Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Blues, Classical, Frederic Borey, Jazz, Karl Jannuska, Leonardo Montana, Michael Felberbaum, Pierre De Bethmann, Rock, Simon Tailleu
Lego (2015)
Lego, lanzado a finales de 2015, es el segundo álbum del cuarteto de Michael Felberbaum . El primero, «Sweet Salt» , fue lanzado en 2006, con el mismo sello; los músicos eran los mismos a excepción de Daryl Hall que sostenía el contrabajo. Lego fue bien recibido por nuestros colegas que escribieron en gran número sobre él. Es interesante notar que este álbum a menudo se describe como abstracto, incluso «cubista». En cuanto al líder y compositor, Michael Felberbaum, quien también es guitarrista, es, según las plumas, a su vez un emulador de Jim Hall, John Scofield, Larry Corryell, Pat Metheny y algunos otros.
Hay algo de verdad en todo esto, por supuesto, pero por nuestra parte es otro aspecto de esta música que creemos que debe destacarse: la profusión melódica. Ya habíamos notado este aspecto de las composiciones de Michael Felberbaum en «Sweet Salt»: la canción “Phosphor-Essence” en particular, con su melodía embriagadora y su ritmo astuto, había trotado durante mucho tiempo en nuestras cabezas. Michael Felberbaum es sin duda un guitarrista brillante, pero también es una pluma excelente con un don para la melodía que no es tan común en el jazz contemporáneo. Quien vuelva a escuchar Lego corre el riesgo de meterse en la cabeza melodías que se le pegarán a la memoria como el yeso en los dedos del Capitán Haddock en L’Affaire Tournesol! Y el contagioso tema «Flow» no es el único que tiene este efecto. Las primeras notas de canto de «Horse» y especialmente las acrobacias y grandes variaciones bossa-novescas de «Now» te dejan luchando durante unos días con resistentes huellas melódicas.
Las composiciones del líder no solo destacan por sus melodías: también están construidas de manera brillante, lo cual es obvio al titular un álbum Lego. En la pista que da título, notamos la forma en que el bajo por un lado, la guitarra y el Fender Rhodes por otro, intercambian temas, convirtiéndose tal línea de bajo en un tema desarrollado por piano y guitarra, tal tema de solistas. siendo recogido subrepticiamente por el bajo. Y a todo esto, te preguntarás, ¿está bien hecho? La respuesta es obvia: ya no se presenta a Pierre de Bethmann, aquí un poco al piano y mucho al Fender Rhodes, cuyo sonido va bien con las composiciones. Sus solos son evidentemente magistrales, pero apreciamos los toques de color que deposita aquí y allá gracias a su gran dominio de este instrumento y los efectos que le aporta. El bajo de Simon Tailleu es sólido y melódico también, como lo demuestra su fuerte solo de bajo al comienzo de «Nostalgia». El baterista Karl Jannuska también es muy conocido y hay que destacar que su propia música como líder, se acerca más al pop y el rock que al jazz, y utiliza mucho la voz. Así que es todo este cuarteto el que canta y nos encanta con un sonido grupal muy interesante. En cuanto a los arreglos, merecen una escucha atenta que, por ejemplo, revelará un doblaje discreto de la guitarra en el segundo estribillo de «Flow» o toques discretos de órgano en «Mint» y «Variations».
Entonces, por supuesto, diremos que la melodía se siente bien, pero que puede llevar un disco hacia la belleza, darle un lado limpio y emoliente; nada de eso, aquí, este cuarteto desbordante de una energía jovial y, si canta en Lego, también baila y no se olvida de groovear. Por supuesto, no se encontrará aquí ni territorios inexplorados, ni riesgos insensatos, ni se sentirá allí el azufre o el viento de la revuelta. Pero, ¿por qué no disfrutar de su placer y prestarse a las alegrías primaverales con este unido grupo de excelentes músicos que tocan las composiciones variadas, melódicas y sofisticadas de un guitarrista-compositor que quizás no tiene aún el reconocimiento que merece?
Fuente para la reseña: Laurent Poiget para https://www.citizenjazz.com/Michael-Felberbaum-Quartet.html
01. Flow (9:54)
02. Variations (5:40)
03. Horse (7:18)
04. A (6:42)
05. Nostalgia (6:18)
06. Now (6:39)
07. Mint (8:17)
08. A Little Bigger (4:44)
09. Lego (8:39)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Pierre De Bethmann: piano, Fender Rhodes
Simon Tailleu: bass
Karl Jannuska: drums
3 Elements (2019)
He aquí un disco que merece toda su atención porque ofrece un universo musical imbuido de una originalidad particular. Sin ritmo, los tres músicos demuestran que la pulsación existe a pesar de todo. Lo hacen a través de composiciones del guitarrista y retomando temas que van desde la música barroca hasta el sucio Soundgarden. Íntimo y onírico en muchos sentidos, este disco ofrece múltiples caminos musicales dentro de los cuales cada uno de los tres músicos expresa su sensibilidad. El arte del trío, lo sabemos desde Bill Evans, lleva la interacción en su ADN. Michael Felberbaum y sus cómplices de toda la vida lo confirman con una delicadeza constante. De enfoque complejo, su música no es menos clara. Fluye de la fuente, como se dice, porque la inteligencia de las formas es aquí una evidencia que es tanto de lo pictórico como de un tejido melódico de rica trama. El oyente es paseado por meandros donde se mezclan armonías sutiles que iluminan el discurso de manera contrastada. Es en todas las circunstancias elegante y refinado sin ser nunca grandilocuente. Es un disco de creadores con gusto seguro que no nos cansamos de escuchar ya que sus diferentes facetas son tan atractivas.
Yves Dorizon para https://www.culturejazz.fr/spip.php?article3422#06
01. Italian Waltz (Michael Felberbaum) (3:43)
02. 3 Elements (Michael Felberbaum) (7:37)
03. Black Hole Sun (Chris Cornell) (5:00)
04. Ava (Michael Felberbaum) (6:43)
05. Gilmore (Michael Felberbaum) (3:16)
06. Mercedes Benz (Joplin-McClure-Neuwirth) (6:17)
07. Lazy Man Blues (Michael Felberbaum) (5:01)
08. Segui, Segui Dolente Core (Andrea Falconieri) (3:06)
09. Mode (Michael Felberbaum) (4:03)
10. Shade (Frederic Borey) (4:17)
11. Mobil (Michael Felberbaum) (3:49)
12. The Stage of Things (Michael Felberbaum) (5:19)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Frederic Borey: soprano saxophone, tenor saxophone
Leonardo Montana: piano, Fender Rhodes
Apunte: Esto se trata de dos proyectos bien distintos, pero que tienen en común la solidez de la escritura del guitarrista italoamericano (y parisino por adopción) Michael Felberbaum, y su buen gusto, claro está. En Lego, aventura en cuarteto que sigue a su primer disco «Sweet Salt» para el sello Fresh Sound New Talent, Felberbaum refrenda lo hábil que es en la elaboración de sus composiciones, desarrollándolas de manera atractiva, infundiendo cautivantes matices de groove, bossa nova, blues, rock e incluso algunos tintes españoles. Prescindiendo del bajo y la batería, 3 Elements ve la luz en 2019 también editado por intermedio de Fresh Sound New Talent. Si ciertos elementos no están presentes, esta formación musical requiere confianza, complicidad y comprensión entre los músicos. El recorrido nos lleva gratamente de la música clásica o barroca, al blues, o al post-bop o bien, a sorprendentes arreglos sobre temas folk-rock y grunge. Brilla la coherencia lograda del material en su conjunto. Como decimos en muchas ocasiones, no revoluciona la música, pero cada escucha nos descubre detalles y nos deja buenas sensaciones en el alma.
Password en ambos casos: presoventanilla
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Solo (Gravado no Teatro Micaelense) (2019)
El impacto de Bernardo Sassetti en la escena del jazz portugués, y en la música portuguesa en general, es inconmensurable. Pianista y compositor, Sassetti contribuyó decisivamente a definir el canon de la música portuguesa contemporánea, particularmente con sus discos publicados en la primera década del siglo XXI. El pianista comenzó su discografía en los años 90, pero es en los años 2000 cuando su música se cristaliza, al editar las obras más artísticamente relevantes: Nocturno (2002), Indigo (2004), Alice (2005), Unreal: Sidewalk Cartoon (2006) y Motion (2010); así como colaboraciones memorables con Mário Laginha, Will Holshouser y Carlos do Carmo, entre otros.
