo con Didier Labbé, el pianista Frédéric Schadoroff, así como el contrabajista Olivier Brousse que ya estaba en Lilliput Orkestra. Y luego la cantante Anja Kowalski que interviene en tres piezas entre las que está el muy bello « Morgen » al inicio del álbum. A petición de Laurent Rochelle, el canto está aquí mayoritariamente en alemán porque, para él, se trataba de integrar esa voz y esa lengua con su textura, su tesitura, sus sonidos. De sacarlo de la materia. Y de hecho, se trata de un disco delicado compuesto de fieltro y madera. Algunas veces, las frases son nerviosas, como el piano de Frédéric Schadoroff en « Synchronicity ». Otras veces, estas deambulan al igual que el clarinete bajo en « Si tu regardes ». Pero, de un extremo a otro, se trata de un álbum sutil, lleno de poesía, que ha sido objeto de tres años de escritura. Es poco sorprendente por parte de un músico que mantiene su libertad creativa al punto de haber montado Linoleum, su propio sello discográfico.

El disco se cierra con « Zeit », poema musical y contemplativo, y « Le temps oublié », un delicioso salado-azucarado donde piano y clarinete se cruzan y se recruzan tejiendo un universo melancólico. Es simplemente muy refinado, como el conjunto de este álbum que Laurent Rochelle realizó con la precisión de un orfebre.

Fuente para la reseña: Gilles Gaujarengues para http://www.citizenjazz.com/Laurent-Rochelle-Okidoki-quartet.html

Apunte: Este primer disco del Okidoki Quartet contiene diez composiciones originales inspiradas en músicas modales repetitivas o minimalistas. Si tu regardes seduce por la creatividad de su propuesta, la delicada elaboración, las altas dosis de lirismo, el necesario fragor cuando la música lo requiere, y todo esto sin dificultar al oyente el acceso al material. Bellas melodías hipnóticas para embarcarse en un viaje interior. Discazo, si.

Track Listing

01. Morgen (6:32)
02. Airports (5:43)
03. Synchronicity (9:08)
04. Cévennes (7:27)
05. Echo bird sing her song to me (8:53)
06. Okidoki blues (1:33)
07. Okidoki (5:35)
08. Si tu regardes (9:02)
09. Zeit (7:04)
10. Le temps oublié (4:37)

Enregistré récemment à Toulouse, France.

Artist List

Laurent Rochelle: clarinette basse, sax soprano, compositions
Anja Kowalski: voix, textes
Frédéric Schadoroff: piano, effets
Olivier Brousse: contrebasse
Eric Boccalini: batterie

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David Brito
septiembre 16, 2016, 7:34 pm
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Tendencia Nueva (2015)

La mezcla del jazz y la música venezolana es una Tendencia Nueva y también el nombre que lleva el material discográfico de David Brito, músico venezolano residenciado desde hace 11 años en Suiza. El cd trae un repertorio original y poco común en este género que experimenta junto con otros cuatro músicos provenientes de Brasil, Isla Mauricio y Suiza. Los jóvenes, de diferentes raíces, lo acompañan con el piano, la guitarra, la batería y la percusión.

El álbum juega con la armonía y la libertad rítmica, pero anclado en el sentir venezolano. Los nombres de los nueve temas hablan de la travesía de vivir en el país de la bandera tricolor, Ruta 6 es uno de ellos. “Quise expresar con melodía las imágenes que vienen a mi cabeza, la vivencia de montarse en un bús aquí en Maracaibo”.

“Para poder traducirlo a música utilicé escalas que representan tensión”. Brito asegura que no fue fácil explicarle a sus compañeros el significado de lo que debían componer. Sin embargo, siempre sintió receptividad de su parte al hablarles del proyecto aún y cuando asegura que la música venezolana no es tan reconocida internacionalmente.

Aunque el lanzamiento del disco es en abril, en Suiza el quinteto ya se ha presentado en diferentes auditorios. “Me he dado cuenta de que a la gente le gusta, creo que nos va a ir muy bien con el proyecto”. Su plan es traerlo también a Venezuela.

