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Karl Jannuska featuring Sienna Dahlen

tapa Streaming
Streaming (2010)

Estudios demuestran que todo el mundo presta más atención a una voz femenina -la más atrayente, la mejor atención- y esto, independientemente del género. La cantante Sienna Dahlen tiene una voz muy seductora, que podría vender agua de lluvia en una tormenta de nieve. Esto puede ser parcialmente responsable del atractivo extremo de Streaming y de su capacidad para captar la atención incluso de aquellos que tienden a evitar las voces. Sin embargo, “parcialmente” es la palabra clave, es simplemente un ingrediente en los dulce y deliciosos, livianos-pero-rellenos platos de folk-pop/jazz-blues que sirve el baterista Karl Jannuska en Streaming, su tercer álbum como líder de la banda, y su primero en presentar a una cantante.

Este álbum de composiciones originales de Jannuska llegan como refrescante limonada en un caluroso día de verano o un reconfortante chocolate caliente en una crujiente y fría noche de invierno; es un maravilloso plato para ser saboreado lenta y atentamente, apreciando su pleno sabor, o distraídamente, disfrutando del entorno. Alimento hecho de la mejor manera, preparado cuidadosamente; nada rápido o chatarra hay aquí, esto es un gran álbum, sano, que te hace sentir bien.

Nacido y criado en Manitoba, escolarizado en Montreal/Nueva York, y ahora radicado en París, Jannuska tiene la capacidad de absorber y asimilar su entorno sin perder su propio camino.Sus composiciones reflejan una forma folclórica, occidental-teñida y un urbanismo de la costa este, con un dinamismo francés. Esto está fuertemente estructurado, pero el resultado se eleva por encima de todo, respira y libera un agradable y minimalista frescor. Streaming no es un álbum demandante -es tan accesible como el jazz puede ser- pero las melodías encantan y la orquestación y la interpretación ofrecen mucho más para disfrutar, haciendo que el resultado se aleje de ser meramente agradable música ambiental o de fondo.

Las melodías en Streaming no necesariamente se mantendrían firmes sin la voz de Dahlen, pero esta es la forma en la que el álbum fue concebido. Las letras no son tontas; claramente fueron escritas con la voz de Dahlen en mente, suave y enigmática, con íntimas resonancias del estilo Sara K./Cassandra Wilson. Las letras en seis de las pistas fueron escritas por Jannuska, mientras que Dahlen aporta tres, y coescribieron una.

Jannuska limita el rango del registro en los suaves fraseos del saxofón y en las claras y redondeadas notas de la guitarra, tejiendo todas las partes indistinta y moderadamente, casándose con los lujosos timbres de la voz de Dahlen, dando al álbum un sentido suave y de múltiples capas. Desde la apertura, como una marcha “As Far As The I Can See”, pasando por el pegadizo groove rodante de “Gold Star”, la atmosférica, alocada pista del título, la esperanzadora y personal balada, “A Whiter Christmas”, y el cercanamente emotivo “Silent Jubilee”, el álbum fluye a la perfección y sin esfuerzo.

Verdaderamente, Jannuska establece límites a sus músicos y sus estructuras melódicas no ofrecen mucho espacio para los solos, pero tanto con su bandas de París o Montreal -el disco fue grabado en ambas ciudades- Jannuska se rodea de talentosos músicos que manejan bien para utilizar ese espacio limitado en forma sutil y atrayente; músicos que comunican la satisfacción que viene de hacer lo que aman a tan alto nivel, y con unos buenos amigos.

El álbum, primero de Jannuska como líder en el sello parisino Paris Jazz Underground que él ayudó a establecer, tiene un magnífico sonido, reminiscente de aquella aclamada estética ECM, incluso el minimalista, desolado paisaje de la portada es, intencionadamente o no, evocadora del sello.

Streaming es mucho menos juguetón e inspirado en el mundo que el disco previo de Jannuska, “Thinking in Colours” (Effendi/Crystal Records, 2008). En cambio, es un álbum más sobrio y más reflexivo -pero tampoco es una nueva cara que Jannuska. Esto es una sucesión de Jannuska, una vez más, encontrando su verdadera forma en una manera ligeramente diferente.

Fuente para la reseña: Pascal-Denis Lussier para http://www.allaboutjazz.com/karl-jannuska-streaming-by-pascal-denis-lussier.php

Track Listing – Streaming

01. As Far as the I Can See (2:41)
02. Nothingness (6:06)
03. Sundogs (7:00)
04. Gold Star (4:31)
05. Streaming (3:38)
06. Timbuktu (6:04)
07. A Whiter Christmas (6:20)
08. Snow in May (3:30)
09. Bittersweet (5:58)
10. Silent Jubilee (4:57)

Artist List

Karl Jannuska: drums
Sienna Dahlen: voice
Olivier Zanot: alto and soprano sax (1-7)
Nicolas Kummert: tenor sax (1-7)
Pierre Perchaud: acoustic/electric guitar (1-7)
Mathias Allamane: acoustic bass
Christine Jensen: alto sax (8-10)
Joel Miller: tenor sax (8-10)
Ken Bibace: electric guitar (8-10)
Fraser Hollins: acoustic bass (8- 10)

tapa The Halfway Tree
The Halfway Tree(2010)

El nuevo opus del baterista de origen canadiense, instalado en Francia desde hace casi diez años, sigue estando arraigado en el seno del colectivo PJU, y teníamos cronicado (hace dos años exactamente) el precedente Streaming, ya en colaboración con su compatriota, la cantante Sienna Dahlen. Es un retorno a su pais natal lo que simboliza el árbol de la cubierta del disco, ese gran álamo que se sitúa a medio camino entre Brandon y Winnipeg, dos ciudades de la provincia de origen del baterista, Manitoba. Esta pradera perdida evoca los recuerdos de lectura, todo un imaginario, el de las novelas de James Oliver Curwood, por ejemplo. El árbol asciende como una nube atómica sobre el horizonte completamente desierto de la carretera que cruza las praderas canadienses…

No estamos más desconcertados esta vez por este álbum poético de sonidos ligeros y refinados, de climas claramente atmosféricos como la voz de Sienna, sin ser helados siempre, incluso en «Coldest Day of the Year»: se observa con satisfacción una música extrañamente familiar, de acentos pop y de jazz inteligentemente mestizados.