La música de Sassetti se definió por una magnífica sensibilidad interpretativa, que combina una atención preciosa a la melodía al mismo tiempo que se embarca en exploraciones sublimes dentro de cada tema, lo que a menudo resulta en un ambiente cinematográfico (y las conexiones de su música con el cine son varias). Su muerte en 2012 dejó un gran vacío, interrumpió cruelmente un curso que prometía aún más y confirmó el estatus legendario.
En 2019 la música de Sassetti sigue viva. Por iniciativa de Casa Bernardo Sassetti, una institución fundada después de su muerte para promover su legado, la música de Sassetti ha sido revisada y reinterpretada por músicos de la nueva generación de jazz portugués (Ricardo Toscano y Bruno Pernadas ya lo han hecho) y este año fueron editadas dos obras que utilizan su repertorio para presentar tributos originales: The Wake of an Artist – Tribute to Bernardo Sassetti de Alberto Conde Iberian Roots Trio y Big Band Júnior Abraça Sassetti de Big Band Júnior.
Este disco en solitario , ahora publicado por Casa Bernardo Sasseti, reúne un conjunto de grabaciones que el pianista hizo en el Teatro Micaelense, en São Miguel, en 2005. En ese momento se creía que el piano de teatro tenía características únicas y Sassetti viajó a las Azores para grabar su música, composiciones nuevas y antiguas, en compañía del productor Nelson Carvalho.
Los temas presentados aquí siguen la línea de lo que sabemos, sin novedad particular, navegando entre la tradición portuguesa y la atmósfera del cine, siempre trabajado con detalle, delicadeza y sofisticación. Además de los temas de su pluma, también hay una revisión de la composición «After the Rain» de John Coltrane, que Sassetti rehace explorando su carga dramática, y que encaja perfectamente en la alineación del disco.
Como anunció la directora artística de Casa, Inês Laginha, este álbum es solo el primero de nueve álbumes inéditos, que se lanzarán en los próximos años. La memoria de Sassetti no se borra, más estas grabaciones nos recuerdan la belleza eterna de su música.
Fuente para la reseña: Nuno Catarino para http://aformadojazz.com/2019/12/disco-solo-de-bernardo-sassetti/
Apunte: El material de «Solo» es una selección que en su mayoría son temas inéditos, por ejemplo, temas que Bernardo Sassetti hizo para la banda sonora de las películas «Alice», de Marco Martins, y «A Costa dos Murmúrios», de Margarida Cardoso, pero que quedaron fuera de las respectivas grabaciones. «Solo» abre una serie de nueve álbumes de material inédito que Casa Bernardo Sassetti quiere editar en un futuro próximo, cumpliendo una de las misiones de esta asociación cultural creada en septiembre de 2012, cuatro meses después de la muerte de Bernardo Sassetti, a la edad de 41 años.
Track Listing
1. Realejo (5:00)
2. Aleluia (4:32)
3. After the Rain (7:33)
4. O Princípio (6:35)
5. Tristeza dos Dois (5:32)
6. Costa dos Murmúrios (4:52)
7. Simplesmente Maria (2:25)
Artist List
Bernardo Sassetti: piano
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Nothing on Earth (2014)
¿Cuál es la mejor forma de musicalizar una película sobre un fotógrafo en Groenlandia? Las trampas potenciales son numerosas. Uno tiene que traducir los amplios espacios abiertos y la escasa topografía sin parecer embotado o frío; y retratar el deslumbrante encanto de las aurora boreales sin parecer meloso. Y en este caso, uno también debe incluir un sentido de la diversión. Esta expedición – el director Mick Abrams acompañando al fotógrafo Murray Fredericks – no era la narrativa normal de desastre cargada de peligro, pero si la búsqueda de un tesoro de belleza. El documental incluyó una banda de sonido que era encantadora, pero breve; el álbum recientemente publicado añade cinco canciones inspiradas en la película. La decisión del violoncelista de Nueva York Erik Friedlander de invitar a Satoshi Takeishi en percusión y Shoko Nagai en acordeón, piano y el mini-xilófono fue sabia. Alternando piezas de violoncelo con experimentada instrumentación, añade sentido de la diversidad. Mientras las pistas originales continúan transmitiendo un estado de ánimo, las nuevas pistas transmiten una multitud. Esta nueva colaboración (que estará de gira como Black Phoebe) es rica en el timbre y el tono, ofreciendo mejoras de temas sólo insinuados en los originales.
«Aasiaat» ofrece las primeras insinuaciones de plenitud, compensando la pieza solista encontrada posteriormente en el álbum. El acordeón respira suavemente como un arrullo, estableciendo el escenario para los tambores, que se introducen junto con el piano a los 1:24. En este momento, el álbum cambia de calmo a celebratorio. En «Maniitsoq», el violoncelo es tocado como un contrabajo, produciendo un sentido luminoso, de colores llamativos, que sugiere perros de trineo en el juego. Los toques percusivos se parecen a aquellos de viajeros alrededor de una hoguera de campamento, improvisando ritmos para mantenerse caliente.Al comienzo de «Aurora», aparecen unos carillones como estrellas en una noche brillante. El xilófono es una perfecta elección para transmitir una alegría infantil, y encaja con los coquetos verdes de la parte superior de la atmósfera.
Friedlander no podía dejar estas piezas permanecen en el piso de la sala de montaje. Por rescatarlas del montón de desechos, quitarles el polvo y pintarlas, él ha creado una obra de arte separada para estar de pie junto a la primera.
Fuente para la reseña: Richard Allen para https://acloserlisten.com/2014/11/19/erik-friedlander-nothing-on-earth-soundtrack/
Apunte: Cuando en Mayo de este año compartimos la audición del hermoso disco «Rings», olvidamos decir que se trataba de la segunda grabación del trio Black Phoebe, liderado por el violochelista Erik Friedlander junto al percusionista Satoshi Takeishi y la pianista/acordeonista Shoko Nagai. En efecto, Nothing on Earth fue el primer paso dado por el grupo, y como en el posterior «Rings», aquí también se atraviesa y borra magistralmente las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music. Como bien se aclara en la reseña, Nothing on Earth está compuesto por temas que formaron parte de la banda de sonido de un documental, más otros temas compuestos posteriormente por Friedlander inspirado en la visión de las imágenes registradas por el director Mick Abrams. Si uno no supiera esto, tampoco importaría demasiado, porque la belleza de la música que estos talentosos músicos producen, le da al álbum su propia independencia que permite disfrutarlo largamente, más allá de tener que ver las imágenes asociadas. Altamente recomendable!
Track Listing
01. Hagen (solo) (4:31)
02. Aasiaat (6:17)
03. Ingia (solo) (5:09)
04. Maniitsoq (6:34)
05. Nuuk (3:55)
06. Hagen (5:47)
07. Hagen II (4:40)
08. Ryder (4:41)
09. Aasiaat (solo) (3:50)
10. Aurora (4:00)
Artist List
Erik Friedlander: cello
Satoshi Takeishi: percussion
Shoko Nagai: accordion, piano, mini-xylophone
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Trigono (2016)
Elegante trabajo entre el jazz y la clásica, Trigono remite en el título a la atípica formación, que podríamos definir como un «trío plural», dado que los protagonistas son Marco Bardoscia, Rita Marcotulli y, como tercer vèrtice, el cuarteto de arcos Alborada.
El programa propuesto es cautivador, con músicas más originales siempre de inmediato atractivo, gracias al lirismo de los temas. Así como es muy apreciable la ejecución de todos los protagonistas, con los cuatro de Alborada siempre en primer plano de una textura dentro de la cual Marcotulli interviene a veces como soporte, otras improvisando en el género con modalidades que la caracterizan en aquellos contextos un poco «crossroad» en los cuales ha escrito importantes páginas en el pasado (The Woman Next Door, Koiné).
Sin embargo – y también a pesar de algunos momentos refinadísimos, como por ejemplo la única pieza firmada por la pianista, «Rappresenta» y de la estructura original y compleja – el trabajo despertaría quizás poca atención de un oyente de extracción jazzera si no fuera por algunos pasajes de la misma Marcotulli – el comienzo de «Mr. Hopkins» o el desarrollo de «ELM», de Richie Beirach, para dar algunos ejemplos – y, sobre todo, de las frecuentes intervenciones de Bardoscia -autor de casi la mitad de las piezas- el cual da muestra en varias ocasiones de sus cualidades de instrumentista ofreciendo solos cantables de gran atractivo y acompañando con un sonido profundo y expresivo, resultando así un poco el protagonista del trabajo.
