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A Life Between (2019)
El saxofonista Chase Baird esperó ocho años para dirigir una sesión entre su auspicioso debut «Crosscurrent» y su conmovedor y expresivo A Life Between. Mientras tanto, ha perfeccionado sus habilidades de improvisación ya agudas, y sazonó inventivamente su escritura siempre madura. En este cautivador álbum, Baird se une a colaboradores anteriores e interpreta todo el material original que muestra al máximo sus talentos y los de sus acompañantes.
Un estruendo rítmico inquieto y expectante establece el tono para el apasionante «Ripcord». Baird lanza frases cálidas y ansiosas que reverberan con tonos oscuros y pasión. El pianista Brad Mehldau toma un solo imaginativo y elegante antes de que la actuación etérea y resonante del conjunto cierre la composición en una nota inquietante.
Igualmente dramático y ardiente es el desenfrenado «Wait And See». Comenzando con un dúo emocionante entre el tenor de Baird y el retumbante ritmo del baterista Antonio Sánchez, la pieza progresa con una musculatura delgada y ágil energía. El guitarrista Nir Felder embellece la melodía con líneas ardientes y una agilidad impresionante, mientras que el bajista Dan Chmielinski improvisa con hábil lirismo.
También hay momentos sublimes de contemplación y melancolía en el disco. La canción principal presenta un intercambio melancólico entre Mehldau y Baird que Chmielinski y Sánchez puntúan con golpes dispersos y ruidos sordos. Mehldau aporta un soliloquio emotivo y sofisticado que cae en cascada sin esfuerzo en tonos cristalinos. El espontáneo diálogo poético e inventivo de Baird y Felder mejora aún más este ambiente cinematográfico y nocturno.
Quizás la melodía más intrigante y multicapa de este disco uniformemente magnífico es «In the Wake (of urban overdrive)». Fluido y melifluo, ondula con brillantes líneas multi-instrumentales que se entrelazan sobre suaves filtraciones de bajo y batería. Baird muestra su brillante virtuosismo, ampliando el tema principal con sentimiento e inteligencia. Las exploraciones de Felder hierven con pasión, mientras que toques blues salpican la intrincada y deliciosa improvisación de Mehldau.
Con A Life Between, Baird ha producido un trabajo satisfactorio y carismático que, lo más importante, es único en estilo y singular en su sonido. La brecha de casi una década entre sus lanzamientos definitivamente ha valido la pena la espera; Sin embargo, aquí esperamos que el intervalo hasta su próximo CD sea más corto.
Fuente para la reseña: Hrayr Attarian https://www.chicagojazzmagazine.com/post/cd-review-chase-baird-a-life-between
Apunte: Chase Baird, miembro de la banda Migration del baterista mexicano Antonio Sánchez, juntó a su alrededor a verdaderos pesos pesados para interpretar e improvisar ocho melodías de su autoría que componen este álbum, las que se apoyan en el post-bop, pero que también incorporan varias influencias que van desde el rock hasta lo clásico. Grabar con estos monstruos por suerte no apagó el sentido grupal de toda la obra: todos muestran sus personalidades pero en función orquestal. En este contexto, el sonido de Baird es fresco, personal y atrevido. Muy recomendable.
Track Listing
1. Ripcord (9:19)
2. As You Are (7:15)
3. Reactor (9:16)
4. Dream Knows No End (9:06)
5. Wait And See (6:39)
6. A Life Between (6:44)
7. In The Wake (of urban overdrive) (12:17)
8. Im Wunderschonen Monat Mai (7:54)
Artist List
Chase Baird: tenor saxophone
Brad Mehldau: piano
Nir Felder: guitar
Dan Chmielinski: bass
Antonio Sanchez: drums
Link de descarga
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Adam Rogers, Antonio Sanchez, Brad Mehldau, Christian McBride, Jazz, Joe Lovano, John Escreet, John Patitucci, John Scofield, Matt Brewer, Seamus Blake, Thana Alexa
Para una parte considerable de su base de fans, Antonio Sánchez instantáneamente trae a la mente un redoble en un tempo de paso ligero, balanceándose con la cámara a través de un laberinto de corredores en “Birdman or the Unexpected Virtue of Ignorance”. La banda de sonido de Sánchez para aquella película de Alejandro G. Iñárritu del 2014, concebida para solo de batería, es tanto un acto composicional como una hazaña percusiva, a pesar de que depende de su propia reproducción.
A Sánchez, que ha sido un importante baterista de jazz desde finales del siglo pasado, le quedaba casi nada para demostrar su capacidad para la orquestación dinámica -ha sido un sello distintivo de su trabajo con el guitarrista Pat Metheny, el vibrafonista Gary Burton y otros. Pero cuando «Birdman» levantó su perfil, él fue equilibrado y listo.
The Meridian Suite es el más ambicioso nuevo álbum de Sánchez, con la banda electro-acústica que él llama Migration. Se une a un doble álbum lanzado esta primavera, Three Times Three, en el que está al mando de tres tríos all-star -con socios como el saxofonista tenor Joe Lovano, el pianista Brad Mehldau, el guitarrista John Scofield y el bajista Christian McBride.
Three Times Three, mostrando el estilo despierto y adaptable de Sánchez en una sección de ritmo, habría sido un fuerte argumento en sus propios méritos. El juego es de buen gusto y asertivo, y las nuevas composiciones sirven como una forma de respetuoso pastiche. “Constellations”, una larga e intrincada pieza con Mehldau y el bajista Matt Brewer, emula la agridulce fluidez del propio trío de Mehldau. “Nooks and Crannies” montado en un dinámico y correoso groove se adapta perfectamente a Scofield y McBride.
