Preso ventanilla


Raffaele Casarano & Locomotive

Sobre el músico

Nació el 07 de Mayo de 1981; se acerca al estudio del saxofón a la edad de siete años con una fuerte pasión por la música, en particular el jazz, realizando los estudios con el maestro Fabio Sammarco docente en el Conservatorio “N. Piccinni” de Bari. Se diploma en saxofón en julio de 2004 en el Conservatorio de Música “T. Schipa”, de Lecce, con excelentes votos, con el maestro Luigi Fazi, estudiando jazz posteriormente con Roberto Ottaviano.

Frecuenta master clases con artistas como Dave Liebman, Emiliano Rodriguez y Maurizio Giammarco.

Ha colaborado y trabajado con: Paolo Fresu, Roberto Ottaviano, Eddy Palermo, Maurizio Giammarco, Buena Vista Social Club (Notte Della Taranta 2006), Meridiana multi_jazz orchestra (Pino Minafra, Nicola Pisani, Faraualla, Vittorino Curci, Gianni Lenoci, etc), Javier Girotto, Andrea Pozza, Patrizia Conte, Gaetano Partipilo, Ensemble Notte Della Taranta, Negramaro, Moni Ovadia, Anonima folk, Riccardo Pittau, Opa Cupa, Manigold, Vertere String 4tet Marian Serban, Marcello Zappatore, Bachire Gareche, etc.

En septiembre de 2004 funda el proyecto Locomotive que lo verá actuando en muchos clubes italianos pero en particular en enero de 2005 en el Sounds Jazz Club de Bruselas.

En mayo de 2005 funda junto a Andrea Sabatino, el Sabatino-Casarano 5tet con Nicola Andrioli (piano), Marcello Nisi (batería) y Marco Bardoscia (contrabajo)

De ahí comienza un año de preparativos para grabar luego su primer disco “Legend” en el sello Dodicilune Records, donde participa la Orquesta Del Conservatorio T. Schipa y el gran anfitrión Paolo Fresu.

R. Casarano es director artístico e ideólogo junto a la asociación MusicAltra, del “Locomotive Jazz Festival” desde la primera edición en agosto 2006, en su pueblo nativo Sogliano Cavour (Lecce).

El Festival ha hospedado a: Danilo Rea, Giovanni Tommaso, Javier Girotto, Fabrizio Bosso junto a músicos de jazz salentinos, con amplio consentimiento del público.

Fuente para la biografía: http://www.jazzitalia.net/Artisti/raffaelecasarano.asp#.VXifCvl_Okp
tapa Legend
Legend (2006)

¡Hay que ser un poco agrandado para atreverse a registrar un primer disco con una orquesta de cuerdas! Sin embargo, es lo que hizo el joven saxofonista italiano Raffaele Casarano.

Pero: ¿es una buena idea?
Sí y no.

Sí, en el sentido de que se demuestra unas ganas de cierta originalidad a través de este enfoque.

Y no porque algunas piezas tienden a volverse melosas por momentos y a perder así su eficacia. Aunque destilada con sobriedad, la orquestación diluye temas que sin embargo, se bastarían solos por sí mismos. Sin embargo, se observan algunos bellos arreglos que ponen de manifiesto una cierta idea de acompañamiento, cuya voluntad es integrar las cuerdas más cerca del cuarteto, por ejemplo.

Mientras tanto, Casarano también invitó a la estrella italiana de la trompeta: Paolo Fresu, a quien encontró, por casualidad, en un andén de estación (de ahí el nombre del grupo). A todo señor, todo honor: es el propio sardo quien abre el álbum con su fraseo inimitable y reconocible entre todos. Se une posteriormente con el saxofonista (que igualmente muestra una bella maestría al soprano) para un diálogo animado y entusiasta. Excepto las cuatro composiciones orquestadas (el groovy “Legend”, las gentiles baladas “Coccinella” y “My Head”, así como “Rue de la Tulipe”, un alegre ritournelle en homenaje al Sounds, club de jazz de Bruselas que acogió el cuarteto y a Paolo Fresu antes del registro del CD), las piezas más interesantes son aquellas donde el cuarteto se desempeña solo. Apreciamos entonces las rupturas, las esperas, las tensiones, las escapadas, las preguntas y las respuestas que se juegan entre el alto saxofonista y el excelente pianista Ettore Carucci. Carucci inflama más de una vez los temas por un enfoque en primer lugar sombrío y seco antes de hacerlos estallar bajo sus luminosas improvisaciones. Así, en “You Don’ t See Me”, empuja a Casarano a “pelearse” en un solo nervioso. Igualmente, su introducción desestabilizadora e inquietante en “The Fall” arrastra esta balada dolorosa y sensible hacia un intercambio musical más brutal. Es el pianista quien enerva “Larry” por sus intervenciones cortantes.

Finalmente, son estas piezas que revelan una hermosa dinámica de grupo en el que se encuentra un poderoso Marco Bardoscia en el contrabajo y un ardiente Alessandro Napolitano en los tambores.

Es el lirismo alegre y este espíritu de concisión que hace atractivo a este cuarteto. Y decimos entonces que esta locomotora no necesita cargar con demasiados vagones.

Fuente para la reseña: Jacques Prouvost para http://www.citizenjazz.com/Raffaele-Casarano-Locomotive.html

Track Listing – Legend

01. Legend (6:38)
02. Rue de la Tulipe (7:07)
03. The Fall intro (1:59)
04. The Fall (7:02)
05. Larry (9:20)
06. Coccinella (8:22)
07. You don’t see me (10:31)
08. My Head (4:57)
09. O que serà (A flor da Pele) (5:29)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto and soprano sax
Paolo Fresu: trumpet
Ettore Carucci: piano
Marco Bardoscia: bass
Alessandro Napolitano: drums
Alessandro Monteduro: percussion
Giuseppe Bassi: bass (2)
Dario Congedo: drums (2,5)

Orchestra del Conservatorio Tito Schipa directed by Massimiliano Carlini, arrangements by Simone Borgia (1,2,8) and Fabrizio Piccinno (6)

tapa Noe
Noè (2014)

Un estado, una dimensión, un lugar musical. Quizás una perspectiva, un horizonte, una dirección. Hay tantas posibles lecturas y sugestiones contenidas en “Noè”, el nuevo trabajo discográfico de Raffaele Casarano, firma valiosa para el territorio salentino, capaz de afirmarse entre los mejores músicos del panorama nacional.

Era esperado este retorno, después de “Argento” (su última grabación en estudio), del crecimiento del Locomotive Jazz Festival, dirigido por el mismo Casarano y la espectacular versión de “Lu rusciu de lu mare”, (que goza de la participación del amigo Giuliano Sangiorgi), que ha abierto la última edición de La Notte della Taranta y ya ha superado las 13 mil visualizaciones.

Los temas, en definitiva, no faltan, mientras se corre inexorablemente hacia el estreno nacional del disco, que será presentado en un “vivo”, en el Teatro Romano de Lecce, el próximo 22 de septiembre. Del trabajo, pero no solo, hemos hablado precisamente con Raffaele Casarano.

