Preso ventanilla


Sean Foran and Stuart McCallum
septiembre 22, 2019, 4:15 pm
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tapa Counterpart
Counterpart (2019)

Counterpart es el impresionante álbum debut colaborativo entre Sean Foran y Stuart McCallum, que en efecto ha estado madurando en las bóvedas durante un tiempo, ya que se grabó hace unos cinco años. Ubicado en diferentes lados del mundo, pero compartiendo una vía musical similar, Counterpart es el álbum colaborativo del pianista australiano Sean Foran del trío Trichotomy, y el guitarrista de Manchester, Stuart McCallum (The Breath y Slowly Rolling Camera).

De hecho, Counterpart es una descripción adecuada para las vidas y viajes musicales similares que estos dos artistas toman en lados opuestos del mundo, pero su estilo y visión musicales compartidos, junto con la extraña habilidad de crear canciones que coincidan con la sensibilidad de cada músico, dan como resultado un álbum de notable profundidad y belleza.

Desde exuberantes texturas cinematográficas hasta delicadas improvisaciones de piano y guitarra, el álbum atraviesa sonidos de música clásica moderna, jazz contemporáneo y música ambiental. Profundamente melódicas, con una rica interacción textural, las improvisaciones son cautivadoras, Foran toca piano de cola y sintetizadores, mientras McCallum evoca una gran variedad de sonidos de sus guitarras acústicas y eléctricas.

Esto tiene la sensación y el toque de una colaboración de Pat Metheny y Lyle Mays en el pasado, un mundo alejado del estrépito, del groove pesado y, en cambio, más un viaje a paisajes sonoros de ensueño, armonías delicadas e imaginaciones pastorales. Hay una clara empatía de Foran y McCallum, cada uno terminando las oraciones del otro cuando sea necesario. Impulsado en puntos estratégicos por la batería de John Parker y el bajo de Sam Vicary, sobre todo, esto es un viaje íntimo, lleno de placeres armónicos, la musicalidad tiene una calidad real y, además, el flujo compositivo va a alguna parte y las melodías perduran.

Fuente para la reseña: https://www.keymailrecords.com/counterpart-sean-foran-and-stuart-mccallum-naimcd368

Apunte: Foran y McCallum se encontraron en Manchester armados con una selección de bocetos e ideas de canciones y dejaron que el álbum se desarrollara naturalmente durante el proceso de grabación. “Era bastante orgánico, enviamos algunas ideas para las canciones por correo electrónico, algunas de cada uno de nosotros, y luego aparecí en Manchester y pasamos una semana grabando”, explica Foran, y continúa; “Nunca habíamos tocado estos temas el uno del otro antes, y realmente no sabíamos cómo iba a funcionar todo”. El dúo decidió agregar a la ecuación al bajista británico Sam Vicary y al colega de Trichotomy de Foran, John Parker, para crear un verdadero cuarteto anglo-australiano. “Eso realmente levantó todo el álbum a un nuevo territorio”, comenta Foran. McCallum agrega que “afortunadamente había una sensación real de conexión en la música y la interpretación, así que sucedió rápidamente”. Counterpart es tranquilo, introspectivo y suavemente lírico, sin grandilocuencias instrumentales, con melodías memorables cuidadosamente elaboradas, de sintonía innata e instantánea.

Track Listing

1. Stasis (6:53)
2. November (5:58)
3. While the trees waltz (3:57)
4. Panorama (5:33)
5. Triple Bypass (4:06)
6. Quiet Times (5:17)
7. Skydancer (3:34)
8. Effergy (4:44)
9. Monkey (4:46)

Artist List

Sean Foran: All pianos/keyboards
Stuart McCallum: All guitars
John Parker: drums
Sam Vicary: bass

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Sean Foran
septiembre 22, 2019, 4:08 pm
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tapa Frame of Reference
Frame Of Reference (2016)

El pianista y compositor australiano Sean Foran es mejor conocido como miembro del aclamado trío Trichotomy, con sede en Brisbane, que también cuenta con el baterista John Parker y el bajista Sam Vincent, este último un reemplazo bastante reciente para Pat Marchisella.

