Preso ventanilla


California Guitar Trio


Andromeda (2010)

¿Usted disfruta de la new age o de la música ambient instrumental, pero encuentra la mayor parte de ello aburrido, suave y de un camino demasiado repetido? ¡Si es así, el California Guitar Trio tiene lo que usted realmente quiere! CGT es Paul Richards de Salt Lake City, Utah; Bert Lams de Affligem, Bélgica; y Hideyo Moriya de Chiba, Japón.

Clasificar Andromeda como música ambient instrumental realmente no le hace justicia al álbum. Podría haber una decoración ambient durante los primeros segundos (así como en otras ocasiones a lo largo del álbum, como en la pista “Turn of the Tide” ). Pero la música en general evoluciona rápidamente hacia algo diferente, y sigue sorprendiendo al oyente en todo.

Aquí podrás encontrar muchos estilos de música, mezclados muy bien por algo más que tres guitarristas. De las tensiones minimalistas de “Portland Rain”, al estilo flamenco de “Hazardous Z”, a la guitarra crujiente de “Andromeda”, usted nunca sabe que esperar de una pista a la siguiente. Entonces, justo cuando usted piensa que tal vez está consiguiendo una sensación para el sonido general del álbum, ellos le golpean con una canción como “Middle of TX” que desafía la clasificación con su escritura creativa. Ellos tampoco temen aumentar el ensamble. En un momento dado el trio comparte protagonismo con un set de batería, bajo Chapman Stick (nunca a oído uno? debería comprobarlo!), percusión de teclados y una variedad de sonidos sintetizados, todos con buenos resultados.

Después de recorrer la “frescura” de este álbum, diré que hay un elemento evidente en cada pista que realmente se debe esperar de un trío de guitarras. Que es el dominio de la guitarra por parte de todos los actores. A veces el tratamiento de guitarra es algo clásico, como el trabajo de pizzicato al principio de “Improv VIII”. Otras veces, como en la pista del título, el trabajo solista es tan emotivo como en cualquier legendario solo de rock clásico. Ya sea eléctrico o acústico, ellos demuestran que saben cómo sacar el mayor provecho de sus instrumentos.

Este álbum es armónicamente inventivo, pero sin ser muy severo con los oídos. El sentido tiende a ser ambient, pero no servilmente. Si ellos sienten la necesidad de rockear o solo hacer sus propias cosas, entonces esto es lo que usted consigue. Si usted es nuevo con estos artistas, esto será una gran introducción a su música. Si usted es un admirador de mucho tiempo de música new age, entonces podrá oír algunas cosas que le sorprenderan. De cualquier manera, sospecho que usted disfrutará de la escucha, así como yo lo hice.

Fuente para la reseña: Donny Harvey http://www.muzikreviews.com/reviews.php?ID=1291

Apunte: diré lo siguiente: disiento con Donny Harvey respecto a lo insistente que se puso con relacionar a este álbum con las músicas new age y ambient. Nada de eso. Este es un buen disco de “música progresiva”, en la que por primera vez el California Guitar Trio hace un disco con todos temas propios y originales, sin más intenciones que hacer buena música, invitar a escuchar de nuevo y renovar la esperanza en un género que se debilitó por lo pretencioso de muchos de sus cultores.

Track Listing

01. Cathedral Park (4:21)
02. Turn of the Tide (3:00)
03. Andromeda (6:04)
04. Improv IX (2:43)
05. Hazardous Z (2:58)
06. Chacarera (3:21)
07. Improv VII (0:58)
08. Middle of TX (4:09)
09. Improv VIII (Layered Circulation) (2:26)
10. Portland Rain (4:35)
11. Improv I (3:07)

Artist List

Paul Richards: guitar
Bert Lams: guitar
Hideyo Moriya: guitar
Eric Slick: drums on “Cathedral Park” & “Portland Rain”
Julie Slick: bass on “Cathedral Park”, “Portland Rain” & “Middle Of TX”
Tony Levin: Chapman stick on “Turn Of The Tide”
Tom Griesgraber: Chapman stick on “Improv IX” & “Improv VII”

Link de descarga
Password: presoventanilla



Jakko Jakszyk, Robert Fripp & Mel Collins

tapa A Scarcity Of Miracles
A Scarcity of Miracles (2011)