¿Cómo ha nacido el título y con que acercamiento ha tomado vida esta experiencia discográfica? “Viene del término hebreo, que significa ‘quietud’, silencio. Este disco ha nacido justo así: del silencio y de la quietud del tiempo, que ha tomado la forma de la experiencia, de las retrospectivas, de mi vida como es ahora. Eso es lo que hay hoy en mi idea musical. Soy un músico anómalo que hace jazz “de trazos rock”, que consigue dialogar con otros géneros musicales. Este es un álbum ‘abierto’ en el que no he ahorrado y donde el jazz no es mainstream: el enfoque es de contenido, deriva de un estudio pormenorizado sobre todos los géneros”.

El álbum está a punto de salir: que espera en particular de este trabajo? “Es el cuarto álbum que registro y, como siempre, trato de contar lo que he vivido, transformándolo en sonido. Todos los temas contenido en el disco fueron tocados y registrados en toma directa, todos juntos, en Correggio, en una única sala, prefiriendo también mantener el error (afortunadamente no hay) en una fusión de almas y sonido. Esta inmersión introspectiva para por ocho piezas en escala, entre las cuales está “Lu rusciu de lu mare” con la participación de Giuliano Sangiorgi”.

Entre las piezas, hay una que merece particular atención y es la que le ha dedicada a Vittorio Bodini. “Sí, me fascina nuestro poeta que ha contado el Sur. Me ha impresionado su idea de que se pueda repartir el territorio y gozar de una división, aunque el modo de mirar las cosas es diferente del mío. Fue un homenaje que gusté de tributarle”.

Qué diferencias hay desde el punto de vista musical entre “Noè” y el precedente “Argento”? “Existe siempre una continuidad en el trabajo de un artista, aunque yo soy como un electrocardiograma, que sube y baja, vive de cambios de humor. Argento era un disco contaminado, principalmente electrónico. En Noè prevalecen la implosión intimista y la emotividad”.

Aparte de Giuliano Sangiorgi, que ha participado en “Lu rusciu de lu mare” hay otras colaboraciones en el disco? “No hay, salvo el guitarrista de Negramaro, Emanuele Spedicato, que ha tocado la guitarra slide. Pero es una opción deseada, debía ser una experiencia muy íntima del cuarteto”.

A propósito del cuarteto, el álbum coincide con el décimo aniversario del “Locomotive Quartet.”.. “El cuarteto ha nacido hace diez años, aunque al principio vió la participación de Ettore Carucci al piano, Marco Bardoscia al contrabajo y Alessandro Napolitano en la batería. Luego con “Argento” el cuarteto ha visto las entradas de Mirko Signorile y Marcello Nisi. También por esta razón, el disco ha representado un momento propio de esta formación”.

Saliendo por un instante de “Noè”, hay otra experiencia que está mucho en su corazón y es el Locomotive Jazz Festival, que sin embargo este año se enriquece de una versión invernal. ¿Cuál es el balance de esta experiencia? “Muy positivo, visto que surge en un territorio fuertemente impregnado por la música popular y la pizzica**. Ha crecido, adquiriendo la atención a nivel nacional y europeo, pero el crecimiento exponencial se debió principalmente al público, que ha estado cerca nuestro y nos ha apoyado con entusiasmo. Precisamente por esto, estamos pensando en nuevas iniciativas de participación como la “Locomotive Card” que permite ser partidario del festival por un año, brindando algunas ventajas para los momentos culturales”.

Mientras te preparas al preestreno nacional del 22, que cosa apeteces todavía decir sobre el disco… “Querría hacer una invitación a adquirir los discos, porque si la música es solamente digital se pierde el sentido casi artesanal de una obra. En cambio, un disco es fruto de un trabajo paciente: usando una metáfora, es como el pan salido del horno y de las manos de un panadero. La música merece apoyo”.

**pizzica: danza folklórica popular originaria de la península de Salento, región de Apulia

Fuente para la reseña Mauro Bortone para http://www.lecceprima.it/eventi/cultura/terzapagina-raffaele-casarano-presenta-noe.html

Track Listing – Noè

01. Oriental food [R. Casarano] (4:31)
02. Gaia [M. Bardoscia] (5:39)
03. Amonefe [M. Signorile] (5:04)
04. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi] (4:39)
05. Ballata per Bodini [R. Casarano] (7:12)
06. Woman’s drive [R. Casarano] (7:54)
07. Legend [R. Casarano – Ed. Dodicilune] (6:53)
08. Arca di Noé [M. Signorile] (2:58)
09. Lu rusciu de lu mare [Trad./Casarano-Sangiorgi con G. Sangiorgi] (4:39)

Musicisti

Raffaele Casarano: alto e soprano sax, live electronics
Mirko Signorile: piano
Marco Bardoscia: contrabbasso, live electronics
Marcello Nisi: batteria
Giuliano Sangiorgi e Lele Spedicato featuring in “Lu rusciu de lu mare”

Password en ambos casos: presoventanilla

Apunte: Apadrinado por Paolo Fresu, Raffaele Casarano está concitando la atención de los medios italianos que ya lo consideran como uno de los más talentosos intérpretes de la nueva generación del jazz italiano. Fresu, lo quiere transformar en la joya de la corona de la creativa fragua del Tùk Music, sello dirigido por el propio Paolo. Seguidores como somos del jazz hecho en Italia no podía faltar en MQC/PV un par de muestras de lo que Casarano tiene para decir, que no es poco. Saludos!



Aldo Romano, Paolo Fresu, Franco D’Andrea & Furio Di Castri
agosto 23, 2014, 10:20 pm
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tapa Ritual
Ritual (1988)

Ritual de Aldo Romano tiene tanto una conexión italiana como una conexión francesa -francesa porque este CD post-bop fue registrado en París por una empresa francesa (Owl Records), e italiana porque todos los músicos son italianos (incluyendo al baterista Romano, el trompetista Paolo Fresu, el pianista Franco D’Andrea, y el bajista Furio Di Castri). Si una persona sólo pudiera tener una de las grabaciones de Romano en Owl Records, “To Be Ornette to Be” sería la opción lógica, ya que el excelnte tributo a Ornette Coleman es lo mejor que él ha grabado para Owl. Pero Ritual no es malo. Aunque no tan esencial como “To Be Ornette to Be”, esto es una decente excursión post-bop que encuentra a Romano desarrollando exclusivamente sus propias composiciones. El baterista no abraza ningún caballito de batalla del Tin Pan Alley; cada tema en Ritual es un original de Romano. Fresu añade toques de teclados eléctricos en alguna parte del material, pero en general, Ritual tiene una perspectiva acústica-orientada -y al fin y al cabo, esto es esencialmente una propuesta straight-ahead (a diferencia de la fusión). Aunque Romano sea capaz de tocar fuera/vanguardia, su cuarteto se atiene bastante a la improvisación interior en Ritual. Un poco de la escritura trae a la mente a Wayne Shorter, y algunas cosas recuerdan a las grabaciones post-bop de Miles Davis de principios a mediados de los `60. La manera de tocar de Fresu, en efecto, tiene una fuerte influencia de Davis (con algún reconocimiento de Chet Baker también). Fresu es consciente de Davis si está en la trompeta o en el flugelhorn; él obviamente admira el uso de Davis de la sutileza y la restricción. Nuevamente, Ritual no alcanza a ser esencial, pero es un decente esfuerzo que los admiradores incondicionales de Romano apreciarán.

