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Sky Dancers (2016)
No muchos músicos tienen una identidad tan fuerte que puedan ser reconocidos en la primera escucha, ya sea porque tienen un sonido realmente personal o porque identifican de inmediato la marca de su escritura. El contrabajista Henri Texier es uno de ellos: tiene un sonido y una escritura absolutamente personales. Y este nuevo álbum no es una excepción a la regla: las nueve composiciones originales de Sky Dancers se refieren, de inmediato, al universo personal del bajista parisino. De «Comanche» a «Navajo Dream», a través de «Hopi» o «Mapuche», Henri Texier una vez más rinde homenaje a los amerindios que ya había celebrado, en 1993, con el álbum « An Indian’s Week » grabado por su Azur Quartet con Michel Portal y Louis Sclavis como invitados. Aquí es particularmente a estos «bailarines del cielo» a los que rinde homenaje. De hecho, de acuerdo con las palabras de Texier: «Sky Dancers es el nombre que reciben los amerindios del noreste de América del Norte que, gracias a su supuesta ausencia de vértigo, construyen rascacielos, especialmente los de Nueva York, y bailando en las vigas, allá arriba en el cielo». En este nuevo álbum, encontramos a los tres cómplices del Hope Quartet, su anterior formación: Sebastien Texier, el saxo alto y el clarinete premium en «Paco Atao» (está presente junto a su padre desde « Mosaïc Man » en 1998 ); François Corneloup, voluble en el saxofón barítono (ya estaba allí en el álbum « Mad Nomads » en 1995, luego en « Vivre » y « «Water Alert ») y François Moutin, preciso y siempre justo, en la batería. En guitarra, sucediendo a Noël Akchoté y Manu Codjia, encontramos a Nguyên Lê, uno de los guitarristas más personales de la escena francesa actual que si bien jamás había formado parte de una de las formaciones de Henri Texier, ya se habían cruzado, en 2012, para el álbum « 3+3 » del trío Romano-Sclavis-Texier, con los también invitados Enrico Rava (trompetista) y el pianista Bojan Z. Por fin, al piano y en los teclados, descubrimos al joven treinteañero Armel Dupas al que Texier había descubierto, por casualidad, en un pequeño jazz-bar en Vendée. Graduado del Conservatorio de París, Armel Dupas acompañó a la cantante Sandra Nkaké, formó el dúo de electro-jazz Water Babies, grabó a su nombre « Upriver » y compuso música de cine para Arnaud Despléchin, Michel Gondry o Christophe Honoré: una hermosa tarjeta de presentación . El álbum se abre con «Mic Mac» tocado en quinteto sin guitarra: la oportunidad de escuchar hermosos solos de barítono, viola, piano y bajo, con este pizzicati voluble específico de Texier. A partir de «Dakota Mab» y su lado «indio» inducido por los tambores de Luis Moutin, Nguyên Lê se une al grupo, con su sonoridad luminosa, en paralelo al piano eléctrico de Armel Dupas. Las melodías siguen brillando y los ritmos endiablados con «Mapuche», «Comanche» y «Cloud Warriors» (tocados sin guitarra). «He Was Just Shining», dedicado a Paul Motian, es más tranquilo, como en el álbum « Respect » grabado en 1997, con Lee Konitz, Bob Brookmeyer, Steve Swallow y el baterista de la Electric Bebop Band, como «Hopi», un hermoso intercambio entre piano y guitarra y el bajo, tocado sin sopladores y François Moutin con escobillas, mientras que «Navajo Dream» es un solo de bajo. El álbum termina con «Paco Atao», con Sebastien Texier en el clarinete y Henri Texier en el arco, en un clima más oscuro. Una cosa es segura, siempre nos llena un álbum de Henri Texier: la belleza luminosa de las melodías, el encanto de los ritmos que sirven una amplia gama de sonidos, con músicos que muestran una verdadera complicidad empática. En resumen, este es uno de los álbumes más emocionantes de los últimos meses.
Fuente para la reseña: Claude Loxhay para http://jazzaroundmag.com/?p=11634
Apunte: En el año 2014 tuve la suerte de presenciar un concierto de Henri Texier y su grupo en la ciudad de Córdoba, Argentina. Hasta el día de hoy lo recuerdo como uno de los mejores que he visto en mi vida. La música sonaba como lo describe la reseña: luminosa, rítmica, compleja, pero a la vez accesible, y con músicos que se podía ver disfrutar el encuentro grupal que ya, a estas alturas de sus vidas debe ser casi un ritual ineludible. Sky Dancers es eso: un líder con sus viejas obsesiones, que se sienta detrás y deja hacer a sus amigos, que recuerda a sus viejos amigos (Paul Motian; en Córdoba también lo hizo) y que, fundamentalmente, no se la creyó nunca: “A veces se emplea la palabra “leyenda” al referirse a mí. No estoy disconforme por el hecho de ser reconocido, pero me da escalofríos. Me importa un carajo ser una leyenda”. Escuchar Sky Dancers hace bien. Obra de manera sanadora.
Track Listing
01. Mic Mac (11:07)
02. Dakota Mab (8:20)
03. Clouds Warriors (7:48)
04. He Was Just Shining (9:33)
05. Mapuche (7:34)
06. Hopi (7:48)
07. Navajo Dream (1:52)
08. Comanche (11:38)
09. Paco Atao (4:05)
Artist List
Henri Texier: bass
Sébastien Texier: alto saxophone, clarinet
François Corneloup: baritone saxophone
Armel Dupas: piano
Nguyên Lê: electric guitar
François Moutin: drums
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Trigono (2016)
Elegante trabajo entre el jazz y la clásica, Trigono remite en el título a la atípica formación, que podríamos definir como un «trío plural», dado que los protagonistas son Marco Bardoscia, Rita Marcotulli y, como tercer vèrtice, el cuarteto de arcos Alborada.
