Preso ventanilla


Ben Wendel
mayo 17, 2019, 9:14 pm
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tapa The Seasons
The Seasons (2018)

The Seasons no es un nuevo proyecto conceptual del saxofonista y bajista Ben Wendel, miembro fundador de la ecléctica banda Kneebody, cuyo tono expresivo golpea tanto como los hechizos. Aún así, esta es la primera vez que lo presenta en el registro. Para ese propósito, reunió un notable quinteto conducido armónicamente por el pianista Aaron Parks y el guitarrista Gilad Hekselman, y todos propulsados por el vínculo rítmico del bajista Matt Brewer y el baterista Eric Harland. En 2015, el saxofonista lanzó 12 videos musicales en YouTube, correspondientes a 12 duetos de cámara originales que intentaban describir cada mes. La idea, introducida por el compositor clásico ruso Tchaikovsky en 1876, adquiere ahora proporciones contemporáneas con el flujo fluido de canciones de Wendel.

En “January”, a pesar de las connotaciones invernales que implica el mes, hay una ausencia total de frialdad en su fluidez ternaria debido a la ardiente forma en que Hekselman y Wendel conducen sus improvisaciones. En cambio, ese sopor invernal se deja para “August”, una balada gris que se vuelve más oscura y agitada a medida que avanza.

Wendel es abrasivamente lírico en sus solos, alcanzando alturas climáticas en piezas como “February”, una confluencia de vibrante post-bop y robusto rock con un toque de estilo rítmico brasileño; y “June”, una historia bellamente en capas, influenciada por las músicas post-bop y clásica, donde el suplicante tenor del líder de la banda, alcanza una extensa gama de timbres. El pianismo urbano de Parks no solo se nota en esta última melodía, sino también en “July”, un número amistoso y entusiasta de pop-meet-folk melódico impulsado por el fagot; “September”, un exuberante título de funk rock con el que sobresale en el arte de componer e improvisar; y en el conmovedor “November”, donde una indestructible energía pop / rock sirve extemporizaciones por Brewer y Hekselman.

El guitarrista, que comparte una innegable química musical con el saxofonista, infunde texturas populares contrastantes en el methenyano “May”, donde el sugerido crossover de jazz toma la forma de un blues. La guitarra y el fagot son fuerzas complementarias en “December” empapado de efectos, una pieza más contemplativa que atrae tanto el misterio como el encanto. La batería de Harland se siente relajada aquí cuando es necesario, sin embargo, demuestra tener un lado de conversación cuando fue proclamado único acompañante de Wendel en la sección introductoria de “April”.

“March” nos lleva a lugares acogedores con sus ricas armonías y deliberado acento de bossa nova, mientras que “October” tiene un toque primordialmente afro, además de la superficie electro que le confiere un aspecto moderno psicodélico.

The Seasons es un maravilloso trabajo multicolor, una demostración sagaz de las capacidades de Wendel. Es un álbum que, merecidamente, estará entre las opciones naturales para el mejor del año.

Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/10/22/ben-wendel-the-seasons-album-review

Apunte: En 2015, el saxofonista Ben Wendel inspirado en The Seasons de Tchaikovsky, encontró una forma sencilla de superar la innumerable cantidad de opciones de entretenimiento para llegar a sus oyentes, con una serie de videos de YouTube también llamados The Seasons. Lanzados todos los meses de ese año, los clips bellamente construidos capturaron a Wendel interpretando sus composiciones originales con compañeros de dúo, desde el saxofonista Joshua Redman hasta el guitarrista Gilad Hekselman y la vocalista Luciana Souza. Cada pieza fue escrita con un compañero en particular en mente. El video con el baterista Jeff Ballard, por ejemplo, resalta un trabajo que se está deteniendo y es irregular, mientras que el dúo con Souza fluye junto con un rebote floral. En 2016, Wendel interpretó el conjunto de canciones en The Jazz Gallery y luego regresó al material a principios de 2018 en Village Vanguard. La última serie de actuaciones le permitió armar un quinteto compuesto por los diversos artistas que tocaron con él en la serie de YouTube. Al respecto dijo: “Un aspecto interesante de escribir duetos es que tienes que escribir de una manera en la que cada parte cuente. Tienes que crear todo un universo con solo dos voces. Lo que terminó siendo genial al organizar estos para un conjunto más grande, es que la estructura central de estas composiciones era lo suficientemente fuerte como para que fuera mucho más fácil transferirla a más voces. Creo que sería mucho más difícil si lo hubiera hecho al revés. Yendo en esta dirección, me sentí bastante natural”.