Travesía de ensueño

Desde muy pequeño David sintió inclinación por la música clásica, el jazz y el contrabajo. Su carrera dentro de la música comenzó cuando inició sus estudios en el Conservatorio José Luis Paz, aquí en Maracaibo, donde se formó durante ocho años. Cuenta que todo comenzó en 2003, después de recibir la visita de Mrc-Antoine Bonanomi, contrabajista de la Orquesta de Cámara de Lausana, en Suiza. El profesor notó el interés de Brito por el instrumento y le sugirió tomar clases en el conservatorio que él tenía a cargo. Y así lo hizo.

Llegó a Suiza ese mismo año, su plan era cursar la maestría en Enseñanza Instrumental y regresar a su país natal. Pero nunca compró su ticket de vuelta. En ese entonces las oportunidades comenzaron a florecer, en 2009 obtuvo el título como Concertista y tiempo después se especializó en el jazz. Años más tarde contrajo matrimonio y formó su familia. Tiene dos niños y vive en Belmont, un pequeño pueblo en Lausanne. Desde allí sigue soñando.

Metas cumplidas

David Brito es profesor en el Conservatorio de Lausanne, donde enseña a tocar el contrabajo en la categoría pre-profesional, también forma a otra categoría en pedagogía. Es miembro del grupo Ochumare, de la violinista y cantante Yilian Cañizares, con quien participa en conciertos y tournées en las salas y festivales más importantes de Europa y América.

Fuente para la reseña: Andrea Terán para http://www.laverdad.com/arteyocio/62713-venezolano-marca-en-suiza-una-tendencia-nueva.html

Track Listing

01. La Onda de un Vestigio [05:58]
02. Recuerdos Decembrinos [04:51]
03. Guillermito el Guerrero [05:03]
04. Ruta 6 [03:11]
05. La Ruta de un Amanecer [08:01]
06. Merengue para Rolando [04:14]
07. Herencias [06:34]
08. Charito [05:01]
09. Mima’s Vals [03:27]

Artist List

David Brito: double bass
Oliver Pellet: guitar
Jerry Léonide: piano
Florian Haas: drums
Edwin Sanz: congas

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Gilad Atzmon & The Orient House Ensemble with Robert Wyatt and Guillermo Rozenthuler

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Musik / Re-Arranging the 20th Century (2004)

Mi primer contacto con la música de Gilad Atzmon no ha podido ser más fructífero. Atzmon es, además de instrumentista y compositor, escritor. De origen israelí todo en él rezuma compromiso social y crítica política. Si nos quedamos expresamente con este “Musik” ya en el mismo título encontramos el primer mensaje: Music (terminado en C) “tiene connotaciones de industria cultural anglosajona. Por eso he preferido escribir el título con K, para apelar a un entendimiento más germánico, más europeo, lo que implica una búsqueda del placer y la belleza más allá de las cuentas de resultados”. El subtítulo también resulta clarificador: “Reparando el siglo XX”.

Atzmon es un defensor declarado de la causa palestina y enemigo de lo que él denomina “las fuerzas BBS, por Bush, Blair y Sharon. (…) básicamente, las BBS son sirvientes del capital”. Musicalmente critica que pop y rock (movimientos que él entiende inicialmente contestatarios) se han convertido en una música globalizada “que sólo proyecta valores como el reinado del consumo, la supremacía de la lengua inglesa y la omnipresencia y superioridad de los Estados Unidos en todos los aspectos de la vida…”

Vaya esto por delante del análisis en sí mismo del trabajo discográfico de Atzmon para entender algo más la personalidad sonora de este disco. “Musik” es un entramado sonoro realmente complejo donde se dan cita innumerables estilos más allá del jazz en si mismo. Quizá sea el jazz y la improvisación lo que unifica el resultado final del CD pero en él nos encontramos con el tango argentino (voz incluida del argentino Guillermo Rozenthuler), sonoridades varias de la música oriental o, incluso, música callejera y cabaretera en un delirante recorrido por el siglo XX (en el tema que es subtítulo del título).

