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An End as a New Beginning (2017)
Después de un recorrido por varias etapas para despertar su apetito, he aquí que, a fines de esta semana, sale el tan esperado álbum del grupo Home de João Barradas, aún a raíz del primer y excelente título del acordeonista portugués en nombre propio, «Directions». Lo que viene en An End as a New Beginning es sustancialmente diferente de ese álbum, aunque dentro de los parámetros a los que el joven músico ya nos ha acostumbrado. Y diferente, para empezar, debido a la instrumentación elegida: un acordeón MIDI que suena como un piano eléctrico Fender Rhodes y como un sintetizador (un MiniMoog, al parecer, en la pista del título y en «Between Myself and I»), dos guitarras eléctricas (Mané Fernandes y Gonçalo Neto), vibráfono (Eduardo Cardinho), bajo eléctrico (Ricardo Marques) y batería (Guilherme Melo).
Igualmente importante para la identidad misma del proyecto es el tipo de materiales utilizados, lo que resulta en un jazz eléctrico con una fuerte presencia de rock, pop (la melodía de la balada instrumental «The Human Journey in Search of Meaning» es una de las más bellas que surgió en Portugal en los últimos años) y músicas de danzas urbanas. De hecho, a partir de este último componente, vendrá el carácter «rebotador» de la mayoría de las composiciones, aunque con una similitud en los tratamientos rítmicos que las hacen parecer variaciones de la misma fórmula: el procedimiento da unidad al CD, pero también lo convierte en algo repetitivo. «Interlude», con Barradas como solista, escapa a esa fórmula y es otra joya que podemos aquí encontrar. Si apareciera más adelante en la alineación (es el tercer tema) nos permitiría recuperar el aliento cuando más lo necesitamos, pero probablemente la intención es estar en un estado de «alta» permanente. Además del notable trabajo del líder, destacamos algunos magníficos solos de sus socios, como «I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me» de Cardinho, y «Openings and Closings», de Neto en la ya referida «The Human Journey …» y de Fernandes en «Homesick», con su procesamiento de guitarra inmediatamente reconocible. Pues aquí hay algo que merece nuestro aplauso.
Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2017/10/02/joao-barradas-home-end-new-beginning-nischo-inner-circle-music/
Track Listing – An End as a New Beginning
1. Aurora (7:15)
2. The Human Journey in Search of Meaning (6:28)
3. Interlude I (3:47)
4. I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me (7:36)
5. Homesick (7:24)
6. Openings and Closings (8:40)
7. An End as a New Beginning (6:54)
8. Between Myself and I (4:03)
Artist List
João Barradas: acordeão MIDI
Mané Fernandes: guitarra
Eduardo Cardinho: vibrafone
Gonçalo Neto guitarra
Ricardo Marques: baixo
Guilherme Melo: bateria
Portrait (2020)
De João Barradas estamos acostumbrados a esperar lo mejor. Pero también que cada nuevo título tuyo nos ofrezca algo que no estaba en el anterior. Este es el caso de este Portrait y es de esperar que este sea también el caso de otro álbum con el nombre del acordeonista y compositor portugués que se prometió para estos días, «Solo I». Incluso por las características ya anunciadas, ya que es un solo absoluto y totalmente improvisado. Lo que es evidente es que tales resultados no se derivan solo de un deseo de variedad: Barradas se ha embarcado en una misión de búsqueda e investigación que, continuando como antes, lo llevará a él y a nosotros con él, a logros que sin duda serán notables.
Es cierto que en Portrait encontramos un gusto por los ritmos compuestos y la reorganización de la interpretación implicada por la presencia de un vibráfono (en el sentido de que es necesario hacer que se escuche cuando hay niveles más altos de intensidad) que ya estaba en «An End as a New Beginning», con el grupo Home, pero el enfoque es totalmente diferente. Esta vez, hay menos presencia de escritura, dejando todo abierto en términos de interpretación y más espacio para la improvisación, ya sea colectiva como individual y solista. Esta vez también, el factor «groove» está menos definido y más sujeto a mutaciones. Está allí y se impone, pero en lugar de circunscribirse se expande y conduce a otros lugares, otras posibilidades.
Para este nuevo disco, Barradas utilizó los servicios de Mark Turner en el saxofón tenor que aparece en cuatro de los temas, del vibrafonista Simon Moullier (excelente combinación de este con el acordeón MIDI para actuar como Fender Rhodes), de Luca Alemanno en el bajo y Naíma Acuña a la batería. De la interacción de estos músicos surge un jazz contemporáneo muy influenciado por el rock y otras tendencias urbanas de nuestro tiempo (atención a los «beats» de la baterista), pero en una versión «canalla» que contrasta con la limpieza y el virtuosismo de los oficios de los Home. El ingenio performativo y el desinterés en cuestión son, además, la medida de la vitalidad musical alcanzada, muy equivalente a la de una actuación en vivo en la que lo que importa es la comunicación con el público y no una idea ilusoria de la perfección.
Incluso escuchamos sonidos accidentales, por ejemplo, respiración, ruidos de manipulación instrumental, que generalmente se eliminan de una grabación de estudio. La misma circunstancia de que las piezas no están «envueltas» y trabajadas en términos de postproducción, terminando sin una resolución de composición real, le da al conjunto una fluidez muy cautivadora y ese tipo de humanidad que la tecnología musical ha ido diluyendo a lo largo de su evolución. Con este Portrait finalmente podemos decir que João Barradas se ha convertido en uno de los músicos creativos más importantes del jazz actual, y no solo con respecto al territorio nacional. Es difícil imaginar lo que hará en unos 10 años, solo que será algo grande.
Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/16/joao-barradas-portrait-nischo-inner-circle-music/
01. Care (Feat. Mark Turner) (4:22)
02. Resilience (7:03)
03. Changes (6:35)
04. Common Good (5:56)
05. AMFM (5:18)
06. Episode (Naíma’s Intro) (1:31)
07. Episode XII (Drums Chant) (Feat. Mark Turner) (2:49)
08. Inner Circle (7:47)
09. Joy Ryder (Feat. Mark Turner) (3:09)
10. The Order of Things (Feat. Mark Turner) (8:33)
Artist List
João Barradas: Accordion, Synth Accordion, Voice and Composition
Mark Turner: Tenor Saxophone
Simon Moullier: Vibraphone
Luca Alemanno: Doublebass
Naíma Acuña: Drums
Apunte: Para contextualizar, João Barradas es un acordeonista y compositor nacido en Porto Alto, Ribatejo, Portugal, en 1992 (ahora con 28 años); ha sido galardonado con múltiples premios, e influenciado por el jazz y la música de fusión. Después de investigar y estudiar la historia básica del acordeón, Piazzolla y el nuevo tango, pasando por el árbol etimológico de los acordeonistas estadounidenses, Johnny Meijer en Europa y todos los acordeonistas de música antigua, moderna y clásica, João comenzó a darse cuenta que la música que escuchó en su cabeza no coincidía con todos estos ejemplos y estaba más cerca de las personas que había descubierto en YouTube y que, de hecho, no tenía nada que ver con el acordeón. Gente como Herbie Hancock, Lester Young, Brandford Marsalis, Ahmad Jamal, Steve Coleman o Jack DeJohnette; personas que no son consistentes con la imagen del sombrero y el bigote que saben asociarse inmediatamente con el instrumento en Portugal. Para cerrar: no es casual que haya grabado con el sello Inner Circle Music, propiedad de Greg Osby. La aparición de Barradas nos genera un entusiasmo similar al que tuvimos cuando descubrimos a Vincent Peirani. No más palabras, que suene la música!
Password en ambos casos: presoventanilla
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Venezuelan Suite (2014)
Venezuelan Suite es la carta de amor del pianista Edward Simon a su patria, pero no es solo esto; es la perfecta confluencia de ideales venezolanos, la lengua del jazz y la sofisticación camarística. Brevemente, esto es una obra maestra.
Si bien cada país tiene sus adherentes musicales a los círculos del jazz americano, algunos son dolorosamente subrepresentados. Es por eso que es tan importante y vital cuando alguien como el saxofonista Miguel Zenón llega y salva la brecha entre el jazz y la música de Puerto Rico, o el pianista Danilo Pérez encuentra y/o crea un nexo entre el jazz y la música de Panamá. Estos hombres están, de algún modo, justamente explorando sus respectivos amores musicales e introduciéndolos el uno al otro, pero en este proceso ellos se han hecho visionarios; Simon ahora se une a sus filas.
El magnífico y único equipo de diez piezas que pinta la visión de Simon sobre Venezuela, es realmente uno de los mejores en su tipo. ¿Cuánta gente, después de todo, combina flauta, clarinete bajo, saxofón tenor, percusión, arpa, cuatro, piano, bajo y batería? Probablemente pocos a ninguno. Pero no es solamente el maquillaje instrumental del Ensamble Venezuela lo que hace de esta una reunión maravillosa; son las personalidades. El flautista Marco Granados aporta refinamiento y gracia en el procedimiento, el arpista Edmar Castañeda y el cuatrista Jorge Glem añaden la sensación de movimiento a la música, y Mark Turner deslumbra con sus misteriosas y poderosas líneas en el tenor. Todos los participantes básicamente traen algo especial e importante a la mesa.
Cada movimiento de esta suite de cuatro partes, nombra a una ciudad diferente, y ofrece una mirada dentro del arte, la cultura y la historia de Venezuela. «Barinas» toma prestado del joropo, una dinámica danza que se transformó en el baile nacional de Venezuela a finales de los años 1800; «Caracas» se inclina en el merengue con una fundación de métrica impar; el planeo lento de «Merida» toma su nombre de una preciosa ciudad en la Cordillera de Los Andes; y «Maracaibo» representa a una ciudad en el noroeste de Venezuela y la gaita, un tipo de la música asociada con la región y, más expresamente, con el tiempo de Navidad. Todo esto ayuda a presentar una vista panorámica de la cultura musical venezolana de un nuevo modo.
Mientras la suite es el foco de este demasiado breve álbum, Simon agrega un standard venezolano («El Diablo Suelto») para finalizar este asunto. El propio espacio solista del pianista y el conmovedor revuelo de Turner terminan por ser los rasgos salientes de esta interpretación, pero la sección de ritmo merece el crédito por espolearlos.
Este álbum cronometra en menos de treinta y ocho minuto, pero es todo el tiempo que Simon necesita para amarrar y refractar estos elementos culturales de la música venezolana.
Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/venezuelan-suite-edward-simon-sunnyside-records-review-by-dan-bilawsky.php?width=1024
Apunte: Buscando reseñas de este disco me encontré con dos bien antagónicas: esta muy elogiosa de Bilawsky y otra de Michael J. West que defenestra al álbum tratándolo así: «Venezuelan Suite es banalidad, pero del más alto orden» (http://jazztimes.com/articles/117577-venezuelan-suite-edward-simon). Fans como somos del pianista no podemos pasar por alto la escucha de esta obra, y de paso, a modo de juego, dilucidar de cual de los críticos estamos más cerca. En mi caso, sin dudas estoy del lado de Bilawsky. I’m sorry, West…
Track Listing
1. Barinas (9:11)
2. Caracas (6:27)
3. Mérida (6:59)
4. Maracaibo (5:43)
5. El Diablo Suelto (9:27)
Artist List
Edward Simon: piano
Roberto Koch: bass
Adam Cruz: drums
Mark Turner: tenor sax
Marco Granados: flutes
Jorge Glem: cuatro
Leonardo Granados: maracas
Luis Quintero: percussion (1, 2, 4)
John Ellis: bass clarinet (1, 2, 3, 4)
Edmar Castañeda: harp (1)
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The Stars Are All New Songs Vol. 1(2008)
La transición del talento prometedor al artista bien establecido no es siempre fácil y algunos músicos parecen condenados a ser colocados en la eterna categoría «nueva voz interesante». Claramente no es el caso con el joven guitarrista danés Jakob Bro, que se ha hecho uno de los principales estilistas en una nueva generación de guitarristas de jazz que incluyen a sus colegas en la banda de Paul Motian, Steve Cardenas y Ben Monder.
La evolución de Bro como artista ha sido un viaje hacia la simplicidad. Al principio de su carrera él escribió melodías muy complejas bajo la fuerte inflluencia del vanguardismo de Ornette Coleman. Ahora él ha encontrado una nueva estética que, en lugar de llenar el aire con notas, deja crecer a las melodías con silencios y espacios. La marca registrada de Bro se ha convertido en la creación de simples y encantadoras melodías que siempre insinúan más. Ha creado una nueva clase de complejidad que está determinada por lo que está alrededor de la forma y no por lo que está en ella. Su música muestra una respiración de tiempo similar a la música de Tomasz Stanko y Paul Motian, músicos a los cuales Bro acompaña en sus respectivas bandas.
Como el título, The Stars Are All New Songs Vol. 1, implica que el álbum es la primera parte de una trilogía que podría resultar ser el trabajo más ambicioso de Bro, aún. Los músicos involucrados habla del más alto nivel artístico: los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek, los guitarristas Bill Frisell y Kurt Rosenwinkel, y el baterista Paul Motian están entre los nombres enlistados, pero el álbum no es sobre esas «estrellas», sino que es sobre las canciones, la música. Todos los nombres establecidos, con sus sonidos individuales, logran apartarse y hacerse parte del mundo de las composiciones de Bro, un mundo que es de verdad. Desde la apertura «Sound Flower», con el entrelazado de tonos de Frisell y Bro, parecidos a una campana, se revela un singular universo de sonido que es orgánico como una flor. La mayoría de los tracks están construídos alrededor del cuarteto de Bro, Frisell, Motian y el excelente bajista Ben Street. Sin embargo, algunos de los highlights incluyen las suaves y aterciopeladas voces de Cheek y Turner. Cheek forma equipo con el legendario ícono del jazz danés, Jesper Zeuthen, en el despreocupado y melódico «The Boy From Saladan», mientras Turner, Zeuthen y Andrew D’Angelo crean una pared de sonido en el inspirado vals «Duke Ellington Boulevard» y en el track a lo Mingus, «Drumscapes». En todo, Bro maneja todos los aspectos del mundo del sonido.
Desde las soñadoras, surrealistas, abstractas, líneas melódicas de «Reconstructing A Dream», que ve contribuyendo a Rosenwinkel, a la sentida balada, «Eugenie», Bro conserva una única visión artística. The Stars Are New Songs Vol. 1 es el paso siguiente en el proceso creativo de Bro. Muchos proyectos se alinean en el futuro y es imposible saber cual será su siguiente paso, pero este álbum claramente acentúa que Bro ha encontrado su propio camino a las estrellas y los amantes del jazz moderno se estarían engañando si no lo escucharan.
Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=29632#.UVZFTjc_QU8
Apunte: repasando la lista de músicos intervinientes, uno no puede menos que sorprenderse al ver la calidad de todos ellos, pero, como bien señala Jakob Baekgaard en la reseña traducida, aquí las estrellas son las nuevas canciones de Bro. Como parece ser su zona de confort, la calma, las lentas melodías, son los rasgos distintivos de Bro, que es más bien un detallista del sonido de su guitarra antes que un virtuoso extremo. «Origin» o «Waltzing Trees» tranquilamente podrían haber estado en la lista de temas del disco «Good Dog, Happy Man» de Frisell: tal es el grado de similitud que tienen por momentos los universos sonoros de Bro y Frisell. A mi humilde entender, las nuevas canciones se enriquecen, ganan en emoción, cuando intervienen los instrumentos de viento, en especial Turner y Cheek: «The Boy From Saladan», efectivamente es un gran tema; «Duke Ellington Boulevard», es otro. De los temas sin participación de los instrumentos de vientos, «Reconstructing A Dream» logra transmitir un clima onírico. El álbum cierra de manera plácida, con la balada «Eugenie», con las guitarras languideciendo dulcemente, mientras el maestro Motian deleita con recursos mínimos, sutiles y exactos.