Fuente para la reseña: http://www.artistdirect.com/nad/store/artist/album/0,,156232,00.html

Track Listing – Ritual

1. Magic of Tomo (7:00)
2. Woman’s Touch (7:40)
3. Ritual (8:40)
4. 9th (4:38)
5. Fragments (4:43)
6. Absence (6:53)
7. Fernando (7:18)
8. Anny’s Lullaby (4:47)

Artist List

Furio Di Castri: bass
Paolo Fresu: synthesizer, flugelhorn, trumpet, keyboards
Aldo Romano: drums
Franco D’Andrea: piano

tapa Dreams & Waters
Dreams & Waters (1991)

Track Listing – Dreams & Waters

01. Link (5:21)
02. A Joao (5:08)
03. Softly (6:29)
04. Dreams & Waters (8:39)
05. Fang Dance (4:32)
06. In A Silent Valley (7:07)
07. Palazzina Americana (5:44)
08. Dancing March (2:35)
09. Garibaldi (3:27)
10. Dance With Me (9:02)
11. El Fanguito (3:12)

Artist List

Aldo Romano: drums
Paolo Fresu: trumpet
Franco D’Andrea: piano
Furio Di Castri: bass

tapa Canzoni
Canzoni (1992)

Después de pasar por las más diversas experiencias musicales: el free como miembro del quinteto de Don Cherry, el jazz-rock con el violinista Jean-Luc Ponty, la carrera de Aldo Romano se ha caracterizado en los últimos tiempos por lo que podríamos llamar un mayor énfasis en la melodía.

El ejemplo más patente es esta sorprendente grabación japonesa, registrada hace 5 años, en la que afronta con valentía el riesgo de partir de un inusual repertorio compuesto por temas populares italianos, con el feliz resultado de un disco de jazz absolutamente ortodoxo cuya escucha es una auténtica delicia.

Excelente labor del veterano pianista Franco D’Andrea y sobre todo del joven trompetista Paolo Fresu, protagonista principal del álbum, cuyo estilo de influencias claramente davisianas (que aquí incluso podría recordar el delicado sonido de Chet Baker) confiere una singular belleza a este repaso del cancionero de su país, confirmando que se trata de uno de los músicos más interesantes del panorama europeo.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/aldoromano.htm

Track Listing – Canzoni

01. T’ho Voluto Bene (4:39)
02. Roma Non Fare La Stupida Stasera (5:24)
03. Munasterio A Santa Chiarer (4:49)
04. Sapore Di Sale (6:58)
05. Torna A Surriente (5:56)
06. O Sole Mio (6:15)
07. Anima E Core (5:22)
08. Reginella (5:27)
09. Come Prima (9:38)
10. Senza Fine (4:44)

Artist List

Aldo Romano: drums
Franco D’Andrea: piano
Paolo Fresu: trumpet
Furio Di Castri: bass

Apunte: Ritual, Dreams & Waters y Canzoni completan junto a “To Be Ornette to Be” y “Non Dimenticar” la discografía de este muy querible cuarteto italiano liderado por el gran Aldo Romano. Música sin estridencias, que no revoluciona nada, pero que masajea el alma y que, además, cuenta con varios momentos de sublime belleza. Un rescate emotivo dedicado especialmente a los seguidores de Romano y Fresu que visitan este blog.

Password en todos los casos: presoventanilla



Omar Sosa

tapa Calma
tapa Alma
tapa Eggun
¿Quién es Omar Sosa?

Omar Sosa es un prestigiado músico que ha llevado su cultura y sus raíces siempre por delante, que ha logrado crear una música de un gran gusto y nivel por el ámbito internacional, desarrollándose principalmente en el piano y como compositor.

Nació en la ciudad de Camagüey, la ciudad interior más grande de Cuba, en 1965. Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de música de su ciudad en su adolescencia, iniciándose en la marimba y la percusión como buen cubano, para luego tomar el piano como instrumento base cuando pasó a la Escuela Nacional de Música, y completó su educación formal en el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde se inició en el mundo del jazz.

Su estilo musical es predominantemente influenciado por el jazz, pero mezclado con sus raíces afro cubanas, y hasta con toques modernos de música tan aparentemente distinta como puede ser el hip-hop, el funk y electric beats. Uno de sus distintivos es el género llamado spoken word, donde vuelca sus letras de tintes políticos, sociales y espirituales en sus canciones. Su música se describe como una expresión de humanismo y de la santería cubana, jugando con varios elementos del free jazz, world music y el avant-garde.

Sus influencias están marcadas preponderantemente por la música afro-cubana tradicional y la música clásica como Chopin y Bartok, además de los grandes pianistas del jazz como Monk, Hancock, Chick Corea, Keith Jarret y su gran maestro, Chucho Valdés. Con una apariencia extravagante, muy personal y característica en escenario, usando batas estilo africanas y un gorro blanco extraño en la cabeza, lo han hecho resaltar, además de la forma particular de tocar el piano. Se suele presentar en directo con varias formaciones, ya sea en cuarteto, septeto o con orquesta completa, forma un “rumbón” tan sabroso y especial en cada uno de sus conciertos, muy a su manera, que lo han llevado a presentarse por los más prestigiosos festivales y foros alrededor del mundo.

En el año 1993 se mudó a Ecuador, donde se sumergió en las tradiciones folklóricas de la región de la costa noroeste, cuya herencia africana incluye la tradición distintiva de la marimba. Dos años más tarde se trasladó a San Francisco, California, donde se empapó de inmediato de la escena del jazz latino y se dio a conocer rápidamente en el gremio internacional del género, empezando a hacer colaboraciones con diversos colegas.

Su carrera discográfica comenzó en 1997, con el lanzamiento de su primera grabación como solista de piano, Omar Omar, dando base a seguir con la grabación de alrededor de 22 discos como líder de su banda durante su ya extensa carrera, que lo han llevado a obtener cinco nominaciones al Grammy en total. Destacan varios como “Prietos”, “Afreecanos”, “Bembon”, “Sentir” y “Mulatos”.

Una de sus características es que suele trabajar con una extensa variedad de músicos de América, África, Asia, Europa e India. Ha colaborado con gente como Steve Argüelles, Julio Barretto, Mino Cinelu, Miguel “Angá” Díaz, Marque Gilmore, Trilok Gurtu, Gustavo Ovalles, Carlos “Patato” Valdés; cantantes como: Lázaro Galarraga, El Houssaine Kili, Xiomara Laugart, María Márquez; con los maestros Paquito D’Rivera, Luis Depestre, Leandro Saint Hill, entre muchos otros.

Omar colaboró recientemente una vez más con Greg Landau para grabar el disco con la cantante peruana Susana Baca. Una de sus diversas bandas es Afreecanos, que combina afro pop y jazz con una variedad de instrumentos europeos. Esta banda, que incluye músicos de África, Cuba, Brasil y Francia, lanzó un CD en 2009 y se fue en una gira mundial a principios de 2010.

