Preso ventanilla


Robin Buyer Sextet
abril 24, 2017, 11:16 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , , , ,

tapa Leave
Leave (2016)

Para ser el supuesto animal de juerga entre los géneros presentes en “A Closer Listen”[1], el post-rock no ha sido exactamente un invitado muy animado hasta ahora este año. Afortunadamente, los novatos del Robin Buyer Sextet han llegado trayendo los proverbiales barrilitos de cerveza y bandejas de DJ para despertarnos de nuestra socialización demasiado civilizada. Los Amigos Británicos tienen una persuasión inclusiva: ignoren el desagradable momento de llamar a un disco Leave (“Partan” o “Váyanse”) y sumérjanse en una fusión catártica y alegre de math-rock, jazz y pop que sin duda será recordada como una de las mejores del 2016 en su género.

Nuestro Rich mencionó a “Shelter” en su artículo “10 temas para empezar tu verano”[2] y la exuberancia, elasticidad y variedad rítmica exhibidos en ese tema, se mantiene a través de las siete pistas, que encajan prolijamente en media hora. A pesar de ser un disco debut para el colectivo de Brooklyn, su fundador y principal compositor Robin Buyer tiene experiencia tanto académica como en otras bandas, habiendo estudiado ejecución de bajo y etnomusicología en la universidad, así como formado parte de un grupo de Gamelanes[3]. Que esto no los confunda, Leave es un disco de sonoridad completamente occidental, basado en un post-rock fundado en lo rítmico (el groove). Lo que lo distingue es su matrimonio de ritmos intrépidos y melodías contagiosas, enriquecidos por una abundante diversidad de instrumentos.

Cada uno de esos instrumentos contribuye significativamente, aunque sin oscurecer a otro -un triunfo tanto de la composición como de la producción. Cada uno conoce su lugar y propósito: la guitarra y las teclas en el centro, suavizando los abruptos cambios rítmicos del bajo y la batería de un lado y, del otro, sosteniendo las melodías que fluyen del violín y el saxo. La variedad e inteligencia de su talento para la música intensamente melódica nos trae a la mente performances como las de los noruegos Jaga Jazzist y The Samuel Jackson Five, pero hay una mayor urgencia en el Robin Buyer Sextet, que está generada por lo ajustado de las composiciones que se desarrollan rápidamente. El segundo tema, “Leave”, uno de los puntos altos del disco, se desparrama con dinámicas y climas, corriendo a través de secciones lideradas por el saxo y la guitarra que son interrumpidas por crescendos tajantes y abruptos con una batería penetrante. Es un comienzo impresionante y el disco entero en adelante apenas se suaviza.

Mucho del estilo math-rock puede eventualmente insistir con tempos y tonos repetitivos. Leave nunca siquiera reconoce tal amenaza, con tantos temas empleando cambios abruptos aunque coherentes, y distinguiéndose al inclinarse a distintos instrumentos. La primera mitad de “Dusked”, dominada por el bajo y la percusión melódica (mallets) crea un inequívoco clima de sala de jazz; para el cuarto minuto se ha transformado en una construcción oceánica de ritmos abruptos, acordes palpitantes y voces expansivas – cuya intensidad aumenta por el control rígido que impone la sección rítmica, aún mientras se apagan los acordes finales. Las acrobacias de la guitarra sobre el ritmo a medio tempo de “Shelter” son suficientes para poner a mover las caderas, pero sólo los más intrépidos bailarines podrían atravesar el final del tema – una clase maestra que se roba el show oscureciendo tramposamente el ritmo debajo de líneas de vientos que fluyen y ganchos melódicos de la guitarra. Simplemente, no se va a ir de mi cabeza.

Con tal progreso comprobable bien temprano en la carrera de la banda, hacia dónde puede ir desde aquí? Quizás la respuesta pueda yacer en la afición de Buyer por la world music. Los “me gusta” de Esmerine[4] ya han demostrado la energía de fusionar su sonido occidental con escalas y voces de medio oriente – sería fascinante ver si esta banda talentosa en grado sumo podría hacer algo similar. Por el momento, estamos más que encantados de que se hayan sumado a nuestra fiesta.

[1] N. del T.: La fuente para la reseña que traducimos.
[2] N. del T.: https://acloserlisten.com/2016/06/13/10-tracks-to-start-your-summer/
[3] N. del T.: https://es.wikipedia.org/wiki/Gamelán
[4] N. del T.: https://en.wikipedia.org/wiki/Esmerine

Fuente para la reseña: Chris Redfearn-Murray para A Closer Listen: https://acloserlisten.com/2016/07/23/robin-buyer-sextet-leave/ – Traducción: Nicolobo Ramos (el quinto Beatle) !!!

