Preso ventanilla


Erik Friedlander
septiembre 24, 2017, 8:45 pm
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tapa Nothing on Earth
Nothing on Earth (2014)

¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.

“Aasiaat” ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En “Maniitsoq”, el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de “Aurora”, aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.

Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.

Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/

Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco “Rings”, olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior “Rings”, aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone

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Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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Francis Drake
julio 9, 2017, 8:24 pm
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tapa Stories
Stories (2011)

Francis Drake es el nombre del trio formado por los músicos Max Frankl (guitarras clásica, acústica y eléctrica), Max von Mosch (saxofones tenor y soprano, clarinete) y Henning Sieverts (contrabajo y violonchelo). En Stories, han creado un ambiente de intermitentes arrestos agudos de sonido en un entorno tranquilo. Como el canto de los pájaros silvestres justo antes del amanecer, Mosch pone los gritos de sus vientos en la oscuridad, mientras la guitarra de Frankl es un flash de movimientos vistos entre los árboles y arbustos cercanos. Sieverts es la oscuridad, especialmente cuando pone las gruesas líneas del violonchelo sobre el sonido de todo lo demás.

Probablemente gustarán de esto los admiradores de las modernas grabaciones de ECM, así como admiradores del álbum “Ellipse” de Christophe Pays. Por el sello Doble Moon, cincuenta y dos minutos de trío de jazz moderno. Jazz de Alemania.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-recapping-the-best-of-2011-part-1/

Apunte: Stories es un disco de relajada libertad en sus improvisaciones y también muy democrático en la conformación del ensamble, ya que sus músicos comparten el primer plano en los distintos temas y aún dentro de un mismo tema. La música va del folk minimalista a sutiles disonancias, con el foco, como ya se sugiere desde los nombres del grupo y del disco, en la narración conjunta de historias improvisadas. Un bello viaje para apreciar sonidos, ritmos y melodías.

Track Listing

01. North End (5:34)
02. Der Panther I (5:09)
03. Der Panther II (4:18)
04. Der Panther III (3:20)
05. A Walk In The Woods (3:10)
06. Schnee (5:26)
07. Adieu Montreal (6:34)
08. Interlude (3:52)
09. Cien Años De Soledad (6:18)
10. Sum Sumus Mu (1:58)
11. Endlos (6:13)

Artist List

Henning Sieverts: acoustic bass, cello
Max Frankl: classical guitar, acoustic guitar, electric guitar
Max von Mosch: tenor saxophone, soprano saxophone, clarinet

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Fabian Almazan

tapa Personalities
Personalities (2011)