El programa propuesto es cautivador, con músicas más originales siempre de inmediato atractivo, gracias al lirismo de los temas. Así como es muy apreciable la ejecución de todos los protagonistas, con los cuatro de Alborada siempre en primer plano de una textura dentro de la cual Marcotulli interviene a veces como soporte, otras improvisando en el género con modalidades que la caracterizan en aquellos contextos un poco «crossroad» en los cuales ha escrito importantes páginas en el pasado (The Woman Next Door, Koiné).
Sin embargo – y también a pesar de algunos momentos refinadísimos, como por ejemplo la única pieza firmada por la pianista, «Rappresenta» y de la estructura original y compleja – el trabajo despertaría quizás poca atención de un oyente de extracción jazzera si no fuera por algunos pasajes de la misma Marcotulli – el comienzo de «Mr. Hopkins» o el desarrollo de «ELM», de Richie Beirach, para dar algunos ejemplos – y, sobre todo, de las frecuentes intervenciones de Bardoscia -autor de casi la mitad de las piezas- el cual da muestra en varias ocasiones de sus cualidades de instrumentista ofreciendo solos cantables de gran atractivo y acompañando con un sonido profundo y expresivo, resultando así un poco el protagonista del trabajo.
Para señalar la excelente aportación de Maria Pia De Vito, huésped en «I’m a Dreamer», las dos ocasiones -en la apertura y cierre de álbum- del sagrado himno «Abide With Me» y -como cumbre de un trabajo de todos modos excelente- «Ninna Nanna per la piccola Sara», de Barcoscia, conmovedor pasaje en que todos los protagonistas tienen la oportunidad de dar lo mejor de sí.
Neri Pollastri para https://www.allaboutjazz.com/trigono-marco-bardoscia-tuk-music-review-by-neri-pollastri.php
Apunte: Trigono no es una joya absoluta, pero tiene un alto contenido de belleza y poesía conmovedora; sus buenas intenciones, curan. Y eso ya es fabuloso.
Track Listing
01. Abide With Me • Take One (1:10)
02. Inside (4:24)
03. Rappresenta (4:42)
04. Andrea’s Milonga (3:59)
05. Mr. Hopkins (3:19)
06. Farfalla | Peace (7:06)
07. I’m A Dreamer (4:31)
08. Elm (5:51)
09. Ninna Nanna Per La Piccola Sara (5:25)
10. My Head (4:10)
11. J’adore La Pluie (4:07)
12. L’attesa (3:51)
13. Abide With Me • Take Two (3:16)
Musicisti
Marco Bardoscia: contrabbasso
Rita Marcotulli: pianoforte
Quartetto Alborada:
Anton Berovski: violino
Sonia Peana: violino
Nico Ciricugno: viola
Piero Salvatori: violoncello
Ospiti:
Maria Pia De Vito: voce
Paolo Fresu: pianoforte
Nguyen Le: chitarra elettrica
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Harbor (2007)
Desde la salida en 2003 de «Free Country» (ACT), Joel Harrison se ha enfocado en gran parte en la liberal y sumamente no literal toma de canciones tradicionales, melodías populares y, en «Harrison on Harrison» (HighNote, 2005), la música del último George Harrison.
Harbor representa un par de desviaciones significativas del reciente trabajo discográfico de Harrison. En primer lugar, se trata de un retorno a todas composiciones originales. En segundo lugar, si bien reúne al guitarrista con el saxofonista alto David Binney (una constante compañía desde «Free Country»), es su primer y muy inspirada reunión con el guitarrista Nguyên Lê, el percusionista Jamey Haddad y el bajista Gildas Bocle, quienes dan cuerpo a un grupo de seis de las ocho pistas de Harbor.
Harrison se resiste a considerar la compartimentación musical, incluso cuando esto se refiere a la mezcla de fuentes culturalmente y estilísticamente diversas. Hay innumerables puntos de referencia que se encuentran en Harbor incluyendo ritmos africanos, linealidad india y de medio oriente, armonía del jazz, insinuaciones de electrónica, música clásica moderna y fusión. Lo más notable, sin embargo, es la capacidad de Harrison para integrar, haciendo irrelevante la identificación de sus fuentes dando lugar a composiciones que se extienden desde una filosa angularidad a belleza pura.
Lê es el perfecto contraste para Harrison. Ambos son capaces de un melodismo espontáneo, áspero skronking, como de un más amplio desarrollo textural, pero de maneras complementarias, ocupando espacios mutuamente excluyenteso, de manera que la diferenciación nunca es un problema (aunque, en su mayor parte, Lê se escucha en el canal izquierdo, y Harrison en el derecho).
Lê tiene la capacidad para sugerir la microtonalidad oriental en canciones como el episódico «You Bring the Rain», sólo hacer más vivo contraste con Harrison, quien trae una pieza del Delta del Mississippi a «Blue Ghosts of Bourbon Street». Esta última evoluciona a través de una serie de cambios en pulso, gracias al extraño enfoque polirítmico de Haddad, en última instancia encabezando al norte hacia una vibración del medio oeste. Haddad, que perfectamente se mueve desde el kit a la percusión de mano, es el arma secreta de Harbor, un percusionista con el más amplio posible marco de referencia necesario para abrir más la expansiva escritura de Harrison.
La ventaja de no estar agobiado con las responsabilidades de ser líder, escritor y productor significa que Binney es capaz de concentrarse completamente en tocar. Su solo Carnatico-centrado en «You Bring the Rain» es el primero que se destaca, mientras qie su poderoso trabajo en el más caótico «End Time», es uno posterior.
Las dos pistas del medio de Harbor destaca -Binney aparte- a un grupo completamente diferente. Evitando los solos delineados, el atmosférico «The Refugee» demuestra como la expresión y la interacción todavía pueden ser usadas para construir la repetición casi implacable de un tema simple hasta a un dramático punto culminante antes de la liberación en una coda más suave.