A Scarcity of Miracles es, nominalmente, el primer disco de Jakszyk, Fripp & Collins. Sin embargo, en las notas interiores, el guitarrista Robert Fripp (Dorset, Inglaterra, 1946) señala que desde 1981 es la primera vez que esta banda tiene más integrantes ingleses que americanos. Y el libreto interior contiene el sobrio subtítulo “A King Crimson ProjeKct”. Sean cuestiones legales o algún otro tipo de escrúpulos lo que les impide decirlo con todas sus letras, estamos ante el primer trabajo de estudio en ocho años de una de las bandas más innovadoras y enigmáticas de las últimas cuatro décadas: King Crimson.

Comparado con el resto de su discografía (concretamente con su disco anterior, The Power to Believe, de 2003), este trabajo es una rara avis. Quien espere afilados riffs de avant-metal y febriles solos de guitarra saldrá decepcionado. Este es un trabajo sereno, construido sobre tonalidades suaves y ritmos lentos, el disco de King Crimson más alejado del rock desde Islands (1971). Pero, a la vez, es el disco más difícil y aventurado que han hecho en décadas; estructural y armónicamente complejo, situado en la intersección del free jazz, el dark ambient y el sonido Canterbury.

Robert Fripp, guitarrista y único miembro constante de la banda desde su formación en 1969, es acompañado aquí por músicos de distintas etapas en la historia de Crimson. Mel Collins (alientos y metales) salió de la banda en 1971, mientras que Tony Levin (bajo) celebra ya 30 años como integrante y Gavin Harrison (batería) sólo tuvo un fugaz paso por KC en 2008. El único integrante nuevo, Jakko Jakszyk (voz y guitarra) es un fanboy ascendido, ya que hasta hace unos años cantaba en 21st Century Schizoid Band, agrupación de tributo a las obras clásicas del rey carmesí.

La participación de Jakszyk es quizás el elemento central en la identidad del disco que nos ocupa. Como guitarrista carece del fuego y la furia de su antecesor Adrian Belew, pero como letrista y compositor, su talento se antoja más amplio y profundo (recomendamos la escucha de su excelente disco como solista The Bruised Romantic Glee Club, de 2007). Sus canciones oscuras y melancólicas giran en torno a la soledad y a la alienación; retratos del 21st Century Schizoid Man como hombre maduro. Si en In The Court of the Crimson King (1969) Greg Lake cantaba “I Talk To The Wind”, Jakszyk responde en la maravillosa “Secrets”, pieza central de este disco, con un desolado verso: “I don’t feel the wind/I no longer feel the wind”.

Cada una de las seis largas canciones del disco resulta digna de atención; las iniciales “A Scarcity of Miracles” y “The Price We Pay” son relativamente directas y accesibles, las intermedias “Secrets” y “This House” son viajes épicos de ambient-rock, y el final con la densa y disonante “The Other Man” (reminiscente de The Drift, de Scott Walker) y el pesadísimo drone de “Light of Day” demuestra que este disco es mucho más peligroso de lo que inicialmente parece.

Dice la verdad el título de este disco: los milagros son escasos en estos días. Por ello, el retorno de una banda esencial para la comprensión de la música contemporánea, ofreciendo nuevas perspectivas y en plenitud de facultades, es digno de celebración.

Reseña de Pablo Cordero para http://www.latempestad.com.mx/view/blog.php?id=235

Apunte: a ver, a ver…¿cómo “apuntar” algo que sea decididamente imparcial cuando uno tiene que hablar sobre sus intocables héroes?? Trataré de hacerlo lo mejor que pueda. Y sintéticamente. He escuchado mucho este disco en estos días. Fripp decidió dejar momentáneamente de lado lo filoso e industrial sobre lo que venía machacando durante los últimos años, lo dejó en el banco de suplentes a Belew y reclutó al guitarrista, letrista y cantante Jakko M. Jakszyk y a un viejo compañero de ruta como Mel Collins. La música ganó en amplitud de arreglos y en una buena voz y letras. Los vientos de Collins refundan la música de KC: introduce otra vertiente dentro de lo característicamente “frippeano”; lo hace más amable si se me permite el término. Le comentaba a mis amigos, que la voz de Jakszyk me hace recordar a los cantantes que contrataba Alan Parsons en sus primeros discos. El disco todo tiene un leve aire al rock progresivo de los 70, pero sin grandilocuencias. Y eso le sienta muy bien. Mirándolo desde el punto de vista de la llegada al público en general que puede tener un disco de Fripp, este es uno de los más accesibles desde “Exposure”. Por último, quiero pedirle encarecidamente a Fripp: por favor, Robert, nunca nos dejes sin el placer de escuchar al inmenso Tony Levin; tocá con quien se te dé las ganas, pero que toque Tony. Gracias.

