Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Aaron Parks, David Ginyard Jr, Electrónico, Folk, Greg Tuohey, Indie, Jazz, Rock, Tommy Crane
Dreams of a Mechanical Man (2020)
“Hacer lo simple complicado es común; hacer lo complicado simple, increíblemente simple, eso es creatividad «. Estas palabras del legendario bajista / compositor Charles Mingus son una piedra de toque para Little Big, el cuarteto dirigido por el pianista Aaron Parks. La nueva grabación de la banda, Little Big II: Dreams of a Mechanical Man, se comunica con una claridad y simplicidad que oculta su máxima profundidad. «Quiero lanzar un hechizo», explica Parks, «para adormecerte en un trance donde creas que sabes a dónde vas y luego llevarte a un lugar inesperado, casi sin darte cuenta de cómo llegaste allí».
Esta nueva música continúa el cultivo de la banda de un lenguaje musical que combina la música creativa improvisada con una música más centrada en el groove (electrónica, indie-rock, hip-hop y psicodelia), pero sin un rastro de «fusión» educada o una sensación de que el la música está hecha de estilos dispares. Más bien, se siente perfectamente integrado, completo en sí mismo.
Dreams of a Mechanical Man es el segundo lanzamiento de Little Big en Ropeadope Records, grabado después de más de dos años de gira por Parks, el guitarrista Greg Tuohey, el bajista David «DJ» Ginyard y el baterista Tommy Crane. Una distinción principal de este nuevo álbum, según Parks, es que “hoy, la banda opera como un solo organismo. El primer disco fue sobre las melodías y la estética. Este álbum mantiene ese enfoque y también captura la química que hemos desarrollado en el camino, la forma en que esta banda se siente mientras hace música en el momento».
Little Big de 2018 fue en sí mismo una especie de secuela del aclamado debut de Blue Note de Parks, Invisible Cinema, una grabación de 2008 que puso al compositor y al pianista en el centro de la conversación sobre cómo se estaba desarrollando el jazz en el nuevo siglo. Con Dreams of a Mechanical Man, Parks continúa explorando las posibilidades de cómo la música puede encontrar una voz que incorpore influencias de la música popular, la tradición del jazz, la composición clásica, y canciones folclóricas: ideas que ahora están encontrando su expresión más convincente y madura, ya que la composición, la interpretación y la producción se unen de maneras sorprendentes.
La asociación de producción con Chris Taylor, productor / bajista de Grizzly Bear y Department of Eagles, entre otros, también fue clave. «Fue un colaborador esencial en el estudio», señala Parks, «agregando detalles brillantes. En la canción principal, por ejemplo, se le ocurrió la idea de una sección de percusión sobregrabada, que terminamos grabando en el vestíbulo del estudio. Es un toque sutil que ayuda a crear un fuerte sentido de lugar». Taylor también fue fundamental para ayudar a la banda a encontrar sus mejores actuaciones, no las llamadas perfectas, sino las que capturaron a la banda en su forma más humana. «Nos ayudó a aceptar estos momentos de imperfección y crudeza, permitiendo que la música respire y cobre vida».
«Supongo que se podría decir», explica Parks, «vamos por y, no o. Estructura y libertad. Contención y abandono. La idea es que esta banda se sienta al mismo tiempo como una máquina bien aceitada y un equipo de improvisadores.»
Las voces de los compañeros de banda de Parks son cruciales en todo momento. «¿Está todo bien?» y «¿Dónde ahora?» fueron totalmente improvisados en el estudio, porciones de exploraciones de forma libre más largas que se basan en la capacidad de la banda para obtener una lógica de la espontaneidad. «Esto», dice Parks, «es la banda realmente siendo una banda, un ser vivo».
2019 fue un año crítico para Aaron Parks, de 36 años. No solo viajó extensamente como líder con Little Big, sino que también fue un colaborador integral de «Waiting Game», la aclamada grabación de la baterista Terri Lyne Carrington. Desde que se mudó a Nueva York desde Seattle para asistir a la Manhattan School of Music a los 16 años, Parks ha ido desarrollando gradualmente su voz distintiva. Por recomendación del legendario pianista Kenny Barron, se unió a la banda de Terence Blanchard durante cinco años y tres álbumes notables, seguido de su propio debut en Blue Note, que John Fordham de The Guardian declaró «una verdadera visión independiente» de «una estrella en rápido crecimiento». También ha lanzado dos álbumes muy elogiados para ECM, el piano solista «Arborescence» y «Find The Way» con Ben Street y Billy Hart. Parks cofundó el supergrupo colectivo James Farm con Joshua Redman, Matt Penman y Eric Harland, y muchos otros lo han buscado como colaborador, incluyendo el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el trompetista Ambrose Akinmusire, el oudista Dhafer Youssef, la cantante Gretchen Parlato, y el baterista Kendrick Scott.
El propósito más grande de Dreams of a Mechanical Man, dice Parks, va más allá del desarrollo de ideas musicales. “Cada día nos llegan tantas noticias profundamente preocupantes, amplificadas por la forma en que consumimos medios. Es demasiado fácil para nuestros corazones sentirse abrumados y endurecidos. Para que podamos hacer el trabajo sistémico que debemos hacer para tener una oportunidad en esta Tierra, necesitaremos poder mostrarnos con nuestros corazones disponibles y completos. Debemos ser capaces de sentir».
Parks, quien ha experimentado períodos de depresión, espera que las canciones y narraciones musicales presentadas en Dreams of a Mechanical Man puedan ofrecernos un poco de terapia. Esta es la música que tiene como objetivo hacer sonar la alarma sobre algunos de los problemas generales de nuestro planeta («Attention, Earthlings»), nos pide que pensemos más profundamente (la canción principal «Dreams of a Mechanical Man», evocando la historia de Pinocho y las enseñanzas de G.I. Gurdjieff), y nos invita a mirar hacia adentro para examinar cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con los demás en estos tiempos precarios («Unknown»).