Track Listing
1. Sound Flower (5:35)
2. Origin (4:48)
3. The Boy From Saladan (5:47)
4. Romantics (4:25)
5. Duke Ellington Boulevard (4:55)
6. Waltzing Trees (5:36)
7. Reconstructing A Dream (5:28)
8. Drumscapes (2:54)
9. Eugenie (5:12)
Artist List
Bill Frisell: guitar
Kurt Rosenwinkel: guitar
Jakob Bro: guitar
Chris Cheek: tenor sax
Mark Turner: tenor sax
Jesper Zeuthen: alto sax
Andrew D’Angelo: bass clarinet
Ben Street: bass
Paul Motian: drums
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Pearl River (2007)
A veces, encontrar un buen disco de jazz es un poco como la pesca: a veces sacas algo y a veces nada. La búsqueda está siempre preparada para que una frase en particular, un beat o melodía, transporte a la mente a un estado de felicidad: el estado llamado jazz. Encontrar por casualidad un álbum como Pearl River parece a un hallazgo afortunado. Como encontrar una perla en un río. Pero hay algo más que la simple suerte implicada en el caso del guitarrista danés Jakob Bro. Durante un largo período de tiempo, Bro ha sido una de las figuras principales en la escena del floreciente jazz danés. Sus múltiples credenciales incluyen trabajar con el aclamado grupo Beautiful Day y el trompetista Jakob Buchanan, pero principalmente, Bro es conocido internacionalmente como un miembro de la banda de Paul Motian. Pearl River es la tercera realización de Bro como líder, encontrándose en excelente compañía junto al baterista Paul Motian, el bajista Ben Street y los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek. Los cuatro músicos alcanzan un alto nivel de interacción y sofisticación melódica. Es notable como Bro ha desarrollado su propio estilo lírico con una leve inspiración en Bill Frisell, John Abercrombie y Jim Hall. La apertura, «Verse», encuentra a Motian haciendo alguna delicada cepillada, mientras Street establece una estructura abierta alrededor de las fluídas líneas de Bro. La pista del título introduce a Turner y a Cheek. El «mood» es todavía contemplativo, con los saxofones entrelazándose en una lenta danza. Recogiendo la herencia de Lee Konitz y Warne Marsh, es una alegría escuchar a Turner y a Cheek intercambiar ideas al mismo tiempo, manteniendo la estrecha estructura, evocadora de una fuga de Bach. El sonido cool de Turner está perfectamente balanceado por la manera de tocar de Cheek, más caliente y velada. Las sensibles composiciones de Bro parecen exponer lo mejor de ambos. El desinterés intelectual que a veces actúa como un talón de Aquiles, especialmente para Turner, es evitado por un complejo lirismo que es también evidente en la balada «Elephant». «Red Hook Railroad» es el épico highlight del álbum, con largos tonos de Bro imitando el estilo de Bill Frisell, pintando la imagen del paso de un solitario tren.Street toca un abandonado y abstracto groove, mientras los tonos de Cheek y Turner cuelgan en el aire. Yendo desde lo abstracto a lo melódico, «Welcome» es atractivo por su simple belleza. La fortaleza de Cheek y Turner «cantando» la bella melodía, muestra cuánto los dos saxofonistas se han desarrollado como baladistas. John Coltrane una vez dijo que la cosa más difícil de hacer es tocar directamente una melodía y hacerlo bien. Este es el arte que los dos saxofonistas aquí alcanzan. Exquisitamente grabado por James Farber. Pearl River no es solo un álbum de un talentoso guitarrista de jazz tocando junto a muy buenos músicos. Es una prueba de que Jakob Bro ya está haciendo definitivas declaraciones musicales. Sus composiciones y ejecuciones son de la más alta calidad, mostrando a un artista no satisfecho a conformarse con algo menos que lo bello. Esta perla es un tesoro musical que bien merece la búsqueda.
Fuente para la reseña: Jakob Baekgaard para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=26554#.UVY3tTc_QU8
Apunte: con Sidetracked decíamos que Bro mostraba una música cruzada por géneros, en cambio aquí, en Pearl River, sin teclados y sin programaciones, la cosa está más ajustada a los esquemas del jazz moderno. Indudablemente, se nota la influencia que tiene sobre Bro, el hecho de haber sido partícipe de la banda del gran Paul Motian. Si hay algo que se mantiene respecto a Sidetracked, es el intento de Bro de componer simples, brumosas y bellas melodías, apuntaladas por los platillos de Motian y subrayadas por los saxofonistas Mark Turner y Chris Cheek. Para aprovechar estos días feriados y prestar atención a estos muchachos.
Track Listing
1. Verse (3:22)
2. Pearl River (8:14)
3. Elephant (3:18)
4. Black Is All Colors At Once (4:11)
5. Red Hook Railway (7:32)
6. Welcome (5:33)
7. Mosquito Dance (4:50)
8. Chinatown (3:26)
9. 3X3 (4:53)
Artist List
Jakob Bro: guitar
Ben Street: double bass
Paul Motian: drums
Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone
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Sidetracked (2005)
Sidetracked es el segundo álbum de Jakob Bro, el cual se destaca como un original híbrido entre el jazz, la música ambient y la electrónica. Después de haberse desempeñado principalmente, en distintas constelaciones relacionadas con el jazz, este álbum presenta otra dimensión del universo musical de Bro. Su característico sonido de guitarra ha sido reducido a un mínimo, a favor de la electrónica, acordes sintetizados y beats programados, combinado con un número de músicos especialmente invitados tocando en varios de los tracks. Sidetracked se destaca como una mezcla vibrante de ideas musicales y géneros suspendidos en un refrescante y excitante cruce de campos -algo que también se pone de manifiesto por el hecho de que el álbum fue recompensado con dos premios de la música danesa en el año 2006, uno por «Danish Jazz Release of the Year» y el otro por «Crossover Release of the Year»
Apunte: Primera incursión en el mundo de Jakob Bro, que como veremos en los próximos posteos es bien particular porque la música que Bro ofrece es un contemplativo y atmosférico cruce de géneros. En Sidetracked, Bro toca solo (eventualmente) guitarra acústica y se concentra en generar sutiles capaz electrónicas y detalles de sonido para crear bellas melodías y allanar el camino a Mark Turner, Chris Cheek y Chris Speed, las verdaderas voces solistas de este disco. Ejemplo de esto último que les digo (y mis highligths) son los bellos temas «A Head Full Of Stars», «Freedom Beach», «Hometown Melodies» y «Twilight Detour». Para escuchar sin apuros, Sidetracked es un álbum manso y tranquilo que se disfruta de principio a fin.