Es “Musik” un disco denso, intenso y que gana con el paso de las escuchas. Mucho se dice de voz (textos del propio Atzmon) pero más se dice con una música llena de armonías y colores muy diversos, ritmos cambiantes y ricas instrumentaciones, donde se busca la liberación del pueblo americano (“Liberating the American People) con sonidos más orientales que occidentales y se termina desdramatizando en un divertido “track” fantasma final.

Nota: los comentarios entrecomillados de Gilad Atzmon pertenecen a una entrevista de Fernando Neira publicada por el diario “EL PAIS” en Diciembre de 2004.

Reseña de Carlos Pérez Cruz para http://www.elclubdejazz.com/discos/atzmon_gilad_musik.html

Apunte: Su música es en buena medida una expresión de sus convicciones. Sin ir más lejos, su disco MusiK: re-arranging the 20th century (ENJA, 2004), es una obra cargada de ironía y compromiso, que juega, por ejemplo, a combinar elementos musicales judíos y árabes obteniendo una belleza que adquiere un valor metafórico evidente. Las músicas folclóricas de la Europa oriental enriquecen el jazz de Gilad Atzmon, que no pierde en ningún momento el contacto con la raíz bebop. En su anterior trabajo, Exile (ENJA/TIPTOE, 2003) – Premiado en los BBC Awards y en la revista Time Out como Mejor Álbum de Jazz del Año-, Atzmon y su Orient House Ensemble también trataban de transmitir el sufrimiento palestino y defendían la diversidad cultural mediante un colorido juego de mezclas musicales, no exento de provocación.

Fuente para el apunte: José Manuel Gómez para http://blogs.tiempodehoy.com/locrudoylococido/2012/10/31/gilad-atzmon-en-el-bugui/

Track Listing

1. Joven, Hermosa y Triste (5:55)
2. Surfing (5:28)
3. Liberating the American People (8:31)
4. Tutu Tango (4:52)
5. musiK (4:58)
6. Re-Arranging the 20th Century (8:18)
7. Lili Marleen (5:09)
8. And She Is Happy (7:43)

All compositions by Gilad Atzmon except (1) music by Gilad Atzmon, words by Gilad Atzmon and Guillermo Roeznthuler, (6) music by Gilad Atzmon including « It Ain’t Necessarily So » by Gershwin-Gershwin, « Roll Out the Barrel » by Vejvoda, « Mack the Knife » by Kurt Weill, words by Robert Wyatt, (7) by Norbert Schultze and Hans Leip.

Recorded at Eastcote Studios, London.

Artist List

Gilad Atzmon: soprano and alto saxophones, clarinet, sol, trombone, shabbaabeh flute, piccolo
Frank Harrison: piano
Yaron Stavi: double bass
Asaf Sirkis: drums, bandir, riqq
Romano Viazzani: accordion
Dumitru Ovidiu Fratila: violin, trumpet-violin
Robert Wyatt: voice, trumpet (6)
Guillermo Rozenthuler: vocals (1, 2, 5)

Matthaios Tsahourides: pontic lyra, greek bouzouki (3, 7)
Tali Atzmon: vocals (7, 8)

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Joel Harrison

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So Long 2nd Street (Free Country II with David Binney) (2004)

So Long 2nd Street del guitarrista (y aquí cantante) Joel Harrison, como indica su subtítulo, es la segunda entrega (que no parte) o mejor aún la continuación y evolución de Free Country (ACT, 2003).

Con respecto a este disco aparecen varias diferencias. La primera es la formación. Entre el grupo de músicos allí presentes sólo permanece el saxofonista David Binney. En cuanto a los invitados, aparecen de nuevo el magnífico pianista Uri Caine y el organista Rob Burger. En esta ocasión la lista de vocalistas invitados se reduce a Emile Cardinaux y al Total Praise Gospel Choir. Y he aquí otro de los grandes descubrimientos del disco. Joel Harrison aparece como un vocalista con un papel que va bastante más allá de lo puramente testimonial.

