Preso ventanilla


Brian Blade & The Fellowship Band
julio 8, 2018, 7:39 pm
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tapa Body and Shadow
Body And Shadow (2017)

Brian Blade & The Fellowship Band celebran su 20 aniversario en 2017. Body And Shadow es sólo su quinto álbum: ellos no han registrado prolíficamente, pero cada uno de ellos ha valido la espera. El grupo ocupa un espacio singular: el sonido de Americana (principalmente música folk) es dominante, pero tocada con una sensibilidad de jazz. A pesar del considerable arsenal técnico de la banda, ellos siempre han mantenido el foco en el sonido del ensamble, antes que en el de los solistas. Para esta excursión el baterista Brian Blade y el tecladista Jon Cowherd tienen características muy parecidas desde el punto de vista composicional, y el grupo da la bienvenida a un nuevo miembro, el guitarrista establecido en Denver, Dave Devine.

Blade trae la primera palabra con “Within Everytning”, una lenta y elegíaca canción con una melodía recurrente. La primera de las entradas “Body and Shadow” está próxima -“Noon”, seguida más luego por “Morning” y “Night”.Estas son suaves exploraciones de material similar, más bien mínimas, hasta que finalmente aparece un tema en el último. La primera contribución de Cowherd “Traveling Mercies”, otra melodía parecida a una canción folk que sin embargo incluye un contrastante puente dramático. La sensación de contraste es aún más fuerte en el acertadamente titulado “Duality”, que se compone de dos secciones contrastantes. El tema más largo por mucho, es también el que tiene el sentido de jazz más pronunciado. La primera mitad presenta un largo y alegre solo de piano del compositor; en la segunda mitad los proyectores enfocan el saxo alto Myron Walden en un electrizante solo de vuelta.

El álbum anterior del grupo “Landmarks” (Blue Note, 2014) destacó un raro cover, un tratamiento parecido a un himno de la tradicional canción “Shenandoah”. Esta vez la apuesta es con un himno real: “Have Thine Own Way, Lord”. Cowherd primero lo toca solo en armonio, luego toda la banda continúa el sentimiento con el arreglo de Blade. Que esto se ajuste tan bien con la música original es un testamento a las profundas raíces tradicionales de la música de la Fellowship Band. Ellos nunca han sido un manojo prolijo, pero esto es una colección especialmente sucinta: las nueve pistas duran sólo un poco más de media hora. No se desperdicia un minuto.

Fuente para la reseña: Mark Sullivan para https://www.allaboutjazz.com/body-and-shadow-brian-blade-blue-note-records-review-by-mark-sullivan.php

Apunte: Escuchar Body And Shadow es tanto una experiencia gratificante, como también un poco frustante. Lo gratificante viene de composiciones como “Within Everything”, “Traveling Mercies”, “Duality” o “Broken Legs Days” donde da placer escuchar al grupo desarrollar composiciones con energía, emoción y talento con el nivel al que nos han acostumbrado. Lo frustante es que da la sensación de que el álbum está incompleto. Vaya a saber cuales han sido las razones por las cuales decidieron hacer un disco tan corto y no esperar a tener más material para hacer una obra más completa y contundente. A pesar de esto, escuchemos Body And Shadow.

Track Listing

1. Within Everything (3:03)
2. Body and Shadow (Noon) (3:09)
3. Traveling Mercies (4:32)
4. Have Thine Own Way, Lord (Solo) (1:20)
5. Have Thine Own Way, Lord (Band) (1:14)
6. Body and Shadow (Morning) (1:43)
7. Duality (8:21)
8. Body and Shadow (Night) (2:57)
9. Broken Leg Days (5:20)

Artis tList

Brian Blade: drums
Jon Cowherd: piano, harmonium, mellotron
Chris Thomas: bass
Melvin Butler: tenor saxophone
Myron Walden: alto saxophone, bass clarinet
Dave Devine: guitar

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Olivier Bogé

tapa When Ghosts Were Young
When Ghosts Were Young (2017)