Anualmente realiza más de 100 conciertos en seis continentes, Omar ha aparecido en lugares tan diversos como el Blue Note (Nueva York, Milán y Tokio), del Carnegie Hall Zankel Hall, el Museo de Boston de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Artes de Detroit, el Walker Art Center, el Getty Center, Barbican de Londres y la Reina Isabel Hall, de Glasgow Royal Concert Hall, y la Haus der berlinés Kulturen der Welt. Ha participado en incontables festivales entre los que se encuentran: Monterey Jazz, JVC Jazz, Montreal Jazz, Marciac Jazz, Mar del Norte Jazz, Helsinki, Grenoble Jazz, Montreux Jazz, Nápoles Jazz, Ravenna Jazz, Roma Jazz, Spoleto, WOMAD, y el festival internacional de Jazz de Ciudad del Cabo.

Asimismo, Omar Sosa recibió un premio a la trayectoria de los Asociados del Smithsonian en Washington DC en 2003, por su contribución al desarrollo del jazz latino en los Estados Unidos. Ha recibido dos nominaciones de la Radio 3 World Music Awards de la BBC, en 2004 y 2006. En 2003, Omar Sosa recibió un premio por la Asociación de Periodistas de jazz de Nueva York por su álbum “Sentir”.

Uno de sus grandes trabajos ha sido el disco que grabó con el reconocidísimo chelista y compositor Jaques Morelenbaum, junto con la Big Band de North German Radio de Hamburgo. El álbum fue grabado en 2007 y 2008 en los estudios de NDR en Hamburgo y cuenta con arreglos de Jaques Morelenbaum, de temas extraídos de discos anteriores como: “Spirit Of The Roots” de 1999, “Bembón” del 2000, y “Afreecanos” del 2008. Celebraron algunas actuaciones en directo con la Big Band, una de ellas en el festival Banlieues Bleues de Paris y en el famoso Palau de la Música en Barcelona, con Morelenbaum como director de orquesta.

Su música ha sido usada para películas y para la televisión, colaboró en 2008 en la banda sonora para el documental de PBS, “El juez y el general”, y completó la banda sonora de la película de 2010, “El último vuelo del flamenco”, producida por Fado Filmes en Lisboa, Portugal.

En 2011, Omar lanzó su quinta grabación de piano solo, Calma, que recibió una nominación al Latin Grammy, compuesto por 13 improvisaciones de piano solo, fusionando elementos estilísticos del jazz, nueva música clásica, ambient, y la electrónica.

En enero de 2012, colaboró con el trompetista italiano Paolo Fresu, en el disco titulado Alma, contando nuevamente con la colaboración del violonchelista Jaques Morelenbaum. Su actual trabajo musical se titula: Eggun: The Experience Afri-Lectric, lanzado en febrero del 2013, que juega con diversas expresiones de la cultura espiritual africana; Sosa lo describe como un tributo a los espíritus de aquellos que se han ido antes que nosotros, tanto en nuestras familias personales como de aquellos que sirven como nuestros guías espirituales. El álbum empezó con la experimentación que le gusta siempre hacer en cada disco, indagando en lo que el bautizó como “Afri-Lectric”, por un encargo que se le encomendó en el 2009 por el festival de jazz de Barcelona para componer y producir un homenaje a los clásicos de Miles Davis del disco “Kind Of Blue” por el motivo de su 50 aniversario. Basándose en varios elementos musicales y motivos de “Kind Of Blue”, Omar escribió una suite de la música que honra el espíritu de libertad en el trabajo seminal de Davis. El disco cuenta con 15 temas, llenos de sonidos de trompetas y dos saxofones, basado en la raíz de la música africana, mezclado con texturas de jazz, este se enriqueció aún más por el uso sutil y acertado de algunos elementos electrónicos, sin perder el corazón africano.

Omar Sosa ha sabido combinar bien sus raíces con la música contemporánea, llevándolo a ser uno de los mejores músicos hoy en día, es un visionario musical con un toque y un gusto exquisito por aportar nuevos sonidos a la música con gran talento y un viaje a nuevos paisajes sonoros, para satisfacer los gustos más refinados de cualquier escucha.

Biografía publicada en http://acidconga.com/recomendacion/omar-sosa

Calma (2011)

El último disco de Omar Sosa (Camagüey, 1965), tiene algo (o mucho) de disco zen; su audición produce en el oyente sensaciones de tranquilidad, calma, sosiego, equilibrio y reposo. Y es que esto es la Calma, título del disco, “estado de la atmósfera cuando no hay viento. Paz, tranquilidad”. O si se prefiere, dicho de otra manera, la mística de la quietud. (También es cierto que, según el estado en el que el oyente se encuentre, puede darle un ataque de taquicardia y de ansiedad debido a tanta quietud).

Esta no es la primera vez que Sosa se enfrenta en una grabación al piano solo, de hecho este es el quinto disco en su carrera que se enfrenta a semejante reto, y el resultado final no ha podido ser más positivo. Grabado en Brooklyn el 14 de octubre e 2009 en una sola sesión, recoge trece temas que son una continua improvisación, tanto en lo referente a temas nuevos como a revisiones de creaciones antiguas; como es el caso de las versiones de Aguas, basada en Across Africa y Dance Of Reflection, basada en Muevete en D.

En palabras del propio pianista: “Cada título inspira el siguiente y la improvisación es la base de la expresión musical. Quería tocar desde el principio hasta el final sin pensar en los temas, simplemente sentir a donde me llevaban las notas, siguiendo la voz de mi alma. Es posible hacer una viaje de la mano del silencio, la esperanza, el optimismo y la tristeza”. Se podrá decir más alto pero no más claro.

Como suele suceder en los trabajos de Sosa, en su piano hay, por supuesto, elementos jazzísticos, que conviven amigablemente con influencias tan dispares como los sonidos étnicos o la música clásica de los impresionistas del siglo XIX (léase, Satie). Todo ello conforma, en las manos de este pianista, una música amable y agradecida, tanto para el músico como para el oyente.
Con Calma estamos en presencia de uno de los mejores discos que se pueden escuchar de piano sólo. No se lo pierdan.

Reseña de José Manuel Pérez Rey http://www.distritojazz.es/2011/04/omar-sosa-calma/

Track Listing Calma

01. Sunrise (3:51)
02. Absence (4:02)
03. Walking Together (3:39)
04. Esperanza (5:24)
05. Innocence (3:28)
06. Oasis (3:13)
07. Aguas (3:41)
08. Looking Within (5:05)
09. Dance of Reflection (3:47)
10. Autumn Flowers (3:44)
11. Reposo (3:34)
12. Madre (3:24)
13. Sunset (4:05)

Artist List

Omar Sosa: electric piano (tracks: 3,6), electronics, Grand Piano

Alma (2012)

El disco es el resultado de la colaboración de dos grandes músicos de la escena jazzística actual, una mezcla de jazz y música cubana y universal, melódica y emotiva. Alma es un extraordinario y elaborado trabajo musical: fresco e innovador, cálido y emotivo. Un encuentro de dos experimentados y prolíficos músicos contemporáneos. “Nuestra premisa es la libertad y siempre buscando la comunicación, en ocasiones a través de la espiritualidad. El lirismo es parte de nuestra forma de comunicarnos a través de la música”, explica Omar Sosa.

