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Joel Harrison

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So Long 2nd Street (Free Country II with David Binney) (2004)

So Long 2nd Street del guitarrista (y aquí cantante) Joel Harrison, como indica su subtítulo, es la segunda entrega (que no parte) o mejor aún la continuación y evolución de Free Country (ACT, 2003).

Con respecto a este disco aparecen varias diferencias. La primera es la formación. Entre el grupo de músicos allí presentes sólo permanece el saxofonista David Binney. En cuanto a los invitados, aparecen de nuevo el magnífico pianista Uri Caine y el organista Rob Burger. En esta ocasión la lista de vocalistas invitados se reduce a Emile Cardinaux y al Total Praise Gospel Choir. Y he aquí otro de los grandes descubrimientos del disco. Joel Harrison aparece como un vocalista con un papel que va bastante más allá de lo puramente testimonial.

El planteamiento es bien sencillo: partir de una mayoría de temas pertenecientes a la música tradicional norteamericana que sirvan como un armazón para la improvisación de los músicos. Joel Harrison además de como cantante demuestra ser un buen guitarrista. Muy interesante. El saxofonista David Binney está a un gran nivel. Es un placer escucharle en los solos que ejecuta en “Galveston” o “I’ll Fly Away”. Entre el resto hay bonitos detalles por medio del acordeón, el órgano, el piano de Uri Caine y especialmente el acompañamiento discreto pero muy efectivo de Todd Isler con sus percusiones que aporta un bonito color a los diferentes temas.

En definitiva, Joel Harrison se encarga de romper el dicho de “nunca segundas partes fueron buenas”.

Reseña de José Francisco Tapiz para http://www.tomajazz.com
Fuente para el apunte: http://joelharrison.com/discography/so-long-2nd-street

Apunte: “Mi objetivo en el primer CD, Free Country era localizar la confluencia entre Miles Davis y Johnny Cash. Esto me permitió combinar simples y eternas melodías country y de los Apalaches con arreglos e improvisación moderna y elaborada, para combinar melodías completamente vocales con aventuras instrumentales. Esta grabación continúa en esa línea, viajando a lo largo de las costuras de muchos estilos de música americana. A diferencia de la primera, sin embargo, he incluido aquí, canciones originales y he salido de las sombras como vocalista principal. Esto es más personal, una declaración íntima, un primer plano en vez de una mirada alejada. Algunos de mis momentos más privados están detallados aquí, enmarcados por las exuberantes improvisaciones de mi banda. Así, un diario de una ruptura, “So Long Second Street”, se sienta al lado de una reconstitución espiritual, “I’ll Fly Away”, y una meditación sobre la muerte se une con una desquiciada odisea del camino, “White Line Fever”. Los términos ‘ecléctico’ o ‘doblamiento de género’ son cada vez más sin significado. Country y jazz podrían ser la puerta de entrada para lo que estamos haciendo, pero estoy seguro de que no se puede etiquetar esta música como “Country-Jazz”. En su núcleo, lo que impulsa este proyecto son grandes canciones. Lo que es importante para mí no es la pureza de estilo, sino la pureza de intención y sentimiento. “Galveston” es una atemporal (si velada) canción anti guerra.”The water is wide” es uno de los más antiguos y más vívidos cuentos de anhelo en el canon western. “Oh Death” es un singularmente escalofriante grito desnudo a la parca -este grupo, a diferencia de otros que he tenido, no está tratando de contar nuevas historias. Estamos tratando de decir las viejas en una nueva forma.” (Joel Harrison)

Track Listing

01. Riding On The Midnight Train (4:42)
02. Galveston (5:21)
03. Shady Grove (4:59)
04. I Am The Light Of This World (4:56)
05. I’ll Fly Away (7:12)
06. So Long 2nd Street (4:11)
07. Waterbound (2:49)
08. The Water Is Wide (3:50)
09. Time Flies (4:28)
10. Oh Death (8:18)
11. White Line Fever (7:26)
12. Wichita Lineman (4:41)

Artist List

Joel Harrison: electric guitar, National Steel guitar, baritone guitar, voice
David Binney: saxophone
Gary Versace: accordion, organ, piano
Stephan Crump: acoustic bass
Dan Weiss: drums
Todd Isler: frame drums, hadjini, misc. percussion
Special Guests:
Uri Caine: piano
Rob Burger: organ
Emilie Cardinaux: voice
[[Total Praise Gospel Choir]]

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Thomas Carbou
noviembre 22, 2015, 6:14 pm
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tapa Other Colors of HekátêOther Colors of Hekàtê (2015)

El guitarrista de Montreal de jazz experimental Thomas Carbou acudió a David Binney y Jim Black para un álbum que pretende una mezcla entre jazz y música del mundo. El trío ofrece aquí sonoridades muy interesantes que siempre ponen tanto la guitarra de ocho cuerdas de Carbou como el saxofón de Binney y las percusiones de Black. Un logro notable en muchos aspectos.  Este álbum es también una consecuencia evidente para la trilogía Hekàtê, publicada en los últimos años.

Si el inicio de “Touareg”, más bien percusivo, deja perplejo sobre la dirección melódica (aunque se entenderá, aún sin querer, una línea vocal nebulosa que recuerda las piezas ambientales de Tool), nos tranquilizamos rápidamente con “Mademoiselle Elle”. La línea de saxofón ofrece una melodía simple y a la vez misteriosa, mientras que la línea de bajo, tan simple, asegura la cohesión. Añadamos a esto voces que siguen la melodía de saxofón en la última porción de la pieza y el retrato es casi completo. Es solamente daño que la batería se ponga a jugar un poco de cualquier cosa al final.

Comprendemos rápidamente que el álbum ofrece una bella sucesión de piezas bastante melódicas, con, muy a menudo, porciones un poco experimentales en el interior. A menudo, estas experimentaciones se hacen en los primeros segundos, para dejar lugar a la “verdadera” música más tarde. Las piezas más notables: “Chercher le vent”, que, a pesar de un principio incierto, casi cae en un rock lento; “Colors”, con un groove contagioso; “Curable”, con un largo desarrollo pero extremadamente eficaz; “Nossé Effa”, una pieza más lenta, más world, que da a entender una melancolía dulce a través de los ritmos más cargados; “Tribal Quest”, con una música previsiblemente muy percusiva y rìtmica.

El final del álbum, “Prince des Carpates”, hasta tiene una introducción, “Carpates (intro)”, poniendo en primer plano la guitarra de Thomas Carbou. Se permite aquí algunas variaciones en la energía, alternando entre pasajes discretos, incluso minimalistas, y otros casi rock con un “riff” de saxofón. Y el solo de guitarra es particularmente sólido, aunque parece perderse en la mezcla en ciertos momentos.  En cualquier caso, funciona y eso termina muy bien un álbum cargado.

