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Book of Hours (2019)
Te daré un vistazo detrás del telón de como opera Vinyl Anachronist: obtengo música de los sellos de jazz y obtengo música de los sellos de indie rock. Los dos mundos rara vez chocan. Cuando recibí Book of Hours de Gregg Belisle-Chi por correo, no estaba seguro de qué mundo estaba siendo representado. Gregg Belisle-Chi, un guitarrista con sede en Brooklyn, tiene un sonido en Book of Hours que cierra la brecha, pero de una manera que se inclina fuertemente hacia el indie rock, con sus fuertes dosis de guitarra eléctrica y un cuarteto que incluye al bajista Matt Aronoff, el baterista Michael W. Davis y al organista de Wurlitzer Dov Manski. Es un atuendo de rock despojado, aunque instrumental, y ni una sola vez pensé «oh, esto es jazz».
Gregg Belisle-Chi ha tocado con Bill Frisell, y quizás esa sea la clave. Frisell siempre se ha sentado a horcajadas sobre esa cerca, a veces saltando hacia abajo a ambos lados y corriendo un poco antes de volver a saltar. Obviamente, Belisle-Chi está influenciado por esta estética, haciendo música que encaja entre géneros, y con suerte se exprime en un pequeño y bonito lote vacante propio, al menos con Book of Hours. En el pasado, Belisle-Chi ha hecho muchas cosas diferentes. Su primer álbum, «Tenebrae» , fue compuesto para guitarra y voz, y la continuación, «I Sang to You and the Moon», presentó guitarra, voz, bajo y trompeta. Book of Hours se concibió originalmente como un álbum para un conjunto de jazz / cámara de nueve piezas. No voy a dudar de las elecciones de Belisle-Chi aquí, pero algo me dice que la versión podría no haber sido tan original e inesperada.
Book of Hours está organizado como una suite de ocho partes «basada en el texto y la historia de la misa ordinaria», que se refiere a una misa que se realiza en momentos en que la ocasión real no es importante. (No soy católico, así que sí, tuve que «Wiki» eso.) Ese concepto parece muy distante de la ejecución, ya que gran parte de esto suena como un cuarteto de rock apretado, improvisando aquí y allá. Los movimientos individuales están etiquetados correctamente: kyrie, gloria, credo, sanctus , etc., y ahí es cuando comienzas a sentir los temas recurrentes que podrías experimentar en una misa. Cada movimiento refleja el espíritu y el estado de ánimo de cada una de esas partes tradicionales, algo que debe parecer aún más obvio para aquellos que tienen más conocimiento sobre las masas católicas que este pagano impío.
Afortunadamente, Book of Hours de Gregg Belisle-Chi no requiere que te conviertas para entender. Tomado al pie de la letra, este es un álbum impresionante de jazz-rock que nunca es aburrido, incluso en sus momentos más reflexivos. Al igual que con Frisell, Gregg Belisle-Chi es un músico que puede extraer una cantidad máxima de emoción a partir de un mínimo de técnica llamativa. El Wurlitzer de Manski es un contribuyente vital, que trae consigo gran parte del misterio que sentimos de la parte sagrada de las masas, esa sensación de estar rodeados de espíritus y fantasmas y cosas que nunca entenderemos. Book of Hours se suma a ese sentido divino de singularidad, de algo que no presenta respuestas fáciles, sino una multitud de excelentes preguntas.
Fuente para la reseña Marc Phillips para https://parttimeaudiophile.com/2019/03/28/gregg-belisle-chi-book-of-hours-the-vinyl-anachronist/
Apunte: Book of Hours habita un lugar donde la improvisación y la composición se encuentran y conviven jazz, rock, prog, indie y lo clásico. Belisle-Chi puede tocar con suma destreza y sensibilidad momentos muy delicados y otros bastante más crudos, sin perder el equilibrio; un equilibro entre lo ligeramente cerebral y un mesurado lirismo. Book of Hours es una obra de arte cuidadosamente elaborada e impecablemente ejecutada
Track Listing
1. Aurora (2:56)
2. Kyrie (6:51)
3. Zuhr (2:34)
4. Gloria (12:17)
5. Credo (6:20)
6. Dusk (4:33)
7. Sanctus (6:36)
8. Agnus Dei (7:12)
Artits List
Gregg Belisle-Chi: guitar
Dov Manski: Wurlitzer
Matt Aronoff: electric bass
Michael W. Davis: drums
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Heathland (2020)
Para el nuevo álbum de Alex Jønsson, Heathland, los escasos pastizales azotados por el viento de su tierra natal de Jutland proporcionan la inspiración. Este paisaje único evoca un tiempo olvidado e intacto por la civilización humana. Aquí, la naturaleza trabaja silenciosamente en soledad, y los implacables vientos del norte disuaden a la mayoría de los forasteros. Es un lugar que el guitarrista danés Alex Jønsson conoce bien, ya que creció allí como sus generaciones de antepasados antes que él. A pesar de la inspiración romántica y natural, Heathland es el primer álbum que Jønsson toca junto a un bajo eléctrico interpretado por Jens Mikkel Madsen.
Los momentos suaves de este álbum son hermosos en su vulnerabilidad y poéticos en sus matices. Los efectos de guitarra en ‘Icicles’ sugieren una incertidumbre y fragilidad. El juego de Alex está lleno de emoción y tiene una madurez refinada más allá de sus años. Su suave ataque de cuerda se suma al suave efecto de inclinación. La dinámica de ‘The Sun is Slowly Rising’ es perfecta, con aumentos de volumen sobregrabados y acordes de tremolo. Los tambores constantes de Andreas Skamby invocan una antigua actuación ritualista de los demás.
Sin embargo, el álbum evita ser unidimensional con el brutal ‘… y Darkness Crept In’ donde la banda se balancea, empleando distorsión y ruido de octavas. En ‘Re: Herr Sehr Schwer’, la banda deslumbra con un estallido de optimismo americano que surca con gran fluidez. Es una pista que proporciona un poco de alivio ligero y no se cansará después de repetidas jugadas. El enérgico solo del baterista Andreas es apasionado y agrega un pasaje existencial de prog-rock cuando se combina con las misteriosas olas armónicas de Alex.