Que lo tocado en Harbor sea uniformemente excepcional es un hecho. Lo que hace que sea un temprano contendiente para lo mejor del 2007 es la aparición de Harrison como un escritor que prescinde completamente de fronteras y, en cambio, crea su propia mélange pan-cultural y multiestilística, que como eterna tambien es completamente moderna.
Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=25402#.UDAlLIGV_nE
Apunte: a veces uno tiene la suerte de encontrarse con un disco con el cual empatiza automáticamente. Harbor es uno de ellos. Coincido con Kelman que en este disco de todas composiciones originales, Harrison ha logrado borrar las fronteras para crear una obra completa atractiva, entretenida y, como si los planetas se hubieran alineado, brillantemente ejecutada, con momentos realmente luminosos de Nguyên Lê (en especial) y David Binney. Dentro de un alto nivel de todos los temas, sobresalen un poco más «Blue Ghosts of Bourbon Street», «The Refugee» (temazo, construído a «lo Binney», incrementando sin pausa la carga dramática), la crepuscular «Harbor» y la inquietante y nerviosa «American Babylon». Por donde se lo mire, Harbor es un discazo.
Track Listing
1. You Bring the Rain (9:53)
2. Blue Ghosts of Bourbon Street (8:40)
3. End Time (5:35)
4. The Refugee (7:23)
5. Hudson Shining (8:09)
6. Harbor (7:04)
7. American Babylon (8:03)
8. Les Fréres un ut majeur (Brothers in C Major) (6:33)
Artist List
Joel Harrison: guitar
David Binney: alto saxophone
Nguyên Lê: guitar (1-3, 6-8)
Gildas Bocle: bass (1-3, 6-8)
Jamey Haddad: percussion (1-3, 6-8)
Henry Hey: piano (4, 5)
Stephan Crump: bass (4, 5)
Jordan Perlson: drums (4), percussion (5)
Satoshi Takeishi: drums (5), percussion (4)
Marty Wehner: trombone (2)
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Homescape (2006)
Homescape llama en primer lugar por la aparente homogeneidad sonora que se libra de estos sesenta y un minutos. Ya sea en los temas con el cantante y el oudista tunecino Dhafer Youssef, o en los dúos con Paolo Fresu, de inspiración más de extremo orientales, la música se extiende en el espacio, ayudadq por la poderosa reverberación y algunos efectos electrónicos. Ninguna pieza verdaderamente saca el premio; ¿Nguyên Lê se readaptó a la música ambient? ¿Habrá sucumbido a los cantos de sirenas de la electrónica?
Pasada la primera escucha, a mediados de «Mangustao», nos decimos que el genial creador de «Tales from Vietnam» no quiso sin duda que su Homescape se emparentara con una escapada fuera de sí, con una disolución de lo íntimo en el espacio físico o en el espacio musical globalizado. La cuestión de las raíces, los orígenes fue (todavía es?) crucial para Nguyên Lê y conviene aplicarlo también sobre este intrigante disco. Algunos comentarios del autor, en el interior del disco, nos ayudan y posiblemente todavía reavivan los interrogantes. Este disco se deriva de sesiones de improvisación en dúo, del que el guitarrista procuró revelar «la estructura compositiva», de la que extrajo los momentos cuando los temas se crean, se instalan.
La segunda escucha (y las siguientes) revisa las primeras impresiones de relativa uniformidad de las melodías, los climas. «Stranieri», «Mali Iwa», «Neon» con Fresu, y «Zafaran» con Youssef, pueden irritar por diferentes razones: virtuosismo guitarrístico menos inspirado que de costumbre, rítmica electrónica urbana estereotipada, armonías jazz-rockeras un poco marchitas… Tantos aspectos que se encuentran en
otras partes, pero que determinadas piezas nos hacen olvidar: «Byzance», «Mangustao» y «Safina» desencadenan escalofríos cuando la voz Dhafer Youssef asciende a alturas insospechadas. El desfase entre este canto, resonante como una llamada, el oud y las sonoridades modernas de los loops y de la guitarra eléctrica, constituye la sorpresa más bella del disco.
No hay que olvidar tampoco los simpáticos y más minimalistas «Muqqam» y «Kithâra», interpretados exclusivamente entre el oud y la guitarra. La delicada melodía de «Des Prés», la melancólica y contemplativa «Lacrima Christi», la atmosférica versión de «Chelsea Bridge», de Billy Strayhorn, el breve pero como suspendido «Domus de Janes», constituyen bellos diálogos depurados entre Fresu y Lê. Para cuando un Complete Homescape Sessions?
Fuente para la reseña: Julien Lefèvre para
http://www.citizenjazz.com/Nguyen-Le-Duos-Paolo-Fresu-Dhafer.html
Track Listing
01. Stranieri (5:58)
02. Byzance (4:23)
03. Muqqam (2:43)
04. Mali Iwa (6:25)
05. Zafaran (6:00)
06. Domus de Janas (2:17)
07. Kithâra (2:17)
08. Chelsea Bridge (2:59)
09. Safina (3:26)
10. Des Prés (2:18)
11. Thang Long (5:31)
12. Neon (3:11)
13. Mangustao (7:23)
14. Lacrima Christi (3:13)
15. Beyti (2:52)
Artist List
Nguyên Lê: electric, acoustic, fretless, synthesizer, e-bow,
Vietnamese guitars, computer programming & electronics
Paolo Fresu: trumpet, fluegelhorn & electronics
Dhafer Youssef: oud, vocals & electronics
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Vagabond (2012)
Los músicos de jazz podría agregar «viajeros» a la descripción de su trabajo, ya que estar de gira es una parte indispensable de una carrera de exitosa; en un sentido, los músicos de jazz son descendientes de vagabundos y gente deambulante.
