Preso ventanilla


Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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Thomas Carbou
noviembre 22, 2015, 6:14 pm
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tapa Other Colors of HekátêOther Colors of Hekàtê (2015)

El guitarrista de Montreal de jazz experimental Thomas Carbou acudió a David Binney y Jim Black para un álbum que pretende una mezcla entre jazz y música del mundo. El trío ofrece aquí sonoridades muy interesantes que siempre ponen tanto la guitarra de ocho cuerdas de Carbou como el saxofón de Binney y las percusiones de Black. Un logro notable en muchos aspectos.  Este álbum es también una consecuencia evidente para la trilogía Hekàtê, publicada en los últimos años.

Si el inicio de “Touareg”, más bien percusivo, deja perplejo sobre la dirección melódica (aunque se entenderá, aún sin querer, una línea vocal nebulosa que recuerda las piezas ambientales de Tool), nos tranquilizamos rápidamente con “Mademoiselle Elle”. La línea de saxofón ofrece una melodía simple y a la vez misteriosa, mientras que la línea de bajo, tan simple, asegura la cohesión. Añadamos a esto voces que siguen la melodía de saxofón en la última porción de la pieza y el retrato es casi completo. Es solamente daño que la batería se ponga a jugar un poco de cualquier cosa al final.

Comprendemos rápidamente que el álbum ofrece una bella sucesión de piezas bastante melódicas, con, muy a menudo, porciones un poco experimentales en el interior. A menudo, estas experimentaciones se hacen en los primeros segundos, para dejar lugar a la “verdadera” música más tarde. Las piezas más notables: “Chercher le vent”, que, a pesar de un principio incierto, casi cae en un rock lento; “Colors”, con un groove contagioso; “Curable”, con un largo desarrollo pero extremadamente eficaz; “Nossé Effa”, una pieza más lenta, más world, que da a entender una melancolía dulce a través de los ritmos más cargados; “Tribal Quest”, con una música previsiblemente muy percusiva y rìtmica.

El final del álbum, “Prince des Carpates”, hasta tiene una introducción, “Carpates (intro)”, poniendo en primer plano la guitarra de Thomas Carbou. Se permite aquí algunas variaciones en la energía, alternando entre pasajes discretos, incluso minimalistas, y otros casi rock con un “riff” de saxofón. Y el solo de guitarra es particularmente sólido, aunque parece perderse en la mezcla en ciertos momentos.  En cualquier caso, funciona y eso termina muy bien un álbum cargado.

Pequeño bemol: ciertas composiciones sin embargo se eternizan durante varios minutos para hacer lugar a un grueso desarrollo, que desgraciadamente, no siempre logra convencer. Además, las porciones más audaces evidentemente no gustarán a todos los oídos y hasta podría, para los oyentes menos tolerantes, estropear la experiencia de una música que sería distinto para personas más perseverantes. Porque a pesar de algunos pasajes más fuertes, el álbum Other Colors of Hekàtê está para un gran público de jazz.

Aunque el álbum sea difícil de sugerir a alguien que no tiene ningún interés en el jazz, corre el riesgo de interesar a los aficionados y aun a neófitos que muestran una apertura para la mezcla de géneros, muy presente aquí, pero en resumidas cuentas bien equilibrada. Noto que algunas escuchas pueden revelarse necesarias para domesticar plenamente el producto, pero que el álbum mismo puede fácilmente apreciarse.

Fuente para la reseña: Olivier Dénommée para https://critiquedesalon.wordpress.com/2015/06/30/thomas-carbou-other-colors-of-hekate/

Apunte: El guitarrista, compositor, arreglador y productor canadiense Thomas Carbou tiene grabados doce discos como líder, tres como co-líder junto al saxofonista Pierre Diaz y uno junto al también saxofonista François d’Amours. Prolífico e inquieto, ha experimentado (y lo sigue haciendo) con toda clase de música: jazz, música tradicional, world music, electrónica, folk, etc, algo que se puede percibir perfectamente en Other Colors of Hekàtê. En los años 2011, 2012 y 2013, Carbou lanzó sucesivamente los interesantes discos que integran la trilogía Hekàtê, compuesta por los discos “Hekàtê”, “Hekàtê II” y “Hekàtê III”, junto a los músicos Erik Hove (saxofón alto) y Jim Doxas (batería y percusión). No conforme con esto, decide lanzar este año Other Colors of Hekàtê, al cual disculpen la impertinencia, yo llamaría “Other Energy of Hekàtê”, porque con dos improvisadores de la talla de Binney y Black, siempre dispuestos a la pelea, toda música se convierte en algo más potente y osado. Los colores de Hekàtê inevitablemente viran al rojo del calor que le insuflan el saxofonista y el baterista. Carbou es buen músico, pero en este caso termina divirtiéndose más con lo que hacen Binney y Black llevando sus composiciones a otro nivel. Sin dudas, recomendable!

 

Track listing

01. Touareg (3:40)
02. Mademoiselle elle (4:20)
03. Chercher le vent (8:22)
04. Colors (6:42)
05. Curable (6:56)
06. Sao Luis / Petra G (2:34)
07. Nosse effa (5:48)
08. Petra S (1:32)
09. Nee en aout (7:24)
10. Tribal Quest (5:51)
11. Carpates (Intro) (1:19)
12. Prince des Carpates (6:34)

Artist List

Thomas Carbou: guitar
David Binney: saxophone
Jim Black: drums

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Fima Ephron

tapa Soul Machine

Soul Machine (2001)

El bajista Fima Ephron es bien conocido por su afiliación con muchos de los músicos que comprenden la fértil y generalmente investigadora escena del Downtown de la ciudad de Nueva York. La participación de Ephron con la excelente banda Lost Tribe, recientes colaboraciones con el héroe de guitarra eléctrica David “Fuze” Fiuczynski, significan sólo algunos de sus esfuerzos, además de disfrutar el status de músico de sesión de primera llamada. Con su estreno, el artista procura el apoyo de sus compañeros de Lost Tribe, el saxofonista David Binney y el guitarrista Adam Rogers. Sin embargo, el ventoso y a veces ardiente trabajo del Fender Rhodes del tecladista Edward Simon, acciona un estilo jazz-rock de los años 70, mientras que el líder y el baterista Jim Black se recuestan en ritmos a menudo fuertes.