El álbum se aleja de la tonalidad occidental para el expresivo ‘Paul’. Los sonidos generados por los músicos dan un ambiente más íntimo y una experiencia personal. El toque punteado de Alex no está pulido a propósito y los disparos de Andreas y los frenéticos rollos de percusión le dan a esta pista un timbre distintivo.
Terminando con el suave ‘Emu’, las vívidas melodías de Alex retratan un sentimiento melancólico frente al sonido de la percusión texturizada. Al principio, parece una pieza sin mucha profundidad, pero la disposición en capas y las variaciones aparecen a medida que avanza la pieza. El movimiento armónico se vuelve estático, sin embargo, la emoción y la creatividad se mantienen a través de la batería enérgica y las estoicas líneas de bajo. Es un final solemne pero cautelosamente optimista para los procedimientos.
‘Heathland’ es un trabajo reflexivo y experimental fundado en el amor de Jønsson por Dinamarca, pero también muestra influencia de otras culturas musicales en las composiciones. El enfoque moderno y variado de Alex para su trabajo significa que incluso en los momentos delicados las piezas son significativas.
Fuente para la reseña: Fred Neighbour para http://ukvibe.org/album_reviews/alex-jonsson/
Apunte: Hay quietud y tensión, con algunos eventuales escapes distorsionados. Hay tambores y platillos que casi no marcan ritmos, reflejan expectación o reflexión mientras bajo y guitarra se entrelazan sin ninguna clase de apuro. Hay lirismo en la ocasional inclinación melancólica de la música y la sensación de grandes espacios abiertos. Hay ciertos puntos de contactos entre Alex Jønsson y su coterráneo Jakob Bro, aunque el sonido de Alex sea, tal vez, más indie. Todo eso hay, como corresponde a la buena música danesa.
Track Listing
1. Heathland (2:39)
2. Stillness (4:31)
3. …and Darkness Crept In (3:56)
4. Out of Shape (2:40)
5. Icicles (3:54)
6. The Sun Is Slowly Rising (6:11)
7. Paul (6:06)
8. Re: Herr Sehr Schwer (3:04)
9. Emu (4:45)
Artist List
Alex Jønsson: guitar
Jens Mikkel Madsen: bass
Andreas Skamby: drums
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Duski (2017)
Aidan Thorne es uno de los mejores bajistas que emergen del sur de Gales, entre los que se incluyen Ashley John Long, Chris O’Connor y la estrella en ascenso Huw V Williams. He visto a Thorne tocar el contrabajo en una variedad de contextos, incluyendo actuaciones con el trombonista Gareth Roberts, los saxofonistas Ben Treacher y Martha Skilton. el baterista Ollie Howell y como parte de los grupos Burum, Coltrane Dedication y Slowly Rolling Camera. También ha acompañado a los músicos españoles Arturo Serra (vibes) y Juan Galiardo (piano) y ha grabado con Burum, Slowly Rolling Camera y Lacuna, el grupo del guitarrista Dan Messore.
Esta grabación debut de su grupo Duski representa la primera de Thorne como líder. El álbum presenta ocho composiciones originales del bajista, las melodías desarrolladas a través de un proceso de improvisación colectiva.
Duski comenzó en 2009 como un trío de jazz con Thorne junto al joven saxofonista tenor Greg Sterland y el incondicional de la escena del jazz galés Mark O ‘Connor a la batería. La banda ahora se ha expandido a cinco piezas con la adición del antiguo asociado Paul Jones en teclados y sintetizador (la pareja ha trabajado previamente en el trío Tryfan de Jones) y primero Tom Ollendorf y ahora Dan Messore en guitarra. Con Thorne especializándose en el bajo eléctrico de cinco cuerdas en esta banda, Jones manipulando tape loops y tocando una variedad de teclados y sintetizadores y Messore implementando una serie de pedales FX, Duski se ha transformado en un conjunto electroacústico que probablemente atraiga tanto a fanáticos de rock progresivo y alternativo como a seguidores del jazz de núcleo duro.
Hace dos años, en octubre de 2014, revisé una actuación de Duski, cuando presentaba a Ollendorff en la guitarra, en el Queens Head en Monmouth y firmé declarando «este es un grupo contemporáneo que toca música fresca y original que merece ser vista y escuchada». Por lo tanto, es particularmente gratificante encontrar la música de Duski disponible en CD por fin.
El álbum comienza con la breve pero atmosférica «Intro», una pieza brillante y poco estructurada que suena como si hubiera sido improvisada colectivamente. Fantasmales guitarra y teclados y amenazantes pulsos de bajo eléctrico forman el telón de fondo del inquietante silbido del saxo tenor de Sterland.
Varias de las piezas que el grupo interpretó en Monmouth han encontrado su camino en el álbum, incluida la episódica «Spare Part», una especie de balada ambiental con Messore que proporciona el tipo de sonido de guitarra que no sonaría fuera de lugar en una grabación de Bill Frisell. Sterland es el otro solista destacado y contribuye con un saxo tenor maravillosamente encantador y conmovedor. Al igual que Frisell, Thorne, ha sido influenciado por otros aspectos de la cultura con la música y las películas de David Lynch como una fuente de inspiración particularmente importante. De hecho, la banda toca regularmente arreglos de canciones y temas de Twin Peaks en los conciertos, aunque sospecho que los problemas de derechos de autor pueden haber evitado que estos aparezcan en la grabación.
En el concierto de Monmouth, Thorne habitualmente introdujo sus composiciones como ‘canciones’ y es cierto que muchas de sus piezas poseen una calidad de canción. De hecho, muchos de sus temas son esencialmente muy simples, es la forma en que él y su banda los tratan lo que mantiene el interés del oyente. «Simple Song» es un ejemplo con sus flotantes grooves bass and drums y alegres melodías saxofónicas aliadas a un solo de Rhodes insidiosamente funky de Jones. Sterland es el otro solista destacado, mientras se estira melodiosamente innata en el tenor, mientras la consistentemente impresionante batería de O’Connor toca una tormenta detrás de él.
El breve «Interlude» es otra pieza que suena como si hubiera sido totalmente improvisada. El tenor de Sterland se asemeja vagamente a Garbarek sobre un fondo ambiente amenazante. Inquietante pero tentadoramente truncado, todo termina en poco más de un minuto.