El planteamiento es bien sencillo: partir de una mayoría de temas pertenecientes a la música tradicional norteamericana que sirvan como un armazón para la improvisación de los músicos. Joel Harrison además de como cantante demuestra ser un buen guitarrista. Muy interesante. El saxofonista David Binney está a un gran nivel. Es un placer escucharle en los solos que ejecuta en “Galveston” o “I’ll Fly Away”. Entre el resto hay bonitos detalles por medio del acordeón, el órgano, el piano de Uri Caine y especialmente el acompañamiento discreto pero muy efectivo de Todd Isler con sus percusiones que aporta un bonito color a los diferentes temas.

En definitiva, Joel Harrison se encarga de romper el dicho de “nunca segundas partes fueron buenas”.

Reseña de José Francisco Tapiz para http://www.tomajazz.com
Fuente para el apunte: http://joelharrison.com/discography/so-long-2nd-street

Apunte: “Mi objetivo en el primer CD, Free Country era localizar la confluencia entre Miles Davis y Johnny Cash. Esto me permitió combinar simples y eternas melodías country y de los Apalaches con arreglos e improvisación moderna y elaborada, para combinar melodías completamente vocales con aventuras instrumentales. Esta grabación continúa en esa línea, viajando a lo largo de las costuras de muchos estilos de música americana. A diferencia de la primera, sin embargo, he incluido aquí, canciones originales y he salido de las sombras como vocalista principal. Esto es más personal, una declaración íntima, un primer plano en vez de una mirada alejada. Algunos de mis momentos más privados están detallados aquí, enmarcados por las exuberantes improvisaciones de mi banda. Así, un diario de una ruptura, “So Long Second Street”, se sienta al lado de una reconstitución espiritual, “I’ll Fly Away”, y una meditación sobre la muerte se une con una desquiciada odisea del camino, “White Line Fever”. Los términos ‘ecléctico’ o ‘doblamiento de género’ son cada vez más sin significado. Country y jazz podrían ser la puerta de entrada para lo que estamos haciendo, pero estoy seguro de que no se puede etiquetar esta música como “Country-Jazz”. En su núcleo, lo que impulsa este proyecto son grandes canciones. Lo que es importante para mí no es la pureza de estilo, sino la pureza de intención y sentimiento. “Galveston” es una atemporal (si velada) canción anti guerra.”The water is wide” es uno de los más antiguos y más vívidos cuentos de anhelo en el canon western. “Oh Death” es un singularmente escalofriante grito desnudo a la parca -este grupo, a diferencia de otros que he tenido, no está tratando de contar nuevas historias. Estamos tratando de decir las viejas en una nueva forma.” (Joel Harrison)

Track Listing

01. Riding On The Midnight Train (4:42)
02. Galveston (5:21)
03. Shady Grove (4:59)
04. I Am The Light Of This World (4:56)
05. I’ll Fly Away (7:12)
06. So Long 2nd Street (4:11)
07. Waterbound (2:49)
08. The Water Is Wide (3:50)
09. Time Flies (4:28)
10. Oh Death (8:18)
11. White Line Fever (7:26)
12. Wichita Lineman (4:41)

Artist List

Joel Harrison: electric guitar, National Steel guitar, baritone guitar, voice
David Binney: saxophone
Gary Versace: accordion, organ, piano
Stephan Crump: acoustic bass
Dan Weiss: drums
Todd Isler: frame drums, hadjini, misc. percussion
Special Guests:
Uri Caine: piano
Rob Burger: organ
Emilie Cardinaux: voice
[[Total Praise Gospel Choir]]

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Nelson Cascais Decateto

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A Evolução da Forma (2013)

A lo largo de veinte años de actividad profesional, Nelson Cascais se ha consolidado como uno de los músicos de jazz más seguros de Portugal, un bajista impoluto, también un compositor muy interesante y un líder por derecho propio.

Nelson Cascais pertenece a la primera generación de músicos formados en el Hot Club y es también hoy un profesor. En tanto instrumentista, él es reconocido como un oído atento, lo que hace de él uno de los más solicitados bajistas nacionales. Desde 1999, es también el líder de sus combos, para los que compuso y grabó. Su quinteto original no ha permanecido estable, pero Nelson Cascais parece tener una clara preferencia por este formato. Entre los músicos con los que ha tocado -y con quien comparte el mismo concepto estético de jazz, que no cuestiona – están Bruno Pedroso, André Fernandes, Carlos Martins, Jorge Reis, Pedro Moreira, João Paulo, João Lencastre, Mário Laginha, Nuno Ferreira, también Avishai Cohen, Jesus Santandreu, Matt Renzi, Abe Rabade y Jesse Chandler, y otros.