Fuente para la reseña: https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2020/05/aaron-parks-little-big-ii-dreams-of-a-mechanical-man/
Apunte: Aaron Parks y su banda parecen estar desde hace un par de años en «su zona». Han logrado un grado de entendimiento y unidad conceptual tal, que deberían ser premiados al menos con un reconocimiento masivo de público. Su música tiene el don que, intuyo, todo artista debe desear: es inteligente, no exenta de complejidades, transmite emociones, capta la atención y a la vez es muy accesible; lo popular amalgamado con lo académico. «Debemos ser capaces de sentir» dice Aaron. Y de escuchar, agrego humildemente. Lo anoto en mi lista de discos notables del 2020.
Track Listing
01. Attention, Earthlings (5:59)
02. Here (5:44)
03. Solace (7:13)
04. Friendo (6:34)
05. Is Anything Okay? (3:24)
06. The Shadow & The Self (7:20)
07. The Storyteller (6:29)
08. Dreams of a Mechanical Man (5:32)
09. My Mistake (4:54)
10. The Ongoing Pulse of Isness (7:16)
11. Where Now? (3:22)
12. Unknown (6:57)
Artist List
Aaron Parks: piano, synthesizers, Wurlitzer, Rhodes, celeste, vibraphone, glockenspiel, chimes, voice
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard Jr: bass
Tommy Crane: drums, percussion
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Alex Jønsson, Bagland, Folk, Frederik Sakham, Frej Lesner, Jakob Sørensen, Jazz, Mathias Jæger, Nellie Parsager Jensen, Sofie Kirk Østergaard
Bagland (2015)
Jakob Sørensen es un joven trompetista y compositor de Dinamarca. Como parte de sus estudios en la Academy of Music en Aarhus, pasó un año en Berlín, una ciudad con una próspera escena de jazz, poblada por jóvenes músicos imaginativos. Además de dirigir su propio quinteto Bagland, Sørensen también toca con los tríos Elm y Elliott (ambos con otros miembros de Bagland) y con las bandas de pop / rock Maskinvad, Xylop y Dad Rocks.
Bagland es la palabra danesa para «circunscripción» y sirve como título de álbum y como nombre de la banda de Sørensen que también incluye al guitarrista Alex Jønsson, al pianista Mathias Jæger, al bajista Frederik Sakham.
La música es una celebración de las raíces nórdicas del grupo y tiene un tono inconfundiblemente escandinavo.
Bagland se grabó en una ubicación costera remota (sombras aquí del álbum seminal «Dis» de Jan Garbarek), y algo de la atmósfera de los alrededores, más el sentido de aislamiento y unidad de propósito del grupo se abre paso en la música. Las composiciones de Sørensen son evocadoras y a menudo tienen una fuerte calidad pictórica, algo reforzado por el empaque del álbum de estilo ECM con sus melancólicas pero hermosas imágenes del galardonado fotógrafo Kirsten Klein.
La pieza de apertura «Vindeltrappen» establece de inmediato el estado de ánimo para el álbum. Hay una breve introducción de Sørensen en la trompeta solista resplandeciente y melancólica, antes de que Jønsson y Sakham establezcan una especie de vamp melódico que proporciona la plataforma para las extensiones posteriores de la trompeta de Sørensen, de tono susurrante y respirable que sugiere la influencia de otros escandinavos, Henriksen, Eick y Molvaer junto a Miles Davis y Tomasz Stanko. El solo de piano de Jæger es fluidamente lírico y el apoyo discreto de Jønsson, Sakham y Lesner es justo lo que necesita la música.
Las melodías de Sørensen son directas e instantáneamente atractivas, pero él y su banda las tratan de maneras interesantes. “Pelsfrakker” incluye un imaginativo solo de guitarra de Jønsson, mientras se extiende apoyado por el sonido militar del loop de Lesner, prácticamente una constante en toda la pieza. Sin embargo, a pesar de los adornos marciales, la pieza nunca pierde su sentido esencial de la melodía, algo alentado por la trompeta del líder.
La breve pero encantadora «Op Ned Henover» comienza con un diálogo encantador entre la elocuente y cálida trompeta de Sørensen y el suave sonido Friselliano de Jønsson con la guitarra, subrayada por el platillo de Lesner, el rumor de los mazos y el redoble de las manos. A medida que la pieza evoluciona, Jønsson emprende un solo conciso, encantador y altamente inventivo antes de que el motivo de piano de estilo minimalista e insistente de Jaeger, brinde un puente hacia la siguiente «Forandringens Fortivlelse», la pieza más larga del álbum. Significando «La desesperación del cambio», esta composición primero parece desarrollarse gradualmente con los arpegios de piano de Jæger que finalmente conducen a la genial majestad de la trompeta solista magníficamente elocuente de Sørensen. Un cambio de ritmo hace que el grupo retroceda y Sakham ofrece un largo solo de contrabajo acompañado solo por los sonidos de la pequeña percusión de Lesner. A continuación, Lesner acompaña el diálogo de cierre entre Jæger y Jønsson y la pieza termina con los sonidos de campanas de viento generados por el percusionista. Tomada en su conjunto, la pieza representa un viaje musical fascinante y absorbente.
«Bagland» en sí comienza con la seductora melodía de trompeta de Sørensen antes de ensombrecerse en un territorio más libremente estructurado como lo impulsó Jæger en el piano, antes de resolverse rápidamente con el regreso del tema inicial de Sørensen.
«Marehalmens Flugt» es otra épica, con un poco menos de nueve minutos. La introducción rumiante de contrabajo en solitario de Sakham abre el proceso, y finalmente establece un pulso y un ritmo sobre el cual sus colegas pueden construir. El desarrollo es gradual y sin prisas, con énfasis en la construcción de melodías y ambientes. Olsson ofrece el primer solo, un asunto de combustión lenta y completamente absorbente que evita las técnicas llamativas. El guitarrista favorece un sonido fresco y claro que revela la influencia de músicos contemporáneos, como su compatriota Jakob Bro y Kurt Rosenwinkel, con sede en Nueva York. La trompeta de Sørensen susurra seductoramente y luego se eleva dramáticamente en otra interpretación segura y la pieza termina con los suaves y límpidos sonidos del piano de Jæger aliados a la guitarra delicadamente escogida de Jønsson.