Trichotomy ha lanzado una serie de excelentes álbumes que incluyen “Variations” (2010), “The Gentle War” (2011) y “Fact Finding Mission” (2013), todos los cuales han sido revisados favorablemente en el The JazzMann. La banda también ha sido un visitante bastante frecuente en el Reino Unido y ha sido un placer para mí cubrir shows en vivo de Trichotomy en Stratford upon Avon (2010) y en Café Jazz en Cardiff (2011 y 2013).

En 2014, Trichotomy lanzó “Healthy”, un álbum colaborativo realizado en conjunto con el grupo contemporáneo de música de cámara australiana Topology. Es posible que fuese este proyecto de jazz / crossover clásico el que proporcionó la chispa para este álbum en solitario de Foran. Frame of Reference nuevamente presenta un ‘sonido de jazz de cámara’, esta vez en compañía de cuatro excepcionales músicos de jazz británicos.

Una de las razones de la frecuencia de las visitas de Trichotomy al Reino Unido es el hecho de que Foran estudió en el Leeds College of Music y desde entonces ha mantenido una fuerte conexión con la escena del jazz británico. Grabado en Inglaterra en el estudio del ingeniero Curtis Schwartz, Frame of Reference presenta cuatro músicos británicos que Foran admira particularmente, a saber, el saxofonista Julian Argüelles, el guitarrista Stuart McCallum, el violonchelista Ben Davis y el ex alumno de Leeds, Joost Hendrickx (batería). La música fue escrita específicamente para estos miembros de la banda y gran parte se grabó en la primera o segunda toma, ya que el conjunto rápidamente estableció una relación musical fuerte e instintiva.

Foran ha dicho del proyecto:

“Esto era algo en lo que había pensado por un tiempo y quería escribir y grabar música que presentara una línea diferente al trío con el que generalmente trabajo. Está más basado en la cámara que mi material de trío, y también más textural. El saxofón, la guitarra y el cello se complementan de una manera realmente interesante y abren la música a tantas posibilidades de interacciones melódicas y armónicas. Sobre todo hay espacio para que todos improvisen, se siente muy abierto y melódico y creo que hay una sensación de optimismo en la música, una sensación de calma ”.

Las cualidades de las que habla Foran son evidentes desde el principio y la canción de apertura “Room with a View”, que primero se presenta a través de la suave ondulación de los arpegios de Foran, que a su vez se une a los timbres característicamente melancólicos del chelo de Davis, luego el sonido atmosférico de la guitarra de McCallum acompañado por el tintineo de los platillos y el rumor de los mazos. El ambiente se ilumina con el elegante solo de piano de Foran y la fluidez incisiva de las cañas de Argüelles con los niveles de energía alcanzando un pico con una característica de batería sorprendentemente explosiva del impresionante Hendricks. El efecto de esta sección central es como el de la luz solar que atraviesa nubes oscuras. La pieza luego se resuelve en el estilo suavemente atmosférico con el que comenzó.

Foran presenta de nuevo “Une Fille” en el piano y el ambiente es inicialmente ocupado y decidido con el saxo de Arguelles proporcionando un motivo melódico ventoso a medida que la fuerte batería de Hendrickx mueve la melodía. Sin embargo, a medida que la pieza avanza, el estado de ánimo se vuelve más reflexivo y hay un pasaje encantador de piano pensativo y lírico no acompañado, que evoluciona a un solo de piano más ortodoxo en formato trío. Hay un breve cameo de Davis en las primeras etapas de la pieza y más solos sustanciales de Argüelles y McCallum más tarde, el guitarrista impresiona con su elegante y reflexivo toque de tono oscuro. Las insistentemente percusivas figuras de piano de Foran apuntalan otra característica de Hendrickx antes de una coda grupal más reflexiva.
Al igual que con su predecesor, están sucediendo muchas cosas en esta pista. La escritura de Foran tiene una calidad agridulce con cada composición que ofrece una variedad impresionante en términos de emociones y dinámicas. Sin embargo, no hay contrastes discordantes, cada pieza evoluciona de forma lógica, perfecta y orgánica, esto es un homenaje tanto a las habilidades de composición de Foran como a la excelente calidad de la interpretación. El pianista ha citado la influencia del guitarrista y compositor Pat Metheny en su escritura y hay algo de alcance cinematográfico y amplitud de color en las composiciones de Foran.