Apunte: El bajista y compositor Robin Buyer nació y se crió en el sur de Maryland. Tiene una licenciatura de la Universidad del Noreste en historia y análisis de la música, con foco en etnomusicología y performance de bajo. Anteriormente, Robin tocó y compuso para Gamelan Galak-Tika en Boston y tocó el bajo en la banda de OGR Fortunaut. Actualmente reside en Brooklyn, NY, donde ayuda a administrar Odd Gift Records. Su grupo el Robin Buyer Sextet lanzó Leave su disco debut en Junio de 2016. Y nos gusta mucho.

Track Listing

1. Stasis (1:04)
2. Leave (5:36)
3. Trails (3:37)
4. Shelter (5:16)
5. Dusked (4:50)
6. Still (4:30)
7. Rise (4:10)

Artist List

Robin Buyer: bajo/compositor
Evan Dice: violín
Nick Joliat: teclados
Ryan Kershaw: guitarra
Nick Pope: batería
Dylan Sherry: saxo tenor

Link de descarga
Password: presoventanilla



Jakob Bro
abril 16, 2017, 2:05 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , ,

tapa Gefion
Gefion (2015)

Ser guitarrista en ECM es cargar con una herencia muy pesada ya que la editora alemana fue la primera en percibir los cambios que la guitarra introdujo en el jazz. Cambios – entiéndase – en el sentido de la innovación y de la creatividad porque sí hubo otros cambios, pero en la dirección de la indecencia.

Metheny, Towner, Abercrombie, Frisell, Gismonti (y hasta Derek Bailey) reposicionaron la guitarra en el jazz y abrieron nuevos lenguajes para el instrumento que Manfred Eicher, responsable del sello, supo identificar y promover. Hoy, la posición de la empresa es diferente, mas interesada en mantener el lenguaje del sonido que la ayudó a definirse, como quien cuida un patrimonio. En este contexto, la relación con Jakob Bro es de convivencia, pues parece una forma de retomar la grandeza del pasado para intentar encontrar nuevos usos: un patrimonio vivo.

El sonido de este guitarrista danés funde el brillo melódico de Frisell con la acidez de Abercrombie. El músico comenzó su carrera discográfica en 2003 y llega a uno de los Olimpos de las grabaciones de jazz como líder (ya había grabado anteriormente con el grupo de Paul Motian el álbum “Garden of Eden” en 2004 y después, en 2009, “Dark Eyes”, con Tomasz Stanko), después de 10 discos editados.

En el proceso de digestión y exploración de todas las innovaciones de los años 70 y 80, a las que hoy asistimos en las más diversas áreas creativas, escuchamos con placer el regreso del baterista noruego John Christensen que, a la par de DeJohnette, fue el músico que puso como base las primeras sesiones rítmicas de la casa (Jarrett, Garbarek, Weber, Towner, Rava, Abercrombie, etc.). Reescuchamos con placer su sonido metálico, con el uso intensivo de los platillos cortado con el bombo, y notamos que ahora esta más abierto y abstracto que en otros tiempos

En el contrabajo está el americano Thomas Morgan que ha integrado los diferentes grupos de Bro desde 2011. Ya lo escuchamos en “Communion”, de Joao Lencastre, en una de las grabaciones de André Matos y en otros discos de ECM con Abercrombie y Taborn. Tiene un sonido fuerte y seguro que se integra particularmente bien en el plano musical conciso y simple del guitarrista, manteniendo clara y nítida la estructura melódica.

El disco suena magníficamente inviernoso en sucesivas audiciones. Alegremente lento, es música para ir a ver la lluvia en el campo, con temas de una belleza serena y contemplativa. Previsible en cuanto al sonido, pero no por eso menos interesante en la música, escuchamos una guitarra bellísima, con composiciones que resuelven con elegancia y sorpresa los lugares comunes. Las guitarras de ECM comienzan a regresar a casa.

Fuente para la reseña: Gonçalo Falcão para http://www.distrijazz.com/es/smartblog/77_jakob-bro-trio-cr%C3%ADtica-ao-disco-gefion-na-jaz

Track Listing – Gefion

01. Gefion (10:36)
02. Copenhagen (4:26)
03. And they all came marching out of the woods (4:34)
04. White (5:09)
05. Lyskaster (4:18)
06. Airport Poem (3:32)
07. Oktober (4:21)
08. Ending (2:46)

Rainbow Studio, Oslo, November 1-2, 2013

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Jon Christensen: drums
tapa Streams
Streams (2016)

Streams es el segundo disco para el sello discográfico ECM Records del guitarrista danés Jakob Bro. Antes de su primer compacto, Gefion, Jakob Bro ya había aparecido en este mismo sello bajo las grabaciones del legendario baterista Paul Motian, Garden of Eden, y del trompetista polonés Tomasz Stanko, Dark Eyes. En todos estos proyectos, Bro había dejado siempre su marca personal, tal y como hace de nuevo en su más reciente trabajo, Streams.