Para señalar la excelente aportación de Maria Pia De Vito, huésped en «I’m a Dreamer», las dos ocasiones -en la apertura y cierre de álbum- del sagrado himno «Abide With Me» y -como cumbre de un trabajo de todos modos excelente- «Ninna Nanna per la piccola Sara», de Barcoscia, conmovedor pasaje en que todos los protagonistas tienen la oportunidad de dar lo mejor de sí.
Neri Pollastri para https://www.allaboutjazz.com/trigono-marco-bardoscia-tuk-music-review-by-neri-pollastri.php
Apunte: Trigono no es una joya absoluta, pero tiene un alto contenido de belleza y poesía conmovedora; sus buenas intenciones, curan. Y eso ya es fabuloso.
Track Listing
01. Abide With Me • Take One (1:10)
02. Inside (4:24)
03. Rappresenta (4:42)
04. Andrea’s Milonga (3:59)
05. Mr. Hopkins (3:19)
06. Farfalla | Peace (7:06)
07. I’m A Dreamer (4:31)
08. Elm (5:51)
09. Ninna Nanna Per La Piccola Sara (5:25)
10. My Head (4:10)
11. J’adore La Pluie (4:07)
12. L’attesa (3:51)
13. Abide With Me • Take Two (3:16)
Musicisti
Marco Bardoscia: contrabbasso
Rita Marcotulli: pianoforte
Quartetto Alborada:
Anton Berovski: violino
Sonia Peana: violino
Nico Ciricugno: viola
Piero Salvatori: violoncello
Ospiti:
Maria Pia De Vito: voce
Paolo Fresu: pianoforte
Nguyen Le: chitarra elettrica
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Personalities (2011)
El CD del debut de Fabián Almazan, Personalities, comienza con el sonido de una aguja áspera cayendo en un viejo LP que se puede escuchar en el comienzo de la pista «Tres Lindas Cubanas». El sonido de la aguja continúa a medida que el trío del pianista de jazz ejecuta la antigua cadencia de este danzón del siglo XIX, que se oye en casi todas las bodas, cumpleaños o fiestas de aniversario, donde los cubanos o cubanoamericanos se reúnen. Un poco más de dos minutos de la canción, entonces, el sonido de la aguja de repente se evapora y lo mismo ocurre con el decoroso arreglo, cuando Almazan, el bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole se adentran en una moderna improvisación melódica. El cambio dramático es eco de los cambios en la vida del propio Almazan: Tenía solamente 23 años cuando se unió a una de las grandes bandas del mundo del jazz, el quinteto de Terence Blanchard, después de pasar su infancia en Cuba, la escuela secundaria en Miami y la universidad en Nueva York. Muchas cosas le han sucedido en un corto período de tiempo, y él trata de incorporar a todos en su primera grabación como líder de la banda. «Una de las cosas que me gustan de la música folklórica es que lleva a cabo dos sentidos para el músico y para la audiencia», dice Almazán, de 28 años, quien está al frente de su trío en el Blues Alley los sábados. «Primero, que mantiene viva la tradición. Y, segundo, que permite a la nueva generación revisar esa tradición. Un danzón está diseñado para una configuración de sala de baile donde se reúne la élite, por lo que la primera parte es muy formal. Pero hay una larga tradición de improvisar en la música cubana, como en el jazz, por lo que la segunda parte es donde los músicos añaden lo que saben. Esta es mi manera de honrar el lugar donde nací. Es parte de lo que soy, y yo quería que mi primer CD reflejara eso». Si su versión de «Tres Lindas Cubanas» representa una especie de choque cultural, su versión del Cuarteto de cuerdas N º 10 de Shostakovich representa otra. Es una de las piezas favoritas de Almazan, desde sus años de estudiante de piano clásico, y su trío realiza el tercer movimiento lento con un cuarteto de cuerdas muy sentido. Pero Almazan también es un producto del siglo XXI de la era del microchip, y después de grabar los temas él los manipuló con procesadores para crear lamentos fantasmales, gorjeos y retumbes dentro de la melodía de Shostakovich. «Me gusta mucho ese movimiento», dice el joven pianista. «Como ser humano, me sentí afortunado de haber escuchado esa pieza. Pero también me encanta la música de Johnny Greenwood de Radiohead, sobre todo su repertorio orquestal, de Pierre Boulez y de Harry Gregson Williams, el compositor de la película que hizo la música de ‘Shrek’. Los tres son sorprendentes en el control de sonido con la electrónica, y pensé que su enfoque sería trabajar bien con el adagio». Un arreglo musical diferente se puede escuchar en la composición propia de Almazan, «La vida vicaria», también en este CD. Su mano derecha toca rápidos arpegios, acordes rotos que se ciernen bellamente, pero nerviosa por encima de la sección rítmica, mientras que su mano izquierda toca los acordes oscuros y pisando fuerte. El contraste entre las dos partes crece hasta que la tensión es insoportable. Es como si cuanto más la mano derecha trata de empujar a la melodía en el lirismo romántico, más la mano izquierda se resiste. «Esa pieza fue inspirada por los padres adoptivos», dice Almazan. «Cuando empecé en la música, yo estaba constantemente rodeado por los niños cuyos padres eran controladores. Me di cuenta de que estos padres realmente amaban a sus hijos, pero actuaban de forma equivocada y hacían sentirse a sus hijos miserables. Esa pieza estaba tratando de reflejar estas cosas. Todos los padres cometen errores, pero creo que mis padres fueron muy buenos al respetar mis decisiones como niño en términos de lo que yo quería hacer profesionalmente. Ellos estaban allí cuando necesitaba consejo, pero me dieron el espacio para descubrir las cosas por mi cuenta.» Otro original de Almazan en el álbum, «H.U.G.S (Historically Unrepresented Groups)», que fue grabada originalmente por el Grupo de Terence Blanchard, fue escrita en el momento de la elección presidencial de 2008 como un tributo a Barack Obama. Almazan lo volvió a grabar para el álbum de su trío, y es la única pieza en la que interpreta a un teclado electrónico. El año pasado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Almazan interpretó «Hugs» con el Cuarteto de Brice Winston, una banda liderada por el ex saxofonista de Blanchard y respaldada por la sección rítmica actual de Blanchard. Almazán tocaba la melodía en el piano acústico, trabajando en el medio-tiempo con arpegios propios. Sin embargo, sus frases ondulantes hicieron más que solo esbozar los cambios, ellos crearon una melodía tarareable con un sentido elegante de romanticismo. Había una calidad cinemática en la interpretación de Almazan, y no es casualidad, porque su director y mentor Blanchard es, sin duda el más exitoso compositor de bandas sonoras de películas que también ha mantenido una carrera de jazz floreciente. Blanchard, que ha escrito la mayoría de la música de las películas de Spike Lee, ha utilizado a menudo sus compañeros de banda en las bandas sonoras y los ha educado en las formas de crear música para una narrativa visual. El verano pasado, Blanchard llevó a Almazán para tocar en la banda sonora de la película de George Lucas «Red Tails». Almazán también asistió al Lab de compositores del Instituto Sundance del año pasado, gracias a la recomendación de Blanchard. Cada pocos días, un compositor profesional de musica para cine visita a los seis estudiantes, hablan de la forma de arte y establecen un reto de hacer el mismo clip de cinco minutos. Dos días más tarde, ellos se reencuentran para escuchar el trabajo de los otros, así como la partitura del compositor veterano para el mismo clip. «Me gusta mucho escribir para películas», dice Almazan, «porque la música no es el eje central. La música es muy abstracta y se puede interpretar de muchas maneras, pero cuando se tiene una narrativa, hay un mensaje más claro para la audiencia. La música puede ser frustrante cuando se escribe y el público lo interpreta de una manera totalmente diferente a lo que usted pretende. Eso no sucede tan a menudo en el cine». Almazan ya ha recibido una comisión para componer la banda sonora para la próxima película del director sudafricano Daniel Zimbler. Pero incluso en su proyectos fuera del cine, Almazan crea narraciones con su música instrumental, puede ser la historia de su infancia en La Habana, o de sus primeros conciertos en Manhattan, sus lecciones de piano clásico en Miami, sus experimentos electrónicos en Utah o la observación de los padres de todo el mundo.