Pequeño bemol: ciertas composiciones sin embargo se eternizan durante varios minutos para hacer lugar a un grueso desarrollo, que desgraciadamente, no siempre logra convencer. Además, las porciones más audaces evidentemente no gustarán a todos los oídos y hasta podría, para los oyentes menos tolerantes, estropear la experiencia de una música que sería distinto para personas más perseverantes. Porque a pesar de algunos pasajes más fuertes, el álbum Other Colors of Hekàtê está para un gran público de jazz.

Aunque el álbum sea difícil de sugerir a alguien que no tiene ningún interés en el jazz, corre el riesgo de interesar a los aficionados y aun a neófitos que muestran una apertura para la mezcla de géneros, muy presente aquí, pero en resumidas cuentas bien equilibrada. Noto que algunas escuchas pueden revelarse necesarias para domesticar plenamente el producto, pero que el álbum mismo puede fácilmente apreciarse.

Fuente para la reseña: Olivier Dénommée para https://critiquedesalon.wordpress.com/2015/06/30/thomas-carbou-other-colors-of-hekate/

Apunte: El guitarrista, compositor, arreglador y productor canadiense Thomas Carbou tiene grabados doce discos como líder, tres como co-líder junto al saxofonista Pierre Diaz y uno junto al también saxofonista François d’Amours. Prolífico e inquieto, ha experimentado (y lo sigue haciendo) con toda clase de música: jazz, música tradicional, world music, electrónica, folk, etc, algo que se puede percibir perfectamente en Other Colors of Hekàtê. En los años 2011, 2012 y 2013, Carbou lanzó sucesivamente los interesantes discos que integran la trilogía Hekàtê, compuesta por los discos “Hekàtê”, “Hekàtê II” y “Hekàtê III”, junto a los músicos Erik Hove (saxofón alto) y Jim Doxas (batería y percusión). No conforme con esto, decide lanzar este año Other Colors of Hekàtê, al cual disculpen la impertinencia, yo llamaría “Other Energy of Hekàtê”, porque con dos improvisadores de la talla de Binney y Black, siempre dispuestos a la pelea, toda música se convierte en algo más potente y osado. Los colores de Hekàtê inevitablemente viran al rojo del calor que le insuflan el saxofonista y el baterista. Carbou es buen músico, pero en este caso termina divirtiéndose más con lo que hacen Binney y Black llevando sus composiciones a otro nivel. Sin dudas, recomendable!

 

Track listing

01. Touareg (3:40)
02. Mademoiselle elle (4:20)
03. Chercher le vent (8:22)
04. Colors (6:42)
05. Curable (6:56)
06. Sao Luis / Petra G (2:34)
07. Nosse effa (5:48)
08. Petra S (1:32)
09. Nee en aout (7:24)
10. Tribal Quest (5:51)
11. Carpates (Intro) (1:19)
12. Prince des Carpates (6:34)

Artist List

Thomas Carbou: guitar
David Binney: saxophone
Jim Black: drums

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João Lencastre’s Communion

tapa Sound It Out
Sound It Out (2010)

Si es infrecuente que un músico de jazz portugués lidere una formación constituida por nombres resonantes del nuevo jazz neoyorquino, más sorprenderá que sea un baterista el que lo hace. Porque es exactamente la hazaña que el intrépido baterista portugués acaba de repetir con la edición del tercer álbum de su ya conceptuado Communion, grupo de constitución más o menos fluctuante, que había contado con la participación de algunos de los músicos más destacados de la actualidad.

João Lencastre no hace música con la intención de sorprender, solamente insiste en sus proyectos personales para reunirse con músicos que lo sorprendan y que, por extensión, puedan sorprender también al oyente.Esto ha sido en los discos en los cuales ha sido responsable: One!, B-Sides (ambos editados por Fresh Sound New Talent) y ahora Sound it Out!, una edición de Toneofapitch, ya en venta en el site de la editora.

El título de Sound it Out! parece expresar aquello que João Lencastre más aprecia y valoriza en sus músicos: que toquen lo que en el momento les va en el alma. Y lo cierto es que, una vez más, Lencastre no puede quejarse de los músicos, entre ellos David Binney y sus frecuentes asociados de sección rítmica, Jacob Sacks y Thomas Morgan, que con ellos forman esta presente edición de Communion.

Los primeros pasos: del Rock al Jazz

Todavía era muy joven cuando sintió una primera atracción por la música que los padres escuchaban en casa: «Recuerdo todavía bastante pequeño, escuchar Beatles, Cream, Rolling Stones… después, cuando tenía once o doce años, me hice fan de Metallica. El baterista tenía los dos bombos y toda aquella escena, y decidí que quería tocar batería, porque adorada todo eso ». A los trece años finalmente consiguió una batería y comenzó a tocar regularmente. «A partir de ahí, la cosa no paró nunca más y comencé a tocar en bandas de rock cuando tenía catorce o quince años».

Poco tiempo después, con la inscripción en la escuela del Hot Clube, fue mordido por el bichito del jazz. «Tuve clases con el gran Bruno Pedroso, pero no era fácil conciliar las clases del Hot con las clases de la escuela. Empecé a tener clases particulares en casa de Bruno, durante aproximadamente dos años. Bruno tuvo un papel crucial porque me hizo descubrir bateristas importantes, primero los más modernos, de fusión, como Dennis Chambers, Vinnie Colaiuta y Dave Weckl, y después a Jeff Watts y Bill Stewart. Es solamente después que me puse a investigar los otros más antiguos, como Gene Krupa, Shelly Manne, Max Roach, Kenny Clarke, Roy Haynes, y, más adelante, a Elvin Jones, Tony Williams y Jack DeJohnette».

Continuó tocando en grupos de rock y tuvo otro pasaje por la escuela del Hot para estudiar trompeta con Tomás Pimentel. Cuando tenía veinte años, tocó con los Blasted Mechanism, grupo que acabó por abandonar para la primera de las varias estadías en el extranjero: «Mi hermano, que es saxofonista, estaba estudiando en Inglaterra y yo fuí a visitarlo. Estaban necesitando un baterista en la big band de la escuela.» Hizo una prueba y fue invitado a permanecer en la escuela. «Fuí parte de la big band y toqué en un combo, de modo que tuve clases en la escuela sin pagar. Después estudié con Mark Mondesir, quien fue el baterista de John McLaughlin».

Después, en su regreso a Portugal, se matriculó por tercera vez en el HCP, sólo para integrar dos combos, uno que tocaba la música de Art Blakey, dirigido por el trompetista João Moreira, y el otro que se dedicaba a “Conceptos Rítmicos Avanzados”, responsabilidad del guitarrista Nuno Ferreira.