When Ghosts Were Young, cuarto disco registrado por Olivier Bogé bajo su nombre, es la continuación de Imaginary Traveler (2010), The World Begins Today (2013) y Expanded Places (2015). Sobre todo, es el álbum que cabía esperar por parte de un músico más que nunca en la toma de una visión onírica del mundo en que se desenvuelve día tras día. No que sea sin sorpresa, tanto se necesita, pero va más allá del lenguaje de sus predecesores, exponiendo un solo canto, que se traduce en sutiles variaciones de una composición a la otra. Al punto que no se trata más que decir que el disco de diez, sino una sola que fluye con gran suavidad, caracterizada por la serenidad. Uno imagina al hombre detenerse al borde de un riachuelo para dejar que el agua fluya entre sus dedos, caminar en lo más profundo de un bosque o en un sendero de montaña, contemplar el cielo y el mar, escuchando el ruido del viento. When Ghosts Were Young desarrolla la música de los elementos, conectada con lo más hermoso que la naturaleza puede ofrecer y que no sabemos quizá más ver.

Olivier Bogé nos ha confirmado estas impresiones explicando: « La inmensa mayoría del álbum fue escrita durante mis múltiples peregrinaciones; la guitarra en el coche, me detuve al borde de un molino, en el medio de un bosque para acostarme (dar a luz?); algunas notas que brotan después de la vista de un faldón de luz, de un montón de árboles… El caos que atravesaba en este período inmediatamente fue borrado por estos regalos del cielo y del viento. Y esto fue una obsesión constante: no dormir en los momentos de luz, procurando cueste lo que cueste, estallar las sombras, apartarlas, alejarlas. No dejarlas tomar ningún lugar en esta música. Estar atento al ruido del agua, el olor de un bosque, a la explosión de luz frente a mí ». Además, no es necesario saber que el título previsto inicialmente para el álbum fue el de otra composición: “As Spark Hits The Shadows”. Una propuesta descartada debido a la dificultad de la pronunciación, para nosotros franceses tan a menudo en conflicto con las lenguas extranjeras. Es posiblemente poco daño, ya que esta frase refleja fielmente lo que pudo dar origen a un universo luminoso y lleno de imágenes.

En lo que concierne a las formas, comprobamos en primer lugar que Olivier Bogé es fiel en amistad ya que se encuentra en acción a los mismos músicos que para Imaginary Traveler, su primer disco en 2010. Es decir, Pierre Perchaud a la guitarra, Tony Paeleman al piano, Nicolas Moreaux al contrabajo y Karl Jannuska en la batería. Además de la presencia en un título (“Rain’s Feathers”) de Isabel Sörling al canto, el cambio más notorio, en comparación con su primer disco, es la gama de instrumentos de Bogé: allí donde se presentaba como saxofonista solamente, ahora también es pianista, guitarrista y cantante (y compositor, por supuesto). Lo que ya se había podido comprender en el momento de la aparición de “Expanded Places” hace dos años.

Un colectivo apiñado, pues, en el seno del cual la voz individual no es primordial pero siempre de un gran lirismo. Basta con escuchar el coro en saxofón alto de “As Spark Hits the Shadows” para darse cuenta; luego la intervención de Pierre Perchaud. O aún el solo de piano y luego el de saxofón alto en “Odyssey Of The Innocent Child”. Fiebre y concisión en una sola voz, quizá el ejercicio más arduo que exista… Las melodías, de una gran limpidez, están expuestas a su vez al piano, a la guitarra, al saxofón, instrumentos a menudo duplicados por la propia voz de Olivier Bogé. Son canciones sin palabras y un lenguaje musical, que ya no tiene mucho que ver con lo que se llama comúnmente jazz. El de Olivier Bogé es poético, de una belleza formal indiscutible. Un folk-rock-jazz atemporal e impresionista cuyas raíces se remiten al corazón de las músicas que han habitado el siglo XX. Debussy tiende la mano a Joni Mitchell, en cierto modo. Es una incitación a deponer las armas, las cuales cada uno·de nosotros debe traer a diario para permanecer de pie.