El CD del debut de Fabián Almazan, Personalities, comienza con el sonido de una aguja áspera cayendo en un viejo LP que se puede escuchar en el comienzo de la pista “Tres Lindas Cubanas”. El sonido de la aguja continúa a medida que el trío del pianista de jazz ejecuta la antigua cadencia de este danzón del siglo XIX, que se oye en casi todas las bodas, cumpleaños o fiestas de aniversario, donde los cubanos o cubanoamericanos se reúnen. Un poco más de dos minutos de la canción, entonces, el sonido de la aguja de repente se evapora y lo mismo ocurre con el decoroso arreglo, cuando Almazan, el bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole se adentran en una moderna improvisación melódica. El cambio dramático es eco de los cambios en la vida del propio Almazan: Tenía solamente 23 años cuando se unió a una de las grandes bandas del mundo del jazz, el quinteto de Terence Blanchard, después de pasar su infancia en Cuba, la escuela secundaria en Miami y la universidad en Nueva York. Muchas cosas le han sucedido en un corto período de tiempo, y él trata de incorporar a todos en su primera grabación como líder de la banda. “Una de las cosas que me gustan de la música folklórica es que lleva a cabo dos sentidos para el músico y para la audiencia”, dice Almazán, de 28 años, quien está al frente de su trío en el Blues Alley los sábados. “Primero, que mantiene viva la tradición. Y, segundo, que permite a la nueva generación revisar esa tradición. Un danzón está diseñado para una configuración de sala de baile donde se reúne la élite, por lo que la primera parte es muy formal. Pero hay una larga tradición de improvisar en la música cubana, como en el jazz, por lo que la segunda parte es donde los músicos añaden lo que saben. Esta es mi manera de honrar el lugar donde nací. Es parte de lo que soy, y yo quería que mi primer CD reflejara eso”. Si su versión de “Tres Lindas Cubanas” representa una especie de choque cultural, su versión del Cuarteto de cuerdas N º 10 de Shostakovich representa otra. Es una de las piezas favoritas de Almazan, desde sus años de estudiante de piano clásico, y su trío realiza el tercer movimiento lento con un cuarteto de cuerdas muy sentido. Pero Almazan también es un producto del siglo XXI de la era del microchip, y después de grabar los temas él los manipuló con procesadores para crear lamentos fantasmales, gorjeos y retumbes dentro de la melodía de Shostakovich. “Me gusta mucho ese movimiento”, dice el joven pianista. “Como ser humano, me sentí afortunado de haber escuchado esa pieza. Pero también me encanta la música de Johnny Greenwood de Radiohead, sobre todo su repertorio orquestal, de Pierre Boulez y de Harry Gregson Williams, el compositor de la película que hizo la música de ‘Shrek’. Los tres son sorprendentes en el control de sonido con la electrónica, y pensé que su enfoque sería trabajar bien con el adagio”. Un arreglo musical diferente se puede escuchar en la composición propia de Almazan, “La vida vicaria”, también en este CD. Su mano derecha toca rápidos arpegios, acordes rotos que se ciernen bellamente, pero nerviosa por encima de la sección rítmica, mientras que su mano izquierda toca los acordes oscuros y pisando fuerte. El contraste entre las dos partes crece hasta que la tensión es insoportable. Es como si cuanto más la mano derecha trata de empujar a la melodía en el lirismo romántico, más la mano izquierda se resiste. “Esa pieza fue inspirada por los padres adoptivos”, dice Almazan. “Cuando empecé en la música, yo estaba constantemente rodeado por los niños cuyos padres eran controladores. Me di cuenta de que estos padres realmente amaban a sus hijos, pero actuaban de forma equivocada y hacían sentirse a sus hijos miserables. Esa pieza estaba tratando de reflejar estas cosas. Todos los padres cometen errores, pero creo que mis padres fueron muy buenos al respetar mis decisiones como niño en términos de lo que yo quería hacer profesionalmente. Ellos estaban allí cuando necesitaba consejo, pero me dieron el espacio para descubrir las cosas por mi cuenta.” Otro original de Almazan en el álbum, “H.U.G.S (Historically Unrepresented Groups)”, que fue grabada originalmente por el Grupo de Terence Blanchard, fue escrita en el momento de la elección presidencial de 2008 como un tributo a Barack Obama. Almazan lo volvió a grabar para el álbum de su trío, y es la única pieza en la que interpreta a un teclado electrónico. El año pasado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Almazan interpretó “Hugs” con el Cuarteto de Brice Winston, una banda liderada por el ex saxofonista de Blanchard y respaldada por la sección rítmica actual de Blanchard. Almazán tocaba la melodía en el piano acústico, trabajando en el medio-tiempo con arpegios propios. Sin embargo, sus frases ondulantes hicieron más que solo esbozar los cambios, ellos crearon una melodía tarareable con un sentido elegante de romanticismo. Había una calidad cinemática en la interpretación de Almazan, y no es casualidad, porque su director y mentor Blanchard es, sin duda el más exitoso compositor de bandas sonoras de películas que también ha mantenido una carrera de jazz floreciente. Blanchard, que ha escrito la mayoría de la música de las películas de Spike Lee, ha utilizado a menudo sus compañeros de banda en las bandas sonoras y los ha educado en las formas de crear música para una narrativa visual. El verano pasado, Blanchard llevó a Almazán para tocar en la banda sonora de la película de George Lucas “Red Tails”. Almazán también asistió al Lab de compositores del Instituto Sundance del año pasado, gracias a la recomendación de Blanchard. Cada pocos días, un compositor profesional de musica para cine visita a los seis estudiantes, hablan de la forma de arte y establecen un reto de hacer el mismo clip de cinco minutos. Dos días más tarde, ellos se reencuentran para escuchar el trabajo de los otros, así como la partitura del compositor veterano para el mismo clip. “Me gusta mucho escribir para películas”, dice Almazan, “porque la música no es el eje central. La música es muy abstracta y se puede interpretar de muchas maneras, pero cuando se tiene una narrativa, hay un mensaje más claro para la audiencia. La música puede ser frustrante cuando se escribe y el público lo interpreta de una manera totalmente diferente a lo que usted pretende. Eso no sucede tan a menudo en el cine”. Almazan ya ha recibido una comisión para componer la banda sonora para la próxima película del director sudafricano Daniel Zimbler. Pero incluso en su proyectos fuera del cine, Almazan crea narraciones con su música instrumental, puede ser la historia de su infancia en La Habana, o de sus primeros conciertos en Manhattan, sus lecciones de piano clásico en Miami, sus experimentos electrónicos en Utah o la observación de los padres de todo el mundo.