El quinto disco de Nelson Cascais, el más ambicioso de formación: decateto; consta de siete pinturas donde es posible encontrar referencias al universo de Charles Mingus en «Mustafá», a Miles Davis en el fender-Rhodes de Óscar Graça, aquí y allí, en el pesado walking de contrabajo de Charlie Haden, o, por último, de manera más explícita, la referencia a Dave Holland, en la cita de «Conference of The Birds» en «A Evolução da Forma».

El pulso rítmico es una posición dominante en el disco, que se beneficia de la ausencia de guitarra que era hasta aquí una constante en sus combos (sólo el primer quinteto grabó con dos vientos, en lugar de viento y guitarra). El único instrumento armónico es el fender-rhodes de Óscar Graça; pero se trata de una banda de vientos, siete: que ofrecen una generosa paleta de sonidos y autorizan al decateto como una poderosa banda de calle.

No estamos tratando con un quinteto extendido, más bien con «una pequeña orquesta», como Nelson Cascais ha definido. En la forma clásica como él lo entiende, la escritura y la improvisación tienen sus propios espacios, y en este sentido la música del decateto rompe con los proyectos anteriores. Los músicos han sido elegidos a dedo y se manifiestan tanto en la disciplina de la partitura orquestal, como en los solos, auténticos cómplices de la música del director. En los solos brillan Ricardo Toscano y Federico Pascucci en saxos y Diogo Duque en trompeta, pero toda la banda está invitada a solear a lo largo del disco.

Disco de originales, tiene sus mejores momentos en el epidérmico «Mustafá»,en la charanga de «Canto» con la cual cierra el disco, en el curioso e ingenioso «Hurly Burly», un tema donde la “libre improvisación” es sustentada por la progresión del fender-Rhodes, y en los casi 15 minutos de «A Evolução da Forma» que da nombre al disco: una forma que se va diseñando, como un bolero.

A Evolução da Forma es un disco maduro, lleno de bonhomía y gusto por el jazz, sin las precipitaciones tan comunes en los músicos más jóvenes, deseosos de grabar a toda costa. Nelson Cascais esperó el momento adecuado, como él mismo dice. A Evolução da Forma tiene la erudición y la coherencia del momento.

Fuentes para la reseña: http://www.jazzlogical.net/discos/Nelson_Cascais_Evolucao.html; http://a-trompa.net/netlabels/nelson-cascais-decateto-a-evolucao-da-forma

Apunte: “Escribir música para un grupo con varios instrumentos de viento era algo que quería hacer desde hace mucho tiempo. Tuve que esperar el momento adecuado. Ese momento llegó cuando se me permitió escuchar el sonido; y entonces escribí la música; y luego traté de reunir los músicos que estuviesen dispuestos conmigo a dar forma a lo que había diseñado en las partituras. Encontré los elementos perfectos, porque además de maravillosos músicos son también grandes compañeros e intrépidos aventureros; combinación fundamental para hacer música improvisada. Pensé en este grupo no como un combo extendido sino más bien como una orquesta de jazz en formato reducido. La composición tuvo lugar desde esta perspectiva.” (Nelson Cascais)

Track Listing

1. Evolução da Forma (15:03)
2. Zulu Baby (5:29)
3. Mustafa (7:03)
4. Hurly Burly (3:13)
5. Requiem (7:29)
6. Bola de cristal (8:50)
7. Canto (5:32)

Artist List

Ricardo Toscano: sax alto & clarinete | alto sax & clarinet
Federico Pascucci: sax tenor & flauta | tenor sax & clarinet
Paulo Gaspar: clarinete baixo | bass clarinet
Diogo Duque: trompete | trumpet
Nuno Cunha: trompa | horn
Luís Cunha: trombone
Gil Gonçalves: tuba
Óscar Graça: piano & fender rhodes
Nelson Cascais: contrabaixo | doublebass
Bruno Pedroso: bateria | drums