Estos pensamientos también cruzaron por la mente de Ulf Wakenius cuando llamó a su nuevo álbum Vagabond. Después de todo, él ha viajado alrededor del globo varias veces; a principios de los años 80 realizó una gira por todo el mundo con Guitars Unlimited, un dúo de guitarra con Peter Almqvist. En el medio, se quedó en Brasil y tocó con algunos de los músicos locales más prominentes del país. Después de esto, continuó tocando en salas de conciertos y clubes de jazz del mundo entero -por años Wakenius trabajó junto a Ray Brown y el bajista Niels-Henning Ørsted-Pedersen, con quien incluso tocó con el ex presidente estadounidense Bill Clinton. Ha actuado en conciertos con estrellas como Herbie Hancock, Toots Thielemans, Hank Jones, Pat Metheny y Michel Legrand. Particularmente digno de mencionar, es la pertenencia de Wakenius durante 11 años, al legendario Oscar Peterson Quartet, hasta la muerte del líder en diciembre de 2007.
Además, por un par de años, Wakenius ha sido acompañante de su compañera del sello ACT, la artista Youn Sun Nah. Desde que la estrella cantante coreana vive en París, la metrópolis a orillas del Sena, con sus muchos clubes de jazz y extraordinaria versatilidad musical, ha sido un destino habitual para él. Por otra parte, esto también se convirtió en fuente de inspiración para Vagabond: además de las colaboraciones de Nguyên Lê y Youn Sun Nah, que interpretan una versión del clásico de Police, “Message in a Bottle”, con extraordinaria simplicidad, es París, donde se encontró con el acordeonista Vincent Peirani, que da forma a su álbum.
En el 2003, Peirani tuvo una performance muy notable en La Défense Jazz Competition, cuando aún era un estudiante en la Academia de Música de París, y él ha sido un componente básico de la escena del jazz en París desde entonces. Actuaciones con Michel Portal, Renaud Garcia-Fons, Daniel Humair y Louis Sclavis, o con sus propios proyectos, tales como el dúo con Vicente Lê Quang, con cuarteto de rock o un quinteto de world music, así como en los campos de la chanson y la música clásica con artistas como François Salque, Laurent Korcia, Roberto Alagna o André Minvielle – todo esto ha demostrado que Peirani puede ser considerado como la nueva estrella de la gran tradición francesa del acordeón, con famosos representantes como Richard Galliano.
En Vagabond, Peirani demuestra que ha encontrado un estilo único que trabaja en diferentes géneros y se ajusta perfectamente a la guitarra de Wakenius. Su acordeón, en ocasiones, imita el sonido de la voz humana, como se escucha más claramente en “Breakfast in Baghdad” – originalmente compuesta por Wakenius para Youn Sun Nah y grabada en su álbum «Same Girl» (ACT 9024-2).
Los álbumes previos de Wakenius para ACT estaban enfocado en un tema. En «Notes from the Heart», interpretó la música de Keith Jarrett, y en «Love is Real» se centró en Esbjörn Svensson.
En Vagabond se hace evidente que como un trotamundos, Wakenius es conducido por la curiosidad hacia todo tipo de música buena, probándose a si mismo como un guitarrista realmente versátil -desde la francesa «Bretagne» y la nórdica y más sonido a himno de «Psalmen» de su amigo y compañero musical Lars Danielsson, a los arcaicos tonos de nativos americanos de «Witchi-Tai-To» de Jim Pepper, y desde la sudamericana «Chorinho» a los sonidos asiáticos de «Song For Japan». Wakenius envía al oyente postales musicales de todo el mundo y los combina en un fascinante reporte de viajes.
El ábum es tambien un asunto familiar. Por primera vez Ulf Wakenius trabaja en el estudio con su hijo Eric, que obviamente está siguiendo las huellas de su padre como guitarrista, como se puede escuchar en la canción del título que compusieron juntos. Además, tocan como dúo la maravillosa “Birds And Bees” de Attila Zoller. Wakenius resume diciendo: «es el mejor álbum que hice».
Fuente para la reseña: http://www.actmusic.com/pdf/ACT9523-2_PFE
Apunte: Entre una decena de discos que he estado escuchando en estos días, Vagabond tuvo la gracia de actuar como un bálsamo para la tristeza que nos ha cubierto el alma por estos días, tras la partida del poeta y músico Luis Alberto Spinetta. Wakenius dice que este es su mejor álbum. Alguna vez deben haber escuchado palabras similares cuando un músico lanza su nuevo disco, y uno después, dice, «bue, no era para tanto». Pero en este caso, si no es así, pega en el palo. Con una instrumentación mínima (no hay batería; apenas un cajón), la potencia del disco se apoya en las bellas composiciones, las ajustadas interpretaciones y, claro está, en el virtuosismo de Wakenius y Peirani, más el-señor-que-hace-cantar-a-su-bajo, Lars Danielsson. Y en lo otro que se apoya Vagabond es en ese deambular por las músicas del mundo, sin que esto produzca desequilibrios en el resultado final. La única canción que pareciera estar (apenas, nomás) fuera de ese contexto global, es «Message In A Bottle», aunque es tan linda la versión (casi como un ruego, como una plegaria) que tal vez, debería haber estado en otra posición en el track listing y el disco hubiera sido bien redondito. No debe prestarse mayor atención a esto último que dije; estoy envejeciendo y me pongo cascarrabias…
Track Listing
01. Vagabond (5:20) (Wakenius, Ulf / Wakenius, Eric)
02. Message In A Bottle (6:16) (Sumner, Gordon / Sumner, Gordon)
03. Bretagne (5:01) (Wakenius, Ulf )
04. Psalmen (4:36) (Danielsson, Lars)
05. Breakfast In Baghdad (6:35) (Wakenius, Ulf )
06. Song For Japan (3:21) (Wakenius, Ulf )
07. Birds And Bees (4:31) (Zoller, Attila)
08. Praying (3:54) (Danielsson, Lars)
09. Chorinho (5:07) (Mays, Lyle)
10. Witchi-tai-to (5:24) (Pepper, Jim)
11. Encore (2:54) (Jarrett, Keith)
Artist List
Ulf Wakenius: acoustic guitars, oud, chant
Vincent Peirani: accordion, accordina, voice
Lars Danielsson: bass, cello
Guests:
Eric Wakenius: acoustic steel string guitar
Michael Dahlvid: darbuka, cajon
Very special guests on “Message In A Bottle”:
Youn Sun Nah: vocals
Nguyên Lê: electric guitar
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Way of Life (2010)
Céline Bonacina es una joven saxofonista francesa que para su estreno en ACT ha contado con la mezcla, masterización, co-producción, y participación del guitarrista Nguyên Lê. Esta multi-saxofonista (que emplea el barítono, el alto y el soprano), también se encarga de la mayoría de composiciones y arreglos. A lo largo del cedé, gracias a las técnicas de estudio, Bonacina se dobla puntualmente a los saxos. Un recurso que es un interesante añadido a emplear en la música grabada, pero que sin embargo en este caso sirve para que la propuesta no pierda un tono alegre que resulta, por momentos, demasiado desenfadado. Los mejores instantes llegan en los temas con Lê y las baladas. La forma de tocar del guitarrista encaja perfectamente con la música de la saxofonista, mientras que es en los temas lentos donde ciertos intentos de pirotecnia saxofonística son suplidos por unos desarrollos con un mayor fundamento musical.
