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Màrgo (2020)
Giovanni Francesca regresa por tercera vez a la casa de Auand, y lo hace con una actitud aún más madura y consciente. Después de haber dedicado tiempo y esfuerzo a elaborar arreglos y orquestaciones capaces de sacar a relucir timbres cada vez más refinados, esta vez con Màrgo el guitarrista apunta directo a lo esencial, liberándose de cada capa ulterior, para ir al corazón de su sonido. Y la formación, un trío con Dario Miranda al bajo y Luigi Del Prete a la batería, sólo acentúa esta elección.
El nacimiento del álbum estuvo completamente dedicado a este tipo de enfoque, como explica Francesca: «El sentimiento de libertad es sin duda una de las condiciones que perseguí: libertad de estructuras, arreglos y de una organización demasiado rígida de la música, cosas que probablemente estaban presentes en parte en discos anteriores. Creo que la idea básica era cuestionarme como músico y como compositor, pero también como hombre. Sentí la necesidad de calibrar mejor el carácter expresivo de mi música y mi instrumento, confiándoles mayores responsabilidades que en el pasado. La característica principal de este disco podría ser la extemporánea: la posibilidad de modelar la música según el momento y los niveles de comunicación entre los músicos».
La relación con los compañeros implicados resultó crucial: «No fue fácil encontrar a las personas adecuadas. Su presencia fue fundamental. De hecho, solo nos reunimos una vez para ensayar las canciones. La música salió de forma natural e instintiva. Dario y Luigi pudieron interpretar mejor mis visiones sonoras. Puede que no tengamos el mismo tipo de lenguaje, lo cual puede convertirse en una ventaja en determinadas situaciones, pero tenemos el mismo enfoque y la misma forma de entender muchos aspectos de la música en general: la forma de sentir el tempo y de adquirir las melodías, para dar un ejemplo. Ciertamente, un color particular lo representan los saxofones del formidable Vincenzo Saetta, presentes en dos piezas del disco».
Las visiones sonoras de Giovanni Francesca son la columna vertebral del álbum: extrapolados en gran parte de improvisaciones grabadas en el pasado, responden a la misma necesidad de inmediatez: «De vez en cuando – dice el guitarrista – presiono rec y empiezo a tocar libremente, luego vuelvo a escuchar y decido si hay algo que me gusta. Así nacieron canciones como “Luminoso” o “Terra di mezzo”. Y no sentí la necesidad de modificarlos o completarlos. En un trío, las posibilidades expresivas, al menos en términos de orquestación, pueden ser menores. Entonces traté de buscar un camino personal que pudiera, en cierto sentido, recoger mi idea de la música adaptándola a una situación menos cómoda pero más abierta y posible».
Fuente para la reseña: http://www.ijm.it/albums/display/927
Apunte: Hermoso álbum, lleno de ideas, con un sonido impecablemente amalgamado hecho de innumerables referencias musicales. Francesca narra, matiza, se vuelve onírico, retorna a las bellas melodías, se oscurece: las visiones sonoras de las que nos habla en sus liner notes. Muy recomendable!
Track Listing
1. Luminoso (5:53)
2. Rituale (4:05)
3. Terra di mezzo (6:00)
4. Taranta (6:18)
5. Verde (6:49)
6. Isola delle correnti (5:35)
7. Tutto torna (5:49)
8. Lanterne (3:34)
9. Forma mancante (6:16)
Artist List
Giovanni Francesca: guitar
Dario Miranda: double bass
Luigi Del Prete: drums
Vincenzo Saetta: alto, soprano (tracks 4; 8)
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Kush (2016)
Kush (Songlines, 4 de noviembre de 2016), un álbum melancólico y no forzado, rico en matices, es el cuarto del progresista guitarrista, compositor y a veces líder, Ryan Blotnick. Después de una década en la Gran Manzana, Blotnick regresó recientemente a su Maine natal y se propuso no solo separarse físicamente del bullicio y la intensidad candente de la escena de jazz de Nueva York, sino también hacer una ruptura musical. El resultado es una colección de ocho composiciones espaciosas de Blotnick influenciadas suavemente por ritmos derivados de África.
Blotnick no había ofrecido un álbum conjunto desde «Everything Forgets» y eso fue en el ’09. Pero para llegar a Kush, auto-produjo un álbum solo para guitarra , «Solo, Volumen 1″ de 2013 que fue probablemente un paso necesario. En ese momento supusimos que con este disco en particular “obtenemos un retrato de un guitarrista de jazz aprendiendo a ser un guitarrista sin género que sigue a su musa a donde sea que lo lleve. No instalar esas cercas, hizo que la música fuera mucho menos predecible y, por lo tanto, mucho más interesante». Esa ambivalencia y apertura de género también está siempre presente aquí, esta vez con el apoyo de Scott Colberg (bajo), y el mentor de Blotnick y líder de banda, el saxofonista Michael Blake.
Las canciones no se interpretan tanto como fluyen. «Kush» comienza con una bruma de abstracción, estableciéndose en un groove relajado de 17/8, extraído de tambores golpeados a mano; tanto Blake como Blotnick se embarcan en solos exploratorios. Los ritmos africanizados de drum ‘n bass prevalecen en «DX7» y Blotnick muestra un poco de su perspicacia rítmica de ser el guitarrista rítmico de toda la vida en Akoya Afrobeaty, luego lanza un solo que está más orientado al rock de lo que nunca antes había puesto en sus discos, y Blake recuerda la furia del saxo tenor y la emoción de Pharoah Sanders. Y es casi imposible escuchar «Lunenburg» -tan Americana con la brillante guitarra de Blotnick y la adición de pedal-steel de Jonny Lam- y no pensar en Bill Frisell. También clasificaría como una de las mejores canciones de Frisell (para el registro, Blotnick cita a otro guitarrista, Jakob Bro, como su principal influencia para esta canción). La guitarra se asienta en una dulzura suave, agradable solo por su brillante resonancia.
La guitarra de Blotnick en «May Day» es como funk en cámara lenta y la batería de Miller sale de la oscuridad y toma su lugar cerca del frente cuando Blake toma su turno. «Churchy» no es gospel, pero es relajante como el domingo por la mañana, engañosamente para que la progresión del acorde no vaya en línea recta y el saxo de Blake sea conmovedor y sereno.
Después de un par de números moderados y decididos tocados en 3/4 («Delaware», «And Bright Snow»), «Spring» termina el proceso con una hermosa balada de jazz, de la misma manera que Thelonious Monk hizo baladas. Y más que los otros siete temas, también se toca en la tradición del jazz, marcada por el canoro saxo soprano de Blake.