Three Times Three (2014)
Track Listing
1. Nar-This (12:40)
2. Constellations (14:00)
3. Big Dream (8:13)
1. Fall 8:40
2. Nooks And Crannies (8:51)
3. Rooney And Vinski (6:28)
4. Leviathan (9:04)
5. Firenze (8:37)
6. I Mean You (7:53)
Artist List
Antonio Sanchez: drums
Joe Lovano: tenor sax
John Patitucci: bass, electric bass
Matt Brewer: acoustic and electric bass
Brad Mehldau: piano
John Scofield: guitar
Christian McBride: electric and acoustic bass
Pero The Meridian Suite pertenece a otro orden de realización. Inspirado por la continuidad sin costuras de «Birdman», tal como es experimentado por el espectador, Sánchez compuso una suite de más de una hora cubriendo una extensión de estilos en un arco continuo. Él escribió con sus colaboradores en mente: Seamus Blake en el saxofón tenor y EWI (electronic wind instrument), John Escreet piano acústico y Fender Rhodes, y Matt Brewer en bajos acústico y eléctrico. Junto al ensamble a veces están el guitarrista Adam Rogers y la vocalista Thana Alexa, esposa de Sánchez.
El ondulante barrido del trabajo, el cual evoca ciertos recientes esfuerzos de Pat Metheny, se despliega con intuitiva lógica: motivos melódicos revolotean dentro y fuera de la imagen, regresando posteriormente en forma alternativa. Incluso cuando hay una clara ruptura -como en la comprimida e integrada fusión de «Channels of Energy»- parece que estalló de la idea anterior.
Sánchez ha desarrollado un gran sentido de la escala como compositor, y él aquí lo empuja al límite. Los veinte minutos finales de la suite, “Pathways of the Mind”, se desplazan desde un movimiento baladístico a estrellarse con una agitación modal, y luego en una repetición jazz-rock, antes de convertirse en un compás con simples dimensiones, aunque su elaboración es otra historia.
The Meridian Suite (2015)
1. Grids and Patterns (11:25)
2. Imaginary Lines (10:30)
3. Channels of Energy (8:25)
4. Magnetic Currents (3:53)
5. Pathways of the Mind (21:16)
Artist List
Antonio Sánchez: drums
Seamus Blake: tenor saxophon, electric wind instrument (EWI)
John Escreet: piano, Fender Rhodes
Matt Brewer: acoustic and electric bass
Special guests:
Thana Alexa: vocals
Adam Rogers: guitar
Fuente para la reseña: Nate Chinen para http://www.nytimes.com/2015/06/09/arts/music/review-antonio-sanchez-with-2-albums-the-meridian-suite-and-three-times-three.html?_r=0
¿Qué decía Sánchez sobre Three Times Three y The Meridian Suite?
Aunque su papel al interpretar la música es el de baterista, Antonio Sánchez ha incursionado en la composición debido a su formación musical integral, que incluye el estudio del piano, donde compone. En su haber cuenta con casi media decena de discos como líder de grupo.
Para este año, Sánchez publicará dos discos: uno de ellos es una larga suite de jazz, llamada The Meridian Suite. Se trata de una hora de música continua, sin ninguna interrupción. De cierta manera, comentó Antonio Sánchez, esa continuidad está ligeramente influenciada por el plano-secuencia de la película de Alejandro González Iñárritu.
Esta suite y su duración están en contraste con las composiciones: »(las composiciones) son como cuentos cortos, yo quería desarrollar una novela: poder desarrollar mis personajes y mi trama a lo largo de una hora. »Birdman» fue una buena manera de ver eso, que pareciera que no hay cortes. Descubrí muchas facetas de mi ser musical al no verme limitado a cinco, seis, siete ocho o diez minutos de duración… Surgieron muchas historias de mi ser que nunca hubieran salido… Fue una experiencia muy grata hacer este disco». El baterista comentó que en la suite hay rock, jazz y otras influencias musicales: »me gusta hacer música que no tenga reglas», afirmó.
Three Times Three es el otro disco que publicará este 2015, se trata de un conjunto de tríos, tres formaciones diferentes en donde recurre a músicos como John Scofield, Joe Lovano y John Patitucci, entre otros. »Lo más divertido fue escribir temas en el sonido individual de cada uno de estos músicos».
Explicó la decisión de hacerlo en el formato de tríos: »Lo quería hacer en trío porque muchas veces cuando hacemos lo que llaman all-star, muchas estrellas en un mismo disco, los resultados no son tan buenos. Pero con los tríos se puede limitar a un contexto musical más pequeño, para que cada quien luciera más».
En relación a la composición y la interpretación, Antonio abundó en su método: »Un artista tiene el deber de sacar a la luz todas sus influencias, de alguna manera… influencias musicales e influencias de vida. No lo hago de una manera consciente, siempre sale de una manera subconsciente que no puedo controlar… Lo que me gusta es dejar que la música se escriba sola, por decirlo de alguna manera. Los buenos temas se escriben casi solos, sirves como un vehículo para música: es la misma analogía para la música en vivo, las mejores noches me siento como un vehículo para que fluya la música».