Track Listing

01. January (6:47)
02. February (6:48)
03. March (6:15)
04. April (6:39)
05. May (6:36)
06. June (5:00)
07. July (6:07)
08. August (6:51)
09. September (3:59)
10. October (6:16)
11. November (6:34)
12. December (10:47)

Artist List

Ben Wendel: saxophone, bassoon
Aaron Parks: piano
Gilad Hekselman: guitar
Matt Brewer: bass
Eric Harland: drums

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Aaron Parks
febrero 27, 2019, 9:48 pm
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tapa Little Big
Little Big (2018)

Aaron Parks es un pianista de jazz que siempre ha parecido tener un corazón y un método que resistió las estructuras de jazz habituales. Por un lado, Parks era una estrella en alza. Era un prodigio en Seattle y estaba tocando y componiendo en la banda de Terence Blanchard a los 18 años, debutando en Blue Note hace diez años con Invisible Cinema, una grabación que no solo fue bien recibida sino que ha crecido en influencia a lo largo de los años. Luego pasó a grabar dos sesiones para los prestigiosos registros de ECM, además de tocar con el grupo de estrellas James Farm con Joshua Redman.

Eso es un montón de aclamación, sin embargo, siempre había algo misterioso acerca de Parks que coincide con el sonido de su música. No parecía estar en todas partes al mismo tiempo, y también estaba apareciendo en pequeños discos, con artistas menos famosos, como su papel pictórico en la creación de “Ocean Av”, la elegante y sutil grabación de la cantante Emma Frank en 2018. Más que nada, parecía que Parks, a pesar de su excelente interpretación en tantos lugares, nunca había completado realmente lo que había comenzado con Invisible Cinema .

Little Big, lo último de Parks, es la respuesta a este misterio. Utilizando la misma instrumentación que Invisible Cinema (guitarra, teclados, bajo y batería), la nueva grabación extiende muchas de las ideas rítmicas y texturales de la primera grabación. Sin embargo, también los amplía, explorando más moods, influencias y opciones. Lo que surge es un ensayo aún más sólido sobre lo que puede ser el jazz en el nuevo siglo: música creativa que combina la forma de la canción, la composición y la improvisación, pero ahora es uno que trabaja esos elementos a través del lente del rock moderno y el hip-hop, como así también la tradición del jazz clásico.

Little Big contiene moods y métodos que logran los objetivos del “jazz” de nuevas maneras. Por ejemplo, “Mandala” comienza como una simple línea de bajo que sube y baja como una canción de cuna en piano eléctrico, empezando a sonar como uno de los famosos ejercicios “Children’s Song” de Chick Corea. El trabajo de Parks suena tan simple como eso, al principio, pero luego desarrolla una complejidad en capas. No hay melodía más allá de esa línea de bajo, pero la canción mantiene el interés a través de un conjunto de modulaciones y transformaciones de textura. La guitarra de Greg Tuohey se mueve a lo largo de la melodía, pero se mezcla con los garabatos del sintetizador de Parks que avanzan lentamente hacia un “solo” tradicional, pero nunca llegan allí. Los tambores de Tommy Crane apenas están allí al principio, pero se vuelven cada vez más críticos para la creciente intensidad de la melodía. El resultado es una actuación llena de la conversación espontánea que asociamos con el “jazz”.

“Siren” es otro ejemplo de cómo Parks logra algo nuevo. La melodía comienza con una majestuosa melodía de piano (luego guitarra) sobre un sentimiento rítmico, creando solos encantadores para el bajista eléctrico David Ginyard y Parks. Pero la composición luego se mueve a una sección completamente nueva, con la guitarra de Tuohey en un modo de fusión perfectamente saturado, que se eleva hacia arriba cuando los bajos se contraen con los ecos de la cadera hacia arriba. Tuohey improvisa sobre esta sección, pero principalmente la banda se mantiene unida, avivando el fuego rítmico antes de que todo se enfríe hasta la melodía original, esta vez tocada en el bajo.

La melodía de apertura, “Kid”, funciona como una declaración de tesis para Little Big y como la respuesta más clara a Invisible Cinema.La sensación rítmica que genera la banda es un tartamudeo mágico, un conjunto de sutiles polirritmos que Parks genera solo desde el piano y luego son recogidos por la forma en que la batería y el bajo se empujan y se juntan. No es hip-hop, pero tampoco es jazz o rock. La forma en que Crane golpea contra el ritmo del piano no podría estar allí, pero durante años escuché el hip-hop, y luego Tuohey también lo hace, como un pincha discos. Cuando finalmente llega la melodía, resulta ser un riff que rueda, se repite y sorprende, solo un poco de fusión, pero con algo de esa sensación de M-BASE de rueda dentro de una rueda. Parks opta para el solo por un Fender Rhodes saturado, recordándonos que la textura será tan importante para esta salida como el ritmo.

Este tipo de impulso rítmico es el placer más insistente de Little Big. “Digital Society” también usa el piano para crear su pulso irresistible. A veces, Parks toca una sola nota con una sensación nerviosa y delicada del código Morse, creando una síncopa con una sola línea de pulsos. En otras ocasiones, toca acordes que parecen ser incluso octavo o cuarto de notas, pero que son compensados por otras notas en la banda izquierda o desde el bajo de Ginyard. El roce entre ellos convierte una técnica de rock básica en un guiso de acentos deslizantes y fuera de ritmo. Este tipo de trabajo de piano basado en el pulso también anima “Bells”, una canción que logra la hipnosis lírica, y también “Rising Mind”, que comienza con el toque de una sola nota y luego pasa a una sincopa tambaleante para toda la banda que soporta una melodía convincente para piano acústico y guitarra de tonos. El solo de Parks aquí puede ser su más lírico y agresivo en la grabación, rompiendo líneas a través del soporte de movimiento y tejido de la banda.