Sobre su encuentro con Paulo Fresu, Sosa explica que se conocieron en Lituania hace ya varios años, pero no comenzaron a colaborar hasta hace cuatro, “aunque nuestro primer encuentro fue en Cerdeña en el marco del Festival que él dirige llamado Time in jazz y de ahí decidimos hacer algo más juntos”.

En cuanto a su más que prolífica carrera, plagada de discos en solitario, Sosa defiende que “simplemente intento traducir el mensaje que llega a mí, no fuerzo absolutamente nada”. En su opinión, “la música llega y yo lo único que hago es buscar la manera de plasmarla. El resto es trabajar continuamente para estar listo y no dejar que pase ninguna oportunidad”.

Respecto a la apostilla de ser el músico cubano menos cubano, Sosa dice que “la cubanía no se define con un tumbao. Se puede ser 100% cubano tocando música contemplativa. Aunque en lo personal me interesa mucho más ser un músico universal que solamente cubano en su forma estética. Creo que en esta vida hay mucho, mucho que aprender y para esto aunque debes tener tus raíces claras, debes esta totalmente abierto a recibir los mensajes vengan de donde vengan”. Por último, en cuanto a su visión general del jazz, defiende que “es una filosofía, la filosofía de la libertad y creo que aun falta mucho para ser realmente libres, vivimos dentro de demasiados arquetipos estéticos y sociales impuestos por la sociedad que no dejan que la libertad sea un elemento base en nuestra vida. Todas estas limitaciones, esto sin duda se reflejan en el arte porque la música es una de sus manifestaciones y no escapa a esa falta extrema de libertad, algo que es básico en el jazz”.

Fuente para la reseña: http://www.granadahoy.com/article/ocio/1394072/sosa/se/puede/ser/cubano/tocando/musica/contemplativa.html

Track Listing Alma

01. S’Inguldu (5:35)
02. Inverno Grigio (5:28)
03. No Trance (3:36)
04. Alma (5:49)
05. Angustia (4:34)
06. Crepuscolo (3:15)
07. Moon On The Sky (5:59)
08. Old D Blues (6:36)
09. Medley: Niños (4:00)
10. Nenia (5:23)
11. Under African Skies (7:28)
12. Rimanere Grande! (2:58)

Artist List

Omar Sosa: piano [acoustic], sampler, other [Fender Rhodes, Microkorg, multieffects], percussion, vocals
Paolo Fresu: trumpet, flugelhorn, percussion, whistle, other [multieffects]
Jacques Morelenbaum: cello

Eggũn: The Afri-Lectric Experience (2013)

En estado de gracia. Así se encuentra el pianista de Camagüey tras una década larga de proyectos fascinantes que tenían su semilla aún más lejos, en ese enorme disco que es “Bembón” (2000), pero que con “Mulatos” (2004) se sintetizaba definitivamente en ese peculiar estilo que mezcla las raíces afro-cubanas de su música con la experimentación, la libertad absoluta, la espiritualidad siempre presente y un amor por la tradición jazzística que amalgama el conjunto, entretejiendo las costuras con el fuerte hilo de la herencia. Omar Sosa ha demostrado a lo largo de una sólida carrera, que se inició a mediados de los noventa en Estados Unidos y que ha tenido su mejor desarrollo desde que se instaló definitivamente en Barcelona a finales de esa misma década, su pasión por la música sin fronteras, su compromiso con la creación pura, su voluntad de probar encuentros imposibles. Caminos distintos que él ha hecho sin miedo a perderse, buscando la conexión entre sonidos a priori inconexos y que ha acabado encontrando a base de puro talento, el suyo y el de la pléyade de ilustres colaboradores, que como en su caso, no han tenido miedo del salto al vacío. Dhafer Youssef, Steve Argüelles, Mark Weinstein, Jaques Morelenbaum, la NDR BigBand, Paolo Fresu… son sólo algunos de los nombres que han salpicado sus últimos trabajos y que explican la fascinación que nace de su música.

Por eso resulta especialmente estimulante acercarse a la versión discográfica que acaba de publicarse del proyecto que Omar puso en marcha para el Festival de Jazz de Barcelona de 2009: una revisión del “Kind of Blue” de Miles Davis como tributo al cincuenta aniversario de la histórica grabación. Omar, lógicamente, no se limitó a hacer una versión más o menos personal del disco, si no que compuso una obra nueva inspirada por el álbum de Davis, reinterpretando los elementos a su expresiva manera e incluyendo unos delicados interludios a manera de cojinetes sobre los que pivotan los otros temas. Unos interludios, breves y mágicos, inspirados en el piano de Bill Evans en los que Omar se deja llevar con total libertad.

Una Afri-Lectric Experience, como él mismo subtitula su obra, en la que acompañado por Joo Kraus, Childo Tomas, Marque Gilmore, Leandro Saint-Hill, John Santos y una larga nómina de colaboradores, asistimos a una ceremonia que va más allá de los tópicos. Jazz latino, música africana, homenaje a los clásicos, tributo… sí, todo eso y mucho más. Eggũn (palabra africana que vendría a traducirse por Ancestro, el espíritu de los seres queridos que velan por nosotros) es un álbum extraordinario al que uno debe acercarse sin complejos para dejarse llevar a continuación, flotando en la inmensidad de los sonidos que lo conforman, y así disfrutar de una experiencia musical única a cargo, como no podía ser de otra manera, del pianista más atípico del panorama del jazz actual.

Reseña de Carlos Pulido para http://etnika.com/world/blog/2013/02/19/omar-sosa-eggun-the-afri-lectric-experience/

Track Listing Eggũn

01. Alejet (Omar Sosa) (7:27)
02. El Alba (Omar Sosa) (8:49)
03. Interludio, Pt. 1 (Omar Sosa) (0:56)
04. Alternativo Sketches (Omar Sosa) (9:04)
05. Interludio, Pt. 2 (Omar Sosa) (0:36)
06. Madre Mia (Omar Sosa) (8:47)
07. Interludio, Pt. 3 (Omar Sosa) (0:50)
08. So All Freddie (Omar Sosa) (8:23)
09. Interludio, Pt. 4 (Omar Sosa) (0:57)
10. Rumba Connection (Omar Sosa) (9:19)
11. Interludio, Pt. 5 (Omar Sosa) (1:05)
12. Angustiado (Omar Sosa) (7:42)
13. Angustiado Reprise (Omar Sosa) (2:43)
14. Interludio, Pt. 6 (Omar Sosa) (0:33)
15. Calling Eggun (Omar Sosa) (6:22)

Artist List

Omar Sosa: piano, Fender Rhodes, electronics; samples
Marque Gilmore: acousti-lectric drums; effects programming, drum loop production
Childo Tomas: electric bass, kalimba, vocals
Joo Kraus: trumpet, flugelhorn, electronic effects
Leandro Saint-Hill: alto saxophone, clarinet, flute
Peter Prfelbaum: tenor saxophone, soprano saxophone, bass saxophone, melodica, caxixi
Lionel Loueke: electro-acoustic guitar, vocals
Marvin Sewell: guitars
Pedro Martinez: percussion
John Santos: clave, chereke, waterphone, panderetas, tambora, guiro, quijada
Gustavo Ovalles: percussion