En efecto, «Interlude» funciona como una especie de introducción a «Lakeside», una de las piezas que la banda interpretó en el Queens Head. Presentado por Thorne en el bajo, esta fue otra melodía que exhibía una calidad de canción, algo encapsulada por las largas y altísimas líneas del melódico saxo tenor de Sterland, resaltadas por un retroceso vagamente inquietante de guitarras y teclados (incluidos los sonidos distintivos del sintetizador analógico MiniBrute de Jones) y un ritmo lento pero cada vez más insistente de bajo y batería.
La balada suavemente atmosférica «Two Hours Long» fue otra composición que apareció en Monmouth. Superficialmente bonita y con el sonido entrecortado del tenor de Sterland, la melodía se ve socavada silenciosamente por el sutilmente inquietante fondo ambiental. Aunque completamente instrumental, muchas de las canciones de Thorne poseen esa exquisita dinámica alegre / triste que distingue a gran parte del mejor indie rock.
Buscando una descripción adecuada de la música de Duski, me he referido regularmente a ella como «fusión inteligente». Me gustaría pensar que «Another Simple Song» personifica esta descripción a medida que la banda sube los niveles de energía en una de las piezas más duras del disco. Largos solos de Sterland en el tenor, realmente extendiéndose por encima del excelente apoyo grupal. Jones lo sigue en el Rodhes y el influyente O’Connor también aparece con fuerza.
«Outro» cierra el álbum con otro fragmento de improvisación grupal de un minuto de duración, todo un saxo espeluznante, ruidos de graves de baja gama y electrónica de ruido blanco mientras Duski se dirige al espacio profundo.
Influenciado no solo por el jazz, sino también por el pop, el rock y las películas, Duski ha creado un sonido grupal distintivo, aunque un poco oscuro. Es refrescante ver una banda de «fusión» que se concentra en crear una atmósfera e intentar contar una historia, el enfoque en el color, la textura, la narrativa y el efecto emocional en lugar de una mera técnica instrumental y pura. El propio Thorne adopta un enfoque admirablemente sin ego de la música, ¡sin solos de bajo! – Pero no hay duda de que él es la fuerza impulsora y que es su concepto detrás de la identidad del grupo.
Si el álbum tiene un defecto es que es demasiado corto. Con tres breves episodios improvisados que puntúan la grabación, es justo decir que solo hay cinco composiciones completas. La actuación de Monmouth incluyó varias piezas más, totalmente agradables, además de las de David Lynch, que no han llegado al álbum, lo cual es una pena. En todos los demás aspectos, el debut de Duski es alto, en términos de reproducción, escritura y producción: el álbum fue grabado por el ingeniero Deri Roberts.
Y si alguien se pregunta sobre el nombre de la banda, Duski fue bautizado por el poeta Martin Daws, el Young People’s Laureate for Wales, que simplemente pensó que la música sonaba «dusky (oscura)», tal vez no tan sorprendente, teniendo en cuenta la influencia de David Lynch / Twin Peaks.
También es un juego con la palabra galesa «Dysgu» que significa «aprender», como en «Dysgu Cyfri», una melodía del trombonista Gareth Roberts que significa «Aprender a contar».
Fuente para la reseña: Ian Mann para https://www.thejazzmann.com/reviews/review/duski-duski
Apunte. Duski es una joven banda galesa y como joven, sin inhibiciones. De sonido melódico y atmosférico finamente elaborado, y tal como se repite en la reseña de Ian Mann, no reniega de ninguna fuente. Agradable fusión desde las islas, apta para una gran variedad de oidos.
Track Listing
1. Intro – Spare Part (9:48)
2. Simple Song (6:19)
3. Interlude (1:08)
4. Lakeside (6:20)
5. Two Hours Long (5:28)
6. Another Simple Song (7:48)
7. Outro (1:25)
Artist List
Greg Sterland: tenor saxophone
Dan Messore: guitar
Paul Jones: keyboards
Aidan Thorne: bass
Mark O’Connor: dums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: aislamiento social, Bryan and the Aardvarks, Bryan Copeland, Camila Meza, Chris Dingman, Dayna Stephens, Fabian Almazan, Fusión, Jazz, Jesse Lewis, Joe Nero, Rock Progresivo
Sounds from the Deep Field (2017)
Bryan y los Aardvarks miran al cielo para Sounds From the Deep Field, el segundo álbum de la banda y el primero para Biophilia Records. No es de extrañar que la banda forme parte del nuevo y progresivo sello de Fabian Almazan ya que el pianista ha estado en la banda desde su inicio. El bajista y compositor Bryan Copeland lidera el grupo que, además de Almazan (que también toca sintetizadores), presenta a Chris Dingman (vibráfono), Jesse Lewis (guitarras) y Joe Nero (batería); en este álbum, se les une la vocalista Camila Meza y Dayna Stephens (Sintetizador EWI Wind). Al igual que los otros lanzamientos de Biophilia en el 2017, la música solo está disponible como descarga. Hay una opción donde puedes comprar la portada y la descarga.
Las influencias de Copeland para este álbum incluyen el trabajo de Carl Sagan, las exploraciones de los satélites de la NASA a medida que se alejan de la tierra y, musicalmente, el «rock» progresivo de artistas como Hatfield y The North, más el jazz progresivo de Tony Willams, Earthworks de Bill Bruford, Chick Corea, Jason Moran y otros. Este conjunto no imita a ninguno de los artistas mencionados, pero, para mis oídos, usa sus visiones para crear las suyas. Observe cómo la canción de apertura, «Supernova», se mueve al poder de los acordes proporcionados por Lewis y Dingman, con la vocalización de la Sra. Meza como un instrumento adicional, y el solo de gran alcance de Almazan. La «apertura» de «Eagle Nebula» es creada por los remolinos del vibráfono y el piano, mientras Nero y Copeland enmarcan la composición. Lewis y la Sra. Meza construyen la melodía durante la primera mitad de la pista antes de abandonar la sección de ritmo. Dingman y Almazan se mueven uno alrededor del otro, como si flotaran en el espacio, hasta que la sección rítmica regrese para ayudar a la pieza a su emocionante conclusión. Copeland compuso «Soon I’ll Be Leaving This World» enfocado en el piano elegíaco de Almazan; tiene los primeros 90 segundos para sí mismo antes de que la batería entre, luego abandone el bajo para continuar sentando las bases. Cuando el resto de la banda entre (recuerda a «Salty Dog» de Procol Harum), el pianista continúa liderando el camino con una deslumbrante variedad de líneas largas y fluidas que se mueven hacia atrás y hacia la banda. Todos abandonan y Almazan lleva la pieza a su cierre en una melodía de ritmo siempre suave.