Reseña de https://www.cibercuba.com/noticias/2012/05/25/fabian-almazan-artista-de-jazz-toca-con-nuevos-aires-los-clasicos-cubanos

Track Listing – Personalities

01. String Quartet No. 10, Op. 118 – III. Adagio (8:33)
02. H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups) (7:12)
03. Personalities (9:18)
04. The Vicarious Life (5:21)
05. Grandmother Song (5:48)
06. Bola De Nieve (5:51)
07. Russian Love Story (6:48)
08. Sin Alma (6:02)
09. Tres Lindas Cubanas (4:59)
10. Una Foto (5:53)

Artist List

Fabian Almazan: piano, Fender Rhodes, electronics/audio manipulations
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Meg Okura: violin I (1, 3)
Megan Gould: violin II (1, 3)
Karen Waltuch: viola I (1, 3)
Noah Hoffeld: cello (1, 3)

tapa Rhizome
Rhizome (2014)

Rhizome es demasiado diverso para ser llamado álbum conceptual. Pero es un único arco, una profunda reflexión personal sobre nuestro momento actual. Un rizoma es un sistema de planta gigantesco en el cual plantas individuales sobre la tierra comparten un solo tallo subterráneo. Para Fabian Almazan es una metáfora de cómo la humanidad está toda conectada. Su álbum es una afirmación de la hermandad humana dentro de una dolorosa conciencia de su continua violación

Su trabajo con Terence Blanchard lo ha revelado como un brillante y expresivo pianista. Pero la complejidad de la materia en Rhizome requiere muchos recursos adicionales: una sección rítmica de la bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole, un cuarteto de cuerdas; la violinista de siete cuerdas, Ronit Kirchman; la guitarra y la inquietante voz de Camila Meza; un sintetizador. El logro de Almazan consiste en como él pone en orden todas estas contrastantes texturas y colores en un poderoso y conflictivo retrato de nuestro tiempo.

La pista del título fue motivada por la masacre de 26 personas, incluidos 20 niños en Sandy Hook Elementary School de Newtown, en Connecticut. Contra un oscuro fondo de cuerdas hirviendo silenciosamente y los gritos sin palabras de Meza, el piano elegíaco de Almazan y el solemne bajo de Oh sondean la esperanza en su luto. “Jambo”, con su violín de pánico y violencia de tambor, es una representación visceral de conflictos contemporáneos. El único standard, “Stormy Weather”, pertenece. Esto es una bellamente desolada y vacilante línea de piano de una sola nota dentro de los inquisitivos suspiros de las cuerdas.

Pero a veces la búsqueda de la fé de Almazan descubre momentos como “Hacia el Aire”, una conmovedora y ascendente mezcla de piano y violines. “A New Child in an Old Place” proviene de una visita a New Orleans, cuando Almazan vió niños jugando en el seno de la devastación causada por el huracán Katrina. Como el rizoma, los niños son una metáfora de la regeneración.