Los músicos asumen perfectamente un acompañamiento eficaz al nivel de colores y timbres. Son siete, equilibrio feliz de tres franceses, tres canadienses y un belga. Encontramos a Nicolas Kummert al tenor y en ciertos vocales como “Precious Things”, Olivier Zanot en el alto, Pierre Perchaud en la guitarra eléctrica y acústica. Los recién llegados son Tony Paeleman al piano y Fender y Andrew Downing en violoncello de 5 cuerdas. Karl Jannuska y Sienna Dahlen siguen co-escribiendo las palabras de las once canciones del álbum, pero la música es siempre del baterista de allí que la coherencia del álbum abraza la personalidad del baterista. Siempre golpeado por la dualidad de este músico, de energía terrible en concierto o en álbumes de los amigos (ilustrado en este “Smokescreen” enervado), sabe también dar prueba de una otra sensibilidad, “a flor de piel”, vibrante e hipnótica, en canciones que todavía quieren creer en una cierta belleza del mundo, como en la dulce y envolvente “Million Miles Away”. Es el resultado de una educación entre matemáticas, música y religión, un aprendizaje exigente que le permite encontrarse el cruzamiento de todos los sonidos y las músicas que le gustan?. Karl Jannuska se entrega más todavía en este álbum entre dos, del medio, de la medida desarreglada a veces, al desarreglo medido? Como si este álbum levantara por fin ciertas contradicciones, reconcilia lo contrario de una personalidad musical compleja.

Es una dulce violencia (“Noble Energy”) que atraviesa en definitiva la música suavemente íntima de un músico comprometido en la creencia de un mundo mejor.

Fuente para la reseña: Sophie Chambon para http://www.lesdnj.com/article-karl-jannuska-the-halfway-tree-104467620.html

Track Listing – The Halfway Tree

01. Put an Apple in Your Life (4:55)
02. Coldest Day of the Year (5:09)
03. Alerces (5:05)
04. Precious Things (5:51)
05. Smokescreen (5:07)
06. Million Miles Away (4:02)
07. Firloupe (2:55)
08. One Droning Pedal Tone (6:18)
09. Lilac By Night (4:28)
10. Noble Energy (2:11)
11. Four-Leaf Clover (6:04)

Artist List

Karl Jannuska: drums
Sienna Dahlen: voice
Olivier Zanot: alto sax
Nicolas Kummert: tenor sax
Pierre Perchaud: guitars
Tony Paeleman: piano/ Fender Rhodes
Andrew Downing: 5 string cello

Apunte: Días atrás bromeaba con una querida amiga diciéndole que Jannuska era un baterista de buenas intenciones musicales, mientras ella me decía que desconfiaba de los bienintencionados. Broma aparte, lo que entiendo como buenas intenciones es la búsqueda de hacer algo distinto a lo aprendido, algo personal y original, que represente al propio artista, aunque los resultados finales no sean excepcionales. Claramente es el caso de Jannuska y Dahlen que hicieron en Streaming un correcto álbum de canciones enmarcadas musicalmente en un buen combo folk/pop/jazz/blues, y un par de años después dieron un gran paso adelante con The Halfway Tree, en el que Jannuska crea ritmos casi minimalistas para que los otros músicos entren y salgan decorando bellamente las canciones por las que se desliza la cantante. Como suelo proponer muchas veces, no es música para ambiente sonoro mientras se desarrolla otra actividad: es para disponerse a escuchar seriamente, algo absolutamente fuera de moda en estos tiempos. Salud!

Password en ambos casos: presoventanilla



Mário Laginha Novo Trio
junio 20, 2015, 5:11 pm
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tapa Terra Seca
Terra Seca (2013)

Un piano, un contrabajo y una guitarra portuguesa: así nació el Mario Laginha Novo Trio

El pianista se unió a uno de sus cómplices habituales, el contrabajista Bernardo Moreira y convocó una guitarra portuguesa, interpretada por Miguel Amaral, de quien Mário Laginha dice estar «muy impresionado»: «es una persona con la que da gusto trabajar; es un gran músico, un gran guitarrista»

El estreno ocurre con el disco Terra Seca, tejido de complicidades entre los músicos y los instrumentos, comenzando por el piano y contrabajo, dupla habitual en bandas de jazz.

«La presencia que en principio sería extraña es la guitarra portuguesa; y esta extrañeza no es sólo por la instrumentación, sino por el tipo de música que tocamos. Cuando hablamos de guitarra portuguesa, la gente piensa en fado. Todavía creo que se puede ir más allá del fado, y me atrajo mucho experimentar», explica Mário Laginha.

Como protagonista, tocando la melodía principal, o en compañía secundaria, como acompañante, la guitarra portuguesa tiene en este disco «un papel “sui generis”», señala el compositor

«En grupos de jazz, muchas veces quien toca una melodía es, por ejemplo, un saxofón o una trompeta, y allí el sonido es melódico, no es armónico. En este disco, la guitarra portuguesa es armónica y melódica, mientras que otras veces es rítmica», añade.

El disco está «más próximo del jazz que de otra cosa. Los más fundamentalistas dirán “esto no es jazz, no tiene el ‘swing’ habitual”; otros dirán que tampoco es música clásica, y yo estoy de acuerdo; y todos dirán que no es fado, y de hecho no lo es del todo».

Entre esta indefinición, Mário Laginha apunta que al jazz como la mayor influencia del disco, seguida de la música clásica. «Este es un trío que tiene un lado de música de cámara».

«Y después hay un lado portugués, que viene de la música popular y del fado».

Y ahora, el origen del nombre del disco: «La tierra seca es, por regla general, una zona poco habitada, donde es necesario hacer un esfuerzo para transformarla en fértil. Y yo pensé que, musicalmente, teníamos que ir a una zona poco habitada. Y eso tiene un lado fascinante porque es necesario ir a la búsqueda, es necesario convertirla en fértil.”