Reseña de Pachi Tapiz para © Cuadernos de Jazz, 2010
Track listing
01. ZigZag Blues (C. Bonacina) (3:21)
02. Course pour Suite (C. Bonacina) (4:17)
03. Ra Bentr’ol (O. Andriamampianina) (6:05)
04. Wake Up (C. Bonacina) (3:52)
05. Free Woman (C. Bonacina) (4:56)
06. Travel Story (C. Bonacina) (4:44)
07. Ekena (C. Bonacina & H. Ratsimbazafy) (4:54)
08. Deep Red (C. Bonacina) (1:34)
09. RAB (R. Molinier) (1:58)
10. Histoire de (R. Molinier / arr. C. Bonacina) (2:53)
11. Jungle (C. Bonacina) (5:02)
12. Entre deux Rêves (R. Molinier) (7:47)
13. Tôty Come Bach (C. Bonacina) (0:52)
Artist list
Céline Bonacina: baritone, alto & soprano saxophone, vocals
Nicolas Garnier: electric bass
Hary Ratsimbazafy: drums & percussions, vocals
Nguyên Lê: electric guitar (on 3, 7, 11, 12)
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Filed under: Nguyên Lê | Etiquetas: Abdelkbir Merchane, Abdenour Djemaï, Bojan Zulfikarpasic, Hamid Mestari, Jean-Philippe Rykiel, Karim Ziad, Linley Marthe, Menni Mohamed, Michel Alibo, Nguyên Lê, Re-post, World Music
Ifrikya (2001)
Un viaje norteafricano por París.
La llamada sorda y al mismo tiempo sonora del Gumbri suena hacia fuera. Este instrumento de cuerda marroquí combina calidades melódicas y de percusión, y está de pie como un símbolo para la música del Maghreb. Aún antes de que nosotros podamos conseguir nuestros blasones, un complejo sonido euroafroamericano entra. Bienvenidos a París. Bienvenidos al ambiente multicultural de la música del percusionista Karim Ziad.
Karim Ziad de 34 años mira atrás a su juventud en Argel, una ciudad que, en contraste con su condición corriente, exudó una aptitud multicultural no hace tantos años. Era aquí donde Ziad recogió sus primeras experiencias musicales. Ziad comentó, «Cuando yo era joven no escuchaba la música de Marruecos y Argelia. Argel era siempre un crisol cultural. Nosotros teníamos la radio y la TV, y Europa estaba alrededor de la esquina. Una media hora en el avión y usted está allí. No tuve que pensar en mi música, de todos aquellos elementos que yo oía simplemente vinieron juntos». Karim Ziad recibió su primer final como percusionista en bandas que tocan en casamientos. Dentro del repertorio musical Maghreb era necesario sentirse como en casa con las canciones francesas, funk, la música beréber, así como otras músicas tradicionales africanas y orientales.
Karim Ziad vino a París cuando tenía 20 años. Aquí encontró un clima multiétnico sin barreras o fronteras. Rápidamente entró en contacto con otros músicos, tocando con Joe Zawinul, y con la banda de Cheb Mami. Absorbió experiencias musicales como una esponja, y buscó el mejor modo de combinar todos aquellos elementos musicales y tendencias que hicieron sus experiencias diarias. Sin embargo, nunca encontró aquel elixir mágico por casualidad que lo dejaría satisfecho. Fue con Nguyên Lê, «Maghreb & Friends» (ACT 9261-2), en que él fue capaz de tomar el siguiente paso crucial. «Aprendí mucho sobre como tratar con el sonido de Nguyên. Aún así me acerco de manera diferente a la música que él hace. Él es muy intelectual. Por otra parte confío en sólo en mi corazón y mis oídos».
Otra diferencia fundamental: Karim Ziad usa la forma de la canción clásica. Él canta la lírica. Pero los lazos espirituales entre los dos amigos descansan mucho más profundamente que en una discusión superficial sobre el contenido tradicional o moderno de su sonido y el formato de sus temas. Ambos han sido capaz de mezclar elementos culturales diferentes sin molestar la inmediatez de cada expresión musical individual. Como con los álbumes de Nguyên Lê uno puede acercarse a la música de Karim Ziad desde perspectivas muy diferentes. Uno puede oírlo como la música del Maghreb, o venir a ello desde el jazz y el pop; uno puede verlo como un estilo de eurojazz emancipado con influencias americanas.