Las virtudes de «Algo bonito» se expresan adecuadamente en su título. La pieza ve al quinteto central aumentado por los clarinetes gemelos de Nellie Parsager Jensen y Sofie Kirk Østergaard, quienes juegan un papel destacado en el arreglo. Un pasaje conjunto de clarinete, casi clásico en su estructura y pureza, marca el comienzo de la pieza. Los dos clarinetes se entrelazan seductoramente con la trompeta de Sørensen por encima de la figura de contrabajo del co-compositor Sakham.
En poco más de un minuto y medio, la encantadora miniatura que es «Flyver Vaek I Evik Sol» actúa como un epílogo efectivo.
Tengo que decir que, como la mayoría de los otros comentaristas, incluido Peter Bacon de The Jazz Breakfast, me impresionó mucho Bagland. Aunque la música es inconfundiblemente «Scandi-jazz», se las arregla para evitar la mayoría de los clichés asociados con el género y al mismo tiempo continúa sonando decididamente antiestadounidense. En otras palabras, a Sørensen, de veintiséis años, se le ocurrió un sonido muy propio. Es un sonido que a menudo es hermoso, pero que va más allá de la mera belleza para producir música encantadora e interesante.
Sørensen impresiona con la madurez tanto de su escritura como de su interpretación, su trompeta es una mezcla seductora de lo seguro y lo vulnerable y su técnica es excelente en todo momento. Virtudes similares se pueden atribuir al siempre imaginativo Jønsson, posiblemente el otro intérprete sobresaliente en este disco a pesar de las excelentes contribuciones de Jæger, Sakham y Lesner: me gustó la batería colorida, llena de carácter pero siempre sutil. Quizás sea un poco insolente elegir contribuciones individuales porque, como su nombre en grupo sugiere, Bagland es una banda muy buena con una fuerte identidad colectiva.
Fuente para la reseña: Ian Mann para https://www.thejazzmann.com/reviews/review/jakob-sorensen-bagland
Apunte: La música en Bagland se desplaza serenamente por un mundo de profundas melodías, sorprendiendo con un ambiente generalmente informal, relajado y también engañosamente simple, demostrando una madurez musical envidiable para la juventud del líder de la banda. El tono claro, limpio, flexible y alegre de Jakob ilumina ese terreno azotado por el viento como el de la tapa del disco, lo que lo convierte de alguna manera, en un lugar muy acogedor. Un lugar, por lo menos, para escuchar.
Track Listing
1. Vindeltrappen (6:54)
2. Pelsfrakker (5:40)
3. Op Ned Henover (2:28)
4. Forandringens Fortvivlelse (9:14)
5. Bagland (2:27)
6. Marehalmens Flugt (8:50)
7. Something Pretty (3:34)
8. Flyver Væk i Evig Sol (1:32)
Artist List
Jakob Sørensen: trumpet
Alex Jønsson: guitar
Mathias Jæger: piano
Frederik Sakham: doublebass
Frej Lesner: drums
Nellie Parsager Jensen: clarinet
Sofie Kirk Østergaard: clarinet
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Alex Jønsson, Andreas Skamby, Folk, Indie, Jazz, Jens Mikkel Madsen, Rock Progresivo
Heathland (2020)
Para el nuevo álbum de Alex Jønsson, Heathland, los escasos pastizales azotados por el viento de su tierra natal de Jutland proporcionan la inspiración. Este paisaje único evoca un tiempo olvidado e intacto por la civilización humana. Aquí, la naturaleza trabaja silenciosamente en soledad, y los implacables vientos del norte disuaden a la mayoría de los forasteros. Es un lugar que el guitarrista danés Alex Jønsson conoce bien, ya que creció allí como sus generaciones de antepasados antes que él. A pesar de la inspiración romántica y natural, Heathland es el primer álbum que Jønsson toca junto a un bajo eléctrico interpretado por Jens Mikkel Madsen.
Los momentos suaves de este álbum son hermosos en su vulnerabilidad y poéticos en sus matices. Los efectos de guitarra en ‘Icicles’ sugieren una incertidumbre y fragilidad. El juego de Alex está lleno de emoción y tiene una madurez refinada más allá de sus años. Su suave ataque de cuerda se suma al suave efecto de inclinación. La dinámica de ‘The Sun is Slowly Rising’ es perfecta, con aumentos de volumen sobregrabados y acordes de tremolo. Los tambores constantes de Andreas Skamby invocan una antigua actuación ritualista de los demás.
Sin embargo, el álbum evita ser unidimensional con el brutal ‘… y Darkness Crept In’ donde la banda se balancea, empleando distorsión y ruido de octavas. En ‘Re: Herr Sehr Schwer’, la banda deslumbra con un estallido de optimismo americano que surca con gran fluidez. Es una pista que proporciona un poco de alivio ligero y no se cansará después de repetidas jugadas. El enérgico solo del baterista Andreas es apasionado y agrega un pasaje existencial de prog-rock cuando se combina con las misteriosas olas armónicas de Alex.
El álbum se aleja de la tonalidad occidental para el expresivo ‘Paul’. Los sonidos generados por los músicos dan un ambiente más íntimo y una experiencia personal. El toque punteado de Alex no está pulido a propósito y los disparos de Andreas y los frenéticos rollos de percusión le dan a esta pista un timbre distintivo.
Terminando con el suave ‘Emu’, las vívidas melodías de Alex retratan un sentimiento melancólico frente al sonido de la percusión texturizada. Al principio, parece una pieza sin mucha profundidad, pero la disposición en capas y las variaciones aparecen a medida que avanza la pieza. El movimiento armónico se vuelve estático, sin embargo, la emoción y la creatividad se mantienen a través de la batería enérgica y las estoicas líneas de bajo. Es un final solemne pero cautelosamente optimista para los procedimientos.
‘Heathland’ es un trabajo reflexivo y experimental fundado en el amor de Jønsson por Dinamarca, pero también muestra influencia de otras culturas musicales en las composiciones. El enfoque moderno y variado de Alex para su trabajo significa que incluso en los momentos delicados las piezas son significativas.