La recomendación para los jóvenes músicos es: »Lo mejor es estudiar como loco, practicar como loco, y a la hora de componer y de tocar relajarte». Otro proyecto próximo sería una beca que lleve su nombre para jóvenes músicos mexicanos. »Lo que más placer me daría es ayudar a un compatriota cada determinado tiempo para que se venga a estudiar a una de las mejores escuelas».
Extracto de un reportaje publicado en http://www.informador.com.mx/entretenimiento/2015/583358/6/antonio-sanchez-de-la-composicion-de-jazz-al-cine.htm
Apunte: El mexicano Antonio Sánchez saltó a la «fama» siendo parte de la banda de Pat Metheny desde el año 2002. Sánchez ha participado en gran cantidad de discos de otros talentosos músicos (los discos «Permutation» y «Stories» en trio junto al maestro Enrico Pieranunzi y Scott Colley son dos joyas del formato trio de piano que no pueden dejar de escuchar) y desde hace ya unos años viene registrando de manera regular sus propios discos como líder. Sin ir más lejos después de haber grabado el excelente «New Life» en el año 2013, en el último año se publicaron tres discos con Sánchez como líder: Three Times Three, la banda de sonido de la película «Birdman» y el recién aparecido The Meridian Suite. Three Times Three es un disco doble de nueve temas en total ejecutados por tres tríos diferentes: Sánchez, Brad Mehldau y Matt Brewer; Sánchez, Joe Lovano y John Patitucci, y finalmente Sánchez, John Scofield y Christian McBride. Todos músicos hiperconsagrados que colaboran con Sánchez para hacer un disco casi perfecto de jazz contemporáneo. Pero Sánchez tenía una carta más en la manga para este año con The Meridian Suite: junto a la banda Migration, Antonio brinda un resumen de su carrera de estos fecundos años: obviamente está allí la impronta del Metheny Group, pero lo más atractivo es la dinámica de todo el grupo que como las olas va y viene llevándonos para un lado u otro, sin dejar de tenernos atrapados esperando lo próximo que va a venir, aún cuando los temas son de una duración que conspira contra toda difusión radiofónica (el último tema, «Pathway Of The Mind» dura veintiún minutos…). Sánchez no deja de tocar absolutamente todo su kit de batería, pero jamás suena excesivo: todo lo que toca tiene un sentido y el espacio para su banda está asegurado, en especial para John Escreet que suena muy convincente (lo he escuchado a Escreet en otro contexto y siempre me ha dado la sensación de no tener absolutamente claro adonde quiere llegar). Aún no he escuchado la banda de sonido de «Birdman» pero aseguro que The Meridian Suite es uno de los discos del año y es el ejemplo perfecto de como la batería puede ser mucho más que la sección rítmica de una banda.
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The Omni Series (2009)
Bob Dylan, Brian Eno, U2, Peter Gabriel, Emmy Lou Harris, Ron Sexsmith, Willie Nelson, The Neville Brothers, Marianne Faithful..: Daniel Lanois ha producido a todos ellos, entonces es improbable que usted nunca haya oído de su trabajo. Es bastante posible también, que usted tenga una opinión sobre ello. Lanois no es uno de aquellos productores transparentes cuyo toque de telaraña apenas cepilla el carácter del sonido de un registro. En el caso de las superestrellas como U2 y Peter Gabriel puede no ser obvia, pero incluso un icono como Dylan ha visto transformado su sonido por este productor canadiense. Algunos encuentran su huella dactilar intrusiva, mientras que otros alaban la atmósfera oscura en la que él envuelve a tantos de sus artistas. Caigo dentro de esta última categoría. Considero «Wrecking Ball» el álbum que convirtió a Emmy Lou Harris de una gran «chica cantante» — como se les llama en Nashville — en una brillante artista. Aunque es posible que no haya contenido sus mejores canciones, «Teatro» reveló profundidades hasta ahora insondadas en la capacidad interpretativa de Willie Nelson. Lanois tiene un don para empujar a los músicos fuera de su zona de confort. A veces se alejan, como cualquiera que haya leído Crónicas de Dylan es consciente.
Menos son los que están familiarizados con el Lanois artista. Sus dos primeros registros solistas –«Acadie» y «For the Beauty of Wynona»– son gemas, con canciones folks que recuerdan las influencias franco-canadiense de las raíces de Lanois. Aunque lleno de una producción «emoción-de-sonido», que es su marca registrada, también muestra su destreza para componer y cantar. Sus registros más recientes han incluido, o han sido completamente compuestas de, el trabajo instrumental que destaca su única voz en pedal steel, y guitarras acústicas y eléctricas. Omni Series es una caja con tres nuevos CD’s, sin voces, y una docena de postales con reproducciones de fotografías de Lanois –tan evocadoras como su música.
El primer CD, Steel, muestra a Lanois en lo que él llama su «pequeña iglesia en una maleta», su guitarra pedal steel. Los admiradores de la Buddy Emmons School de virtuosismo no tienen que salir corriendo y comprar este set. Steel presenta esta herramienta baluarte de la música country en una nueva luz. En las manos de Lanois esto se convierte en un instrumento de misterio y ambiente. Aunque estas diez pistas hacen un guiño al sonido doliente de Tom Brumley en una balada de Buck Owens, ellas viven en un mundo más moderno de ambigüedad emocional.
El disco 2, Purple Vista, enfatiza los experimentos sónicos del productor. En su mayoría compuestos por las mismas guitarras, pianos, bajo y batería disponible para el resto de nosotros, demuestra que, con un poco de reverberación aquí, un pequeño delay, y una visión pictórica de mezclar sonidos y tonalidades, pequeños gestos musicales pueden crear grandes emociones.