El dominio del espacio y del tono dentro de un entorno de improvisación, es un arte que pocos han dominado realmente; con Kush, Ryan Blotnick ha demostrado estar entre esos maestros tan raros.
Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2016/11/14/ryan-blotnick-kush-2016/
Apunte: Resultan muy esclarecedoras las liner notes del álbum en la página de Bandcamp de Ryan Blotnick: «concebido como un antídoto para las formas más agresivas del jazz de Nueva York, Kush ofrece valses recién acuñados, baladas inquietantes y más que un toque a lo Frisell, así como una variedad de ritmos que combinan jazz y sensaciones africanas». Lo que impera en Kush es la creación de contextos musicales, con ambientes que por momentos son serenamente brillantes y otros de una controlada volatilidad; el resultado es el de un magnífico álbum, un verdadero paso adelante de aquel irregular pero igualmente hermoso «Everything Forgets«, que supimos disfrutar en PV/MQC hace unos años atrás.
Track Listing
1. Kush (9:24)
2. Lunenberg (6:07)
3. May Day (7:02)
4. Churchy (4:56)
5. Delaware (6:59)
6. And Bright Snow (7:57)
7. DX7 11:54
8. Spring (4:55)
Artist List
Ryan Blotnick: guitar
Michael Blake: tenor and soprano sax
Scott Colberg: bass
RJ Miller: drums
Special Guest:
Jonathan Lam: pedal steel on «Lunenberg»
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Book Of Romance And Dust (2018)
Anyway , Opiates : huellas de un flujo creativo que parece finalmente haber encontrado su camino en el proyecto Exit North, y desde aquí listo para sumergirse en el vasto océano de la música de nuestros tiempos. Con Book Of Romance And Dust, Thomas Feiner reúne las piezas de una carrera artística deliberadamente fragmentada, reuniendo esas energías cultivadas en los proyectos de discos demacrados que desde 1993 han sido objeto de atención constante por parte de fanáticos obstinados y motivados.
Exégesis perfecta de ese romanticismo noir. de la vieja Europa, el debut de Exit North nació bajo las mejores esperanzas creativas, con una formación que además de dos viejos conocidos de Feiner, el pianista Ulf Jansson y el productor y multi-instrumentista Charles Storm, también hace uso de la presencia de Steve Jansen, ex Japan y hermano del más famoso David Sylvian, a quien el músico conoció en 2017 durante las grabaciones del álbum «Slope».
En la cubierta monocromática y helada, que captura la imagen de un bote de remos hundido en un lago congelado, se encuentra la esencia de la música de Exit North, sin una dimensión temporal y física bien definida: impalpable, minimal, cinemática, nocturna. Thomas Feiner y sus compañeros se aventuran en ese terreno intermedio que músicos como Mark Hollis, Scott Walker y David Sylvian han marcado a fuego, a veces moviéndose con cautela como si quisieran evitar emular gestos nobles del pasado, en algunos momentos bosquejan uniones con un cierto tipo de jazz experimental y esotérico valiéndose también de la preciosa colaboración de Lars Danielsson, sembrando emociones y recogiendo soledad, en un proceso físico y cerebral que tiene los contornos de la poesía y el romanticismo.
Los cinco minutos y veinte segundos de «Bested Bones» son suficientes para capturar completamente la atmósfera conmovedora y surrealista del álbum, una canción que Feiner ya había publicado en 2012 y que repite aquí para rendir homenaje a la memoria de Robbie Lloyd-Wilson, amigo y músico miembro del Autumn Chorus, quien murió en 2016 y está presente aquí en los coros. El piano y el contrabajo se ajustan a algunas notas a la manera de Japan de «Nightporter», y luego envuelven lentamente los arcos, los teclados y la voz de barítono de Thomas Feiner, quien excava en el surco que Scott Walker y Nick Cave han hecho familiar.
Todas las canciones están inspiradas en el piano por Ulf Jansson, quien dicta las pautas sobre las cuales se encuentran una infinidad de pistas melódicas nunca oprimidas por adornos innecesarios, libres para vagar entre ecos ambient o delicias tímbricas que evocan a Jon Hassell («Short Of One Dimension»), hasta tocar vértices de auténtica belleza en la centroeuropea «Lesson In Doubt» (al principio titulada «The Russian»).
Exit North usó el mismo esquema que The Blue Nile en «Hats», eliminando todo lo que era superfluo; de ahí el encanto cinematográfico y nocturno de «Sever Me» y «Spider», e incluso cuando las canciones parecen tomar forma, la esencialidad de los arreglos le da un encanto austero que parece ser el hijo de «Spirit Of Eden» de Talk Talk, que preserva una espiritualidad ascética, incluso cuando la tensión rítmica parece estar presionando («Passenger’s Wake»), o cuando la melodía se compromete con la frugalidad («Another Chance»).
Le corresponde en todo caso a «Losing» la tarea de condensar todas las ambiciones de un álbum fino y conceptualmente intenso; es en efecto en estos nueve minutos que Feiner, Jansen, Storm y Jansson logran capturar toda aquella fragilidad del ánimo humano que parece ser el leit-motiv del proyecto: las notas de piano se reducen al mínimo, la canción es trémula, los sonidos enrarecen, mientras que la voz de Anna Bylund capta un último toque de alegría, antes de que el silencio caiga en notas solitarias y heladas.
Book Of Romance And Dust es el manifiesto sonoro de cuatro músicos que parecen haberse dado cuenta del tiempo perdido en el diseño de lo que es natural y simple para ellos, es decir, la melancolía del alma que vive en la incertidumbre y la duda, en constante expectativa de un momento efímero de felicidad que reconforte la mente, y en esto, Exit North no tiene rivales válidos en la actualidad.