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Matthew Stevens
septiembre 11, 2016, 10:04 pm
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Woodwork (2015)

“El tipo de música que me entusiasma es la cosa más misteriosa, que es como, ‘Hombre, ¿qué es eso?'”, dice el guitarrista Matthew Stevens. “Realmente trato de acercarse a mi escritura e improvisación de esa manera ya sea en mi propia banda o en la de alguien más. Es un momento emocionante y abierto en la música para poder utilizar todas esas diferentes influencias y dejar esto ser lo que es, y no ser como, ‘Bien, esto es una melodía funk, esto es una melodía straight-ahead , esto es más una cosa de rock.”

Stevens, después de años tocando con una larga lista de grandes músicos por propio derecho, como Christian Scott, Esperanza Spalding, Harvey Mason, NEXT Collective y otros, ha esperado pacientemente por el momento de liderar su propia banda. Así, en Woodwork, su álbum debut, pasa a la vanguardia haciendo la música que más le gusta, que es difícil de clasificar. Para cambiar el ritmo, pone su guitarra al frente en la mayoría de pistas dominando las melodías, y el álbum está exento de vientos y electrónica.

“Lo sentí muy personal y tal vez no era lo que se esperaba de mí”, dice, “pero realmente es una gran parte de lo que soy como músico y escritor, y quería asegurarse de que realmente fuera presentado de una manera clara, musicalmente hablando”.

Life+Times habló con Stevens sobre Woodwork y la misión detrás de su primer álbum

Life+Times: ¿Qué hizo ahora que fuera un tiempo ideal para que usted finalmente editara su grabación debut?
Matthew Stevens: Bueno, es una especie de evolución natural para mí. Comencé a grabar un montón de mi propia música en los últimos cuatro años en diferentes situaciones y con diferentes personas. Realmente estaba tratando de no precipitar las cosas y trabajar con una línea de tiempo que considero natural para mí. Es fácil adelantarse y decir, “tengo que tener algo ahora o este año o el próximo año”. O, “Tengo que tener algo con esta o aquella persona”. Realmente, hay tantos caminos diferentes a estos para obtener tu música y no hay ninguna prisa. Me sentí realmente aprendiendo mucho acerca de cómo quería que mi música suene y de cómo quería presentarme. Tuve un montón de experiencias nuevas en los últimos años con un montón de realmente maravillosos diferentes músicos, y pienso que todos ellos contribuyeron para darme un sentido de que es importante para ti y la propia refinación en términos de como tu escribes y presentas tu música. Solamente no quise apresurarlo.

L+T: Probablemente Ud podría haber tenido su selección en términos de con quién desea tocar. ¿Por qué seleccionar la banda que hizo? Qué sonido intentaba capturar?
MS: Puedo llegar a tocar con un montón de grandes músicos de instrumentos de vientos, tú sabes, pero algo que yo realmente quería hacer – fue encontrar que yo realmente quería tocar mis propias melodías. Que era una gran parte de la música y sentí como, “Quién mejor para interpretar mis propias melodías que yo?”. Yo sabía que quería ser la voz al frente y realmente quería que la guitarra estuviera al frente y al centro, y sonara como la fuerza impulsora en la grabación. Por lo tanto, el resto era acerca de cómo completar la instrumentación. Sabía que quería tener a Gerald Clayton tocando el piano -empezamos a tocar juntos con Ben Williams y luego con NEXT Collective y hemos desarrollado una gran relación musical y de amistad. [Bajista] Vicente Archer es alguien que conocí tocando con Jamire [Williams] con ERIMAJ en primer lugar. Nosotros dábamos vueltas [por el estudio en Brooklyn] y pasábamos) mucho tiempo juntos, hablando de música, tocando mucho juntos, por lo que sucedió naturalmente. Eric Doob, el baterista, es uno de más viejos amigos. Él y yo acabamos de tener un verdadero parentesco rítmico, creo. Durante muchos, muchos años de tocar juntos, Eric y yo tenemos una verdadera e interesante dinámica, interpretamos el ritmo de la misma manera. Es casi como que podemos leernos la mente, realmente sentimos la octava nota de la misma manera y realmente quise documentarlo en este registro y tener aquel empuje rítmico. Entonces, yo quería agregar algo más que añadir algunas texturas y dar una sensación tridimensional. Quería otra cosa que no fuera un instrumento de viento, no necesariamente quería ir en una dirección electrónica y teclados o agregar otra guitarra -Paulo Stagnaro es un percusionista. Él y Eric habían tocado juntos un montón. Su padre, Oscar, es en realidad bajista peruano bien conocido en Boston, a quien conocí cuando estuve en Berklee, era profesor allí. Paulo y Eric tienen una fuerte conexión, se siente como tocar con 50 bateristas y era una cosa realmente inspiradora tocar con ellos.