01. String Quartet No. 10, Op. 118 – III. Adagio (8:33)
02. H.U.Gs (Historically Underrepresented Groups) (7:12)
03. Personalities (9:18)
04. The Vicarious Life (5:21)
05. Grandmother Song (5:48)
06. Bola De Nieve (5:51)
07. Russian Love Story (6:48)
08. Sin Alma (6:02)
09. Tres Lindas Cubanas (4:59)
10. Una Foto (5:53)
Artist List
Fabian Almazan: piano, Fender Rhodes, electronics/audio manipulations
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Meg Okura: violin I (1, 3)
Megan Gould: violin II (1, 3)
Karen Waltuch: viola I (1, 3)
Noah Hoffeld: cello (1, 3)
Rhizome (2014)
Rhizome es demasiado diverso para ser llamado álbum conceptual. Pero es un único arco, una profunda reflexión personal sobre nuestro momento actual. Un rizoma es un sistema de planta gigantesco en el cual plantas individuales sobre la tierra comparten un solo tallo subterráneo. Para Fabian Almazan es una metáfora de cómo la humanidad está toda conectada. Su álbum es una afirmación de la hermandad humana dentro de una dolorosa conciencia de su continua violación
Su trabajo con Terence Blanchard lo ha revelado como un brillante y expresivo pianista. Pero la complejidad de la materia en Rhizome requiere muchos recursos adicionales: una sección rítmica de la bajista Linda Oh y el baterista Henry Cole, un cuarteto de cuerdas; la violinista de siete cuerdas, Ronit Kirchman; la guitarra y la inquietante voz de Camila Meza; un sintetizador. El logro de Almazan consiste en como él pone en orden todas estas contrastantes texturas y colores en un poderoso y conflictivo retrato de nuestro tiempo.
La pista del título fue motivada por la masacre de 26 personas, incluidos 20 niños en Sandy Hook Elementary School de Newtown, en Connecticut. Contra un oscuro fondo de cuerdas hirviendo silenciosamente y los gritos sin palabras de Meza, el piano elegíaco de Almazan y el solemne bajo de Oh sondean la esperanza en su luto. «Jambo», con su violín de pánico y violencia de tambor, es una representación visceral de conflictos contemporáneos. El único standard, «Stormy Weather», pertenece. Esto es una bellamente desolada y vacilante línea de piano de una sola nota dentro de los inquisitivos suspiros de las cuerdas.
Pero a veces la búsqueda de la fé de Almazan descubre momentos como «Hacia el Aire», una conmovedora y ascendente mezcla de piano y violines. “A New Child in an Old Place” proviene de una visita a New Orleans, cuando Almazan vió niños jugando en el seno de la devastación causada por el huracán Katrina. Como el rizoma, los niños son una metáfora de la regeneración.
Este álbum es mucho más que los dones de Almazan como improvisador e instrumentista, pero sigue siendo una carrera cuando él se suelta, como en «Espejos» y desata su propia invención de piano en una ola tras otra dentro de la narrativa mayor.
Fuente para la reseña: Thomas Conrad para https://jazztimes.com/reviews/albums/fabian-almazan-rhizome/
01. Rhizome (8:25)
02. Jambo (6:56)
03. Espejos (6:08)
04. A New Child in a New Place (8:07)
05. Hacia el Aire (8:03)
06. The Elders (5:20)
07. Stormy Weather (4:04)
08. El Coqui’s Dream (2:05)
09. Sol del Mar (6:04)
Artist List
Fabian Almazan: piano
Megan Gould: violin
Tomoko Omura: violin
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Camila Meza: guitar, vocals
Ben Street: bass
Henry Cole: drums
Alcanza (2017)
Cuando su disco debut, Personalities, fue lanzado en 2011, el pianista Fabian Almazan puso sobre aviso a todos: este era un músico sin miedo a tomar algunas grandes posibilidades con su oficio. Este álbum comenzaba con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerdas y electrónica, nada menos), y establecía efectivamente la trayectoria que Almazan ha continuado desde entonces, en los que fusiona lenguajes musicales basados en lo clásico, lo latino y el post-bop, en maneras que son siempre sorprendentes e innovadoras. Aunque ha demostrado ser un más que capaz sideman en todo tipo de contextos, no ha sido menor la dominación de los deberes del piano para la banda de Terence Blanchard desde 2007, su visión personal de sus propios proyectos siempre ha sido audaz y ambiciosa -sin miedo, realmente, a la hora de trascender géneros.
Después de Personalities, Almazan lanzó su segundo registro Rhizome en 2014, y al igual que su predecesor, incluye un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La novedad de aquel registro fue la vocalista y guitarrista Camila Meza, quien se ha convertido en un componente básico del ensamble de Almazan, junto con la bajista Linda Oh, el baterista Henry Cole y el cuarteto de cuerdas que incluye a Megan Gould y Tomoko Omura en violín, Karen Waltuch en viola, y Noé Hoffeld en cello. Con esta alineación ahora aclimatada en el lugar para la actual grabación de Almazan, Alcanza, el escenario se estableció para algo extraordinario. Y para estar seguro, esto es un triunfo absoluto.
En consonancia con la enorme visión de Almazan, este es un álbum conceptual, una suite de nueve movimientos de una hora de duración, que explora las preguntas de autodescubrimiento, identidad, y el lugar de los seres humanos en un complejo y a veces intimidante universo. La voz prístina de Meza da vida a la lírica que invita a la reflexión de Almazan, y aunque ella cante exclusivamente en español, la belleza y el esplendor de la música son más que suficientes para trascender las fronteras lingüísticas -un rasgo que caracteriza el cuerpo entero de trabajo de Almazan, así como su música tan a fondo desafía la categorización y clasificación.
Las dos cualidades más sorprendentes de la suite son su energía y su potencia emocional. Desde la apertura con «Vida absurda y Bella», uno está inmerso en la infecciosa sinergia del ritmo e impulso de la música. Impulsado por la potencia percusiva del piano de Almazan, las ágiles línea de bajo de Oh, y los fluidos polirritmos de Cole, la música cambia hacia adelante, y las cuerdas son absolutamente esenciales para el proceso. Lejos de ser usadas como mera ornamentación, son integrales a la progresión de la suite, a veces en la declaración de los temas melódicos (como en el sublime movimiento de cámara, «Verla»), en otros ofreciendo el contrapunto cargado o la disonancia para acentuar el gusto picante de la música. Hay una inquieta y anhelante calidad de la música que es fascinante: incluso en sus momentos más tranquilos y más sombríos, uno siente la vida pulsando debajo, esperando a emerger con un estallido de energía creativa.
Y en cuanto a la vitalidad emocional del registro: es simplemente impresionante. Ya sea a través de la intensidad de «Mas», con la vocalización creciente de Meza transportando al oyente a través de una meditación sobre los misteriosos propósitos de la vida, o el majestuoso lirismo de «Pater Familias», dedicada al padre de Almazan, el alcance del sentimiento y la pasión abarcado por esta música es notable. Y aunque los temas musicales a menudo poseen un aspecto aparentemente simple, como folk, la música es decididamente no simplista: el barrido emocional de cada movimiento se ve reforzado por su complejidad rítmica. Escuchando los ademanes propulsivos de Almazan junto a la deslumbrante técnica multi-rítmica de Cole y las oleadas dinámicas de Oh hacen el arco melódico de «Pater Familias» aún más convincente y emocionalmente resonante.
Al examinar el registro, Almazan dijo que su intención era «sumir al oyente, para llevarlo completamente a otro lugar». Con un álbum de este poderío, inflexiblemente creativo, lo ha hecho. Esta es música que exige ser escuchada y experimentada.