Todos los caminos conducen a New York

A los 24 años aconteció la primera de tres temporadas en New York. Con gran entusiasmo, Lencastre explica que esa estadía «cambió mi vida. Fue un choque en el buen sentido». Tuvo clases con Ralph Peterson e Billy Kilson y fue en ese momento que conoció a David Binney, con quien tocó después en varios conciertos, junto a Jesse Chandler y Nuno Ferreira.

En ese mismo verano conoció por intermedio de Francisco Pais, a Demian Cabaud y Leo Genovese, dos músicos que acabarían por tocar, respectivamente, en One! y B-Sides, dos discos muy bien recibidos por la crítica especializada. Incluso antes de la primera entrada en el estudio de Communion, tuvo con Dan Weiss lo que considera ha sido «la lección más importante de mi vida. Desde ese día tuve una perspectiva diferente de cómo tocar la batería. Fue muy importante, porque me dio una nueva visión y una nueva dirección. Luego, en 2007, cuando fui de nuevo a vivir a New York, tuve algunas enseñanzas también muy buenas, con Ari Hoenig».

Incluso antes, en 2004, con Jesse Chandler (que conoció en Portugal) y André Fernandes, formaron el colectivo Eurobotz , que «siempre ha sido uno de los grupos con los que más me gustó tocar». Al trío se sumaron varias veces otros músicos, como el propio David Binney y el trompetista João Moreira. «Me gustaría volver a ese proyecto, pero la ausencia de Jesse, que es una parte fundamental del grupo, hace las cosas muy difíciles», lamenta el baterista.

Las primeras comuniones

El primer álbum de João Lencastre casi no sucedió: «Estaba bastante fuera de forma porque había sido operado de una hernia discal hacía poco tiempo. Ninguno en el grupo creía que consiguiera tocar porque no me podía mover, pero yo siempre les dije que iba a tocar y grabar. Fue debido a una enorme fuerza interior que conseguí registrar ese disco… No podía perder una oportunidad que me tomó ocho meses construir».

La idea fue siempre la de apuntar hacia la plena libertad. Además de las situaciones sin estructuras predefinida, João Lencastre confiesa que cuando el grupo toca una composición, la intención es de «estirarse bastante sobre cada uno de ellas. Los temas que yo había planeado grabar, sólo el de Bjork terminó registrado». “Lonely Woman” comenzó con una introducción de piano por Bill Carrothers que nadie sabía adonde iría a parar -«De repente: Ah! Esto es “Lonely Woman”» -, lo mismo pasó con “Summertime”, un tema que Lencastre confiesa jamás haber pensado en grabar, «pero Bill le dió un tratamiento que vale la pena…»

Para el segundo disco solo se mantuvieron el trompetista Phil Grenadier y el baterista, habiendo sumado a Thomas Morgan, Leo Genovese, David Binney y Jeremy Udden. «El disco fue todo ensayado y grabado en 4 horas. Con ese personal no se necesita hablar mucho. Además de ser un fan de todos los músicos que tocan en el disco, de amar incluso la forma de tocar, tienen la misma visión que yo tengo acerca de lo que quieren tocar y como tocarlo». La honestidad es un factor crucial en la música que Lencastre quiere hacer: «Nadie está “castrado”; todo el mundo está tocando exactamente lo que es, sin que le sea impuesta ningún tipo de limitación. Si llamé a estos músicos, que son músicos que adoro, quiero que ellos me sorprendan. «Communion es un concepto», explica el baterista, «un tipo de visión sobre como hacer música y tengo varios músicos en mente que pueden encajar como un guante».

Sound it Out! – los músicos

Y es notorio el entusiasmo con que el baterista habla de todos los músicos que en octubre pasado juntó en el estudio Systems Two, en Brooklyn, New York, para la grabación del nuevo álbum. Con la excepción del pianista Jacob Sacks y del saxofonista alto holandés Ben Van Gelder, todos ellos habían marcado presencia en una u otra de las anteriores versiones de Communion, o en ambas, como en el caso del fiel Phil Grenadier, que es «un gran músico y un gran amigo. Es un tipo muy genuino y con un corazón muy puro. Es de mis trompetistas favoritos de la actualidad.Ya era fan de sus discos y después de tocar juntos me di cuenta que su manera de tocar refleja exactamente lo que él es. Es muy orgánico y muy puro para tocar. Tiene una oreja gigante que le permite estar siempre oyendo lo que está ocurriendo». La formación de este nuevo álbum cuenta con el soporte incomparable de Thomas Morgan, contrabajista en relación al cual el líder del grupo no escatima en elogios: «Es mi bajista favorito de la actualidad. Siempre me sorprende lo que escucho y cuando tocamos juntos: sus líneas melódicas que tienen una increíble conducción, el espacio donde se pone… el ajuste es increíble. Consigue crear allí una bola gigante. Para no hablar de sus solos…».

David Binney es también, desde que oyó por primera vez su disco “South”, uno de los músicos favoritos de Lencastre. «Tiene una forma de tocar muy especial y original. He aprendido mucho desde el momento en que lo conocí y empecé a tocar con él, y es claro que, en este sentido, la visión de él sobre la música me ha influido mucho. Cuando tocamos, siempre es increíble. Tiene una energía increíble y siempre está listo para ir a cualquier camino en la improvisación. Consigue llevar a la banda hasta el pico de los picos de forma tal que, cuando parece que ya no da para subir más, continúa siempre subiendo, subiendo, subiendo…como puede en una balada hacer un solo bien cool y lírico…y claro, todo esto siempre con mucha emoción. Desde que nos conocimos, además de la escena de la música, también somos buenos amigos.»

Otro músico que João Lencastre admira mucho es el pianista Jacob Sacks, un fuerte asociado de David Binney: «El tipo toca todo! Fue un gran placer compartir esta grabación con él. Lo oí tocar todo tipo de cosas, desde las más tradicionales, con cantantes, hasta las más vanguardistas, y siempre suena increíble. También tiene una gran energía e improvisa incluso en tiempo real! Y también tiene una voz muy propia para sonar. Con él y con Thomas, grabar el disco fue muy fácil. Es muy fácil tocar con una sección rítmica así. Todo sale naturalmente.»

Habiendo estado presente en el primer álbum de Communion, André Matos regresó para Sound it Out!. Matos y Lencastre son grandes amigos que ya compartieron escenarios en muchos conciertos. «Desde siempre tenemos una buena conexión musical. A veces hacemos sesiones solo en dúo y son siempre un gran viaje. Cuando pensé en poner guitarra en este disco, no tuve dudas de a quien llamar. Él ya había tocado en “One!”, estaba en New York y es un músico con quien me encanta tocar!»