Apunte: el envión que generó Paolo Fresu me llevó a la escucha de “Alma“, hermoso disco grabado con Omar Sosa, el artista que nos ocupa hoy en particular. De ahí a escuchar detenidamente otras dos de sus últimas producciones fue la obvia e inmediata consecuencia. Solo, en dúo o muy acompañado musicalmente, el afán de Omar Sosa es “crear un mundo sonoro que pueda llevar de un lado hacia otro, de la electrónica a lo acústico, de lo latino a lo africano”; justamente por la calidez que conlleva lo latino y lo africano, es difícil no sentirse a gusto con lo que propone este autodefinido “percusionista al que le gusta tocar el piano”. Esto tampoco significa que vamos a escuchar al estereotipo del latin-jazz; muy por el contrario, en estas obras la música muchas veces expresa estados de ánimo y vivencias personales muy profundas: basta ver los nombres de varios de los temas para intuir hacia donde se dirigen las cosas. “La calma no es parte de la cotidianeidad, pero sigue siendo parte de la verdad interior del ser humano. Todos la necesitamos para poder pensar claramente”, asegura Sosa, sobre la tranquilidad perdida en un mundo “complejo y agresivo”. En la amplia discografía de Omar Sosa estos son tres discos muy recomendables. Salud!

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Paolo Fresu & Furio Di Castri
julio 19, 2014, 10:36 pm
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tapa Opale
tapa Fellini
Opale (1989)

Track listing

Side A

A1) Opale Intro (0:24)
A2) Rising (3:18)
A3) Flood Tide (2:13)
A4) Roma (4:01)
A5) Ligot (1:48)
A6) To Gil (4:26)
A7) Tribal (2:19)

Side B

B1) Opale (4:53)
B2) Wang-Ha (1:41)
B3) Season (6:19)
B4) Les Up (1:10)
B5) Reprise (2:19)
B6) Opale Coda (1:02)

Link de descarga Opale

Recorded in June 1988

Paolo Fresu: trumpet, flugelhorn, effects, percussion
Francesco Tattara: acoustic, electric and MIDI guitars, percussion
Furio Di Castri: double Bass, percussion

Fellini (2000)

Del dúo Fresu / Di Castri se podría hablar hasta el infinito, muchas son las veces que sus miradas y sus instrumentos se han cruzado en un palco o en el escenario de la vida.

En 1985, para la inauguración de una bodega en Sassari, se remonta su primer encuentro, y será fundamental no solo porque instala en la historia del jazz un momento mágico, un amor a primera vista que dará frutos gustosos, sino también porque aquella bodega se convierte en tierra de origen, humus fértil por la amistad y la música por venir. La convivencia, la euforia y la ebriedad, la importancia de los perfumes y los colores, de los volúmenes densos y oscuros, o burbujeantes y etéreos, son elementos calificadores del buen vino como de la música del mágico dúo. Significativa será su participación en muchas formaciones con Aldo Romano, entre 1988 y 1993, y significante es su primer trabajo con Francesco Tattara en la guitarra eléctrica, aquel “Opale” registrado en estudio, dedicado a Gil Evans. El primer disco del dúo + uno.

En 1991 el dúo elige el Ritram Studio de Bologna para registrar “Evening Song” y, en 1993, se reúnen en el REM Studio de Bra para reincidir con “Urlo”, un fantástico proyecto de sonorización del espectáculo teatral de Marco Gagliardo, tratamiento del poema homónimo de Allen Ginsberg. Pero esta, de 1999, que el dúo ha registrado en directo tal como es, y es la perfección. Fellini es la grabación de la actuación en vivo de Fresu / Di Castri en la Fortezza Medicea, al final de los cursos de perfeccionamiento anual del Siena Jazz en los que los dos músicos participan desde hace años como docentes, publicado en CD por un anómalo productor, Audion, editor de libros dedicado a la alta fidelidad, amante de los amplificadores valvulares, (que produce en poquísimas cantidades) y de lo analógico, el querido, viejo tocadiscos.

Un disco de hace unos años, pero en esta ocasión, de su reimpresión en vinilo en una tirada limitada de parte del mismo productor que vengo hablando, porque en esta época electrónica y digital, la reedición en vinilo de un dúo contemporáneo, el encuentro entre dos instrumentos clásicos, registrado en un vivo experimental, dentro de una Fortezza construida hacia la mitad del año 1500, es una cosa anómala, como anómalo puede parecer afirmar que 1 sonido + 1 sonido = el eco de 1000 matices.

El gusto por la sorpresa indica infinitas posibilidades musicales, la construcción temática, continua y en perenne mutación encierra el secreto de la improvisación en jazz. El clasicismo de las voces de sus instrumentos, desenvuelto en el equilibrado empleo de los nuevos lenguajes electrónicos, escribe y descubre palabras nuevas envueltas en el atractivo de todas las lenguas del mundo, creando un universal esperanto musical. El sentido del juego, el seductor placer del cambio completo entre dos sensibilidades musicales dan a luz un solista flujo sonoro, valorizado por las dos distinguidas voces, pero hecho único en esta mágica alquimia. El feeling entre los dos es palpable y la música goza a pleno.

La primera pista es “Brooklyn”, aquel lugar del imaginario sonoro, todo soplidos electrónicos y recorridos recalcados hacia el bajo, que también abrió el trabajo del dúo de hace seis años, “Urlo”. Pero aquí, y en todo el disco, el tiempo es dilatado, dejado libre, casi fluyendo sin interrupción de continuidad, permitiendo así a la música desarrollarse de una pista a la otra con extrema espontaneidad, en un diálogo elaborado, simple y necesario.

La voz de Furio nos acompaña de la primera pista a “Everything”, donde la trompeta crea enseguida la atmósfera del disco, un amplio fresco sobre el énfasis melódico, jugado sobre la voz de los dos instrumentos, sobre su cantabilità. El bajo también atraviesa esta pieza y, en un reiterado groove, recalca el nuevo tiempo de “Open Trío”, dejándole a Fresu la parte hacia arriba, la libertad de correr por los múltiples matices del instrumento, utilizando “todas las cosas” que le pasan por la boca, además del soplo, comprendidos los sonoros besos, en un up tempo de física implicación. Naturalmente, el primer aplauso.

“Suenos” tiene un curso sinuoso y una conmovedora melodía. Aquí Paolo diseña el tema con la trompeta abierta, con largas notas dulcemente atadas, que entran fáciles en el corazón y se anidan en el alma. El leño de Furio no ha estado nunca tan caliente, y reinventa el tema siempre cantando su melodía con este tempo disminuido, sin embargo natural como un latido vital e inolvidable. “Fellini”, que da el título al disco, está suspendida mágicamente entre la cadencia de un tango soleado y la dulce melancolía de una playa vacía, en el mar de invierno. Cierra el disco “Urlo”, que fue también la última pista del disco homónimo, que nos reconduce atrás aquí en el futuro, en el misterioso y fascinante universo exclusivamente electrónico y rumoristico del que todo fue iniciado.