Fuente para la reseña: Gianfranco Marmoro para http://www.ondarock.it/recensioni/2018-exitnorth-bookofromanceanddust.htm
Apunte: En el año 2008 Thomas Feiner, rescatado por David Sylvian y su sello Samadhisound, marcó un hito en el desierto de la industria musical, aunque seguramente nunca lo supo, y si lo hubiera sabido, vaya a saber si le importaba. Se trató de la edición de su disco «The Opiates – Revised» que no era más que la afirmación explícita de la redefinición de la música épicamente romántica y profunda. Una verdadera gema que resistió (y resiste) el paso del tiempo. Muchos fanáticos en todo el mundo esperamos pacientemente más en todos estos años. Feiner, en cuentagotas, daba algunos indicios en su página web en Bandcamp. Temas sueltos, bocetos, no mucho más. Motivado por Steve Jansen, en el año 2014 nace la idea de un proyecto, al cual se sumaron el pianista Ulf Jansson y el productor musical Charles Storm. Ese proyecto devino en la banda Exit North y la materialización de Book Of Romance And Dust, una cautivadora colección de nueve canciones registradas en Göteborg, envueltas en una variedad de colores instrumentales invernales que incluyen piano, sintetizador, trompeta, armonio y una sección de cuerdas dirigida por Mikael Backegård. Finalmente, como en el pasado, vuelvo a pedirle a Thomas: por favor, no demoren tantos años en volver a grabar, muchachos…
Track Listing
01. Bested Bones (5:20)
02. Short Of One Dimension (5:53)
03. Sever Me (4:24)
04. Passenger’s Wake (3:58)
05. North (4:57)
06. Lessons In Doubt (4:05)
07. Spider (4:43)
08. Losing (9:11)
09. Another Chance (4:00)
Artist List
Ulf Jansson: Piano, Keyboards
Charles Storm: Synthesisers, Treatments, Guitars, Bass, Voices
Steve Jansen: Keyboards, Drums, Percussion, Sound Design, Backing Vocals
Thomas Feiner: Lead Vocals, Trumpet, Additional Piano, Additional Guitar, Harmonium
Strings
Max Wulfson: Violin I
Hanna Eliasson: Violin II
Tuula Fleivik Nurmo: Viola
Jung Hyun Byun: Cello
Hans Adler: Double Bass
Strings conducted by Mikael Backegård
«Lessons In Doubt», Mikael Backegård
«Bested Bones» & «Another Chance», Mikael Backegård & Thomas Feiner
«Sever Me», Thomas Feiner, orchestrated by Max Wulfson
Additional Vocals
Fyfe Dangerfield: «Bested Bones»
Robbie Lloyd-Wilson: «Bested Bones»
Hedda Älveby: «Bested Bones» & «Short Of One Dimension»
Anna Bylund: «Losing»
Additional Contributors
Lars Danielsson: Double Bass («Bested Bones», «Spider» & «Lessons In Doubt»)
Richard Hauer: Guitar («North»)
Mattias Tell: Acoustic Guitar ( «Short Of One Dimension»)
Bashar Sharifah: Cello ( «Another Chance»)
Isak Eldh: Field Recording («Losing)
‘Saxophobia’ sample («Another Chance») courtesy of Saidera Records
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Gefion (2015)
Ser guitarrista en ECM es cargar con una herencia muy pesada ya que la editora alemana fue la primera en percibir los cambios que la guitarra introdujo en el jazz. Cambios – entiéndase – en el sentido de la innovación y de la creatividad porque sí hubo otros cambios, pero en la dirección de la indecencia.
Metheny, Towner, Abercrombie, Frisell, Gismonti (y hasta Derek Bailey) reposicionaron la guitarra en el jazz y abrieron nuevos lenguajes para el instrumento que Manfred Eicher, responsable del sello, supo identificar y promover. Hoy, la posición de la empresa es diferente, mas interesada en mantener el lenguaje del sonido que la ayudó a definirse, como quien cuida un patrimonio. En este contexto, la relación con Jakob Bro es de convivencia, pues parece una forma de retomar la grandeza del pasado para intentar encontrar nuevos usos: un patrimonio vivo.
El sonido de este guitarrista danés funde el brillo melódico de Frisell con la acidez de Abercrombie. El músico comenzó su carrera discográfica en 2003 y llega a uno de los Olimpos de las grabaciones de jazz como líder (ya había grabado anteriormente con el grupo de Paul Motian el álbum «Garden of Eden» en 2004 y después, en 2009, «Dark Eyes», con Tomasz Stanko), después de 10 discos editados.
En el proceso de digestión y exploración de todas las innovaciones de los años 70 y 80, a las que hoy asistimos en las más diversas áreas creativas, escuchamos con placer el regreso del baterista noruego John Christensen que, a la par de DeJohnette, fue el músico que puso como base las primeras sesiones rítmicas de la casa (Jarrett, Garbarek, Weber, Towner, Rava, Abercrombie, etc.). Reescuchamos con placer su sonido metálico, con el uso intensivo de los platillos cortado con el bombo, y notamos que ahora esta más abierto y abstracto que en otros tiempos
En el contrabajo está el americano Thomas Morgan que ha integrado los diferentes grupos de Bro desde 2011. Ya lo escuchamos en «Communion», de Joao Lencastre, en una de las grabaciones de André Matos y en otros discos de ECM con Abercrombie y Taborn. Tiene un sonido fuerte y seguro que se integra particularmente bien en el plano musical conciso y simple del guitarrista, manteniendo clara y nítida la estructura melódica.
El disco suena magníficamente inviernoso en sucesivas audiciones. Alegremente lento, es música para ir a ver la lluvia en el campo, con temas de una belleza serena y contemplativa. Previsible en cuanto al sonido, pero no por eso menos interesante en la música, escuchamos una guitarra bellísima, con composiciones que resuelven con elegancia y sorpresa los lugares comunes. Las guitarras de ECM comienzan a regresar a casa.
Fuente para la reseña: Gonçalo Falcão para http://www.distrijazz.com/es/smartblog/77_jakob-bro-trio-cr%C3%ADtica-ao-disco-gefion-na-jaz
01. Gefion (10:36)
02. Copenhagen (4:26)
03. And they all came marching out of the woods (4:34)
04. White (5:09)
05. Lyskaster (4:18)
06. Airport Poem (3:32)
07. Oktober (4:21)
08. Ending (2:46)
Rainbow Studio, Oslo, November 1-2, 2013
Artist List
Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Jon Christensen: drums
Streams (2016)
Streams es el segundo disco para el sello discográfico ECM Records del guitarrista danés Jakob Bro. Antes de su primer compacto, Gefion, Jakob Bro ya había aparecido en este mismo sello bajo las grabaciones del legendario baterista Paul Motian, Garden of Eden, y del trompetista polonés Tomasz Stanko, Dark Eyes. En todos estos proyectos, Bro había dejado siempre su marca personal, tal y como hace de nuevo en su más reciente trabajo, Streams.
Para esta ocasión el guitarrista danés se ha servido de una formación en trío conformado por Thomas Morgan al contrabajo y Joey Baron a la batería. El repertorio de Streams es original del líder de la sesión y la música resultante se mueve entre las reflexiones musicales, la delicadeza, la melodía y las notas musicales no expresadas, en muchas ocasiones tanto o más importantes que las emitidas.