Fuente para la reseña: Troy Dostert para https://www.allaboutjazz.com/alcanza-fabian-almazan-biophilia-records-review-by-troy-dostert.php
01. Alcanza Suite: I. Vida Absurda y Bella (5:43)
02. Alcanza Suite: II. Marea Baja (6:35)
03. Alcanza Suite: III. Verla (3:21)
04. La Voz De Un Piano (Fabian Almazan) (2:11)
05. Alcanza Suite: IV. Mas (feat. Camila Meza) (3:50)
06. Alcanza Suite: V. Tribu T9 (5:46)
07. La Voz De Un Bajo (Linda May Han Oh) (2:16)
08. Alcanza Suite: VI. Cazador Antiguo (5:56)
09. La Voz De La Percusión (Henry Cole) (1:05)
10. Alcanza Suite: VII. Pater Familias (8:39)
11. Alcanza Suite: VIII. Este Lugar (9:18)
12. Alcanza Suite: IX. Marea Alta (4:51)
Artist List
Fabian Almazan: piano, electronics
Camila Meza: voice and guitar
Linda Oh: bass
Henry Cole: drums
Megan Gould: violin I
Tomoko Omura: violin II
Karen Waltuch: viola
Noah Hoffeld: cello
Apunte: Fabian Almazan nació el 16 de Abril de 1984 en La Habana, Cuba. A temprana edad comenzó a estudiar piano clásico en su patria. Junto a sus padres se exilia en Miami, Florida, pero allí no podía permitirse lecciones privadas de piano. Gentilmente, la pianista Conchita Betancourt le enseñó gratuitamente a Almazan durante más de tres años, permitiéndole hacer una audición en la New World School of the Arts de Miami, donde él estudió desde 1998 hasta 2002. En el 2003, Almazan se traslada a Nueva York, donde estudia con Kenny Barron en la Manhattan School of Music. Persiguiendo su licenciatura, estudia instrumentación y orquestación con Giampaolo Bracali. Bajo la tutela de Bracali, Almazan compone piezas para orquestas y conjuntos de cámara. En 2009, Almazan recibe el grado de Maestro de la Manhattan School of Music, y paralelamente estudia en privado con Jason Moran. Desde el año 2007 es un miembro permanente del quinteto del trompetista Terence Blanchard. En el año 2011 graba Personalities su primer álbum como líder el cual es bien recibido por la crítica especializada, algo que sucede nuevamente con su segundo álbum Rhizome del 2014 y finalmente llega este año su tercer entrega, sin dudas la más lograda, y también hay que decirlo, uno de los discos que seguramente encabezará las encuestas de revistas y sites a fin del presente año en el rubro «lo mejor de». Hace varios días que vengo escuchando intensamente estas tres obras, y es gratamente sorprendente la evolución de una a la siguiente. De recrear su herencia musical tamizada por la impronta clásica adquirida desde la niñez hacia lo universal. Lo que sin dudas Fabián Almazan ha «alcanzado» es un estado de gracia, por así decirlo. «Alcanza» es musicalmente desbordante. Es grandioso sin pretender serlo: así de natural y profundas son las músicas creadas por Almazan. Al pianista le duele el mundo, la suerte de los expatriados, el destrato a la naturaleza, lo que pueda ocurrir con nuestros destinos y desde donde puede, él trabaja para curarnos. Y para nuestra buena suerte, tiene el don. «Alcanza» impresiona y realmente conmueve profundamente. Dos cosas más: una, aplaudo que las letras cantadas en estos discos sean en castellano, y dos, la letra de «Alcanza Suite: IV. Más» cantada como un ruego por Camila Meza, es de un sentimiento y humanidad estremecedora. En resumen: obra de arte exquisita, de lo mejor que he escuchado en los últimos años.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Avant Garde, Classical, Erik Friedlander, Folk, Jazz, Satoshi Takeishi, Shoko Nagai, World Music
Rings (2016)
El violonchelista Erik Friedlander siempre está empujando hacia adelante como compositor, músico y creador de música. Ha contribuido a elevar el cello como instrumento líder en la escena del jazz. Ha explorado distintos aspectos de la improvisación, la composición y la performance. En lo último de Friedlander, los 66 minutos de Rings (publicado en su propio sello Skipstone), él continúa para perfeccionándose y adaptándose. Este tiempo fuera, Friedlander utilizó un nuevo trío, Black Phebe (no está claro si el nombre está vinculado a las aves del mismo nombre) para profundizar en las características musicales de la repetición cíclica. A pesar de la aplicación de la reiteración, las doce piezas originales de Friedlander ofrecen una enriquecedor grado de variedad, con un amplio alcance de texturas y estados de ánimo.
Friedlander es un veterano de la escena del jazz/improvisatoria del downtown neoyorquino, pero también trabaja con artistas fuera de esa comunidad. Ha colaborado con la banda folk-indie Mountain Goats, la cantante de rock alternativo Courtney Love, así como con músicos de jazz como Dave Douglas y John Zorn. Los demás miembros de Black Phebe comparten la búsqueda de Friedlander de música innovadora. Shoko Nagai (en piano acústico, acordeón y electrónica) antes ha actuado junto a los guitarristas Marc Ribot y Elliot Sharp; y Miho Hatori de Cibo Matto. Los créditos del percusionista Satoshi Takeishi incluyen a Eliane Elias, Rez Abbasi, Marc Johnson y muchos más.
Cada una de las doce pistas tienen una dinámica de grupo que avanza con las ideas conceptuales de Friedlander de la recurrencia, pero, en particular, tres canciones emplean loop vivos como una herramienta adicional. «Solve Me», «Canoe» y «Waterwheel» forman la suite Rings. El «looping» es un método que Friedlander no ha intentado antes. Él explica, «Nunca he sido un fan del looping como una técnica de composición pero he cambiado mi mente cuando lo intenté con la banda. Puedo crear los anillos mientras improvisamos y el resultado es hipnótico y bello, pero orgánico». La apertura de la suite, «Solve Me» ofrece una moderada, principalmente tranquila atmósfera que implica el arco y el violoncelo arrancado. Hay una extraña corriente submarina vía la electrónica de Nagai y el modo en que usa las cuerdas dentro de su piano, así como los ocasionales sonidos de percusión no convencionales de Takeishi. «Canoe» está llena de contraste y dureza, como algo oscuramente alucinante que podría ocurrir dentro de una pesadilla de vigilia. Si hay monstruos saliendo de un armario, esta podría ser la banda sonora. «Waterwheel» repite el consuelo y la serenidad que se encuentra en «Solve Me». Hay astillas de disparidad, pero en general hay un sentimiento de esperanza y sincero reconocimiento (quizás para otros, quizás por la naturaleza implícita en el título).
Como se ha indicado, el álbum tiene muchos tonos. El primer corte del CD, «The Seducer», tiene un temperamento de tango, con una maravillosa y optimista actitud que muestra la capacidad del trío para poner humor en su música. Hay un avance similar en el rápido «Risky Business», el número más corto del CD, que tiene un sabor fuerte brasileño. La cuarta pieza, «Fracture», tiene una vaporosa y etérea atracción. Los efectos de percusión matizados de Takeishi sugieren indicios de influencias asiáticas y del sur de la India. Las notas graves de Friedlander imparten una cadencia cremosa, mientras que los sutiles teclados de Nagai transportan una suave melancolía (no exactamente triste, pero una pizca de desolación interior).
El acordeón de Nagai viene a la vanguardia en el mid-tempo y folky «Small Things», que también tiene uno o dos tintes de pedigree latinoamericano.
Otro punto alto «Small Things» es como Friedlander y Takeishi se comunican por el cambio de ritmo. La pista más larga, de casi nueve minutos, «Flycatcher» tiene un fluido y vibrante punto de vista. Hay insinuaciones de klezmer, música folk, minimalismo y jazz de cámara. Los adornos cíclicos de Friedlander tienen una disposición rotatoria pero seductora, acentuada por la resonante percusión de Takeishi (que tiene rastros de música de tabla hindú), las recurrentes notas del cello de Friedlander (que a veces emula una guitarra y otras veces asume el rol de bajista) y las contribuciones de formas free del piano de Nagai (no totalmente vanguardista, pero bastante en algunos casos). El trío concluye con «Silk», que fusiona facetas de piano trio con propiedades de música de cámara. Mientras Nagai y Takeishi enfatizan el registro inferior, Friedlander favorece el registro más elevado, y la combinación proporciona una vívida comparación y yuxtaposición. Si oyentes atrevidos están hartos de proveedores de ruidos disonantes, pero les gusta buscar el jazz o la música improvisacional que reduce fronteras de género, entonces Rings es uno para mirar, ya que esto sin esfuerzo une el jazz expresivo, el folk y elementos de música de cámara.
