Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Blues, Classical, Frederic Borey, Jazz, Karl Jannuska, Leonardo Montana, Michael Felberbaum, Pierre De Bethmann, Rock, Simon Tailleu
Lego (2015)
Lego, lanzado a finales de 2015, es el segundo álbum del cuarteto de Michael Felberbaum . El primero, «Sweet Salt» , fue lanzado en 2006, con el mismo sello; los músicos eran los mismos a excepción de Daryl Hall que sostenía el contrabajo. Lego fue bien recibido por nuestros colegas que escribieron en gran número sobre él. Es interesante notar que este álbum a menudo se describe como abstracto, incluso «cubista». En cuanto al líder y compositor, Michael Felberbaum, quien también es guitarrista, es, según las plumas, a su vez un emulador de Jim Hall, John Scofield, Larry Corryell, Pat Metheny y algunos otros.
Hay algo de verdad en todo esto, por supuesto, pero por nuestra parte es otro aspecto de esta música que creemos que debe destacarse: la profusión melódica. Ya habíamos notado este aspecto de las composiciones de Michael Felberbaum en «Sweet Salt»: la canción “Phosphor-Essence” en particular, con su melodía embriagadora y su ritmo astuto, había trotado durante mucho tiempo en nuestras cabezas. Michael Felberbaum es sin duda un guitarrista brillante, pero también es una pluma excelente con un don para la melodía que no es tan común en el jazz contemporáneo. Quien vuelva a escuchar Lego corre el riesgo de meterse en la cabeza melodías que se le pegarán a la memoria como el yeso en los dedos del Capitán Haddock en L’Affaire Tournesol! Y el contagioso tema «Flow» no es el único que tiene este efecto. Las primeras notas de canto de «Horse» y especialmente las acrobacias y grandes variaciones bossa-novescas de «Now» te dejan luchando durante unos días con resistentes huellas melódicas.
Las composiciones del líder no solo destacan por sus melodías: también están construidas de manera brillante, lo cual es obvio al titular un álbum Lego. En la pista que da título, notamos la forma en que el bajo por un lado, la guitarra y el Fender Rhodes por otro, intercambian temas, convirtiéndose tal línea de bajo en un tema desarrollado por piano y guitarra, tal tema de solistas. siendo recogido subrepticiamente por el bajo. Y a todo esto, te preguntarás, ¿está bien hecho? La respuesta es obvia: ya no se presenta a Pierre de Bethmann, aquí un poco al piano y mucho al Fender Rhodes, cuyo sonido va bien con las composiciones. Sus solos son evidentemente magistrales, pero apreciamos los toques de color que deposita aquí y allá gracias a su gran dominio de este instrumento y los efectos que le aporta. El bajo de Simon Tailleu es sólido y melódico también, como lo demuestra su fuerte solo de bajo al comienzo de «Nostalgia». El baterista Karl Jannuska también es muy conocido y hay que destacar que su propia música como líder, se acerca más al pop y el rock que al jazz, y utiliza mucho la voz. Así que es todo este cuarteto el que canta y nos encanta con un sonido grupal muy interesante. En cuanto a los arreglos, merecen una escucha atenta que, por ejemplo, revelará un doblaje discreto de la guitarra en el segundo estribillo de «Flow» o toques discretos de órgano en «Mint» y «Variations».
Entonces, por supuesto, diremos que la melodía se siente bien, pero que puede llevar un disco hacia la belleza, darle un lado limpio y emoliente; nada de eso, aquí, este cuarteto desbordante de una energía jovial y, si canta en Lego, también baila y no se olvida de groovear. Por supuesto, no se encontrará aquí ni territorios inexplorados, ni riesgos insensatos, ni se sentirá allí el azufre o el viento de la revuelta. Pero, ¿por qué no disfrutar de su placer y prestarse a las alegrías primaverales con este unido grupo de excelentes músicos que tocan las composiciones variadas, melódicas y sofisticadas de un guitarrista-compositor que quizás no tiene aún el reconocimiento que merece?
Fuente para la reseña: Laurent Poiget para https://www.citizenjazz.com/Michael-Felberbaum-Quartet.html
01. Flow (9:54)
02. Variations (5:40)
03. Horse (7:18)
04. A (6:42)
05. Nostalgia (6:18)
06. Now (6:39)
07. Mint (8:17)
08. A Little Bigger (4:44)
09. Lego (8:39)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Pierre De Bethmann: piano, Fender Rhodes
Simon Tailleu: bass
Karl Jannuska: drums
3 Elements (2019)
He aquí un disco que merece toda su atención porque ofrece un universo musical imbuido de una originalidad particular. Sin ritmo, los tres músicos demuestran que la pulsación existe a pesar de todo. Lo hacen a través de composiciones del guitarrista y retomando temas que van desde la música barroca hasta el sucio Soundgarden. Íntimo y onírico en muchos sentidos, este disco ofrece múltiples caminos musicales dentro de los cuales cada uno de los tres músicos expresa su sensibilidad. El arte del trío, lo sabemos desde Bill Evans, lleva la interacción en su ADN. Michael Felberbaum y sus cómplices de toda la vida lo confirman con una delicadeza constante. De enfoque complejo, su música no es menos clara. Fluye de la fuente, como se dice, porque la inteligencia de las formas es aquí una evidencia que es tanto de lo pictórico como de un tejido melódico de rica trama. El oyente es paseado por meandros donde se mezclan armonías sutiles que iluminan el discurso de manera contrastada. Es en todas las circunstancias elegante y refinado sin ser nunca grandilocuente. Es un disco de creadores con gusto seguro que no nos cansamos de escuchar ya que sus diferentes facetas son tan atractivas.
Yves Dorizon para https://www.culturejazz.fr/spip.php?article3422#06
01. Italian Waltz (Michael Felberbaum) (3:43)
02. 3 Elements (Michael Felberbaum) (7:37)
03. Black Hole Sun (Chris Cornell) (5:00)
04. Ava (Michael Felberbaum) (6:43)
05. Gilmore (Michael Felberbaum) (3:16)
06. Mercedes Benz (Joplin-McClure-Neuwirth) (6:17)
07. Lazy Man Blues (Michael Felberbaum) (5:01)
08. Segui, Segui Dolente Core (Andrea Falconieri) (3:06)
09. Mode (Michael Felberbaum) (4:03)
10. Shade (Frederic Borey) (4:17)
11. Mobil (Michael Felberbaum) (3:49)
12. The Stage of Things (Michael Felberbaum) (5:19)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Frederic Borey: soprano saxophone, tenor saxophone
Leonardo Montana: piano, Fender Rhodes
Apunte: Esto se trata de dos proyectos bien distintos, pero que tienen en común la solidez de la escritura del guitarrista italoamericano (y parisino por adopción) Michael Felberbaum, y su buen gusto, claro está. En Lego, aventura en cuarteto que sigue a su primer disco «Sweet Salt» para el sello Fresh Sound New Talent, Felberbaum refrenda lo hábil que es en la elaboración de sus composiciones, desarrollándolas de manera atractiva, infundiendo cautivantes matices de groove, bossa nova, blues, rock e incluso algunos tintes españoles. Prescindiendo del bajo y la batería, 3 Elements ve la luz en 2019 también editado por intermedio de Fresh Sound New Talent. Si ciertos elementos no están presentes, esta formación musical requiere confianza, complicidad y comprensión entre los músicos. El recorrido nos lleva gratamente de la música clásica o barroca, al blues, o al post-bop o bien, a sorprendentes arreglos sobre temas folk-rock y grunge. Brilla la coherencia lograda del material en su conjunto. Como decimos en muchas ocasiones, no revoluciona la música, pero cada escucha nos descubre detalles y nos deja buenas sensaciones en el alma.