En otras ocasiones, Little Big es simplemente lírico. Dejado por su cuenta, Parks se inclina hacia la belleza. “Lilac” es una magnífica melodía para piano solo que se remonta a la clase de piano popular y folk que Keith Jarrett a veces tocaba a principios de los 70. “Hearth” es otra pieza solista con algunos movimientos armónicos similares que combinan jazz y una rebanada de gospel. Es una balada de sólo 90 segundos de duración, pero Parks le da una dosis completa de sentimiento, dejando las armonías suspendidas hasta el final de una frase, dejando su corazón en un extremo mientras escucha.

La otra calidad sobresaliente de la grabación es su excelencia como grabación y como producción. Los sonidos no solo son suntuosos -la riqueza, en lugar de cualquier tontería o graznido del sintetizador, la forma deliciosa y sedimentaria de Parks con el piano y el piano eléctrico, la sensación tridimensional de las partes del tambor con patadas, frunces y platillos para llegar a tus oídos desde el cálido centro de las pistas- pero la grabación se produce para evitar los clichés de una grabación de trío de guitarra/teclados. El álbum fue grabado por Daniel Schlett y mezclado por Chris Taylor, ingenieros con experiencia en indie-rock y otra música más nueva. El resultado, por ejemplo, en “Aquarium”, es una calidez de gasa, con una red de Fender Rhodes y una guitarra sostenida por una sección de ritmo que suena como un cojín y no como una pilotera.

“The Trickster” muestra cómo la producción está cuidadosamente pensada. Es una melodía lenta y angular para guitarra (con un susurro de sintetizador) sobre un groove funk medio dormido. En lugar de sonar pesado, aquí hay una suavidad, no una calidad de zumbido. Esta canción y “Profesor Strangeweather” (una melodía de los misteriosos sintetizadores de Parks) son, posiblemente, el tipo de música que Return To Forever podría haber hecho si la banda no se hubiera dejado llevar por su técnica y con un sonido de producción brillante y zumbante que hizo que tanta fusión de los ’70 sonara como jazz sobre cocaína.

Para la mayor parte de Little Big, el estado de ánimo es muy tranquilo, incluso cuando los ritmos tiran y tiran con sincopa. “The Fool” coloca un ritmo triple insistente debajo de un backbeat, pero el arreglo es genial, y el solo de piano insiste en permanecer dentro de la sutileza de la melodía. De manera similar, “Small Planet” tiene una melodía de guitarra danzante construida sobre una figura de piano melancólica que sincroniza 4/4 veces con un patrón 3-3-2 de arpegios. Parks mueve esa figura a través de un paisaje de cambios armónicos, de modo que, cuando parece que es hora de un solo, la banda simplemente se mezcla, regresando a la melodía sin dejarte atrás, pero también sin perder tu interés.

“Good Morning” puede ser la pista más maravillosa de Little Big. Combinando el optimismo al estilo de Jarrett de la interpretación en solitario de Parks y el impulso rítmico de varias notas de piano, se vuelve casi bailable. Construida en la melodía de la canción hay una serie de figuras descendentes de gusanos musicales que repiten y crean interés. Todo esto, con la improvisación que viene en pequeños bocados y principalmente funciona el interés rítmico de la actuación, es un encanto, a escuchar repetidamente.

Pero también lo es todo Little Big, con su alegría pulsante y cómoda de principio a fin. Aaron Parks no solo ha compuesto una fuerte continuación de Invisible Cinema, sino que también ha aumentado la gama de los placeres que primero introdujo allí. Little Big suena como un universo amplio pero también consistente, un lienzo grande compuesto por un único artista con intención. Te llevará fácilmente a 2019.

Fuente para la reseña: Will Layman para https://www.popmatters.com/music-review-aaron-parks-little-big-2620304142.html

Apunte: En Diciembre del año 2008, cuando compartimos en MQC/PV Invisible Cinema (con Mike Moreno, Eric Harland y Matt Penman) sospechábamos que el bueno de Aaron tenía mucho para dar. Después de eso lo escuchamos en discos de varios artistas, arribó al prestigioso sello ECM, pero la belleza de su música y esa particular y esquiva cualidad para empatizar de manera inteligente con la audiencia apareció nuevamente, diez años después, con Little Big. No somos los mismos que hace diez años atrás, pero nos entusiasma de nuevo. Sonido impactante, melodías cantables, generosidad hacia sus compañeros, fusión del siglo XXI y un ambiente general de alegría y optimismo, lo cual es sumamente bienvenido y necesario por estos días. Obra de alta duración, Parks no guardó nada. Altamente recomendable