Para esta ocasión el guitarrista danés se ha servido de una formación en trío conformado por Thomas Morgan al contrabajo y Joey Baron a la batería. El repertorio de Streams es original del líder de la sesión y la música resultante se mueve entre las reflexiones musicales, la delicadeza, la melodía y las notas musicales no expresadas, en muchas ocasiones tanto o más importantes que las emitidas.

En este trabajo en conjunto (que es como se podría calificar), necesario para los propósitos del guitarrista, la sección rítmica a veces sirve de colchón sonoro para que el líder pueda desplegar su discurso musical entre contemplativo y aeróbico, lo que provoca un juego de espacios sonoros brillantes y emotivos, llenos de riqueza y sutileza. Jakob Bro así mismo sabe imprimir en algunas composiciones cierto carácter explorador, como el homenaje que lleva a cabo al baterista Paul Motian en la composición “PM Dream” y donde Joey Baron da una lección de templanza interpretativa; o de carácter distorsionador como en el tema “Full moon Europa”, o la extraordinaria graduación sonora de “Sisimiut”. También hay que apuntar la pieza a solo que interpreta Bro en “Heroines”.

Finalmente señalar el excepcional trabajo que desarrollan Thomas Morgan y Joey Baron, excelentes a lo largo de toda la grabación, atentos siempre al discurso musical del líder, no se puede esperar menos de dos de los mejores músicos de acompañamiento que hay en la actualidad.

Reseña de Joan Carles Abelenda para http://jazzrecordings.blogspot.com.ar/2016/12/jakob-bro-streams.html

Track Listing – Streams

01. Opal (4:40)
02. Heroines (5:35)
03. PM Dream (9:37)
04. Full Moon Europa (10:19)
05. Shell Pink (8:17)
06. Heroines (Solo) (2:33)
07. Sisimiut (7:30)

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Joey Baron: drums

Apunte: dejé pasar un largo tiempo para despegarme de joyas como “Time”, “December Song” o “Balladeering” para escuchar estos trabajos de Bro. Apenas vió la luz Gefion, tenía muy frescos esos discos con Konitz, Frisell y Motian y debo decir que no lo sentí como un paso hacia adelante. También hay que decir (y no es ningún gran descubrimiento) que estaba casi cantado que Bro inevitablemente fuera a grabar en algún momento como líder para ECM. Manfred Eicher tiene el marco exacto para las pinturas y texturas de Bro. En estos dos álbumes continúa de manera sencilla, donde lo menos es más, intentando mostrar que el mundo puede ser bello. Para eso cuenta con la ayuda de exquisitos músicos que comulgan perfectamente con su propuesta, en especial Joey Baron que está simplemente magnífico a lo largo de todo Streams. El barco de Bro cambia de tripulantes pero no cambia de dirección. Y está bien, no hay ley escrita o algo por sentado que diga que debe olvidar todo lo hecho y arrancar de nuevo. Seguramente, ya llegaran otros vientos.

Password en ambos casos: presoventanilla



Marco Mezquida Trío
abril 14, 2017, 10:33 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , ,

tapa My Friend Marko
My Friend Marko (2013)

Cualquier persona que esté al tanto de lo que sucede en el jazz español actual, sabe que Marco Mezquida es el pianista que más suena ahora mismo, como me comentaba Albert Cirera en una entrevista, Marco toca prácticamente todos los días. Cuando empieza Always late se me echa encima, como de golpe, un disco de hace 50 años, Money Jungle, el trabajo que Duke Ellington, Charles Mingus y Max Roach firmaron en 1962. Llámame exagerado si quieres, pero es así como lo siento. Checkpoint Charly, seguimos en el pasado, cuando el swing era imprescindible, la batería de Carlos Falanga lidera el tempo, el contrabajo de Marko Lohikari se permite pulsaciones clarificadoras y Mezquida nos habla de viejos tiempos, solo falta un poco de humo. My lady loves me in e-flat, desarrollo pianístico anárquico enlazado con todo el romanticismo de la música atemporal, las aguas van formando un cauce seguro, Lohikari explica su historia y poco a poco se construye el guión, el piano como si fuesen dos individuos en un solo cuerpo, un tema para dejar todo lo que estés haciendo, cerrar los ojos y dejar que fluya. Alice, una canción de amor (por que estarán tan desprestigiadas si son tan bonitas). Agustí for president, en honor a su admirado pianista Agustí Fernández (uno de los grandes del free) aunque al principio no lo parece, el tema irá ganando en libertad, más de siete minutos para poder jugar a crear sonoridades, la conjunción entre los tres músicos vuelve a demostrar que este tipo de jazz solo puede darse entre músicos que trabajan perfectamente juntos. Taiko es mou, arrastrando un compás (un vals) que quiere invitarte a soñar escenas de mil películas, casi esperas que una voz (oscura a ser posible) entre en escena, pero no, el trío se basta y se sobra para reinventarse cada minuto (uno de mis temas preferidos) sencillez y complejidad en una sola toma. Dama de Nit, es la composición sin etiquetas, si estuviese en otro disco posiblemente diríamos que es música contemporánea, supongo que Mezquida a la hora de componer no se plantea las etiquetas, sino que de todos sus registros usa aquellos que le convienen. Cançó de Matinada , los tambores tribales del argentino Carlos Falanga inician un tema que fue improvisado totalmente, al principio da la sensación que solo hay un ritmo donde dejan que Mezquida elabore, y nuestro hombre se suelta, como se suelta Keitt Jarreth cuando le viene en gana, sin prisas. Para cerrar, My friend Marko, un minuto de un solo de Marko Lohikari, un contrabajista sueco afincado en Barcelona al que también hay que seguir de cerca. Tengo la sensación que es un álbum que habrá que degustar sin prisas a lo largo del verano o de cincuenta años, nunca se sabe.