Track listing

1. A Scarcity Of Miracles (7.27)
2. The Price We Pay (4.49)
3. Secrets (7.48)
4. This House (8.37)
5. The Other Man (5.59)
6. The Light Of Day (9.02)

Artist List

Robert Fripp: Guitars, Soundscapes
Mel Collins: Alto & Soprano Saxophones, Flute
Jakko M. Jakszyk: Guitars, Vocals, Gu Zheng, Keyboards
Tony Levin: Bass & Chapman Stick
Gavin Harrison: Drums & Percussion

Nuevo link de descarga
Passsword: presoventanilla



L’Image
marzo 27, 2011, 10:30 pm
Filed under: Tony Levin | Etiquetas: , , , , , , ,

2.0 (2009)

¿Quién podría olvidar el trabajo magistral de Steve Gadd encerrado en “50 Ways To Leave Your Lover”, o los seminales bajos y Chapman Stick de Tony Levin en numerosos álbumes de Peter Gabriel y King Crimson? Añada a Mike Mainieri en vibráfono, al tecladista Warren Bernhardt, y David Spinoza, que de hecho tiene más sesiones que la mayor parte de los guitarristas, y usted tiene L’Image. Mi primer encuentro con ellos fue provechoso. Desde las notas de apertura de “Gadd-Ddagitt!” (escrito por Manieri, para mostrar a Gadd), fui vendido. Magnificas ejecuciones al unísono, progresiones de acorde notables y la improvisación melodiosa, son los sellos de esta colección de extraordinarios talentos y, nunca descienden en el tipo de viaje de egos solistas, tan común en la música de fusión. Mi favorito es “The Brat”, que destaca tanto el buen gusto del empleo del arsenal de efectos de la guitarra de Spinozza, como el dominio de Levin en el Chapman Stick. Pero todo el material (con la escritura igualmente compartida por los músicos) es un tour de force de maestría musical y creatividad. Si usted sólo compra un álbum de jazz-rock este año, compre L’Image.

Fuente para la reseña: Paul Wiffen para http://www.recordcollectormag.com/reviews/review-detail/6765

Apunte: Paul Wiffen dice que el se sintió “comprado” por el disco a partir de “Gadd-Ddagit!”. En mi caso, comencé a mover mi cabeza de un lado a otro desde el principio, con “Praise” y ese sonido rural methenyano. Me sorprendió gratamente este disco de este super grupo de veteranos, a los cuales el tiempo les ha quitado velocidad en los dedos pero les agregó sabiduría y buen gusto. L’Image es un grupo que estos músicos formaron por la década del 70, pero nunca llegaron a grabar un disco. El tiempo pasó, cada uno desarrolló su carrera como sabemos (y si no lo saben, pueden investigar, como hice yo, je) hasta que Mainieri los convocó nuevamente para hacer lo que había quedado inconcluso. Escribir algo sobre cada tema sería redundante, porque la realidad es que todos los temas son muy buenos, y se nota esa atmósfera de amistad, del placer de tocar entre un grupo de amigos. Los tipos son brillantes músicos, pero dejaron sus egos en la puerta del estudio de grabación, para hacer un gran disco. Melodías amables con adulta emoción, interpretaciones precisas, excelentes arreglos y dosis justas de virtuosismos. Discazo, en definitiva.