Fuente para la reseña: Doug Simpson para https://www.audaud.com/erik-friedlander-cello-rings-skipstone
Apunte: Accesible melódicamente, con improvisación contenida y tendencia claramente vanguardista, Rings es un álbum que cruza las fronteras de la música clásica, el jazz, el folk y la world music empleando como vehículo la repetición. Como se ha dicho, la música es hipnótica, pero también es poética y cinematográfica. Párrafo para Shoko Nagai: sus aportes en el piano son de un sereno y profundo lirismo (realzado por la sabiduría de Friedlander en el cello) y en el acordeón da el toque world sin excesos. Hermoso disco. Altamente recomendable!
Track Listing
01. The Seducer (5:41)
02. Black Phebe (6:22)
03. A Single Eye (4:14)
04. Fracture (6:40)
05. Risky Business (3:22)
06. Tremors (7:16)
07. Small Things (6:13)
08. Solve Me (4:51)
09. Canoe (3:38)
10. Waterwheel (6:02)
11. Flycatcher (8:45)
12. Silk (3:23)
Artist List
Erik Friedlander: cello
Shoko Nagai: piano, accordion, electronics
Satoshi Takeishi: percussion
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Classical, Didier Ithursarry, Jazz, Jean-Marie Machado
Lua (2016)
La historia del jazz nos ha demostrado que los directores de orquesta podían desarrollar afinidad con algunos de sus músicos, hasta optar por el dúo y su conversación desnuda que permite, más allá de la connivencia, la intimidad. Lo que hizo Duke Ellington con Johnny Hodges, o, más cerca nuestro, Andy Emler con Thomas de Pourquery. Desde hace varios años, Didier Ithursarry es un miembro recurrente de las formaciones de Jean-Marie Machado, pudimos oírle así «Fiesta Nocturna», «La fête à Boby», «Lagrima Latina», o, entre los actuales proyectos del pianista, en el programa Pictures For Orchestra. También se sabe, ya lo ha hecho con Dave Liebman, que al pianista le gusta colocar sus socios de juego en contextos casi opuestos, recurriendo a su capacidad de influir sobre el color orquestal como a su personalidad de solista.
El dúo que se refiere es una de las consecuencias lógicas de lo que Jean-Marie Machado y Didier Ithursarry han cultivado juntos. No ha sido decidido, les sucedió. La música que proponen es naturalmente el reflejo de una hermosa complicidad, los dos instrumentos a menudo evolucionan juntos, sin que un reparto preciso de los papeles hubiera estado visiblemente determinado. Ambos solistas y acompañantes, no por turnos sino en un mismo impulso, con surgimientos, comentarios, elevaciones líricas u ornamentos que parecen destinados a poner en valor el juego del otro, más que a cualquiera fin decorativo. Los intercambios son serenos, casi púdicos.
De esta negativa a utilizar los efectos de oposición, se desprende una música muy cálida y fluida que encuentra su belleza en las curvas más que en las rupturas. Sucede que Jean-Marie Machado aporta el contraste, rebotes por la utilización de dinámicas casi Monkianas en los graves, como en « JSB ». Pero en conjunto, la empatía de ambos hombres se materializa por dos apretadas declaraciones. El repertorio, composiciones de uno y del otro para dos estéticas distintas, así como dos segundas lecturas, favorece este tipo de intercambios, con melodías esmeradas entre las que ambos músicos extraen líricos filamentos.
La tensión existe sin embargo, explotada con precaución como durante la improvisación intensa de « Broussailles », la lectura de « Vuelta » donde el piano se hace urgente y el acordeón ardiente, donde todavía los cambios de climas de « Lézanafar »», una composición con cajones, donde los arabescos que adora el pianista son revueltos por pasajes más graves. Pero en Lua es ante todo cuestión de dulzura, esa dulzura que se emparenta más con una fuerza vital que con una timidez. Así va de la sensualidad de « Sentier évanoui », el juego aéreo que muestra el dúo sobre « No Church But Songs » o de la interpretación sensible y despojada de « Lua », que concluye el álbum en conmovedora comunión.
Es con igual sinceridad que el dúo revisita « Perseguição » de Avelino De Souza y Carlos da Maia, o « Nocturne N°1 » de Chopin. La melancolía cantante del fado y el refinamiento de la escritura romántica, no contentos con dar lugar a dos hermosos momentos de música, son evidentemente muy adecuados al diálogo delicado y cautivante.
Fuente para la reseña: Olivier Acosta para http://www.citizenjazz.com/Jean-Marie-Machado-Didier-Ithursarry.html
Apunte: Machado e Ithursarry venían trabajando juntos en el colectivo «Jean-Marie Machado Danzas». Allí hacían (y hacen) una colorida música, con influencias de gran cantidad de músicas del mundo, tal como ha venido siendo la característica principal de la discografía de Machado. De ese ir y venir por escenarios, se ve que decidieron hacer el disco a dúo. Sin caer en la obvia melancolía tanguera, hacen en «Lua» un muy lindo disco con la variedad estilística habitual y algunos temas que son realmente bellísimos («Perseguição», «Nocturne N°1» y «No Church But Songs»). Espero lo disfruten.
Track Listing
01. Sentier Évanoui (6:34)
02. Aspirer La Lumière (6:09)
03. JSB (5:17)
04. Perseguição (5:16)
05. Vuelta (4:09)
06. Lézanafar (7:55)
07. Broussailles (3:32)
08. Nocturne N°1 (5:26)
09. No Church But Songs (5:02)
10. Lua (3:55)
Artist List
Jean-Marie Machado: piano, compositions (1, 2, 6, 7, 9)
Didier Ithursarry: accordion, compositions (3, 5, 10)
Link de descarga
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Classical, Eric Montzka, Jazz, John Kregor, Patrick Mulcahy, Pop, Rob Clearfield, Rock Progresivo, Scott Burns
The Long and Short of It (2013)
Durante los últimos años, un notable joven pianista de Chicago ha enriquecido la labor de algunos de los músicos de jazz más creativos de la ciudad.
Sin él, el muy importante álbum doble del último año, «By a Little Light», de Matt Ulery, y la nueva asombrosa continuación de Ulery también, «Wake an Echo», habría perdido un poco de su belleza armónica y brillo tonal. Asimismo el trabajo etéreo de la cantante Grazyna Auguscik y el filoso toque del saxofonista alto Greg Ward han sido profundizados considerablemente por las contribuciones del pianista Rob Clearfield.
Ha venido produciendo tanto trabajo importante para muchos de los artistas de jazz más aventureros de Chicago, de hecho, que no ha tenido tiempo para enfocar un proyector donde corresponde: sobre su propia música.
Hasta ahora. En la noche del sábado, Clearfield celebrará el lanzamiento de su primera grabación como líder de banda, The Long and Short of It, un álbum cada bit tan lírico, imaginativo, poético y desafiante de género como su trabajo como sideman lo anunciaba.
La pregunta es: ¿cómo tiene Clearfield concebido un insólito lenguaje musical que de algún modo abraza el melodicismo despreocupado del pop, la intensidad cerebral de música clásica y el espíritu espontáneo de la improvisación del jazz?
«Me esfuerzo en escuchar ampliamente», dice Clearfield, 28 años, quien nació en el área de Chicago y ha desarrollado su carrera y música completamente aquí.
«En lo que respecta a este registro en cuestión, y la escritura y el sonido global del grupo, estoy realmente en Ben Monder y Kurt Rosenwinkel», agrega Clearfield, apuntando a los guitarristas que están redefiniendo las posibilidades armónicas de jazz -especialmente Rosenwinkel.
«Una cosa que me encanta de estos tipos es que cuando ellos fijan una pieza, la pieza tiene un sonido real. Todas las armonías y todas las expresiones – hay un paisaje tonal específico para la pieza. Incluso cuando ellos realmente se alejan en la improvisación, nunca realmente se apartan del hilo central».
Lo mismo puede decirse del paisaje tonal de The Long and Short of It, que transporta el ferviente lirismo de la firma de Clearfield y una estética teñida de rock, desarrollada por el guitarrista John Kregor, el saxofonista tenor Scott Burns, el percusionista Eric Montzka y el bajista Patrick Mulcahy.
Sorprendentemente, las declaraciones de Clearfield en piano acústico y eléctrico a menudo flotan en el fondo, sin embargo, su influencia es inconfundible en la moderación de esta música, así como su naturaleza no categorizable
Clearfield atribuye esta forma poco ortodoxa a una variedad de fuentes, algunas menos previsibles que otras.
«En cuanto a mi propia manera de tocar, soy un gran admirador de (Johannes) Brahms tanto como cualquier otro compositor», dice Clearfield, refiriéndose al gigante de siglo XIX cuyo romanticismo inequívocamente es sostenido por las estructuras musicales de un clasicismo anterior.