Simplemente, Ephron no somete a sumisión a su bajo eléctrico. Él no basa su acercamiento en la ejecución de llamativas 16 notas o escapadas slapping sobre las cuerdas, aunque pueda elevarse a la zona roja cuando se lo requiera. Esencialmente, el bajista posee un tono brillante, realzado por su bombeo de notas y la capacidad de utilizar todos los registros como un vehículo para la armonización o la acentuación. En la obra titulada “Hasidic Folk Song”, Ephron da líneas puntuales encima del pulso que florece de Jim Black y de una refllexiva conducción de David Binney de una melodía folk judía..

Los músicos se entrelazan en backbeats de métrica impar, con un sentido distinto de extensión temática, mientras Rogers y Binney generan mucho entusiasmo vía su crescendos abrasadores e intrincadamente desarrolladas variaciones armónicas. Con “A Desert Storm”, la banda se aventura en una vibración ligeramente irónica-psicodélica-espacial, gracias a los tratamientos basados en EFX de David Torn y un groove ostinato sintetizado, encima de las secciones de ritmo que surgen bajo las corrientes. Así, Soul Machine es todo sobre la coexistencia de la música folklórica judía y el gustoso tipo de interacción con el jazz moderno, mientras el ensamble aumenta su paladar con astutamente arreglados motivos de jazz-fusion. Las composiciones ingeniosamente preparadas de Ephron, paralelamente tambien destacan la marcha y el vigor de un artista que tiene bastante para decir. Recomendado!

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/reviews/r1201_086.htm#.UIQaAWd0ig8

Track Listing – Soul Machine

01. Yemenite (2:21)
02. Hasidic Folk Song (6:22)
03. Pyramid (5:37)
04. Oyfin (2:48)
05. Yashkar (4:19)
06. Moses (6:19)
07. A Desert Storm (6:20)
08. Scroll (1:58)
09. Deadly Play Of Numbers (5:29)
10. Noir (2:25)

Artist List

Fima Ephron: bass
Edward Simon: keys
Jim Black: drums
David Binney: saxophone, clarinet (6)
Adam Rogers: guitar

Special Guests:

David Torn: oud, samples, voice (6)
Buba Gisa Majerowitz: voice on (10)
Mike Ephron: voice (4)
Greg Wall: clarinet (6)

tapa Quiet City

Quiet City (2010)

Resulta extraño no haber podido encontrar una (al menos una!) reseña de este disco, teniendo en cuenta sobre todo la alineación de primer nivel con la que cuenta Quiet City, que bien podría haber llamado la atención, pero, intuyo, pesa más el hecho de ser un disco editado por una discográfica sin llegada a los medios de comunicación. No importa cuan bueno pueda ser un disco, si no viene “apalancado”, es difícil que digamos algo de él, parece decir el negocio de la música. Bueno, este humilde blog del conurbano del mundo, quiere decir algunas cosas respecto a Quiet City. Nueve años después del buen “Soul Machine”, editado en el 2001 por Tzadik Records, Fima Ephron vuelve con Quiet City su, hasta ahora, última producción editada de manera independiente. Ephron ha partícipado de innumerables proyectos (puede verse un detalle de esto en su sitio web http://www.fimaephron.com/bio.html) y resulta gratificante ver que quienes lo acompañaron en su debut, vuelvan a hacerlo tanto tiempo después. Eso es un claro ejemplo de amistad y camaradería que envuelve a este proyecto, y es el clima que sobrevuela a lo largo de los 12 tracks. Clima de trabajo de una sólida banda, y no de acompañantes de un solista. Quiet City de alguna manera continúa lo iniciado en Soul Machine, pero ya liberado del anclaje judeo-folk. Apoyado un poco más en la fusión jazz-rockera de los ’70 impulsada por el Fender Rhodes de Ed Simon, la música puede dar sus giros y por momentos sonar un poco más vanguardista, otras más jazz contemporánea, otras con bases electrónicas, pero bajista al fin, Ephron gusta de melodías donde el ritmo está bien marcado. Las voces solistas fundamentalmente están encabezadas (y cómo no hacerlo así!!) por Binney y Julian Arguelles, siendo convincentes e imaginativos.
Los highlights del disco: la hermosa sensación de libertad que transmite “Kids Logic” con Binney brillante; el tándem conformado por “The Lands End” (lindo arreglo de teclados sobre el bajo de Ephron, con un solo cortito de Rogers en la eléctrica), más “Big Sky” (balada con Rogers en la acústica, lo cual siempre es un placer escuchar, otra vez Simon en el Fender Rhodes y Binney en un plan más sentimental); el dúo al unísono de Binney-Arguelles en “The Vibe”; los grooves pegadizos de “Nigth Sky”, “Shift” y “Tricky”; el buen cierre con la melancólica “Saraj” (tranquilo diálogo entre las distintas voces). En definitiva un muy buen álbum, con buenas composiciones, para un amplio público, dado tanto por su valor melódico como por la inteligencia aplicada en sus arreglos. Espero lo disfruten.