Track Listing

01. Kid (7:21)
02. Small Planet (6:12)
03. The Trickster (6:33)
04. Professor Strangeweather (4:24)
05. Lilac (2:21)
06. Aquarium (6:53)
07. Digital Society (7:56)
08. Siren (8:02)
09. Mandala (4:51)
10. Hearth (1:30)
11. The Fool (5:10)
12. Bells (5:37)
13. Rising Mind (4:21)
14. Good Morning (5:23)
15. Doors Open (2:58)

Artist List

Aaron Parks: piano, keyboards
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard: bass
Tommy Crane: drums

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Joonsam
mayo 14, 2017, 1:41 am
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tapa A Door
A Door (2016)

Es difícil mejorar un trío que ofrece Aaron Parks en el piano y Nate Woods en batería, pero cuando el bajista Joonsam Lee estaba listo para lanzar su álbum debut como líder, fortaleció una ya formidable alineación añadiendo a Ralph Alessi en trompeta, Yvonnick Prene en armónica, Ben Monder en guitarra, y las fascinantes adiciones de Yeahwon Shin en voz y Chungeun Han en flauta de bambú. El trío, sin embargo, sigue siendo el núcleo.

Publicado por Origin Records, A Door (Origin 82716) es una colección de composiciones escritas por Joonsam -con una excepción- desde el año 2007 en adelante. Este trío es el formato perfecto con el realce dado por los artistas invitados.

Una nota repetitiva del bajo de Joonsam introduce “Whirlwind” luego el piano de Parks y la trompeta de Alessi agregan la melodía mientras Joonsam y Wood consiguen un cerrado objetivo en el groove. Por supuesto, Aaron Parks se lleva la atención en cualquier situación pero Joonsam y Wood forman la gran tríada que es una delicia de escuchar.

La trompeta de Ralph Alessi sirve como el relámpago en este torbellino asì como la sección rítmica trabaja el vórtice. Una larga pausa es el ojo de la tormenta hasta que el bajo, el piano y los tambores comienzan otra vez. Alta energía aquí. Preste atención a los patrones de cierre de Nate Wood.

Sigue “Zadrak” con el guitarrista Ben Monder uniéndose al trio. El gancho te atrapa desde el principio. La melodía de piano es cautivante y la línea de bajo de Joonsam es fascinante. Nuevamente me encuentro excarvando las opciones rítmicas de Wood y me emocioné experimentando este trío. El trabajo de la guitarra de Ben Monder es tenue y fluye extremadamente bien con la canción.

“Boa Noite” es una estupenda pieza. El trío establece el cálido movimiento y se une a la talentosa y conmovedora armónica de Yvonnick Prene. Prene nunca defrauda y su toque de luz aquí, es perfecta.

También luz en el toque es Parks, quien es conmovedor como podrías desear. Joonsam y Wood trabajan un lento swing que permite a Parks y Prene volver juntos en exquisita armonía. Amo esto.

“23451” es una excursión de 54 segundos del trío y Ralph Alessi. Escúchela hasta que usted la tenga. Usted la tendrá.

“2 Tunes and Off-hour Waiting Area” comienza con un groove pesado del trío y es una cosa bella. Alessi agrega su trompeta a la melodía y el trío trabaja el groove. La pieza es un número bien escrito y Joonsam merece reconocimiento tanto por su composición como por su realización. Parks hace sus solos en el punto medio de la pieza y trae verdadera vida y emoción. Sus giros melódicos con Alessi son una cosa espléndida. Incluso Alessi se une al ritmo para cerrar la canción.

Yeahwon Shin adhiere sus bellas vocalizaciones a “Love Trauma”. No hay letras, pero el significado es perfectamente claro en su entonación y delicadeza. El piano agrega una melancolía que agudiza la voz. La canción es dolorosa y hermosa. El sobrio ritmo permite una completa exposición de la melodía y armonía. Es dulce. Es triste.

La trompeta con sordina de Ralph Alessi vuelve para “Ice Skate”. Esto es una bien pintada imagen de planeos y giros con un despreocupado sentir en la repetición del ritmo y líneas de piano, asi como la trompeta consigue expresar un alegre jugueteo.

“23452” es un retorno al trío con Alessi en una excursión tonal.

“Doraji the Flower” es una canción tradicional de Corea. Chung Eun Han adhiere su flauta de bambú en la pieza que es completamente coreana. Es muy diferente de melodías occidentales e incluso se distingue de la tradición china y japonesa. El trío es un fino soporte de la flauta de Han que lleva la melodía exquisitamente. La performance de Parks es maravillosa con y sin Han. Juntos, son absorbentes.

Joonsam y Wood tocan el ritmo tan lánguidamente y -me atrevería a decir- amorosamente. Es reverente y caliente. Arrebatadora.

“Where the Water Comes Together with Other Water” es la pieza más larga del álbum. El goteo del piano crea la imagen, así como la guitarra de Monder modela riachuelos fluyendo hacia la unidad con el piano. Joonsam hace rodar las líneas de bajo a lo largo de arroyos cada vez mayores.