Fuente para la reseña: Fred Neighbour para http://ukvibe.org/album_reviews/alex-jonsson/
Apunte: Hay quietud y tensión, con algunos eventuales escapes distorsionados. Hay tambores y platillos que casi no marcan ritmos, reflejan expectación o reflexión mientras bajo y guitarra se entrelazan sin ninguna clase de apuro. Hay lirismo en la ocasional inclinación melancólica de la música y la sensación de grandes espacios abiertos. Hay ciertos puntos de contactos entre Alex Jønsson y su coterráneo Jakob Bro, aunque el sonido de Alex sea, tal vez, más indie. Todo eso hay, como corresponde a la buena música danesa.
Track Listing
1. Heathland (2:39)
2. Stillness (4:31)
3. …and Darkness Crept In (3:56)
4. Out of Shape (2:40)
5. Icicles (3:54)
6. The Sun Is Slowly Rising (6:11)
7. Paul (6:06)
8. Re: Herr Sehr Schwer (3:04)
9. Emu (4:45)
Artist List
Alex Jønsson: guitar
Jens Mikkel Madsen: bass
Andreas Skamby: drums
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The Stone Skipper (2016)
Con The Stone Skipper, que se lanzó hoy (11 de Noviembre de 2016), ¡Shai Maestro y sus cómplices Jorge Roeder y Ziv Ravitz firman una pura maravilla! Jugando con las fronteras de lo que comúnmente se llama jazz, el trío del pianista israelí ya no duda en aventurarse en otros territorios, casándose con elegantes teclados electrónicas y la aparición de voces en ósmosis con su universo único. Desde su debut en trío en 2011, la trayectoria musical de este «maestro» llamado acertadamente, parece acompañar la búsqueda de una humanidad plena y completa. Grabado en Nilento en medio del campo sueco, The Stone Skipper, el cuarto álbum de un trío más unido que nunca, está construido como una historia que se desarrolla y se basa en un motivo musical central, el hilo conductor común de una impresionante unidad bíblica que conecta las piezas. «Este álbum es, con mucho, el más personal que hemos hecho. No intentamos tocar virtuosos en nuestros instrumentos, sino ponernos al servicio de esta historia lo mejor posible». Un disco que acoge cuatro voces habitadas y cautivadoras. Las de Gretchen Parlato, Theo Bleckmann , Neli y Kalina Andreeva, como cuatro respiraciones que nunca tienen prioridad sobre la narrativa musical que mezcla instrumentos acústicos y electrónicos. A la llegada, con The Stone Skipper, Shai Maestro y sus cómplices acaban de cruzar un nuevo rumbo, indudablemente humano, ciertamente artístico.
Fuente para la reseña: Max Dembo para https://www.qobuz.com/fr-fr/info/Actualites/Video-du-jour/Shai-Maestro-le-bien-nomme178751
Track Listing – The Stone Skipper
01. A Man, Morning, Street, Rain (2:17)
02. Without Words (2:31)
03. From One Soul To Another (5:21)
04. Pearl (1:09)
05. Stop Motion (4:50)
06. Kunda Kuchka (4:34)
07. The Stone Skipper (5:12)
08. Mirrors (2:24)
09. The Message (3:33)
10. Spirit (For Anat) (4:07)
11. It’s Your Blessing And Your Curse (2:00)
12. Water Colors (6:47)
13. Rain, Morning, A Man, Street (4:23)
14. The One You Seek Is You (4:03)
15. Epilogue (3:21)
16. Luiza (3:26)
Artist List
Jorge Roeder: bass, effects
Ziv Ravitz: drums, effects
Shai Maestro: piano, keyboards, percussion
Gretchen Parlato: voice (tracks: 2, 14)
Kalina Andreeva: voice (track: 6)
Mika Ravitz: voice (track: 9)
Neli Andreeva: voice (track: 6)
Theo Bleckmann: voice (track: 6)
The Dream Thief (2018)
Como sé por experiencia personal, ciertos apellidos provocan un sentido irónico de expectativa. Cualquier pianista llamado «Maestro» seguramente necesita estar doblemente cómodo con su arte, y afortunadamente, este joven y talentoso israelí-estadounidense siempre ha echado luz sobre su potencial peso muerto. Regular en la banda del bajista Avishai Cohen entre 2006 y 2011, también brilló en el cuarteto del baterista Mark Guiliana y continúa liderando uno de los tríos de piano más emocionantes de los últimos años.
El debut de Maestro en ECM se produjo en el lanzamiento de Theo Bleckmann en 2017, «Elegy» , y en ese momento esperaba que pudiera abrir la puerta a una carrera en solitario en el prestigioso sello. Encaja perfectamente con las acciones de Eicher, y su búsqueda de lirismo y el gran regalo de narrador se sienten instantáneamente en casa en este impresionante conjunto de material nuevo, en gran parte original.
Según los informes, en el preciado Auditorio Stelio Molo RSI de Lugano, Maestro tenía la opción de elegir dos pianos Steinway D, y después de algunas deliberaciones seleccionó el instrumento con el tono ligeramente más oscuro. Revela un nuevo trío en el que el bajista peruano Jorge Roeder se une al baterista Ofri Nehemya, quien reemplaza al notable Ziv Ravitz. Mientras que la partida de Ravitz podría ser vista por algunos como una pérdida bastante significativa, el enfoque algo más conservador de Nehemya se adapta bien al programa.
Comenzando con una breve actuación en solitario de «My Second Childhood» del cantante israelí Matti Caspi, el álbum comienza de manera adecuadamente melancólica y romántica. Nehemya hace su entrada en «The Forgotten Village», preparando una flota y un solo devastadoramente eficaz a lo LaFaro de Roeder que trabaja inteligentemente contra la corriente. «The Dream Thief» es un poco menos nebuloso en su forma, con el trío manejando hábilmente numerosos cambios entre pasajes libres y rítmicos. “A Moon’s Tale” y “Lifeline” restauran la fuerte narrativa cinematográfica del disco, mientras que el baile de “New River, New Water” proporciona la música más amigable para la radio del set.