Una música del ensueño despierto y sobre todo no del olvido. When Ghosts Were Young es un éxito muy bello, a través del cual Olivier Bogé devela un poco más todavía su atractiva personalidad. Un disco adictivo, que puede girar una y otra vez, como nuestras cabezas embriagadas por el espectáculo del mundo.

Fuente para la reseña: Denis Desassis para https://www.citizenjazz.com/Olivier-Boge-3475318.html

Apunte: He escuchado mucho, muchísimo este disco. No dudo en calificarlo como uno de los dos o tres mejores discos editados en el año 2017, al menos de los que tuve la posibilidad de escuchar (y no fueron pocos). Oliver Bogé cada vez hace proyectos más personales haciéndose cargo de distintos instrumentos, vocalizando y en especial, componiendo bellísimas melodías que quedan rebotando en la cabeza luego de que el disco se apaga. Lo rodean los amigos de siempre, aquellos que lo vienen acompañando más o menos regularmente desde Imaginary Traveler, su primer disco como líder y en el que ya había mostrado sus credenciales como artista de gran talento. When Ghosts Were Young es absolutamente adictivo, lleva el ánimo bien arriba, se puede consumir una y otra vez, y lo que es mejor, no tiene contraindicaciones. Música curadora. Discazo.

Track Listing

01. New Gardens (4:54)
02. As Spark Hits the Shadows (7:06)
03. Rain’s Feathers (2:53)
04. Till We Rise Again (4:06)
05. What Will Remain (6:25)
06. Dreamers (3:55)
07. Odyssey of the Innocent Child (9:26)
08. When Ghosts Were Young (2:03)
09. Sin of Orpheus (5:32)
10. Guardians of Illusions (5:32)

Artist List

Olivier Bogé: guitare acoustique, saxophone alto, voix, piano (sur 3 & 5), Fender Rhodes & synthétiseurs
Pierre Perchaud: guitare électrique
Tony Paeleman: piano
Nicolas Moreaux: contrebasse
Karl Jannuska: batterie
Invitée:
Isabel Sörling: voix (sur 3)

Enregistré par Tony Paeleman au Studio des Bruères à Poitiers, les 5, 6 et 7 août, 2016, et à La Garenne Colombes entre septembre 2016 et mars 2017.

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Jamie Saft, Steve Swallow, Bobby Previte with Iggy Pop
octubre 22, 2017, 1:30 pm
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tapa Loneliness Road
Loneliness Road (2017)

Así, el front man del grupo de rock/pop llamado The Stooges obtiene una invitación a tono con un trío de piano jazz clásico. El Stooge sería Iggy Pop; el trío, el piano de Jamie Saft con el bajista Steve Swallow y el baterista Bobby Previte. Esto es un real experimento, algo que Frank Zappa podría haber intentado.

El pianista Jamie Saft ha enganchado una gran parte de su estrella a John Zorn, apareciendo como un sideman o líder, en unas cuantas realizaciones del sello Tzadik de Zorn. Aquellas dicen “aventureras” y “sin límites”. Pero en sus grabaciones de piano trio, los botones avant-garde no son empujados todo lo duro que podrían serlo. Su “The New Standard” (Rare Noise Records, 2014), una fina excursión, encaja perfectamente dentro del mainstream. También lo hace su segunda grabación para Rare Noise, Loneliness Road, una profunda exploración, de las formas de la canción americana, inspirándose en Bob Dylan, The Band, Alice Coltrane, Pharoah Sanders, Bill Evans. Aquellas formas del cancionero arraigadas en la mùsica folk parecen especialmente importantes aquí, con Dylan y The Band compartiendo esa fundación. Pero el concepto de Saft parece menos crudo, más expansivo, incluyendo la grandeza de Charles Ives y Aaron Copland, Stephen Foster, apoyado en un modo reducido y moderno. Los tres enfoques musicales distintivos del trío se funden para tejer un bello y cohesionado tapiz, ya sea por su soleada apertura “Ten Nights”, o el prodigioso tiempo de permanente quietud de “Bookmarking”.