La canción entonces rompe en expresiones abiertas desde el trío hasta el retorno de Monder en la guitarra. Me encuentro intrigado y capturado por la forma en que Joonsam escribe. Tan familiarizado con la música occidental como un oriental pueden estar, hay un patrimonio cultural musical que vigoriza e informa la música oriental que los occidentales no poseen. Esto es parte de la belleza de los músicos que se unen y escuchan temas orientales con ritmos y toque occidentales.

El álbum cierra con “Airport Music”. Es solo el trío de Joonsam, Parks y Wood que nos lleva a casa. Apropiado.

La melodía y el ritmo parece cansado, quizás agotado, de los viajes y el turismo. Ni siquiera un ritmo de marcha, el ritmo intencionalmente arrastra y no puede esperar llegar a casa. La melodía es un cariñoso recuerdo de lo que ha ocurrido y lo que vendrá nuevamente así como los sonidos de la muchedumbre del aeropuerto abre y cierra la canción.

De hecho, Joonsam nos lleva a través de una “puerta” en su estreno. Lleno de cariño y de imágenes brillantes, la música es una revelación de quien es Joonsam, como ve el mundo a través de sus ojos y lo que suena a través de sus orejas. Es un mundo de frágil belleza y tiernos momentos para ser expresado claramente y con pasión.,

Fuente para la reseña: Travis Rogers, Jr. para http://travisrogersjr.weebly.com/music-reviews/joonsam-opens-a-door

Apunte: Joonsam Lee, bajista de Corea del Sur se trasladó a la ciudad de Nueva York en 2007. Desde entonces estuvo escribiendo composiciones que reflejan la amplia gama de situaciones musicales que ha experimentado en ese tiempo, desde conciertos con su propio trío, actuaciones sinfónicas, giras internacionales y el trabajo en los clubes de la Gran Manzana. A Door reúne buenas composiciones con algunos temas que son verdaderas perlas (“Zadrak”, “Love Trauma”, “Doraji the Flower”, por ejemplo) y brillantes interpretaciones de un elenco estelar (en especial Aaron Parks: sencillamente magnìfico). Cálido, sensible y estimulante testimonio musical. Muy recomendable!

Track Listing

01. Whirlwind (6:44)
02. Zadrak (6:35)
03. Boa Noite (5:07)
04. 23451 (0:54)
05. 2 Tunes and Off-Hour Waiting Area (4:57)
06. Love Trauma (5:20)
07. Ice Skate (4:29)
08. 23452 (0:38)
09. Doraji the Flower (5:56)
10. Where Water Comes Together With Other Water (7:54)
11. Airport Music (4:20)

Artist List

Joonsam: bass
Aaron Parks: piano
Nate Wood: drums
Ralph Alessi: trumpet (1,4,5,7,8)
Ben Monder: guitar (2,10)
Yeahwon Shin: vocal (6)
Yvonnick Prene: harmonica (3)
Chung Eun Han: bamboo flute (9)

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Andi Tausch
junio 26, 2016, 5:12 pm
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tapa At Home
At Home (2013)

Andi Tausch, guitarrista austríaco, nacido en 1984, cofundador de la banda “The Flow” se da a conocer en primera persona con este At Home su disco debut como líder. Lo hace por intermedio del sello Material Records, propiedad de Wolfgang Muthspiel quien también ha sido uno de sus maestros.

Para At Home, Tausch aporta la totalidad de las composiciones sostenidas por una combinación muy natural de elementos del jazz tradicional con estructuras de canciones orientadas hacia el pop. Tausch se rodeó de una banda de virtuosos que sintoniza en la misma frecuencia una manera de entender la música: sin sobrecargar las cosas, confiando que la simpleza emanada de aquella naturalidad que hablamos, permita que la música simplemente fluya con un sonido y un lenguaje musical seductor y cálido.

Fuentes para la reseña: http://www.musicaustria.at/andi-tausch-at-home-2/ ; http://www.musicaustria.at/andi-tausch-at-home-2/

Track Listing

01. Wish I could (4:51)
02. Redemption road (4:56)
03. At home (4:49)
04. The encounter (6:07)
05. Perspective (3:17)
06. Beginning (2:41)
07. Armin (4:31)
08. You lose (5:37)
09. Changes (5:05)
10. Prost Ferdl (5:13)

Artist List

Andi Tausch: guitars
Aaron Parks: piano
Matthias Pichler: bass
Tommy Crane: drums

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Mike Moreno
diciembre 27, 2015, 11:20 pm
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tapa Lotus
Lotus (2015)

Hay una necesidad de jazz de “hablar pausado” que no va a la deriva en la pálida herencia de las grabaciones de Windham Hill. Esto debería ser la música que se une con el tipo del oyente que quiere prestar atención a lo que se está tocando, en lugar de hacer otra cosa mientras se está relajando.