Fuente para la reseña: http://www.snpcultura.org/terra_seca_mario_laginha_novo_trio.html

Apunte: El Mário Laginha Novo Trio, nació al mundo el 18 de septiembre de 2013 en el auditorio lisboeta de Culturgest. Terra Seca, dedicado a Bernardo Sassetti, fue compuesto casi de manera completa por Laginha, a excepción del tema “Fuga para um dia de sol”, escrito por Miguel Amaral, quien ya tiene editado a su nombre el álbum “Chuva Oblíqua”. Como bien aclara Laginha, el jazz es el “territorio” más reconocible, pero la guitarra portuguesa de Miguel Amaral, trae ecos del fado y de otras músicas populares del país, como así también el recuerdo de músicas del gran Egberto Gismonti. Hablar solo de jazz es insuficiente para definir una música que se mueve libremente entre las músicas de cámara, clásica y contemporánea. Por estos días, en una nueva edición de la reunión anual de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), el Hot Clube de Portugal y la Universidade Lusíada se llevará a cabo un concierto inédito: se encontrarán en el escenario un verdadero promotor de la integración de los distintos lenguajes jazzísticos como es David Liebman, con el Mário Laginha Novo Trio. Da toda la impresión que en el caso de que el Novo Trio perdure en el tiempo, se verán más frutos de nuevas tierras fértiles.

Track Listing

01. Terra Seca (8:21)
02. Dança (9:43)
03. Quando as Mãos Se Abrem (4:30)
04. Tão Longe e Ainda Perto (6:29)
05. Fuga para um Dia de Sol (4:21)
06. Há Correria no Bairro (5:22)
07. Enquanto Precisares (5:55)
08. Pela Noite Fora (7:23)
09. O Recreio do João (3:55)
10. Chão Que Se Move (4:55)

Artist List

Mário Laginha: piano
Miguel Amaral: guitarra portuguesa
Bernardo Moreira: contrabaixo

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Joaquín Chacón & Mariano Díaz

tapa Skytrain
Skytrain (2014)

De todo un poco y entre col y col, lechuga. Jazz de variedad estilística y sobre todo tamizada de intensidad y energía a raudales. Composiciones ex profeso para la ocasión repartidas fundamentalmente entre Mariano Díaz y Joaquín Chacón. Entendimiento total, funcionamiento con piloto automático. Frescura creativa y originalidad repartida a lo largo de los 60 minutos que dura la obra.

Y qué decir de los músicos, de lo más granado del panorama nacional que cuenta además con el españolizado Dave Liebman que últimamente aparece con profusión en un buen puñado de proyectos sin olvidar su lujuriosa trayectoria llegando a ser acompañante del mismísimo Miles Davis.

Con ello sería difícil destacar una composición de otra, un momento de otro, pero en “Boundaries of Conciousness”, Joaquín Chacón viste su guitarra de elegancia y se acerca a Pat Metheny con Dave Liebman en el tenor y Mariano Díaz al piano en uno de los temas más pausados del disco juntamente con la evocadora y bucólica “Gris”(Mariano Díaz, Joaquín Chacón y Dave Liebman reflexionan apaciblemente) o la preciosa balada dedicada a Bohumir Kvasnicka, “B.K. In Memoriam” donde Joaquín Chacón se reparte entra la tradición y la modernidad bien secundado en los solos por Perico Sambeat y Mariano Díaz.

“Skytrain” entre el funk y el rock pero con instrumentación acústica.

En “Yotsuya Station”, aparece Dave Liebman con su flauta india al comienzo lo que viene a ser casi una costumbre o un sello de identidad de los discos donde participa y una pincelada étnica que se complementa con Perico Sambeat en el soprano saxofón y Mario Rossi en el contrabajo.

Excelente “Energy Thieves”, donde el hard-bop nos roba la energía con sutileza, modernidad y calidad.

Aires groove en “She Cool And Groovy”, recordando por momentos a Weather Report.

Con la alternativa “Yotsuya Station” finaliza el álbum pero en esta ocasión con Dave Liebman en soprano saxofón.

Reseña de Enrique Farelo para http://www.tomajazz.com/web/?p=12101

Apunte: Sin teclados ni sintetizadores habituales en el jazz rock, Skytrain es una muy interesante colección de temas que, de alguna manera, evoca el sonido y las atmósferas del jazz rock de los setenta (aires de Weather Report o del Metheny Group atraviezan a Skytrain), sin caer en los excesos que llevaron al decaimiento del interés por el género. La evocación no va en desmedro del resultado final del disco, ya que su fortaleza radica en una propuesta variada y diversa que se disfruta y logra mantener la atención a lo largo del tiempo que se extiende el álbum.

Track Listing

01. Skytrain (5:52)
02. Notas Discordantes (6:22)
03. Boundaires of Consciousness (5:23)
04. The Skin (6:24)
05. Yousuya Station – featuring Perico Sambeat (6:44)
06. Gris (6:23)
07. Energy Thieves (4:33)
08. B. K. In Memoriam (6:42)
09. She Cool and Groovy (6:44)
10. Youtsuya Station -alternate take – featuring Dave Liebman (5:41)

Artist List

David Liebman: sax
Perico Sambeat: sax
Mario Rossi: bass
Javier Colina: bass
Guillermo McGill: drums
Mariano Díaz: piano
Joaquín Chacón: guitar

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Olivier Le Goas & Trilog
junio 12, 2015, 8:47 pm
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tapa Seven Ways
Seven Ways (2009)

Olivier Le Goas ha navegado entre la escena de la vanguardia neoyorquina (Ben Monder, Jim Black, Drew Gress) y la francesa, donde lo hizo particularmente en compañía de Éric Löhrer. Tras un primer disco bajo su nombre en 2006 [1], Le Goas ha montado el trío Trilog con los músicos Manu Codjia, guitarrista que no es necesario presentar, y Vicente Mascart, saxofonista ya observado en el momento del concurso de La Défense en 1994 cuando consiguió el primer premio. Por otro parte, Mascart también participó en la Orquesta Nacional de Jazz Claude Barthélémy y coordina el departamento de jazz del Conservatorio de Nevers.