Luego Iggy Pop se exhibe en tres canciones. Este formato de trio -y este particular trio- se adapta a él. Lo firme pero flexible del piano trio respalda las exhibiciones de los diálogos cantados/hablados de la voz barítono de Pop. “Don’t Lose Yourself” suena como una entrega testimonio de Leonard Cohen para el líder del anciano estadista de la categoría poeta/cantante.”Loneliness Road” suena como una meditabunda canción de Van Morrison. “Everyday” es una sensible canción de amor de alguien que ha experimentado una profunda angustia. Iggy Pop -que de esto sabe- emana gravedad.

Una superior excursión de piano trio con el extra de atractivas contribuciones de Iggy Pop.

Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/loneliness-road-jamie-saft-steve-swallow-bobby-previte-rarenoiserecords-review-by-dan-mcclenaghan.php

Apunte: La contundencia con la cual Loneliness Road te convence con la primera audición de que es un disco imprescindible, se basa en primer lugar en el cancionero propuesto, luego en el “mood” que predomina a lo largo del disco, una rara de quietud, con una efervescencia latente en segundo plano, fruto del talento interpretativo de tres gigantes improvisadores sosegados en pos de la idea, y finalmente en la gravedad, casi al borde del desmoronamiento, de Iggy Pop, del cual uno puede entrever por la rendija que dejan los quiebres de su voz, una jauría de demonios atados. Discazo de punta a punta.

Track Listing

01. Ten Nights (5:26)
02. Little Harbor (4:30)
03. Bookmaking (4:23)
04. Don’t Lose Yourself (4:44)
05. Henbane (4:01)
06. Pinkus (7:40)
07. The Barrier (4:18)
08. Nainsook (5:44)
09. Loneliness Road (6:34)
10. Unclouded Moon (7:41)
11. Gates (2:51)
12. Everyday (3:41)

Artist List

Jamie Saft: piano
Steve Swallow: bass
Bobby Previte: drums
Iggy Pop: vocals (4, 9, 12)

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Erik Friedlander
septiembre 24, 2017, 8:45 pm
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tapa Nothing on Earth
Nothing on Earth (2014)

¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.

“Aasiaat” ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En “Maniitsoq”, el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de “Aurora”, aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.

Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.

Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/

Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco “Rings”, olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior “Rings”, aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!

Track Listing

01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)

Artist List

Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone

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Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Mancrush
agosto 19, 2017, 8:08 pm
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tapa Authentic Midwestern
Authentic Midwestern (2016)

Conducido por la visión estética y musical del baterista y compositor Lars-Erik Larson, Mancrush crea un paisaje musical que anima a los oyentes a encontrar y apreciar la belleza dentro de una intencional simplicidad. Influenciado fuertemente por el minimalismo, el folk, y la música pop, Mancrush ha creado un sonido que busca servir a la canción por encima de todo lo demás.

Para el álbum debut de Mancrush, el líder Lars-Erik Larson seleccionó 10 composiciones originales y un arreglo de “Five Hungarian Folk Tunes, No. 1” de Bartok. La influencia de Bartok, así como las melodías world y del folk americano -de raíces del Medio Oeste de Estados Unidos- puede ser escuchada en todo el conjunto, junto con un ambiente de rock moderno, pop y músicas improvisadas. La pista de apertura (“Ghosthunter”) establece la escena, comenzando con los tambores conductores empujando al teclado como si iniciara la banda sonora de un circo que pronto cambia a un atractivo pasaje de ensueño que se hace eco de Debussy y Ravel, en última instancia, se traslada al siglo XXI por el errante y expansivo tenor de Wozniak. El cierre “Don’t Be So Sure” completa el sueño. En el medio, nos dan fuertes melodías que podrían apoyar letras pop (“High Off the Hog”, “Your Green Thumb Is Showing”) o rasgos de dibujos animados, vía ritmos folky (“Heg”). El arreglo de Bartok “Hungarian Dance No.1” ofrece un salvaje torbellino de armonías de Europa del Este, con las particularmente eficaces puntuaciones asertivas de Larson. Las dulces melodías y el movimiento perezoso de folk americano y country informan “They Call Me a Friend of the Golden Dogs” y “Love Now”, este último con Wozniak en su momento más melódico y sentimental, mientras el tenor resbaladizo y dulce del saxofonista complementa las elegantes teclas de Nichols en “Late Nights NE”. La décima de las once pistas, “Pink House” parece utilizar muchos de los elementos de las melodías anteriores, desde el soft rock al folky y otro escaparate para Wozniak.