«Mi dirección principal es la música del Maghreb. Música norafricana. He combinado esta música con sonidos occidentales y armonía -con la guitarra, el piano, baterría, y el bajo. París es el lugar correcto para comprender este tipo de mezcla. Nosotros no podríamos hacer la misma música en Inglaterra o Alemania. «El sonido básico y la armonía sobre la producción se derivan de Europa. Pero los ritmos multi-facetados y el canto representan al África. Karim Ziad quiere comunicarse en el nivel más amplio posible. «Cuando usted toca la música del Maghreb para europeos, usted tiene que cambiarla para llegarle al público. Muchos europeos gustan de la música tal como viene del Maghreb, pero ellos no pueden entender que realmente pasa allí. Pero cuando usted lo mezcla con sonidos europeos o americanos, inmediatamente se hace más suave, más apacible. Entonces usted puede alcanzar a la gente, moverlos. La música que no es querida por nadie es aburrida».
Ziad justamente no enfoca a los africanos del norte o a los franceses; él enfoca al mundo entero. Su música suena a un mercado de emociones, pasiones, experiencias, tradiciones, y visiones. Usted no sólo puede oírlos, usted puede probar, oler, sentirlos. De este modo no es nada más ni menos que una imagen especular exacta de la ciudad realmente cosmopolita de Europa, París. Ziad necesitó sólo diez días para grabar y mezclar Ifrikya. La música ya existía en su cabeza. Él sólo tuvo que soltarla -y luego pasar el movimiento a sus compañeros musicales quienes, juntos con Ziad, pintaron este «cuadro de amor», como él lo llama. «Escogí a los mejores músicos que existen para esta música».
«Abdelkbir Merchane, el cantante en el primer tema, es el mejor intérprete Gnawa que conozco. El bajista es Linley Marthe de la isla Mauritius. El pianista, Bojan Zulfikarpasic, escribió la canción «The Joker”. Si usted no supiera que esta canción salió de Bosnia, usted la tomaría como argelina. Ya toqué con Michel Alibo de Martinica en «Maghreb and Friends». Está también el tecladista ciego judeo/francés Jean-Philippe Rykiel, que ha trabajado mucho con músicos como Youssou N’Dour y Salif Keita. Además de esto hay varios cantantes de fondo que vienen del Maghreb. Y desde luego Nguyên Lê. Yo mismo toco una variedad de instrumentos, desde teclados a través del bajo a la guitarra».
Fuente para la reseña: Wolf Kampmann http://www.actmusic.com/pdf/9282_2_PFE_Karim_Ziad_Ifrikya.pdf – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Apunte: post dedicado al amigo de fierro Ignoto transversal, de parte de La Bestia y el Chelito. Buen inicio del 2011 para todos!!!
Track Listing
01.Aît Oumrar (5:15) (traditional)
02.Ya Rijal (4:47) (Ziad, Karim / Lê, Nguyên)
03.Awra (6:08) (traditional)
04.Lebnia (5:52) (traditional)
05.Alouhid (5:46) (Ziad, Karim / Lê, Nguyên / Takfarinas)
06.Sandiya (4:40) (traditional)
07.Amaliya (3:38) (Ziad, Karim)
08.Gwarir (4:51) (Ziad, Karim)
09.The Joker (5:32) (Zulfikarpasic, Bojan)
10.Nesrafet (4:41) (Ziad, Karim)
Artist List
Karim Ziad: vocals, drums, percussion, gembri, guitar, mandola
Abdelkbir Merchane: vocals
Hamid Mestari: vocals, outar
Abdenour Djemaï: banjo, mandola, vocals
Menni Mohamed: percussion, vocals
Khliff Miziallaoua: guitar, vocals
Nguyên Lê: guitar
Bojan Zulfikarpasic: piano
Jean-Philippe Rykiel: synthesizer
David Aubel: flute
Ali Wague: pehl flute
Linley Marthe: bass
Michel Alibo: bass
Alain Debiossat: saxophones
Vincent Mascart: tenor saxophone
Gaëlle Hervé & Marielle Hervé: background vocals
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Sketches (1994)
A pesar de ser un hombre de 33 años, Vince Mendoza ha cosechado una cantidad extraordinaria de experiencia componiendo, arreglando y tocando en su carrera – reflejando el esfuerzo constante que caracteriza a un músico, siempre que procura ensanchar su visión y equiparse con los máximos recursos para expresar sus ideas musicales.
Su señera contribución al sumamente acertado álbum «Jazzpana», presentado por ACT el año pasado y sobre el cual él colaboró con Arif Mardin, le valió una nominación a un Grammy por sus habilidades como arreglador. Ahora continúa con lo que él describe como su proyecto musical más ambicioso hasta la fecha -un CD que combina «Sketches«, el notable trabajo de ocho partes comisionado por el West Deutscher Rundfunk y presentado mundialmente en el Festival de Jazz del Berlín de 1993, con un imaginativo arreglo obsesionante inmortal de «Pavane Pour Une Infante DÈfunte» de Maurice Ravel- uno de los temas impresionistas favoritos de Mendoza.
Para realizar la música, Mendoza tenía a su disposición uno de los conjuntos de jazz más impresionantes y extensamente experimentados de Europa -WDR Big Band, que ha recibido algunos elogios bien merecidos de los eminentes escritores de jazz de quien han tocado sus arreglos en los últimos años, incluyendo a John Clayton Jr., Bob Mintzer, Clare Fischer, Rob McConnell, Manny Albam, Bill Holman y Bob Brookmeyer. Y como solistas principales, Mendoza apeló a su socio de mucho tiempo, Peter Erskine en batería, Dieter Ilg, uno de los principales bajistas de Alemania, el brillante Dave Liebman en el saxofón soprano, el notable guitarrista, establecido en París, vietnamita, Nguyên Lê, y, para compartir el solo con Liebman en «Pavane», el infatigable Charlie Mariano en el saxofón alto.
Y, en las propias palabras de Vince Mendoza, «yo no podía haber pedido intérpretes más dedicados, más perspicaces o más dotados». El CD Sketches es un jalón principal en la composición y arreglos en la carrera de Mendoza . El autor de jazz y crítico Mike Hennessey ha descrito la música como representando «el arreglo de estado del arte» y agrega que esto «incontrovertiblemente confirma el status de Vince Mendoza como uno de los escritores más creativos y originales sobre la escena de jazz contemporánea».