Santiago, el disco 3, contiene temas pensados para un documental sobre los Pixies pero no suena nada parecido al punk pop de esa banda. Es en su lugar, Lanois en su momento más pastoral. Una versión de «JJ Leaves L.A.» del disco Steel, demuestra cómo él transforma lo que podría haber comenzado como una pieza de solo pedal steel, en un esfuerzo del ensamble.
Aunque el procesamiento en los estudios juega un papel importante en el sonido de Lanois (si usted está interesado en el método detrás de la magia, rastrear la versión en DVD de «Here Is What is»), su trabajo instrumental en toda la Omni Series demuestra cómo cualquier modificación sónica surge directamente del modo en que Lanois toca sus instrumentos elegidos. También se pone en primer plano su especial habilidad para hacer que los elementos tradicionales de «raíces» músicales, sean importantes en nuestra época actual.
La Omni Series no es solamente para estudiantes de producción de grabaciones o completistas de Lanois. Estos tres discos hacen una gran banda sonora para la vida de alguien, sin caer en el el papel tapiz musical. Como los «muebles musicales» de Erik Satie, usted no tiene que prestar atención, pero si lo hace será recompensado.
Fuente para la reseña: Michael Ross para http://www.puremusic.com/90lanois.html
01. JJ Returns to L.A. (2:50)
02. Love Come Back To Me (3:44)
03. The Hunter (2:57)
04. JJ Leaves L.A. (3:07)
05. Carolina (1:12)
06. House of Soul (3:02)
07. Before You Wake (2:30)
08. Warm Up To The Heart (2:24)
09. Tears of a Thousand Rains (2:26)
10. In Crystal (3:49)
Artist List (Steel)
Daniel Lanois: pedal steel guitar
Tony Mangurian: drums on «Love come back»
Brian Blade: drums on «House of Soul»
Lori Anna Reid: piano on «House of Soul»
01. Tamboura (3:15)
02. Plains of Abraham (2:28)
03. Steamdog (2:09)
04. New Smoke (2:22)
05. Tremolo (2:02)
06. Berlin (2:17)
07. Filter Acarina (2:22)
08. Conveyor (2:24)
09. Purple Vista (3:21)
10. Kay Fuzz 3D (4:42)
Artist List (Purple Vista)
Daniel Lanois: guitars, treatments
Brad Mehldau: piano on «Filter Acarina» and «Flametop Piano»
Brian Blade: drums on «Tamboura» and «Kay Fuzz 30’3′»
Daryl Johnson: bass on «New Smoke»
Disco 3 – Santiago
01. For Chris (4:59)
02. Santiago (6:06)
03. Flametop Piano (4:07)
04. Me and Jim (1:59)
05. Trembling Leaves (1:10)
06. JJ Leaves L.A. (3:44)
07. Flametop Piano (reprise) (3:05)
08. Frozen Bells (2:19)
09. Dusty Cross (3:57)
10. Bell Toll (1:31)
Artist List (Santiago)
Daniel Lanois: pedal steel, acoustic and electric guitars
Steven Nistor: drums
Marcus Blake: bass
Jim Wilson: guitar, piano
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Filed under: Bill Frisell | Etiquetas: Bill Frisell, Bossa, Brad Mehldau, Dadi, Jazz, Liminha, Luis Alves, MPB, Paulo Braga, Sidinho, Vinicius Cantuaria
Samba Carioca (2010)
Cantante, guitarrista, compositor, baterista y percusionista, Vinicius Cantuaria es un reconocido y célebre músico brasileño del género de la Bossa Nova y el Jazz. Nacido en Manaos (Amazonia, Brasil), Vinicius creció en Rio y a mediados de los 90, tras algunos discos de éxito, emigró a Nueva York.
Conocedor de numerosos géneros musicales, más o menos relacionados a la música brasileña, Vinicius fue líder de la banda de rock “O Terço”, editó seis discos en Brasil en los 80 y fue pionero de la música neo-brasileña en 1996 con su álbum “Sol na cara” (Grammavision). Pronto se convirtió en una de las figuras más importantes del Nueva York downtown, multiplicando las colaboraciones con artistas tan eclécticos como Brian Eno, Laurie Anderson, Brad Mehldau, Arto Lindsay, Bill Frisell, Marc Ribot, David Byrne y Ryuichi Sakamoto.
Como compositor, Cantuaria ha tenido grandes éxitos con “Lua e Estrela” (grabada por Caetano Veloso en 1981), “Coisa Linda”, “Só Você” y “Na Canção”. Como sideman, ha acompañado a Caetano Veloso y Chico Buarque, por citar a alguno de los más conocidos.
En Nueva York, Vinicius editó cinco álbumes de estudio de dimensión internacional: “Sol Na Cara”, “Tucuma”, “Vinicius”, “Horse & Fish” y “Silva”. En 2008 firma con Naïve y edita su álbum “Cymbals”, grabado con la crema de los músicos neoyorquinos: Brad Mehldau, Michael Leonhardt, David Binney, Erik Friedlander….