Fuente para la reseña: http://www.jazzloft.com/p-53385-sidetracked.aspx
Track Listing
01. Introduction (:51)
02. The Dark Side (5:37)
03. Three To See The King (3:02)
04. A Head Full Of Stars (5:00)
05. Freedom Beach (4:39)
06. Sleep (4:10)
07. Out Of Time (3:22)
08. Dear Old South (1:31)
09. Hometown Melodies (4:15)
10. Green Sky (4:46)
11. Twilight Detour (4:14)
Artist List
Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone
Chris Speed: saxophone, clarinet
Ben Street: bass
Jonas Westergaard: bowed bass
Jakob Bro: acoustic guitar, programming
Rune Borup: keyboards, programming
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Gilad Hekselman, Jazz, Joe Martin, Marcus Gilmore, Mark Turner
Hearts Wide Open (2011)
Los alegres silbidos que abren y cierran el último «libro» de Gilad Hekselman, enmarcan un rico paseo por el jazz moderno y melódico. Organizado como una novela, absorbiendo como una historia de amor, el tercer álbum del guitarrista Hekselman corre profundamente. Hekselman, que se movió de su natural Israel a Nueva York en 2004, se especializa en elocuentes líneas de una nota sola, leudándolas de vez en cuando con brillantes acordes. Su estilo abarca el ocupado y bullicioso “Hazelnut Eyes”, el blues-funk de «Brooze» y el romanticismo de la pista del título del álbum
Mientras Hekselman ocupa el centro de atención, su compañeros participan plenamente. El saxofón de Mark Turner va musculoso e insistente en «Brooze», luego grita y exhorta en la pista de título del álbum; el baterista Marcus Gilmore, un experto en platillos, se ondula en “Will You Let It?”; el subestimado bajista Joe Martin señala el camino en «Flower», una melodía que comienza con delicadeza, pero que finaliza rápida y dulce. Esta es una banda de texturas y matices, en el que cada detalle acreditado hace al arco de la canción
Si al principio algunas pistas parecen acuosas, dele otra escucha; déjelas entrar. Hay una fuerza en las melodías de Hekselman que le convierte en una amenaza múltiple. Hearts Wide Open no solo muestra a un guitarrista con un inusual comando de toque y dinámica («Hazelnut” demuestra que también es rápido), sino que establece a Hekselman como un escritor fluído, con un vocabulario de jazz diverso y cautivador.
Fuente para la reseña: Carlo Wolff para http://jazztimes.com/articles/29124-hearts-wide-open-gilad-hekselman
Track Listing
01. Prologue (0:26)
02. Hazelnut Eyes (7:29)
03. One More Song (10:32)
04. Flower (4:56)
05. Brooze (8:35)
06. Hearts Wide Open (8:25)
07. The Bucket Kicker (5:22)
08. Understanding (10:11)
09. Will You Let It? (3:07)
10. Epilogue (1:05)
Artist List
Gilad Hekselman: guitar
Mark Turner: tenor saxophone
Joe Martin: bass
Marcus Gilmore: drums
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La Bikina (1998)
La Bikina es la grabación de 1998 del pianista Edward Simon en el relativamente nuevo sello Mythology Records. Nativo de Venezuela, Simon hizo su chapoteo grande en la escena de jazz norteamericana con la banda del saxofonista Bobby Watson a finales de los años ’80. Simon también ha girado y registrado como un muy requerido sideman, junto al trombonista Robin Eubanks, al saxofonista Greg Osby y al trompetista Terence Blanchard. La Bikina destaca los saxofones de David Binney y Mark Turner y un elenco de apoyo igualmente adecuado.
La composición de Simon, «Uncertainty», destaca un sentido latino subyacente, aumentado por el exuberante fraseo de Simon y su rítmica mano izquierda en las teclas que emiten un aire de tensión relajada. El movimiento temático aquí es gradual, aún el sondeo. El acercamiento multidimensional de Simon se presta bien, mientras los solos en racimos, colocan el énfasis en progresiones de acordes, carreras rápidas de una nota sola y límites de melodía. El baterista/percusionista Adam Cruz utiliza los Pans para agregar color y balance a esta interesante melodía, mientras David Binney (saxo alto) y Mark Turner (saxo tenor) hacen girar algunos buenos coros. «Uncertainty» presenta una atmósfera festiva. Los pensamientos de beber a sorbos, heladas margaritas cerca de una playa, vienen a la memoria. «The Process» es, en cierto modo, una balada de lamento, que es un escaparate del profundo sentido de desarrollo composicional de Simon mientras el caluroso contenido melódico emerge de nuevo. Simon es particularmente experto en mantener el interés del oyente.
El corte del título, es una pieza extendida con suaves, pero pronunciados trazos de cuernos de Binney, Turner y el trompetista Diego Urcola. Aquí, la interacción de Simon es una reminiscencia de Bill Evans por su matiz y la utilización de los armónicos. Varios adornos latinos trabajan allí el camino, en el cual se puede incluir la celebración del torero triunfante o, quizás, un desfile festivo. El ritmo se calienta y habla mucho en favor del baterista Adam Cruz que sirve como catalizador con una prominente conducción beat. Cruz no es molesto aún cuando es un actor principal en todas partes de esta grabación. Lecciones para ser aprendidas por muchos bateristas que tienden a dominar, en lugar de mantener el tempo con estilo y sensibilidad. Cruz es un hábil veterano y lo muestra.