Lencastre conoció al más reciente (y más joven) de sus colaboradores -el saxofonista Ben Van Gelder- a través de David Binney. Ahora con 21 años, Van Gelder tenía apenas 18 en el momento en que Lencastre lo conoció: «Lo escuché tocar, al hacer un número en un concierto de Dave en el 55 Bar y quedé muy impresionado.» El baterista recuerda «dos semanas que pasamos muy bien» en una gira que organizó hace alrededor de un año en Portugal con Van Gelder, el contrabajista Nelson Cascais y el guitarrista André Fernandes. «Ben tiene una madurez y musicalidad increíble para la edad que tiene…cuando pensé en grabar el disco, sabía que él estaría en New York en ese momento y pensé que sería el saxofonista ideal para grabar “Happy House” y “Early Minor”, temas que ya habíamos tocado en esa gira».

Sound it Out! – el repertorio

Una buena parte del repertorio de este nuevo disco, por ventura aún más heterogéneo y ecléctico que en anteriores álbumes, consta de temas que, en situaciones diferentes, João Lencastre venía tocando hace algún tiempo, incluyendo “O Aperto”, uno de los tres originales del baterista que integran el disco.«Sabes cuando tienes una opresión en el corazón? Bien, estaba en una de esas etapas, me senté al piano y me salió esta melodía que me daba una cierta opresión y escalofrío, pero que era al mismo tiempo confortable.»

Los otros dos temas del baterista fueron escritos más recientemente. Lencastre elimina la posibilidad de una determinada fuente de inspiración, cuando le preguntan sobre el ambiente armónico algo shorteriano que parece marcar “What a Sunday”. «Fue una melodía que me salió en el piano y luego vino esa parte más lírica en el final. Lo que me hizo escribir el tema era la idea de que nunca los domingos son días muy alegres… Y a veces pueden ser aún peor… Eso es lo que estoy tratando de expresar, sobre todo en la parte final del tema.»

“Sound it Out!” termina, por el contrario, en un verdadero baño de energía de temperatura creciente. Lencastre explica que quería escribir un tema bien intenso. Comencé por escribir una línea de bajo y después una melodía que tuviese que ver, y después una parte B con unos acordes bien rockeros…Finalmente, desarrollé una parte B, una parte C y pensé que Binney era perfecto para solear allí.»

Al lado de estos tres originales del baterista y una breve improvisación libre en cuarteto con Phil Grenadier, Jacob Sacks y Thomas Morgan, están representadas varias composiciones de autoría de músicos tan distintos como Sammy Cahn, Ornette Coleman (cuya música constituye para Lencastre una fuente de especial interés), Joe Zawinul, Daniel Lanois, e incluso un tema del grupo Coldplay: «Toqué por primera vez “God Put a Smile Upon Your Face” con Binney en 2003 [en un grupo que antecediendo a Eurobotz, integraban Jesse Chandler y Nuno Ferreira]. Me gusta mucho el tema y, como fue uno de los primeros que he tocado con Binney, pensé que tenía sentido tocarlo en este disco.»

No menos peculiar es la elección de un tema de Daniel Lanois, que sigue exactamente al de Coldplay -«compré el disco donde se encuentra este tema después de leer una entrevista con Brian Blade. El disco es solo un dúo con Lanois tocando la guitarra y teclados y Brian Blade en batería, si bien muchos temas sólo son solos de guitarra. El tema que elegí es uno de estos solistas; tiene una melodía que me encanta y me acordé de pronto del sonido de Phil para darle esta melodía.» La verdad es que el grupo da una sonoridad muy ornettiana a esa composición de Daniel Lanois, colocándola en el disco, por casualidad o no, inmediatamente antes de dicho tema de Ornette Coleman.

El siguiente tema es “Early Minor”, de Joe Zawinul, un tema que el mundo conoció con la edición de “The Complete In a Silent Way Sessions”, aunque había sido registrado en 1973 por un grupo liderado por el baterista Joe Chambers. Lencastre cuenta que la primera vez que escuchó “Early Minor” quedó «emocionado al escuchar a Shorter y después a Miles dar la melodía.» Ya había intentado grabar una versión en la época de One!, con la que no se sintió satisfecho. «Después hice un pequeño arreglo, con una introducción como primera estructura de solos, y ahora suena exactamente cómo yo quería, y el solo de Ben Van Gelder es increíble, así como la intro de Matos.»

El disco cierra con “Be My Love”, standard -el único del disco- que Lencastre escuchó por primera vez en el álbum “The Melody at Night, With You”, de Keith Jarrett. «Cuando se me ocurrió grabarlo en este disco, me pareció que podría funcionar muy bien en dúo. Es un tema que me toca profundamente, más no dije nada, absolutamente nada a Thomas y a Jacob, no hablé de Jarret, ni nada. Solo les dí una pauta y ellos tocaron. Y me pareció que encajaría como un guante para cerrar el CD.»

Lencastre no esconde, por lo tanto su enorme satisfacción en relación con los temas que integran su nuevo álbum y mucho menos en relación con el grupo que los grabó: «Son músicos que tienen una misma visión que yo, el mismo concepto de improvisación y la misma voluntad de arriesgar…Es por eso que somos siempre capaces de sorprendernos uno a otros.»

Entrevista de Paulo Barbosa para https://sites.google.com/site/jazzxxiproject/artigos-entrevistas/joao-lencastre

Track Listing

1. God put a smile upon your face (4:30)
2. Oaxaca (4:01)
3. Happy house (5:43)
4. Early minor (7:36)
5. What a sunday… (10:18)
6. Sound it out! (6:19)
7. The glass effect (1:34)
8. O aperto (7:36)
9. Be my love (2:15)

Artist List

João Lencastre: drums
David Binney: alto sax
Ben Van Gelder: alto sax
Phil Grenadier: trumpet
Jacob Sacks: piano
André Matos: guitar
Thomas Morgan: bass

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Eric St-Laurent & Osmose

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Eric St-Laurent & Osmose feat. David Binney (2000)

Nacido y criado en Montreal, St-Laurent estudió improvisación en Nueva York antes de trasladarse a Berlín donde él giró tanto con grandes y pequeños nombres de las escenas musicales alemana y escandinava.

Desde que retornó a Toronto, Canadá, St-Laurent ha grabado y girado con Till Bronner, Dave Liebman, Dave Douglas, Rebekka Bakken, Slide Hampton, Luc de la Rocheliere, Sylvie Paquette, Richard Underhill, David Binney, Jojo Mayer, Carlos Del Junco, Bernard Primeau y ha representado a Canadá en The International Guitar Summit en Niza (MIDEM)

Ganador del premio SOCAN por la mejor composición original en el Montreal Jazz Festival y el premio a la mejor banda en el Vienne (Francia) Jazz Festival, St-Laurent ha participado en más de 50 grabaciones, produciendo múltiples álbums, compuso partituras para cortometrajes y teatro y girado extensamente en Europa y Canadá

En el año 2013, St-Laurent publicó “Dale”, junto al bajista Jordan O’Connor y el percusionista Michel DeQuevedo.