Track Listing – Quiet City

01. Green Light (6:21)
02. Distort (0:30)
03. Matrix (8:11)
04. Kids Logic (4:13)
05. The Lands End (1:39)
06. Big Sky (4:41)
07. The Vibe (4:42)
08. 5Yo (5:21)
09. Night Sky (3:32)
10. Shift (4:25)
11. Tricky (5:27)
12. Saraj (5:02)

Artist List

Fima Ephron: bass
Jim Black: drums
Adam Rogers: guitar
David Binney: alto saxophone
Martin France: drums
Edward Simon: keyboards
Julian Arguelles: tenor saxophone
Emilie Cardinaux: voice on #9

Password en ambos casos: presoventanilla



Carlos Bica & Azul
diciembre 25, 2011, 1:59 pm
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Things About (2011)

El quinto álbum de Carlos Bica & Azul, el contrabajista y compositor del trio junto al colorido guitarrista Frank Möbus y el extraordinario baterista Jim Black, es un brillante nuevo paso de un singular proyecto que comenzó en 1996. Y singular debido a la insólita mezcla de elementos que, una vez más, encontramos en “Things About”: jazz indie, alimentado por la energía y el inquieto pulso de rock, con formatos de canción que vienen del pop y la lírica, melancólica emotividad típica de la música folklórica portuguesa. Esta combinación de ingredientes explica el éxito global de esta fórmula, y la nueva obra nos muestra que el proyecto Azul tiene más para ofrecer 15 años después de su disco debut. En cada edición la banda parece nacer de nuevo, y después de “Believer”, desde 2006, aquí están Bica, Möbus y Black otra vez, con ideas frescas, y un renovado paseo y un más profundo sentimiento poético. ¡¡Bravo!!

Fuente para la reseña: http://www.cleanfeed-records.com/disco2.asp?intID=385

Apunte: Carlos Bica lo hizo de nuevo. Después de haber editado el excelente “Carlos Bica + Materia Prima” el año pasado, vuelve con Azul, este trío con dos tremendos músicos como son Möbus y Black y nos deja este discazo de poéticas canciones. Canciones sin letras ni voces. Möbus (como ya lo he dicho en alguna oportunidad) pone las atmósferas frisellianas, pero sus solos no carecen de emoción como suele ocurrirle a veces, a nuestro bienamado Bill. Black da la energía rocker cuando las canciones viran para ese lado. Hay ecos de los AlasNoAxis en estos temas (se me antoja un AlasNoAxis unplugged…o al menos sin los vientos). Es muy agradable el clima que se generan en estos temas: puede haber un dejo nostalgioso en la guitarra de Möbus, pero a la vez, el juego entre Bica y Black pone el toque de vivacidad necesaria para que los temas no nos dejen una sensación de melancolía. “Things About” es una excelente muestra de como tres virtuosos músicos son capaces de dejar sus egos, y tocar lo justo y necesario, en pos de estos poemas musicales.

Track Listing

01. Say A Wish (5:05)
02. Things About (6:30)
03. Elle M’a Dit (6:30)
04. Horses (5:16)
05. Canção Vazia (4:12)
06. Vale (8:11)
07. Since Felling Is First (3:22)
08. 2011 (6:49)
09. Flow (1:38)
10. Deixa Pra Lá (2:07)
11. Sonho De Uma Manhã De Outuno (6:55)

Artist List

Carlos Bica: bass
Frank Möbus: guitar
Jim Black: drums

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Jim Black / Alas No Axis

tapa-houseplant
Houseplant (2009)

Estilísticamente, Houseplant, del reverenciado baterista progresivo-jazzero Jim Black, puede no significar un abrupto despegue de sus discos anteriores grabados desde el 2000 al 2006 para el sello Winter & Winter. Sin embargo, la huella sustancial de Black en el jazz -aquí, en el jazz-rock-, ofrece un sello de distinción por su modo extravagante y astuto de llenar los blancos desde el kit de su batería. Y, como de costumbre, dispara unas síncopas tempestuosas a lo largo de esta briosa sesión con su viejo grupo musical, Alas No Axis.

El saxofonista tenor Chris Speed cada tanto suaviza las cosas durante estas obras mayormente propulsadas en corcheas rectas, donde las implicancias literales de un jazz rock híbrido subrayan la secuencia de eventos. Las texturas politonales del guitarrista Hilmar Jensson salen a la luz con sus ocasionales voicings en acordes tintineantes y dramáticas progresiones basadas en el rock. El repertorio está salpicado con motivos climáticos, pero las composiciones de Black también están diseñadas con riffs pegadizos y melodías memorables. Y encima la banda ejecuta un groove despedazador via las líneas de acid-rock de Jensson y las excursiones sesgadas de Speed en “Malomice.”

De modo intermitente, los musicos matizan el nivel de intensidad con movimientos y frases introspectivos, presentes por ejemplo en “Elight”. Y entregan cálidos armónicos entre las frases guitarreras de Jensson, en concierto con el pulso deshilachado del baterista durante “Lowers In A Nine Sense”. No obstante, es Black el acelerador, junto con el ataque propulsor y ágil del bajista Skuli Sverrisson.

Una vez más, el líder y sus camaradas fusionan extraordinaria y misteriosamente una vibra alegre con una moderna improvisación de jazz con parámetros de rock incondicional que combinan agradablemente en un paquete prolijamente envuelto.

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=34305Traducción y Apunte: Nico !!!!