L+T: Desde un punto, es difícil poner el dedo sobre el álbum en términos de género. No hay realmente nada para llamarlo. Al trabajar con Christian Scott, Jamire Williams y otros que tiran desde muchos lugares diferentes, ¿qué has aprendido como artista? ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con todas aquellas personas que trabajan más allá de las fronteras como tu ayudaste a crecer creativamente? .
MS: Que siempre ha sido lo que realmente me excitaba en la música como oyente y ha sido mi estrella guía, algo que siempre estaba tratando de trabajar. En el estudio, usted tiene que romper cosas, en particular las cosas para estudiar. He dedicado mucho tiempo al estudio de los diferentes tipos de música de una manera muy concentrada. Entonces, no hay ese elemento, pero creo que es todo de acuerdo a cómo se mire. Si eres capaz de hacer esas conexiones más grandes y te das cuenta de que está todo conectado -si estoy tocando cualquier tipo de línea de nota octava sobre cambios de acordes, no importa cuán lejos suena, todavía hay una línea directa a Charlie Parker, en mi opinión. Esa es la semilla de la que crece, todo desde allí, y a continuación, ramas son añadidas. Para mí, es más de una actitud. Tienes que centrarte en los diferentes tipos de vocabulario. Trabajando con toda aquella gente, había una verdadera franqueza. Ellos no están interesados en,”tenemos que prestar atención a este o aquel elemento”. Ellos no tienen una agenda para crear algo, esto es más de, “tengo esta idea o esta canción, que podemos hacer para que esto suene mejor?”. Elegir un sonido para el casarse para toda su carrera funciona bien para mucha gente; para mí, sencillamente no ha sido lo que he querido hacer de forma natural.

L+T: Cuales son tus tracks favoritos?
MS: Es difícil, porque para mí, al escribir todos ellos, te gustan todos por un motivo diferente. Todos ellos se sienten como tus niños. Los 12 que usted escucha fueron reducidos dramáticamente -tengo 33 años y he estado escribiendo durante mucho tiempo, entonces tenía mucha música. Me encantan un montón las dos “Ashes”. Simplemente se sienten como un anteproyecto para una parte del álbum, las texturas de la grabación y lo que yo estaba hablando en términos de la conexión rítmica que tengo con Eric y Paulo. “Woodwork” es uno de mis favoritos, porque es una de esas canciones que vinieron rápidamente y de forma natural y es realmente divertido para tocar. Me gusta mucho “Star L.A.”, me gusta mucho “Gently”, la última pista. Ese fue uno de los que no vienen tan fácilmente. La mayoría de estos fueron primeras tomas cuando estábamos grabando sin un montón de sobredoblajes, si los hubiere. A veces, sólo hay un aire en tu sesión de grabación.