Las delicadas salpicaduras de los platillos de Hendrickx introducen la pista del título que posteriormente presenta la mezcla del cálido y rico violonchelo de Davis y el aireado saxo soprano de Argüelles apuntalado por los arpegios de piano de Foran. En una composición típicamente multifacética, también escuchamos el sonido del violonchelo que tocaba el pizzicato y con el arco, mientras el quinteto se sumergía en aguas más obviamente improvisadas, y luego emergía nuevamente con el evocador solista soprano de Arguelles. McCallum luego toma las riendas con algunos solos de guitarra sorprendentemente originales antes de una declaración final del tema del grupo.

El amor de Foran por los compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass se expresa en las primeras etapas de “Dare to Dream” con sus líneas de piano, guitarra y violonchelo delicadamente entrelazadas. La música se desarrolla lenta y deliberadamente a partir de estos orígenes, abriéndose gradualmente como una flor. El saxo de Arguelles proporciona melodía, mientras Hendrickx agrega comentarios sutilmente matizados detrás de la batería. El solo de violonchelo de Davis presenta un elemento folk de tono oscuro y el piano de Foran presenta una belleza glacial antes de los solos de Argüelles con su inteligencia y fluidez habituales. Pero en general, la impresión permanente es de un rendimiento de grupo bellamente equilibrado.

Con eso en mente, tal vez sea apropiado que la siguiente pieza se titule “A Fine Balance”. Se abre con un dúo deliciosamente melódico entre Foran y Argüelles, el aire de melancolía realzado por el melancólico violonchelo de Davis y el acompañamiento suave y sucinto de platillos de Hendrickx. A medida que avanza, la pieza continúa yuxtaponiendo las sensibilidades del jazz de cámara con algo más extático y festivo, esto se debe principalmente al gran soprano de Argüelles y al apoyo cada vez más enérgico que recibe. Foran mantiene el nuevo estado de ánimo encontrado con un solo de piano alegre y, a veces, muy percusivo.

“Quiet Times” también invoca a Reich y Glass a medida que Foran desarrolla gradualmente la pieza con su propio piano lírico en el centro, junto con el ligero y flotante saxo soprano de Argüelles. Una vez más, la combinación de instrumentos es exquisita ya que se mantiene la bella estética del jazz de cámara. Más tarde, a los músicos se les da espacio para extenderse con el expansivo pero lírico solo de piano allanando el camino para los inventos melódicos en espiral de McCallum; el guitarrista nuevamente demuestra que es uno de los intérpretes más consistentemente inventivos del instrumento en la escena de la música contemporánea.

La introducción a “Mish Mash” presenta al grupo en modo de jazz de cámara en una de las melodías más encantadoras de Foran, pero pronto descubre que el quinteto inyecta un mayor grado de ritmo y energía con el piano percusivo del líder y los vigorosos grooves cepillados de Hendrickx que impulsan el saxo soprano mercurial de Arguelles. Más tarde, la música se fragmenta y se sombrea en un territorio improvisado un poco más abstracto con el saxo de Argüelles aún en primer plano, construyendo hábilmente su solo antes de desaparecer con gracia y permitiendo que Foran y McCallum se hagan cargo temporalmente.

Las salpicaduras de platillos de Hendrickx y el mazo retumban, aliados a las líneas de bajo de violonchelo de Davis, presentan la pieza final “The Sum Of”. Es otra hermosa porción de jazz de cámara con el saxo suavemente melodioso de Argüelles que bosqueja la melodía, mientras que Foran está más relajado con un solista de piano pálido, acompañado de líneas de bajo de violonchelo y el suave toque de los pinceles de Hendrickx. Davis toma el arco para ofrecer un delicioso solo de violonchelo y McCallum es igualmente equilibrado y elegante en la guitarra.

Aunque algunos pueden encontrar el enfoque de jazz de cámara de Foran un poco desangrado, me gustaría pensar que la mayoría de los lectores de The JazzMann encontrarán una gran cantidad para disfrutar de este álbum con su escritura rica en matices y múltiples facetas y su habilidad para tocar. Hay algunos momentos individuales brillantes de todos los músicos involucrados, pero es el equilibrio general y la coherencia del conjunto junto con la escritura inteligente y colorida de Foran lo que más impresiona. Frame of Reference es uno de los álbumes más consistentemente hermosos que he escuchado durante todo el año, pero hay un rigor e inteligencia genuinos junto con la belleza. Muy recomendable.