Con su nuevo álbum “Samba Carioca”, conservando a sus músicos neoyorquinos, Vinicius Cantuaria marca un retorno a sus múltiples raíces de origen brasileño. En efecto, además del equipo neoyorquino habitual (Brad Mehldau y Bill Frisell), Vinicius se ha rodeado de una impresionante paleta de músicos brasileños de todas las tendencias y de diferentes horizontes: primeramente, Arto Lindsay, productor del álbum; segundo, veteranos como Joao Donato o Marcos Valle y, finalmente, jóvenes músicos como Dadi o Sidinho.
Vinicius, que posee su propio estudio en New York y que viaja a menudo a Brasil, trabaja todos los días en diferentes dosis, creando una impresión de música simple, melódica y evidente, además de sofisticada.
El resultado es un álbum magnífico, de gran cohesión y diversidad remarcables, además de un clasicismo puro y completo. Casi un clásico, por uno de los maestros del género.
Fuente para la reseña: http://www.zonadecompras.com/Samba-carioca-Vinicius-Cantuaria/p/198849
Track Listing
1. Praia Grande (5:57)
2. Berlin (5:19)
3. Vagamente (2:52)
4. Inutil Paisagem (4:14)
5. Julinha De Botas (1:46)
6. Fugiu (3:35)
7. Orla (6:39)
8. Conversa Fiada (4:33)
9. So Ficou Saudade (6:06)
Artist List
Vinicius Cantuaria: guitarras, voz, teclados, percusión.
Brad Mehldau, Marcos Valle, Joao Donato: piano.
Bill Frisell: guitarra eléctrica.
Paulo Braga: batería.
Luis Alves: contrabajo.
Liminha: electric bass.
Dadi: guitarra eléctrica.
Sidinho: percusión.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Brad Mehldau, Chris Cheek, Jazz, Jorge Rossy, Larry Grenadier, Re-post
Blues Cruise (2006)
Incluso aunque él haya realizado sorprendentes perfomances, una tras otra, en álbumes de la Electric Bebop Band de Paul Motian, la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, Los Gauchos de Guillermo Klein, y varios grupos menos conocidos, aunque igualmente interesantes, Chris Cheek está todavía al acecho.
Su única posibilidad de ver a este saxofonista en vivo está en Nueva York o del otro lado del charco, donde él hace giras frecuentes. El problema no tiene nada que ver con la ejecución de Cheek. Es el juego: grabadoras, distribuidores, publicistas, críticos, redactores. Sin embargo, a Blues Cruise realmente lo conocí por alguna oreja caprichosa, y he tenido para saborear su agradable variedad de texturas y estilos
El antiguo Brad Mehldau Trio es la banda de apoyo en Blues Cruise. Cheek no podía haber tenido un equipo de ritmo más empático y sensible para este repertorio, que se extiende del calypso de «Flamingo» al cargado suavemente por el Rhodes, bossa-tango suave, «Coo» y la teñida de folk rock «John Denver», que en realidad suena a una convincente versión de jazz, ya que de otra manera sería un rock con guitarras eléctricas y bajo
El título de esta grabación parecería implicar que las melodías se centran alrededor del blues, pero no es así. Algunos temas tienen un sabor blusero. Pero parece haber más. Las baladas con saxofón soprano tienen la búsqueda de la calidad, mientras los jugueteos del tenor son más declaratorios.
El rico tono del saxofonista es el más notable en todas las partes de la grabación. Esto tiene una riqueza y un sabor de un vino fino o un habano. La vivacidad y calidad retozante del saxo tenor de Cheek, debe mucho a la influencia de Sonny Rollins, mientras su aptitud rítmica dibuja igualmente de Eddie Harris. Las comparaciones con Chris Potter y Donny McCaslin también vienen a la memoria, pero sin todo el chillido y la pirotecnia
Este disco es un testamento al hecho que no importa cuan lejos algún músico puede estar del foco de los medios de comunicación -y por consiguiente del público conocimiento- y que un gran solista, acoplado con una fabulosa banda de apoyo, puede hacer un poco de la música más fresca que usted alguna vez ha oído
Fuente para la reseña: Matt Merewitz para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=22386 – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Track listing
01. Flamingo (5:23)
02. Low Key Lightly (6:38)
03. Coo (6:49)
04. Squirrelling (5:45)
05. Song of India (3:50)
06. Falling (6:21)
07. Blues Cruise (7:46)
08. John Denver (6:09)
09. The Sweetheart Tree (5:08)
Artist List
Chris Cheek: saxophones
Brad Mehldau: piano, Fender Rhodes, electric keyboard
Larry Grenadier: bass
Jorge Rossy: drums, hand percussion
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Filed under: Sin categoría | Etiquetas: Brad Mehldau, Jazz, Jimmy Cobb, John Webber, Peter Bernstein
Somethin’s Burnin’ (1993)
El guitarrista Peter Bernstein, que tenía 25 años entonces, hizo su debut como líder en este CD. El toca bastante bien, como lo hace su amigo, el pianista con-mucho-futuro Brad Mehldau. Combinado con el bajista John Webber y el baterista Jimmy Cobb, Bernstein y Mehldau (quien era casi reconocible en este temprano punto) tocan tres temas del guitarrista, cuatro standards de jazz, y «Mr. Kenyatta» de Lee Morgan, todo en un moderno estilo hard bop. Aunque Bernstein (quien a menudo suena un poco a Wes Montgomery) y Mehldau crecieron bastante desde 1992, esto era un fino comienzo de sus carreras.