Password en ambos casos: presoventanilla
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Ben Abrahamson, Blues, Country, Doan Roessler, Jazz, Thomas Nordlund, Zach Schmidt
Miles Left Behind (2018)
Miles Left Behind tiene una personalidad fácil de gustar. En una grabación de jazz moderno con dosis saludables de blues y country, Thomas Nordlund modula el nivel de calor a lo largo del espectro del calor, desde la fogata a la fogata furiosa, pero se mantiene muy cerca de uno u otro extremo. Ben Abrahamson en banjo es un buen toque, con el bajista Doan Roessler y el baterista Zach Schmidt completando el cuarteto. La música es más fuerte cuando la guitarra de Nordlund se comporta como las vías del tren guiando una melodía en lugar de la locomotora que la conduce, pero tiendo a ser más particular cuando se trata de guitarra de jazz, por lo que podría ser descartado estrictamente para gustos personales. Nordlund termina el álbum con una magnífica interpretación de la obra de Nils Frahm «Si», que se abordará en una próxima columna. Música de Minneapolis, MN.
Fuente para la reseña: Dave Sumner para https://www.birdistheworm.com/the-round-up-i-was-becoming-a-fixture/
Apunte: Música para la ruta, o para estar sentado al lado del río, tirando piedras al agua, mientras nos acaricia la brisa de primavera. El sonido de Nordlund, es distorsionado pero cálido y cautivador. Inclinado hacia la melodía, se presenta como un escritor reflexivo y con el don para crear texturas y ambientes. Dentro de un espectro musical que nos resultará familiar (hay algunos ecos del «Good Dog, Happy Man» de Frisell) Miles Left Behind logra concitar nuestra atención y que nos guste. Parece simple, no?
Track listing
1. Becoming (6:38)
2. Even Long After (7:01)
3. Aerial Boundaries (6:49)
4. Where Summer Had Gone (4:53)
5. Northern Lines (5:26)
6. Wandering Daughter (5:13)
7. Circling Plains (5:25)
8. Si (6:05)
Artist List
Thomas Nordlund: guitar
Ben Abrahamson: banjo
Doan Roessler: bass
Zach Schmidt: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Americana, Bill Frisell, Blues, Charles Lloyd, Country, Eric Harland, Gospel, Greg Leisz, Jazz, Lucinda Williams, Reuben Rogers
Vanished Gardens (2018)
El excepcional saxofonista Charles Lloyd se reencuentra con The Marvels -Bill Frisell en la guitarra, Greg Leisz en la guitarra de acero y dobro, Reuben Rogers en el bajo y Eric Harland en la batería- para lanzar su segundo álbum combinado, Vanished Gardens, en el sello Blue Note. Para este trabajo, la banda convocó a la cantante y compositora Lucinda Williams, que presta su voz a la mitad de las diez canciones del álbum.
Entre los créditos de composición para este trabajo encontramos no solo a Lloyd y Williams, sino también a Jimi Hendrix, Thelonious Monk y Tommy Wolf / Fran Landesman. La “Ballad of the Sad Young Men” de estos últimos, una melodía popularizada por Roberta Flack e interpretada instrumentalmente por Keith Jarrett, está cocinada amablemente con Lloyd saltando a medias para hacer volar nuestra mente con su vocabulario sui generis. Esta estrategia también se lleva a cabo en «Monk’s Mood», un maravilloso dúo con Frisell, que prepara el terreno para la iluminación musical del saxofonista con una introducción relajada. Esta canción es lo más cerca que están del jazz, ya que la filosofía del proyecto cae más en una mezcla de géneros country, folk, blues y rock.
Tomemos como ejemplo el nuevo «Defiant» de Lloyd. Moldeado como una canción jazz-country, explora la calidad lírica de la melodía con una intuición reflexiva, que nos lleva a vastos paisajes verdes barridos por un viento suave y ventoso. Si la solidez de las líneas de bajo de Rogers se siente bien con las guitarras elevándose sobre ellas, la pista del título nos empuja a aventuras más exploradoras. Un riff de guitarra de efecto infundido, toma prestada cierta influencia de la música tradicional japonesa y electrónica, mientras que la banda la entrelaza con un tinte de rock country. Lloyd se libera con ambigüedad de vanguardia y flanqueado por un compuesto de riffs estelares y voces sobre un ritmo estático. Después de parpadeantes ondas de la guitarra y un decreciente rítmico, concluye la melodía solo.
Con una idiosincrasia de timbres interesantes, Williams es confiada y fuerte en «Dust», un original en el que muestra tonos frágiles y compactos en los registros inferior y superior, respectivamente. Mientras ella canta con un sentimiento profundo, ocasionalmente escuchamos los rellenos de Lloyd en el fondo. Frases con elíptica elasticidad, fervor y sofisticación. También del repertorio de la Sra. Williams tenemos «Ventura», una canción pop 4/4 a lo Tom Waits; “We’ve Come Too Far To Turn Around”, una canción country pop 3/4 con sonidos introductorios de Lloyd; y «Unsuffer Me», que recuerda el estilo demostrativo de rock country de Patti Smith, aquí presentado con una sensación de blues.
El álbum se completa con uno de esos magníficos blues impulsados por flauta de Lloyd, «Blues For Langston and LaRue», y una interpretación conmovedora en trío de «Angel» de Jimi Hendrix , bellamente cantada por Williams y adaptada a su estilo.
Inspirándose en las raíces de la música estadounidense, la banda recubre sin esfuerzo estas canciones con un carisma encantador. Con The Marvels estableciendo un puente inquebrantable entre los estilos, la colaboración de Lloyd / Williams es realmente exitosa.
Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/8/5/charles-lloyd-vanished-gardens-album-review
Apunte: En el 2016 este conjunto de talentos inusual, multicultural y multigénero ya habían pergeñado el brillante «I Long To See You», que sonaba (suena) como si hubieran estado tocando juntos toda la vida. Posterior al lanzamiento de ese disco, The Marvels dió una serie de conciertos en Santa Barbara, en donde a uno de ellos asistió como invitada Lucinda Williams. Williams ya había compartido proyectos con Frisell y Leisz; lo que siguió fue una invitación a Lloyd a un concierto de Williams y viceversa, hasta que por decantación decidieron registrar lo que estaba aconteciendo. Vanished Gardens fluye de manera natural, logrando un sentido de comunión musical, orbitando alrededor del sonido central de The Marvels, que es la guitarra sutil, a veces discreta, pero siempre magnética de Bill Frisell. «La grabación es definitivamente una polinización cruzada de mundos diferentes», dice Charles Lloyd, reflexionando sobre el terreno musical inclasificable pero eminentemente accesible de su cuarto álbum Blue Note, Vanished Gardens , donde la improvisación de jazz, blues, gospel y Americana están inextricablemente entrelazados. «No es fácil dar a lo que estamos haciendo una categoría», dice, «pero si es genial, no importa de qué género sea identificado. Las etiquetas pueden ser tan engañosas, de todos modos». Aunque cumplió 80 años en marzo de 2018, Charles Lloyd muestra en Vanished Gardens que su deseo de crear nueva música, lo que él llama «disparar flechas hacia el infinito», es más fuerte que nunca.
Track Listing
01. Defiant (8:41)
02. Dust (7:58)
03. Vanished Gardens (9:03)
04. Ventura (6:22)
05. Ballad of the Sad Young Men (6:17)
06. We’ve Come Too Far (6:30)
07. Blues for Langston & LaRue (5:38)
08. Unsuffer Me (11:40)
09. Monk’s Mood (5:15)
10. Angel (5:53)
Artist List
Charles Lloyd: tenor saxophone and flute
Bill Frisell: guitars
Greg Leisz: pedal steel guitar, dobro
Reuben Rogers: bass
Eric Harland: drums
Lucinda Williams: vocals
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Adam Rogers, Blues, Fima Ephron, Funk, Fusión, Nate Smith, Rock
DICE (2017)
En algún momento en el tiempo, la fusión perdió su camino. Algunos dicen que nunca realmente tuvo una dirección lo suficientemente firme, existiendo sólo como un símbolo de exceso, potencia y virtuosismo para empezar. Pero quienes están empapados de este tipo de música de los ’70s y principios de los ’80s, sabemos la verdad: una mezcla perfecta de líneas trepidantes, un melodicismo «un paso más allá», hazañas de atrevidos e impresionantes grooves, llevaron la música a grandes alturas en su primera década, llegando a un punto que nunca ha sido igualado o duplicado desde entonces.
En lugar de vivir en una celebración de convergencia estilística y unidad, la fusión se convirtió en una palabra sucia en los decenios que siguieron, desdeñada por una creciente facción de puristas, enredada por quienes ponen la complejidad y el atletismo por encima de la accesibilidad, y oscurecida por aquellos que realmente nunca escucharon el mensaje de la manera correcta en primer lugar. Pero todo no es perdido. El guitarrista Adam Rogers ha entregado DICE, recordándonos las virtudes de esta muy calumniada música, mientras la extiende a un nuevo reino de su propia creación.
Si bien el mencionado proyecto se centra claramente en un estilo específico de música, la verdad es que realmente no importa como llamen a esto. Fusión para modernistas, el arte del groove postmoderno, y jazz electro-hypno son todas descripciones absolutamente finas que dicen bastante sin realmente decir algo absoluto. Las palabras solamente no bastan. Simplemente tienes que escuchar esto para realmente obtenerlo. Rogers, el bajista Fima Ephron, y el baterista Nate Smith traen su larga historia juntos a través de gestos agresivos, fluídos grooves, desvíos alucinantes y abrasadores solos. Si el nombre «Trio of Doom» no hubiera sido adoptado, estos muchachos podrían tomarlo, sin ninguna excepción.
Mientras que la posición de Rogers como uno de los mejores guitarristas en esta tierra fue creada hace bastante tiempo, DICE deja claro que él no es de dormirse en los laureles. Con «L The Bruce», Rogers trae una peculiar sensibilidad en línea con una coreografía de apretada rítmica, en «Flava», él ataca los sentidos, a través de «Elephant» combina líneas lisas y alucinante técnica y, durante un viaje a través de «Crazy» (asociado con Patsy Cline) guarda los grandes cañones y se centra en la pura belleza de la canción como vista a través de un prisma vidrioso. En una pista Rogers podría estar entregando el solo para finalizar todos los solos, pero en otra podía reducir la esencia de Mississippi Fred McDowell en un raga espiritual melódicamente atractivo de seis minutos. Usted no sabe adonde va a llegar Adam Rogers desde un momento o una canción a la siguiente, pero usted sabe que va a ser algo.
Hay muchos puntos en el disco donde el trabajo de producción y overdubs añaden mucho a la mezcla -el uso de loops y samples para espesar el entorno, es un barniz complementario pintado encima del jugueteo del trío, las submarinas adiciones a «Sea Miner»- pero dichas mejoras no deberían quitarle las crudas verdades en torno a estos tres. Cuando se mira más allá de todo ello, lo que queda es un increíblemente sofisticado «power-and-pocket» trío que es tan inteligente como muscular. DICE, no sorprendentemente, lo entrega en cada nivel.
Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para https://www.allaboutjazz.com/dice-adam-rogers-self-produced-review-by-dan-bilawsky.php
Apunte: En plan «Hendrix Experience», Adam Rogers ha entregado con DICE unos de los discos más intensos, divertidos y estimulantes del año 2017. Rockeando, funkeando, deformando todo, Rogers & Co le dan vida a la fusión del Siglo XXI. Altamente recomendable!
Track Listing
01. Dice (6:51)
02. Chronics (8:21)
03. Sea Miner (6:30)
04. The Mystic (For Fred McDowell) (6:06)
05. The Interlude (2:20)
06. Flava (5:22)
07. Elephant (4:22)
08. Crazy (4:53)
09. Lthe Bruce (7:58)
10. Seven (3:05)
Artist List
Adam Rogers: electric guitars, clarinet, bass clarinet, Korg ms 20 synthesizer; Mellotron; Koestler wind organ; Fender Rhodes; percussion; samples, loops
Fima Ephron: electric bass
Nate Smith: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Blues, Bobby Previte, Folk, Iggy Pop, Jamie Saft, Jazz, Steve Swallow
Loneliness Road (2017)
Así, el front man del grupo de rock/pop llamado The Stooges obtiene una invitación a tono con un trío de piano jazz clásico. El Stooge sería Iggy Pop; el trío, el piano de Jamie Saft con el bajista Steve Swallow y el baterista Bobby Previte. Esto es un real experimento, algo que Frank Zappa podría haber intentado.
El pianista Jamie Saft ha enganchado una gran parte de su estrella a John Zorn, apareciendo como un sideman o líder, en unas cuantas realizaciones del sello Tzadik de Zorn. Aquellas dicen «aventureras» y «sin límites». Pero en sus grabaciones de piano trio, los botones avant-garde no son empujados todo lo duro que podrían serlo. Su «The New Standard» (Rare Noise Records, 2014), una fina excursión, encaja perfectamente dentro del mainstream. También lo hace su segunda grabación para Rare Noise, Loneliness Road, una profunda exploración, de las formas de la canción americana, inspirándose en Bob Dylan, The Band, Alice Coltrane, Pharoah Sanders, Bill Evans. Aquellas formas del cancionero arraigadas en la mùsica folk parecen especialmente importantes aquí, con Dylan y The Band compartiendo esa fundación. Pero el concepto de Saft parece menos crudo, más expansivo, incluyendo la grandeza de Charles Ives y Aaron Copland, Stephen Foster, apoyado en un modo reducido y moderno. Los tres enfoques musicales distintivos del trío se funden para tejer un bello y cohesionado tapiz, ya sea por su soleada apertura «Ten Nights», o el prodigioso tiempo de permanente quietud de «Bookmarking».