Apunte: Jim y su banda los Alas No Ejes nos llevan a otros de sus viajes rockeros. Es verdad que estos tipos son raros, pero es realmente durante los momentos de introspección, cuando bajan un poco de esos trips agitados que invariablemente vienen a morir a alguna orilla porque siempre en algún momento hay que bajar cuando haces música climática como la de los Alas, esos momentos, mamita querida. Brillantes, sublimes es poco. En esos momentos parece que el oído nos engañara, que sí hay sobregrabaciones y escuchas bien y te das cuenta que no, que son siempre cuatro, que ah, sí, por ahí hay más de un caño sonando, que no importa que queda bárbaro. Es muy difícil seguir siendo épico a la Arcade Fire cuando bajaste la intensidad a límites muy sutiles y casi dulces, suaves. Sobre todo porque cuando agitan los Alas también vuelan las pelucas y mueven sonido lindo (incluso aventurándose como siempre un poco en la línea trash noise como en “Malomice” donde las líneas son tan radicales que aún sin torturarte con un ostinato en semifusas la melodía es casi dolorosa). Yo escuchaba el disco y después al recordarlo hubiera jurado que tenían tecladista, pero no.

La verdad es que es increíble la complementariedad que tienen estos cuatro sujetos, porque los arreglos están buenísimos como si hubieran tenido mucho tiempo de preparación. Y ni Speed ni Jensson juegan al héroe, los dos son tipos que aparentan mucha sencillez en su musicalidad: el tenorista que parece un flacucho insulso en las fotos tiene en sus pulmones dos fueyes del tamaño de un AAA cada uno, tira unas melodías laaaaargas con un nivel de dominio del volumen del caño que es impresionante, realmente un sonido muy parejo. Toca también el clarinete y es socio musical de Uri Caine entre otros. Jensson tiene un sound bastante alternativo para ser jazzero, pela bastante el sonido roto y distorsionado, como con un chorus también y mucha cuerda al aire y se las arregla para sacar texturas tecladísticas y lograr grandes momentos con recursos que no suenan complicados técnicamente. En las fotos de prensa se lo ve con una 356 creo, y aparentemente un ampli fender en el piso (no un twin porque tiene el frente negro -un bassman?-) usa bastante sonidos rotos, sobre todo las partes intensas, y también tira esas notas largas, con armónicos controlados cuando bajan a zonas más tranquis. Sverrisson (el otro Alas islandés) tiene un concepto tan elegante de las composiciones, es siempre ubicuo y está en plano y perfectamente a tempo, a contrapunto o atacando derecho cuando hay que galopar. El tipo es director musical de Laurie Anderson y laburó también con Holdsworth, la tiene atada.

Lo de “corcheas rectas” (straight-four) que menciona Astarita (que habla muy en difícil) en su comentario me parece que tiene que ver con que en los ritmos del disco no hay prácticamente shuffle, no hay groove de swing y eso es lo que más hace por acercar esta música al rock, entendido como un gran canasto donde va cayendo todo estilo eléctrico y fuerte que no tenga otro claro casillero donde ubicarse, porque la música de los Alas es inclasificable. Encima es instrumental, que desfachatados. Por momentos me hacen acordar a los Portico, por eso de sonar tan personales y de las melodías largas, aun cuando Speed y Wyllie tengan estilos muy distintos (y de hecho Wyllie toca un montón de soprano).

Grandes momentos del disco a mi modisssssto entender: “Houseplant” (“Planta de interior”) con sus crescendos y su vuelta a empezar y su ritmito de viola constante y sincopado, sobre el que realmente vuela Black y se van los muchachos cada vez más arriba. Los tres del final la rompen: “Adbear”, y su final que se va derrumbando lentamente sobre un caldo roto y reverberante, “Lowers…” comentado en la reseña y “Downstrum”, lo más parecido a una balada tradicional de los Alas con una hermosa y optimista melodía que permite finalizar el disco en un atardecer encendido. Todo el disco es muy parejo y dentro de lo que es más noise predomina la amabilidad, sin perjuicio de que cada tanto se disparan en un ostinato que solo ellos entenderán plenamente, pero que no dura mucho, sino que es un vehículo para llevarnos a la tranquilidad misteriosa de una incomodidad conocida y amable. “Little” es un clima impresionante, realmente hipnótico y profundo. “Elight”, con su arpegio misterioso de violas (que según Black le causó una lesión y exigió a Jensson en la grabación). “Cahme”, un trotecito con una melodía circular y muy climático, compuesta según Black en su Fender Jaguar barítona (que nivel !), una de las primeras que salieron para este nuevo disco. “Naluch” también está muy buena.

En la nota de prensa de Winter&Winter por el disco que hay colgada en la web, dice Black: “La Belleza en todas sus formas” es una línea de un tema de Laurie Anderson. Durante una lectura que ella dirigió, describió la investigación de la idea de la belleza, y de preguntarse que significa la belleza para ella misma. Inspirado por ello, me hice la misma pregunta, sobre la música que estaba escribiendo para esta grabación, y si esa música estaba a la altura de lo que yo pensaba que mi idea de belleza podía ser, algo que funcionó bien para focalizar mis pensamientos cuando las cosas empezaban a arrancar en todas las direcciones.

No una forma de belleza tradicional, sentimental, o sacarinosa… sino el tipo que evoca misterio, familiar pero al mismo tiempo relativamente desconocido, y, aún más, algo que es invitador y que te desafía de un modo atractivo…. en el curso de todo esa cavilación me di cuenta que estaba buscando un sonido con el que pudiera empujar los límites de una idea justo hasta el punto de quiebre, donde se transformaría en otra cosa si la llevaras demasiado lejos. En nuestros otros CD’s nunca dudamos en destruir las fronteras si era necesario, de modo que yo estaba ansiando una aproximación distinta. Buscando distintos tipos de densidad, más armónica aunque no atonal per se. Ritmos más transparentes, que así permitan focalizar más en la armonía y la melodía. Sonidos largos, cosas que referencien al llanto, la llamada, el grito catártico”.