Tal vez guardando sus mayores sorpresas hasta el final, Maestro deconstruye radicalmente «These Foolish Things» , mientras fragmentos de la poderosa oratoria de Barack Obama sobre el tema aparentemente insoluble del control de armas de EE.UU. están entretejidos en la conmovedora pregunta retórica, «What Else Needs To Happen»(¿Qué más necesita suceder?), una interrupción sombría en el ensueño de Maestro, pero que sin embargo muestra el amplio rango emocional dentro de la música muy accesible y marcadamente humana del trío.
Fuente para la reseña: Fred Grand para https://jazzjournal.co.uk/2019/03/08/shai-maestro-trio-the-dream-thief/
Track Listing – The Dream Thief
1. My Second Childhood (4:39)
2. The Forgotten Village (6:21)
3. The Dream Thief (8:29)
4. A Moon’s Tale (2:36)
5. Lifeline (3:54)
6. Choral (3:50)
7. New River, New Water (6:59)
8. These Foolish Things (Remind Me Of You) (4:24)
9. What Else Needs To Happen (7:08)
Artist List
Jorge Roeder: double bass
Ofri Nehemya: drums
Shai Maestro: piano
Apunte: Como parte de una generación de músicos jóvenes israelíes que ya cuenta con un reconocimiento internacional, el pianista Shai Maestro se destaca por su técnica y conocimiento de la armonía pero además, y tal vez lo más importante, por tener una gran fuerza narrativa, sensibilidad y musicalidad. El estado mental de ambos tríos transmite una sofisticación que no es altanera, sino más bien amable, expresando por igual espontaneidad y mecanismos grupales cuidadosamente practicados a lo largo de años. Muy recomendables.
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Kush (2016)
Kush (Songlines, 4 de noviembre de 2016), un álbum melancólico y no forzado, rico en matices, es el cuarto del progresista guitarrista, compositor y a veces líder, Ryan Blotnick. Después de una década en la Gran Manzana, Blotnick regresó recientemente a su Maine natal y se propuso no solo separarse físicamente del bullicio y la intensidad candente de la escena de jazz de Nueva York, sino también hacer una ruptura musical. El resultado es una colección de ocho composiciones espaciosas de Blotnick influenciadas suavemente por ritmos derivados de África.
Blotnick no había ofrecido un álbum conjunto desde «Everything Forgets» y eso fue en el ’09. Pero para llegar a Kush, auto-produjo un álbum solo para guitarra , «Solo, Volumen 1″ de 2013 que fue probablemente un paso necesario. En ese momento supusimos que con este disco en particular “obtenemos un retrato de un guitarrista de jazz aprendiendo a ser un guitarrista sin género que sigue a su musa a donde sea que lo lleve. No instalar esas cercas, hizo que la música fuera mucho menos predecible y, por lo tanto, mucho más interesante». Esa ambivalencia y apertura de género también está siempre presente aquí, esta vez con el apoyo de Scott Colberg (bajo), y el mentor de Blotnick y líder de banda, el saxofonista Michael Blake.
Las canciones no se interpretan tanto como fluyen. «Kush» comienza con una bruma de abstracción, estableciéndose en un groove relajado de 17/8, extraído de tambores golpeados a mano; tanto Blake como Blotnick se embarcan en solos exploratorios. Los ritmos africanizados de drum ‘n bass prevalecen en «DX7» y Blotnick muestra un poco de su perspicacia rítmica de ser el guitarrista rítmico de toda la vida en Akoya Afrobeaty, luego lanza un solo que está más orientado al rock de lo que nunca antes había puesto en sus discos, y Blake recuerda la furia del saxo tenor y la emoción de Pharoah Sanders. Y es casi imposible escuchar «Lunenburg» -tan Americana con la brillante guitarra de Blotnick y la adición de pedal-steel de Jonny Lam- y no pensar en Bill Frisell. También clasificaría como una de las mejores canciones de Frisell (para el registro, Blotnick cita a otro guitarrista, Jakob Bro, como su principal influencia para esta canción). La guitarra se asienta en una dulzura suave, agradable solo por su brillante resonancia.
La guitarra de Blotnick en «May Day» es como funk en cámara lenta y la batería de Miller sale de la oscuridad y toma su lugar cerca del frente cuando Blake toma su turno. «Churchy» no es gospel, pero es relajante como el domingo por la mañana, engañosamente para que la progresión del acorde no vaya en línea recta y el saxo de Blake sea conmovedor y sereno.
Después de un par de números moderados y decididos tocados en 3/4 («Delaware», «And Bright Snow»), «Spring» termina el proceso con una hermosa balada de jazz, de la misma manera que Thelonious Monk hizo baladas. Y más que los otros siete temas, también se toca en la tradición del jazz, marcada por el canoro saxo soprano de Blake.
El dominio del espacio y del tono dentro de un entorno de improvisación, es un arte que pocos han dominado realmente; con Kush, Ryan Blotnick ha demostrado estar entre esos maestros tan raros.
Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2016/11/14/ryan-blotnick-kush-2016/
Apunte: Resultan muy esclarecedoras las liner notes del álbum en la página de Bandcamp de Ryan Blotnick: «concebido como un antídoto para las formas más agresivas del jazz de Nueva York, Kush ofrece valses recién acuñados, baladas inquietantes y más que un toque a lo Frisell, así como una variedad de ritmos que combinan jazz y sensaciones africanas». Lo que impera en Kush es la creación de contextos musicales, con ambientes que por momentos son serenamente brillantes y otros de una controlada volatilidad; el resultado es el de un magnífico álbum, un verdadero paso adelante de aquel irregular pero igualmente hermoso «Everything Forgets«, que supimos disfrutar en PV/MQC hace unos años atrás.
Track Listing
1. Kush (9:24)
2. Lunenberg (6:07)
3. May Day (7:02)
4. Churchy (4:56)
5. Delaware (6:59)
6. And Bright Snow (7:57)
7. DX7 11:54
8. Spring (4:55)
Artist List
Ryan Blotnick: guitar
Michael Blake: tenor and soprano sax
Scott Colberg: bass
RJ Miller: drums
Special Guest:
Jonathan Lam: pedal steel on «Lunenberg»
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Clásica, Folk, Jazz, Luca Urciuolo, Mauro Smith
La danza di Uaio il pesce (2005)
Desde hace algún tiempo para el sello Itinera, este CD a dúo del pianista napolitano de treinta y cinco años, Luca Urciuolo y el baterista de Caserta Mauro Smith, de cuarenta y cinco años, es una de las sorpresas más interesantes de la música. Italiana en los últimos años.