Luego Iggy Pop se exhibe en tres canciones. Este formato de trio -y este particular trio- se adapta a él. Lo firme pero flexible del piano trio respalda las exhibiciones de los diálogos cantados/hablados de la voz barítono de Pop. «Don’t Lose Yourself» suena como una entrega testimonio de Leonard Cohen para el líder del anciano estadista de la categoría poeta/cantante.»Loneliness Road» suena como una meditabunda canción de Van Morrison. «Everyday» es una sensible canción de amor de alguien que ha experimentado una profunda angustia. Iggy Pop -que de esto sabe- emana gravedad.
Una superior excursión de piano trio con el extra de atractivas contribuciones de Iggy Pop.
Fuente para la reseña: Dan McClenaghan para https://www.allaboutjazz.com/loneliness-road-jamie-saft-steve-swallow-bobby-previte-rarenoiserecords-review-by-dan-mcclenaghan.php
Apunte: La contundencia con la cual Loneliness Road te convence con la primera audición de que es un disco imprescindible, se basa en primer lugar en el cancionero propuesto, luego en el «mood» que predomina a lo largo del disco, una rara de quietud, con una efervescencia latente en segundo plano, fruto del talento interpretativo de tres gigantes improvisadores sosegados en pos de la idea, y finalmente en la gravedad, casi al borde del desmoronamiento, de Iggy Pop, del cual uno puede entrever por la rendija que dejan los quiebres de su voz, una jauría de demonios atados. Discazo de punta a punta.
Track Listing
01. Ten Nights (5:26)
02. Little Harbor (4:30)
03. Bookmaking (4:23)
04. Don’t Lose Yourself (4:44)
05. Henbane (4:01)
06. Pinkus (7:40)
07. The Barrier (4:18)
08. Nainsook (5:44)
09. Loneliness Road (6:34)
10. Unclouded Moon (7:41)
11. Gates (2:51)
12. Everyday (3:41)
Artist List
Jamie Saft: piano
Steve Swallow: bass
Bobby Previte: drums
Iggy Pop: vocals (4, 9, 12)
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Blues, Flamenco, Jazz, Nono García, Pablo Novoa, Swing
Radio Pesquera (2014)
Norte y Sur. Galicia y Andalucía. El uno, Pablo Novoa, de Vigo. El otro, Nono García, de Barbate (Cádiz). Dos guitarras. Uno, la guitarra eléctrica. Otro, la guitarra española. Entre atún gaditano y mejillones gallegos anda la cosa. Y en el centro un proyecto común, Radio Pesquera, que presentan con un primer disco instrumental grabado en directo.
Son dos músicos que han navegado en barcos diferentes: Pablo fue componente de Golpes Bajos y en la actualidad toca en la banda de Iván Ferreiro. Nono se ha movido en las aguas del flamenco jazz y ha publicado varios discos en solitario. Pero han llegado a un mismo puerto en el que confluyen peces que traen sonoridades bañadas por el Atlántico.
¿Qué se pesca en esta radio?
Pablo: (Risas) Pues todo tipo de peces del Atlántico, aunque principalmente cuando nos vamos hacia el Sur atún y cuando nos vamos hacia arriba más bien choco.
Nono: Yo creo que pescamos las almas de la gente que nos escucha. Pero sí, también de paso marisco gallego y pescado andaluz.
Viendo los títulos de algunas canciones (que si ‘Un par de huevos fritos’, que si ‘Percebes’), se ve que esto de la comida tiene un peso importante en este dúo musical…
Pablo: Es que al mar no sólo se va a dar un paseo, se va a pescar. Los dos somos de puertos pesqueros, no sólo de puertos marineros. Nos une el tema de la pesca. Una de las canciones se llama Palangre y a mucha gente le tenemos que explicar que es un arte de pesca.
Nono: Viene del griego: polyankris (muchos anzuelos). Es un arte de pesca que se pone en la playa con la marea baja y cuando sube se enganchan los pescados.
Entonces, que os llaméis Radio Pesquera se entiende muy bien.
Pablo: Se le ocurrió a Nono.
Nono: Una vez me embarqué en un barco de pesca. En la cabina de mando estaba puesta Onda Pesquera, que era una emisora de onda corta que informaba del tiempo a los marineros, hablaban en gallego. Es como un vínculo que se extendió entre nosotros.
¿Y cómo pasáis del vínculo marino a formar un dúo musical?
Pablo: Surge porque los dos tocamos con otra gente muy talentosa e interesante, pero también haciendo canciones propias y queríamos darle espacio a esas músicas. Te planteas cómo hacerlo con calma porque no está el planeta esperando tu próximo disco (risas) y me planteé que tenía que ser un disco a dos guitarras. Quería hacerlo con alguien que tuviera una sensibilidad diferente a la mía, admiraba ya mucho a Nono, conocía sus discos, sabía que su música tenía otras raíces pero al fin y al cabo bebe en las mismas fuentes que yo. Radio Pesquera tiene que ver con todos los sitios que baña el Atlántico: desde Galicia a Andalucía o la música africana y del Magreb llegando al blues de EE UU, el tango argentino o los ritmos brasileños y cubanos.
Nono: Me sentí muy halagado cuando me lo propuso. Hay muchos guitarristas muy buenos en España. Y al final ya es el proyecto de los dos.
¿Qué matices aporta cada uno?
Pablo: Sobre todo, hay una cosa común, además de lo de la gastronomía o el pescado y el mar, que no es broma; miramos hacia los mismos sitios aunque de forma muy diferente. Nono ha tocado mucha bossa nova, son cubano, blues. A mí también me gusta eso, hay un terreno común. Pero creo que cada uno aporta una sensibilidad particular. Yo soy del Norte, toco más firmemente, y Nono tiene esa raíz flamenca con la que juguetea, le da otro aire, otra respiración a las cosas. Se trataba de conseguir que eso pudiera fluir.
Nono: Bueno, es que ya lo ha dicho todo él, no me deja… (Risas).
En vuestro disco se perciben esas dos sensibilidades musicales subrayadas por la desnudez de los dos instrumentos.
Nono: Sí, solamente de los instrumentos. (Risas). Y la desnudez del alma también. Es una puesta en escena humilde, sin muchas pretensiones de inventar nada nuevo. Elegir los temas, ponernos de acuerdo, exige un ejercicio de sinceridad y humildad.