Track Listing

1. Praise (9:32)
2. Reunion (5:33)
3. Gadd-Ddagit! (4:59)
4. Doesn’t She Know By Now? (6:08)
5. The Brat (5:44)
6. All in a Row (3:53)
7. Hidden Drive (4:52)
8. Love Play/Coming Home (10:37)
9. L’Image (8:22)

Artist List

Mike Mainieri: vibraphone
Warren Bernhardt: keyboards
David Spinozza: guitars
Tony Levin: basses, Chapman Stick
Steve Gadd: drums

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Stick Men
octubre 17, 2010, 10:30 pm
Filed under: Tony Levin | Etiquetas: , , ,

Soup (2010)

Algunas grabaciones están obligadas a generar olas. Soup, el CD debut de la nueva banda Stick Men, justamente podría crear un tsunami. Soup convierte las ideas convencionales sobre conjuntos rock en sus cabezas, y revuelve algunos sorprendentes nuevos senderos musicales para The Stick en su estela. La banda es un trío de Tony Levin y Michael Bernier ambos en stick y el baterista Pat Mastelotto (sobre baquetas, nada menos). Esto no es solamente un primer CD para este nuevo trío, sino que es también la primera vez que conseguimos oír a Tony en una colaboración de compositores hechos y derechos con otro artista del stick.

Las 13 pistas tienen un borde metálico duro, y de vez en cuando viran en una paliza “atonal”. Ellos raras veces siguen formas convencionales, y con frecuencia cambian la dirección, introduciendo nuevos temas y grooves en rápida sucesión. Incluso en las melodías que hacen un poco más lentas las cosas tienen una energía que arde sin llama, en las omnipresentes líneas deformadas del stick y los tambores batientes y los misteriosos samples gatillados por Pat Mastelotto.

Las comparaciones al trabajo anterior de Tony con Peter Gabriel y King Crimson serán inevitables, creo, y los admiradores de aquellas bandas seguramente encontrarán mucho para disfrutar aquí, ya que hay muchos puntos que se unen en el sonido, el ritmo y el timbre orquestal. El papel de Tony como compositor y arreglista en aquellos grupos previos era conocido, y sus sensibilidades parecieron enfocar el sonido total además de notas y líneas aisladas. Su sonido siempre fue caliente, con garra y decididamente “analógico”, aun cuando optara por una buena dosis de saturación de graves o una parte de ritmo crujiente. Lo que principalmente separa a Stick Men de estos grupos previos es que todas las partes que usted esperaría de la guitarra eléctrica y teclados ahora están siendo hechas en sticks duales por Tony y Michael. Los sonidos que ellos traen son a menudo realmente “parecidos a una guitarra”.

Las líneas conductoras de Michael Bernier son inflamadamente expresivas, rivalizando con algunos guitarristas líderes. Él justamente puede hacer las melodías de Stick para dos manos que Tony hizo. Ambos músicos son rápidos, exactos, versátiles en cada registro, y eso lo hace ver todo fácil. En la actuación en vivo, estos dos artistas de stick cambian sus roles con frecuencia, Michael saltando sobre el bajo, mientras Tony toca el ritmo y partes líderes y viceversa. Cada músico puede enfocar ambas manos en cualquier registro musical con una concentración tipo láser. Así el rango entero del instrumento es cubierto todo el tiempo, y hasta el más ambicioso del material en el CD ha estado haciéndose en su perfomance en vivo.

Uno de los sellos de la carrera de Tony debe ser que él nunca ha dejado de buscar nuevos sonidos, nuevas subtécnicas y nuevos roles musicales. Este deseo de explorar el nuevo territorio es el corazón que hace el trabajo de Stick Men tan bien. La colaboración de Tony y Michael comenzó como un cambio de técnicas e ideas. Incluso aunque Michael no fuera el primer músico en inclinarse por las cuerdas externas del stick o la cuerda de bajo más grave que se sitúa en lo más alto en el centro, él es el primero que he oído desarrollando esta técnica, más allá del status “de novedad”. Donde otros músicos han confiado en E-Bows (arcos electrónicos) y elevaciones del pedal de volumen para asimilarse a cuerdas orquestales, él logra crear todo de altas cuerdas trinando a líneas profundas de registro de viola en “Firebird”, y los obsesionantes sonidos de rabab del Medio Oriente en “Inside the Red Pyramid”, usando la verdadera cosa, el arco con todo su lírico control y dinámica. Esto es un nuevo desarrollo apasionante en la técnica del stick que seguramente inspirará a imitadores.