«Me encanta cómo él es muy serio, pero sin tomarse demasiado en serio a sí mismo. Él no es como (Franz) Liszt, tan grande como él, quien va a llevar una capa», bromea Clearfield, refiriéndose al romántico pianista y compositor, cuya forma exterior es tan extravagante como su música fue exhibicionista. Clearfield claramente matiza más cerca de las más moderadas -aunque todavía emocionalmente intensas- expresiones de Brahms, lo que se puede escuchar en la música de Clearfield, aunque articuladas en una sintaxis jazz-pop.
«De un modo similar, un par de mis influencias del piano de jazz son Herbie Hancock y Brad Mehldau», sigue Clearfield. «Aquellos tipos también son como Rosenwinkel y Monder: todo está conectado, todo viene de aquella primera semilla de improvisación. Ellos comienzan con una idea, y todo lo demás viene de aquel lugar de partida».
Fuente para la reseña: Howard Reich para http://articles.chicagotribune.com/2013-08-08/entertainment/ct-ott-0809-jazz-scene-20130808_1_matt-ulery-kurt-rosenwinkel-rob-clearfield
Apunte: El joven y talentoso pianista Rob Clearfield ha sido (y es) miembro de varias agrupaciones musicales de Chicago, su ciudad natal. Entre las más conocidas figuran los ensambles de jazz del bajista Matt Ulery (un viejo conocido de esta página), del saxofonista Greg Ward, como así también la banda de prog-rock District 97. The Long and Short of It marca un ambicioso debut como líder de un quinteto igualmente talentoso, en especial el saxofonista Scott Burns. La música se desarrolla consistentemente entre el jazz, la música clásica, el prog-rock y el pop, y quien haya escuchado la música de Matt Ulery también podrá encontrar algunas similitudes con la obra del bajista. Clearfield recientemente ha lanzado un nuevo disco en formato trio, Islands, del cual se pueden escuchar algunos temas en la página del artista en Bandcamp. En resumen: The Long and Short of It es un muy buen disco de un artista a seguir.
Track Listing
1. The Hunter (13:30)
2. The Long and Short of It (6:47)
3. What Are You Doing Here? (5:57)
4. Victoria Park (8:12)
5. Sitting Cross-Legged (13:53)
6. Maybe Next Time (6:21)
7. The Post-Modern Prometheus (8:04)
8. Life Imitates Life (12:09)
Artist List
Scott Burns:tenor saxophone
John Kregor: guitar
Rob Clearfield: piano, electric piano
Patrick Mulcahy: basses
Eric Montzka: drums, cymbals
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Tiempo de búsqueda (2010)
Hacer mucho con poco. Este concepto, traducido en música, es el motor de Tiempo de búsqueda (Acoustic Music Records), que Angel Unzu ha elaborado con tan sólo una guitarra. Mejor dicho, dos: acústica y clásica, según los temas. Esta es la tercera referencia discográfica en solitario del músico navarro, que publicó anteriormente ’13 solos’ y ‘Melodías de piel’. En un estilo muy diferenciado de su labor con Gontzal Mendibil, Jabier Muguruza, Benito Lertxundi o Alex Ubago, el autor de las nueve piezas que integran el álbum se ha centrado en su mundo personal.
«Ha sido la primera vez que he dicho ‘no’ a trabajos que me llegaban, porque lo iba posponiendo. Lo tenía que retomar al de dos meses y, al final, lo he planteado como un encargo», expone el arreglista y productor con Anje Duhalde, Ganbara, Oreka TX, Amaia Zubiria o Alaitz eta Maider.
Dentro del disco, Angel Unzu distingue «dos ambientes distintos». Hay, también dos grupos de títulos. Por un lado, hay temas que llevan nombres de meses, como ‘Enero’, ‘Mayo’, ‘Abril’ o ‘Septiembre’. Unzu explica que se trata de «los meses en que empecé a componer. El que marca la pauta es ‘Abril’», ya que a partir de esta pieza el autor siguió una línea más concreta.
Por otra parte, hay creaciones como ‘Influencias’ I y II. El primero de ellos se basa «claramente» en el estilo de Ralph Towner. «Es consciente, premeditado y me gusta mucho la música que hace. Decidí imitar su fórmula». La segunda referencia es «todo lo contrario. Después de componer el tema, me di cuenta de que había empelado fórmulas que usa otro de mis músicos admirados, Egberto Gismonti, sobre todo el juego de dinámicas, que me encanta: cómo pasa de un momento muy lírico a otros muy rítmicos y poco melódicos».
Todo ello ha sido desarrollado con la aparente simplicidad de un único instrumento, aunque «inicialmente, quería hacer un trío. Es un proyecto que se quedó en el cajón y había compuesto ya todo un disco. Pero no me sentía cómodo con ello y decidí aparcarlo y empezar de cero. Retomé el formato de guitarra sola, que vengo haciendo desde hace tiempo. Aunque es difícil o puede ser árido, me siento muy cómodo».
Estilos y recursos
Dentro de esta fórmula, Unzu plantea una personal mezcla de estilos. «Durante años, te van gustando muchos tipos de música. Vas eligiendo y conformando una manera de decir o un carácter. Me gustan cosas del jazz o de la música clásica, pero no todo. También, del folk. Y decides decirlo sólo con seis cuerdas, a base de trabajar, y salen esos estilos», razona.
«Decidir hacer un disco de guitarra sola te marca la dirección, pero también te pone muchas limitaciones, para no hacer algo trillado y desarrollarlo», indica Unzu, que tampoco ha recurrido a varias pistas de grabación. Lo que sí ha hecho ha sido «echar mano de toda la técnica que pueda tener y buscar sonoridades para ampliar la paleta, como en el tema ‘Colores’. A veces, meto una pelota de ping pong en la guitarra o uso elementos entre las cuerdas», ejemplifica.
Melodía, armonía, ritmo y forma son las cuatro características en las que se mueve una composición, explicó Unzu. «He querido ahondar en los cuatro, para que no fueran evidentes. Pero, sobre todo, he profundizado en la forma», añadió, ya que, uno de sus objetivos ha sido salir de la habitual estructura de estrofa-estribillo. «Creo que es un peldaño más porque he hecho cosas que antes no había probado».
Fuentes para la reseña: http://gara.naiz.eus/paperezkoa/20101216/238238/es/El-iruindarra-Angel-Unzu-muestra–Tiempo-busqueda-nuevos-terrenos-solas-su-guitarra/?Hizk=en ; http://www.elcorreo.com/alava/v/20101230/cultura/angel-unzu-desnuda-guitarra-20101230.html
Apunte: Angel Unzu nace en el País Vasco, allí se forma como músico e inicia su actividad profesional. Estudia guitarra clásica y jazz en el País Vasco y Madrid, participando en cursos con compositores y guitarristas de prestigio como Ralph Towner, Leo Brouwer, Egberto Gismonti, Pat Metheny, Sergio Assad y Juan Falú, entre otros. Desde hace años trabaja como arreglista, productor y músico de estudio, participando en la realización de un centenar de discos. Paralelamente y de manera habitual acompaña a la guitarra, percusión y bouzuki a numerosos cantantes y grupos vascos. En el marco del Festival Internacional – Guitarras del Mundo- Unzu actuó en Argentina (Buenos Aires y provincia) en los años 1999, 2004 y 2012.
Lista de temas
01. Abril (6:15)
02. Septiembre (8:04)
03. Viaje breve (4:37)
04. Influencias II (6:46)
05. influencias I (4:36)
06. Colores (4:45)
07. Enero (9:32)
08. Sin Titulo (4:18)
09. Mayo (4:51)
Lista de artistas
Angel Unzu: guitarra
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Ambrose Akinmusire, Chris Dingman, Classical, Contemporánea, Erica Von Kleist, Fabian Almazan, Jazz, Joe Sanders, Justin Brown, Linda Oh, Loren Stillman, Mark Small, Ryan Ferreira
Waking Dreams (2011)
Conocido como compañero de banda del saxofonista Steve Lehman (en «Travail, Transformation, and Flow» y «On Meaning»), del baterista Harris Eisenstadt (en «Canada Day» y «Canada Day II») y del trompetista aquí presente (en «Prelude to Cora»), Chris Dingman nos presenta aquí, rodeado por un conjunto de músicos del más alto nivel, su debut como líder, con un resultado difícilmente superable.