En momentos en que muchos músicos repiten “tubos” pop o rock a su salsa, Le Goas, se inspira en la música clásica. Por supuesto, como buen número de sus pares, el baterista-compositor encuentra su inspiración en la música del final del siglo XIX, comienzos del siglo XX: Ravel le ha dictado «Sainte», un diálogo tranquilo y bastante lento. Sin embargo, sus fuentes datan de aún más lejos, más allá hasta de Bach, cuyos contrapuntos se prestan a las mil maravillas a las elucubraciones de los músicos de jazz, hasta la música de siglos XVI y XVII : «Le chant du regard» se basa en un tema de Erasmus Widmann [2], «Rêve de Bourgogne» de un anónimo del siglo XVII, y Henry Purcell aporta «The Answer». Le Goas compuso «Seven Ways» y «Dia». «Turn Out The Star» de Bill Evans cierra todo.

Seven Ways evoca tanto a los trovadores por sus melodías danzantes y repetitivas con toques desusados, como al siglo XXI por las elevaciones free de Mascart, los chorus rock de Codjia o la batería “terrenal” de Le Goas. La reverberación del saxofón y los acordes vaporosos de la guitarra permiten a Trilog desarrollar ambientes meditabundos y etéreos que Le Goas parece adorar.

El trío respeta globalmente la arquitectura tema-solo-tema pero siembra su intención de dúos o de solos. Cuando Mascart toca el soprano, Codjia a menudo se pone en el rol de líneas de bajo sobre motivos recurrentes; cuando pasa al tenor, el guitarrista se inclina más hacia los acordes “en suspensión”. Los solos de este último son a veces fluidos, a la Abercrombie, a veces bajo influencia rock. Mascart, es un Janus [3] del saxofón: la faceta “soprano” es resueltamente nerviosa, tirada hacia los agudos y la histeria (aunque, de cuando en cuando, el instrumento desempeña un papel más místico), mientras que la faceta “tenor” revela a un músico falsamente indolente, de sonido amplio, a la imagen de los “jóvenes leones” de los años 80-90. El «baterista-compositor» conoce, pero gracias a una independencia bien controlada, sigue siendo neto y preciso. Bella sonoridad “animal” que refuerzan su potencia, un ataque tenso y un sonido mate sobre las pieles. Se piensa naturalmente en Elvin Jones.

Seven Ways recuerda por supuesto a John Abercrombie por su costado volador, pero a veces también al Steve Coleman de “Genesis & The Opening Of The Way” por la fusión.

Brevemente: Le Goas y su Trilog proponen una música contrastante -meditativa o de juglares- con inclusiones free que colorean sus declaraciones.

[1] “Gravitations” junto a Ralph Alessi (tp), Drew Gress (b) y John Abercrombie (g), que se registró en el sello suizo Altrisuoni, como Seven Ways.

[2] (1572 – 1634) Compositor y organista alemán.

[3] Janus, en la mitología romana, un dios que tenía dos caras mirando hacia ambos lados de su perfil.

Fuente para la reseña: Bob Hatteau para http://www.citizenjazz.com/Olivier-Le-Goas-Trilog.html

Apunte: Lograr que una música hecha con raíces renacentistas, filtrada por las influencias rock del guitarrista y las excursiones free del saxofonista suene atractiva, por momentos pegadiza y en otros adquiera una expresión casi mística o de trascendencia, no es tarea sencilla. Esta muy interesante propuesta de Olivier Le Goas junto a los aventureros Vincent Mascart y Manu Codjia, permite escuchar un particular universo musical que rompe los códigos habituales del jazz fronterizo, creando una fusión que se diferencia de lo que conocemos habitualmente como “música de fusión”. Seven Ways no admite una escucha desatenta, porque los músicos nos desafían; contrariamente, la valoración aumenta con las sucesivas audiciones. Es esa clase de obras con la cual uno puede no sincronizar inmediatamente, pero si aprender a disfrutarla.

Track Listing

01. Le chant du regard (8:07), según Widmann
02. Rêve de Bourgogne (4:49), según un anónimo del siglo XVII
03. Dia (5:32).
04. Sainte (6:33), según Ravel
05. Seven Ways (8:19).
06. The Answer (7:42), según Purcell
07. Turn Out The Star (5:25), Bill Evans

Todos los arreglos y las composiciones son de Le Goas salvo indicación contraria.

Artist List

Olivier Le Goas: drums
Manu Codjia: guitar
Vincent Mascart: soprano saxophone, tenor saxophone

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Raffaele Casarano & Locomotive

Sobre el músico

Nació el 07 de Mayo de 1981; se acerca al estudio del saxofón a la edad de siete años con una fuerte pasión por la música, en particular el jazz, realizando los estudios con el maestro Fabio Sammarco docente en el Conservatorio “N. Piccinni” de Bari. Se diploma en saxofón en julio de 2004 en el Conservatorio de Música “T. Schipa”, de Lecce, con excelentes votos, con el maestro Luigi Fazi, estudiando jazz posteriormente con Roberto Ottaviano.

Frecuenta master clases con artistas como Dave Liebman, Emiliano Rodriguez y Maurizio Giammarco.

Ha colaborado y trabajado con: Paolo Fresu, Roberto Ottaviano, Eddy Palermo, Maurizio Giammarco, Buena Vista Social Club (Notte Della Taranta 2006), Meridiana multi_jazz orchestra (Pino Minafra, Nicola Pisani, Faraualla, Vittorino Curci, Gianni Lenoci, etc), Javier Girotto, Andrea Pozza, Patrizia Conte, Gaetano Partipilo, Ensemble Notte Della Taranta, Negramaro, Moni Ovadia, Anonima folk, Riccardo Pittau, Opa Cupa, Manigold, Vertere String 4tet Marian Serban, Marcello Zappatore, Bachire Gareche, etc.

En septiembre de 2004 funda el proyecto Locomotive que lo verá actuando en muchos clubes italianos pero en particular en enero de 2005 en el Sounds Jazz Club de Bruselas.