Tanto Tony como Michael usan el módulo estándar “Stickup”, y ambas ejecuciones por amperios de guitarra y bajo separados. Pero sus sistemas divergen de un modo clave. Michael usa mucho tratamiento digital (efectos de modulación, la transposición del diapasón y la filtración) antes del hecho de entrar corriendo en sus amperios. El camino sañalado de Tony es todo análogo – caliente, fornido, lleno y articulado. Ambos usan una amplia variedad de tonos con elevaciones de volumen, filtros, y mucha, mucha distorsión. ¿Mencioné que ellos usan mucha distorsión? Esto tiene que ser la música “más pesada” de stick alguna vez creada, y una mente poco deformada. Entonces, vamos a investigar…

A partir del primer minuto del CD, es claro que “Soup” no es ningún consommé ordinario. Esto viene a usted con energía implacable, cambiando texturas, grooves ensordecedores y explosiones de intensidad. Esto es la sopa primordial de un naciente planeta musical, ionizado por el relámpago, y dando lugar a una nueva forma de vida – una banda que realmente puede rockear sin guitarra.

El tema de apertura y la canción del título encuentran a Tony y Michael “rapeando” sobre “supercolliders” sobre un armónico funky de bajo y groove de batería, que alterna con una sección instrumental apocalíptica de heavy metal. El solo de Michael positivamente mordaz. Esta es la música que seguramente atraerá a los fans del guitarrista Steven Wilson, líder de Porcupine Tree, que mezcló esta pista. Otros dos adicionales “jefes de sopa” son Tony Lash, y Larry DeVivo, con la banda mezclando “Firebird” ellos mismos. (Pienso que usted estará de acuerdo, este es el número de perfecto de cocineros …).

Después viene “Hands” de tres partes, el primero de dos suites en el disco. Al principio, “Hands” recuerda los poliritmos de guitarra de alta intensidad de la era “Thrak” de Crimson, antes de adaptarse a un tambor principal y el “ruido” que apoya la pista filtrada por la máscara vocal de Tony. “Hands” insinua lo que debe venir, con arpegios de dos manos de tiro rápido, apuntes de bajo resonantes y tambores que se estrellan.

“Fugue”, con acordes corales, aumentando almohadillas “sintetizadas” y el bajo y batería ska/reggae/doblados es evocadora de The Police, es decir excepto de alta velocidad, percusión, la parte de bajo de dos manos que ocupa el primer plano. Esta es la clase de parte que sólo podría ser tocada por dos manos que dan un tapping en tándem (como el trabajo de Tony con Liquid Tension Experiment). “Scarlet Wheel”, la cosa más cercana a una balada en el disco, agrega el sonido de bajo percusivo del stick clásico de Tony más la arremolinada percusión de baqueta. Esta es una posibilidad para descansar encima de un poco antes de escalar al ápice del álbum -cuatro movimientos de la “The Firebird Suite” de Igor Stravinsky.

Mientras muchos conjuntos rock progresivos han realizado trabajos del repertorio clásico, esto con frecuencia puede caer como una adaptación de la música para encajar el estilo establecido de la banda, y los temas son a menudo menos armónicamente aventureros que el original. Stick Men, sin embargo, no es solamente una banda, es también una orquesta con los tres miembros que aprovechan al máximo sus paletas instrumentales de gama completa y cortes virtuosos. Así estos tres “Stick Men” se acercan a “Firebird” desde un vector diferente, definiendo la banda una interpretación realmente original de esta música desafiante, haciéndolo fielmente, aún en un estilo completamente contemporáneo. Ellos simplemente no realizan su “toma” sobre alguna clásica composición famosa, más bien ellos logran poner una nueva perspectiva entera sobre la música de Stravinsky. En el interés de no regalar demasiado, es seguro decir que a los admiradores de este tema en tono agradable será sorprendido de oír esto que se reimaginó con tal aguda disciplina, y aquellos de nosotros que no sabemos de Firebird puede descubrir por qué esta influyente obra maestra de siglo XX está todavía adelantada en el tiempo cien años más tarde.

(Mmmm!) Por favor, señor, ¿puede servirme un poco más?