Reseña de Candido Querol para http://www.b-ritmos.com/novedad/marco-mezquida-trio

Lista de temas – My Friend Marko

01. Always Late (3:47)
02. Checkpoint Charly (4:55)
03. My Lady Loves Me In E-Flat (6:03)
04. Alice (5:24)
05. Agustí For President 7:48
06. Taiko 6:33
07. Dama de Nit (8:51)
08. Cançó de Matinada (6:53)
09. My Friend Marko (0:52)

Lista de artistas

Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

tapa Cantabile
Cantabile (2015)

Al frente de su trío habitual, Mezquida debuta junto al saxofonista norteamericano Bill McHenry, una de las voces más reputadas del jazz contemporáneo de Nueva York, con quien ha grabado el álbum ‘Cantabile‘. “Se lo propuse porque no es el prototipo del saxofonista virtuoso. Tiene algo al mismo tiempo primitivo y sofisticado. Me parece un artista de la melodía, de los pies a la cabeza”, asegura.

Juntos han grabado un disco accesible y luminoso que incluye un blues y un boogaloo, registros alejados de los territorios más oscuros que explora en sus conciertos en solitario. “También tiene cosas bastante rock. Creo que si soy músico es gracias a las canciones de The Beatles que escuché de pequeño. Pero lo siguiente que haga será un disco de ‘free jazz’. Con mi obra quiero crear una perspectiva artística, que haya una evolución. Que al final la gente venga a escucharme porque cada concierto sea diferente”.

Cantabile: una colección de piezas que son casi canciones, escritas a conciencia para equilibrar las fuerzas de un trío compacto que vuela ligero y un solista que habla despacio porque ya es sabio.

Fuentes para la reseña: http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-festival-jazz-bill-mchenry-4701976 ; http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/marco-mezquida-bill-mchenry-festival-jazz-4706727

Lista de temas – Cantabile

01. Gira (3:16)
02. Jony Style (5:44)
03. Armando Rampas (5:09)
04. Radiohead Montsant Elevation (13:37)
05. Oh Mireia (3:25)
06. 1866 (8:05)
07. Menguante (7:30)
08. Managerini (7:51)
09. Cantabile (5:19)

All songs composed by Marco Mezquida, except #2 by Bill McHenry.
Recorded at 44.1 Studios in Girona, Spain, on April 14, 2015

Lista de artistas

Bill McHenry: saxofón tenor
Marco Mezquida: piano
Marko Lohikari: contrabajo
Carlos Falanga: batería

Apunte: Marco Mezquida, pianista y compositor menorquín (Maó, 1987). Licenciado en en 2009 en el ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña), a sus 28 años, Mezquida se ha convertido en uno de los músicos más valorados y solicitados del panorama jazzístico y las músicas improvisadas en España, como demuestra su intensa y versátil actividad concertística y creativa junto con muchos de los mejores músicos del país. Elogiado por su versatilidad y una potente y magnética personalidad musical, es uno de los artistas más completos y expresivos de su generación. Ha grabado más de 40 discos: 10 como líder y más de 30 grabaciones como sideman. Ha actuado en festivales de 25 países, en 4 continentes; así como en algunos de los clubes de jazz más emblemáticos del mundo, Blue Note de Nueva York, el SF Jazz de San Francisco, A Trane de Berlín, Sunside de París, Unterfarht de Munich, Bimhuis de Amsterdam, Porgy and Bess de Viena, BMC de Budapest, Jazz Station de Bruselas, JKF de San Petersburgo, o el Blue Train de Osaka. Una decena de premios jalonan su fulgurante carrera que combina sus proyectos con la docencia en el superior del Taller de Músics y el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona.