En este trabajo en conjunto (que es como se podría calificar), necesario para los propósitos del guitarrista, la sección rítmica a veces sirve de colchón sonoro para que el líder pueda desplegar su discurso musical entre contemplativo y aeróbico, lo que provoca un juego de espacios sonoros brillantes y emotivos, llenos de riqueza y sutileza. Jakob Bro así mismo sabe imprimir en algunas composiciones cierto carácter explorador, como el homenaje que lleva a cabo al baterista Paul Motian en la composición «PM Dream» y donde Joey Baron da una lección de templanza interpretativa; o de carácter distorsionador como en el tema «Full moon Europa», o la extraordinaria graduación sonora de «Sisimiut». También hay que apuntar la pieza a solo que interpreta Bro en «Heroines».
Finalmente señalar el excepcional trabajo que desarrollan Thomas Morgan y Joey Baron, excelentes a lo largo de toda la grabación, atentos siempre al discurso musical del líder, no se puede esperar menos de dos de los mejores músicos de acompañamiento que hay en la actualidad.
Reseña de Joan Carles Abelenda para http://jazzrecordings.blogspot.com.ar/2016/12/jakob-bro-streams.html
01. Opal (4:40)
02. Heroines (5:35)
03. PM Dream (9:37)
04. Full Moon Europa (10:19)
05. Shell Pink (8:17)
06. Heroines (Solo) (2:33)
07. Sisimiut (7:30)
Artist List
Jakob Bro: guitar
Thomas Morgan: double bass
Joey Baron: drums
Apunte: dejé pasar un largo tiempo para despegarme de joyas como «Time», «December Song» o «Balladeering» para escuchar estos trabajos de Bro. Apenas vió la luz Gefion, tenía muy frescos esos discos con Konitz, Frisell y Motian y debo decir que no lo sentí como un paso hacia adelante. También hay que decir (y no es ningún gran descubrimiento) que estaba casi cantado que Bro inevitablemente fuera a grabar en algún momento como líder para ECM. Manfred Eicher tiene el marco exacto para las pinturas y texturas de Bro. En estos dos álbumes continúa de manera sencilla, donde lo menos es más, intentando mostrar que el mundo puede ser bello. Para eso cuenta con la ayuda de exquisitos músicos que comulgan perfectamente con su propuesta, en especial Joey Baron que está simplemente magnífico a lo largo de todo Streams. El barco de Bro cambia de tripulantes pero no cambia de dirección. Y está bien, no hay ley escrita o algo por sentado que diga que debe olvidar todo lo hecho y arrancar de nuevo. Seguramente, ya llegaran otros vientos.
Password en ambos casos: presoventanilla
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West (2014)
Vincent Courtois es hombre de imagen. No solo si piensa en la banda original del dibujo animado «Ernest et Célestine», la cual él compuso, sino porque su música es resueltamente cinemática, evocadora. El violoncelista tomaba prestada en «L’Imprévu» la insostenible ligereza bien rohmeriana; para «Mediums», también en compañía de Daniel Erdmann y Robin Fincker, sondeaba la extrañeza inquietante de las películas de la Hammer. Con West, se lanza a una road movie a través de espacios infinitos, y no cualesquiera, ya que son los mares y las lagunas que traman este álbum (editado, como es necesario, por el sello La Buissonne). Sin embargo tranquilícese, no hay ningún riesgo de oír aquí el menor canto de marinero. Se trata más bien de un embarque hacia grandes extensiones contemplativas, con sus súbitos remolinos. Si hay un canto, es el de las sirenas, en el arco más que nunca sensible enfrentándose con tumultos que podrían considerarse extraídos de una partición de Kodály («1852 mètres plus tard» – una milla marina, pues). Una pieza repetida al final del álbum, como una vuelta al redil.
Courtois usa todos los timbres viajeros del violoncelo, que los pizzicatos transmutan sutilmente en el kora o en la guitarra plena de blues, el espacio de un instante. Toda travesía se realiza en solitario. Este rumbo al Oeste no escapa a la regla, aun cuando embarcará aquí y allá algunos compañeros de viaje, como Federico Casagrande en «At the end of the Day», registrado en compañía del violonchelista. En primer lugar al pianista Benjamin Moussay, presente en casi la mitad de las piezas, y cuyo poderoso imaginario se confronta a las mil maravillas con la de su anfitrión. La pequeña lluvia fina del noroeste que se asienta en « Nowhere » esparce la quietud que les permite a ambos músicos desarrollar atmósferas donde cada detalle cuenta. A la inversa, la construcción muy buscada de « West » permite a la multiplicidad de las voces bambolear al oyente en grandiosas turbulencias, entre un obstinado loop de clavecín y un arco errante.
Luego los saxofonistas Ermann y Fincker se unen, y la atmósfera es entonces de divagación. ¿Alucinaciones en el mar? « Freaks » enciende los farolillos de un pequeño baile lánguido y West se tiñe de reminiscencias procedentes de «Mediums». Moussay se une a Fincker en « Tim au Nohic », y el gran tiempo se anuncia: la pieza es corta, como un grano súbito, pero encarna el pico de intensidad del álbum, si no es su cumbre. Los diferentes teclados se frotan, chocan, se rompen sobre el juego conquistador de las cuerdas, mientras el tenor intenta emerger de las olas. Luego la calma vuelve tras la tormenta y Erdmann plantea (« Désarçonné ») un soplo rocoso sobre el reajuste.
Courtois persigue la construcción paciente y atenta de un universo absolutamente singular. Lo demuestra la embriaguez de « Sémaphore » donde, por el juego del re-grabaciones, él juega consigo mismo. Este disco es una isla en medio de la inmensidad, una isla que, a falta de ser desierta, encierra numerosos tesoros. Abandonemos el norte de las brújulas. West es la dirección que hay que tomar.
Fuente para la reseña: Franpi Barriaux para http://www.citizenjazz.com/Vincent-Courtois-3471400.html
Apunte: Qué se puede decir de West? Qué tiene una belleza extraña y sutil? Qué en el ir y venir de su dinámica musical reside el poder hipnótico en el que uno cae? Qué el sonido, mezcla de camarístico, clásico y ambient llevan todo este asunto a momentos sublimes??? Si. Se puede decir todo esto. Gran disco. Absolutamente recomendable.