La Sra. Meza también canta las letras de Copeland en varias pistas. «The Sky Turned To Grey», una canción sobre tormentas terrenales y cómo nos afectan. Lewis crea un poderoso solo sobre los acordes de piano y los ritmos solistas; ese sonido «potente» continúa cuando el solo termina y la voz vuelve a empujar la canción a su clímax. Las notas de apertura de la hermosa balada «Magnetic Fields» sugiere «September Song» de Kurt Weill -las letras son más esperanzadoras, una búsqueda de significado en un universo tan vasto. La música se abre para una fina vibración en solitario sobre un ritmo que sugiere un vals.
La música no es toda «espacial». Los tambores funky de bordes duros abren el camino hacia «Strange New Planet» (esta es una melodía donde la influencia del «rock progresivo» es más notable). Lewis y el EWI de Dayna Stephens toman las líneas de la melodía, mientras que Dingman ofrece un contrapunto. Las potentes líneas de bajo del líder se unen con la batería para mantener la canción «rockeando». Hay una «repetición» aún más dura de la pista, el corto «LV 426» varias pistas más tarde. A pesar del título de la canción final del álbum, «To Gaze Out The Cupola Module», la pieza salta directamente de los altavoces, impulsada por los tambores «rotos» de Nero. El teclado electrónico de Almazan comparte el espacio en solitario con las vibraciones, intercambiando frases a medida que la canción se dispara.
Sounds From the Deep Field tiene muchos momentos gloriosos para los oyentes. Ya sea el potente piano de Fabian Almazan, el vibráfono de Chris Dingman, Jesse Lewis con sus líneas de guitarra, la voz terrosa pero digna de Camila Meza, el fuerte apoyo y empuje del batería Joe Nero, además del trabajo fundacional del líder (escucha cómo sus notas altas todavía se las arreglan para apuntalar «Tiny Skull Sized Kingdom»), esta música captura la imaginación.¿Funcionaría tan bien sin las hermosas obras de arte, las vistas de los cielos tomadas por el equipo del telescopio Hubble de la NASA, o las palabras de Carl Sagan? Ciertamente ayudan, pero es la visión de Bryan Copeland para esta música la que marca el camino y es una forma fascinante de seguir.
Fuente para la reseña: Richard B. Kamins para http://steptempest.blogspot.com/2017/05/sounds-of-gratitude-strength-and-wonder.html
Apunte: Según relata Bryan Copeland líder de este proyecto, se inspiró en las imágenes que el telescopio Hubble pudo registrar de los confines del espacio: «El Hubble Deep Field me inspiró de muchas maneras. Todo comenzó cuando mi esposa y yo estábamos de excursión y acampando en California hace un par de años. Pasamos un tiempo en el Parque Nacional Jedediah Smith Redwoods en el extremo norte de California, cerca de la frontera con Oregon. Esas secuoyas gigantes se encontraban entre las vistas más impresionantes que jamás haya experimentado. ¡Estaba absolutamente hipnotizado! Algunos de esos árboles tienen 3000 años. Esto me inició en el camino de un nuevo despertar existencial. Si puedes imaginar que eres uno de esos árboles y tienes la misma conciencia cognitiva que poseemos, la vida de un humano iría y vendría en un abrir y cerrar de ojos. Así que comencé a profundizar en este tren de pensamiento y todas las implicaciones de nuestro lugar en el mundo. Durante el apogeo de esto, leí un artículo sobre el Campo Profundo del Hubble, y fui golpeado con el exacto mismo sentimiento, excepto que a un nivel inimaginablemente más infinito. La NASA apuntó con el telescopio Hubble hacia, aparentemente, el agujero más vacío del espacio exterior, y cuando estudiaron la fotografía, descubrieron más de 3.000 galaxias en esta pequeña sección del espacio «vacío». Tenía este deseo insaciable de expresar esta enormidad en mi música y compuse la mayor parte del álbum en aproximadamente un mes». Como sea, todo se transforma en una anécdota cuando comienza a sonar la música que se mueve en delicados campos de un postbop melódico, enriquecido por el delicado toque del vibráfono y el armónico del piano, pero también abriéndose paso en momentos solistas más sofisticados y vanguardistas. Muy recomendable!.
Track Listing
01. Supernova (10:14)
02. Eagle Nebula (9:10)
03. Tiny Skull Sized Kingdom (6:29)
04. Soon I’ll Be Leaving This World (6:42)
05. The Sky Turned To Grey (6:04)
06. Strange New Planet (8:42)
07. Bright Shimmering Lights (4:52)
08. LV 426 (1:37)
09. Magnetic Fields (6:29)
10. To Gaze Out the Cupola Module (3:38)
Artist List
Bryan Copeland: bass
Camila Meza: vocals
Dayna Stephens: EWI
Jesse Lewis: guitar
Chris Dingman: vibes
Fabian Almazan: piano
Joe Nero: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Edouard Séro-Guillaume, Fusión, Guillaume Nuss, Jazz, Julien Soro, OZMA, Rock, Rock Progresivo, Stéphane Scharlé, Tam de Villiers
Welcome Home (2016)
« Fulano atraviesa con este álbum una nueva etapa »; es el tipo de frase comodín e inofensiva que se encuentra regularmente en la prensa profesional.. Pero he aquí, hay que reconocer, que esta fórmula totalmente hecha perfectamente se aplica a Ozma. Por una parte, los alsacianos se apuntan ahora en Cristal Records y son distribuidos por Harmonia Mundi, lo que no es nada. Por otra parte, Welcome Home, marca la vuelta «a casa» del trombonista Guillaume Nuss, que formó parte del grupo en sus tres primeros álbumes (Ozma, Electric Taxi Land y Strange Traffic). Tres de los miembros originales pues son reunidos en este sexto disco del que visualmente sólo da envidia de adquirirlo (y de hecho lamentarse al mismo tiempo de que no existe una versión en elepé). Podemos añadir que el dúo de composición Édouard Séro-Guillaume (bajo) / Stéphane Scharlé (batería) jamás fue tan complementario y deja una gran libertad a los «nuevos» (Julien Soro, saxofones y Tam de Villiers, guitarra) tanto en el disco como sobre el escenario. Pero dejemos de lado el alboroto para sumergirnos en el vivo sucesor de New Tales.