Esto es lo que el guitarrista Mike Moreno ha traído con “Lotus” (World Culture Music), un set de nueve trabajos para el cuarteto que logra congraciar y estimular al mismo tiempo. Moreno se ha limitado a unos socios de mucho tiempo y deliberadamente ha estrechado la brújula expresiva en su opción por Eric Harland, batería; Doug Weiss, bajo, y Aaron Parks, piano y Rhodes.

Parks es familiar para los fans de jazz de Indianapolis como el Cole Porter Fellow del 2001 de la Asociación de Pianistas Americanos. Entre sus logros, desde entonces, él ha sido sideman de Terence Blanchard durante varios años, contribuyendo mucho a la banda del trompetista por sus composiciones y habilidades en los teclados.

Muchos líderes de bandas tienen éxito trayendo al redil músicos diversos haciendo que su unidad en la actuación suene como un milagro menor. Mientras no dudo que los sidemen de Moreno sean capaces de expresarse ellos mismos independientemente, lo que ellos hacen en “Lotus” es rendirse totalmente a la visión del líder. En parte, esa fusión se logra porque la textura del ensamble normalmente presenta piano y guitarra al unísono. Además, el bajo es bastante modesto (quizás un poco demasiado), y el baterista realmente toca las composiciones, en vez de limitarse a proporcionar el pulso.

Mi única exposición previa al guitarrista de 37 años de Houston, fue su debut en el sello, “Between the Lines” del año 2007. También cien por ciento de originales, aquel disco utiliza el mismo pianista y el mismo bajista, un par de percusionistas diferentes (principalmente el fundador del sello, Kendrick Scott), además de los saxofonistas John Ellis, y el saxofonista tenor Marcus Strickland en dos pistas.

Esto no es un golpe sobre Ellis o Strickland para decir que el quinto hombre recarga todo lo que Moreno es en “Between the Lines”. Esto no quiere decir que él nunca debería registrar con más de tres músicos; más bien en “Lotus” él ha encontrado un perfecto ajuste entre su musa de rango composicional y un estilo artístico que favorece la extensión pensativa de las melodías que vienen a él.

Parks muestra su bien redondeado fraseo y nítida articulación nítida en su solo en “The Hills of Kykuit” y un fuerte, escultural tono en el registro bajo de “Blind Imagination”. En “Hypnotic”, Harland demuestra cómo un baterista puede poner un montón de energía detrás de una banda que anima pero nunca perturba la tranquilidad inherente que va a la delantera. Tal agitación ayuda a la pieza a cumplir con su título, la forma que el hipnotismo libera la energía psíquica que apoya la personalidad afectada en hacer que el poder de sugestión del hipnotizador facilite un comportamiento que parece una segunda naturaleza.

No estoy seguro por qué la publicidad para “Lotus” siente la necesidad de pregonar el CD como “la música más honesta de Moreno a la fecha”. Normalmente me gusta pensar que la honestidad de un músico en su música puede ser asumida. Pero supongo que es sólo otra manera de decir que una perfecta adecuación entre lo que impulsa a un compositor-ejecutante a crear y sus resultados en la publicación de una grabación del ensamble es relativamente rara. Si otras influencias persisten en el resultado, sin embargo, esto no es ningún signo de falta de honradez. Es solamente que de vez en cuando todo aquel background acorta la distancia, y algo puro y autónomo surge. Esto es que pasa en “Lotus”.

Fuente para la reseña: Jay Harvey para http://jayharveyupstage.blogspot.com.ar/2015/12/guitarist-mike-moreno-finds-balance.html

Apunte: En el comienzo de la reseña de Jay Harvey, de manera acertada se menciona “jazz de hablar pausado”, que tiene la propiedad de unirse mágicamente al oyente que quiere prestar atención y escuchar lo que se está tocando y, de alguna manera, entender lo que el artista intenta expresar. Esa es mi necesidad y creo que la de muchos, y es lo que Mike Moreno logra con el más que bienvenido “Lotus” para el cierre del año. Discazo altamente recomendable de un artista que va consolidando una importante obra discográfica. Saludos!

Track listing

1. Intro (1:41)
2. The Hills of Kykuit (6:52)
3. Lotus (5:51)
4. Hypnotic (5:55)
5. The Empress (6:22)
6. The Last Stand (8:41)
7. Can We Stay Forever? (3:36)
8. Blind Imagination (6:22)
9. Epilogue: The Rise (4:35)

Artist List

Mike Moreno: guitar
Aaron Parks: piano
Doug Weiss: bass
Eric Harland: drums

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Chris Morrisey
abril 1, 2014, 12:27 pm
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tapa North Hero
North Hero (2013)

Hasta ahora, la gran variedad ha distinguido a Chris Morrissey. En 2009, su debut, “The Morning World”, fue vigoroso pero pixelado, como un fotomosaico: cada una de las pistas era un punto de una bala de lo que el bajista podría ser. North Hero es una más centrada, intensa y, en última instancia más bonita foto de quién es él.