En fin, muy recomendable. Aire fresco, por momentos denso y aparentemente irrespirable, pero la mayor parte del tiempo amplio y agradablemente raro.

Si alguno necesita más info de los Alas, hay en la página web de Jim Black material de prensa en la pestaña que dice “EPK_and_PROMO” (http://www.jimblack.com/JIMBLACK/EPK_and_PROMO.html)

Track Listing

01. Inkionos (4:49)
02. Cahme (4:38)
03. Houseplant (7:13)
04. Fyr (1:10)
05. Malomice (7:12)
06. Little (4:34)
07. Elight (5:57)
08. Naluch (5:10)
09. Cadmium Waits (3:28)
10. Adbear (7:27)
11. Lowers In a Nine Sense (5:07)
12. Downstrum (3:45)

Artist List

Chris Speed: saxo tenor
Hilmar Jensson: guitarras
Skúli Sverrisson: bajos
Jim Black: batería

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Tyft

Smell The Difference (2009)

Smell The Difference es el tercer álbum del power trío Tyft, del guitarrista islandés Hilmar Jensson, que destaca a miembros de muchos años Andrew D’Angelo (saxofón alto y clarinete bajo) y Jim Black (batería). Desde finales de años noventa, Jensson ha explorado el fértil territorio entre la música popular y la improvisación de jazz, tanto con sus propios conjuntos como Jim Black AlasNoAxis. Donde Black dibuja la inspiración del melódico rock indie, Jensson cava más profundo, en la testosterona del heavy metal.

Aumentado con músicos de cuerno, Chris Speed (saxofón de tenor y clarinete) y Peter Evans (trompeta), le da al ya impresionante trío, una paleta más vistosa para trabajar. Jensson sigue sembrando sus composiciones con melodías angulares, compases insólitos y grooves que pulverizan, usando las voces adicionales para el impacto orquestal.

Demostrando un conocimiento enciclopédico de las tendencias de la música underground, Jensson adopta aspectos del nu metal (“Smell The Goodness”), del punk-funk (“Froth”), el trash metal (“Pittles”) y el power metalo (“Flimbergeist”) en todas las partes de este visceral set. Aumentado con armonías avanzadas, poliritmos intrincados, cambiando ritmos y adornado contrapunto, Jensson y compañía agregan sorprendentes nuevas arrugas a estos formales géneros, manteniendo una sensibilidad cohesiva.

Como fundador del grupo, Black adorna ritmos conductores con acentos flexibles e ingeniosos mientras Jensson equilibra musculares riffs. Demostrando su acercamiento fluido hacia la forma, ellos despacio deconstruyen una figura rítmica metálica que castiga en “Pittles”.

La agradable interacción de los socios fundadores del cuarteto Human Feel (con Jim Black), D’Angelo y Speed, se debe a los años de historia compartida. Su indirecto diálogo en “Klondike” es emblemático, deleitándose en la abstracción apasionada, sin trabas. La cadencia de clarinete de contrapunto en el corazón del funky “Kryppa”, revela su relación apretada, mientras el dulce tema de cierre “Klinglet” muestra la restricción lírica.

El principiante de esta escena, la futura estrella Evans, se sostiene en la compañía veterana, manejando disonancias que centellean en “Froth”, que es impresionante en su gama tonal. Su solo en “Clifton” es una obra maestra de variaciones oblicuas, proporcionando un puente conceptual entre la linealidad fervorosa de Speed y la cáustica fusión (skronk) de D’Angelo. “Flimbergeist” destaca los tres bronces en un sustancial intercambio colectivo sobre el ascendente drama de Jensson y Black.

Sostenido por las entusiastas contribuciones de los invitados, Smell The Difference es una marcada salida desde el excelente Meg Nem Sa (Skirl, 2006). Abrazando afiladas facetas de lo underground para la inspiración, Tyft avanza, quemando nuevos caminos para el jazz y la música improvisada en el nuevo milenio.

Fuente para la reseña: Troy Collins para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=33089 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Apunte: a mi hija más chica, Camila, la llevo y la traigo de la escuela todos los días. Habitualmente, lo hacemos escuchando música, de la MQC, y ella escucha imperturbable. Lo hago convencido, pensando en que de esa manera, combato el bombardeo incesante al que están sometidos los niños, púberes y adolescentes por parte de los Jonas Brothers y otras exquisiteces por el estilo. A veces me pregunta algo, y, con mis escasos conocimientos de música, apenas puedo mencionarle quienes son los músicos, su nacionalidad, el estilo, los instrumentos que se escuchan, y no mucho más. Ayer, partimos para la escuela con Sublime y Jun Miyake, y a la vuelta, lo mismo; cuando la voy a dejar (yo seguía viaje) me dice: “¡¡¡¡papá!!! qué es eso???!!! por favor, cambiá ese disco!!!!” Me reí mucho realmente, discutimos sobre que la cantante cantaba en francés y los estilos abordados eran varios, y bla, bla; antes de cerrar el auto me volvió a manifestar: “Cambiá ese disco…”. Me quedé pensando que la había alterado tanto (porque se ha bancado cada disco…) y para colmo, esta mañana un comment de Gabriel entró en sintonía con Camila; bueno, todo este minidiario de intimidades, que a ustedes seguramente poco les interesa, es un prolegómeno para anunciarle a mi hija que va a tener que soportar a Tyft un par de días en el auto, hasta que me pida volver a Sublime y Jun Miyake!!! Porque Tyft es una tremenda banda de jazz-metal (?) o metal-jazz (?) que se encarga de atravezar géneros como si fuera un misil contra un delgado muro. Jensson, Speed y Black son los mismos de AlasNoAxis, pero aquí están en el plan metalúrgico de Jensson; por momentos, y como bien apuntaba nuestro amigo Pincha en uno de los posteos de AlasNoAxis, aparece el fantasma del último King Crimson, esa veta prog-rock-industrial con que deformaban nuestros cerebros; Tyft podría ser una especie de King Crimson del jazz de vanguardia. El poder, el metal, la marcha industrial, está a cargo de Jensson y la bestia Black. En ese caldero de hierro en estado líquido, las melodías que los vientos de Speed, D’Angelo y Evans van tejiendo, les aseguro, quedan perfectas. Es un disco difícil, no lo niego, pero me gusta. Y mucho. Y con el volumen alto. Atenta, Camila, redoblé la apuesta…