Fuente para la reseña: Greg Howard para http://www.stick.com/features/cd/ – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

01. Soup (5:44)
02. Hands pt1 (3:06)
03. Hands pt2 (3:33)
04. Hands pt3 (2:06)
05. Inside the Red Pyramid (4:45)
06. Fugue (5:49)
07. Sasquatch (5:43)
08. Scarlet Wheel (5:19)
09. Firebird Suite pt1 (2:55)
10. Firebird Suite pt2 (4:11)
11. Firebird Suite pt3 (3:12)
12. Firebird Suite pt4 (3:03)
13. Relentless (6:00)

(Todas las canciones fueron escritas por Stick Men, excepto “Firebird”, por Igor Stravinsky)

Artist List

Tony Levin: Chapman Stick and vocals
Michael Bernier: Chapman Stick and vocals
Pat Mastelotto: traps, buttons and vocals

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Andy Summers

World Gone Strange (1991)

En su segundo álbum solista consecutivo de música predominantemente instrumental, del antiguo guitarrista de The Police Andy Summers, pinta un retrato musical lujosamente texturado que mezcla el jazz, la fusión, lo latino y varios elementos del World Beat en un todo atractivo.

El antiguo guitarrista de New Animals y la Kevin Coyne Band es acompañado por un grupo de cracks que incluyen a Chad Wackerman, baterista de la Alan Holdsworth Band, el ex-King Crimson Tony Levin, y el efímero tecladista de la Mahavishnu Orchestra, Mitchell Forman. Ellos a su turno se unen en varias pistas con los percusionistas Manolo Badrena y Mino Cinelu, y el antiguo bajista de Steps Ahead, Mike Manieri y Miles Davis Band, el veterano Victor Bailey.

Como podría esperarse dado el calibre de la música, las 10 composiciones presentadas en este viaje de 50 minutos es realizado con una precisión impecable, tanto en los poemas tonales de Holdsworth “Somewhere in the West” y “But She”, el exhuberante, ensoñador y methenyano “Bacchante”, “Dream Trains”, o el crispadamendte modulado rock-blues, resueltamente mordido, del titulado “The Blues Prior To Richard”.

Aún, mientras sus influencias son fácilmente evidentes, Summers logra inyectar bastante de su propia personalidad para hacer de “World Gone Strange” más que un vanidoso tema o solamente un asentimiento cortez a sus artistas favoritos.

Un guitarrista dotado, pero poco ostentoso, prefiere servir las canciones al alcance de la mano más que lanzarse sobre indulgentes incursiones improvisacionales, diseñadas para mostar su valor técnico. En consecuencia, sus solos son construidos y ejecutados con cuidado, como demuestra su trabajo en el amablemente minimizado “Song For M” y el avant-funk-encontrando-al-exotismo-del-lejano-Este “Oudu Kanjaira”.

Sus únicos defectos son una tendencia a favorecer la precisión en contra de la espontaneidad y una carencia de canciones más orientadas a la vocalización como la encantadora pista del título, que mezcla el canto mudo de Elias y un inapreciable trabajo de guitarra de Summers. De todos modos, no hay duda que Summers han seguido su musa dentro de su dominio musical, estando mucho más cómodo que con el rock post-Police que al principio persiguió.

La prueba de que él ha venido de sus días de Police es expresivamente ilustrado por la foto a color de Summers en las hojas interiores del álbum, que lo muestra con el pelo teñido de rubio que finalmente sucumbió al castaño natural. Ahora bien, si él completara el álbum de dúo de guitarras acústicas que comenzó hace unos años con el as de la guitarra de Stephan Grappelli/Soft Machine, John Etheridge, la transición de Summers de superestrella de rock a calmado virtuoso de la guitarra estaría completa.

Fuentes para la reseña: http://www.andysummers.com/solo-worldgonestrange.php; THE SAN DIEGO UNION SAN DIEGO, CA, 09.15.91 – Traducción: La Bestia Políglota!