Pablo: Los dos estábamos de acuerdo en juntarnos y defender la música, defender las canciones. Esto no podía ser un duelo de guitarras. Se trataba de arropar las canciones para dejarles espacio, teniendo en cuenta que la música instrumental no tiene letra, así que no puedes llegar a la segunda estrofa y hacer lo mismo que en la primera. Por eso la sensibilidad de cada uno enriquece y permite que la canción fluya. Y, además, estuvimos juntos como monjas en una casa unos días solos para ser también amigos y conocernos mejor. No es sólo ser capaces de tocar a la vez.
¿Qué pasa con la música instrumental?
Nono: Es música para melómanos. La tendencia actual desgraciadamente y desde hace tiempo es darle prioridad a la música comercial, que mayoritariamente es cantada. Son canciones melódicas, románticas, que no siempre tienen ni buena música ni buenas letras, pero eso es lo que invade. A la gente no se le da la oportunidad de descubrir la música instrumental u otro tipo de canciones. Sigue siendo privilegio de unos pocos acceder a la cultura en su sentido más amplio, no se da esa oportunidad.
Pablo: Tenemos muy poquitos cauces para entrar. Las cadenas de radio e incluso las revistas de música lo consideran extraño. Les parece que la música instrumental es como una especie de hilo musical de fondo que te pones para hacer otras cosas mientras hablas, como si no tuviese sentido en sí misma. No está abierto el abanico para darle espacio a otras posibilidades. Y en nuestro caso hay gente que se acerca después de un concierto para decirnos que les ha encantado, pero que no venían muy convencidos… ‘A ver cómo va a ser esto de un guitarrista flamenco y un gallego, a ver si va a ser un ladrillo’. Y no tiene nada de eso nuestro disco.
Nono: Aunque nos gusta nuestra tierra y nuestros orígenes, somos ciudadanos del mundo, nos une la música cosmopolita y universal.
Es un disco que sale también adelante con financiación colectiva (crowdfunding). La pregunta de turno es si ésta es la manera de hacer discos.
Nono: Como en este país desgraciadamente el apoyo a la cultura es escaso o inexistente, tenemos que juntarnos y crear nuestros proyectos en base a nuestras posibilidades y hacer labores de todo tipo: manager, oficina, organización, además de lo musical.
Pablo: En cierto modo eso da un grado de libertad en las decisiones para hacer las cosas como quieres. Manejas tus tiempos. Pero gastas muchas energías.
Escuchar el disco de Radio Pesquera repone de alguna manera la energía. Es como tumbarse al lado del mar en plan relax total.
Nono: Es que yo creo que es un disco que se escucha sin esfuerzo, no es estridente, es tranquilo, se deja escuchar amablemente. Está muy bien grabado, ha quedado un trabajo bonito. Y ha pasado la prueba del algodón, que es una cena con velitas.
Pablo: Hemos cuidado mucho las canciones, tratando de que todo fuese bello. Hay momentos muy dulces, otros más intensos y vivos, otros son más amargos, hay canciones más positivas. Está grabado en directo, hemos tratado de que haya la mayor emoción posible.
¿Qué más os gustaría pescar?
Pablo: A mí me gustaría pescar pequeños conciertos, tranquilamente, para mostrar nuestra música. Y un sueño que tengo es combinarla incluso con danza contemporánea.
Nono: Pescar cantantes para que algún tema tenga voz y ampliar un poquito, sólo un poquito, el elenco aportando ese colorido. Incluso con otros instrumentos.
Reportaje de Silvia Melero para http://elasombrario.com/radio-pesquera-fusion-de-guitarras-que-miran-al-atlantico/
Apunte: Pocos días atrás, un internauta dejó un comentario en un viejo post del año 2009, «Atún y Chocolate» del guitarrista Nono García. Esas breves líneas actuaron como disparador para ponerme en la tarea de investigar que había sido de la vida musical de Nono García en estos años. Ese deambular me llevó a Radio Pesquera, disco a dúo con otro guitarrista, Pablo Novoa. Primero hay que decir que es un tanto inusual este dúo por la combinación de la guitarra flamenca de Nono García (Barbate, Cádiz) y la guitarra eléctrica del gallego Pablo Novoa. Por iniciativa de Novoa, los guitarristas se unen en este trabajo de canciones instrumentales que revelan sus influencias de jazz, blues, flamenco y músicas latinas. Radio Pesquera supone un punto de encuentro entre dos regiones de España, un acercamiento de sus puertos pesqueros que además de estar unidos por el mar ahora estarán siempre ligados por la música.
Lista de temas
01. Palangre (4:34)
02. Siento Moito (3:18)
03. Balada para un Romanón (3:17)
04. Ovella (3:04)
05. Calma Chicha (2:19)
06. Un par de huevos fritos (3:35)
07. Percebes (3:37)
08. Illas Cíes (3:48)
09. Viento en popa (4:37)
10. Sylvie (3:07)
11. La pelota y la bufanda (5:36)
Lista de artistas
Pablo Novoa: guitarra eléctrica
Nono García: guitarra española
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Aristides Rivas, Bela Fleck, Ben Roseth, Blues, Chris Thile, Country, Dan Blake, Folk, Jazz, Jorge Roeder, Julian Lage, Kenny Wollesen, Scott Colley, Taylor Eigsti, Tupac Mantilla
Sounding Point (2009)
Con un descubridor como el vibrafonista Gary Burton (reveló en su momento la magia de Pat Metheny y el talento Kurt Rosenwinkel), poco tiene de meritorio anunciar el potencial de este joven guitarrista californiano que desde los cinco años ya llamó la atención de gente como Carlos Santana, Pat Metheny, Kenny Werner, Toots Thielemans, Martin Taylor o David Grisman, que lo incluyeron en sus respectivos proyectos.
Era de esperar, entonces, que su debut discográfico no tardaría en publicarse. “Sounding Point”: con un repertorio complejo, personal y compensado que ejemplifica el dote creativo y técnico del instrumentista con piezas hibridas entre lo clásico y el jazz contemporáneo como “Clarity” o “Familiar Posture”, algún trazo de empirismo modélico como “Constructive Rest” y la inclusión de alguna revisión bien planteada como aquel “Encore: All Blues” de Miles Davis o el “Alameda” de Elliot Smith.
Lo dicho, Julian Lage tiene lenguaje propio, cosas que contar y un talento creativo enorme; aún así y siendo este su primer trabajo, se intuye que en directo el guión de Lage debe transcurrir más fresco que en estudio, más intuitivo, con mayor naturalidad y menos encorsetado por un combo formado por Jorge Roeder (bajo), Tupac Mantilla (percusión, Aristides Rivas (violoncelo) y Ben Roseth (saxo) que están a su altura pero que se contaminan por mimetismo de ese estreñimiento vírico que crea el estudio de grabación.
Como ocurre en estos casos (de los llamados niños prodigio), Lage –antes de editar este primer álbum-, ha pisado los principales escenarios de jazz del mundo, ha trabajado con los mejores y ha recibido excelentes críticas allí por donde las seis cuerdas de su guitarra han sonado.