El álbum, toda música original firmada por Urciuolo, es en verdad valiente e intenso, narrativo pero no linealmente melódico, centrado en la expresividad torrencial del pianista, para quien la batería actúa como un alter ego dialógico, mucho más que un soporte rítmico.
El papel del ritmo en las tramas dibujadas por el dúo es muy importante, pero al mismo tiempo difícil de descifrar. Urciuolo tiene una formación clásica, pero luego pasó a la música rock, para luego ir al jazz; Smith combina experiencias en el rock con instalaciones que combinan música, pintura y arquitectura; su colaboración tiene casi quince años (aunque este trabajo se grabó en 2001) y hace que esta versatilidad tome forma en un diálogo en el que el movimiento rítmico de las piezas cambia constantemente, se actualiza y se vuelve a proponer después de suspensiones abstractas o cambios de la atmósfera.
Casi todas las pistas son un ejemplo de este espíritu de vagabundo que explora solo territorios parcialmente conocidos. «Unicodoppio», que abre el CD, continúa, por ejemplo, durante tres minutos como viaje en ritmos mínimos pero continuos, variando los pasajes al teclado, para luego demorar unas pocas docenas de segundos en una lenta cascada de notas y comenzar de nuevo a dúo, esta vez, sin embargo, con un tema de fondo melódico, desarrollado sin una repetición en todas sus posibles implicaciones, hasta la solución de la tensión acumulada, en el octavo minuto; seguido de un último minuto de reflexión enrarecida.
«Studio n. 1” procede a un ritmo muy intenso que mezcla de moods árabes, atmósferas minimalistas y variaciones de jazz. «Chinaski» se encamina con sugestiones clásicas y luego se abre y se dilata y procede largamente con reiteraciones del tema y sus exploraciones suspendidas, de gran impacto, para luego encabritarse sobre tonos altos y ritmos en crescendo, con cataratas de notas, para concluir de nuevo sobre un relax soñado. Esplendido. «Lontano» es quizás la pieza más convincente, junto con el «Mantra» en vivo, pero también se desvanece varias veces en largos y reflexivos silencios, que se reavivan en los ritmos dictados por los tambores y se describen en un triunfo de notas cristalinas, que termina en un poderoso crescendo.
Un álbum realmente fascinante, una de las muchas perlas ocultas de nuestra vital y desconocida producción de jazz. Muy recomendable.
Fuente para la reseña: AAJ ITALY STAFF para https://www.allaboutjazz.com/la-danza-di-uaio-il-pesce-balance-point-acoustics-review-by-aaji-staff.php
Apunte: El compositor, pianista y acordeonista Luca Urciuolo y el baterista, arquitecto y artista visual Mauro Smith grabaron en el año 2001 y publicaron en el año 2005 La danza di Uaio il pesce, un hermoso disco que tiene como referencia histórica-cultural la música europea y mediterránea, y como desarrollo la improvisación, que debe ser entendida como una constante variación rítmico-melódica. «La colaboración con Mauro Smith, que ya había formado parte del grupo «Neroitalia», nació inmediatamente después de la experiencia provechosa del cuarteto. Tenga en cuenta que Smith es un baterista y, como tal, habría tenido que manejar el ritmo de apoyo del dúo y, en cambio, Mauro toca como otro músico, por lo que la melodía que sale de él es lo más particular que podemos esperar. Esta colaboración fue bastante interesante, ya que dio origen a un proyecto original que recibió mucho apoyo. Aunque Mauro y yo hemos sido definidos como un dúo experimental, quiero aclarar que la música que tocamos es muy comunicativa, abierta, con una melodía básica muy directa y comprensible. Cada pieza está hecha por el 30% de composición y el 70% de improvisación, y esta última es totalmente temática, es decir, aprovecha la vocación básica de la pieza y nos permite desarrollar nuevas armonías durante la presentación. Se trata de improvisación desnuda y cruda», esto le decía Luca Urciuolo a Lidia Borghi en un reportaje publicado en «Fresco di stampa» en Febrero de 2008. Que lo disfruten.
Track Listing
1. Unicodoppio (9:06)
2. Studio n. 1 (3:16)
3. Chinaski (9:01)
4. Il treno (9:24)
5. Lontano (10:58)
6. Si torcono (6:16)
7. Mantra (10:25)
8. Bassoventre (9:23)
Musicisti
Luca Urciuolo: pianoforte
Mauro Smith: batteria
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Body And Shadow (2017)
Brian Blade & The Fellowship Band celebran su 20 aniversario en 2017. Body And Shadow es sólo su quinto álbum: ellos no han registrado prolíficamente, pero cada uno de ellos ha valido la espera. El grupo ocupa un espacio singular: el sonido de Americana (principalmente música folk) es dominante, pero tocada con una sensibilidad de jazz. A pesar del considerable arsenal técnico de la banda, ellos siempre han mantenido el foco en el sonido del ensamble, antes que en el de los solistas. Para esta excursión el baterista Brian Blade y el tecladista Jon Cowherd tienen características muy parecidas desde el punto de vista composicional, y el grupo da la bienvenida a un nuevo miembro, el guitarrista establecido en Denver, Dave Devine.
Blade trae la primera palabra con «Within Everytning», una lenta y elegíaca canción con una melodía recurrente. La primera de las entradas «Body and Shadow» está próxima -«Noon», seguida más luego por «Morning» y «Night».Estas son suaves exploraciones de material similar, más bien mínimas, hasta que finalmente aparece un tema en el último. La primera contribución de Cowherd «Traveling Mercies», otra melodía parecida a una canción folk que sin embargo incluye un contrastante puente dramático. La sensación de contraste es aún más fuerte en el acertadamente titulado «Duality», que se compone de dos secciones contrastantes. El tema más largo por mucho, es también el que tiene el sentido de jazz más pronunciado. La primera mitad presenta un largo y alegre solo de piano del compositor; en la segunda mitad los proyectores enfocan el saxo alto Myron Walden en un electrizante solo de vuelta.