Password en ambos casos: presoventanilla



Charles Lloyd & the Marvels

tapa I Long to See You
I Long to See You (2016)

No he tenido ocasión de escuchar la grabación anterior de Charles Lloyd (“Wild Man Dance: Live at Wroclaw Philharmonic, Wroclaw, Poland, November 24, 2013”), que supuso su regreso al sello Blue Note en 2015, tras 30 años de ausencia. I Long to See You está también editado por el veterano sello de la nota azul, y supone una grata sorpresa de parte de un saxofonista que, la verdad, nunca me ha apasionado.

En esta ocasión le secundan nada menos que Bill Frisell y Greg Leisz, además de los habituales Reuben Rogers y Eric Harland; un potente equipo capaz de levantar cualquier cosa que le pongan por delante. Lo que les pone Lloyd por delante es un variado cóctel en que aparecen tanto clásicos espirituales, repasos a temas ya conocidos de Lloyd, un buen puñado de versiones (Dylan, Ed McCurdy, Billy Preston/Bruce Fisher) y alguna nueva composición del saxofonista.

La rítmica suena robusta y bien cohesionada como de costumbre, la combinación de Frisell y Leisz es ganadora sobre el papel y en los surcos (es una delicia dejarse enredar por sus cuerdas combinadas, por ejemplo en Shenandoah), y el propio Lloyd consigue estar a la altura sin los excesos, salidas de tono y blandas soluciones que han lastrado otras grabaciones suyas. Vibrante resulta la revisión del Masters of War de Dylan, con esa batería sobria, insistente, y el bajo ominoso de Rogers remachando constantemente el ritmo; atractivo el zumbón ritmillo, de aires orientales, en Sombrero Sam; y, en fin, particularmente emotivas resultan las interpretaciones de La Llorona y el precioso You Are So Beautiful (que Norah Jones sostiene sin excesivo brillo pero con convicción).

I Long to See You puede no ser un disco excepcional, pero es una de esas grabaciones que se devoran con tremendo placer, que te envuelven con un sonido voluminoso, pleno de matices, y que puedes pinchar una y otra vez sin desfallecer. ¡Bien por Charles Lloyd!

Reseña de Ricardo Arribas para http://www.jazzitis.com/discos/charles-lloyd-the-marvels-i-long-to-see-you/

Apunte: De sonido cristalino y lírico, con momentos exploratorios y de serena espiritualidad, I Long to See You es uno de los grandes discos editados en el año 2016. Aunque Charles Lloyd es el líder, su rol parece ser el de moverse libre y elegantemente por la telaraña que tejen de manera mansa Frisell y Leisz de sonoridades folk, un juego que, por otra parte, los hombres de las cuerdas dominan con exquisita maestría. En particular, mis highligths son “Masters Of War” (tema inicial del disco que marca el ambiente general), “Shenandoah” (donde quiera que vaya Frisell, está este tema), y “Barche Lamsel” (dieciseis minutos de exploración sonora con clima de temperatura ascendente; brillante). “You Are So Beautiful” el tema que canta Norah Jones, humilde y respetuosamente, creo que no encaja con el resto del repertorio. Tal vez sea una concesión que el veterano saxofonista haya tenido que hacer con Blue Note. Vaya a saber. Aún con este detalle, lo importante es que globalmente I Long to See You es muy disfrutable. Saludos!

Track Listing

01. Masters Of War (8:05)
02. Of Course, Of Course (6:03)
03. La Llorona (6:02)
04. Shenandoah (6:23)
05. Sombrero Sam (7:31)
06. All My Trials (5:02)
07. Last Night I Had The Strangest Dream (4:50)
08. Abide With Me (1:22)
09. You Are So Beautiful (6:05)
10. Barche Lamsel (16:25)

Artist List

Charles Lloyd: tenor saxophone, flute
Bill Frisell: guitar
Greg Leisz: steel guitar
Reuben Rogers: bass
Eric Harland: drums
Willie Nelson: voice
Norah Jones: voice

Link de descarga
Password: presoventanilla



Stuart McCallum & Mike Walker
abril 2, 2017, 8:51 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , , , , ,

tapa Beholden
Beholden (2014)

Los guitarristas de Manchester, Mike Walker y Stuart McCallum son ambos bien conocidos tanto nacional como internacionalmente, Walker por su trabajo con The Impossible Gentlemen y McCallum con The Cinematic Orchestra. Su primer encuentro fue hace 20 años atrás cuando Stuart era estudiante de Mike. Esta reciente colaboración musical surgió en la oportunidad de una jam en la fiesta de un amigo mutuo y su relación musical y personal fue inmediatamente evidente. Beholden, el álbum debut del dúo, y el primero para el nuevo sello Shell-Like Records, es un nuevo y emocionante capítulo en la carrera de los guitarristas.