«La Bikina» se desarrolla bien con algunos solos ardientes de Binney y Turner, y dispone de un agradable y memorable gancho melódico. Fácilmente, el highlight del CD es su unidad, que es ya decir bastante. Gente, no hay material de relleno en esta grabación. Simon tiene una bonita pluma y sus arreglos son imaginativos y superiores. La Bikina es una jubilosa celebración y otra elegante producción de Mythology Records. Recomendado.
Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=3343#.UFet6q6HrKQ
Apunte: Mythology Records es el sello propiedad de Binney. Dolores y David Binney aparecen en los agradecimientos especiales de parte de Edward Simon en las liner notes del disco. Es más que lógico, ya que Dolores es la productora ejecutiva del disco y Binney es el productor asociado a Simon. Como habitualmente nos pasa en este espacio, vamos revisando la historia hacia atrás y luego entendemos mejor las cosas. Bien. Simon elabora sus composiciones rescatando su herencia cultural venezolana, hábilmente entrelazada con sus conocimientos del jazz tradicional y moderno. Pero tampoco se agota allí. El dúo Binney-Simon tiene una manera de arreglar los temas, donde una frase se repite y todos van aportando capas de sonido, de manera creciente, haciendo que la carga expresiva conjunta de la música vaya llegando a una tensión insostenible, para luego encontrar una salida calma, como redentora. Esto último ha quedado en evidencia en los discos que ya hemos escuchado del dúo, y aquí encontraremos muchas de las simientes de lo que vino en años posteriores a esta grabación. Como bien menciona la reseña, «La Bikina» tiene todo lo necesario para ser un gran disco: buenas composiciones, gancho melódico, vibrantes improvisadores y un sostén permanente de la atención del oyente. Una pequeña mención para «Quinta Anauco»: su melodía es de un romanticismo demoledor.
Track Listing
1. The Prayer (Simon, Simon) (1:18)
2. Uncertainty (Simon) (8:03)
3. The Process (Simon) (6:55)
4. El Manicero, Pt. 1 (Gilbert, Simons, Sunshine) (8:41)
5. La Bikina (Fuentes) (14:35)
6. Quinta Anauco (Romero) (10:49)
7. The Cha Cha (Simon) (2:24)
8. Ericka (Simon) (6:52)
9. El Manicero, Pt. 2 (Gilbert, Simmons, Sunshine) (7:47)
Artist List
Edward Simon: piano, arrangements, composer
Adam Cruz: drums, pans, percussion
Ben Street: bass
Mark Turner: tenor saxophone
David Binney: alto saxophone
Pernel Saturnino: percussion
Diego Urcola: trumpet
Milton Cardona: vocals
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Avishai Cohen, Edward Simon, Eric Harland, Jazz, Mark Turner, Matt Penman, Miguel Zenón, Robin Eubanks, Stefon Harris
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Live 2010: 7th Annual Concert Tour (2010)
Live 2010 incluye nuevos arreglos de las obras clásicas de Horace Silver; y nuevas composiciones originales de miembros del Collective.
Lanzada en 2004 por SFJAZZ y llamada en el 2009 como el Small Group Ensemble del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz, el SFJAZZ Collective es una banda de taller distinta a cualquier otra en el jazz. El grupo destaca una cambiante alineaión, con cada uno de los miembros seleccionados a mano, para contribuir con sus propios y únicos sonidos, estilos y voces. Todos ellos son distinguidos, no solamente por el grado, sino por la diversidad de talento y cada miembro es un famoso instrumentista, compositor excepcional y arreglador, y están entre los bandleaders más alabados de hoy en día. El Collective también presenta una perspectiva musical global, con músicos de Puerto Rico (Zenón), Nueva Zelanda (Penman), Venezuela (Simon) e Israel (Cohen).
Según el periodista de jazz Don Heckman en las liner notes del álbum, «el acercamiento del Collective a la música de Silver alcanza alcanza a abrazar sus calidades simpáticas, conduciéndola también a nuevos reinos interpretativos. Añada a esto los trabajos originales de los miembros del Collective – inspirados en Silver – y el resultado es otro programa de un set de standards por un ensamble que es … no exactamente como cualquier otro».
Considerando el talento de élite ensamblado en SFJAZZ Collective, esto tienta, en el primer vistazo, a pensar en este conjunto como otra «all-star band». Pero como la parte «Colectiva» del nombre del grupo sugiere, estos excepcionales artistas han venido juntos a la búsqueda de un objetivo más amplio, -a saber, la celebración del jazz como una constante evolución, pertinente, esencialmente moderna forma de arte.
Esta concepción de la música es compartida por SFJAZZ, institución sin fines de lucro con sede en San Francisco, que es el grupo homónimo y productor. La idea del Collective surgió como consecuencia de los debates del milenio entre el fundador y director ejecutivo del SFJAZZ, Randall Kline, y el saxofonista y miembro fundador del Collective, Joshua Redman. Aunque profundamente respetuoso de los orígenes del jazz y las antiguas tradiciones, SFJAZZ estaba preocupado de que la parte moderna del jazz, desde aproximadamente la mitad del siglo XX hasta la actualidad, se suele pasar por alto a los ojos del público en comparación con la música de jazz denominada de la «Edad de Oro». Ambos, Kline y Redman estaban deseosos de mostrar, de manera que resonara, tanto a los aficionados al jazz como a los recién llegados, la continuidad artística de los maestros modernos como John Coltrane (2004), Ornette Coleman (2005), Herbie Hancock (2006), Thelonious Monk (2007), Wayne Shorter (2008), McCoy Tyner (2009) y ahora Horace Silver, a la nueva generación de músicos de hoy. Como la música de cámara, la música está diseñada para un pequeño grupo de instrumentos, para ser ejecutados en atmósferas y sets íntimos, incluyendo centros de artes, salas de concierto y salones.