En todo, hay aquí algunas dulces melodías pasadas de moda y armonías del Viejo Mundo, aún cuando el cuarteto lo trae todo junto con el manejo y la invención de modernos improvisadores. No se deje engañar por lo fácil que se escucha esto -“no esté tan seguro”. Hay una gran cantidad de capas de sonido y arte. Quizás eso es lo que hace que esta música sea “Authentic Midwestern”.

Fuente para la reseña: Andrea Canter para http://jazzpolice.com/archives/853

Apunte: Authentic Midwestern queda boyando en la cabeza aún cuando hace rato ha terminado “Don’t Be So Sure”. Melodías con mucho gancho, tarareables, con las demostraciones justas de virtuosismos. Para quedar bien con tus amigos más exigentes (dirán que le “simpatiza” esta música) como con aquellos alérgicos a la música instrumental (dirán “por fin ponés algo que podamos escuchar”). Jazz indie. Género sensible pero de andar despreocupado. Altamente recomendable.

Track Listing

01. Ghosthunter (5:25)
02. High Off the Hog (4:08)
03. Late Nights, NE (6:32)
04. Heg (7:03)
05. They Call Me Friend of the Golden Dogs (6:06)
06. Five Hungarian Folk Tunes, No. 1 (4:47)
07. Your Green Thumb Is Showing (8:03)
08. Love Now (5:03)
09. North (5:24)
10. Pink House (3:43)
11. Don’t Be So Sure (7:19)

Artist List

Lars-Erik Larson: drums and cymbals
Brandon Wozniak: tenor saxophone
Bryan Nichols: keyboard
Zacc Harris: guitar

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Francis Drake
julio 9, 2017, 8:24 pm
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tapa Stories
Stories (2011)

Francis Drake es el nombre del trio formado por los músicos Max Frankl (guitarras clásica, acústica y eléctrica), Max von Mosch (saxofones tenor y soprano, clarinete) y Henning Sieverts (contrabajo y violonchelo). En Stories, han creado un ambiente de intermitentes arrestos agudos de sonido en un entorno tranquilo. Como el canto de los pájaros silvestres justo antes del amanecer, Mosch pone los gritos de sus vientos en la oscuridad, mientras la guitarra de Frankl es un flash de movimientos vistos entre los árboles y arbustos cercanos. Sieverts es la oscuridad, especialmente cuando pone las gruesas líneas del violonchelo sobre el sonido de todo lo demás.

Probablemente gustarán de esto los admiradores de las modernas grabaciones de ECM, así como admiradores del álbum “Ellipse” de Christophe Pays. Por el sello Doble Moon, cincuenta y dos minutos de trío de jazz moderno. Jazz de Alemania.

Fuente para la reseña: Dave Sumner para http://www.birdistheworm.com/tiny-reviews-recapping-the-best-of-2011-part-1/

Apunte: Stories es un disco de relajada libertad en sus improvisaciones y también muy democrático en la conformación del ensamble, ya que sus músicos comparten el primer plano en los distintos temas y aún dentro de un mismo tema. La música va del folk minimalista a sutiles disonancias, con el foco, como ya se sugiere desde los nombres del grupo y del disco, en la narración conjunta de historias improvisadas. Un bello viaje para apreciar sonidos, ritmos y melodías.

Track Listing

01. North End (5:34)
02. Der Panther I (5:09)
03. Der Panther II (4:18)
04. Der Panther III (3:20)
05. A Walk In The Woods (3:10)
06. Schnee (5:26)
07. Adieu Montreal (6:34)
08. Interlude (3:52)
09. Cien Años De Soledad (6:18)
10. Sum Sumus Mu (1:58)
11. Endlos (6:13)

Artist List

Henning Sieverts: acoustic bass, cello
Max Frankl: classical guitar, acoustic guitar, electric guitar
Max von Mosch: tenor saxophone, soprano saxophone, clarinet

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