Walker y McCallum son ambos bien conocidos por sus trabajos en la guitarra eléctrica. Sin embargo, para este nuevo dúo, usan cuatro guitarras diferentes acústicas para re-imaginar y re-esculpir sus propias composiciones originales y algunos bien conocidos standards de jazz en frescas formas. Walker y McCallum admiten compartir influencias de Pat Metheny a Bill Frisell, Bon Iver a Jerry Douglas y Gerald Finzi a Kelly Joe Phelps y aceptando mutuamente la musicalidad y la riqueza de la experiencia, evocan una combinación de relajada felicidad y sublimado anhelo, creando música que es un bálsamo para el alma.

Fuente para la reseña: http://www.moremusic.org.uk/events/194/walker-mccallum

Track Listing – Beholden

01. Beholden (4:04)
02. Clockmaker (3:54)
03. Trois Pour Deux (3:32)
04. When I Fall in Love – Part 1 (3:04)
05. When I Fall in Love – Part 2 (2:18)
06. Triple Bypass (2:45)
07. Wallenda’s Last Stand (4:55)
08. Lightsome (4:38)
09. Sally (1:58)
10. Where Do We Go (4:43)
11. Black Orpheus (7:54)

Artist List

Stuart McCallum: guitar
Mike Walker: guitar

tapa The Space Between
The Space Between (2016)

The Space Between es el álbum de seguimiento al primer álbum de este interesante dúo de guitarras, “Beholden”. Ambos guitarristas británicos, amigo de largo tiempo, procedentes del noroeste de Inglaterra (de la zona de Greater Manchester, para ser exactos) probablemente no necesitan introducción porque han estado haciendo olas en la escena de jazz y más allá desde hace años.

El tema de apertura, paradójicamente titulado “And Finally” comienza con una melodía que bromea casi pervirtiendo aquel tema más conocido de Beethoven “Ode To Joy”. Esto también contiene un poco del trabajo más provocativo de guitarra eléctrica de Mike Walker que se encuentra en el álbum.

“Alfie”, de Burt Bacharach, no necesita mucho comentario aparte de decir que es elegantemente ejecutado por las dos guitarras entrelazadas suntuosamente. La pastoral “Moment”, adornadas con cuerdas, tiene un intrigante efecto de fondo que se aproxima al sonido de un distante tren a vapor pero esto no hace mella en todo el encanto de la lírica melodía recurrente.

“Yewfield” es la encarnación misma del término pastoral, pero también exuda una cualidad a lo Pat Metheny. “String Quartet In G Minor (excerpt from the 3rd movement)” de Debussy está arreglada y expertamente tocada por Stuart McCallum, mostrando una interpretación profundamente dulce. Su título es algo irónico, ya que el dúo emplea un cuarteto de cuerdas real para cuatro de los temas aquí, pero no en esta pieza.

La fílmica pista del título en ocasiones es aumentada por las cuerdas, sirviendo para enfatizar su lánguido e hipnótico sentir. Walker entrega un acompañamiento blusero a la lánguida guitarra acústica de McCallum en “As The Trees Waltz”, siendo el dúo acompañado por el cuarteto de cuerdas en la sección central para agregar peso emocional. El standard “My Ideal” de Richard A. Whiting y Newell Chase es dado en una relajada interpretación, con los cristalinos tonos de la guitarra de Walker sonando cercanos a Bill Frisell.

El número final, “Sky Dancer” es sostenido por efectos percusivos tipo tabla, añadiendo un ambiente ligeramente Oriental, pero a medio camino, es adornado crucialmente por el solo de guitarra eléctrico de Walker que centellea. Aunque, en términos generales, en el álbum, el guitarrista es sobrio, él no lo es aquí y esta vivacidad es definitivamente su punto fuerte. Las seis nuevas piezas aquí presentadas fueron compuestas por McCallum y el álbum coherentemente destaca la originalidad y la compatibilidad natural de estos dos virtuosos guitarristas. Esto es un álbum que usted al instante quiere escuchar otra vez.