Fuente para la reseña: Scott Yanow, All music Guide
Apunte: ustedes ya saben como somos…a veces la historia la conocemos al revés; escuchamos los últimos discos de un artista, nos enganchamos con él y empezamos a husmear en sus comienzos. Creo que Peter Bernstein debe ser el guitarrista contemporáneo habitué de MQC más «clásico», por así decirlo, con los pies bien plantados en la tradición, pero con la conciencia de que es un músico del siglo XXI. Es interesante este disco porque es escuchar donde empezaron tanto él como Mehldau, y además porque está una leyenda como Jimmy Cobb, diviertiéndose con los «young lions». Bernstein, a pesar de sus 25 años, en ese entonces ya aseguraba un buen swing y frases bien hilvanadas y cantarinas con su guitarra…como ven, seguimos husmeando en la huella de los guitarristas junto a los pianistas.
Una cosa más: espero que con estos últimos quince días de escasos posteos hayan podido ponerse al día, porque vengo «orejeando» muchas cositas retrospectivas y otras más actuales para que hagamos un paseo por diferentes épocas y estilos. Abrazo y que empiecen bien la semana.
Track Listing
1. This Could Be The Start Of Something Big (Steve Allen)
2. Afterglow (Peter Bernstein)
3. Booker’s Little Blues (Peter Bernstein)
4. Mr. Kenyatta (Lee Morgan)
5. On A Misty Might (Tadd Dameron)
6. Isn’t This A Lovely Day (Irving Berlin)
7. Love For Sale (Cole Porter)
8. Sideburns (Peter Bernstein)
Artist List
Peter Bernstein: guitar
Brad Mehldau: piano
John Webber: bass
Jimmy Cobb: drums
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Belladonna (2005)
Daniel Lanois hace algo realmente diferente en el mundo de la música. Su estilo realmente no cabe en ningún género que puede ser encontrado en las disquerías. Unos pueden llamarle cósmico, folk, ambiental, rock, espiritual, o soul … pero la verdad es una combinación de todas estas cosas. Él ha sido anunciado como uno de los productores más brillantes y muchos músicos se han beneficiado de la presencia alquímica de este mago de estudio y explorador acústico.
Belladonna a diferencia de Shine (o Rockets), es un álbum plenamente instrumental. En un camino, la grabación sigue la oscura senda experimental de sus precursores, y parece haber tomado muchos de los mejores elementos de sus varios proyectos y los ha combinado en una mezcla insólita, pero el resultado emociona profundamente, intelectualmente estimula, y la música es insistentemente progresista.
Estos trece temas enormemente movilizantes están llenos de sonidos y atmósferas que hacen escuchar a Lanois en una imaginativa, espiritual y excitante experiencia. Muchos músicos invitados pasan para verter sus talentos en varios números, pero aún cuando esto implique ejecutantes sumamente expertos, el acento de Belladona está dedicado a la producción de los sockeantes momentos de belleza estética.
«Two Worlds» pone el tono para la mayor parte de lo que seguirá, con guitarras deformadas y atmosféricas que entran en el set para crear un organizado pedazo de ruido caótico. Usando el estudio como un instrumento, Lanois logra producir efectos máximos con un activo mínimo. El sentido de dinámica a menudo varía de pista a pista, pero su empleo económico del silencio y la mezcla de tonos sombríos y ligeros es magistral, produciendo así paisajes sonoros con una profundidad emocional que despierta la más profunda de las emociones.
Hay muchso puntos altos en este álbum para mencionar, pero el verdadero convite son las reflexiones de Lanois en el pedal de acero. Las pistas como «Desert Rose» y «Carla» lo encuentra meditando sobre su instrumento, que va a la deriva en la nostalgia y en un mundo sublime. Pero con pistas como «Agave», traen los sonidos de una orquesta mexicana que juguetea alrededor de la esquina, y «Frozen», con sus melodías reggae dobladas, él parece divertirse.
La coherencia de la música es significativa: tal es el estado de crudeza en la cual Lanois deja sus pistas. Ellas son todas piedras preciosas sin refinar y sin brillo. En general, el trabajo de Lanois es caracterizado por una sutileza dramática que está más en el estado de ánimo que en la melodía. Belladonna es contemplativa, llena de gracia, nostálgica, espiritual, y tierna sin excesos. Un muy intrigante y bello trabajo.
Apunte: bellísimo disco de Lanois; vendría a ser como el soundtrack de una película donde uno es el protagonista, baja todos los cambios posibles, te vas desarmando, y terminás reconciliado con vos mismo.
Fuente para la reseña: Nenad Georgievski para http://www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!
Track listing
01. Two Worlds (2:03)
02. Sketches (4:23)
03. Oaxaca (2:49)
04. Agave (1:58)
05. Telco (3:34)
06. Desert Rose (1:51)
07. Carla (2:02)
08. The Deadly Nightshade (4:02)
09. Dusty (1:38)
10. Frozen (3:17)
11. Panorama (3:01)
12. Flametop Green (2:27)
13. Todos Santos (5:31)
Artist List
Daniel Lanois (pedal steel guitar)
Brian Blade (drums)
Brad Mehldau (piano)
Daryl Johnson (bass)
Malcolm Burn
Victor Indrizzo
Bill Dillon
Aaron Embry
Gilbert Castellanos
Michael Desson
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Filed under: Sin categoría | Etiquetas: Bill Stewart, Brad Mehldau, Jazz, Larry Grenadier, Peter Bernstein
Heart’s Content (2003)
Nacido el 3 de septiembre de 1967 en la ciudad de Nueva York, el guitarrista Peter Bernstein ha sido parte de la escena del jazz en Nueva York y en el extranjero desde 1989. Durante aquel tiempo participó en más de 60 grabaciones y en numerosos festivales, conciertos y actuaciones en clubes con músicos de todas las generaciones.