Morrissey no es ni la mitad en lo que concierne a género como a las necesidades emocionales de sus canciones, aunque es difícil de ignorar los elementos identificables del indie-rock: bordes duros, sencillez folk y espíritu DIY (N. del T: Do It Yourself, hazlo tu mismo). Aquella estética que tiene que ver con el pianista Aaron Parks (cuyo “Invisible Cinema” del 2008 es un Rosetta Stone para el indie-jazz), el saxofonista Mike Lewis, el baterista Mark Guiliana y la producción de David King (The Bad Plus). En la página de inicio del álbum, Morrisey también cita una “escuela de pensamiento del medio-oeste” (para lectores costeros, esto se traduce, aproximadamente, como un sobreentendido lirismo)

En “The Spirit of Chanhassen”, los acordes de piano à la ZZ Top en “La Grange”, palpitan bajo una melodía que es limpia y urgente. “Minor Silverstein” da margen de maniobra al tranquilo fuego de Lewis; su melodía es un crujido, un nudo flojo tirando. El cuarteto tiene un ángulo adecuadamente conservador paseando por el territorio del jazz en “Midland, Texas Picnic Area”, y Guiliana golpea el camino con miradas de forastero en “Roman Subway”.

La banda es ajustada en todas partes, pero en “Electric Blanket” -la pista final del álbum- ellos alcanzan un sonido que es más grande, magnífico y de algún modo más hermoso que la suma de sus partes. Morrisey ha sido un músico para todas las sesiones. En North Hero, él suena como que su momento ha llegado.

Fuente para la reseña: Zach Hindin para http://jazztimes.com/articles/107968-north-hero-chris-morrissey

Apunte: North Hero transita por los caminos fronterizos entre el jazz y el rock indie. Y lo hace convincentemente y con muy buenos resultados. De alguna manera, es la misma veta en la que excavan Ben Allison en su último disco (“The Stars Look Very Different Today”), y en los que aquí hemos escuchado de Dylan Ryan, Sand (“Sky Bleached”) y de Kneebody (“The Line”). Parece ser que poco a poco, tal vez por un tema generacional, es una de las principales corrientes por las cuales se moverá el “jazz” y sus alrededores en los próximos años. No es casualidad que Parks y Guiliana sean de esta partida, ya que son dos jovenes músicos que vienen colaborando con muchos artistas consagrados y además tienen sus propios proyectos orientados en esta dirección. Disfrutemos esto y apuntemos a Morrisey para ver hacia donde evoluciona en el futuro. Su primer disco, “The Morning World”, se puede escuchar completo en el sitio que Morrisey tiene en bandcamp.

Track Listing

1. The Spirit of Chanhassen (5:08)
2. Minor Silverstein (4:47)
3. Midland Texas Picnic Area (6:21)
4. Roman Subway (6:14)
5. One Worn Mile (5:44)
6. Hands Crystals Anderson (5:20)
7. Lullaby for Twins (3:57)
8. Electric Blanket (8:07)

Artist List

Chris Morrissey: bass
Aaron Parks: piano
Mike Lewis: saxophone
Mark Guiliana: drums

Link de descarga
Password: presoventanilla



Mike Moreno

tapa First in Mind
tapa Another Way
First in Mind (2011)

First in Mind es el título del tercer trabajo discográfico de Mike Moreno, uno de los guitarristas de referencia en el actual panorama jazzistico de Nueva York. Con una multitud de colaboraciones con musicos como Aaron Parks, Lizz Wright, Myron Walden e incluso con Q-Tip, este guitarrista nacido en Houston ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad y este nuevo lanzamiento es buena prueba de ello.

Siguiendo la línea de su anterior trabajo “Third Wish”, también para el sello Criss Cross, Moreno nos ofrece un álbum en el que sólo hay un original, el que da título al disco. El resto del repertorio está compuesto por versiones de lo más variado. Como “Soul Dance”, una composición del saxofonista Seamus blake, único tema en el que el guitarrista utiliza la acústica, sacándole un sonido espectacular. O como la espectacular versión de “Airegin” digna de un maestro, o del mismisimo “In a Silent Way”. También Moreno deja ver su admiración por el repertorio brasilero de la mano de Milton Nascimento y Nelson Cavaquinho con las versiones de “Milagre dos Peixes” y “A Flor e o Espinho” compuestas por ellos respectivamente.

El cuarteto de First in Mind es una formación bien conocida por el guitarrista, Aaron Parks con quien colaboró en su primer disco “Invisible Cinema” y que está también en el debut discográfico de Moreno “Between the Lines”, Matt Brewer, quien sustituye a Doug Weiss, y el batería Kendrick Scott que aparece en los 3 trabajos del guitarrista. First in Mind es un disco típico de Criss Cross, una buena sesión de jazz por parte de unos músicos muy interesantes, y en este caso por un guitarrista al que hay que seguir la pista. Si su primer trabajo “Between the Lines” estaba compuesto por originales, en Criss Cross, Moreno ha optado por exprimir algunos de los temas que le gustan dejando de lado sus composiciones, tanto aquí como en el anterior “Third Wish”, eso sí con su propia óptica y con una gran clase.