«Prelude» y «Vijayanagara», las dos pistas que abren el disco, secuenciadas sin interrupción entre si, están marcadas por el tipo de lirismo que hace imposible (o incomprensible) que uno quede indiferente, pero más importante aún es la tensión creada por ellos, una atmósfera de suspenso y misterio que despierta en el oyente una curiosidad por escuchar el resto de esta obra. Y la verdad es que poco o nada de lo que sigue desilusiona. «Jet Lag» se nos presenta por el contrabajo de Joe Sanders, que luego se junta con la batería de Justin Brown, momento a partir del cual nos sentimos en la presencia de una de las mejores secciones rítmicas de hoy, y el interés en lo que nos espera sigue en aumento. Sigue un unísono de trompeta, saxo y vibráfono sobre los acordes de Fabian Almazan en el Fender Rhodes, que, haciendo justicia al título del tema, me dejó mareado y con la cabeza en un remolino. La temperatura aumenta aún más, como es de esperar, con el solo de Ambrose Akinmusire, después de lo cual el vibrafonista trata gentilmente de adornar una nueva sección escrita que antecede al retorno del vertiginoso tema, esta vez con interesantes variaciones de Loren Stillman. El final tomado por el fantasma de la guitarra de Ryan Ferreira y por el vibráfono del líder es lo menos que uno puede esperar…solo por aquello que se puede escuchar en estos 15 minutos iniciales, el disco valdría -y mucho- la pena.
«Manhattan Bridge» me suena como una forma de reconocimiento de parte de Chris Dingman a la importancia de Bobby Hutcherson, en particular de su producción para Blue Note a lo largo de los años ’60. Es una emocionante balada, casi toda tomada en cuarteto y con dos magníficos solos de piano y vibráfono, en cuya apoteosis se une Akinmusire a la trompeta. La conexión con el gran maestro del vibráfono pasa a ser más explícita en una versión de «Nocturnal», una composición del baterista Joe Chambers que integrara «Patterns», álbum grabado en 1968 a nombre de Hutcherson. Si la flauta invitada de Erica Von Kleist no me satisfizo en exceso en «Same Coin», es usada con el mejor de los efectos en la lectura del tema de Chambers, no adeudando nada a la prestación de James Spalding en el original.
«Indian Hill» (así como los breves «Reflection» y «Epilogue: Stillness») bien podría ser una pieza de autoría del trompetista, siendo bastante obvia su similitud con «Henya», uno de los más espectaculares temas de su álbum «When The Heart Emerges Glistening».
Waking Dreams es, como aquel álbum del trompetista (y como otros recientes estrenos discográficos de Carlo De Rosa, Travis Reuter, Curtis Macdonald o Ben Van Gelder – véase «Frame of Reference»), un perfecto ejemplo ilustrativo del mejor jazz que hoy se practica en Nueva York bajo la inspiración y la protección de músicos tan influyentes como Steve Coleman, David Binney o Steve Lehman, que es básicamente lo mismo que hablar del mejor jazz que actualmente se practica en cualquier rincón del planeta. Un álbum imperdible y un importante paso inicial en la carrera de un músico que me parece que tiene un enorme futuro por delante.
Fuente para la reseña: Paulo Barbosa para https://sites.google.com/site/jazzxxiproject/CRITICAS/chris-dingman-waking-dreams
01. Prelude (1:40)
02. Vijayanagara (5:26)
03. Jet Lag (7:54)
04. Manhattan Bridge (7:59)
05. Indian Hill (3:39)
06. Waking Dreams (7:55)
07. Interlude (0:38)
08. Same Coin (7:01)
09. Shift in the Wind (6:18)
10. Reflection (1:46)
11. Clear the Rain (9:19)
12. Nocturnal (4:45)
13. Zaneta (7:43)
14. Epilogue: Stillness (2:21)
Artist List
Ambrose Akinmusire: trumpet
Loren Stillman: saxophones
Fabian Almazan: piano
Joe Sanders: bass
Justin Brown: drums
Chris Dingman: vibraphone
with special guests:
Ryan Ferreira: guitar (track 3)
Erica Von Kleist: flute (tracks 8 & 12)
Mark Small: bass clarinet (track 8)
The Subliminal and the Sublime (2015)
En su segundo álbum como líder, Chris Dingman ha sacado a la luz una obra de gran ambición e impresionante realización. The Subliminal and the Sublime es una suite de cinco partes compuestas por encargo de la Chamber Music America. Dingman fue inspirado para escribirla (durante 18 meses) por viajes en el desierto del oeste americano.
Obtiene un notable sentido de escala de seis instrumentos, y retrata de manera creíble masivas montañas del Nevada y enormes cañones de California. Pero él también hace primeros planos.»Voices of the Ancient», uno de los tres grandes movimientos, contiene detalles como la lluvia distante (desde el piano de Fabian Almazan y el contrabajo de Linda Oh) y una hilera de luciérnagas en un bosque a la medianoche (desde el vibráfono de Dingman, en colaboración con el silencio). Piano, vibráfono, alto saxofón (de Loren Stillman) y guitarra (de Ryan Ferreira) se superponen en la gama tonal. Colectivamente, constituyen una sonoridad formidable que continuamente cambia de forma. Por debajo, Oh y el baterista Justin Brown generan la energía en olas.
Esta música se mueve en consonancia con su materia. Esto surge, luego se junta y arrasa. A veces la perspectiva aérea es tan alta que toma el arco de la Tierra. En las tres largas piezas (“The Pinnacles” y “All Flows Forth” son las otras), los temas de Dingman inician con unas pocas y persistentes notas significativas, luego evolucionan. Hilos de contrapunto se funden en intrincados diseños. El ensamble es tan perfecto y orgánico que no importa qué voz individual surge momentáneamente para introducir el próximo motivo o cambio de estado de ánimo. El penetrante y lastimero saxofón de Stillman y las flotantes vibraciones de Dingman son manifestaciones de una conciencia
Este álbum está meticulosamente montado al servicio de la profunda emoción. Para Dingman, fenómenos del mundo natural, como el desmoronamiento de paisajes en el Pinnacles National Park, son personales. Así son los círculos de las nuevas secoyas rojas que nacen de las raíces de secoyas rojas muertas. Su logro, a través de la música, es hacer aquellos misterios naturales y renovaciones personales para todos nosotros.
Fuente para la reseña: Thomas Conrad para http://jazztimes.com/articles/162886-the-subliminal-and-the-sublime-chris-dingman
1. I. Tectonic Plates (4:33)
2. II. Voices of the Ancient (17:26)
3. III. Plea (3:00)
4. IV. The Pinnacles (19:49)
5. V. All Flows Forth (16:02)
Artist List
Chris Dingman: vibraphone
Loren Stillman: alto saxophone
Fabian Almazan: piano
Ryan Ferreira: guitar
Linda Oh: bass
Justin Brown: drums
Password en ambos casos: presoventanilla
Apunte: Lo primero que tengo que decir sobre The Subliminal and the Sublime es que excede largamente la etiqueta de «música de jazz». Esta música no se puede etiquetar, o bien podemos inventar nuevas etiquetas que se instalen más bien en el terreno de las sensaciones: «profunda», «bellísima», «instrospectiva», «paisajística», «naturalista», etc, etc. Lo segundo que tengo para decir es que no tengo dudas de que es uno de los mejores cinco discos del año 2015. Si no llegó antes a PV/MQC es porque no había escuchado a Waking Dreams, del cual debo decir que coincido en la mirada que da sobre él Paulo Barbosa en la reseña traducida, salvo en lo que dice respecto a que Waking Dreams tiene un resultado final «difícilmente superable»: The Subliminal and the Sublime ha venido a demostrar que Dingman ha superado con creces el desafío de evolucionar hacia el riesgo de tener una obra absolutamente personal, lográndolo, valga la paradoja, con un disco que ha sido un trabajo por encargo de la Chamber Music America. Finalmente, les dejo unas palabras de Dingman sobre su último disco: «The Subliminal and the Sublime se basa en el concepto de que, bajo la superficie de nuestra realidad aparente, existen capas subliminales de patrones, detalles y profundidad. Cuando miramos más de cerca estas capas, tenemos la oportunidad de descubrir verdades sublimes acerca de nuestro mundo y de nosotros mismos». Escúchenlos, no se van a defraudar.
Preso ventanilla 