Track listing
01. So Much Water So Close To Home (4:12)
02. 1852 Metres Plus Tard (8:24)
03. Modalités (3:45)
04. Nowhere (4:36)
05. L’intuition (3:15)
06. West (6:07)
07. Freaks (3:56)
08. Tim Au Nohic (3:00)
09. Desarconné (2:57)
10. Sémaphore (2:41)
11. 1852 Metres Plus Tard Version Courte (4:29)
Artist List
Vincent Courtois: cello, guide chant (4), all compositions
Daniel Erdmann: tenor saxophone (3, 7, 9)
Robin Fincker: clarinet (3), tenor saxophone (7, 8)
Benjamin Moussay: piano, harpsichord, celesta, toy piano (3, 4, 6, 8, 9)
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Ambient, Indie, Jazz, Mats Eilertsen, Olavi Louhivuori, Thomas T. Dahl
Sun Moee (2015)
SkyDive Trio es el guitarrista Thomas T Dahl, el bajista Mats Eilertsen y el baterista Olavi Louhivuori. Si estos nombres suenan familiares, posiblemente es porque el trío constituye las tres quintas partes del disco SkyDive de Eilertsen, donde Tore Brunborg y Alexi Tuomarila son las otras dos, y las tres séptimas partes del proyecto «Rubicon» también de Eilertsen, donde Eirik Hegdal, Trygve Seim, Rob Waring y Harmen Fraanje son las partes restantes de la fracción.
Fracciones aparte, «Sun Moee» es tanto el título de una intensa y apasionante canción (Dahl) y un desinhibido y manipulador melódico álbum de trío de guitarra que vive una buena vida en el eco de Bill Frisell, Pat Metheny y ocasionalmente Terje Rypdal y Peter Green. Thomas T Dahl (quien ha escrito tres canciones, mientras que Eilertsen (3) y Louhivuori (1) completan el resto del material original) es la voz dominante del álbum con sus diferentes temperamentos de sonido, constante sentido melódico e impecable y cristalino fraseo, pero Eilertsen y Louhivuori también tienen papeles importantes en creatividad y sensibilidad en sus manos para la rica interacción del trío.
Por lo tanto, «Sun Moee» nunca se convierte en un especie de álbum de «solista con respaldo», especialmente subrayado con el final, «Four Words», pieza de timbre escultórica de Louhivuori que puede ser visto como una ruptura con el resto del repertorio del disco o como un muy interesante extensión del trío a travez de expresiones tonales y temporales.
Eso dice algo sobre esta fuerza creativa del trío que la versión de «Sour Times» de Portishead es, quizás, la pista menos interesante del álbum, y como tal podría fácilmente haber cedido lugar a más material original. Sin embargo, Sun Moee es un álbum que es fácil de querer, y un producto artesanal que viene con toda la autoridad del esfuerzo y maestría musical. Incluso en los casos en que la inspiración de esta obra maestra parece flotar peligrosamente, es difícil sentir nada de eso, salvo la alegría por los logros de este trío.
Fuente para la reseña: Terje Mosnes para Jazzinorge.no
Apunte: Mats Eilertsen es un músico conocido en nuestro blog: en el pasado, hemos escuchado sus álbumes como líder y otros como compañero de ruta del pianista Tord Gustavsen. En esta oportunidad, junto a dos de sus músicos habituales decide nombrar al trío como uno de sus álbumes («SkyDive», 2011, editado también por el sello Hubro), y también cede el protagonismo a la guitarra de Thomas Dahl. Este no es un típico trío de guitarra de jazz, ya que la música que se escucha tiene sonoridades de un indie-rock reflexivo y también (como corresponde a gran parte de la música nórdica) algo de ambient. Las referencias a Metheny y Frisell que se hacen sobre Dahl en la reseña son ciertas, pero tampoco son excesivas, apenas ciertos detalles de sonido. En resumen, sin llegar a ser excepcional Sun Moee es un muy buen disco que confirma la calidad y solidez de la discografía de este grupo de músicos nucleados alrededor de Mats Eilertsen.
Track Listing
1. Bravo (5:03)
2. Talbot (7:49)
3. Slow Turn (6:50)
4. Sour Times (6:31)
5. Signs (3:56)
6. Sun Moee (7:48)
7. Becks Back (6:22)
8. Four Words (6:27)
Artist List
Thomas T Dahl: guitars
Mats Eilertsen: double bass
Olavi Louhivuori: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Alfredo Laviano, Ambient, Cecilia Finotti, Fusión, Jazz, Mauro Campobasso, Mauro Manzoni, Pier Mingotti, Rock Progresivo, Stefano Paolini
Transitions (2007)
Después del precedente «Punto Zero» editado por DDQ/Black Saint, continúa la unión artística de Mauro Campobasso y Mauro Manzoni con Transitions, editado en el 2007 por el sello Dodicilune. Y la casa discográfica salentina no se desmiente tampoco esta vez, proponiendo, como tradición, un viaje de 360 grados sobre la calle de las músicas imposibles por álbumes y artistas siempre interesantes en una visión global, entre jazz, clásica, contemporánea y las músicas del mundo. Como sucede a menudo, también en esta ocasión es casi imposible y también reduccionista intentar catalogar e incluir este nuevo trabajo en un determinado género, que tiene su esencia en la experimentación y en la improvisación. Dividido en dos largas suites, a su vez formadas por más partes, los vientos de Manzoni y las cuerdas de Campobasso son acompañadas, a diferencia de su estreno, de la bonita y particular voz de Cecilia Finotti, el bajo de Pier Mingotti y las percusiones de Alfredo Laviano y Stefano Paolini.
Transitions es una mezcla de sonidos eléctricos y acústicos en el que encuentran espacio fragmentos de música urbana, rumorismo y muestreos de naturaleza electrónica en una alfombra ideal que abarca desde el post-rock a la fusión, pasando por el ambient y la vanguardia. Las diferentes intervenciones solistas como tales no resultan nunca tan protagonistas, resultando determinantes para las distintas atmósferas que se van creando poco a poco en una sucesión de emociones y colores.
Transitions es sin duda un trabajo que atrapa y fascina, del cual, una vez que hemos entrado en los diferentes ambientes sonoros, es difícil quedar indiferentes. Un viaje fuertemente aconsejado, en el que gracias a sus dotes y gusto, los protagonistas consiguen en difícil tarea acompañarla plenamente en una mezcla de sabores y sugestiones, permaneciendo sin embargo siempre alineados y coherentes durante todo el trayecto.