El álbum anterior del grupo «Landmarks» (Blue Note, 2014) destacó un raro cover, un tratamiento parecido a un himno de la tradicional canción «Shenandoah». Esta vez la apuesta es con un himno real: «Have Thine Own Way, Lord». Cowherd primero lo toca solo en armonio, luego toda la banda continúa el sentimiento con el arreglo de Blade. Que esto se ajuste tan bien con la música original es un testamento a las profundas raíces tradicionales de la música de la Fellowship Band. Ellos nunca han sido un manojo prolijo, pero esto es una colección especialmente sucinta: las nueve pistas duran sólo un poco más de media hora. No se desperdicia un minuto.
Fuente para la reseña: Mark Sullivan para https://www.allaboutjazz.com/body-and-shadow-brian-blade-blue-note-records-review-by-mark-sullivan.php
Apunte: Escuchar Body And Shadow es tanto una experiencia gratificante, como también un poco frustante. Lo gratificante viene de composiciones como «Within Everything», «Traveling Mercies», «Duality» o «Broken Legs Days» donde da placer escuchar al grupo desarrollar composiciones con energía, emoción y talento con el nivel al que nos han acostumbrado. Lo frustante es que da la sensación de que el álbum está incompleto. Vaya a saber cuales han sido las razones por las cuales decidieron hacer un disco tan corto y no esperar a tener más material para hacer una obra más completa y contundente. A pesar de esto, escuchemos Body And Shadow.
Track Listing
1. Within Everything (3:03)
2. Body and Shadow (Noon) (3:09)
3. Traveling Mercies (4:32)
4. Have Thine Own Way, Lord (Solo) (1:20)
5. Have Thine Own Way, Lord (Band) (1:14)
6. Body and Shadow (Morning) (1:43)
7. Duality (8:21)
8. Body and Shadow (Night) (2:57)
9. Broken Leg Days (5:20)
Artis tList
Brian Blade: drums
Jon Cowherd: piano, harmonium, mellotron
Chris Thomas: bass
Melvin Butler: tenor saxophone
Myron Walden: alto saxophone, bass clarinet
Dave Devine: guitar
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When Ghosts Were Young (2017)
When Ghosts Were Young, cuarto disco registrado por Olivier Bogé bajo su nombre, es la continuación de Imaginary Traveler (2010), The World Begins Today (2013) y Expanded Places (2015). Sobre todo, es el álbum que cabía esperar por parte de un músico más que nunca en la toma de una visión onírica del mundo en que se desenvuelve día tras día. No que sea sin sorpresa, tanto se necesita, pero va más allá del lenguaje de sus predecesores, exponiendo un solo canto, que se traduce en sutiles variaciones de una composición a la otra. Al punto que no se trata más que decir que el disco de diez, sino una sola que fluye con gran suavidad, caracterizada por la serenidad. Uno imagina al hombre detenerse al borde de un riachuelo para dejar que el agua fluya entre sus dedos, caminar en lo más profundo de un bosque o en un sendero de montaña, contemplar el cielo y el mar, escuchando el ruido del viento. When Ghosts Were Young desarrolla la música de los elementos, conectada con lo más hermoso que la naturaleza puede ofrecer y que no sabemos quizá más ver.
Olivier Bogé nos ha confirmado estas impresiones explicando: « La inmensa mayoría del álbum fue escrita durante mis múltiples peregrinaciones; la guitarra en el coche, me detuve al borde de un molino, en el medio de un bosque para acostarme (dar a luz?); algunas notas que brotan después de la vista de un faldón de luz, de un montón de árboles… El caos que atravesaba en este período inmediatamente fue borrado por estos regalos del cielo y del viento. Y esto fue una obsesión constante: no dormir en los momentos de luz, procurando cueste lo que cueste, estallar las sombras, apartarlas, alejarlas. No dejarlas tomar ningún lugar en esta música. Estar atento al ruido del agua, el olor de un bosque, a la explosión de luz frente a mí ». Además, no es necesario saber que el título previsto inicialmente para el álbum fue el de otra composición: «As Spark Hits The Shadows». Una propuesta descartada debido a la dificultad de la pronunciación, para nosotros franceses tan a menudo en conflicto con las lenguas extranjeras. Es posiblemente poco daño, ya que esta frase refleja fielmente lo que pudo dar origen a un universo luminoso y lleno de imágenes.
En lo que concierne a las formas, comprobamos en primer lugar que Olivier Bogé es fiel en amistad ya que se encuentra en acción a los mismos músicos que para Imaginary Traveler, su primer disco en 2010. Es decir, Pierre Perchaud a la guitarra, Tony Paeleman al piano, Nicolas Moreaux al contrabajo y Karl Jannuska en la batería. Además de la presencia en un título («Rain’s Feathers») de Isabel Sörling al canto, el cambio más notorio, en comparación con su primer disco, es la gama de instrumentos de Bogé: allí donde se presentaba como saxofonista solamente, ahora también es pianista, guitarrista y cantante (y compositor, por supuesto). Lo que ya se había podido comprender en el momento de la aparición de «Expanded Places» hace dos años.
Un colectivo apiñado, pues, en el seno del cual la voz individual no es primordial pero siempre de un gran lirismo. Basta con escuchar el coro en saxofón alto de «As Spark Hits the Shadows» para darse cuenta; luego la intervención de Pierre Perchaud. O aún el solo de piano y luego el de saxofón alto en «Odyssey Of The Innocent Child». Fiebre y concisión en una sola voz, quizá el ejercicio más arduo que exista… Las melodías, de una gran limpidez, están expuestas a su vez al piano, a la guitarra, al saxofón, instrumentos a menudo duplicados por la propia voz de Olivier Bogé. Son canciones sin palabras y un lenguaje musical, que ya no tiene mucho que ver con lo que se llama comúnmente jazz. El de Olivier Bogé es poético, de una belleza formal indiscutible. Un folk-rock-jazz atemporal e impresionista cuyas raíces se remiten al corazón de las músicas que han habitado el siglo XX. Debussy tiende la mano a Joni Mitchell, en cierto modo. Es una incitación a deponer las armas, las cuales cada uno·de nosotros debe traer a diario para permanecer de pie.