Este álbum es mucho más que los dones de Almazan como improvisador e instrumentista, pero sigue siendo una carrera cuando él se suelta, como en “Espejos” y desata su propia invención de piano en una ola tras otra dentro de la narrativa mayor.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para https://jazztimes.com/reviews/albums/fabian-almazan-rhizome/

Track Listing – Rhizome

01. Rhizome (8:25)
02. Jambo (6:56)
03. Espejos (6:08)
04. A New Child in a New Place (8:07)
05. Hacia el Aire (8:03)
06. The Elders (5:20)
07. Stormy Weather (4:04)
08. El Coqui’s Dream (2:05)
09. Sol del Mar (6:04)

Artist List

Fabian Almazan: piano
Megan Gould: violin
Tomoko Omura: violin
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Camila Meza: guitar, vocals
Ben Street: bass
Henry Cole: drums

tapa Alcanza
Alcanza (2017)

Cuando su disco debut, Personalities, fue lanzado en 2011, el pianista Fabian Almazan puso sobre aviso a todos: este era un músico sin miedo a tomar algunas grandes posibilidades con su oficio. Este álbum comenzaba con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerdas y electrónica, nada menos), y establecía efectivamente la trayectoria que Almazan ha continuado desde entonces, en los que fusiona lenguajes musicales basados en lo clásico, lo latino y el post-bop, en maneras que son siempre sorprendentes e innovadoras. Aunque ha demostrado ser un más que capaz sideman en todo tipo de contextos, no ha sido menor la dominación de los deberes del piano para la banda de Terence Blanchard desde 2007, su visión personal de sus propios proyectos siempre ha sido audaz y ambiciosa -sin miedo, realmente, a la hora de trascender géneros.

Después de Personalities, Almazan lanzó su segundo registro Rhizome en 2014, y al igual que su predecesor, incluye un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La novedad de aquel registro fue la vocalista y guitarrista Camila Meza, quien se ha convertido en un componente básico del ensamble de Almazan, junto con la bajista Linda Oh, el baterista Henry Cole y el cuarteto de cuerdas que incluye a Megan Gould y Tomoko Omura en violín, Karen Waltuch en viola, y Noé Hoffeld en cello. Con esta alineación ahora aclimatada en el lugar para la actual grabación de Almazan, Alcanza, el escenario se estableció para algo extraordinario. Y para estar seguro, esto es un triunfo absoluto.

En consonancia con la enorme visión de Almazan, este es un álbum conceptual, una suite de nueve movimientos de una hora de duración, que explora las preguntas de autodescubrimiento, identidad, y el lugar de los seres humanos en un complejo y a veces intimidante universo. La voz prístina de Meza da vida a la lírica que invita a la reflexión de Almazan, y aunque ella cante exclusivamente en español, la belleza y el esplendor de la música son más que suficientes para trascender las fronteras lingüísticas -un rasgo que caracteriza el cuerpo entero de trabajo de Almazan, así como su música tan a fondo desafía la categorización y clasificación.

Las dos cualidades más sorprendentes de la suite son su energía y su potencia emocional. Desde la apertura con “Vida absurda y Bella”, uno está inmerso en la infecciosa sinergia del ritmo e impulso de la música. Impulsado por la potencia percusiva del piano de Almazan, las ágiles línea de bajo de Oh, y los fluidos polirritmos de Cole, la música cambia hacia adelante, y las cuerdas son absolutamente esenciales para el proceso. Lejos de ser usadas como mera ornamentación, son integrales a la progresión de la suite, a veces en la declaración de los temas melódicos (como en el sublime movimiento de cámara, “Verla”), en otros ofreciendo el contrapunto cargado o la disonancia para acentuar el gusto picante de la música. Hay una inquieta y anhelante calidad de la música que es fascinante: incluso en sus momentos más tranquilos y más sombríos, uno siente la vida pulsando debajo, esperando a emerger con un estallido de energía creativa.