Fuente para la reseña: Roger Farbey para https://www.allaboutjazz.com/the-space-between-stuart-mccallum-edition-records-review-by-roger-farbey.php%20target=blank

Track Listing – The Space Between

01. And Finally (5:26)
02. Alfie (5:28)
03. Moment Us (6:03)
04. Yewfield (5:27)
05. String Quartet In G Minor (excerpt from the 3rd movement) (2:08)
06. The Space Between (6:08)
07. As The Trees Waltz (5:00)
08. My Ideal (5:25)
09. Sky Dancer (7:11)

Artist List

Stuart McCallum: acoustic guitar, electronics
Mike Walker: electric guitar
Plus:
Laura Senior, Gemma South: violin
Lucy Nolan: viola
Peggy Nolan: cello on tracks 1,3,6,7

Apunte: Beholden, en su mayoría grabado en un set de estudio en Manchester, más “Black Orpheus” grabado en vivo en el Club Cinnamon de Altrincham, representó un buen corolario para el saludable reencuentro entre dos guitarristas amigos de largo tiempo que desconectaron sus guitarras eléctricas para divertirse un rato con distintas variantes acústicas. Seguramente, con el buen sabor de boca que les dejó ese primer encuentro musical, vuelven con el recientemente editado The Space Between, el cual es un paso hacia adelante, más pensado y elaborado con el agregado de un cuarteto de cuerdas que le sienta perfectamente bien al ambiente emocionalmente relajado que estos guitarristas han sabido generar. Espero lo disfruten!

Password en ambos casos: presoventanilla



Jean-Marie Machado & Didier Ithursarry
marzo 26, 2017, 9:36 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , ,

tapa Lua
Lua (2016)

La historia del jazz nos ha demostrado que los directores de orquesta podían desarrollar afinidad con algunos de sus músicos, hasta optar por el dúo y su conversación desnuda que permite, más allá de la connivencia, la intimidad. Lo que hizo Duke Ellington con Johnny Hodges, o, más cerca nuestro, Andy Emler con Thomas de Pourquery. Desde hace varios años, Didier Ithursarry es un miembro recurrente de las formaciones de Jean-Marie Machado, pudimos oírle así “Fiesta Nocturna”, “La fête à Boby”, “Lagrima Latina”, o, entre los actuales proyectos del pianista, en el programa Pictures For Orchestra. También se sabe, ya lo ha hecho con Dave Liebman, que al pianista le gusta colocar sus socios de juego en contextos casi opuestos, recurriendo a su capacidad de influir sobre el color orquestal como a su personalidad de solista.

El dúo que se refiere es una de las consecuencias lógicas de lo que Jean-Marie Machado y Didier Ithursarry han cultivado juntos. No ha sido decidido, les sucedió. La música que proponen es naturalmente el reflejo de una hermosa complicidad, los dos instrumentos a menudo evolucionan juntos, sin que un reparto preciso de los papeles hubiera estado visiblemente determinado. Ambos solistas y acompañantes, no por turnos sino en un mismo impulso, con surgimientos, comentarios, elevaciones líricas u ornamentos que parecen destinados a poner en valor el juego del otro, más que a cualquiera fin decorativo. Los intercambios son serenos, casi púdicos.

De esta negativa a utilizar los efectos de oposición, se desprende una música muy cálida y fluida que encuentra su belleza en las curvas más que en las rupturas. Sucede que Jean-Marie Machado aporta el contraste, rebotes por la utilización de dinámicas casi Monkianas en los graves, como en « JSB ». Pero en conjunto, la empatía de ambos hombres se materializa por dos apretadas declaraciones. El repertorio, composiciones de uno y del otro para dos estéticas distintas, así como dos segundas lecturas, favorece este tipo de intercambios, con melodías esmeradas entre las que ambos músicos extraen líricos filamentos.

La tensión existe sin embargo, explotada con precaución como durante la improvisación intensa de « Broussailles », la lectura de « Vuelta » donde el piano se hace urgente y el acordeón ardiente, donde todavía los cambios de climas de « Lézanafar »”, una composición con cajones, donde los arabescos que adora el pianista son revueltos por pasajes más graves. Pero en Lua es ante todo cuestión de dulzura, esa dulzura que se emparenta más con una fuerza vital que con una timidez. Así va de la sensualidad de « Sentier évanoui », el juego aéreo que muestra el dúo sobre « No Church But Songs » o de la interpretación sensible y despojada de « Lua », que concluye el álbum en conmovedora comunión.

Es con igual sinceridad que el dúo revisita « Perseguição » de Avelino De Souza y Carlos da Maia, o « Nocturne N°1 » de Chopin. La melancolía cantante del fado y el refinamiento de la escritura romántica, no contentos con dar lugar a dos hermosos momentos de música, son evidentemente muy adecuados al diálogo delicado y cautivante.

Fuente para la reseña: Olivier Acosta para http://www.citizenjazz.com/Jean-Marie-Machado-Didier-Ithursarry.html

Apunte: Machado e Ithursarry venían trabajando juntos en el colectivo “Jean-Marie Machado Danzas”. Allí hacían (y hacen) una colorida música, con influencias de gran cantidad de músicas del mundo, tal como ha venido siendo la característica principal de la discografía de Machado. De ese ir y venir por escenarios, se ve que decidieron hacer el disco a dúo. Sin caer en la obvia melancolía tanguera, hacen en “Lua” un muy lindo disco con la variedad estilística habitual y algunos temas que son realmente bellísimos (“Perseguição”, “Nocturne N°1” y “No Church But Songs”). Espero lo disfruten.