Track Listing

01. World Gone Strange (6:29)
02. Ruffled Feathers (4:28)
03. Bacchante (6:19)
04. Song For M (5:00)
05. Rhythm Spirits (6:08)
06. Somewhere In The West (5:11)
07. But She (4:57)
08. The Blues Prior To Richard (4:47)
09. Oudu Kanjaira (5:20)
10. Dream Trains (1:48)

Todas las composiciones son de Andy Summers y el album fue producido por Mike Manieri

Artist List

Andy Summers: Guitar
Tony Levin: Bass
Mitchell Forman: Keyboards
Chad Wackerman: Drums
with:
Eliane Elias: Piano & Vocals on “World Gone Strange” & “Bacchante”
Victor Bailey: Bass on “Somewhere In The West” and “Song for M”
Nana Vasconcelos: Percussion on “Oudo Kanjaira”
Manolo Badrena: Percussion on “World Gone Strange”, “Bacchante” and “Oudu Kanjaira”
Mike Manieri: Marimba on “Oudu Kanjaira”
Bendik: Soprano Saxophone on “Oudu Kanjaira”

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Peter Gabriel

II (Scratch) (1978) – Remastered (2002)

El segundo álbum solista autotitulado de Peter Gabriel desde 1978, aka “PG II” o “Scratch” (mirar el arte de tapa), no es el favorito de Gabriel de todos sus álbumes solistas, pero esto se explica fácilmente -el productor fue Robert Fripp, el genio de la guitarra eléctrica de King Crimson, a quien le gusta grabar rápidamente. Él convenció a Gabriel de grabar “PG II” en seis semanas, un paso demasiado rápido para Gabriel, quien, como cualquier fan reaccionario sabe, le gusta tomar su dulce querido tiempo en el estudio de grabación. Por consiguiente, Gabriel siente que su 2º álbum nunca ha sido tocado tan bien como a él le habría gustado. Mientras respeto totalmente la opinión de Peter, tengo que admitir que discrepo con él. ¡Fuerte, de hecho! “PG II” es un álbum fabuloso, y mi favorito personal del Sr. Gabriel. Y ahora que el álbum ha sido remasterizado se ha hecho con un “super” sonido aún más fabuloso con una calidad que antes no tenía. Tirando una hoja completa con la lírica de todas las canciones en el folleto de CD, así como algunas fotos muy bellas tomadas de Peter durante 1978, y usted tiene un muy, muy satisfecho cliente en este crítico! Gabriel puede no haber estado feliz con la enérgica grabación de “PG II”, pero la compensación, pienso, es aquel productor Fripp (quién también contribuye con algunas partes de guitarra con estilo) que logró capturar a Gabriel en su materia prima por única vez en la carrera de grabación de Gabriel (aunque yo seguramente no toque sus otros álbumes solista —los amo a todos!). Hay algo pulido en el material aquí y allí, pero en general, esto es un definitivo álbum de estudio, la grabación suena y se siente como si fuera tocada en vivo directamente para grabar. La voz de Gabriel en todas partes es enérgica, desde las tripas, áspera y resistente. El hombre siempre canta brillantemente, por supuesto, pero en “PG II” ud. lo escuchará en una forma que no lo había escuchado en sus otras grabaciones y probablemente no lo vuelva a escuchar nuevamente. Es Gabriel en crudo. ¿Por qué además es “PG II” mi álbum favorito de Gabriel? Por la escritura de Peter.
Estas son canciones absolutamente irresistibles, cada una de ellas. Peter volvió a un material algo más oscuro en “PG III” y “Security”, pero en “PG II”, las canciones son maravillosamente optimistas (“D.I.Y.”, “A Wonderful Day In A One Way World”), rockeras (“On The Air”, “White Shadow”,”Exposure”), sentidas (“Mother Of Violence”, “Indigo”, “Flotsam And Jetsam”, “Home Sweet Home”), jazzeras (“Animal Magic”, “Perspective”), hermosas y divertidas (sobre todo). Gabriel sólo trabaja con los mejores músicos posibles, y “PG II” no es ninguna excepción, incluyendo al guitarrista Fripp, el bajista Tony Levin, el mago del sintetizador Larry Fast, y el baterista Jerry Marotta. ¡Y Gabriel mismo no se sienta con los hombros caídos al teclado, tampoco! Ni siquiera puedo comenzar a decirle lo feliz que estoy de que el catálogo de Peter Gabriel finalmente ha sido remasterizado (mientras lo esperan con paciencia para el nuevo álbum), y definitivamente la intención es hacerlo con todos ellos. Tú también deberías hacerlo. Pero tuve que empezar mi colección remasterizada con mi favorito, “PG II”, obra maestra subestimada de Gabriel.