En mayo de 2005 funda junto a Andrea Sabatino, el Sabatino-Casarano 5tet con Nicola Andrioli (piano), Marcello Nisi (batería) y Marco Bardoscia (contrabajo)

De ahí comienza un año de preparativos para grabar luego su primer disco “Legend” en el sello Dodicilune Records, donde participa la Orquesta Del Conservatorio T. Schipa y el gran anfitrión Paolo Fresu.

R. Casarano es director artístico e ideólogo junto a la asociación MusicAltra, del “Locomotive Jazz Festival” desde la primera edición en agosto 2006, en su pueblo nativo Sogliano Cavour (Lecce).

El Festival ha hospedado a: Danilo Rea, Giovanni Tommaso, Javier Girotto, Fabrizio Bosso junto a músicos de jazz salentinos, con amplio consentimiento del público.

Fuente para la biografía: http://www.jazzitalia.net/Artisti/raffaelecasarano.asp#.VXifCvl_Okp
tapa Legend
Legend (2006)

¡Hay que ser un poco agrandado para atreverse a registrar un primer disco con una orquesta de cuerdas! Sin embargo, es lo que hizo el joven saxofonista italiano Raffaele Casarano.

Pero: ¿es una buena idea?
Sí y no.

Sí, en el sentido de que se demuestra unas ganas de cierta originalidad a través de este enfoque.

Y no porque algunas piezas tienden a volverse melosas por momentos y a perder así su eficacia. Aunque destilada con sobriedad, la orquestación diluye temas que sin embargo, se bastarían solos por sí mismos. Sin embargo, se observan algunos bellos arreglos que ponen de manifiesto una cierta idea de acompañamiento, cuya voluntad es integrar las cuerdas más cerca del cuarteto, por ejemplo.

Mientras tanto, Casarano también invitó a la estrella italiana de la trompeta: Paolo Fresu, a quien encontró, por casualidad, en un andén de estación (de ahí el nombre del grupo). A todo señor, todo honor: es el propio sardo quien abre el álbum con su fraseo inimitable y reconocible entre todos. Se une posteriormente con el saxofonista (que igualmente muestra una bella maestría al soprano) para un diálogo animado y entusiasta. Excepto las cuatro composiciones orquestadas (el groovy “Legend”, las gentiles baladas “Coccinella” y “My Head”, así como “Rue de la Tulipe”, un alegre ritournelle en homenaje al Sounds, club de jazz de Bruselas que acogió el cuarteto y a Paolo Fresu antes del registro del CD), las piezas más interesantes son aquellas donde el cuarteto se desempeña solo. Apreciamos entonces las rupturas, las esperas, las tensiones, las escapadas, las preguntas y las respuestas que se juegan entre el alto saxofonista y el excelente pianista Ettore Carucci. Carucci inflama más de una vez los temas por un enfoque en primer lugar sombrío y seco antes de hacerlos estallar bajo sus luminosas improvisaciones. Así, en “You Don’ t See Me”, empuja a Casarano a “pelearse” en un solo nervioso. Igualmente, su introducción desestabilizadora e inquietante en “The Fall” arrastra esta balada dolorosa y sensible hacia un intercambio musical más brutal. Es el pianista quien enerva “Larry” por sus intervenciones cortantes.

Finalmente, son estas piezas que revelan una hermosa dinámica de grupo en el que se encuentra un poderoso Marco Bardoscia en el contrabajo y un ardiente Alessandro Napolitano en los tambores.

Es el lirismo alegre y este espíritu de concisión que hace atractivo a este cuarteto. Y decimos entonces que esta locomotora no necesita cargar con demasiados vagones.

Fuente para la reseña: Jacques Prouvost para http://www.citizenjazz.com/Raffaele-Casarano-Locomotive.html

Track Listing – Legend

01. Legend (6:38)
02. Rue de la Tulipe (7:07)
03. The Fall intro (1:59)
04. The Fall (7:02)
05. Larry (9:20)
06. Coccinella (8:22)
07. You don’t see me (10:31)
08. My Head (4:57)
09. O que serà (A flor da Pele) (5:29)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto and soprano sax
Paolo Fresu: trumpet
Ettore Carucci: piano
Marco Bardoscia: bass
Alessandro Napolitano: drums
Alessandro Monteduro: percussion
Giuseppe Bassi: bass (2)
Dario Congedo: drums (2,5)

Orchestra del Conservatorio Tito Schipa directed by Massimiliano Carlini, arrangements by Simone Borgia (1,2,8) and Fabrizio Piccinno (6)

tapa Noe
Noè (2014)

Un estado, una dimensión, un lugar musical. Quizás una perspectiva, un horizonte, una dirección. Hay tantas posibles lecturas y sugestiones contenidas en “Noè”, el nuevo trabajo discográfico de Raffaele Casarano, firma valiosa para el territorio salentino, capaz de afirmarse entre los mejores músicos del panorama nacional.

Era esperado este retorno, después de “Argento” (su última grabación en estudio), del crecimiento del Locomotive Jazz Festival, dirigido por el mismo Casarano y la espectacular versión de “Lu rusciu de lu mare”, (que goza de la participación del amigo Giuliano Sangiorgi), que ha abierto la última edición de La Notte della Taranta y ya ha superado las 13 mil visualizaciones.

Los temas, en definitiva, no faltan, mientras se corre inexorablemente hacia el estreno nacional del disco, que será presentado en un “vivo”, en el Teatro Romano de Lecce, el próximo 22 de septiembre. Del trabajo, pero no solo, hemos hablado precisamente con Raffaele Casarano.

¿Cómo ha nacido el título y con que acercamiento ha tomado vida esta experiencia discográfica? “Viene del término hebreo, que significa ‘quietud’, silencio. Este disco ha nacido justo así: del silencio y de la quietud del tiempo, que ha tomado la forma de la experiencia, de las retrospectivas, de mi vida como es ahora. Eso es lo que hay hoy en mi idea musical. Soy un músico anómalo que hace jazz “de trazos rock”, que consigue dialogar con otros géneros musicales. Este es un álbum ‘abierto’ en el que no he ahorrado y donde el jazz no es mainstream: el enfoque es de contenido, deriva de un estudio pormenorizado sobre todos los géneros”.