Reseña de Quim Cabeza para http://www.distritojazz.es/2011/02/julian-lage-sounding-point/
Track Listing – Sounding Point
01. Clarity (5:54)
02. All Purpose Beginning (7:16)
03. Familiar Posture (2:58)
04. The Informant (3:23)
05. Peterborough (0:46)
06. Long Day, Short Night (5:47)
07. Quiet, Through And Through (2:18)
08. Lil’ Darlin’ (5:20)
09. Tour One (4:27)
10. Alamenda (2:19)
11. Constructive Rest (2:39)
12. Motor Minder (5:54)
13. Encore: All Blues (7:14)
14. Hitchcock Prelude (2:09)
Artist List
Julian Lage: guitar; compositions (tracks: 1 to 3, 5, 7, 11, 12)
Béla Fleck: banjo (tracks: 4, 6, 10)
Jorge Roeder: bass (tracks: 1, 2, 7, 8)
Aristides Rivas: cello (tracks: 1, 2)
Chris Thile: mandolin (tracks: 4, 6, 10)
Tupac Mantilla: percussion (tracks: 1, 2, 8, 12)
Taylor Eigsti: piano (tracks: 9, 14)
Ben Roseth: saxophone (tracks: 1, 2, 5, 7, 12)
Gladwell (2011)
Gladwell es el nombre de una ciudad imaginaria cuya vida y lugares son descritos por Lage y su banda a través de las distintas composiciones del disco. Esto nos da la medida de su planteamiento experimental, aunque como en toda música programática, a nadie se le ocurriría nada de ello de no leer las explicaciones del autor. Lo que esta música sí comunica de inmediato es la libertad de que goza la banda, y que empieza en su atípica formación y continúa por la riqueza del diálogo entre instrumentos o su aprovechamiento de las técnicas de estudio. Lo más notable es que este desapego de las convenciones no deja de mostrar una sólida escuela. El propio Lage encarna a la perfección este raro talento al unir su fértil imaginación con su conocimiento de estilos de raíz como el country y el blues, todo ello expresado por supuesto con impecable nitidez y un brillante dominio de la riqueza tímbrica de la guitarra.
Reseña de Leo Sánchez para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1569:julian-lage-group&catid=4:discos&Itemid=7
01. 233 Butler (5:33)
02. Margaret (6:49)
03. Point the Way (2:12)
04. However Blake (6:27)
05. Freight Train (2:10)
06. Cathedral (2:09)
07. Listening Walk (4:28)
08. Cocoon (2:21)
09. Autumn Leaves (3:16)
10. Iowa Taken (9:06)
11. Listen Darkly (1:08)
12. Telegram (4:53)
Artist List
Julian Lage: electric guitar, acoustic guitar
Jorge Roeder: acoustic bass
Aristides Rivas: cello
Tupac Mantilla: drums, percussion
Dan Blake: tenor saxophone, melodica
World’s Fair (2015)
No se dejen engañar por Julian Lage. Parecerá el tipo más dulce del mundo, modesto, pura calma californiana; su música, sencilla, sin esfuerzo, sin verdadero mérito. Nada más lejos. Lo más probable es que para el segundo cuatro (0:04) de este disco el oyente esté enganchado, y eso no se consigue siendo un peso pluma. Lage es, en realidad, una bestia de la guitarra, uno de los músicos más extraordinarios de hoy en día. El hecho de que lleva tocando toda la vida y que le encanta el instrumento le pone en una categoría que trasciende el puro virtuosismo, haciéndolo invisible, como inservibles serían las clasificaciones en estilos o géneros, aunque el «folk post-Internet» que acuña el anotador y también guitarrista Matt Munisteri no va desencaminado: aun con cierto sabor local, a pesar del instrumento acústico y las modas recientes esto no es —menos mal— un disco de «Americana». Con temas como «Peru» y «Japan», se trata más bien de la visión del mundo a través de los ojos de Lage. Su relato es muy evocador, tranquilo sin llegar a lo sombrío, a ratos enérgico y pletórico con momentos de un nivel guitarrístico escandaloso (su paleta tímbrica con la acústica es abrumadora). La única limitación aparente de Lage es su propia imaginación, y de momento parece lejos de agotarse.
Reseña de Fernando Ortiz de Urbina para http://jazzofftherecord.blogspot.com.ar/2015/02/daniel-cano-julian-lage.html
01. 40’s (3:50)
02. Peru (2:54)
03. Japan (4:11)
04. Ryland (3:16)
05. Double Stops (1:50)
06. Gardens (3:56)
07. Century (2:55)
08. Where or When (2:21)
09. Missouri (4:11)
10. Red Prairie Dawn (2:51)
11. Day and Age (2:41)
12. Lullaby (3:00)
Artist List
Julian Lage: guitar
Arclight (2016)
Después de haber grabado el año pasado ‘Room’, junto con el guitarrista de rock Nels Cline, Julian Lage edita su cuarto álbum como líder, ‘Arclight’, y presenta el que es su nuevo trío, formado por dos pesos pesados del jazz actual, como son el contrabajista Scott Colley y el baterista Kelly Wollesen.
Los once temas que componen este disco son una buena muestra de las influencias e intereses del guitarrista californiano, pues hay composiciones de evidente inspiración brasileña (‘Supera’), pasando por el country (‘Ryland’) y acabando por el jazz manouche (‘Persian rug’), y todo ello sin olvidar, obviamente el jazz más moderno (‘Presley’) o el blues (‘Harlem blues’).
Tengo la impresión de que la carrera de Lage no ha debido ser nada fácil. Como es sabido el guitarrista fue considerado un niño prodigio , ya que con ocho años fue el protagonista de la película ‘Jules at Eight’k, a los trece lo pusieron a tocar en la entrega de los premio Grammy y desde los 15 años es miembro del Stanford Jazz Workshop de la prestigiosa Universidad de Stanford . Con este currículo es fácil que se le hubiese ido la cabeza y que, al igual que le ha pasado a decenas de niños, se hubiese perdido en el más absoluto olvido. Pues no. Ha sabido mantener (o se la han mantenido) la cabeza fría y ha llevado una carrera seria y sin prisa (sólo tiene 29 años).
‘Arclight’ es un disco muy correcto, acaso no especialmente emocionante, pero que deja ver que quienes están al frente de él tienen muchas notas y muchos acordes en sus manos y saben cómo hacer para que todo fluya de manera natural.