Fuente para la reseña: Ian Mann para http://www.thejazzmann.com/reviews/review/sean-foran-frame-of-reference/

Apunte: En Frame Of Reference hay una cautivante mezcla de mesurado lirismo y de un intenso movimiento rítmico y armónico que nunca pierde de vista el concepto general del álbum en su conjunto. La química establecida entre Foran y sus compañeros en este proyecto (en donde brilla especialmente Argüelles,) les permite crear un sonido que es notablemente fresco y diferente, a la vez que suena tranquilizadoramente familiar. Frame Of Reference es un GRAN disco del pianista australiano Sean Foran, al cual seguramente volverán más de una vez

Track Listing

1. Room with a View (7:11)
2. Une Fille (8:39)
3. Frame of Reference (9:02)
4. Dare to Dream (9:12)
5. A Fine Balance (7:01)
6. Quiet Times (6:27)
7. Mish Mash (6:00)
8. The Sum of (6:31)

Artist List

Sean Foran: piano, Fender Rhodes
Julian Argüelles: soprano and tenor saxophone
Stuart McCallum: guitars
Ben Davis: cello
Joost Hendrickx: drums

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Thomas Nordlund
septiembre 22, 2019, 3:14 pm
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tapa Miles Left Behind
Miles Left Behind (2018)

Miles Left Behind tiene una personalidad fácil de gustar. En una grabación de jazz moderno con dosis saludables de blues y country, Thomas Nordlund modula el nivel de calor a lo largo del espectro del calor, desde la fogata a la fogata furiosa, pero se mantiene muy cerca de uno u otro extremo. Ben Abrahamson en banjo es un buen toque, con el bajista Doan Roessler y el baterista Zach Schmidt completando el cuarteto. La música es más fuerte cuando la guitarra de Nordlund se comporta como las vías del tren guiando una melodía en lugar de la locomotora que la conduce, pero tiendo a ser más particular cuando se trata de guitarra de jazz, por lo que podría ser descartado estrictamente para gustos personales. Nordlund termina el álbum con una magnífica interpretación de la obra de Nils Frahm “Si”, que se abordará en una próxima columna. Música de Minneapolis, MN.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para https://www.birdistheworm.com/the-round-up-i-was-becoming-a-fixture/

Apunte: Música para la ruta, o para estar sentado al lado del río, tirando piedras al agua, mientras nos acaricia la brisa de primavera. El sonido de Nordlund, es distorsionado pero cálido y cautivador. Inclinado hacia la melodía, se presenta como un escritor reflexivo y con el don para crear texturas y ambientes. Dentro de un espectro musical que nos resultará familiar (hay algunos ecos del “Good Dog, Happy Man” de Frisell) Miles Left Behind logra concitar nuestra atención y que nos guste. Parece simple, no?

Track listing

1. Becoming (6:38)
2. Even Long After (7:01)
3. Aerial Boundaries (6:49)
4. Where Summer Had Gone (4:53)
5. Northern Lines (5:26)
6. Wandering Daughter (5:13)
7. Circling Plains (5:25)
8. Si (6:05)

Artist List

Thomas Nordlund: guitar
Ben Abrahamson: banjo
Doan Roessler: bass
Zach Schmidt: drums

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Typical Sisters
septiembre 22, 2019, 3:03 pm
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tapa Hungry Ghost
Hungry Ghost (2019)

Es un buen momento para ser fanático del jazz. “Playing Changes”, el célebre libro “estado de la unión” de Nate Chinen sobre jazz contemporáneo, es un recurso exhaustivo de los artistas que trabajan en la actualidad. Bandas bajo el radar como GADADU, Twin Talk y GoGo Penguin mantienen viva la llama del género en clubes y álbumes. Y Typical Sisters está haciendo música que crea una mezcla única de los tropos familiares y no tan familiares del género.