Fuente para la reseña: http://www.canadianjazzarchive.org/en/musicians/eric-st-laurent.html

Apunte: En el período de tiempo que St-Laurent estuvo en Alemania lideró el proyecto “Osmose”, una banda de jazz-rock con sección de ritmo muy correcta y ajustada conformada por músicos europeos y sumó para la grabación de este disco a un viejo compañero, un tal David Binney, en el saxo alto. En este contexto, St-Laurent y Binney (impecable: en el juego que le gusta jugar) se reparten solos, tocan al unísono, extienden lindas melodías y buena energía para la alegría de nuestros oídos. Temaso del disco: “En Marge Des Fluteaux”, para escuchar una y otra vez. Actualmente, St-Laurent tiene un trío en el que explora de manera más calma, músicas del mundo, en especial las de raíces afro-cubanas.

Track Listing

01. Circumstances (4:58)
02. Mozzin (5:03)
03. Homy Maroni (5:34)
04. En Marge Des Fluteaux (7:57)
05. Zart (5:50)
06. Black Olives (3:23)
07. Maydays (6:37)
08. Fish Pen (5:59)
09. Thomy’s Paradise (5:19)
10. Crystal Silence (4:40)

Artist List

Eric St-Laurent: guitar
Bene Aperdannier: piano
Jan Peter Eckelmann: drums
Björn Werra: bass
Special Guest:
David Binney: alto saxophone

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Miles Okazaki
mayo 24, 2015, 12:01 pm
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tapa Mirror
Mirror (2006)

Mirror es la culminación de cinco años de trabajo y los resultados son simplemente excepcionales. Finalista en el 2005 de la Thelonious Monk International Jazz Guitar Competition, Miles Okazaki es un activo músico en New York que está involucrado en una variedad de proyectos, incluyendo regulares grabaciones y giras de conciertos con la vocalista de jazz Jane Monheit.

Aunque él haya estado ocupado con otros frentes, también se enfocó en sus propias ideas como músico y compositor. Okazaki declara “mantengo un pié en el mundo del straight-ahead viajando con Jane Monheit y varias otras cosas, pero pienso que encontrarás en esto algo diferente”. Y de verdad Mirror lo es.

Esta suite de tres partes de quince exploraciones rítmicas refleja los diversos intereses de Okazaki, incluyendo estudios de la música del Norte y del Sur de la India e influencias globales como la música brasileña, africana, y del medio oriente. Sus influencias primarias para estas composiciones son el compositor clásico Johann Sebastian Bach y el gran saxofonista de jazz John Coltrane. La partitura de Okazaki es ejecutada perfectamente, sin embargo, permite la libertad creativa, proporcionando un conducto abierto entre la estructura y la improvisación.

Esto no es la típica grabación de guitarra de jazz con un “escuchen mis cortes personales”, pero no hay ningún error en ello: la performance de Okazaki y su escritura están en el centro de cada pieza – con vívidos ritmos, trabajo de acordes, solos intensos, armónicos coloreados de cuerdas, en una variedad de moods, tanto intensos como sensibles. Aunque cada pieza individualmente es satisfactoria, el concepto general se aprecia mejor al escuchar la grabación en su totalidad, así como la conexión de los miembros forman una matriz elaborada y cohesiva.

Otra de las claves de la ecuación es el apoyo de un elenco estelar de músicos progresivos, incluidos varios notables: los saxofonistas Miguel Zenon, Dave Binney, Chris Potter, y el baterista Dan Weiss. La banda se completa con el sólido trabajo del bajista Jon Flaugher y el multi-instrumentista de vientos Christof Knoche, quien añade sombras de texturas.

El viaje comienza con un compás multilingüe en “Theme I” introduciendo guitarra, batería y clarinete bajo. El trabajo rítmico de Okazaki eleva “Mirror I”, el cual destaca retorcidas improvisaciones de vientos y un maravilloso solo de saxofón alto de Zenón. “Howl” contiene una espina dorsal funky con con un agradable riff, acalorada batería y un extraño solo de guitarra

Algunos de los muchos puntos de interés incluyen el solo de tabla india de Dan Weiss en “Invention”, el balanceo y las secciones de solos superpuestas en “Momentum”, y el complejo groove (ciclo rítmico de 49 beats) de “Canon”, destacando marco de tambores y solos abrasadores de Binney y Knoche.

“Halfway”, uno de las piezas más móviles, explora un emotivo tema con solos de guitarra y clarinete bajo. Chris Potter también invitado en “Improvisation”, intercambia libres solos con Okazaki, junto con samples de batería programada que repiten sus invenciones.

Desde la tensión construída y explosiva de “Volcano”, donde la guitarra de Okazaki rockea entre un flujo de magma de vientos y tambores, a la pacífica “Chorale”, Mirror es un dinámico trabajo de ingenio. Esta inteligente, única grabación es una de las mejores realizaciones del año.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/mirror-miles-okazaki-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Apunte: Okazaki tiene registrados a la fecha tres discos como líder: “Mirror” (2006), “Generations” (2009) y “Figurations” (2012). Cada uno de ellos está ligado a un concepto musical: Mirror, es una historia del ritmo, “Generations” es una historia de la armonía y “Figurations” es una historia de la melodía. De todas maneras aclara que aunque él se enfoque en esas exploraciones, obviamente toda la música tiene los tres elementos. “Toda la música es bastante rítmica. La cuestión es si el ritmo se enfoca en el ritmo o si el ritmo está más enfocado en algún otro elemento. El ritmo es mi principal preocupación. Para “Mirror” estuve escribiendo la música durante cinco años”, mientras entre otras cosas, acompañaba a la cantante Jane Monheit en sus giras. En las liner notes de Mirror, Okazaki afirma que si bien la guitarra puede guiar el curso de las acciones, el centro de atención está en el conjunto. Miles Okazaki, el músico constructor-destructor de métricas irregulares, arma estos rompecabezas musicales, por momentos los dota de una densidad sonora en la que músicos como Binney y Zenón se sienten como peces en el agua, y termina entregando un álbum debut sorprendente, complejo, desafiante y muy atractivo para aquellos oyentes a los que les gusta escapar de la “peligrosa” zona de confort.