Track Listing

1. Smell the Goodness (5:40)
2. Froth (7:15)
3. Pittles (4:59)
4. Kryppa (5:44)
5. Klondike (5:41)
6. Flimbergeist (6:04)
7. Clifton (6:22)
8. Klinglet (3:41)

Artist List

Hilmar Jensson: guitars
Andrew D’Angelo: alto saxophone, bass clarinet
Jim Black: drums
Chris Speed: tenor saxophone, clarinet
Peter Evans: trumpet
Joel Hamilton: electronics (4).

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Jim Black / AlasNoAxis

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Splay (2002)

Mientras ellos son blanco de la broma de muchos músicos, es un hecho que muchas de las mejores bandas de jazz han sido conducidas por bateristas. Como ejemplo, jazzistas eléctricos como Tony Williams, Jack deJohnette, Ronald Shannon Jackson y Bobby Previte han surgido todos como compositores con voces distintivas e individuales.

Jim Black no trata de romper aquel molde con el segundo álbum de su grupo Alasnoaxis. La pendiente es una más confiable, menos enfocada bestia que su precursora y hace una buena defensa para la continuación de la existencia de la fusión. No es el trabajo technoflash de 70.000 notas por minuto que usted podría asociar con aquella bendita unión del antiguo jazz con el rock and roll, pero si un ejercicio curioso, atractivo en género enturbiado, que mezcla un afilado, punkish rock con ráfagas de improvisada abstracción.

El triste clarinete de Chris Speed o el saxofón tenor son la voz principal, desenvuelve caramelos, melodías lastimeras entonadas mucho tiempo sobre el emergente pulso de los tambores de Black y la potencia gutural de las cuerdas de Hilmar Jennson, como en la apertura “Aloe Evra” o la brillante armonía de “Cheepa vs, Cheep”. La mayor parte de los temas son toda melodía, sin solos. En cambio, sutiles cambios rítmicos o remolinos de electrónica granulada y el ruido de guitarra, mantiene el interés sobre ellos. La excepción es el agravado, episódico “Myndir Now”; donde el tenor de Speed estalla en funestas, nerviosas explosiones sobre el burbujeante groove de free jazz de Black.

Como con el primer álbum, Black demuestra su facilidad para la escritura de baladas también; “You Were Out” despliega una melodía magnífica, magullada sobre los plañideros acordes de Jensson, mientras el igualmente hermoso “Ant Work Song” es suavemente subvertido charlando con la electrónica, hasta que estalla como una fruta madura. Mientras en “Awkwarder” los dispositivos composicionales del baterista parecen un poco estirados a más de 6 minutos, los 12 minutos del tema de cierre “Blissed” irónicamente va a ninguna parte, pero con mucho mayor efecto. Una serie simple de figuras rítmicas de guitarra giran (pero nunca se resuelven) sobre los tambores motorik*, eventualmente unido al distante clarinete de Speed; no pasa nada, pero no pasa maravillosamente. Fusión para la gente a la que no le gusta la fusión. Recomendado.

*(N del T) El ritmo motorik es de 4 / 4 y de ritmo moderado. El patrón se repite cada compás durante toda la canción. Un golpe de platillo es común en el compás de inicio de un verso o del coro.

Fuente para la reseña: Peter Marsh para http://www.bbc.co.uk/music/reviews/bcgb – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track listing

01. Aloe Evra (6:44)
02. iCratic (6:17)
03. Cheepa Vs. Cheep (5:10)
04. You Were Out (2:35)
05. War Again Error (1:39)
06. Ble (6:33)
07. Myndir Now (8:13)
08. Ant Work Song (6:58)
09. Awkwarder (6:17)
10. Blissed (Selfchatter Mix) (12:04)

Artist List

Jim Black: drums
Chris Speed: tenor saxophone, clarinet, keyboards
Hilmar Jensson: electric guitar
Skuli Sverrisson: bass

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Jim Black AlasNoAxis

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Dogs Of Great Indifference (2006)

El rock y el jazz son socios díscolos. Las certezas y simplicidades de las que no siempre se acomodan a las impredecibles trayectorias y las invenciones del otro. Las contraposiciones pueden atraer, pero ellas también pueden rechazar. Miles Davis llevó a cabo el matrimonio, al menos con sus tempranas bandas eléctricas, y el joven colega trompetista Ian Car en la misma época creó algo satisfactorio en el Reino Unido. Pero el camino desde entonces ha sido sembrado por el compromiso y el fracaso -insípido rock ‘n’ roll y tímido jazz.

El mejor jazz / rock tiende a ocurrir cuando las materias primas, la definición de las características de ambas músicas se inclinan, sin mediación, en el mismo humeante caldero y abandonan la lucha. Un paso adelante Charlie Hunter, Nils Petter Molvaer y Jim Black. Dogs Of Great Indifference, el cuarto disco del baterista de Seattle, establecido en Brooklyn con su cuarteto AlasNoAxis, es casi perfecto. Pesado en sus golpes de fondo, y filosas y ardientes figuras rítmicas de guitarra, está también lleno de asombrosa improvisación colectiva y aventura.