Nacido en una familia muy musical en Norwalk, Connecticut en 1961, Mendoza tomó el piano y la guitarra a la edad de seis años y cambió por la trompeta en el instituto. Asistiendo a la Ohio State University es que él comenzó a estudiar clásico y composición de jazz. También comenzó a tocar el bajo y batería -y cualquier otro instrumento al que le llevó su fantasía- obteniendo una idea de su alcance y características tonales que, dice, le ayudó considerablemente con la composición y los arreglos.
Después de dejar la universidad, Mendoza se mudó a la Costa Oeste y comenzó por su cuenta como compositor de música de películas y de televisión. Se convirtió en ayudante en la University of Southern California en 1983 y, dos años más tarde, comenzó una asociación con el baterista Peter Erskine que condujo a ponerse en contacto con músicos como John Abercrombie, Peter Gordon, Marc Johnson, Joe Lovano, Bob Mintzer y John Scofield.
Juntos con Peter Erskine y el trompetista Marvin Stamm, Mendoza ensambló una big band de músicos de Nueva York para grabar un álbum de demostración de su música que tarde o temprano fue presentado por una empresa japonesa en 1985. Pero el primer álbum realmente significante fue el grabado por World Pacific, «Start Here» presentado a fines de 1990, y presentando a Ralph Towner, John Scofield, Joe Lovano y Peter Erskine.
«Espere cosas grandes de este prolífico compositor de 29 años en el futuro», dijo el comunicado de prensa que acompañó el disco. Y el tiempo ha demostrado que la profecía no era solamente cháchara promocional. Mendoza ha trabajado desde entonces prolífica y extraordinariamente en grabaciones de Al DiMeola, la GRP All Star Big Band, Ute Lemper, Charlie Haden, Michael Brecker, Gary Burton y Pat Metheny y Yellowjackets, entre otros. Ha hecho composiciones encargadas por la Finland’s Espoo Big Band, del American Conservatory Theatre en San Francisco, de la Berklee School, del International Electronic Music Festival y, desde luego, el West Deutscher Rundfunk. Fue votado como el compositor y el arreglador superior en el Japanese Swing Journal en 1991, premiado con el John Green Compositional Prize, considerando un premio especial por ASCAP, la sociedad de los autores americanos, y recibió un premio de composición de la Universidad de California del Sur.
Fernando González en el Boston Globe ha descrito la escritura de Vince Mendoza como «compleja, pero sin pretenciones» y nota que «de vez en cuando es difícil diferenciar lo improvisado de las partes escritas» -una característica que está muy presente en Sketches. Y en un retrato publicado en Jazziz, Mendoza es elogiado por su capacidad de invertir su música «con el sentido de la maravilla» y descrito como un hombre que toma muy seriamente el perdido arte del arreglador-compositor.
«En un muy verdadero sentido», el artículo sigue, «Mendoza inventa la hoja de ruta sobre la cual los músicos expresan sus dones respectivos».
Y nosotros no podíamos ponerlo mejor que esto. Esta es una observación muy confirmada por el nuevo álbum excepcional de Vince Mendoza, Sketches.
Fuente para la reseña: http://www.actmusic.com/pdf/9215_2_PFE_Vince_Mendoza_Sketches.pdf – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Track Listing
1. Pavane (pour une infante défunte) (4:22) (Ravel, Maurice)
2. Sketches part 1 (2:04) (Mendoza, Vince)
3. Sketches part 2 (8:12) (Mendoza, Vince)
4. Sketches part 3 (10:21) (Mendoza, Vince)
5. Sketches part 4 (7:05) (Mendoza, Vince)
6. Sketches part 5 (9:27) (Mendoza, Vince)
7. Sketches part 6 (5:22) (Mendoza, Vince)
8. Sketches part 7 (5:47) (Mendoza, Vince)
9. Sketches part 8 (4:43) (Mendoza, Vince)
Artist List
The WDR Big Band directed by Vince Mendoza
Dave Liebman: soprano saxophone
Charlie Mariano: alto saxophone
Peter Erskine: drums
Dieter Ilg: bass
Nguyên Lê: guitar
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Filed under: Nguyên Lê | Etiquetas: Danny Gottlieb, Dieter Ilg, Fusión, Jazz, Nguyên Lê, World Music
Million Waves (1995)
Nutra sus propias raíces hasta que ellas se transformen en un millón de flores, un millón de esencias, un millón de ondas.
El guitarrista vietnamita Nguyên Lê es uno de los principales músicos en la escena del jazz mundial. Nacido en 1959 en París, Lê es un músico autodidacta que comenzó a tocar batería a los 15, y continuó hasta dominar la guitarra y el bajo eléctrico. Hacia el final de los años 80, Nguyên Lê estuvo en Francia con gente como Carla Bley, Randy Brecker, Gil Evans y Quincy Jones.
En abril de 1994 el guitarrista Lê, el bajista Dieter Ilg, y el baterista Danny Gottlieb participaron en la producción del trombonista Bobby Brookmeyer, «Electricity» (ACT 9219-2), en los estudios WDR en Colonia, Alemania. Después los tres entraron en un concierto improvisado de jazz espontáneo en el estudio. Oyendo la música, el productor de ACT, Siegfried Loch, decidió esa tarde grabar al grupo. Million Waves es el satisfactorio resultado. La deslumbrante sesión de 21 minutos es presentada en el CD bajo el título «Trilogy». El productor Loch les dijo que bien podría haberse llamado «Birth of a Trio»; desde esa sesión, grabada casi por casualidad, fue el origen de este disco. El escultural «Mille Vagues» fue inspirado por la antigua música tradicional coreana. Como un pájaro sobre la espalda de una tortuga, las melodías etéreas se equilibran con la hierática batería masiva. Million Waves como los millones de acontecimientos que nos muestra, como los millones de huellas que dejamos en el camino.