OZMA pertenece a esta nueva generación del jazz francés que cava sus influencias más allá de la esfera musical. Verdadero albergue español, Welcome Home combina un jazz moderno y accesible a las referencias obtenidas del rock, las músicas progresivas, e incluso del hard rock. Deliciosamente ritmado, « Krefeld mon amour », en homenaje a uno de los lugares regulares de paso de la banda entre nuestros vecinos germanos, juega con los diálogos animados entre el trombón de Guillaume Nuss y el saxofón de Julien Soro. Estos intercambios saltarines son una de las características de la música de OZMA, que se encuentran por ejemplo en « He Saved The Girl (Once Again) » y su segunda parte casi disco. Pero el grupo también sabe rodar los hombros y mostrar sus músculos. Desde « Electric Lament », se sienten venir algunos enervamientos, de pasajes a 220 voltios alimentados por la guitarra de Tam de Villiers. Un groove viril aparece así en punteado a lo largo del álbum, y particularmente en el casi heavy « Goldi Boldi ». Sospechamos que al dúo Séro-Guillaume / Scharlé gusta de las infidelidades al jazz con las formas musicales más peludas. Sin embargo, no abandona la ligereza; algunos títulos menos densos como « Flat Tire at Durban Market » y « Cashmere Weekend » permiten a los vientos expresar temas más libres y a la guitarra tomar prestado vías aéreas.
« Diversidad » es un adjetivo que encaja perfectamente a las diez composiciones de Welcome Home, álbum a la vez enérgico y delicado, legible y sofisticado. Contrariamente a la desafortunada señorita de la chaqueta, OZMA no sube en la silla de montar para darse un golpazo sino para conseguir una vuelta con gran pompa.
Fuente para la reseña: Jean-Philippe Haas para http://www.chromatique.net/chroniques/item/16102-welcome-home
Apunte: El premiado quinteto francés OZMA, nació en 2001 como un proyecto artístico con un objetivo claro e innovador: crear un repertorio de composiciones originales e improvisaciones colectivas sin fronteras estilísticas. Sus miembros son hijos de los ochenta: iniciados en jam sessions, con numerosas y variadas influencias de la música contemporánea, desde la electrónica al rock, a la música de jazz. El grupo crea una totalmente nueva y original música que trasciende las etiquetas tradicionales. Paralelamente a su repertorio original, OZMA implementa proyectos creativos en colaboración con artistas del extranjero (África, Canadá, India) y crea presentaciones en vivo que desarrollan la interacción entre la música y la imagen. OZMA desarrolla una línea artística plural, enraizadas en las distintas esferas de influencia de sus músicos. Un universo moderno y ecléctico de música creativa que OZMA ha compartido a través de seis álbumes y más de 250 conciertos en cuatro continentes.
Track Listing
01. Krefeld Mon Amour * (4:40)
02. Magnus Effect ** (5:40)
03. Electric Lament * (3:46)
04. Concerto For Sharks ** (6:16)
05. Cashmere Weekend * (6:05)
06. Goldi Boldi * (4:06)
07. Flat Tire At Durban Market ** (4:58)
08. My Favorite Regret ** (6:34)
09. He Saved The Girl (Once Again) ** (3:47)
10. Cousin Howard ** (5:35)
* Composés par Stéphane Scharlé
** Composés par Édouard Séro-Guillaume
Artist List
Edouard Séro-Guillaume: basse, composition
Stéphane Scharlé: batterie, composition
Julien Soro: saxophones
Guillaume Nuss: trombone
Tam de Villiers: guitare
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The Long and Short of It (2013)
Durante los últimos años, un notable joven pianista de Chicago ha enriquecido la labor de algunos de los músicos de jazz más creativos de la ciudad.
Sin él, el muy importante álbum doble del último año, «By a Little Light», de Matt Ulery, y la nueva asombrosa continuación de Ulery también, «Wake an Echo», habría perdido un poco de su belleza armónica y brillo tonal. Asimismo el trabajo etéreo de la cantante Grazyna Auguscik y el filoso toque del saxofonista alto Greg Ward han sido profundizados considerablemente por las contribuciones del pianista Rob Clearfield.
Ha venido produciendo tanto trabajo importante para muchos de los artistas de jazz más aventureros de Chicago, de hecho, que no ha tenido tiempo para enfocar un proyector donde corresponde: sobre su propia música.
Hasta ahora. En la noche del sábado, Clearfield celebrará el lanzamiento de su primera grabación como líder de banda, The Long and Short of It, un álbum cada bit tan lírico, imaginativo, poético y desafiante de género como su trabajo como sideman lo anunciaba.
La pregunta es: ¿cómo tiene Clearfield concebido un insólito lenguaje musical que de algún modo abraza el melodicismo despreocupado del pop, la intensidad cerebral de música clásica y el espíritu espontáneo de la improvisación del jazz?
«Me esfuerzo en escuchar ampliamente», dice Clearfield, 28 años, quien nació en el área de Chicago y ha desarrollado su carrera y música completamente aquí.
«En lo que respecta a este registro en cuestión, y la escritura y el sonido global del grupo, estoy realmente en Ben Monder y Kurt Rosenwinkel», agrega Clearfield, apuntando a los guitarristas que están redefiniendo las posibilidades armónicas de jazz -especialmente Rosenwinkel.
«Una cosa que me encanta de estos tipos es que cuando ellos fijan una pieza, la pieza tiene un sonido real. Todas las armonías y todas las expresiones – hay un paisaje tonal específico para la pieza. Incluso cuando ellos realmente se alejan en la improvisación, nunca realmente se apartan del hilo central».
Lo mismo puede decirse del paisaje tonal de The Long and Short of It, que transporta el ferviente lirismo de la firma de Clearfield y una estética teñida de rock, desarrollada por el guitarrista John Kregor, el saxofonista tenor Scott Burns, el percusionista Eric Montzka y el bajista Patrick Mulcahy.
Sorprendentemente, las declaraciones de Clearfield en piano acústico y eléctrico a menudo flotan en el fondo, sin embargo, su influencia es inconfundible en la moderación de esta música, así como su naturaleza no categorizable
Clearfield atribuye esta forma poco ortodoxa a una variedad de fuentes, algunas menos previsibles que otras.