El álbum es encabezado y finalizado por dos relativamente relajadas melodías, con un groove de bajos decibeles, “Oddfelt” y “I Am Seven” cada uno de aproximadamente siete minutos. En su corazón, sin embargo, hay otros seis temas de similar longitud, que progresivamente ponen por encima la urgencia y los extremos -del relajado backbeat de la pista del título a través de la amenazante, metal-fusionante fuerza de “Harmstrong” y “Desemrascar”, que se transforman dentro y fuera de puro ruido. Estas pistas son evocadoras de Velvet Underground alrededor de “Sister Ray” o Glenn Branca en su faceta más no domesticada.

El saxofonista tenor Chris Speed añade otra dimensión clave. Como Black, el guitarrista Hilmar Jensson y el bajista Skuli Sverrisson, Speed está en el micrófono la mayor parte de tiempo (hay muy poco solo convencional en el álbum), y sus improvisaciones son incomprometidas, desviadas creaciones de jazz -típicas sucesiones de creaciones de mucho tiempo sostenido, melódicamente elípticas, tonos de registro medios y superiores, que de vez en cuando se astillan en cascadas de tiro rápido post-Ayler. En la mayor parte del pastel, como sobre “Oddfelt”, Speed puede sonar a un Charles Lloyd moderno, pero la mayor parte del tiempo él toma un más abstracto y sutilmente disonante camino. Puede parecer imposible, pero su acercamiento lateral perfectamente complementa el asalto frontal de sus colegas.

La música en fue creada en vivo en el estudio. Black trayendo lo básico de las melodías y la banda creando colectivamente el ampliable esqueleto de los arreglos. Una vez arregladas, las melodías fueron grabadas con un mínimo de ensayo, dando la sensación de una grabación en vivo. No hay sobregrabado ni adornos electrónicos postproducidos. AlasNoAxis ha grabado sin cambios de personal desde 2000, y raras veces las ventajas de una formación estable son tan abundantemente claras: la banda avanza por el nuevo camino con un mapa de confianza y abandono. Materia brillante.

Fuente para la reseña: Chris May para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=22438 – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Pos-apunte: como uds pueden apreciar, los comentarios no abundan, pero hay amigos de fierro que sostienen con sus oidos y sus palabras el juego que proponemos; hoy, miércoles 06/10/10, unos días después de haber posteado esta obra de Jim Black, editamos el post para agregar a manera de apunte un jugoso comentario que nos hizo uno de estos amigos de fierro del cual hablábamos; esto nos decía el Pincha:

Como quién sale a procurarse el cotidiano sustento en la feria de acá a vuelta, elijo la música de cada día dándole gas a los más heterogéneos criterios de inclusión, algunos francamente inconfesables.

En forma muy inusual leo la reseña antes de darle trabajo a don Mega, y no es porque desconfíe de la palabra de nuestra Bestia doméstica. Sería incapaz de ese desatino. Este disco Jim Black no fue la excepción.

Me pregunto qué decir ahora de “Dogs Of Great Indifference” una vez leído en la reseña que el disco “es casi perfecto”. Es una opinión indudablemente fuerte. En primer lugar, diría que no tengo reparos en acompañarla si coincidimos en que estamos frente a una obra que nos interpela reclamando ser escuchada –como se decía ayer nomás- conceptualmente. Y como seguí leyendo con bastante atención no puedo menos que aplaudir la finísima lectura que hace del “juego que juegan” estos cuatro excelentes músicos (sí, son cuatro, los conté).

Pero me lo pregunto también que más decir sobre todo después de haber escuchado este discazo, (porque ese es el chiste, no?). Diría que evoca aires crimsonianos aquí y en Brooklyn, junto a otros murmullos cuidadamente disonantes en una síntesis de fragilidad y la fiereza, y que me maravilla saber que no se han escudado en posproducciones ni playbacks: viene así de jugoso el enriedo.

Track Listing

01. Oddfelt (7:56)
02. Dogs Of Great Indifference (6:52)
03. Tars And Vanish (8:01)
04. Spins So Free (2:22)
05. Star Rubbed (3:52)
06. Harmstrong (5:23)
07. Everybody Says The Same (7:37)
08. You Know Just Because (5:14)
09. Desemrascar (9:42)
10. Harmsoft (1:37)
11. I Am Seven (6:51)

Artist List

Chris Speed: tenor saxophone
Hilmar Jensson: guitars
Skúli Sverrisson: basses
Jim Black: drums

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Pachora

Unn (1999)

Sobre el grupo

Pachora es un grupo que se formó a finales de los años 90, y mezcla influencias musicales del Medio Oriente y del oriente europeo en la música melódica y multirítmica instrumental. La banda consiste en un grupo de simpáticos y excelentes músicos, y de buen gusto: el percusionista Jim Black, el clarinetista Chris Speed, el guitarrista Brad Shepik (quien también toca el saz), y el bajista Skúli Sverrisson. Pachora toca originales híbridos y nuevos arreglos sobre canciones tradicionales. Además de tocar en Pachora, los músicos son también miembros de muchos otros grupos -con más frecuencia jazz- incluyendo el Tiny Bell Trio de Dave Douglas, Bloodcount de Tim Berne, y más. Pachora hizo un tour después de la presentación de su primer álbum en 1997, autotitulado en el sello Knitting Factory de Nueva York. En 1999 y a principio de 2000 traerían sus siguientes dos álbumes “Unn” y “Ast”, en el mismo sello. –Joslyn Layne, All Music Guide