Reseña de Jaun Ez para http://www.distritojazz.com/discos-jazz/julian-lage-arclight
01. Fortune Teller (3:04)
02. Persian Rug (2:23)
03. Nocturne (3:19)
04. Supera (4:02)
05. Stop Go Start (3:32)
06. Activate (2:09)
07. Presley (4:12)
08. Prospero (3:08)
09. I’ll Be Seeing You (3:31)
10. Harlem Blues (3:28)
11. Ryland (4:02)
Artist List
Julian Lage: guitar
Scott Colley: bass
Kenny Wollesen: drums, percussion
Apunte: ¿Qué decir de Julian Lage que ya no esté dicho en líneas anteriores, si desde pequeñito deslumbra al mundo con su prodigiosa musicalidad? Pertenece a esa raza de humanos nacida de una genética distinta, donde los cromosomas parecen haber sido reemplazados por notas musicales devenidas en sustancia biológica. Son los X-Men de la música. Nuestros mortales oídos les pertenecerán por siempre.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Arthur Vint, Blues, Christian Coleman, Greg Ward, Jazz, Sam Trapchak, Tom Chang
Lollipopocalypse (2010)
El debut del bajista Sam Trapchak, Lollipopocalypse, está inspirado en un personaje que experimenta un muy desagradable caramelo en la novela de Toni Morrison, Song of Solomon. Pero Trapchak y su grupo curiosamente llamado «Put Together Funny», reparte alguna música sabrosa con una realización que es igualmente accesible y estimulante. Repleto de melodías contagiosas, arriesgadas composiciones, y cohesiva variedad, las siete composiciones son entregados por los potentes miembros de la banda de Trapchak.
Trapchak nombra a Dave Holland como una de sus influencias y las semejanzas pueden ser encontradas: un tono de bajo fibroso, técnica robusta, y emotiva forma de tocar. La música abarca un amplio espectro de estilos, como lo evidencian el afro-beat centrado «Different Dance» o el rocker de fortaleza industrial «On The Cusp of Cancer». La señal del primero es como la danza coreográfica de un bailarín senegalés; mientras que en el segundo, los instrumentos se mueven con la sincronicidad de una máquina.
El sensual «Losing You» es evocador de un clásico film noir de los años ’50, saxofón exuberante, susurrantes cepillos de batería, canturreantes elevaciones de guitarra, y las suaves digitaciones de Trapchak – que solo rezuma sexualidad. «Tongue and Groove» y la pista del título muestran los tapones que inspiran respeto por la manera como la banda maneja múltiples intercambios de tempo y abrasadores solos. El alto de Greg Ward es maravilloso, teniendo una expresividad que es evocadora de contemporáneos como Miguel Zenón. La magia del diapasón de Tom Chang abarca un excelente comping (casi un arte perdido con los jóvenes guitarristas) y chops de rock progresivo, mientras que Arthur Vint mantiene las cosas junto con una gran variedad de intrincadas trampas. Pero el pegamento que mantiene todo junto es Trapchak, con un liderazgo que se escucha no sólo en su forma de tocar sino también en la destreza de sus composiciones.
Fuente para la reseña: Mark Turner para https://www.allaboutjazz.com/lollipopocalypse-sam-trapchak-raw-toast-records-review-by-mark-f-turner.php
Track Listing – Lollipopocalypse
1. Different Dance (8:19)
2. On The Cusp of Cancer (5:21)
3. Long Live_Less Say (6:24)
4. Tongue and Groove (4:25)
5. Losing You (6:02)
6. Precious Few (5:02)
7. Lollipopocalypse (6:29)
Artist List
Arthur Vint: drums
Tom Chang: guitar
Greg Ward: saxophon
Sam Trapchak: bass
Land Grab (2015)
El debut de Sam Trapchak como líder, Lollipopocalypse (Raw Toast Records, 2011) puso de relieve un contrabajista con formidables habilidades y pensamiento avanzado interpretando música por una tripulación de excepcionales músicos afines. Land Grab promueve sus hazañas de jazz fuera de lo común
En esta ocasión, la música se adentra en más libres y atrevidos diseños con un montón de espacio para que la banda explore los arreglos de Trapchak. La retorcida guitarra eléctrica de Tom Chang trae aquel borde de jazz/rock, mientras que el alto fluido del saxofonista Greg Ward trae a la mente una vibración M-Base de Steve Coleman. El baterista Christian Coleman es el recién llegado y aún tiene mucha técnica y fuego, mientras Trapchak solidifica los complejos moods y ritmos con su nervioso y aún flexible bajo acústico.
Seis pistas cruzan tanto lo familiar y lo surrealista. Lo familiar entra en juego en «Lumpy’s Blues» cambiando entre una métrica de blues y un duro groove vamp que alardea de guitarras abrasadoras y un solo de bajo atronador antes de que Ward desate una rápida ráfaga de espiritualidad. Esto es seguido por el enigmático «Beautiful Furious» donde la banda ingeniosamente se mueve entre momentos de quietud, tensión, y completo caos como el ficcional Dr Jekyll antes de su inevitable transformación en su alter ego Mr. Hyde. Esta mezcla de ideas es lo que hace agradable Land Grab en varios niveles. Mientras crecía escuchando Motown, Blues y R&B, los recientes estudios de Trapchak de contrapunto de estilo renacentista y modos fuera del mainstream, informan su estilo compositivo. Estas amplias influencias están presentes en la sorprendente apertura de solo de bajo de «Breathing Room» y en el ambiente como Zen reminiscente de algo de la psicodelia de los ’60 o el viaje episódico de la pista del título desde la contemplación tranquila a un rapidísimo groove como del medio-oriente el cual acerca otra agradable realización del intrigante bajista/compositor.
Fuente para la reseña: Mark Turner para https://www.allaboutjazz.com/land-grab-sam-trapchak-self-produced-review-by-mark-f-turner.php
1. Pterofractal (4:51)
2. Lumpy’s Blues (6:21)
3. Beautiful Furious (6:33)
4. Bell Curve (3:50)
5. Breathing Room (9:17)
6. Land Grab (8:15)
Artist List
Sam Trapchak: bass
Greg Ward: alto sax
Tom Chang: guitar
Christian Coleman: drums
Apunte: El bajista/compositor Sam Trapchak nació en Livonia, Michigan, estudió música en la Wayne State University de Detroit y luego en la William Paterson University de New Jersey. Hasta donde se sabe, reside en Queens, Nueva York. Su discografía como líder son estos dos discos Lollipopocalypse y Land Grab, con un cuarteto que solo cambió al baterista para el segundo disco. Lo que a priori podría parecer el clásico cuarteto de jazz (saxo, guitarra, bajo, batería) a poco de rodar, nos damos cuenta que Trapchak tiene otras intenciones. Si bien la tierra en la que mueve la banda entera es la del jazz y el blues, Trapchak tiene el desparpajo de poner en la escritura y arreglos sus influencias del country, heavy metal, música de cámara, afro-beat, libre improvisación, etc, para crear un único sonido propio, aventurero, poco común y, lo más importante, que consigue entretener y atrapar al oyente. Jazz del siglo XXI
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Avishai Cohen, Bill McHenry, Blues, Eric Revis, Jazz, Nasheet Waits, Yonatan Avishai
Into The Silence (2015)
Into The Silence supone el debut como líder de Avishai Cohen, trompetista israelí afincado en Nueva York. El disco llega poco tiempo después de su participación en el último trabajo de Mark Turner, también para la discográfica ECM.
Se trata de un álbum dedicado a su padre, recientemente fallecido, donde el trompetista vierte una colección de composiciones muy emotivas. Influido por el piano de Rachmaninov, que escuchaba sin parar durante las últimas semanas de vida de su padre y después de su fallecimiento, Cohen hace frente con la música a una amplia gama de sentimientos, y mediante la composición que da título al disco nos cuenta cómo es para él el silencio de la ausencia.