En el pasado, el Collective ha incluído miembros tales como Joshua Redman, Bobby Hutcherson, Dave Douglas, Nicholas Payton, Joe Lovano, Josh Roseman, Renee Rosnes, Robert Hurst, Brian Blade y otros jazz-stars.
El personal del Collective 2010, representa el equilibrio perfecto entre miembros fundadores, veteranos de varios años y nuevos talentos. La primera línea incluye al saxofonista alto y miembro fundador Miguel Zenón, ganador del MacArthur «Genius Grant» y tres veces elegido por la revista DownBeat como «#1 Rising Star Alto Saxophonist»; el veterano trombonista Robin Eubanks, dos veces elegido por DownBeat como «Trombonist of the Year»; el miembro veterano, vibrafonista y nominado múltiple Grammy, Stefon Harris; y los nuevos miembros, el aclamado trompetista Avishai Cohen y el saxofonista tenor Mark Turner. La incendiaria sección rítmica cuenta con el veterano contrabajista Matt Penman, uno de los más demandados músicos en la escena internacional; el baterista Eric Harland, famoso por su trabajo con Charles Lloyd, McCoy Tyner y muchas otras leyendas del jazz; y el pianista Edward Simon, 2010 Guggenheim Fellow.
Fuente para la reseña: http://www.allaboutjazz.com/php/news.php?id=63662
Apunte: para ser honesto, muchos amigos del viejo y querido MQC deben conocer bien esta obra, ya que mi entrañable hermano la envió en uno de sus míticos correos de los viernes, allá por principios de Diciembre de 2010. Confieso que no le presté suficiente atención en su momento y volví a estos discos porque lo ví a Miguel Zenón (del cual escuchamos hace pocos días el excelente «The Puerto Rican Songbook»). El resultado de ese reencuentro fue maravilloso, y quise compartirlo con quienes como yo, no le prestamos mayor atención y con aquellos que no estaban suscriptos a las entregas. El Octeto es de fantasía, con jóvenes figuras del jazz contemporáneo, conocidos todos ellos, por los seguidores del blog. Los tres discos son de un balance perfecto entre las composiciones revisitadas de Horace Silver y composiciones de los propios músicos. Las formas en que han sido reversionados los temas de Silver no desentona para nada con los temas propuestos por los músicos. El sonido global de los tres discos es clásico y moderno a la vez, notándose especialmente esa «modernidad» cuando los solistas hacen sus apariciones. Sin desperdicios, estos tres discos harán las delicias de los que gustan de la corriente mainstream del jazz, como así también de los que gustan de las aristas un poco más filosas. Por último, un pequeño bajón: como en estos días el Nuevo Oscurantismo propuesto por las ricas corporaciones no quiere perder ni las miguitas que caen al suelo, varios de los links a los que referencia Multiupload pueden estar caídos, excepto Depositfiles: los estuve probando y, esos en particular, funcionan.
1. Cape Verdean Blues (Horace Silver; arranged by Stefon Harris)
2. Lonely Woman (Horace Silver; arranged by Miguel Zenón)
3. More Than Meets the Ear (Robin Eubanks)
4. Collective Presence (Edward Simon)
5. Harlandia (Eric Harland)
1. Suite for Ward Martin Tavares (Avishai Cohen)
2. The Devil in the Details (Stefon Harris)
3. Sister Sadie (Horace Silver; arranged by Matt Penman)
4. Peace (Horace Silver; arranged by Mark Turner)
5. Triple Threat (Matt Penman)
6. Song for My Father (Horace Silver; arranged by Edward Simon)
1. Señor Blues (Horace Silver; arranged by Eric Harland)
2. The Lady from Johannesburg (Horace Silver; arranged by Robin Eubanks)
3. The Mystery of Water (Miguel Zenón)
4. Brothersister II (Mark Turner)
5. Baghdad Blues (Horace Silver; arranged by Avishai Cohen)
Artist List
Miguel Zenón: Alto Saxophone
Mark Turner: Tenor Saxophone
Avishai Cohen: Trumpet
Robin Eubanks: Trombone
Stefon Harris: Vibraphone
Edward Simon: Piano
Matt Penman: Bass
Eric Harland: Drums
En todos los casos
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Sky & Country (2009)
La casi unánime aclamación que ha recibido el segundo esfuerzo de Fly (y su debut en ECM) tiende a ver al trío como una segunda aparición del legendario Bill Evans Trio, que grabó el clásico Waltz for Debby y Sunday en Village Vanguard (Riverside, 1961). Esa es la forma en que la gente habla del disco.
El disco no suena como el Bill Evans Trio, pero no hay ninguna razón por la cual debería sonar como un disco de casi cincuenta años atrás. La similitud está dada por el inusual alto grado de empatía y propósitos colectivos entre los músicos.
El rasgo distintivo de Sky & Country, además de este saludable espíritu democrático, son las cerebrales composiciones que avanzan lentamente alrededor de un entramado rítmico vagamente inspirado en el rock. La lógica musical, que es la base de los temas, son inflexiblemente angulares y emocionalmente reservados (las escalas oblicuas de «Dharma Days», por ejemplo). No hay muchos marcadores melódicos familiares, aunque «Transfigured» brevemente cite a «Milestones» -que estaba en el repertorio del trío de Evans. Además, la combinación de material abstracto con lo preestablecido, a veces hace difícil de saber cuando finaliza lo escrito y la improvisación comienza.