Track Listing

01. Theme I (0:47)
02. Spiral (2:58)
03. Mirror I (4:22)
04. Howl (6:16)
05. Invention (4:48)
06. Theme II (1:09)
07. Metamorphosis (3:13)
08. Halfway (6:18)
09. Momentum (6:26)
10. Canon (5:52)
11. Theme III (0:26)
12. Improvisation (3:50)
13. Volcano (7:46)
14. Mirror II (7:02)
15. Chorale (4:03)

Artist List

Miles Okazaki: guitars (1-15), percussion (2,10), computer (12,13)
Dan Weiss: drums (1-15), tabla (5), percussion (10) drum samples (12)
Christof Knoche: soprano (2-5,7,8, 13,14), alto sax (5,9,10,15), bass clarinet (1,5,6,8,11,13), harmonica (5)
David Binney: alto saxophone (4-6,8,10,13-15)
Miguel Zenon: alto saxophone(3,7,9)
Chris Potter: tenor saxophone (12)

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Enoch Lee
mayo 1, 2015, 10:05 pm
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tapa Finish Line
Finish Line (2014)

Una cosa es para un aspirante a músico hacer su álbum debut con talentosos veteranos pero otra muy distinta para él es que haya creado un consumado trabajo como el que se encuentra en Finish Line del pianista y compositor de New York, Enoch Lee. Esto respira originalidad y objetivos, no sólo por las contribuciones de incondicionales que incluyen al saxofonista David Binney y al bajista Drew Gress, sino también porque las cartas de Lee -por medio de provocadoras composiciones y encantadoras melodías- inspiran a performances demoledoras de los veteranos mencionados anteriormente y de las estrellas en ascenso, el guitarrista Nir Felder y el baterista Nate Smith.

El jazz es sólo una parte de la ecuación, el conjunto se revela como un arco de historia donde cada composición construye la narrativa. La apertura, “Remember The End” establece el tono impulsado por el back beat funky de Smith mientras la banda se ajusta en un apretado groove. In The Battle tien una decisiva vibración indie-rock con armonías que se retuercen y abrasadores solos de Binney y Lee doblándolo en el piano y teclados, mientras “Too Cold” es un instrospectivo diálogo con música clásica y elementos de improvisación, destacando la relación entre el bajista y el pianista que comenzó cuando Gress instruyó a Lee en la New York University.

La propensión de Lee por los temas que suenan como canciones es evidente en “Still Awaiting” y “Think Carefully”; lírica y coloreada, con agraciados movimientos, es su composición original “Peace”, la cual incorpora sonidos sampleados de guerra y de conflicto civil para transmitir un significado más profundo. No hay mensajes ocultos en la música, pero lo que es evidente es la positividad de todo el conjunto.

Otros favoritos incluye el groovy “Circling” con Felder ofreciendo una pegadiza y psicodélica “guitar vamp” y un lacerante saxofón alto de Binney mientras Smith bombea el ritmo. La melodía tiene un aire de “domingo a la tarde en el parque”, sugiriendo el sinuoso patrón de flujos y reflujos de la vida.

Finish Line tomó vuelo cuando Lee creó una muestra de la música usando instrumentos de software y se la envió a cada músico con la pregunta si estarían interesados en unirse a él para el proyecto. Los resultados son muy gratificantes, escuchados en la memorable y reflexiva música de un talentoso pianista y compositor.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/finish-line-enoch-lee-self-produced-review-by-mark-f-turner.php

Apunte: Enoch Lee (Seong Yeob Lee) es un pianista, productor y compositor treinteañero de origen coreano que está construyendo su profesión en Nueva York. Estudió en Berklee y tiene un Master en Jazz Studies de la Universidad de Nueva York. Enoch cree que un artista tiene que encontrar y compartir la verdadera belleza para dar luz al corazón de la gente en tal circunstancia, porque los seres humanos son fácilmente afectados por lo que ven, se enteran y piensan. Intenta expresar la belleza genuina -los valores comunes de las personas, como la compasión, la bondad, el cuidado, el sacrificio, el amor entre el padre y un niño, y las maravillas de la naturaleza- por intermedio de su música. Con esa premisa (claramente no menor!), Finish Line ha sido concebido para una audiencia más grande que la de los aficionados incondicionales al jazz. Después de escuchar repetidamente lo que Lee viene a ofrecer desde su corazón, da toda la impresión de que está en buen camino.

Track Listing

01. Remember The End (Intro) (1:33)
02. In The Battle (4:55)
03. Circling (4:44)
04. Blur (3:28)
05. What Are You Looking For? (3:30)
06. Too Cold (4:16)
07. Still Waiting (5:08)
08. Think Carefully (4:21)
09. Bravery (3:31)
10. Peace (4:15)
11. Coming Back (5:34)
12. Another Beginning (Outro) (1:23)

Artist List

Enoch Lee: piano, keys
David Binney: saxophone
Nir Felder: guitar
Drew Gress: bass
Nate Smith: drums

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Francesco Cataldo

tapa Spaces
Spaces (2013)

Hoy presentamos el último disco del guitarrista italiano Francesco Cataldo (Catania, 1975) que lleva por título ‘Spaces‘ (AlfaMusic, 2013). Este álbum ha sido grabado en la ciudad de Nueva York en septiembre de 2012 gracias a la invitación del contrabajista Scott Colley. Además de éste, están incluidos en el mismo, el saxo de David Binney, Salvatore Bonafede al piano, Clarence Penn a la batería y una colaboración de Erik Friedlander al violoncelo en ‘Vito Raccontami’. Este guitarrista se ha formado con todos los honores en el Conservatorio de Palermo y con clases particulares con músicos de la trayectoria de Adam Rogers, Enrico Rava o el mismo Rosario Giuliani.

Se trata de 13 canciones que funden la tradición de composición europea con la seriedad y profesionalidad de los intérpretes norteamericanos, una oportunidad de entendimiento entre dos concepciones que, en ocasiones, difieren. En temas como ‘Algerian Waltz’ o ‘A Phrygian Day’ se investiga en formas argelinas y frígias (lo que hoy sería Turquía), respectivamente. Por otra parte, nos propone una reflexión interesante sobre el uso de los silencios en la música y una fórmula particular para iniciar un viaje interno y de comprensión. En definitiva, una nueva propuesta que nace en Italia pero que propone una mezcla con el hacer de músicos de la Ciudad de los rascacielos.