El álbum está a punto de salir: que espera en particular de este trabajo? “Es el cuarto álbum que registro y, como siempre, trato de contar lo que he vivido, transformándolo en sonido. Todos los temas contenido en el disco fueron tocados y registrados en toma directa, todos juntos, en Correggio, en una única sala, prefiriendo también mantener el error (afortunadamente no hay) en una fusión de almas y sonido. Esta inmersión introspectiva para por ocho piezas en escala, entre las cuales está “Lu rusciu de lu mare” con la participación de Giuliano Sangiorgi”.

Entre las piezas, hay una que merece particular atención y es la que le ha dedicada a Vittorio Bodini. “Sí, me fascina nuestro poeta que ha contado el Sur. Me ha impresionado su idea de que se pueda repartir el territorio y gozar de una división, aunque el modo de mirar las cosas es diferente del mío. Fue un homenaje que gusté de tributarle”.

Qué diferencias hay desde el punto de vista musical entre “Noè” y el precedente “Argento”? “Existe siempre una continuidad en el trabajo de un artista, aunque yo soy como un electrocardiograma, que sube y baja, vive de cambios de humor. Argento era un disco contaminado, principalmente electrónico. En Noè prevalecen la implosión intimista y la emotividad”.

Aparte de Giuliano Sangiorgi, que ha participado en “Lu rusciu de lu mare” hay otras colaboraciones en el disco? “No hay, salvo el guitarrista de Negramaro, Emanuele Spedicato, que ha tocado la guitarra slide. Pero es una opción deseada, debía ser una experiencia muy íntima del cuarteto”.

A propósito del cuarteto, el álbum coincide con el décimo aniversario del “Locomotive Quartet.”.. “El cuarteto ha nacido hace diez años, aunque al principio vió la participación de Ettore Carucci al piano, Marco Bardoscia al contrabajo y Alessandro Napolitano en la batería. Luego con “Argento” el cuarteto ha visto las entradas de Mirko Signorile y Marcello Nisi. También por esta razón, el disco ha representado un momento propio de esta formación”.

Saliendo por un instante de “Noè”, hay otra experiencia que está mucho en su corazón y es el Locomotive Jazz Festival, que sin embargo este año se enriquece de una versión invernal. ¿Cuál es el balance de esta experiencia? “Muy positivo, visto que surge en un territorio fuertemente impregnado por la música popular y la pizzica**. Ha crecido, adquiriendo la atención a nivel nacional y europeo, pero el crecimiento exponencial se debió principalmente al público, que ha estado cerca nuestro y nos ha apoyado con entusiasmo. Precisamente por esto, estamos pensando en nuevas iniciativas de participación como la “Locomotive Card” que permite ser partidario del festival por un año, brindando algunas ventajas para los momentos culturales”.

Mientras te preparas al preestreno nacional del 22, que cosa apeteces todavía decir sobre el disco… “Querría hacer una invitación a adquirir los discos, porque si la música es solamente digital se pierde el sentido casi artesanal de una obra. En cambio, un disco es fruto de un trabajo paciente: usando una metáfora, es como el pan salido del horno y de las manos de un panadero. La música merece apoyo”.

**pizzica: danza folklórica popular originaria de la península de Salento, región de Apulia

Fuente para la reseña Mauro Bortone para http://www.lecceprima.it/eventi/cultura/terzapagina-raffaele-casarano-presenta-noe.html

Track Listing – Noè

01. Oriental food [R. Casarano] (4:31)
02. Gaia [M. Bardoscia] (5:39)
03. Amonefe [M. Signorile] (5:04)
04. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi] (4:39)
05. Ballata per Bodini [R. Casarano] (7:12)
06. Woman’s drive [R. Casarano] (7:54)
07. Legend [R. Casarano – Ed. Dodicilune] (6:53)
08. Arca di Noé [M. Signorile] (2:58)
09. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi con G. Sangiorgi] (4:39)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto e soprano sax, live electronics
Mirko Signorile: piano
Marco Bardoscia: contrabbasso, live electronics
Marcello Nisi: batteria
Giuliano Sangiorgi e Lele Spedicato featuring in “Lu rusciu de lu mare”

Password en ambos casos: presoventanilla

Apunte: Apadrinado por Paolo Fresu, Raffaele Casarano está concitando la atención de los medios italianos que ya lo consideran como uno de los más talentosos intérpretes de la nueva generación del jazz italiano. Fresu, lo quiere transformar en la joya de la corona de la creativa fragua del Tùk Music, sello dirigido por el propio Paolo. Seguidores como somos del jazz hecho en Italia no podía faltar en MQC/PV un par de muestras de lo que Casarano tiene para decir, que no es poco. Saludos!



Girona Jazz Project Big Band & Guillermo Klein
junio 7, 2015, 7:18 pm
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tapa El Camino
El camino (2010)

Guillermo Klein es un gran músico y arreglista argentino que después de haber pasado por los Estados Unidos y Argentina imparte también, de vez en cuando, su magisterio por todo el Estado Español.

Guillermo lleva trabajando con big bands desde que creó la suya propia allá por el año 1993 llamada Los Guachos, con lo que trabajar en este formato no le pilla de sorpresa.

La música de Klein es una sabia mezcla de jazz, clásica y folclore en su justa medida y yo como seguidor de su obra pocas excusas puedo ponerle como compositor, arreglista y director ya que todo lo hace francamente bien.

En esta ocasión es la Girona Jazz Project Big Band la que se pone a las órdenes de Klein para la grabación de varias de las composiciones del propio músico en el sello Quadrant.

Algunos de los temas desarrollados en esta grabación pertenecen a la primera etapa neoyorkina de Klein, son composiciones de los años 93 y 94 y habían quedado apartadas en algún cajón; se nota que son temas donde Guillermo va sentando las bases de su posterior música y que tienen una fuerte carga emocional y de juventud. Además de los temas de aquella época que son “Abismo”, “La Manzana de las Luces”, “El Camino” y “Lola” para la ocasión y viéndose con estos mimbres Klein compone dos temas “Llagosta” que abre el disco y “Barcelona” más frescos y contemporáneos. Aún queda tiempo para añadir “El Rio” y “El Espejo” con lo que este cd a pesar de los pequeños desajustes que se filtran en algunas de las líneas de la big band es un magnífico ejemplo de la música que Guillermo Klein es capaz de componer.