Fuente para la reseña: Luca Labrini para http://www.jazzitalia.net/recensioni/transitions.asp#.VT6pBSF_Oko
Apunte: Transitions es una obra conceptual atravesada por diferentes géneros musicales, a la que debe prestarse especial atención desde principio a fin, ya que se trata de dos suites particionadas donde el ambiente sonoro, plagado de detalles, muta de tal forma que por momentos se tensa y en otros se distiende como en un constante movimiento pendular. Transitions es un viaje imaginario, colectivo y tan atractivo, que nos llama a emprenderlo una vez más cuando el epílogo se acalla.
Track Listing
Transitions 1
01. Opening (2:37)
02. Part 1 (4:23)
03. Part 2 (3:59)
04. Part 3 prelude (1:05)
05. Part 3 (6:28)
06. Part 4 (4:09)
07. Intermission: The Passage (4:55)
Transitions 2
08. Part 1 (6:10)
09. Part 2 (4:50)
10. Part 3 (0:35)
11. Part 4 (2:42)
12. Part 5a (1:36)
13. Part 5b (1:00)
14. Part 5c (3:28)
15. Part 5d (3:04)
16. Part 6 (4:59)
17. Part 7 (5:00)
18. Part 8 (4:42)
19. Part 9 (4:42)
20. Part 10 Epilogue (2:53)
Musicisti:
Mauro Manzoni: sax tenore, soprano, baritono, clarinetto basso, percussioni, electronic devices
Mauro Campobasso: chitarre, drums and samplers programming, electronic devices
Cecilia Finotti: voce
Pier Mingotti: basso
Alfredo Laviano: batteria e percussioni
Stefano Paolini: batteria
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A Flutter and Some Words (2009)
Desde la ya lejana aparición musical de Ingrid Chavez y entre las dos décadas pasadas, fue casi una tarea la de rastrear su crecimiento musical. Aquellos que están en conocimiento del trabajo de Chavez la recordarán a partir de sus días con el equipo de producción de Paisley Park (uno de los muchos proyectos de lado de Prince), resultando en la presentación de su grabación debut de 1991, “May 19, 1992″. Aquel álbum era una mezcla juiciosa de golpes de skeletal dance, minimizados ganchos pop, y callada poesía. Oyendo aquel álbum hoy, ahora traiciona la parafernalia de los valores de producción de principios de los años 90 y parece sufrir del síndrome “demasiado cocinado”, con Chavez luchando por espacio para acomodar su arte.
Por otra parte, usted también entiende que Chavez estaba sobre algo en el camino del lenguaje musical, siendo que ella fue una de las primeras artistas combinando la palabra hablada con una sensibilidad de pista de baile. Ella, después de todo, acredita ser coescritora con Madonna del sensual corte musical, “Justify My Love”, un poema en tono amoroso, sexual, y la controversia que reformó la idea del público de la lírica del pop. Después de la presentación de su debut y unos cuantos singles moderadamente acertados, Chavez pareció desaparecer de la opinión pública y poco se oyó de ella. En realidad, ella se casaría con el pionero del pop-art, David Sylvian, en ocasión contribuyendo a su trabajo dominando el fuerte maternalmente y silenciosamente haciendo diseños para un próximo álbum, que finalmente vería la luz después de 19 años.
A Flutter and Some Words es el esfuerzo combinado de Chavez y el compositor italiano Lorenzo Scopelliti, que inicialmente envió a Chavez una composición un par de años atrás, que arrancó su proceso colaborativo co-escritura. La mayor parte de este álbum fue reconstruido lentamente juntos, sobre todo por Internet, con los dos artistas enviando por correo electrónico sus contribuciones entre EEUU e Italia. Este cambio transatlántico es evidente en el álbum; aparece una cepa de jazz europeo que subraya a la música. Esta influencia en particular es la que borra todas las preconcepciones que podrían existir de coquetear con el pop bailable de Chavez de tiempos antiguos. Considerando que muchas de las canciones en este álbum trabajan dentro de las estructuras del jazz (aunque no exclusivamente), las fronteras más limitantes del formato pop son quitadas, permitiendo a Chavez lograr más espacio en sus diseños y experimentar libremente con otras texturas acústicas. Esto también permite a su voz, fresca y clara como el agua fresca, respirar más fácil en el aireado espacio de la música.
De hecho, Flutter es todo sobre espacios, tanto privados como abiertos, cediendo lugar a una serie de instrumentos en vivo (bronces, instrumentos de viento de madera, cuerdas). Estos sonidos chocan y se enrollan alrededor del centro desde donde la voz de la cantante emana, pero ellos nunca amenazan con sobrepasarla. El álbum, además, está principalmente desprovisto de los golpes bailables que aparecieran pesadamente en su debut, excepto el primer single “By the Water”, un delicado hip-hop, escasamente coloreado por los gritos suaves de una trompeta y las ondulaciones digitales de un sintetizador.
Lo que realmente abre Flutter, de hecho, son los lejanos números más expansivos que muestran el crecimiento de Chavez como compositora de canciones. En “Mine”, los solitarios hilos de violín son su camino hacia las pensativas líneas de guitarra, circulares y arremolinadas en el ritmo de unos ligeros toques de percusión. Esto trabaja para crear el sentido de la soledad y resignación, sentimientos que son repetidos en otras pistas -como el corazón pesado de “No Goodbyes”, hechos más pesados por los golpes contemplativos, poderosos de un piano y sonidos sampleados de peniques cayendo (quizás del cielo?) . Hay también una sugerencia de otros sabores musicales en la mezcla acústica; la pista de título asigna una figura rítmica de jazz clásico por vía de un golpe electrónico y evoca los días de “fossa”, el ahumado club nocturno brasileño de los años 50 que fue hecho popular por el gusto de Maysa Matarazzo y Nora Ney. Negociando en tocar jazz estándar para instrumentos de viento de madera, la canción aún conserva el romanticismo exuberante que “fossa” tuviera, mientras se está realizando desde un punto de vista contemporáneo.
En otra parte, Chavez explora un terreno más arenoso, como en los ritmos terrosos, fracturados de “Tightrope”, una obra de sonidos secos y metálicos, crujidos, y gemidos que se ahogan en un etéreo blues. Aquí, logramos tener una idea de la clase de invención que ocurrió entre bastidores; no es tanto un sentido de demostrar cualquier tipo de técnica musical, sino la de introducir al oyente a formas alternativas de hacer música. Aunque intrincado e ingeniosamente trabajado, nosotros nunca sentiremos que somos enseñados en el M.O. del pop-art.