«En cuanto a mi propia manera de tocar, soy un gran admirador de (Johannes) Brahms tanto como cualquier otro compositor», dice Clearfield, refiriéndose al gigante de siglo XIX cuyo romanticismo inequívocamente es sostenido por las estructuras musicales de un clasicismo anterior.
«Me encanta cómo él es muy serio, pero sin tomarse demasiado en serio a sí mismo. Él no es como (Franz) Liszt, tan grande como él, quien va a llevar una capa», bromea Clearfield, refiriéndose al romántico pianista y compositor, cuya forma exterior es tan extravagante como su música fue exhibicionista. Clearfield claramente matiza más cerca de las más moderadas -aunque todavía emocionalmente intensas- expresiones de Brahms, lo que se puede escuchar en la música de Clearfield, aunque articuladas en una sintaxis jazz-pop.
«De un modo similar, un par de mis influencias del piano de jazz son Herbie Hancock y Brad Mehldau», sigue Clearfield. «Aquellos tipos también son como Rosenwinkel y Monder: todo está conectado, todo viene de aquella primera semilla de improvisación. Ellos comienzan con una idea, y todo lo demás viene de aquel lugar de partida».
Fuente para la reseña: Howard Reich para http://articles.chicagotribune.com/2013-08-08/entertainment/ct-ott-0809-jazz-scene-20130808_1_matt-ulery-kurt-rosenwinkel-rob-clearfield
Apunte: El joven y talentoso pianista Rob Clearfield ha sido (y es) miembro de varias agrupaciones musicales de Chicago, su ciudad natal. Entre las más conocidas figuran los ensambles de jazz del bajista Matt Ulery (un viejo conocido de esta página), del saxofonista Greg Ward, como así también la banda de prog-rock District 97. The Long and Short of It marca un ambicioso debut como líder de un quinteto igualmente talentoso, en especial el saxofonista Scott Burns. La música se desarrolla consistentemente entre el jazz, la música clásica, el prog-rock y el pop, y quien haya escuchado la música de Matt Ulery también podrá encontrar algunas similitudes con la obra del bajista. Clearfield recientemente ha lanzado un nuevo disco en formato trio, Islands, del cual se pueden escuchar algunos temas en la página del artista en Bandcamp. En resumen: The Long and Short of It es un muy buen disco de un artista a seguir.
Track Listing
1. The Hunter (13:30)
2. The Long and Short of It (6:47)
3. What Are You Doing Here? (5:57)
4. Victoria Park (8:12)
5. Sitting Cross-Legged (13:53)
6. Maybe Next Time (6:21)
7. The Post-Modern Prometheus (8:04)
8. Life Imitates Life (12:09)
Artist List
Scott Burns:tenor saxophone
John Kregor: guitar
Rob Clearfield: piano, electric piano
Patrick Mulcahy: basses
Eric Montzka: drums, cymbals
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Inhale / Exhale (2016)
Este es un álbum que al principio, parte de la nada y que a la llegada bordea verdaderas cumbres.
Al principio, digamoslo, es el encuentro de amigos músicos que se presentan cada uno con absolutamente nada, solo con algún riffs, y que hacen girar la improvisación. Y esos amigos entonces piensan que está ocurriendo algo, que se encontraron de inmediato, fusionándose al punto que se dicen que con esto mínimo podrían entrar en el estudio. Entonces, tan pronto lo dicen, lo hacen.
Y para la llegada, digamoslo, un álbum superior y que no se parece a nada más. Que se querría aferrar a algunas influencias y que no llegaría más allá. Porque este álbum lleva en él su propia identidad y sobre todo su extrema riqueza musical.
¡ Son locos los matices de este álbum ! Que en la misma pisada puede pasar así de un pop-jazz evanescente a extremos potentes y muy rock. Donde las cinceladas sublimes de Christophe Panzani al tenor encuentran muchos contrastes en la guitarra de Pierre Perchaud, ya sea eléctrica o acústica. Es un groove grave a lo Hendrix o bien son refinadas delicadezas. Y siempre pasa algo nuevo. Lanzan tres notas de salida y esto gira. Pero no solo para girar, sino también para instalar climas, ambientes, sonoridades como sobre en la pista del titulo que evoluciona en diferentes espacios como cambiantes polvos de oro.
Pierre Perchaud que se había perdido un poco durante sus escapades con la ONJ vuelve aquí particularmente inspirado. Sus sonoridades muy rock se casan a las mil maravillas a las muy jazz de Panzani sea que estas pertenezca al tenor (que fraseo, Dios!) o al clarinete bajo. Christophe Panzani que, hay que recordarlo, tuvo mucho tiempo el pupitre de saxo tenor en la orquesta de Carla Bley, lugar de pocos.
Detrás, esto está siempre asegurado con un Karl Jannuska dantesco como de costumbre. Uno de los más grandes bateristas que cuenta este hexágono.Y Tony Paelemean que de un álbum en álbum se revela aquí bastante demostrativo, alternando nuevamente entre el piano acústico y el eléctrico.
Asistimos al nacimiento de un grupo absolutamente notable, donde cada uno de sus miembros parece prestar una atención y cuidado en cada una de sus intervenciones, con empatía total con los otros tres.
Esto es fuerte, a menudo es conmovedor, esto viaja y nos lleva.
Inspire / Expire y deje llevarse por este álbum absolutamente espléndido y que dice mucho sobre este jazz del mañana que se acecha y hacia quien se abren puertas muy prometedoras.
Fuente para la reseña: Jean-Marc Gelin para http://www.lesdnj.com/2016/01/the-watershed-inhale-exhale.html
Apunte: Si bien Inhale / Exhale parece no tener una dirección musical clara, porque con el vehículo del jazz van y vienen de lo progresivo al rock, creando melodías identificables, inspirándose en músicas repetitivas y minimalistas, jugando sobre los climas que crean, o teniendo momentos más experimentales, es muy interesante el espíritu que envuelve a todo el proyecto. Cuando la música gana en intensidad (por ejemplo en «Fat Bum» o «Peter Hot Father»), la cosa se pone más jugosa, y nos deja la esperanza de un buen futuro para este talentoso grupo.