Y en cuanto a la vitalidad emocional del registro: es simplemente impresionante. Ya sea a través de la intensidad de “Mas”, con la vocalización creciente de Meza transportando al oyente a través de una meditación sobre los misteriosos propósitos de la vida, o el majestuoso lirismo de “Pater Familias”, dedicada al padre de Almazan, el alcance del sentimiento y la pasión abarcado por esta música es notable. Y aunque los temas musicales a menudo poseen un aspecto aparentemente simple, como folk, la música es decididamente no simplista: el barrido emocional de cada movimiento se ve reforzado por su complejidad rítmica. Escuchando los ademanes propulsivos de Almazan junto a la deslumbrante técnica multi-rítmica de Cole y las oleadas dinámicas de Oh hacen el arco melódico de “Pater Familias” aún más convincente y emocionalmente resonante.

Al examinar el registro, Almazan dijo que su intención era “sumir al oyente, para llevarlo completamente a otro lugar”. Con un álbum de este poderío, inflexiblemente creativo, lo ha hecho. Esta es música que exige ser escuchada y experimentada.

Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/alcanza-fabian-almazan-biophilia-records-review-by-troy-dostert.php

Track Listing – Alcanza

01. Alcanza Suite: I. Vida Absurda y Bella (5:43)
02. Alcanza Suite: II. Marea Baja (6:35)
03. Alcanza Suite: III. Verla (3:21)
04. La Voz De Un Piano (Fabian Almazan) (2:11)
05. Alcanza Suite: IV. Mas (feat. Camila Meza) (3:50)
06. Alcanza Suite: V. Tribu T9 (5:46)
07. La Voz De Un Bajo (Linda May Han Oh) (2:16)
08. Alcanza Suite: VI. Cazador Antiguo (5:56)
09. La Voz De La Percusión (Henry Cole) (1:05)
10. Alcanza Suite: VII. Pater Familias (8:39)
11. Alcanza Suite: VIII. Este Lugar (9:18)
12. Alcanza Suite: IX. Marea Alta (4:51)

Artist List

Fabian Almazan: piano, electronics
Camila Meza: voice and guitar
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Megan Gould: violin I
Tomoko Omura: violin II
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello

Apunte: Fabian Almazan nació el 16 de Abril de 1984 en La Habana, Cuba. A temprana edad comenzó a estudiar piano clásico en su patria. Junto a sus padres se exilia en Miami, Florida, pero allí no podía permitirse lecciones privadas de piano. Gentilmente, la pianista Conchita Betancourt le enseñó gratuitamente a Almazan durante más de tres años, permitiéndole hacer una audición en la New World School of the Arts de Miami, donde él estudió desde 1998 hasta 2002. En el 2003, Almazan se traslada a Nueva York, donde estudia con Kenny Barron en la Manhattan School of Music. Persiguiendo su licenciatura, estudia instrumentación y orquestación con Giampaolo Bracali. Bajo la tutela de Bracali, Almazan compone piezas para orquestas y conjuntos de cámara. En 2009, Almazan recibe el grado de Maestro de la Manhattan School of Music, y paralelamente estudia en privado con Jason Moran. Desde el año 2007 es un miembro permanente del quinteto del trompetista Terence Blanchard. En el año 2011 graba Personalities su primer álbum como líder el cual es bien recibido por la crítica especializada, algo que sucede nuevamente con su segundo álbum Rhizome del 2014 y finalmente llega este año su tercer entrega, sin dudas la más lograda, y también hay que decirlo, uno de los discos que seguramente encabezará las encuestas de revistas y sites a fin del presente año en el rubro “lo mejor de”. Hace varios días que vengo escuchando intensamente estas tres obras, y es gratamente sorprendente la evolución de una a la siguiente. De recrear su herencia musical tamizada por la impronta clásica adquirida desde la niñez hacia lo universal. Lo que sin dudas Fabián Almazan ha “alcanzado” es un estado de gracia, por así decirlo. “Alcanza” es musicalmente desbordante. Es grandioso sin pretender serlo: así de natural y profundas son las músicas creadas por Almazan. Al pianista le duele el mundo, la suerte de los expatriados, el destrato a la naturaleza, lo que pueda ocurrir con nuestros destinos y desde donde puede, él trabaja para curarnos. Y para nuestra buena suerte, tiene el don. “Alcanza” impresiona y realmente conmueve profundamente. Dos cosas más: una, aplaudo que las letras cantadas en estos discos sean en castellano, y dos, la letra de “Alcanza Suite: IV. Más” cantada como un ruego por Camila Meza, es de un sentimiento y humanidad estremecedora. En resumen: obra de arte exquisita, de lo mejor que he escuchado en los últimos años.