Sobre el disco

Knitting Factory siempre fue conocida como el epicentro de la escena del jazz de vanguardia de la ciudad de Nueva York. Pero la ciudad también es conocida por tener un diverso paisaje étnico, y los ritmos de música no occidental es tan común en el aire allí, como las palomas. Mezclando estos dos estilos juntos, Pachora es una banda de músicos multitalentosos no limitados a los instrumentos de una banda de instituto. Además del clarinete, el bajo, y la batería, la lista del equipo de este grupo también incluye tamboura, banjar, tres, y otros instrumentos que usted no reconocería incluso si estuviera siendo golpeado hasta la muerte con ellos. No es ese acercamiento el que se presenta aquí. En su lugar, Pachora mezcla con cuidado ritmos del Medio Oriente y percusión con el clarinete jazzero, lo que podría sonar como un conflicto a punto de ocurrir, salvo que una vibración por lo general gana. Cuando el clarinete no se sube a un acrobático tono del medio oriente se hace más tenue, leudando todo el estado de ánimo. –Paul Semel para www.amazon.com

Traducciones: La Bestia Políglota !!!

Apunte: si observan la lista de artistas podrán percatarse de que salvo Brad Schepik, los otros músicos son miembros de los grupos Jim Black / AlasNoAxis y Tyft (en menor medida); ahora bien: si escucharon esos discos y ahora escuchan este, también podrán percatarse de que los tipos, además de ser talentosos músicos, no tienen ningún tipo de prejuicios respecto al amplísimo espectro musical que es de sus intereses. Los invito a que dejen de mirar programas de tv con la insoportable previa del Mundial, se calcen los auriculares, y se dejen llevar por las ondulantes cadencias de estas melodías…

Track listing

01. Unn (3:38)
02. Pitta (4:42)
03. Dratch (3:20)
04. Invocation (7:00)
05. Kaponata (4:13)
06. Riff (6:51)
07. My Life Is A Nostalgia (5:36)
08. Trakitarsna (8:13)
09. Laz (2:19)
10. Idorno (5:05)
11. Prevezaniko Syrto (6:07)
12. UAE (6:21)
13. Didou (0:59)

Artist list

Chris Speed: clarinet
Brad Shepik: tambura, electric saz, banjar, and tres
Skúli Sverrisson: bass and bajo sexto
Jim Black: drums, percussion

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Tyft
junio 10, 2010, 2:45 am
Filed under: Hilmar Jensson, Jim Black | Etiquetas: , , , ,

Meg Nem Sa (2006)

Uno sólo puede imaginarse qué ha hecho Hilmar Jensson por la escena del jazz de Islandia cuando, en nuestra muy propia Park Slope, su trío Tyft ha creado una mélange de free jazz, rock y ruido. Meg Nem Sa es un segundo e impresionante esfuerzo de Jensson (guitarras, electrónica), Andrew D’Angelo (saxofón alto, clarinete bajo) y Jim Black (percusión, electrónica).

En todas partes del disco, los instrumentos de lengüeta de D’Angelo tienen un swing dulce con las figuras rítmicas de guitarra, zurciendo la tapicería de las lánguidas composiciones en clave menor de Jensson. El ritmo pulsante de Black y su mano estable completan el indócil conjunto. El timbre deformado de Jensson mueve la música hacia el heavy metal, pero los paseos de voz autoritarios de D’Angelo a lo largo del reflujo y el flujo, anclan las composiciones entre el rock punk y el free jazz.

La primera mitad, principalmente, está influida por el rock. “International Four” tiene algún espacio para la improvisación, pero fundamentalmente, esto es una enérgica canción rock. La angular composición comienza con un asmático saxofón y una sintonía de guitarra serena, mientras un tambor que se evapora golpea conductas. De repente, el saxofón salta en el motor, que explota en el aire. Black repica en un solo de batería que parece espontáneo, aún siendo deliberado -como un truco de patinaje sobre ruedas intenso lleno de complicado saltos y rulos. Entonces, D’Angelo y Jensson saltan atrás en un vals menor. La progresión desde el free jazz al libreto del rock es inmediatamente deliberado e inesperado.

En el otro final del espectro, las pocas últimas canciones cavan más en la experimentación ruidosa. “Bloq” sirve como un preludio en este nuevo desarrollo: siniestros susurros rebotan a través de cilindros huecos, mientras la canción discretamente desliza en un nuevo tema, “Sezt Nidur”. Aquí, la voz del clarinete de D’Angelo tamiza a través de las reverberaciones solitarias. Las líneas tórpidas de Jensson, están solamente más allá de su alcance, pero hacia el final de la canción, el clarinete se pierde en la desapacible confusión.

Jensson, quien compuso la mayor parte de las canciones en el disco, logra a la perfección tejer batería, saxofón y partes de clarinete en su tapicería, que comienza con la audacia y la belicosidad de una cinta de heavy metal, pero tarde o temprano avanza a un territorio más introspectivo.

Fuente para la reseña: Ivana Ng para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Apunte: esto se trata de como tres músicos condensan horas y horas de haber escuchado en su juventud rock, rock progresivo, grunge, heavy metal, jazz, fusión, free jazz, etc, etc; todo esto sazonado con una fiereza punk, y a eso sumarle, horas y horas de darle sin parar a sus instrumentos…

Track listing

01. Led Tyftelin (5:13)
02. Shooshabuster (2:51)
03. International Four (5:26)
04. Ain’t No Waltz (3:41)
05. Tumble Bugs (4:13)
06. Meg Nem Sa (2:46)
07. Okkar (1:50)
08. Ouch (3:24)
09. Flutter (2:29)
10. Hilsner (3:28)
11. Bloq (1:27)
12. Sezt Nidur (5:16)
13. Amena (2:03)

Artist List

Hilmar Jensson: guitars, electronics
Andrew D’Angelo: alto saxophone, bass clarinet
Jim Black: drums, electronics

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