El dúo abre el círculo y sale un capolavoro.

Fuente para la reseña: Roberto Arcuri para http://jazzfromitaly.splinder.com/tag/paolo+fresu

Track Listing

01. Brooklyn (2:09)
02. Everything (8:19)
03. Open Trio (5:57)
04. Sueños (9:12)
05. El Barrio (4:39)
06. Don’t Open Here (6:04)
07. T’ho Voluto Bene 4:38)
08. Monasterio ‘E Santa Chiara (8:33)
09. Walkabout (5:55)
10. Fellini (12:08)
11. Caminhos Cruzados (4:56)
12. Urlo (3:59)

Recorded at Fortezza Medicea di Siena, July 1999

Artist List

Furio Di Castri: contrabass
Paolo Fresu: trumpet

Link de descarga Fellini

Apunte: vamos al rescate de un par de obras de nuestro admirado Paolo Fresu. En esta ocasión, en dúo con el contrabajista Furio Di Castri ampliado a trio con el guitarrista Francesco Tattara editando en vinilo el disco Opale en 1989. Años más tarde, con Furio Di Castri editan Fellini, también en vinilo. En ambos discos están presentes las constantes de Fresu: su amor por la tradición jazzera de la trompeta y su experimentalismo electrónico; ambas conviven de manera armoniosa en un contexto donde lo que importa, como siempre, es la melodía. Opale y Fellini son dos joyitas casi ocultas con momentos de extrema belleza, de un artista inquieto y muy querible. Detalle técnico: los ripeos de ambos álbumes son de vinilos, así que hay temas del disco Fellini que se interrumpen antes de finalizar los mismos, y en el caso de Opale, los lados A y B son dos archivos de alrededor de 18 minutos cada uno, con algunos clásicos ruiditos de frituras. Creo que son detalles menores que no impiden el disfrute de la música de estos maestros. Salud!

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Nguyên Lê Duos (with Paolo Fresu & Dhafer Youssef)
julio 1, 2012, 1:47 am
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Homescape (2006)

Homescape llama en primer lugar por la aparente homogeneidad sonora que se libra de estos sesenta y un minutos. Ya sea en los temas con el cantante y el oudista tunecino Dhafer Youssef, o en los dúos con Paolo Fresu, de inspiración más de extremo orientales, la música se extiende en el espacio, ayudadq por la poderosa reverberación y algunos efectos electrónicos. Ninguna pieza verdaderamente saca el premio; ¿Nguyên Lê se readaptó a la música ambient? ¿Habrá sucumbido a los cantos de sirenas de la electrónica?

Pasada la primera escucha, a mediados de “Mangustao”, nos decimos que el genial creador de “Tales from Vietnam” no quiso sin duda que su Homescape se emparentara con una escapada fuera de sí, con una disolución de lo íntimo en el espacio físico o en el espacio musical globalizado. La cuestión de las raíces, los orígenes fue (todavía es?) crucial para Nguyên Lê y conviene aplicarlo también sobre este intrigante disco. Algunos comentarios del autor, en el interior del disco, nos ayudan y posiblemente todavía reavivan los interrogantes. Este disco se deriva de sesiones de improvisación en dúo, del que el guitarrista procuró revelar “la estructura compositiva”, de la que extrajo los momentos cuando los temas se crean, se instalan.

La segunda escucha (y las siguientes) revisa las primeras impresiones de relativa uniformidad de las melodías, los climas. “Stranieri”, “Mali Iwa”, “Neon” con Fresu, y “Zafaran” con Youssef, pueden irritar por diferentes razones: virtuosismo guitarrístico menos inspirado que de costumbre, rítmica electrónica urbana estereotipada, armonías jazz-rockeras un poco marchitas… Tantos aspectos que se encuentran en
otras partes, pero que determinadas piezas nos hacen olvidar: “Byzance”, “Mangustao” y “Safina” desencadenan escalofríos cuando la voz Dhafer Youssef asciende a alturas insospechadas. El desfase entre este canto, resonante como una llamada, el oud y las sonoridades modernas de los loops y de la guitarra eléctrica, constituye la sorpresa más bella del disco.

No hay que olvidar tampoco los simpáticos y más minimalistas “Muqqam” y “Kithâra”, interpretados exclusivamente entre el oud y la guitarra. La delicada melodía de “Des Prés”, la melancólica y contemplativa “Lacrima Christi”, la atmosférica versión de “Chelsea Bridge”, de Billy Strayhorn, el breve pero como suspendido “Domus de Janes”, constituyen bellos diálogos depurados entre Fresu y Lê. Para cuando un Complete Homescape Sessions?

Fuente para la reseña: Julien Lefèvre para
http://www.citizenjazz.com/Nguyen-Le-Duos-Paolo-Fresu-Dhafer.html

Track Listing

01. Stranieri (5:58)
02. Byzance (4:23)
03. Muqqam (2:43)
04. Mali Iwa (6:25)
05. Zafaran (6:00)
06. Domus de Janas (2:17)
07. Kithâra (2:17)
08. Chelsea Bridge (2:59)
09. Safina (3:26)
10. Des Prés (2:18)
11. Thang Long (5:31)
12. Neon (3:11)
13. Mangustao (7:23)
14. Lacrima Christi (3:13)
15. Beyti (2:52)

Artist List

Nguyên Lê: electric, acoustic, fretless, synthesizer, e-bow,
Vietnamese guitars, computer programming & electronics
Paolo Fresu: trumpet, fluegelhorn & electronics
Dhafer Youssef: oud, vocals & electronics

Link de descarga
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Paolo Fresu
mayo 1, 2010, 12:19 am
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JazzItaliano Live 2009

Concierto registrado en “Casa del Jazz” el 27.10.2009

Para este trabajo, Paolo Fresu ha unido tres aspectos muy importantes de su carrera: su quinteto activo de 25 años, la colaboración más reciente pero igualmente feliz con el Alborada String Quartet, y el encuentro con el arreglador Giulio Líbano, figura histórica del jazz y la música italiana. Como lo ha hecho históricamente, el quinteto toca de manera perfecta y el diálogo entre los músicos es espontáneo e inmediato. 25 años de historia y no sentirlos, es justo el mejor modo para definir el estilo y el sonido de la formación. Cada uno de los miembros del grupo ha contribuido a la redacción del repertorio. La cosa más bonita y participativa es que la llegada del cuarteto de arcos ocurre sin esfuerzo alguno o un drástico cambio de registro.

El trabajo de Giulio Líbano es igualmente ligero y sabio. Así, llegan los homenajes a Giacomo Puccini, (“Sono andati”), y a Kurt Weill (“Liebeslied”). En “Noi due” está la respiración de la balada, una melodía hechizante y que posee aquella ligereza que ha invadido las estaciones más bonitas de la música italiana. Ha sido bellísimo ver al final del concierto, entre los aplausos del público, la sonrisa de Giulio Líbano y de los otros protagonistas de este encuentro, en música y por la música.