Como líder, Peter ha hecho cinco grabaciones para el sello Criss Cross Jazz. El último, Heart’s Content, destaca una sección de ritmo de primeras figuras como Brad Mehldau, Larry Grenadier, y Bill Stewart. Bernstein tiene un enfocado concepto musical que destaca un tono puro y frases cantantes. Él escoge notas con cuidado y crea solos inteligentes e interesantes. Peter es también un prolífico compositor. Junto a «Blood Count» de Billy Strayhorn y la canción «Dedicated to You» el CD ofrece seis composiciones de Bernstein.
Mientras era estudiante en la The New School, Peter encontró al legendario guitarrista Jim Hall, que le pidió que participara en su Invitational Concert como la parte del JVC Jazz Festival de 1990. El acontecimiento presentó a guitarristas tales como John Scofield y Pat Metheny y fue grabado en CD por Music Masters. Hall una vez dijo que Peter «… ha prestado atención al pasado, así como al futuro. Él es uno de los guitarristas jóvenes más impresionantes que he oído. Toca lo mejor de ellos, todo con swing, lógica, sentimiento y el gusto”. Aquel mismo año, Peter fue descubierto por el saxofonista alto Lou Donaldson y participó en la primera de cuatro grabaciones con él. Fue miembro regular de su grupo a lo largo de los años 1990. «Algunas personas solamente lo tienen». Dijo Donaldson . «… la mayor parte del tiempo uno tiene que enseñarle a alguien que hacer, pero Peter lo sabe todo».
Peter también ha tocado con el legendario baterista Jimmy Cobb (Cobb’s Mob), el organista Larry Goldings, el Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell, y Eric Alexander y ha actuado en Norteamérica, Europa y Asia y ha hecho numerosas apariciones en televisión.
Peter ha enseñado en la Julliard School, el Berklee College of Music, North Texas State University, la New School Jazz Program y en el Jazz Conservatory de Amsterdam.
Peter se ha ganado el respeto de sus pares y mentores. Ha sido reconocido tanto por los críticos cuanto los lectores en una encuesta de la Downbeat Magazine durante los tres años pasados. Él sigue afilando su estilo de escritura e interpretación y ha desarrollado una voz distintiva e inolvidable de su guitarra completamente propia.
Fuentes para la reseña: www.allaboutjazz.com; www.freshsoundrecords.com – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte: hay un par de frases de la reseña que se ajustan perfectamente a lo que se escucha en este disco: «frases cantantes» y «escoge notas con cuidado y crea solos inteligentes e interesantes«. Tal cual. El modo prolijo en que Bernstein hilvana las frases (con Mehldau en el mismo plan) con su guitarra, le permite a uno ir siguiendo (y disfrutando) sin problemas, el «canto» de la misma. Sin estridencias, con un repertorio dentro de un estilo clásico dentro del jazz contemporáneo y neoyorkino, Bernstein y compañía se las arreglan para hacer un buen álbum de energía contenida; dentro de un nivel muy parejo de todas las composiciones, los temas que más me gustaron son «Heart’s Content», «Constant Conversation», la balada «Dedicated to You» y «Simple as That»; en un disco en que los roles principales están a cargo de Bernstein y Mehldau, este último en menor medida, me hubiera gustado escucharlo a Bill Stewart un poco más jugado (recordar lo brillante que está en Modinha, New York Trio Recordings, Vol 1), pero eso no debe haber estado en los planes de la producción del album.
Track Listing:
1. Little Green Men (P.Bernstein) (7:42)
2. Heart’s Content (P.Bernstein) (7:09)
3. Relativity (P.Bernstein) (8:41)
4. Constant Conversation (P.Bernstein) (8:12)
5. Dedicated to You (Cahn / Chaplin) (7:12)
6. Simple as That (P.Bernstein) (8:32)
7. Public Domain (P.Bernstein) (6:59)
8. Blood Count (B.Strayhorn) (2:50)
Artist List
Brad Mehldau: Piano, Liner Notes
Bill Stewart: Drums
Peter Bernstein: Guitar
Larry Grenadier: Bass
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Filed under: Sin categoría | Etiquetas: Brad Mehldau, Jazz, Larry Grenadier, Leon Parker, Mark Turner, Peter Bernstein
Consenting Adults (2000)
Uno tiene que preguntarse por qué esta grabación de 1994 demoró cinco años para salir a la venta. Seguramente la calidad es superior a los estándares de Criss Cross y el espíritu de la sesión es incuestionablemente más robusto.
De todos modos ahora que Brad Mehldau, Mark Turner y Peter Bernstein (las primeras letras de sus apellidos nos da M.T.B.) se han afirmado como artistas, esta mirada retrospectiva dará pié para iniciar alguna discusión animada. En los casos de Turner y Bernstein, a sus funcionamientos parece faltarle bastante para terminar de formarse. Sin embargo, Mehldau toca tan firme con esta formación extendida que parece deshacerse de «la cosa de trío», él parece inclinar la conducción al infierno en esos días.