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Erik Friedlander
mayo 21, 2017, 11:20 pm
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tapa Rings
Rings (2016)

El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.

Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.

Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. “Solve Me”, “Canoe” y “Waterwheel” forman la suite Rings. El “looping” es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, “Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico”. La apertura de la suite, “Solve Me” ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. “Canoe” está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. “Waterwheel” repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en “Solve Me”. Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).

Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, “The Seducer”, tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido “Risky Business”, el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, “Fracture”, tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).

El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky “Small Things”, que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.

Otro punto alto “Small Things” es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, “Flycatcher” tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con “Silk”, que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.

Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone

Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!

Track Listing

01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion

Link de descarga
Password: presoventanilla



Jakob Bro
abril 16, 2017, 2:05 pm
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tapa Gefion
Gefion (2015)

Ser guitarrista en ECM es cargar con una herencia muy pesada ya que la editora alemana fue la primera en percibir los cambios que la guitarra introdujo en el jazz. Cambios – entiéndase – en el sentido de la innovación y de la creatividad porque sí hubo otros cambios, pero en la dirección de la indecencia.

Metheny, Towner, Abercrombie, Frisell, Gismonti (y hasta Derek Bailey) reposicionaron la guitarra en el jazz y abrieron nuevos lenguajes para el instrumento que Manfred Eicher, responsable del sello, supo identificar y promover. Hoy, la posición de la empresa es diferente, mas interesada en mantener el lenguaje del sonido que la ayudó a definirse, como quien cuida un patrimonio. En este contexto, la relación con Jakob Bro es de convivencia, pues parece una forma de retomar la grandeza del pasado para intentar encontrar nuevos usos: un patrimonio vivo.

El sonido de este guitarrista danés funde el brillo melódico de Frisell con la acidez de Abercrombie. El músico comenzó su carrera discográfica en 2003 y llega a uno de los Olimpos de las grabaciones de jazz como líder (ya había grabado anteriormente con el grupo de Paul Motian el álbum “Garden of Eden” en 2004 y después, en 2009, “Dark Eyes”, con Tomasz Stanko), después de 10 discos editados.

En el proceso de digestión y exploración de todas las innovaciones de los años 70 y 80, a las que hoy asistimos en las más diversas áreas creativas, escuchamos con placer el regreso del baterista noruego John Christensen que, a la par de DeJohnette, fue el músico que puso como base las primeras sesiones rítmicas de la casa (Jarrett, Garbarek, Weber, Towner, Rava, Abercrombie, etc.). Reescuchamos con placer su sonido metálico, con el uso intensivo de los platillos cortado con el bombo, y notamos que ahora esta más abierto y abstracto que en otros tiempos

En el contrabajo está el americano Thomas Morgan que ha integrado los diferentes grupos de Bro desde 2011. Ya lo escuchamos en “Communion”, de Joao Lencastre, en una de las grabaciones de André Matos y en otros discos de ECM con Abercrombie y Taborn. Tiene un sonido fuerte y seguro que se integra particularmente bien en el plano musical conciso y simple del guitarrista, manteniendo clara y nítida la estructura melódica.

El disco suena magníficamente inviernoso en sucesivas audiciones. Alegremente lento, es música para ir a ver la lluvia en el campo, con temas de una belleza serena y contemplativa. Previsible en cuanto al sonido, pero no por eso menos interesante en la música, escuchamos una guitarra bellísima, con composiciones que resuelven con elegancia y sorpresa los lugares comunes. Las guitarras de ECM comienzan a regresar a casa.