El segundo álbum de larga duración de la banda con sede en Chicago, Hungry Ghost, los muestra alternando entre moderadamente discretos y desafiantemente ardientes, con el guitarrista Gregory Uhlmann lanzando un melódico estilo que recuerda a Bill Frisell y Marc Ribot. Con el bajista Clark Sommers y el baterista Matt Carroll, el trío encaja en su lugar, con un sonido que no está a un millón de millas de su álbum homónimo de 2016, pero más exuberante e intoxicante. Ese cambio quizás se deba en parte a la mezcla y coproducción de Tim Carr, quien crea una atmósfera sónica magnífica que recuerda los clásicos títulos de jazz ECM o Blue Note.

Las composiciones en Hungry Ghost son memorables hasta el punto de que a menudo pueden sonar como estándares perdidos hace mucho tiempo. En la canción de apertura, Sommers y Carroll hierven a fuego lento en una sección de ritmo apretada y ocupada, mientras la guitarra de Uhlmann crea cascadas de melodía. En “Goner” de Sommers , su bajo es el ancla perfecta para el resto de los vuelos de fantasía de la banda, pero los solos prolongados nunca suenan demasiado indulgentes; más bien, siempre parecen actuar al servicio de la canción, incluso durante el colapso ruidoso pero elocuente de Uhlmann.

Typical Sisters también logra extender el formato de trío más allá de lo que normalmente se espera del … bueno, el sonido de trío “típico”. “Excavate”, por ejemplo, combina sonidos encontrados de bajo perfil con tempos exóticos, proporcionando una gran plataforma de lanzamiento para que la banda realmente se suelte. El suelto valso de “Benjamin”, inspirado en “Knoxville: Summer of 1915” del compositor Samuel Barber, en sí mismo una interpretación de un poema en prosa de James Agee, presenta una gran cantidad de guitarra eléctrica que parece fuera de lugar y extrañamente reconfortante . En la pista de cierre, “Young and Foolish”, la banda hace retroceder el acelerador con una suave canción de cuna instrumental que logra calmar pero que aún contiene suficientes bordes ásperos para meterla en territorio Medeski, Martin & Wood. Piense “The Bad Plus sin la inclinación por las portadas raras”.

El título Hungry Ghost se refiere a la idea budista china de un ser cuyos apetitos no pueden ser saciados. Si bien esta noción puede ser más que un poco familiar en nuestra cultura obsesionada con la tecnología, Typical Sisters han encontrado una manera de aprovechar los deseos auditivos en 45 magníficos minutos de técnica estudiada pero profundamente emocional.

Fuente para la reseña: Chris Ingalls para https://www.popmatters.com/typical-sisters-hungry-ghost-2634993079.html?rebelltitem=1#rebelltitem1

Apunte: Estableciéndose en un punto medio entre la sección compuesta y la espontaneidad que fluye libremente, el trío Typical Sisters toma los caminos correctos, sin usar la fuerza, pero con la determinación de crear algo que valga la pena y que sea memorable: sigilosa intensidad, si vale el término. Hungry Ghost es simultáneamente un trabajo cerebral y emotivo que hace una escucha agradable y gratificante. Muy recomendable.

Track listing

1. Hungry Ghost (3:27)
2. To the Landing (4:31)
3. The Comeback Kid (8:23)
4. Benjamin (5:03)
5. Pink (4:01)
6. Goner (5:05)
7. Portrait of a Fast Moving Object (3:43)
8. Excavate (3:56)
9. Young and Foolish (6:41)

Artist List

Gregory Uhlmann: guitar
Clark Sommers: bass
Matt Carroll: drums

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Urciuolo Smith Duo
mayo 22, 2019, 9:27 pm
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tapa La danza di Uaio il pesce
La danza di Uaio il pesce (2005)

Desde hace algún tiempo para el sello Itinera, este CD a dúo del pianista napolitano de treinta y cinco años, Luca Urciuolo y el baterista de Caserta Mauro Smith, de cuarenta y cinco años, es una de las sorpresas más interesantes de la música. Italiana en los últimos años.

El álbum, toda música original firmada por Urciuolo, es en verdad valiente e intenso, narrativo pero no linealmente melódico, centrado en la expresividad torrencial del pianista, para quien la batería actúa como un alter ego dialógico, mucho más que un soporte rítmico.