Fuente para la reseña: http://emilesahead.blogspot.com.ar/2011/07/mike-moreno-first-in-mind.html

Track Listing “First in Mind”

1. First In Mind (7:54)
2. Soul Dance (8:53)
3. Airegin (5:50)
4. By Myself (6:09)
5. But Beautiful (8:31)
6. Milagre Dos Peixes (Miracle Of The Fishes) (7:17)
7. A Flor E O Espinho (The Flower And The Thorn) (7:35)
8. In A Silent Way (8:34)
9. Mantra #5 (5:27)

Artist List

Mike Moreno: guitar
Aaron Parks: piano, Fender Rhodes
Matt Brewer: bass
Kendrick Scott: drums

Another Way (2012)

Aunque sea difícil destacarse en un clima donde nuevos nombres aparecen casi a diario, Mike Moreno ha resultado ser uno de los más identificables jovenes guitarristas de jazz en los últimos años.

Como en casa en un número de ajustes, su fluído estilo se encuentra en el abstracto hip hop de “The Renaissance” (Universal Motown, 2008) de Q-Tip y ha recibido elogios de Pat Metheny que comentó que Moreno es “un chico muy talentoso que me impresionó más allá de las notas, por su sentimiento general, y por lo que él es”. Y no se trata sólo que Moreno impresiona por su manera de tocar, su habilidad composicional también gana atención en Another Way, su cuarta grabación como líder.

Similar a su debut del 2007, “Between The Lines” (World Culture Music), Another Way destaca las composiciones de Moreno interpretadas por un sólido ensamble que incluye a los ascendentes vibrafonistas Warren Wolf y Chris Dingman. La combinación de guitarra, vibráfono y piano con Aaron Parks, socio de largo tiempo, siendo una gran salida para las trazas contemporáneas de Moreno que encuentran inspiración desde Maurice Ravel a Wayne Shorter, donde dialoga con el guitarrista en su propio dialecto.

“Spinning Wheel” es un buen ejemplo del pensamiento melodicista de Moreno. El sonido tiene varias capas, elevada por la comunicación y espaciosos solos de los instrumentos de cuerda. Conocido por sus laberínticas carreras en la guitarra eléctrica, la técnica de Moreno en la acústica es igualmente impresionante y sale a la superficie en dos piezas a dúo junto a Parks, “Waking the Dancer” y “The Mariner”, enfatizando aún más su simpático lirismo.

El set no es unidimensional. La oscura vibración de “The Fifth Element” está construída alrededor de un persistente groove aglutinado por la flexibilidad rítmica de Matt Brewer y Ted Poor; solo para ser seguida por “Slow Fall”, una magnífica pieza serpenteante con matices de colores. La adición de vibráfonos es otro factor determinante en dos de las piezas más calientes de este set —”One And A Half” y “Behind The Wall”— ambas mostrando los inventivos mazos de Warren Wolf y la abrasadora guitarra de Moreno

Another Way continúa con el patrón de Moreno de excelencia e individualidad, estando abierto a nuevas posibilidades.

Fuente para la reseña: Mark F. Turner para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=41516#.UISaQmd0ig8

Track Listing “Another Way”

1. The Spinning Wheel (7:27)
2. Waking the Dancer (3:10)
3. One And A Half (7:21)
4. The Fifth Element (6:00)
5. Slow Fall (6:00)
5. Another Way (5:50)
6. Behind The Wall (5:53)
7. The Mariner (2:05)
8. Mirror Mirror (9:10)

Artist List

Mike Moreno: guitars
Aaron Parks: piano
Warren Wolf: vibraphone (1-3, 5-9)
Matt Brewer: bass
Ted Poor: drums (2-9)
Chris Dingman: vibraphone (4)
Jochen Reuckert: drums (1)

Apunte: Tanto First In Mind como Another Way son dos obras que muestran fundamentalmente el gusto de Moreno por las buenas (y no almibaradas) melodías, y además muestran la calidad de los excelentes músicos que lo acompañan. First In Mind está enfocado en composiciones de otros autores (los que primero le vienen a la mente a Moreno, estimo en un rapto bastante pobre de astucia..) y Another Way muestra sus propias composiciones. Ambos discos comparten la fortaleza de ser entretenidos, de convocar la atención, sin dejarla que decaiga en ningún momento, utilizando recursos para nada explosivos o rimbombantes: los arreglos, las intervenciones solistas, la interacción entre los músicos, todo apuntala la conformación de dos discos con sólidos resultados. Una cosa para señalar: cada vez que he escuchado estos discos, me pregunto si Moreno no pensará en hacer algún disco centrado solo en la guitarra acústica, ya que en los temas en que toca la acústica, su técnica y sonido es descollante. Moreno, en el término de dos años, ha realizado dos muy buenos discos, dentro de una corriente contemporánea y tradicional del jazz, que definitivamente no revoluciona el mundo de la música, pero que nos da casi dos horas de pleno disfrute y apreciación de estos talentos musicales.

Password en ambos casos: presoventanilla