Esto llega hasta la interejecución entre Chavez y Scopelliti; una interacción, desafío, y la aceptación de las ideas musicales que en última instancia distinguen el acercamiento más amanerado y sereno de Scopelliti a la espontaneidad y el abandono de Chavez. Y de algún modo el trabajo maneja un equilibrio elegante de imaginación y disciplina. Esta actitud es expresada abiertamente en “Back Roads”. La pista destaca un zumbido sintetizado que suena como si estuviera siendo transmitido desde algún sitio fuera de la canción, imprimiéndole un sentido de urgencia. El clarinete que corta su camino por las campanas y carillones orbitales en la mezcla etérea es un toque agradable y curioso. En la canción, Chavez canta sobre la oportunidad a expensas del confort, dejando las carreteras secundarias y lo que es más importante, poder salir y afirmar una identidad.
A Flutter and Some Words llega este invierno. Parece justamente adecuado para una estación que respira con un sentido alternado de calma y ráfaga. Esto llega con seguridad, pero no sin un sentido de turbulencia -algo no exactamente extraído en los 19 años pasados que tomó para que este álbum se materializase. Una brújula en medio del ritmo y la canción, Chavez navega alrededor de las emociones de duda y deseo, componentes iguales en las rutinas de vida. Este no es un álbum de amor renacido, sino de seducciones, viejas y nuevas, ocurriendo en el aire preocupado.
Fuente para la reseña: Imran Khan para http://www.popmatters.com – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Apunte: Ingrid Chavez es un caso extraño en el mundo del pop: habiendo tenido la oportunidad de colaborar con estrellas globales como son Prince, Lenny Kravitz y Madonna y con otros artistas más ocultos y vanguardistas como David Sylvian y Ryuichi Sakamoto, apenas atesora un puñadito de discos a su nombre. Artista sensible y de susurrante voz, tuvo la suficiente apertura mental como para haberse apartado de la música para las pistas de baile, para luego adentrarse en una música más entrecruzada por diferentes géneros y de carácter más intimista, sin perder el encanto. Nota: esta obra había sido posteada originalmente en MQC, pero las mudanzas entre Blogger y WordPress hicieron que se perdiera en el camino. Debido al interés demostrado por algunos amigos (y al mío propio) reaparece en Presoventanilla. Salud!
Track listing
01. Wing Of A Bird (1:09)
02. Mine (4:58)
03. Exhale (0:27)
04. A Flutter And Some Words (5:35)
05. The First Darshan (Song For Ameera) (1:59)
06. Back Roads (5:23)
07. By The Water (4:09)
08. Path Of Rain (3:13)
09. Returning To Seed (4:55)
10. Tightrope (3:27)
11. No Goodbyes (4:55)
12. Terrible Woman (6:20)
13. Isobel (4:20)
14. A Flutter Coda (1:26)
15. Dreamland (Bonus Track) (3:46)
Artist List
David Baglietto: tabla
Riccardo Barbera: bass (electric), cello, double bass
Ingrid Chavez: arranger, composer, Fender Rhodes, lyricist, vocals
Joe Dolson: Violin
Fabio Linoti: drums
Gianpiero Lo Bello: flugelhorn
Allesandro Mazzitelli: drum programming, electronics, Fender Rhodes, guitar (electric), percussion
Edmondo Romano: clarinet, clarinet (Bass), sax (soprano)
Valter Rosa: composer, guitar
Lorenzo Scopelliti: cello, composer, dilruba, electronics, keyboards, ney flute, shakuhachi, xiao
Jacqueline Ultan: cello
Richard Werbowenko: composer, guitar, keyboards, programming
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Sidetracked (2005)
Sidetracked es el segundo álbum de Jakob Bro, el cual se destaca como un original híbrido entre el jazz, la música ambient y la electrónica. Después de haberse desempeñado principalmente, en distintas constelaciones relacionadas con el jazz, este álbum presenta otra dimensión del universo musical de Bro. Su característico sonido de guitarra ha sido reducido a un mínimo, a favor de la electrónica, acordes sintetizados y beats programados, combinado con un número de músicos especialmente invitados tocando en varios de los tracks. Sidetracked se destaca como una mezcla vibrante de ideas musicales y géneros suspendidos en un refrescante y excitante cruce de campos -algo que también se pone de manifiesto por el hecho de que el álbum fue recompensado con dos premios de la música danesa en el año 2006, uno por «Danish Jazz Release of the Year» y el otro por «Crossover Release of the Year»
Apunte: Primera incursión en el mundo de Jakob Bro, que como veremos en los próximos posteos es bien particular porque la música que Bro ofrece es un contemplativo y atmosférico cruce de géneros. En Sidetracked, Bro toca solo (eventualmente) guitarra acústica y se concentra en generar sutiles capaz electrónicas y detalles de sonido para crear bellas melodías y allanar el camino a Mark Turner, Chris Cheek y Chris Speed, las verdaderas voces solistas de este disco. Ejemplo de esto último que les digo (y mis highligths) son los bellos temas «A Head Full Of Stars», «Freedom Beach», «Hometown Melodies» y «Twilight Detour». Para escuchar sin apuros, Sidetracked es un álbum manso y tranquilo que se disfruta de principio a fin.
Fuente para la reseña: http://www.jazzloft.com/p-53385-sidetracked.aspx
Track Listing
01. Introduction (:51)
02. The Dark Side (5:37)
03. Three To See The King (3:02)
04. A Head Full Of Stars (5:00)
05. Freedom Beach (4:39)
06. Sleep (4:10)
07. Out Of Time (3:22)
08. Dear Old South (1:31)
09. Hometown Melodies (4:15)
10. Green Sky (4:46)
11. Twilight Detour (4:14)
Artist List
Mark Turner: saxophone
Chris Cheek: saxophone
Chris Speed: saxophone, clarinet
Ben Street: bass
Jonas Westergaard: bowed bass
Jakob Bro: acoustic guitar, programming
Rune Borup: keyboards, programming
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Tiny Resistors (2008)
Activo sideman, el bajista Todd Sickafoose es más conocido por su trabajo con la DIY** cantante/compositora de canciones Ani Di Franco. Pero él también ha estado muy ocupado sobre los bordes externos del jazz, que trabaja con artistas incluyendo a John Zorn en «Voices in the Wilderness» (Tzadik, 2003), Tin Hat Trio en «The Rodeo Eroded» (Ropeadope, 2002), y Scott Amendola Band en el muy fino «Cry» (Cryptogramophone, 2003). Este puede ser el disco de Amendola que enganchó a Sickafoose con Cryptogramophone para Tiny Resistors, su tercer disco como líder, pero el primero en recibir la más amplia difusión. Irrespective, es un asunto mucho más aventurero y ecléctico que el en gran parte establecido «Blood Orange» (Secret Hatch, 2006), mereciendo el apoyo de Cryptogramophone y la mayor atención pública.