En este ajuste de duro trío, muchos de estos temas se parecen dibujos arquitectónicos más que catedrales barrocas. Esto es fino, pero requiere una pregunta: ¿que armonías descubrirían maestros de las orquestaciones de jazz, como María Schneider o Guillermo Klein en estas composiciones?
La ejecución de batería de Jeff Ballard, mientras tanto, es tensa, crujiente, de vez en cuando funky, y reproducido aquí con la cristalina precisión esperada de las grabaciones de ECM. «Elena Berenjena» -el título que suena bastante más exótico que «Helena Eggplant», su equivalente en inglés- se desarrolla sobre un golpe de rock and roll. Es ingenioso, es variado, pero esto es un golpe de rock and roll. El golpe detrás de «Super Sister» mientras tanto, es con cepillos cerca del funk, sin cruzar esa línea.
De hecho, una cantidad considerable de este recurso, deriva de esta yuxtaposición de las melodías que desafían la mente y los ritmos que arrancan las cuerdas rockeras de la memoria colectiva. Es probablemente un poco más complicado que esto, pero esta es la idea.
Reseña de Jeff Dayton-Johnson para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Track listing
01. Lady B (7:24)
02. Sky & Country (6:38)
03. Elena Berenjena (5:15)
04. CJ (7:29)
05. Dharma Days (5:06)
06. Anandananda (10:35)
07. Perla Morena (5:46)
08. Transfigured (8:36)
09. Super Sister (10:50)
Artist List
Mark Turner: tenor and soprano saxophones
Larry Grenadier: double-bass
Jeff Ballard: drums
Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Avishai Cohen, Jazz, Kevin Zubek, Mark Turner, Mark Zubek, Pop, Re-post, Seamus Blake
Twentytwodollarfishlunch (2009)
La segunda grabación del bajista establecido en Toronto, compositor de canciones y productor, Mark Zubek, personifica sus muchas habilidades cruzando géneros como el Jazz, el Hip-Hop, el R&B, y el Pop. Se une a un elenco estelar de músicos -el trompetista israelí Avishai Cohen, los saxofonistas tenor Mark Turner y Seamus Blake (ambos que habían tocado en el álbum debut de Zubek, «Horse with a Broken Leg», (FSNT-078), y su hermano, el baterista Kevin Zubek. Zubek arregló diez, bien trabajadas, originales, sofisticadas composiciones, con temas claros y cortantes y concentrado en la interejecución.
Notas:
«Zubek los ordenó sabiamente en una narrativa rica que abarca sus muchas referencias musicales y pasiones. Él deja bastante espacio para todos los músicos para articular sus ideas, pero todas las composiciones giran alrededor de una ejecución propulsiva y de sonido gordo de su contrabajo. La pista de apertura, «The Angry Giant» perfila el método de composición rítmicamente cargado de Zubek. Conducido por la muscular ejecución bajo y la percusión exacta de Kevin Zubek, ambos desafían a cada uno de los tres bronces para glosar sobre el tema post-bop. Él se mueve a una hermosa balada lenta, «Giant Things By The Side Of The Highway», donde cada uno de los bronces contribuye con su color sonoro al timbre de madera del andante bajo de Zubek. «Turkey», «Time Out», y la pista de cierre, «Plastified», demuestran la habilidad de Zubek para orquestar su quinteto en complejas, asimétricas escalas, mostrando la afinidad entre todos los músicos y produciendo algunos de los más impresionantes solos de todos los bronces, especialmente de Cohen en el brillante y poderoso solo en «Turkey». «Monkey», destacando un cuarteto con sólo de Cohen y Blake sobre los bronces, referencia juguetonamente la cíclica armonía Monkiana. Las tres canciones vocales, «Paradox», «Better Place» y «Right Between The Eyes», tratan con la vaga noción del significado de la vida, «o algo», según Zubek, y todos los temas funcionan inteligentemente, tarareables. Las tres pistas demuestran la sensibilidad pop de Zubek y su inteligente arreglo de los bronces como un coro R&B de cobre, alternando su sonido en unas apretada y cortas secciones de bronces y cortos, matizados solos. El grueso sonido del bajo de Zubek se siente orgánico en el papel de instrumento líder. La impresionante visión de Zubek y las composiciones originales tienen éxito al enturbiar las fronteras artificiales entre el jazz y otros géneros populares». Eyal Hareuveni –All About Jazz
Fuente para la reseña: http://www.freshsoundrecords.com/record.php?record_id=5256 – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Track Listing
01. The Angry Giant (Zubek) (8:52)
02. Giant Things By The Side Of The Highway (Hughes) (6:37)
03. Paradox (Zubek) (4:13)
04. Turkey (Zubek) (7:30)
05. 2nd Time Out (Zubek) (4:27)
06. Better Place (Zubek) (4:48)
07. Monkey (Zubek) (6:02)
08. On Track (Zubek) (6:12)
09. Right Between The Eyes (Zubek) (3:59)
10. Plastified (Zubek) (6:32)
Grabado en Pure Mix, New York City, el 18 de Diciembre de 2007. Mezclado y masterizado en Studio Z por Mark Zubek.
Artist List
Mark Zubek: bass, vocals on #3, 6 & 9
Avishai Cohen: trumpet
Mark Turner: tenor saxophone right of center
Seamus Blake: tenor saxophone left of center
Kevin Zubek: drums all encompassing
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