Fuente para la reseña: http://temi.repubblica.it/iniziative-jazzitalianolive2009/2009/11/02/paolo-fresu/ – Traduzione: La Bestia Poliglotta !!

Apunte: disco que se puede poner antes de “Jasmine” de KJ & CH, y danzar en el living de casa con ella, soñando que estás en algún palacio de Italia, y mientras los músicos de la orquesta de cuerdas te guiñan el ojo y todas las luces te iluminan, ya no hay más nadie en el mundo, en ese mundo…disfrutad.

Track Listing

01. Eterninna (6:03)
02. Una Frutta E Una Pigna (6:32)
03. Rubens’ Waltz (3:43)
04. Crittograph (4:34)
05. Luce D’Autunno (5:21)
06. Fata (7:41)
07. Sono Andati (5:54)
08. Yin E Yang (4:03)
09. Liebeslied (3:16)
10. Canone Ribelle (4:02)
11. Noi Due (3:41)
12. Medley: Ea / Lucania (9:16)

Artist List

Paolo Fresu: tromba, flicorno
Tino Tracanna: sax tenore e soprano
Roberto Cipelli: pianoforte
Attilio Zanchi: contrabbasso
Ettore Fioravanti: batteria
Alborada String Quartet

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Roberto Cipelli
octubre 22, 2009, 9:30 pm
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F. à Léo (2008)

El proyecto:
Es un proyecto nacido en el ya lejano 2001 de una idea simple, bonita y quizás también un poco arriesgada del pianista Roberto Cipelli. La idea fue proponer una relectura jazzística de algunas de las más significativas obras de Léo Ferré, un monstruo sagrado de la canción, no solo francesa. Y de hacerlo un italiano, con un ojo, quizás más libre, que apuntó la mirada a partir de esta parte de los Alpes, incluso con toda la conciencia del caso. La idea creció en el transcurso del tiempo, han habido conciertos aquí y allá, en Italia, Francia, Bélgica. El público ha quedado muy agradecido y los músicos se han divertido mucho en escena.

El proyecto se ha hecho poco a poco un proyecto colectivo, en el que todos se han sumado, sea la producción, (Produzioni Fuorivia), sea aquella especie de super grupo que fue la base: además de Cipelli al piano, Attilio Zanchi al contrabajo, Philippe Garcia a la batería, Paolo Fresu, verdadero poeta de la trompeta, y, para dar voz a las palabras de Ferré, el cantautor Gianmaria Testa, íntimamente cerca del mundo de Léo y en confianza, si así se puede decir, con Francia y la lengua francesa. Con el paso de los años el repertorio se ha afinado, destilado, se ha hecho de algún modo nuestro.

Siete años después, por fin, es el momento de dar una forma acabada al trabajo realizado en estos años. Y he aquí, marzo de 2008, el disco: “F. à Léo”. Sólo F., porque no hay alguna presunción ni intención filológica, en nuestro proyecto, porque de Ferré se ha buscado el espíritu más que la letra, porque no se trata de “covers”, sino de otra cosa.

Suficiente, “F.”, es la tentativa de dibujar un universo musical, textual, poético y político que sepa llevar en si la señal precisa de estos nuestros tiempos. Y, en efecto, en el disco, hay, casi inesperadamente, también un tema de Luigi Tenco, una versión intensa de “Lontano lontano” que se vuelve, en esta luz, también un tipo de saludo a Léo. Hay un free, que hemos titulado “Free poétique” y que es un poco la tentativa de devolver, con la música, aquella emancipación que Ferré supo expresar con las palabras y con las ideas.

Hay un Cesare Pavés, una poesía – “Il Blues dei blues” – que casi es una canción y que ha “sido montada” sobre la ferreriana y francesísima “Saint Germain dès Pres”. Hay un tema escrito por Cipelli, “F.”, que marca, con todo el amor posible, la gran capacidad compositiva y armónica del Ferré músico. Hay, troceado como un rompecabezas que debe armarse mano a mano que se escucha el disco, el manifiesto de la poesía simbolista tan querida a Ferré, la “Art poétique” de Verlaine. Y hasta aquí lo nuevo.

Hay un Ferré, digamos “menor”, aquel quizás menos conocido, de “Les Forains” y de “Monsieur Williams”, (tema que reclama, por algunos versos, del casi “teatro – canción”, por la potencia interpretativa que permite y logra poner en juego), y también está aquel más conocido de “Avec los temps”, (que nosotros pusimos en clausura, en una versión mínima, en italiano, después de la breve seña pianística de apertura), de “Colloque sentimental”, (un vehemente dúo piano-trompeta), de “L’Adieu” y de “Vingt ans”, dos temas que se vuelven, en nuestro trabajo, casi dos standards de jazz, y de “Les Poètes”, transformado en una pieza alegre, en tiempo de rumba.

Paola Farinetti para www.produzionifuorivia.it

“De Léo Ferré me fascina todo… el poeta, el músico y el hombre. No hay, por una vez, solemnidades o aniversarios particulares que justifiquen este proyecto. La idea me ha nacido hace unos años en un restaurante de Lieja, (dónde fui por un concierto con el quinteto Fresu); el gerente de este bistrot fue un amigo íntimo de Léo. Recuerdo, como si fuera hoy, la agradable e intensa conversación que tuvimos sobre Ferré, circundado por su música difusa, de los objetos y las fotografías que lo recordaron, (casi un “santuario”), y de las palabras calurosas del gerente, gustosas, serias e intensamente respetuosas de un fenómeno artístico completo que yo entonces no conocía todavía bien.Todo esto me ha empujado a profundizar el conocimiento de Ferré, gracias a sus discos y a sus escritos.

Lo que he descubierto es tan afín a mi modo de ver el mundo y la música, que he pensado de algún modo reproponerlo con mi estilo, implicando a músicos que estimo (como Gianmaria Testa), o que conozco de mucho tiempo (Paolo Fresu, Attilio Zanchi y Roberto Dani), para saber que pueden compartir conmigo la intensidad de la obra de Léo Ferré.”

Roberto Cipelli para www.produzionifuorivia.it

Traducciones: La Bestia Políglota!!!

Track Listing

01. Avec le temps (intro) (1.58)
02. Les Forains (3.20)
03. Saint Germain dès Pres (6.25)
04. Lettura Art Poétique (basso) (0.24)
05. Vingt ans (3.04)
06. Lettura Art Poétique (chitarra) (0.28)
07. Les poètes (3.56)
08. F. (6.04)
09. Lettura Art Poétique (pianoforte) (0.24)
10. Free Poétique (3.22)
11. Monsieur William (3.21)
12. Lettura Art Poétique (tromba) (0.36)
13. L’Adieu (3.20)
14. Lontano Lontano (4.10)
15. Lettura Art Poétique (batteria) (0.29)
16. Colloque sentimental (3.07)
17. Col tempo, sai /Avec le temps (3.21)

Artist List

Roberto Cipelli: pianoforte
Attilio Zanchi: contrabbasso
Philippe Garcia: batteria, percussioni
e la partecipazione speciale di:
Gianmaria Testa: voce, chitarra
Paolo Fresu: tromba, flicorno

Nuevo link de descarga
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