Fuente para la reseña: Gonçalo Falcão para http://www.distrijazz.com/es/smartblog/77_jakob-bro-trio-cr%C3%ADtica-ao-disco-gefion-na-jaz

Track Listing – Gefion

01. Gefion (10:36)
02. Copenhagen (4:26)
03. And they all came marching out of the woods (4:34)
04. White (5:09)
05. Lyskaster (4:18)
06. Airport Poem (3:32)
07. Oktober (4:21)
08. Ending (2:46)

Rainbow Studio, Oslo, November 1-2, 2013

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Jon Christensen: drums
tapa Streams
Streams (2016)

Streams es el segundo disco para el sello discográfico ECM Records del guitarrista danés Jakob Bro. Antes de su primer compacto, Gefion, Jakob Bro ya había aparecido en este mismo sello bajo las grabaciones del legendario baterista Paul Motian, Garden of Eden, y del trompetista polonés Tomasz Stanko, Dark Eyes. En todos estos proyectos, Bro había dejado siempre su marca personal, tal y como hace de nuevo en su más reciente trabajo, Streams.

Para esta ocasión el guitarrista danés se ha servido de una formación en trío conformado por Thomas Morgan al contrabajo y Joey Baron a la batería. El repertorio de Streams es original del líder de la sesión y la música resultante se mueve entre las reflexiones musicales, la delicadeza, la melodía y las notas musicales no expresadas, en muchas ocasiones tanto o más importantes que las emitidas.

En este trabajo en conjunto (que es como se podría calificar), necesario para los propósitos del guitarrista, la sección rítmica a veces sirve de colchón sonoro para que el líder pueda desplegar su discurso musical entre contemplativo y aeróbico, lo que provoca un juego de espacios sonoros brillantes y emotivos, llenos de riqueza y sutileza. Jakob Bro así mismo sabe imprimir en algunas composiciones cierto carácter explorador, como el homenaje que lleva a cabo al baterista Paul Motian en la composición “PM Dream” y donde Joey Baron da una lección de templanza interpretativa; o de carácter distorsionador como en el tema “Full moon Europa”, o la extraordinaria graduación sonora de “Sisimiut”. También hay que apuntar la pieza a solo que interpreta Bro en “Heroines”.

Finalmente señalar el excepcional trabajo que desarrollan Thomas Morgan y Joey Baron, excelentes a lo largo de toda la grabación, atentos siempre al discurso musical del líder, no se puede esperar menos de dos de los mejores músicos de acompañamiento que hay en la actualidad.

Reseña de Joan Carles Abelenda para http://jazzrecordings.blogspot.com.ar/2016/12/jakob-bro-streams.html

Track Listing – Streams

01. Opal (4:40)
02. Heroines (5:35)
03. PM Dream (9:37)
04. Full Moon Europa (10:19)
05. Shell Pink (8:17)
06. Heroines (Solo) (2:33)
07. Sisimiut (7:30)

Artist List

Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Joey Baron: drums

Apunte: dejé pasar un largo tiempo para despegarme de joyas como “Time”, “December Song” o “Balladeering” para escuchar estos trabajos de Bro. Apenas vió la luz Gefion, tenía muy frescos esos discos con Konitz, Frisell y Motian y debo decir que no lo sentí como un paso hacia adelante. También hay que decir (y no es ningún gran descubrimiento) que estaba casi cantado que Bro inevitablemente fuera a grabar en algún momento como líder para ECM. Manfred Eicher tiene el marco exacto para las pinturas y texturas de Bro. En estos dos álbumes continúa de manera sencilla, donde lo menos es más, intentando mostrar que el mundo puede ser bello. Para eso cuenta con la ayuda de exquisitos músicos que comulgan perfectamente con su propuesta, en especial Joey Baron que está simplemente magnífico a lo largo de todo Streams. El barco de Bro cambia de tripulantes pero no cambia de dirección. Y está bien, no hay ley escrita o algo por sentado que diga que debe olvidar todo lo hecho y arrancar de nuevo. Seguramente, ya llegaran otros vientos.

Password en ambos casos: presoventanilla