Track Listing
01. Watershred (4:02)
02. Diana (3:11)
03. Peter Hot Father (5:44)
04. Pas de deux (2:02)
05. Inhale – Exhale (5:10)
06. Dark Water (2:32)
07. Bright Sun (4:57)
08. HKJ (0:38)
09. Tricle-down (2:05)
10. Fat Bum (5:13)
11. Running Water (5:09)
12. Vermilion Sky (4:09)
Enregistré au Studio des Bruères à Poitiers (86) en octobre 2014.
Artist List
Pierre Perchaud: guitar
Christophe Panzani: tenor saxophone, bass clarinet
Tony Paeleman: keyboards
Karl Jannuska: drums
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Transitions (2007)
Después del precedente «Punto Zero» editado por DDQ/Black Saint, continúa la unión artística de Mauro Campobasso y Mauro Manzoni con Transitions, editado en el 2007 por el sello Dodicilune. Y la casa discográfica salentina no se desmiente tampoco esta vez, proponiendo, como tradición, un viaje de 360 grados sobre la calle de las músicas imposibles por álbumes y artistas siempre interesantes en una visión global, entre jazz, clásica, contemporánea y las músicas del mundo. Como sucede a menudo, también en esta ocasión es casi imposible y también reduccionista intentar catalogar e incluir este nuevo trabajo en un determinado género, que tiene su esencia en la experimentación y en la improvisación. Dividido en dos largas suites, a su vez formadas por más partes, los vientos de Manzoni y las cuerdas de Campobasso son acompañadas, a diferencia de su estreno, de la bonita y particular voz de Cecilia Finotti, el bajo de Pier Mingotti y las percusiones de Alfredo Laviano y Stefano Paolini.
Transitions es una mezcla de sonidos eléctricos y acústicos en el que encuentran espacio fragmentos de música urbana, rumorismo y muestreos de naturaleza electrónica en una alfombra ideal que abarca desde el post-rock a la fusión, pasando por el ambient y la vanguardia. Las diferentes intervenciones solistas como tales no resultan nunca tan protagonistas, resultando determinantes para las distintas atmósferas que se van creando poco a poco en una sucesión de emociones y colores.
Transitions es sin duda un trabajo que atrapa y fascina, del cual, una vez que hemos entrado en los diferentes ambientes sonoros, es difícil quedar indiferentes. Un viaje fuertemente aconsejado, en el que gracias a sus dotes y gusto, los protagonistas consiguen en difícil tarea acompañarla plenamente en una mezcla de sabores y sugestiones, permaneciendo sin embargo siempre alineados y coherentes durante todo el trayecto.
Fuente para la reseña: Luca Labrini para http://www.jazzitalia.net/recensioni/transitions.asp#.VT6pBSF_Oko
Apunte: Transitions es una obra conceptual atravesada por diferentes géneros musicales, a la que debe prestarse especial atención desde principio a fin, ya que se trata de dos suites particionadas donde el ambiente sonoro, plagado de detalles, muta de tal forma que por momentos se tensa y en otros se distiende como en un constante movimiento pendular. Transitions es un viaje imaginario, colectivo y tan atractivo, que nos llama a emprenderlo una vez más cuando el epílogo se acalla.
Track Listing
Transitions 1
01. Opening (2:37)
02. Part 1 (4:23)
03. Part 2 (3:59)
04. Part 3 prelude (1:05)
05. Part 3 (6:28)
06. Part 4 (4:09)
07. Intermission: The Passage (4:55)
Transitions 2
08. Part 1 (6:10)
09. Part 2 (4:50)
10. Part 3 (0:35)
11. Part 4 (2:42)
12. Part 5a (1:36)
13. Part 5b (1:00)
14. Part 5c (3:28)
15. Part 5d (3:04)
16. Part 6 (4:59)
17. Part 7 (5:00)
18. Part 8 (4:42)
19. Part 9 (4:42)
20. Part 10 Epilogue (2:53)
Musicisti:
Mauro Manzoni: sax tenore, soprano, baritono, clarinetto basso, percussioni, electronic devices
Mauro Campobasso: chitarre, drums and samplers programming, electronic devices
Cecilia Finotti: voce
Pier Mingotti: basso
Alfredo Laviano: batteria e percussioni
Stefano Paolini: batteria
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Circa (2014)
«Los cimientos arquitectónicos de las ciudades contrastan con los fines simbólicos del alma, y en la irregularidad del tránsito se refleja esa contradicción.» Luis Alberto Spinetta, circa 1974.
Cuando el baterista experimental Dylan Ryan formó su trío Sand hace un par de años atrás con el guitarrista Timothy Young y el bajista Devin Hoff, rápidamente se fusionaron por el similar background de los tres en las áreas de la experimentación, el rock y el jazz y las seductoras zonas en las que estos estilos se superponen.
Y sin embargo, el logro más grande de su álbum debut es que han logrado unir aquellas cosas de una manera que hicieron una música fácilmente seductora.
«Sky Bleached» (2013), por lo tanto, fue un sólido álbum debut para Dylan Ryan Sand, y es en gran parte de las mismas características que hacen de Circa (30 de Septiembre de 2014, Cuneiform Records) un sólido seguimiento.
Por lo tanto, ¿cómo lo hacen? Comencemos con Young, un guitarrista diversamente talentoso que llena un montón del espacio sónico con sus ricas y etéreas superficies y puede rockear tan duro como el mejor de ellos, asumiendo funciones tanto de guitarra rítmica como líder con igual aplomo. Hoff es tan versátil, pero la cosa es, que él asume tanto roles de bajos acústicos como eléctricos con sólo su standup, el bajo desconectado. Y el propio Ryan es un baterista tan ágil, que puede pilotar suavemente por difíciles patrones rítmicos, y exponer un toque delicado aún durante momentos más pesados. Un poco como Stewart Copeland y que otro baterista «Stewart», Bill Stewart.
En conjunto, esta es una banda que es capaz de reproducir la mayoría de los originales de Ryan con una soltura que persiste pero lo suficientemente flexible para dar estas canciones un flujo natural. Sin embargo, estas canciones raras veces van más allá de los cinco minutos, incluso más corto que en Sky Bleached. Piense en ellos como jams compactas.