Consenting Adults parece a un título apropiado para esta cita, así como su material y los valores de funcionamiento sugieren un nivel de madurez más allá de la norma. Tome la apertura «Belief», que comienza con Charleston que suena antes de conducirlo hacia un arrastrar de pies propio de un mensajero. Esta es una línea difícil que no parece levantar una pestaña. Lo mismo va para una abrasadora toma de «From This Moment On», su ritmo clavado con la precisión parecida a un metrónomo por León Parker. Entre muchas disposiciones atractivas, «Limbo» de Wayne Shorter, está tan adaptado, llegando al punto de ser casi un tema completamente nuevo.
¿Se puede haber hablado y escrito demasiado sobre Mark Turner? Él toca con tal calor y autoridad, y esto llega a ser más perceptible aquí con un piano callado, y la lectura con el tenor en «Peace» de Horace Silver. El baterista León Parker, como Turner, está también muy por encima de su propia fama. De hecho, esta habría sido una grabación muy diferente de haber tenido a otra persona en la silla del baterista; no necesariamente una mejor grabación, solamente una diferente. El platillo muy seco de Parker y la batería golpeada y minimalista, contribuye a su acercamiento idiosincrásico.
A veces «más vale tarde que nunca» realmente es cierto y en el caso de Consenting Adults nosotros podríamos agregar que «las cosas buenas llegan a los que esperan».
Fuente para la reseña: B y C. Andrew Hovan para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte: tengo un dolor de zabeca que se me parte; no tengo ni un poquito de ganas de pensar
me contestó el Chelo en el chat cuando lo increpé por la falta del apunte, creo que lo que me dijo por hoy es suficiente. La Bestia Políglota
Track Listing
1. Belief (6:48)
2. Little Melonae I (7:13)
3. Phantasm (9:37)
4. Afterglow (5:47)
5. Limbo (7:26)
6. Consenting Adults (9:05)
7. From This Moment On (6:07)
8. Peace (5:57)
9. Little Melonae II (6:43)
Artist List
Mark Turner (tenor saxophone)
Brad Mehldau (piano)
Peter Bernstein (guitar)
Larry Grenadier (bass)
Leon Parker (drums)
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Filed under: Chris Cheek | Etiquetas: Brad Mehldau, Chris Cheek, Jazz, Jorge Rossy, Kurt Rosenwinkel, Matt Penman, Re-post
Vine (2000)
La sofisticación de Chris Cheek como escritor da un gigantesco salto con Vine, su mejor álbum hasta el momento. Se reúne el saxofonista con dos de los instrumentistas más famosos en el jazz, el pianista Brad Mehldau y el guitarrista Kurt Rosenwinkel, así como el bajista Matt Penman y el baterista Jorge Rossy. Mehldau toca el piano acústico en sólo tres pistas; en el resto, su instrumento elegido es el Fender Rhodes, que se mezcla con la guitarra de Rosenwinkel de modos sutiles, milagrosos.
«So It Seems» comienza el álbum con melodías arrolladoras y un sentido de doble tiempo con acordes de la era espacial. El solo de Rosenwinkel es sucio y distorsionado; su vocabulario expresivo toma algunos giros alarmantes y sumamente originales, como la disminución una nota con un bamboleo torpe para terminar un fraseo. En contraste, su solo en la rápida melodía de 6/8 en «Ice Fall», brilla con un tono limpio y líneas impecablemente ejecutadas. Mehldau está en su mejor forma en todas partes, poniéndose alrededor del Rhodes con aptitud consumada y tocando un piano hermoso detrás del saxofón soprano de Cheek en el dúo final del tema, «Not a Samba».
Hay un lado épico en la escritura de Cheek de la que no nos hemos enterado antes de este álbum. Además de «So It Seems» está «The Wing Key», una exploración teñida de latino que comienza con una serie de líneas de bellísimas armonías de saxo tenor/guitarra; «Granada», es un tema más introspectivo con estilo español, y «What’s Left», un brillante tema en 12/8 que Mehldau, Cheek, y Rosenwinkel estimulan cada uno a su turno con solos brillantes. Al contrario «Vine» y «Reno» son construcciones más simples, más similar a los elementos folk y country, oídos en el anterior álbum de Cheek, «A Girl Named Joe». Quizás esto es como qué hubiera sonado, si Keith Jarrett alguna vez se hubiera sentado con The Band.
No es exactamente sorprendente cuando un «dream team» de músicos como estos brillan con el esplendor instrumental. Pero esto adquiere una sensibilidad artística tan enfocada y totalmente realizada a medida que Cheek trabaja con materias primas al alcance de su mano y las eleva hacia algo demoledor.
Fuente para la reseña: David R. Adler, All Music Guide – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte: Realmente no defrauda este pequeño seleccionado de músicos!. No lo había escuchado a Cheek antes, pero si lo quieren asociar con alguien creo que pueden hacerlo con David Binney, en la búsqueda de llevar al jazz moderno un pasito más allá. Indudablemente, Rosenwinkel y Mehldau tienen muchísimo que ver en los buenos logros del disco, así que les propongo que le presten atención…
Track Listing
1. So It Seems (9:11)
2. The Wing Key (13:06)
3. Vine (6:39)
4. Ice Fall (7:57)
5. Granada (10:35)
6. Reno (7:33)
7. What’s Left (8:56)
8. Not a Samba (9:31)
Artist List
Brad Mehldau: Piano, Fender Rhodes
Kurt Rosenwinkel: Guitar
Jorge Rossy: Drums
Chris Cheek: Sax (Soprano), Sax (Tenor), Producer, Main Performer, Design
Matt Penman: Bass
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Preso ventanilla 