Fuente para la reseña: http://lifeandtimes.com/guitarist-matthew-stevens-discusses-debut-record-woodwork

Track Listing

01. Ashes (One) (1:53)
02. Star L.A. (5:01)
03. Woodwork (6:10)
04 Sequel (5:56)
05. Blasted (6:49)
06. Sunday (8:43)
07. Gut Check (2:12)
08. Brothers (3:57)
09. Ashes (Two) (3:38)
10. Uptown Dance Party (3:53)
11. Grown Ups (5:21)
12. Gently (3:26)

Artist List

Matthew Stevens: guitar
Gerald Clayton: piano
Vicente Archer: bass
Eric Doob: drums
Paulo Stagnaro: percussion

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Trish Clowes
septiembre 8, 2016, 10:52 pm
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Pocket Compass (2014)

El ambicioso tercer álbum de la saxofonista y compositora británica Trish Clowes, mezcla cinco nuevas piezas para grupos pequeños y tres colaboraciones a gran escala con la BBC Concert Orchestra. Ella mantiene aquí la improvisación al tope de su agenda, pero también teje en el jazz y en los métodos contemporáneos clásicos; tanto la forma de tocar como el material sugieren que su confianza y autoridad están en una buena racha. Ella irrumpe en el set con erupciones free-jazz del saxo tenor, los rolls de mazos de James Maddren y los acordes opulentamente insistentes de la Orquesta en la apertura, y se deleita en su cada vez más agudo sonido inspirado en Wayne Shorter, sobre los acordes de guitarra apuñalados de Chris Montague en “Question Mark”. Ella es más líricamente emotiva en “Symphony in Yellow”, sinuosa y ligera en “Balloon”, abstracta y multifónica en “Porcupine”, casi entusiastamente a lo Bobby Wellins sobre el tenor en la aérea pieza orquestal, “Chorale”. Todos las piezas son diferentes, y la intuitiva pareja de Clowes con el pianista Gwilym Simcock acerca ecos de Shorter y Herbie Hancock de antaño que es casi mágico.

Fuente para la reseña John Fordham para https://www.theguardian.com/music/2014/dec/04/trish-clowes-pocket-compass-review

Apunte: La joven saxofonista y compositora Trish Clowes está abriéndose paso en la escena musical británica a fuerza de explorar las tierras entre el jazz y la música contemporánea. Debuta como líder con el disco “Tangent” (Basho Records, 2010) recibiendo elogios por su integridad, luminosidad y ambición. Al suceso de su primer álbum, le sigue el hecho de que Jamie Cullum, Gilles Peterson y Jez Nelson la seleccionan para actuar en en el BBC Introducing stage at Cheltenham Jazz Festival 2011. Luego de eso siguieron actuaciones en escenarios importantes (Royal Albert Hall y actuando de soporte para Regina Carter en el London Jazz Festival 2011). Para su segundo álbum, “And in the night-time she is there” (Basho Records, 2010), Clowes trabajó nuevamente con el Tangent Quintet al cual agregó un cuarteto de cuerdas liderado por Thomas Gould, además de la vocalista invitada Kathleen Willison. Pocket Compass (Basho Records, 2014), también grabado junto al Tangent Quintet fue presentado en el EFG London Jazz Festival 2014 junto con el estreno de su primera comisión para la BBC, “The Fox the Parakeet & The Chestnut”, un evento que fue la culminación de sus dos años como artista de la nueva generación de la BBC Radio 3. Esta comisión de Clowes también ganó la categoría “composición de jazz contemporáneo’ del BASCA British Composer Awards 2015. El actual proyecto de Clowes, “My Iris”, destaca al pianista/organista Ross Stanley, al guitarrista Chris Montague y al baterista James Maddren y según su página web estarían grabando este año para lanzar el nuevo disco en Enero del 2017. Recientemente, Clowes ha sido designada en la Guildhall School of Music & Drama como profesora de saxofón de jazz e improvisación.

Track Listing

1. Radiation* (7:16)
2. Question Mark (6:57)
3. Porcupine (6:54)
4. Symphony In Yellow (9:03)
5. Balloon* (7:57)
6. Pfeiffer and the Whales (5:33)
7. Wayne’s Waltz (6:38)
8. Chorale* (6:37)

All music written and arranged by Trish Clowes

Artist List

Trish Clowes: tenor and soprano saxophones
Gwilym Simcock: piano
Chris Montague: electric guitar
Calum Gourlay: double bass
James Maddren: drums
*with the BBC Concert Orchestra, conducted by André de Ridder

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