Dentro de este acercamiento conciso, las ideas totalmente formadas vienen en adelante.“Trees, Voices, Saturn” es como una vintage brisa marina, con un jam groove de rock de fines de los años 60′, debido especialmente al groove del bajo de Hoff. “Possession” es lo que Black Sabbath hubiera sonado si ellos hubieran intentado la fusión, y “Visionary Fantasy” cuenta con una introducción rockera con intensa angularidad, al igual que The Who. La guitarra de Young es textural dentro de un concepto metalero, mientras que los tambores de Ryan son monstruosos en la construcción de un intenso final.
Me gusta «Pink Noir» por su guitarra atmosférica deslizándose por sobre el ágil trabajo del borde de Ryan. Y “Mortgage On My Soul” es uno de los pocos y auténticos rocks de Keith Jarret desde siempre. Aquí, se rockea más duro todavía, y Ryan destruye sus platillos para asegurarse de que así sea. “Raw Rattle” encuentra a Ryan revolcándose a lo John Bonham mientras Young hace heno con sus picantes y temblorosas notas
Aunque Dylan Ryan / Sand es un pequeño grupo, ellos crean un gran sonido; aunque las canciones son cortas, son completas declaraciones musicales. Circa hace mucho de muy poco.
Fuente para la reseña de S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2014/09/25/dylan-ryan-sand-circa-2014/
Apunte: Sky Bleached fue una muy agradable sorpresa de fines del año pasado. En aquella oportunidad mencionamos que Dylan Ryan reconocía a The Cure, Black Sabbath o Joni Mitchell entre sus influencias pero aclaraba que Sand era una banda de jazz. Un año más tarde, leemos en esta reseña de S. Victor Aaron referencias tales como Stewart Copeland, John Bonham, The Who, nuevamente Black Sabbath. Desde el hemisferio sur de este maltrecho planeta vamos a agregar una referencia más, aunque dudo que Ryan, Young y Hoff lo hayan escuchado alguna vez: el primer disco de Invisible, el de la tapa con la pintura del charco del artista plástico holandés M.C. Escher, ese manual de surrealismo y rock progresivo (?) vernáculo, editado en el año 1974. Dylan Ryan / Sand se ha despojado de casi todos sus ropajes jazzeros y han quedado unas músicas breves y poderosas. Circa sería un disco instrumental de un utópico Invisible, donde Luis se hubiera quedado transitoriamente sin voz, pero se hubiera abroquelado a Machi y Pomo más que nunca. Discazo, si.
Track Listing
01. Trees, Voices, Saturn (4:36)
02. Possession (4:36)
03. Sledge Tread (2:04)
04. Visionary Fantasy (4:38)
05. Pink Noir (4:34)
06. Mortgage On My Soul (4:07)
07. Slow Sculpture (3:17)
08. Low Fell (5:08)
09. Night Sea Journey (1:54)
10. Raw Rattle (3:09)
Artist List
Dylan Ryan: drums
Timothy Young: guitar
Devin Hoff: bass
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Cheerleaders (2011)
Un álbum conceptual de jazz rock progresivo que Pédron se atreve a etiquetar entre el “post–bop” y el “proto–pop”. Un disco que te dejará un muy buen sabor de boca si además del jazz en todas sus facetas tambien te gustan King Crimson o Pink Floyd y por qué no, el rock más aventurero.
Cheerleaders no es solo jazz ni rock al uso, es la voluntad de un saxofonista que lleva muchos años intentando reafirmar su originalidad y la verdad que con esta grabación lo consigue.
Es un disco con principio, desarrollo y final; y con una producción a la altura de los mejores ejemplos de los anteriormente mencionados Pink Floyd o King Crimsom. La fuerza salvaje del rock más puro no lo acogota todo y siempre quedan parcelas para el jazzman, con las bellas incursiones del propio Pédron al saxo o el lírico piano de Lauren Coq. Tambien tienen su sitio los amantes del rock de Mars Volta, Neil Young o Radiohead. De verdad que todo esto y más tiene cabida en este cedé repleto de buena musica.
A Pierrick Pédron no le asustan las aventuras ni la exploración de formas de expresión nuevas, asi en esta grabación te encuentras un sexteto de musicos franceses de altura combinado con una fanfarre de diez y siete instrumentos y un coro de seis voces dispuestos a todo.
Encontraras psicodélica, lirismo, sofisticación y fuerza a partes iguales.
Recomendable la carrera de Pierrick Pédron e imprescindible este Cheerleaders, de lo mejor del pasado 2011 y por que no del 2012.
Reseña I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2012/01/pierrick-pedron-y-el-jazz-rock-progresivo-en-cheerleaders/
Apunte: Lo que insinuara Pédron en «Omry» (2009), lo confirma en este excelente Cheerleaders. Apostando fuerte, Pédron amalgama coherentemente rock progresivo con jazz, dando como resultado una música poderosa, convincente y atractiva. Muy recomendable!
Track listing
1. Esox-Lucius (Pédron, Pierrick) (6:22)
2. The Cloud (Pédron, Pierrick) (6:40)
3. Miss Falk’s Dog (Mancini / Pédron / Coq) (4:15)
4. The Mists Of Time (De Pauw) (3:21)
5. Nonagon’s Dance (Pédron / Coq) (4:12)
6. 2010 White Boots (Pédron, Pierrick) (7:13)
7. The Cheerleaders NDE (Artaud, Vincent) (6:17)
8. Coupe 3 (Pédron, Pierrick) (6:27)
9. Toshiko (Coq, Laurent) (6:10)
Artist List
Pierrick Pédron: alto saxophone
Chris De Pauw: guitar
Laurent Coq: piano, Fender Rhodes, keyboards
Vincent Artaud: bass
Franck Agulhon: drums
Fabrice Moreau: drums
Camille de Bruyne: vocals
Monique Harcum: vocals
Nina Babet: vocals
Marie Ange Teuwen: vocals
Nathalie Paques: vocals
Jean Francois Durez: percussion
Nathalie Gantiez: percussion
Gaspa: percussion
Ludovic Bource: Farfisa organ (1)
Elise Caron: vocals (1)
Brass Band:
Sylvaine Leroux: flute
Eric du Fay: horns
Etienne Godet: horns
Mathilde Fèvre: horns
Nicolas Dromer: horns
Guy Evra: horns
Lionel Segui: trombone
Christophe Gonnet: trombone
Bastien Still: tuba
Raphael Goutière: helicon
Thierry Gervais: trumpet
Patrick Areto: trumpet
Nicolas Gardel: trumpet
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