El papel del ritmo en las tramas dibujadas por el dúo es muy importante, pero al mismo tiempo difícil de descifrar. Urciuolo tiene una formación clásica, pero luego pasó a la música rock, para luego ir al jazz; Smith combina experiencias en el rock con instalaciones que combinan música, pintura y arquitectura; su colaboración tiene casi quince años (aunque este trabajo se grabó en 2001) y hace que esta versatilidad tome forma en un diálogo en el que el movimiento rítmico de las piezas cambia constantemente, se actualiza y se vuelve a proponer después de suspensiones abstractas o cambios de la atmósfera.

Casi todas las pistas son un ejemplo de este espíritu de vagabundo que explora solo territorios parcialmente conocidos. “Unicodoppio”, que abre el CD, continúa, por ejemplo, durante tres minutos como viaje en ritmos mínimos pero continuos, variando los pasajes al teclado, para luego demorar unas pocas docenas de segundos en una lenta cascada de notas y comenzar de nuevo a dúo, esta vez, sin embargo, con un tema de fondo melódico, desarrollado sin una repetición en todas sus posibles implicaciones, hasta la solución de la tensión acumulada, en el octavo minuto; seguido de un último minuto de reflexión enrarecida.

“Studio n. 1” procede a un ritmo muy intenso que mezcla de moods árabes, atmósferas minimalistas y variaciones de jazz. “Chinaski” se encamina con sugestiones clásicas y luego se abre y se dilata y procede largamente con reiteraciones del tema y sus exploraciones suspendidas, de gran impacto, para luego encabritarse sobre tonos altos y ritmos en crescendo, con cataratas de notas, para concluir de nuevo sobre un relax soñado. Esplendido. “Lontano” es quizás la pieza más convincente, junto con el “Mantra” en vivo, pero también se desvanece varias veces en largos y reflexivos silencios, que se reavivan en los ritmos dictados por los tambores y se describen en un triunfo de notas cristalinas, que termina en un poderoso crescendo.

Un álbum realmente fascinante, una de las muchas perlas ocultas de nuestra vital y desconocida producción de jazz. Muy recomendable.

Fuente para la reseña: AAJ ITALY STAFF para https://www.allaboutjazz.com/la-danza-di-uaio-il-pesce-balance-point-acoustics-review-by-aaji-staff.php

Apunte: El compositor, pianista y acordeonista Luca Urciuolo y el baterista, arquitecto y artista visual Mauro Smith grabaron en el año 2001 y publicaron en el año 2005 La danza di Uaio il pesce, un hermoso disco que tiene como referencia histórica-cultural la música europea y mediterránea, y como desarrollo la improvisación, que debe ser entendida como una constante variación rítmico-melódica. “La colaboración con Mauro Smith, que ya había formado parte del grupo “Neroitalia”, nació inmediatamente después de la experiencia provechosa del cuarteto. Tenga en cuenta que Smith es un baterista y, como tal, habría tenido que manejar el ritmo de apoyo del dúo y, en cambio, Mauro toca como otro músico, por lo que la melodía que sale de él es lo más particular que podemos esperar. Esta colaboración fue bastante interesante, ya que dio origen a un proyecto original que recibió mucho apoyo. Aunque Mauro y yo hemos sido definidos como un dúo experimental, quiero aclarar que la música que tocamos es muy comunicativa, abierta, con una melodía básica muy directa y comprensible. Cada pieza está hecha por el 30% de composición y el 70% de improvisación, y esta última es totalmente temática, es decir, aprovecha la vocación básica de la pieza y nos permite desarrollar nuevas armonías durante la presentación. Se trata de improvisación desnuda y cruda”, esto le decía Luca Urciuolo a Lidia Borghi en un reportaje publicado en “Fresco di stampa” en Febrero de 2008. Que lo disfruten.

Track Listing

1. Unicodoppio (9:06)
2. Studio n. 1 (3:16)
3. Chinaski (9:01)
4. Il treno (9:24)
5. Lontano (10:58)
6. Si torcono (6:16)
7. Mantra (10:25)
8. Bassoventre (9:23)

Musicisti

Luca Urciuolo: pianoforte
Mauro Smith: batteria

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Ben Wendel
mayo 17, 2019, 9:14 pm
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tapa The Seasons
The Seasons (2018)