En primer lugar nos gustaría saber más sobre su comienzo en la música ¿Cómo comenzó en la música? ¿Ser guitarrista fue su primera opción? ¿Cuándo comenzó en la música?
– Francesco Cataldo: Tuve los primeros contactos con la música cuando tenía 8 años. Empecé estudiando el piano en la localidad de Siracusa, con un buen maestro e incitado por mis padres, los cuales siempre fueron unos apasionados de la música clásica. A los 14 años paré con los estudios de piano clásico y empecé a estudiar la guitarra. Me enamoré perdidamente de este instrumento, por su sonido, por las distintas posibilidades del timbre que ofrece. De inicio tocaba la guitarra como autodidacta hasta los 16 años. Actuaba con unas bandas locales de rock tocando distintos géneros musicales: The Beatles, Jimi Hendrix, Génesis y el american hard rock, por llamarlo de alguna manera. A los 17 años, empecé realmente a tomar clases privadas de guitarra clásica en Siracusa y por fin, a los 23 años descubrí el jazz. Mientras estudiaba derecho, empecé a estudiar la guitarra jazz de forma privada en Catania y después de mi licenciatura seguí estudiando en el conservatorio de Palermo licenciándome en disciplinas musicales con especialización en jazz.

– Este último disco se ha titulado ‘Spaces‘ ¿Cómo decidió este título? Los nombres tienen relación a algunos lugares italianos ¿Son sus favoritos?
– F.C.: Efectivamente ‘Spaces‘ es el título del disco pero también una de las 13 pistas del álbum. La idea de los espacios, en este caso sonoros, me encantó desde que empecé a componer. Para mí, ‘Espacios’ significa dar a la música y a los instrumentos que la ejecutan una gran envergadura; creo que para conseguir eso, es fundamental una equilibrada utilización de las pausas en la escritura y en el arreglo. Siempre hay que recordar que cada nota que tocamos quita espacio al silencio. Crear ‘Espacios’ puede significar hacer dialogar a los instrumentos con equilibrio, sin protagonismo alguno, para evocar en el oyente una imagen, una persona querida o, en general, distintas experiencias de vida.
A menudo utilizo una imagen para aclarar este concepto: un círculo en el cual todos los instrumentos se encuentran equidistantes del centro, en el cual es el corazón de la música, digamos, para darle savia vital. Dos pistas del álbum, ‘Siracusa’ y ‘Ortigia’ están dedicada a mi ciudad: Siracusa. Ortigia es el casco antiguo de Siracusa, quiero a mi ciudad porque siempre es capaz de darme inspiración para mis composiciones.

– Tiene un quinteto con músicos como David Binney, Salvatore Bonafede, Scott Colley y Clarence Penn ¿Cómo escogió a estos músicos? ¿Cómo los encontró?
– F.C.: Todo empezó con Scott Colley. Yo no lo había conocido hasta entonces y le mandé un e-mail haciéndole mención de la idea de grabar un disco con mis composiciones. Después él escucho unas pistas y aunque no me conocía, pronto me invitó para grabar en Nueva York, en los Sear Sound Studios, famosa sala de grabación que cada año acoge artistas importantes como John Scofield, Pat Metheny o Bill Frisell etcétera. Entonces convoqué a los demás y organicé la grabación en el pasado septiembre de 2012. Ha sido un honor para mi ser el tercero músico italiano, después de Bollani y Pieranunzi, con el cual Colley haya colaborado en un proyecto de grabación. Los otros músicos con los cuales grabé el disco, no los conocía aparte de Bonafede, con el cual toqué muchas veces.

– ¿Cuáles son sus referencias desde el punto de vista musical? ¿Puede escoger a 5 de sus guitarristas favoritos?
– F.C.: Wes Montgomery, Jim Hall, Pat Metheny, Bill Frisell y John Scofield. Todos son unos artistas geniales y distintos entre sí, pero tienen en común lo que yo creo que es una de las cualidades más destacadas e importante para un músico de jazz: la síntesis. La capacidad de transmitir ideas musicales claras, directas y cada uno con una personalidad muy definida.

– ¿Cree en la fusión o prefiere una forma más conservadora de jazz, como se suele decir ‘straight ahead’ y más clásico?
– F.C.: Empecé a los 23 años estudiando el ‘bebop’ y luego empecé a escuchar y a estudiar a los demás músicos. Después de este recorrido, me resulta difícil, si no imposible, definir entre las varias ramas del jazz y elegir lo que más prefiero ¡A mi me gusta toda la música! ¡Y creo sin duda en las contaminaciones! En mis piezas he intentado fundir estilos diferentes pero siempre buscando mi personalidad. Confieso, además, que soy un estudioso apasionado de la obra de Bach y estoy muy inspirado por la música barroca y es probablemente mi base más grande. Bach y la música jazz son dos tipos de música que están desde un punto de vista histórico lejos pero muy cerca en términos de concepción de las arquitecturas musicales.

– ¿Sabe algo con respecto a la música española? ¿Y sobre Canarias?
– F.C.: Con lo que respecta a España siempre me encantó la tradición del flamenco, la pasión con la cual los grandes maestros llevaron adelante este espléndido género musical. Nunca he estado en las Islas Canarias pero me gustaría mucho visitarlas para aprender de sus tradiciones populares y musicales. Sé que a menudo acogen a músicos geniales de orquestas sinfónicas y de jazz, en particular el Canarias Jazz Festival. Espero tener pronto la posibilidad de ir para escuchar talentos locales y, a lo mejor, tocar con ellos.

– ¿Qué destaca del hecho de grabar en New York?
– F.C.: Eso, como he dicho, fue una invitación de Scott Colley. No estaba en mis planes pero enseguida lo preparé. New York es una metropoli fantástica, no cabe duda, hay espacio para todos los géneros musicales y para todas las formas de arte; además hay una profesionalidad excelente.

– Cuéntenos… ¿Cómo es el panorama del jazz en Italia? ¿Cuáles clubs son sus favoritos? ¿Puede decirnos algunos nombres destacados y que debamos conocer sobre ellos?
– F.C.: En Italia tenemos numerosos talentos de jazz de todas las edades. En particular tenemos grandes maestros de jazz que son muy apreciados en el extranjero como son los casos de Franco Cerri, Enrico Rava, Salvatore Bonafede o Franco D’Andrea y otros que han marcado un camino que luego prosiguieron los músicos de hoy, de forma excelente. En Italia se toca sobre todo en los clubes de jazz y en los festivales de jazz más bien en verano. Giré en distintos clubes, siempre dando mi máxima disponibilidad y profesionalidad. Creo que el estado actual de las instituciones públicas deberían colaborar más para llevar adelante y promover todas las distintas formas de arte en Italia.

– El verano suele ser momento para festivales por toda Europa ¿Va a estar en alguno de ellos? ¿Está preparado para girar con este disco?
– F.C.: En este momento estoy organizando una gira con Alfa Music para presentar el disco en Europa. Estamos en fase de preparación pero en esta primavera debería tener ya un plan definitiva. Europa se encuentra ahora en el centro del jazz a nivel mundial y es u na verdadera encrucijada en la que circulan artistas de todo el mundo y donde la música puede encontrar todas las demás formas de arte.