Si los últimos trabajos de Cohen con su trio Triveni se enfocaban sobre todo hacia la improvisación con un carácter extrovertido, Into The Silence tiene un enfoque mucho más interior. Para ello, el trompetista cuenta con dos de sus colaboradores habituales: el pianista Yonathan Avishai y el baterista Nasheet Waits, compañero también en Triveni. Junto a ellos, el bajista Eric Revis, un pilar de la Branford Marsalis Quartet durante décadas, y el saxofonista Bill McHenry, colaborador de Paul Motian y Andrew Cyrille, que aporta su sonido sobrio y sutil, y añade una amplia ración de sentimiento en algunos de los temas.
Si en boca de su fundador, Manfred Eicher, ECM nos ofrece los más bellos sonidos después del silencio, Into The Silence es un ejemplo de cómo las melodías surgidas de la sobriedad pueden transmitirnos un caudal de emociones y sentimientos.
Reseña de Carlos Monje para http://www.diariofolk.com/criticadisco/into-the-silence-avishai-cohen/
Apunte: En Into The Silence, Avishai Cohen reflexiona de manera emotiva, sutil y sin sensiblerías sobre los últimos días de vida de su padre. Yonathan Avishai en piano, interpreta de manera brillante el estado de ánimo de los temas y Nasheet Waits desde la batería controla la energía e interactúa con Cohen en una forma digna de destacar. El álbum a pesar de tener una temática que le cae como anillo al dedo al sello ECM, de alguna manera escapa a la standarización del sonido que por ahí suele imponer el sello a otros artistas; quiero decir con esto que aunque se trate de un homenaje al padre fallecido, los temas no suenan solemnes, por el contrario, la serena emoción se funde perfectamente con improvisaciones y exploraciones de los artistas. Into The Silence es de lo mejor publicado por Avishai Cohen y por el sello ECM recientemente. Que no es poco decir.
Track Listing
01. Life And Death (9:19)
02. Dream Like A Child (15:31)
03. Into The Silence (12:13)
04. Quiescence (5:11)
05. Behind The Broken Glass (8:13)
06. Life And Death – Epilogue (2:44)
Grabado en La Buissonne, Pernes-les-Fontaines, Julio 27-29, 2015
Artist List
Avishai Cohen: trumpet
Yonathan Avishai: piano
Eric Revis: bass
Nasheet Waits: drums
Bill McHenry: tenor saxophone
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Andy Roth, Blues, Country, Jazz, Keith Lowe, Rock, Timothy Young, Wayne Horvitz
Forever (2000)
La estatura estimada de Wayne Horvitz en la música moderna como compositor-ejecutante prolífico es innegable. En Forever, Horvitz y compañía proporcionan al oyente una desviación o un intermedio de las versiones anteriores de «Zony Mash» a medida que bajan el tono un poco, mientras persiguen una refinada elegancia en delicadamente melódicas y realmente conmovedoras piezas como «Ben’s Music» y la dulcemente sencilla «Tired». Horvitz y el guitarrista Timothy Young continúan su atractiva mezcla de ricamente establecidos expresiones de acordes y sonoras líneas al unísono en «Prepaid Funeral» tanto que los acordes bien colocados del pianista y la escueta entrega habla por si sola. En esta pieza, los músicos levantan el calor tanto como persiguen la sutil dinámica y grooves de dedos golpeando via las articulaciones de piano de Horvitz estilo parador de carretera de Texas y el animado y aún intencionadamente frágil punteo y aguda fraseología del guitarrista eléctrico Timothy Young. En todas partes, el bajista Keith Lowe y el baterista Andy Roth sientan los sólidos pero a veces sueltos marcos con un notable grado de coherencia que, en última instancia, dejan comprensiva la pintura total. Los músicos representan un retrato o tela colorida o impresionista en la pieza titulada, «Little Man» cuando Horvitz y Young promulgan algo de un lamentable tema a través de lo escasamente implícito pero atractivo de los melódicos coros que ofrecen una luz tenue de esperanza!. Desde el comienzo hasta el final, los músicos alegorizan sentimientos personales y emocionales sin ser hoscos o excesivamente introspectivos; de ahí, la quintaesencia de la fina línea en la imaginaria arena impide que esta maravillosa grabación sea un desastre inducido por la sacarina…
Suponemos que Forever debería gozar de gran éxito mientras se expande la ya sustancial base de fans de Horvitz a un ámbito de mayor notoriedad. Aquí, las características definitorias del grupo presionan hacia adelante como Forever es todo acerca de cultivada y tranquila elegancia que avanza siempre tan suavemente.
Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/american-bandstand-wayne-horvitz-songlines-recordings-review-by-glenn-astarita.php
Nota del Traductor: en la reseña original de Astarita se menciona al álbum con el título de «American Bandstand», con el cual salió originalmente a la venta. El conductor televisivo y productor musical Dick Clark le entabló una acción legal por el título del disco, ya que Clark conducía un popular programa de televisión con el mismo nombre, hecho que obligó a Horvitz a re-editar el disco con el nombre definitivo de Forever.
Apunte: Resulta difícil describir de manera apropiada las obras de un artista tan prolífico como inclasificable como es Wayne Horvitz. Horvitz, como John Zorn por ejemplo, es capaz de pasar de una obra de exquisita belleza sonora a otra absolutamente desconcertante e inaudible para nuestros pobres oídos mortales. En el intrincado derrotero musical de Horvitz a mediados de los 90 formó Zony Mash un grupo eléctrico orientado hacia el funk, a la manera de los Medeski, Martin and Wood. Por supuesto, entre medio de las grabaciones y actuaciones de Zony Mash, Horvitz desenchufó la banda y grabó un puñadito de discos bellísimos, como son Forever (2000), Sweeter Than the Day (2002) y A Walk in the Dark (2008) (estos dos últimos, publicados hace un tiempo atrás por MQC/PV). Forever como las obras unplugged de este cuarteto que le sucedieron, tienen una característica distintiva que es esa especie de collage que las identifica ubicadas tanto en la tradición más tradicional como en una modernidad bien vanguardista. Como con una buen obra pictórica, si nos acercamos vemos los detalles, los colores, las sombras, los brillos…si nos alejamos, disfrutamos la imagen completa, la belleza del todo. Horvitz usa los mismos elementos de siempre (odia que le digan que su música es «eclética»), pero gracias a su enfoque hacia la infinitud de la música, lo suyo suena exquisito y curador. Demos gracias a Horvitz!
Track listing
01. Ben’s Music (4:36)
02. Prepaid Funeral (5:45)
03. Love, Love, Love (4:43)
04. Capricious Midnight (3:18)
05. 9 To 4 (4:44)
06. In The Ballroom (5:19)
07. Forever (5:16)
08. Disingenuous Firefight (5:13)
09. Tired (5:26)
10. Little Man (3:35)
11. American Bandstand (5:08)
Artist List
Keith Lowe: acoustic bass
Wayne Horvitz: piano, compositions
Andy Roth: drums
Timothy Young: guitar
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