Otro acierto de Quadrant recuperando la magnifica música de este maestro argentino del jazz actual que debería de tener mayor repercusión, esperemos que este disco ayude a ello.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2011/03/girona-jazz-project-big-band-guillermo-klein-el-camino/

Apunte: Cada vez que escucho un proyecto liderado por Guillermo Klein imaginariamente coloco a Klein de manera inamovible en el podio de los (tres? cinco?) artistas más geniales que han nacido en nuestro querido pais; a Klein (y calculo que a ustedes también) seguramente poco le importa esta consideración, porque lo que verdaderamente importa es la música, compuesta, arreglada y ejecutada por una Big Band, una configuración casi olvidada en la difusión de los medios tradicionales (¿quién no tiene un amigo que nos mira como diciendo “qué es esa música de los años ’50??”). Pues bien, este proyecto de Klein con los músicos de la Girona Jazz Project es impactante desde lo profundamente emocional de algunos de sus temas, ya que cuando escuchamos “El Camino”, realmente podemos ver un camino que tristemente vamos dejando atrás; cuando suena “Abismo”, estamos ante el abismo de un vacío existencial que casi puede palparse…o cuando la dinámica de “El Río” nos arrastra, podemos sentirnos en los rápidos como si no pudiéramos hacer pié en el lecho…disponer de una Big Band tiene la ventaja de poder contar con muchos recursos expresivos a la hora de transmitir sensaciones, emociones o estados de ánimos. Klein en Argentina, Estados Unidos o España concita el respeto y la atención de grupos de talentosos músicos para expresar su arte compuesto sabiamente de tradición y modernidad.

Track Listing

01. Lola (6:58)
02. La manzana de las luces (11:08)
03. El camino (8:37)
04. Abismo (6:19)
05. El espejo (6:46)
06. El río (5:42)
07. Llagosta (3:05)
08. Badalona (3:37)

Artist List

Saxos:
Gorka Garay
Albert Comaleras
Adrià Bauzó
Xavi Molina
Jordi Casas

Trompetas:
Roqui Albero
Jaume Torner
Ivó Oller
Jordi Fontanillas

Trombones:
Carlos Martín
Jordi Gual
Eduard Prats

Francesc Ubanell: guitarra
Alex Carbonell: piano
Oriol Casadevall: contrabajo
Ramon Prats: batería

Guillermo Klein: dirección

Link de descarga
Password: presoventanilla



Kevin MacKenzie

tapa Another New Horizon
Another New Horizon (2004)

MacKenzie a fines de la década del ’80 tocaba la guitarra para el John Rae Collective, luego se unió a Trío AAB, y al Scottish Guitar Quartet, formando Swirler, su propia productora de jazz funk. Las nueve piezas de Vital Signs reflejan dos lados de las propias actividades guitarrísticas de Kevin. Su front line esta dividida entre un extendido tumulto de lo que debe ser denominado como saxofones de jazz y violines folk.

Phil Bancroft (saxofón tenor) y Martin Kershaw (saxofón alto) son figuras claves en la siempre esforzada escena del jazz escocés, mientras que Chris Stout y Aidan O’Rourke tienen una similar posición importante en los reinos de folk montañes. El acordeón de Simon Thoumire sostiene el lado celta tradicional, y las filas de jazz son completadas por Chick Lyall (piano), Tom Lyne (bajo) y el director del sello Caber, Tom Bancroft (batería).

Estas descripciones folk-jazz son un exceso de simplificación, sólo para pintar un cuadro muy vívido de los ingredientes básicos de la música. La realidad es que todos los músicos están constantemente cruzándose, expresando una afinidad para ambos estilos, mezclándose con simpatía y comprensión. Las piezas de MacKenzie han sido escritas como resultado de haber ganado el Creative Scotland Award (una hazaña que ahora parece haber sido alcanzada por la mayoría de los miembros de su banda). Es administrado anualmente por el Scottish Arts Council, y apoya el desarrollo de proyectos especialmente adaptados.

MacKenzie escribe algunos temas intrincados; su apertura “Cypriot Skies” detiene su progreso de pavoneo funky con intermitentes rupturas. El vigor de Vital Signs es inmediatamente evidente. Las tenaces cuerdas crean una sensación de urgencia, lo que le da una atmósfera de banda de sonido. “Lost Again” gira hacia lo free y amorfo, impartiendo un agitado aspecto.”I Saw U” vuelve al funk que creo termina siendo el ataque rítmico dominante en este set. “By Myself” es una tranquila excepción, plena de estruendos de tambores, violines cantantes y guitarra tiernamente tocada. A veces, MacKenzie puede ser sorprendentemente convencional en términos del sonido de amplificación escogido: caliente y suave, con tono líquido. Sin embargo, el líder guarda su tiro más grande para el final, “Winkel’s Rose Garden”, llegando a revelar sus influencias rock.

Fuente para la reseña: Martin Longley para http://www.bbc.co.uk/music/reviews/v5gb

Track Listing – Another New Horizon

01. Cypriot Skies (6:34)
02. 3’s Company (6:36)
03. Another New Horizon (7:49)
04. Lost Again (5:08)
05. Last Night (4:52)
06. I Saw U (6:07)
07. The Velvet Revolution (7:31)
08. By Myself (4:40)
09. Winkel’s Rose Garden (7:20)

Artist List

Kevin MacKenzie: guitar
Phil Bancroft: tenor saxophone
Martin Kershaw: alto saxophone
Chris Stout: fiddle
Aidan O’Rourke: fiddle
Simon Thoumire: concertina
Chick Lyall: piano
Tom Lyne: bass
Tom Bancroft: drums

tapa Chiasmus
Chiasmus (2008)

El primer set de composiciones originales de Kevin MacKenzie desde que grabó sus nueve piezas del proyecto del Creative Scotland Award en 2004, destaca la participación de un fino cuarteto con el saxofonista Julian Argüelles, el bajista Aidan O’Donnell y el baterista Alyn Cosker.