Ocupando su propio espacio, este es la clase de disco que simplemente no podría haber sido hecho antes de que Bill Frisell comenzara a torcer el jazz sobre su lado a mediados de los años 90. Con dos guitarristas -el compañero de banda de muchos años de Norah Jones, Adam Levy y el relativamente recién llegado Mike Gamble- la inclinación de Sickafoose por los grooves relajados (a menudo dispuestos en métricas irregulares) y la armonía sesgada, lo hacen una combinación extraña de raíces accesibles y desafiantes, inequívocas influencias de grabaciones de Frisell, incluyendo el conducido por cuerno «Blues Dream» (Nonesuch, 2000), el rico en samples «Unspeakable» (Nonesuch, 2004), y el sonido ambient-americana de «Floratone» (Blue Note, 2007). Además de la formación de guitarras gemelas y el juego de una colección más extensa de instrumentos que toca él mismo (varios teclados, vibráfono y marimba), el grupo principal de Sickafoose incluye tres bronces, batería y percusión, con apariciones como invitado del saxofonista Skerik, DiFranco y el violinista Andrew Bird, para un set de once originales con el énfasis puesto en la palabra original.
Sickafoose crea amplios paisajes sonoros de firmes grooves, parecidos a una zapada, compensados por arreglos que se sienten nacidos del momento, a pesar de que allí no hay forma de que pudieran haber hecho arreglos sin estar perfectamente concebidos. La guitarra folkl acústica que rasguean y limpian las eléctricas, consiguen «Everyone is Going» de un principio apacible, pero con la trompeta, el trombón y el saxo tenor tejiendo líneas largas, serpeantes y fuera del ritmo desbaratado que se solidifica despacio, una fundación es puesta para el caliente solo entonado de Shane Endsley, conduciendo a un final hipnótico donde el cambio de la dinámica gradualmente se disuelve para un llenado de electrónica que etéreamente se decolora a negro.
«Cloud of Dus» tiene la forma más clara, con sus cambios parecidos a una canción y la melodía de Bird que obsesiona. Sickafoose descansa el piano sobre su bajo eléctrico, mientras Levy entrega un solo prismático que supera cualquier referencia de Frisell en un lugar profundo. Los dos guitarristas conducen el funky «Warm Stone» junto al baterista Simon Lott y a la percusionista Allison Miller, con la línea de bajo de Sickafoose que no entra hasta cerca de un minuto. Tan parecido a un bosquejo, como parece un poco de la escritura de Sickafoose, su capacidad de formar la música combinando una multiplicidad de adornos en miniatura y derivados auditivos para hacer una emocionante escucha que combina la espontaneidad con el foco omnipresente y la intención.
Pleno de grooves poderosos y su propia mezcla de diversos marcadores estilísticos que se combinan para un set de composiciones distintivas, Tiny Resistors es una apuesta segura para el hit de 2008.
Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=29567 – Traducción: La Bestia Políglota !!!
**DIY: «hazlo tú mismo», «hágalo usted mismo» abreviado como DIY (en inglés «Do It Yourself»). Se habla de DIY para referirse a aquellos artistas que, oponiéndose al sistema establecido por la industria musical actual, graban con sus propios medios (y en ocasiones con un presupuesto cero), autogestionan sus actuaciones, autopromocionan su música, etc. Definición de http://es.wikipedia.org/wiki/H%C3%A1galo_usted_mismo
Apunte: En mi abulia post receso estival, estaba absolutamente avasallado por el trabajo que me esperaba agazapado y me dejó hasta sin ganas de escuchar nada; hace un par de días atrás, me calcé los auris y me propuse adentrarme en Tiny Resistors, al cual caí de manera absolutamente azarosa. Lo he escuchado estos días varias veces. No solo de Frisell vive el hombre, Todd Sickafoose. En su música hay ecos de lo que hacen Jenny Scheinmann y Scott Amendola. El rango de estilos y la libertad con que aborda este set de canciones, hace parecer muy lejano ese primer disco que escucháramos de él, «Blood Orange» (ojo: «Blood Orange» es muy bueno, pero este es más jugado desde lo compositivo). Uno escucha las dos guitarras, el bajo eléctrico en «Bye Bye Bees», por ejemplo, lo que empuja Allison Miller desde la batería; los ruiditos y soniditos sembrados por aquí y por allá (como bien señala la reseña «su capacidad de formar la música combinando una multiplicidad de adornos en miniatura y derivados auditivos»), la voz sampleada de Ani DiFranco que parece escapada de un disco de Ryuichi Sakamoto de los años 80… y uno a uno, placenteramente los temas van pasando y concluyo que esto es otra música: felizmente, tiene ese poder hipnótico tan difícil de conseguir, sin estridencias, con medios sutiles a veces y elementales otras tantas; algunas composiciones pueden comenzar cerebrales, pero luego van tornando en calientes y emocionales; la música de Sickafoose tiene la particularidad de que uno por ahí escucha cosas que dice «esto lo he oído en otro lado», pero el contexto es otro, por lo tanto no la he escuchado antes. Este es un disco bien MQC: mezcla de géneros y estilos con el jazz moderno como marco musical. Fascinante, en definitiva.
Track Listing
01. Future Flora (6:26)
02. Invisible Ink, Revealed (5:08)
03. Bye Bye Bees (10:41)
04. Pianos of the 9th Ward (6:05)
05. Everyone is Going (8:01)
06. Cloud of Dust (6:08)
07. Warm Stone (4:46)
08. Paper Trombones (6:58)
09. Whistle (3:29)
10. Tiny Resistors (6:44)
11. Barnacle (3:50)
Artist List
Todd Sickafoose: acoustic and electric bass, piano, Wurlitzer, vibraphone, marimba, bells, celeste, accordion through a Leslie.
Shane Endsley: trumpet
Ben Wendel: tenor saxophone, bassoon
Alan Ferber: trombone
Skerik: baritone saxophone (5, 8)
Adam Levy: guitar (left channel), acoustic guitar
Mike Gamble: guitar (right channel), effects
Allison Miller: drums (2, 3, 11), percussion ( 5-10)
Simon Lott: drums (1, 4-10), percussion (2, 3, 11)
Andrew Bird: violin, looping, whistling
Ani DiFranco: voice, telephone mic, electric ukulele (4)
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