The Seasons no es un nuevo proyecto conceptual del saxofonista y bajista Ben Wendel, miembro fundador de la ecléctica banda Kneebody, cuyo tono expresivo golpea tanto como los hechizos. Aún así, esta es la primera vez que lo presenta en el registro. Para ese propósito, reunió un notable quinteto conducido armónicamente por el pianista Aaron Parks y el guitarrista Gilad Hekselman, y todos propulsados por el vínculo rítmico del bajista Matt Brewer y el baterista Eric Harland. En 2015, el saxofonista lanzó 12 videos musicales en YouTube, correspondientes a 12 duetos de cámara originales que intentaban describir cada mes. La idea, introducida por el compositor clásico ruso Tchaikovsky en 1876, adquiere ahora proporciones contemporáneas con el flujo fluido de canciones de Wendel.

En “January”, a pesar de las connotaciones invernales que implica el mes, hay una ausencia total de frialdad en su fluidez ternaria debido a la ardiente forma en que Hekselman y Wendel conducen sus improvisaciones. En cambio, ese sopor invernal se deja para “August”, una balada gris que se vuelve más oscura y agitada a medida que avanza.

Wendel es abrasivamente lírico en sus solos, alcanzando alturas climáticas en piezas como “February”, una confluencia de vibrante post-bop y robusto rock con un toque de estilo rítmico brasileño; y “June”, una historia bellamente en capas, influenciada por las músicas post-bop y clásica, donde el suplicante tenor del líder de la banda, alcanza una extensa gama de timbres. El pianismo urbano de Parks no solo se nota en esta última melodía, sino también en “July”, un número amistoso y entusiasta de pop-meet-folk melódico impulsado por el fagot; “September”, un exuberante título de funk rock con el que sobresale en el arte de componer e improvisar; y en el conmovedor “November”, donde una indestructible energía pop / rock sirve extemporizaciones por Brewer y Hekselman.

El guitarrista, que comparte una innegable química musical con el saxofonista, infunde texturas populares contrastantes en el methenyano “May”, donde el sugerido crossover de jazz toma la forma de un blues. La guitarra y el fagot son fuerzas complementarias en “December” empapado de efectos, una pieza más contemplativa que atrae tanto el misterio como el encanto. La batería de Harland se siente relajada aquí cuando es necesario, sin embargo, demuestra tener un lado de conversación cuando fue proclamado único acompañante de Wendel en la sección introductoria de “April”.

“March” nos lleva a lugares acogedores con sus ricas armonías y deliberado acento de bossa nova, mientras que “October” tiene un toque primordialmente afro, además de la superficie electro que le confiere un aspecto moderno psicodélico.

The Seasons es un maravilloso trabajo multicolor, una demostración sagaz de las capacidades de Wendel. Es un álbum que, merecidamente, estará entre las opciones naturales para el mejor del año.

Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/10/22/ben-wendel-the-seasons-album-review

Apunte: En 2015, el saxofonista Ben Wendel inspirado en The Seasons de Tchaikovsky, encontró una forma sencilla de superar la innumerable cantidad de opciones de entretenimiento para llegar a sus oyentes, con una serie de videos de YouTube también llamados The Seasons. Lanzados todos los meses de ese año, los clips bellamente construidos capturaron a Wendel interpretando sus composiciones originales con compañeros de dúo, desde el saxofonista Joshua Redman hasta el guitarrista Gilad Hekselman y la vocalista Luciana Souza. Cada pieza fue escrita con un compañero en particular en mente. El video con el baterista Jeff Ballard, por ejemplo, resalta un trabajo que se está deteniendo y es irregular, mientras que el dúo con Souza fluye junto con un rebote floral. En 2016, Wendel interpretó el conjunto de canciones en The Jazz Gallery y luego regresó al material a principios de 2018 en Village Vanguard. La última serie de actuaciones le permitió armar un quinteto compuesto por los diversos artistas que tocaron con él en la serie de YouTube. Al respecto dijo: “Un aspecto interesante de escribir duetos es que tienes que escribir de una manera en la que cada parte cuente. Tienes que crear todo un universo con solo dos voces. Lo que terminó siendo genial al organizar estos para un conjunto más grande, es que la estructura central de estas composiciones era lo suficientemente fuerte como para que fuera mucho más fácil transferirla a más voces. Creo que sería mucho más difícil si lo hubiera hecho al revés. Yendo en esta dirección, me sentí bastante natural”.