Track Listing

01. Sentier Évanoui (6:34)
02. Aspirer La Lumière (6:09)
03. JSB (5:17)
04. Perseguição (5:16)
05. Vuelta (4:09)
06. Lézanafar (7:55)
07. Broussailles (3:32)
08. Nocturne N°1 (5:26)
09. No Church But Songs (5:02)
10. Lua (3:55)

Artist List

Jean-Marie Machado: piano, compositions (1, 2, 6, 7, 9)
Didier Ithursarry: accordion, compositions (3, 5, 10)

Link de descarga
Password: presoventanilla



The Paul Wertico Trio
marzo 25, 2017, 6:31 pm
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: , , ,

the-paul-wertico-trio-live-in-warsaw_29614646
Live In Warsaw (1998)

Si tu conocimiento de Paul Wertico se limita a su trabajo con el Pat Metheny Group, podrías no darte cuenta del alcance de la habilidad de este hombre. En Vivo en Varsovia muestra otro lado de un baterista que es más conocido por su delicadeza que por sus rápidas manos.

Grabado en una noche durante una gira de dos semanas por Alemania y Polonia en Octubre de 1994, En Vivo en Varsovia incluye también al talentoso guitarrista John Moulder y a Eric Hochberg en bajo. Los tres nativos de Chicago despliegan gran química al encarar improvisaciones sin fronteras, ardiente fusión, grooves profundos, intervalos impresionistas e incluso un blues en un tema. En el corazón de cada corte hay una increíble ejecución polirrítmica de batería por Wertico.

En Vivo en Varsovia contiene ocho pistas, siete de las cuales son originales. Seis de estos números exceden los seis minutos de longitud, pero sólo uno de ellos se torna tedioso: la apertura “Toms For Talia” (Tones para Talia) un interesante -aunque demasiado largo- solo de batería. Moulder y Hochberg se unen a Wertico en “Cowboys and Africans” (Vaqueros y Africanos), de intensa rítmica, que comienza con el bajo tocado con arco de Hochberg y fluye hasta fogosos ritmos y un solo especialmente caliente de Moulder.

Los tres ejecutantes comparten el foco en la chispeante interpretación de nueve minutos de “Softly As In A Morning Sunrise” (Suavemente Como En Un Amanecer); Hochberg entrega impactantes solos en la diáfana “Little e” (Pequeña e) y en la sónicamente libre “8×12”. El bajista forja una sólida sociedad con Wertico de principio a fin.

Increíblemente, el guitarrista Moulder también resulta ser un sacerdote católico. Antes de este disco, la única canción en la que alguna vez había escuchado a un cura tocar era “Kumbyah”. Las estiradas maestras de cuerdas del Padre Moulder invitan a compararlo con otro guitarrista celestial, John Scofield, particularmente en “Time For The Blues” (Tiempo de Blues). El padre también se torna etéreo en un par de pistas, incluyendo la acertadamente denominada “Magical Space” (Espacio Mágico).

El sonido directo a DAT captura cada nítido matiz de la performance percusiva de Wertico. De hecho en muchos tramos jurarías que estas escuchando dos bateristas.

Si te entusiasma el jazz intrépido de guitarras o una excepcional ejecución de batería de jazz, nada mejor que En Vivo en Polonia, del Paul Wertico Trio.

Fuente para la reseña: Ed Kopp para https://www.allaboutjazz.com/live-in-warsaw-paul-wertico-igmod-review-by-ed-kopp.php – Traducción: Nicolobo Ramos!!

Apunte: pocos días atrás hicimos un re-post del disco Don’t Be Scared Anymore (editado en el año 2000) del Wertico Trío y recordé que también tenía en mis archivos este disco del mismo trío, editado dos años antes, producto de grabaciones en vivo por Europa. Me pareció una buena oportunidad para seguir escuchando la camaleónica guitarra del Padre Moulder, que, con la química del trío actuando en vivo, pasa por diferentes estilos con grandes aciertos; por supuesto es también muy placentero escuchar a Wertico, un baterista muy recordado por los admiradores del Metheny Group.

Track Listing

01. Introduction (0:08)
02. Toms For Talia (Drum Intro) (6:04)
03. Cowboys and Africans (7:40)
04. Little ‘e’ (9:11)
05. Time for the Blues (4:46)
06. Softly, As in a Morning Sunrise (9:27)
07. Magical Space (6:55)
08. Give The Drummer’s Sum (3:45)
09. 8 x 12 (6:06)
10. Closing Announcements (0:36)

Artist List

Paul Wertico: drums
John Moulder: guitar
Eric Hochberg: bass

Link de descarga
Password: presoventanilla