Una música del ensueño despierto y sobre todo no del olvido. When Ghosts Were Young es un éxito muy bello, a través del cual Olivier Bogé devela un poco más todavía su atractiva personalidad. Un disco adictivo, que puede girar una y otra vez, como nuestras cabezas embriagadas por el espectáculo del mundo.
Fuente para la reseña: Denis Desassis para https://www.citizenjazz.com/Olivier-Boge-3475318.html
Apunte: He escuchado mucho, muchísimo este disco. No dudo en calificarlo como uno de los dos o tres mejores discos editados en el año 2017, al menos de los que tuve la posibilidad de escuchar (y no fueron pocos). Oliver Bogé cada vez hace proyectos más personales haciéndose cargo de distintos instrumentos, vocalizando y en especial, componiendo bellísimas melodías que quedan rebotando en la cabeza luego de que el disco se apaga. Lo rodean los amigos de siempre, aquellos que lo vienen acompañando más o menos regularmente desde Imaginary Traveler, su primer disco como líder y en el que ya había mostrado sus credenciales como artista de gran talento. When Ghosts Were Young es absolutamente adictivo, lleva el ánimo bien arriba, se puede consumir una y otra vez, y lo que es mejor, no tiene contraindicaciones. Música curadora. Discazo.
Track Listing
01. New Gardens (4:54)
02. As Spark Hits the Shadows (7:06)
03. Rain’s Feathers (2:53)
04. Till We Rise Again (4:06)
05. What Will Remain (6:25)
06. Dreamers (3:55)
07. Odyssey of the Innocent Child (9:26)
08. When Ghosts Were Young (2:03)
09. Sin of Orpheus (5:32)
10. Guardians of Illusions (5:32)
Artist List
Olivier Bogé: guitare acoustique, saxophone alto, voix, piano (sur 3 & 5), Fender Rhodes & synthétiseurs
Pierre Perchaud: guitare électrique
Tony Paeleman: piano
Nicolas Moreaux: contrebasse
Karl Jannuska: batterie
Invitée:
Isabel Sörling: voix (sur 3)
Enregistré par Tony Paeleman au Studio des Bruères à Poitiers, les 5, 6 et 7 août, 2016, et à La Garenne Colombes entre septembre 2016 et mars 2017.
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Loneliness Road (2017)
Así, el front man del grupo de rock/pop llamado The Stooges obtiene una invitación a tono con un trío de piano jazz clásico. El Stooge sería Iggy Pop; el trío, el piano de Jamie Saft con el bajista Steve Swallow y el baterista Bobby Previte. Esto es un real experimento, algo que Frank Zappa podría haber intentado.
El pianista Jamie Saft ha enganchado una gran parte de su estrella a John Zorn, apareciendo como un sideman o líder, en unas cuantas realizaciones del sello Tzadik de Zorn. Aquellas dicen «aventureras» y «sin límites». Pero en sus grabaciones de piano trio, los botones avant-garde no son empujados todo lo duro que podrían serlo. Su «The New Standard» (Rare Noise Records, 2014), una fina excursión, encaja perfectamente dentro del mainstream. También lo hace su segunda grabación para Rare Noise, Loneliness Road, una profunda exploración, de las formas de la canción americana, inspirándose en Bob Dylan, The Band, Alice Coltrane, Pharoah Sanders, Bill Evans. Aquellas formas del cancionero arraigadas en la mùsica folk parecen especialmente importantes aquí, con Dylan y The Band compartiendo esa fundación. Pero el concepto de Saft parece menos crudo, más expansivo, incluyendo la grandeza de Charles Ives y Aaron Copland, Stephen Foster, apoyado en un modo reducido y moderno. Los tres enfoques musicales distintivos del trío se funden para tejer un bello y cohesionado tapiz, ya sea por su soleada apertura «Ten Nights», o el prodigioso tiempo de permanente quietud de «Bookmarking».
Luego Iggy Pop se exhibe en tres canciones. Este formato de trio -y este particular trio- se adapta a él. Lo firme pero flexible del piano trio respalda las exhibiciones de los diálogos cantados/hablados de la voz barítono de Pop. «Don’t Lose Yourself» suena como una entrega testimonio de Leonard Cohen para el líder del anciano estadista de la categoría poeta/cantante.»Loneliness Road» suena como una meditabunda canción de Van Morrison. «Everyday» es una sensible canción de amor de alguien que ha experimentado una profunda angustia. Iggy Pop -que de esto sabe- emana gravedad.
Una superior excursión de piano trio con el extra de atractivas contribuciones de Iggy Pop.
Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/loneliness-road-jamie-saft-steve-swallow-bobby-previte-rarenoiserecords-review-by-dan-mcclenaghan.php
Apunte: La contundencia con la cual Loneliness Road te convence con la primera audición de que es un disco imprescindible, se basa en primer lugar en el cancionero propuesto, luego en el «mood» que predomina a lo largo del disco, una rara de quietud, con una efervescencia latente en segundo plano, fruto del talento interpretativo de tres gigantes improvisadores sosegados en pos de la idea, y finalmente en la gravedad, casi al borde del desmoronamiento, de Iggy Pop, del cual uno puede entrever por la rendija que dejan los quiebres de su voz, una jauría de demonios atados. Discazo de punta a punta.
Track Listing
01. Ten Nights (5:26)
02. Little Harbor (4:30)
03. Bookmaking (4:23)
04. Don’t Lose Yourself (4:44)
05. Henbane (4:01)
06. Pinkus (7:40)
07. The Barrier (4:18)
08. Nainsook (5:44)
09. Loneliness Road (6:34)
10. Unclouded Moon (7:41)
11. Gates (2:51)
12. Everyday (3:41)
Artist List
Jamie Saft: piano
Steve Swallow: bass
Bobby Previte: drums
Iggy Pop: vocals (4, 9, 12)
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Nothing on Earth (2014)
¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.
«Aasiaat» ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En «Maniitsoq», el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de «Aurora», aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.
Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.
Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/
Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco «Rings», olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior «Rings», aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!
Track Listing
01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)
Artist List
Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone
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