– Usó en este disco dos tipos de guitarras (una eléctrica y otra barítono) ¿Por qué las usó? ¿Es ‘Your silence’ una especie de canción reflexiva?
– F.C.: Para este disco he elegido sobre todo una guitarra eléctrica Fender. En el Jazz, lo confieso, no es una guitarra habitual como esta y por eso quise experimentar un sonido ‘diferente’ en donde contamino la música con todos los géneros posibles. ‘Your Silence’ es una pieza dedicada a mi mujer, la toqué efectivamente con una barítono de 6 cuerdas para conseguir por medio de una sola guitarra un efecto ‘pianístico’. Esta guitarra barítono ha sido para mí, desde que la compré en Boston, como un rayo de luz porque me permite abarcar una gran gama de sonidos y octavas que acercan la guitarra al piano.

– ¿Qué piensa de su próximo futuro? ¿Está pensando en publicar algún disco más o es momento para girar y girar?
– F.C.: Pienso que es el momento de entregarse a los conciertos. Tengo ya la idea de como quiero hacer mi próximo disco pero de momento prefiero avanzar con la música en directo.

– ¿Recuerda su primer disco? Nos referimos, al primero que usted compró.
– F.C.: Fue ‘Kind of blue’, el primer disco de jazz que escuché. Ha sido un hito para mí. Desde aquel momento lo tengo como un punto de referencia a la hora de ‘meditar’ con el jazz.

– Como hemos dejado claro ha decidido grabar el disco en USA ¿Cree que el nivel de jazz de Europa está a la altura del de los States?
– F.C.: Creo que en Europa hay muchísimos talentos de alto nivel como también lo tienen los americanos. Cuando existe colaboración con los músicos de ese país es realmente interesante notar como la excelente técnica se funde con buenas composiciones europeas. Creo que precisametne la composición puede ser motivo de honor y orgullo para los músicos europeos.

– Nos encantaría tener una palabra o una frase de cada una de las canciones que componen el disco…
– F.C.: Our jazz; está dedicada a mi tío difunto hace unos años. Algerian Waltz; surge de una escala argelina que estudié hace unos años y obviamente la inspiración viene de ahí. Siracusa; como dije antes, dedicada a mi ciudad. Ortigia; lo mismo Sunrise in Rome; Eran las 6 de la mañana y estaba paseando cerca del Campidoglio. Spaces; intento dar respiro a la música. Vito (intro) Raccontami; está dedicada a mi abuelo por parte de mi padre, Vito, difunto hace unos años. Intento de evocar la sabiduría típica del abuelo que transmite a su nieto las experiencias de vida. Why; Your Silence; dedicadas a mis padres. Tourist in my town; surge de una sensación preciosa que tengo a menudo, la de ser un turista en mi ciudad, redescubrir cada día nuevos aspectos de mi tierra. Perugia; la escribí hace 3 años de vuelta del Umbria Jazz, Festival en el que tuve el honor de participar tocando con un sexteto. A Phyrigian day; tiene su origen simplemente en la idea de escribir un tema con sonoridades frígias, típicas de la música española pero con pequeñas e inesperadas ‘sorpresas’ armónicas.

– ¿Conoce al pianista Samuel Labrador, el canario ha editado un disco con el mismo nombre ‘Espacio’? ¿Hace falta espacio para vivir?
– F.C.: No, desafortunadamente no conozco a este artista. Espero conocerle pronto para poder apreciar su música. Sí creo que los ‘Espacios’ son fundamentales para todos, sean músicos o no. Creo que encontrar espacios en su cotidianidad es la llave para luego encontrarse a sí mismo, su propio yo, su propia alma.

– Siendo guitarrista ¿Tiene problemas de volumen con sus sesiones musicales?
– F.C.: Por suerte mis vecinos son muy pacientes y son personas simpáticas (risas). Habitualmente, evito tocar o escuchar música a alto volumen. Paso mis días tocando el piano y mis dos guitarras preferidas, una Takamine clásica y una Taylor acústica barítono de 8 cuerdas.

– ¿Quiere mandarle un saludo a los lectores de ‘Canción a quemarropa’ y ‘Creativacanaria.com?
– F.C.: Muchas gracias Héctor, de todo corazón por darme la posibilidad de presentar mi música y deseo a todos los lectores de esta magífica revista que escuchando mi disco reciban emociones positivas. Además espero que mi música pueda ayudar a cada uno a encontrar sus propios ‘espacios’ interiores.

Reseña y reportaje de Héctor Martín Gonzalez para http://www.creativacanaria.com/index.php/cancion-a-quemarropa/5953-europa-se-encuentra-ahora-en-el-centro-del-jazz-a-nivel-mundial

Apunte: Si la historia es como la cuenta Cataldo, es casi como tocar el cielo con las manos: enviarle un mail a Scott Colley y que te invite a ir a grabar a Nueva York suena como un cuento de hadas. Pero si además, también vienen otros muchachos como Binney, Penn o Friedlander a dar una mano en las composiciones de Francesco, es para pensar que el contrabajista algo realmente bueno debe haber visto en él. Spaces no es el disco de un guitarrista omnipresente, por el contrario, los espacios (valga el juego de palabras) son muchas veces ocupados por Binney que, damos gracias, no trabaja nunca a reglamento. Curiosamente, más de una vez, Cataldo elige tocar al unísono con Binney, jugando muy cómodo de igual a igual con el saxofonista. Aunque sus temas hablen del entorno en que vive, por influencias musicales, “el sonido Cataldo” está más cerca de Nueva York que de su Siracusa natal. El sabor europeo (e italiano en particular) viene del melodioso piano de Salvatore Bonafede, pero la dinámica impuesta por el resto de los músicos y en particular por Clarence Penn (brillante todo el tiempo) no nos hace olvidar de que esto tiene una marcada impronta neoyorquina. Resumiendo: Spaces resulta una recomendable y disfrutable obra de principio a fin. Salud!

Track listing

01. Our Jazz [Prologue] (5:57)
02. Algerian Waltz (7:21)
03. Siracusa (5:06)
04. Ortigia (6:49)
05. Sunrise in Rome (6:59)
06. Spaces (8:47)
07. Vito (Intro) – Raccontami (4:02)
08. Why (5:01)
09. Your Silence (6:57)
10. Tourist in My Town (4:33)
11. Perugia (4:41)
12. A Phrygian Day (6:57)
13. The Rain and Us [Epilogue] (2:28)

All tracks composed by Vito Cataldo (Siae) except Vito (Intro) by S. Bonafede and E. Friedlander

Artist List

Francesco Cataldo: electric & baritone guitar, arrangements
David Binney: sax
Salvatore Bonafede: piano
Scott Colley: double bass
Clarence Penn: drums
Erik Friedlander: cello on 7

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