Track Listing

01. January (6:47)
02. February (6:48)
03. March (6:15)
04. April (6:39)
05. May (6:36)
06. June (5:00)
07. July (6:07)
08. August (6:51)
09. September (3:59)
10. October (6:16)
11. November (6:34)
12. December (10:47)

Artist List

Ben Wendel: saxophone, bassoon
Aaron Parks: piano
Gilad Hekselman: guitar
Matt Brewer: bass
Eric Harland: drums

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Kneebody
mayo 17, 2019, 9:04 pm
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tapa Anti-Hero
Anti-Hero (2017)

“El noveno álbum de estudio del quinteto de jazz-rock acústico-eléctrico, Anti-Hero, es un asunto fangoso y sin alegría. Más que nunca, Kneebody se ha vuelto ambiciosamente antémico, yendo por encima de todo lo demás, pero esta vez la naturaleza pomposa de la música eclipsa cualquier indicio de diversión.” Steve Greenle para https://jazztimes.com/reviews/albums/kneebody-anti-hero-motema/

“Tan atractivo al instante como es Anti-Hero, no es una aventura rápida. Advertencia: antes de que se dé cuenta, permanecerá habitualmente en su apartamento, y lo acompañará a todas partes en el automóvil, reorganizando sus listas de reproducción. Sin embargo, no se preocupe, las escuchas repetidas revelan una profundidad digna de una relación a largo plazo (y es posible que simplemente se encuentre despejando un lugar en la mejor de las estanterías de 2017).” Mike Jacobs para https://www.allaboutjazz.com/anti-hero-kneebody-motema-music-review-by-mike-jacobs.php

“…Anti-Hero, en consecuencia, es un álbum con todas las marcas de un conjunto experimentado: controlado y cuidadoso, indulgente y satisfecho, frustrantemente desafiante. Es un disco que sufre por falta de fuerza limitante. El jazz en la era post-posmoderna se ha convertido en una bestia indomable y elaborada, y las bandas como Kneebody a veces parecen sufrir bajo el peso de todas las opciones disponibles para ellos.” Colin Fitzgerald para https://www.popmatters.com/kneebody-anti-hero-2495389946.html

“…No es que Kneebody desafíe los géneros, es simplemente que la banda se niega a ser acorralada por ellos. Como la mejor música improvisada, la paleta de sonidos de Kneebody toma influencias de muchas fuentes: la fusión de los 70, el heavy metal, el hip-hop, el bebop y el soul clásico, solo por mencionar algunos…Los músicos en Kneebody saben dónde ha estado esta música y dónde la quieren llevar. En Anti-Hero, han creado un vehículo que nos permite simplemente disfrutar del viaje.” Frank Alkyer para http://downbeat.com/reviews/detail/anti-hero

“Kneebody está bien establecido en este punto como uno de los líderes en jazz contemporáneo creativo, pero el hambre de sus primeros años aún no ha mostrado signos de desgaste. Esta es una banda aún en su período pico, y Anti-Hero es la prueba de ello.” S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2017/03/01/kneebody-anti-hero-2017/

Apunte: Al momento de buscar una reseña que contara un poco de que se trata Anti-Hero, me sorprendió la disparidad de opiniones que encontré en la web, tanto positivas como negativas. Me pareció interesante mostrar esas posturas. De todas maneras, si el álbum está en MQC/PV, obviamente entenderán que me gusta (mucho). Kneebody es en esencia una banda fusión de jazz-rock, aunque su sonido subraya la inutilidad de calificarla como tal en el sentido clásico del término: el placer más consistente que ofrece Kneebody y Anti-Hero es la forma en como se desenvuelven sus músicos como un solo organismo de una fuerza y lirismo que no están limitados por una sola tradición.

Track Listing

01. For the Fallen (5:21)
02. Uprising (7:01)
03. Drum Battle (10:07)
04. Anti-Hero (5:59)
05. The Balloonist (3:31)
06. Mikie Lee (5:22)
07. Profar (4:43)
08. Carry On (3:03)
09. Yes You (6:23)
10. Austin Peralta (6:06)

Artist List

Ben Wendel: sax
Shane Endsley: trumpet
Kaveh Rastegar: bass
Adam Benjamin: keyboards
Nate Wood: drums

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