MacKenzie ha sido una notable presencia en la música folk escocesa en los últimos años, pero este disco se centra directamente en sus credenciales jazzeras, no sólo con una notoria inventiva solista, sino también como compositor.

El guitarrista teje sus característicamente fluidas líneas melódicas a través de las espaciosas texturas de la música en intrincada e imaginativa forma, mientras Argüelles está en un papel ideal tanto en el saxofón tenor como en el soprano, sostenidos por los flexibles y propulsivos tambores de Cosker. La elegante contemporaneidad y las oblicuas vueltas y giros de los temas de MacKenzie (que se suministran con títulos igualmente peculiares) encuentran una analogía visual en el arte abstracto de Toby Paterson para la caja del CD, creado en respuesta directa a la música.

Fuente para la reseña: Kenny Mathieson para https://www.list.co.uk/article/8508-kevin-mackenzie-chiasmus/

Track Listing – Chiasmus

01. No.7 (8:44)
02. The Fall of Stout (4:33)
03. Retro Specs (7:09)
04. Laurie’s waltz (4:43)
05. Sixes and Sevens (4:23)
06. Bing Sunrise (6:10)
07. One Day Soon (6:26)
08. Albaquirky (5:15)
09. Toby Moment (4:13)
10. A Strange Affair (6:16)
11. Trundling (6:20)
12. Hip Hoperation (6:58)

Artist List

Kevin Mackenzie: guitar
Julian Arguelles: saxophone
Aidan O’Donnell: bass
Alyn Cosker: drums

tapa East of East 7th Street
East of East 7th Street (2009)

Una fina colección de inteligente y a menudo absorbente jazz contemporáneo del guitarrista escocés Kevin MacKenzie, en colaboración con tres músicos del otro lado del Atlántico. MacKenzie es una figura familiar en la escena del jazz (y folk) escocés en una variedad de contextos, pero esta última excursión como líder refleja tanto el período que él pasó en Nueva York, como subsecuentes colaboraciones en Edinburgo con músicos establecidos en Nueva York como son Boris Kozlov (bajo) y Ben Perowsky (batería).

Ese núcleo de trío es aumentado por el penetrante e inventivo trabajo del saxofón tenor de Donny McCaslin en “Dr K’s Conundrum” y “The Life Sprinter”, dos de las doce composiciones de MacKenzie que integran el álbum. Las fluídas exploraciones del guitarrista de sus posibilidades melódicas y armónicas, están a la par de las inventivas contribuciones y la capacidad de interacción por parte de sus colegas.

Fuente para la reseña: Kenny Mathieson para https://www.list.co.uk/article/21809-kevin-mackenzie-east-of-east-7th-street/

Track Listing – East of East 7th Street

01. Between Here And The City (6:27)
02. The Last Minute (4:52)
03. You’ll Never Know (4:27)
04. Dr. K’s Conundrum (9:23)
05. Reclamation (5:10)
06. Spare Parts (3:51)
07. East 7th Street (5:39)
08. The Life Sprinter (7:53)
09. Noesis (4:27)
10. The Bunker (4:33)
11. Finlay Finally Finds his Feet (5:08)
12. Monopoly Money (5:56)

Artist List

Kevin MacKenzie: guitar
Boris Kozlov: bass
Donny McCaslin: sax
Ben Perowsky: drums

tapa Revenge Of The Hammer Ladies
Revenge Of The Hammer Ladies (2015)

Agradable cuarteto “straight-ahead” compuesto por el alto saxofonista Stillman, el guitarrista MacKenzie, el bajista Dave Ambrosio y el baterista Martin France. El cuarteto parece deleitarse en conversaciones amablemente construidas. Las melodías que saben volar cuando es necesario, los ritmos que se reúnen en una charla amable.

Grabado durante el Festival de Jazz de Edinburgo en el Castle Sound Studio de esa ciudad. Este es el segundo encuentro entre Kevin y Loren y fueron directamente al estudio.

Fuentes para la reseña http://www.birdistheworm.com; http://www.cdbaby.com/cd/kevinmackenzieandlorenst

Track Listing – Revenge Of The Hammer Ladies

01. Revenge Of The Hammer Ladies (5:39)
02. Big Cat (5:40)
03. Fearless Dreamer (5:49)
04. Butterfly (7:45)
05. Her Love Was Like Kryptonite (6:29)
06. Gone (5:53)
07. The Brothers Breakfast (7:30)
08. The Nuckins (5:01)

Artist List

Loren Stillman: alto sax
Kevin MacKenzie: guitar
Dave Ambrosio: bass
Martin France: drums

Apunte: Kevin MacKenzie es un músico muy activo en la escena folk y jazzera de Escocia desde fines de los ’80. Miembro fundador de The John Rae Collective, The Kevin Mackenzie Quartet, gira por Canadá y algunos países de Europa hasta que en el ’91 parte para Nueva York, para estudiar con John Abrecrombie y Barry Harris, entre otros, logrando actuar además junto a músicos tales como Joe Locke, Adam Rogers, Roberta Picket, Craig Handy, Ben Perowski y Victor Jones. En 1992 retoma su cuarteto en Escocia y gira junto a Robben Ford, Bob Berg, Mike Stern y Ornette Coleman. Su carrera comienza a expandirse, forma parte de otros grupos “The Giant Stepping Stanes”,”Coolgroove”, “Swirler”, “Trio ABB”, “Scottish Guitar Quartet”, “The Simon Thoumire Three” etc, etc, abordando todo tipo de géneros musicales pero enfocado particularmente en la música tradicional escocesa y el jazz. MacKenzie es un respetado profesor particular y es profesor invitado en Broughton High School, Strathclyde University, Newcastle University, Edinburgh University y muchas otras. Habiendo participado a lo largo de estos años en más de cincuenta grabaciones discográficas, las obras compartidas en PV/MQC corresponden a sus álbumes como líder o co-líder, como es el caso del recientemente editado “Revenge Of The Hammer Ladies” junto a saxofonista Loren Stillman.

Password en todos los casos: presoventanilla




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