El bajista Dieter Ilg es uno del bajistas creativos más buscado en Europa. Sus créditos incluyen a Michael Brecker, Al di Meola, Peter Erskine, Charlie Mariano, y Steve Khan. El trompetista Randy Brecker comentó: «Dieter desafía a cada uno a zambullirse en lo desconocido, y luego te dirige atrás a la forma de la composición original.»
El baterista Danny Gottlieb es uno de los más versátiles en la escena del jazz contemporánea. Por un lado un baterista de fusión de jazz-rock increíblemente poderoso, por otro lado, Gottlieb retrata una ligereza, flexibilidad y sutileza raras veces encontrada. Él ha trabajado con diversas estrellas como Pat Metheny, Airto, Gary Burton, Stan Getz, John McLaughlin, Gil Evans y Sting.
http://www.actmusic.com/product_info.php?products_id=26&show=2 – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte: ayer les dije que venía revisando viejos conocidos y Nguyên Lê es uno de ellos. Recuerdo alguna controversia menor en los comentarios de algún antiguo posteo de Nguyên. Se podrá decir muchas cosas de él; puede gustar a unos y disgustar a otros, pero lo que es innegable es que el tipo es un artista que va para adelante experimentando, fusionando y atravezando corrientes musicales: siempre en sus discos alguna(s) perla(s) se encuentra(n), y hace que valga la pena escucharlos, más allá de su brillante técnica. Además, aquí está Dieter Ilg, exquisito contrabajista. No sé, ustedes verán que hacen…
Track Listing
01. Mille Vagues (5:28)
02. Trilogy (21:00)
03. Be Good (4:18)
04. Mango Blues (4:17)
05. Butterflies & Zebras (3:32)
06. Little Wing (3:53)
07. El Saola (5:46)
08. Sledge (2:51)
09. Moonshine (3:56)
10. I Feel Good (3:58)
Artist List
Nguyên Lê: electric guitar, guitar-synthesizer, E-bow
Dieter Ilg: acoustic bass, mouth jive
Danny Gottlieb: drums & percussion
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Filed under: Lars Danielsson, Nguyên Lê, Peter Erskine, Vince Mendoza | Etiquetas: Arkady Shilkloper, Christopher Dell, Claudio Puntin, Frank Sackenheim, Jazz, Jon Sass, Lars Danielsson, Markus Stockhausen, Nguyên Lê, Peter Erskine, Re-post, Steffen Schorn, Ulla Van Daelen, Vince Mendoza
Blauklang (2008)
Para los aficionados al jazz, el artesanado del compositor/arreglador Vince Mendoza es un personaje bien conocido. Sin embargo, también ha encantado a los trabajos de las notables estrellas de rock/pop, incluyendo a Joni Mitchell, Elvis Costello y Sheryl Crow. Mendoza es un artesano-maestro que posee un oído penetrante para complementar sus vivos poderes imaginativos, características que con mucha exigencia son transmitidas en todas partes de esta maravillosa grabación de 2008.
La traducción española para el título alemán del álbum es «sonido azul», y emana de una pintura del artista alemán Ernst Wilhelm Nay (1902-1968). Las composiciones originales de Mendoza, sin la apertura clásica de Miles Davis, «All Blues», debidamente pintan una partitura musical multitono que luminosamente insinúa varias sombras de blue. Grabado tanto en un estudio alemán como en el festival de música, el artista emplea a algunos de los instrumentistas de Eurojazz más finos como el guitarrista Nguyen Le y el baterista Peter Erskine, quien redondea al conjunto basado en cuerdas y vientos.
Con texturas exuberantes, acompañamientos con swing improvisados de medio tiempo y arreglos multicapas, Mendoza transporta las numerosas sombras de blue, sobre todo en «All Blues», donde flexibles vientos proporcionan el contrapunto a la apreciación algo evasiva y relajada de Le del tema primario. En otras zonas de sonido y alcance, Mendoza pone en práctica fondos flotantes al estilo de obras sinfónicas.
«Ollie Mention» de Mendoza está construido encima de un tema obsesionantemente hermoso que destaca una melodía simple y ondulantes pasajes de cuerdas, mientras Le levanta la apuesta inicial, vía sus riffs angulares encima de los coros de fondo del conjunto. «Movement II » de «Bluesounds» de seis partes, destaca las líneas triunfantes del corno francés de Arkady Shilkloper, realizadas encima de un fondo floreciente, mientras en otra parte los contrastantes matices y sombreado son incitados por el aterciopelado solo de Markus Stockhausen.
Con cuatro premios Grammy en sus bolsillos, Mendoza bien puede estar encaminandose para ganar el quinto con esta brillante obra maestra.
Fuente para la reseña: Glenn Astarita para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte delchelistico: allá por el 4 de Marzo de 2009 me llegó esta obra, gracias a la generosidad de nuestro gran amigo (perdido en los últimos tiempos) Jes. En el mail, Jes nos decía escueta, pero contundentemente: «una belleza de pe a pa». Para qué más??
Track listing
01. All Blues (7:55)
02. Lo Rossinyol (4:26)
03. Habanera (4:56)
04. Blues for Pablo (5:56)
05. Ollie Mention (7:30)
06. Bluesounds Movement I (2:58)
07. Bluesounds Movement II (5:59)
08. Bluesounds Movement III (5:21)
09. Bluesounds Movement IV (6:02)
10. Bluesounds Movement V (4:53)
11. Bluesounds Movement VI (7:32)
Artist list
Nguyen Le: guitar
Markus Stockhausen: trumpet
Claudio Puntin: clarinets, saxophones
Steffen Schorn: clarinets, saxophonies
Frank Sackenheim: saxophones
Arkady Shilkloper: French Horn
Jon Sass: tuba
Lars Danielsson: bass
Ulla Van Daelen: harp
Peter Erskine: drums
Christopher Dell: vibraphone
String Quartet Red Urg 4: Gerdur Gunnarsdottir: violin; Christine Rox: violin; Thorunn Osk Marinosdotir: viola; Daniel Raabe: cello.
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