Fuente para la reseña: Alan Caylow para http://www.amazon.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: Peter Gabriel (un héroe de la casa) junto a Robert Fripp: este último cerrando esa pequeña pero fructífera etapa como productor musical. Habíamos mencionado este disco junto a Sacred Songs y Exposure por lo que consideramos justo que aquí estuviera. Lo dejamos para recordárselo a los amigos que ya lo conocieron originalmente y para aquellos, que tal vez, nunca lo escucharon.

Track Listing

01. On the Air (5:30)
02. D.I.Y. (2:37)
03. Mother of Violence (3:10) (Gabriel, Jill Gabriel)
04. A Wonderful Day in a One-Way World (3:33)
05. White Shadow (5:14)
06. Indigo (3:30)
07. Animal Magic (3:26)
08. Exposure (4:12) (Gabriel, Robert Fripp)
09. Flotsam and Jetsam (2:17)
10. Perspective (3:23)
11. Home Sweet Home (4:37)

Todas las canciones escritas por Peter Gabriel, excepto las indicadas.

Artist List

Peter Gabriel: lead vocals, background vocals, synthesizer, piano
Bayete: keyboards
Roy Bittan: keyboards
Larry Fast: synthesizer & treatments
Robert Fripp: electric guitar, Frippertronics
Tony Levin: bass, background vocals, string bass, recorder arrangements, Chapman stick
Jerry Marotta: drums, background vocals
Sidney McGinnis: electric guitar, steel guitar, background vocals, acoustic guitar, mandolin
Timmy Capello: saxophone
George Marge: recorders
John Tims: insects

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Bruford Levin Upper Extremities
diciembre 4, 2009, 1:36 am
Filed under: Tony Levin | Etiquetas: , , , , , ,

Bruford Levin Upper Extremities (1999)

Grabado en varias locaciones, desde el estudio de David Torn hasta la casa de Bill Bruford y el garaje de Tony Levin, este CD contiene aproximadamente 30 minutos de excelente música, más una cantidad similar de material que es experimental o indulgente, dependiendo de su punto de vista. La banda ciertamente toma riesgos; a pesar de ello nadie descansa sobre sus laureles. Bill Bruford (batería) y Tony Levin (Chapman stick, bajos) ambos tocan con su habilidad e inventiva habitual, mientras Chris Botti y su hechizante trompeta suministran el caliente corazón emocional del CD, proporcionando algunos de sus momentos más finos en pistas como “Deeper Blue”, “President’s Day” y “A Palace of Pearls”. Una y otra vez, es David Torn (guitarra/guitarra- sintetizada/loops) quien lleva la banda al borde con sus “solos de guitarra de Marte”, que son su marca registrada, y, en última instancia hace una suma digna a su colección de CD. Considerando la triste reputación del jazz-rock como género, parece casi erróneo etiquetar este álbum de tal modo. Pero esto es lo que es. El jazz, el rock y el avant-garde están en curso de colisión en todas partes y el resultado es una música inflexible y provocativa que requiere su atención. Claramente un descendiente de “Cloud About Mercury”, la obra maestra de David Torn en ECM, -no es precisamente para débiles del corazón. El punto culminante del disco, para mí, es “Original Sin” -una composición de Bill Bruford que comienza como un tema de Miles Davis/Marcus Miller, antes de descender cortesmente en el sonido extremadamente de mal genio de David Torn. Un gran álbum para castigar a los vecinos.

Fuente para la reseña: Martin Harper para www.amazon.com – Traducción: La Bestia Políglota!

Track Listing

01. Cerulean Sea (7:32)
02. Original Sin (4:59)
03. Etude Revisited (5:01)
04. A Palace Of Pearls (On A Blade Of Grass) (5:59)
05. Fin De Siecle (5:27)
06. Drum Bass (0:59)
07. Cracking The Midnight Glass (6:10)
08. Torn Drumbass (0:58)
09. Thick With Thing Air (3:33)
10. Colbalt Canyons (4:30)
11. Deeper Blue (4:17)
12. Presidents Day (6:28)

Artist List

David Torn (guitars, loops)
Chris Botti (trumpet)
Bill Bruford (keyboards, drums, percussion)
Tony Levin (Chapman stick).

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com



Daryl Hall & Robert Fripp



Sacred Songs (1980)

¿Qué pasa cuando la música es creada únicamente por motivos artísticos y personales? La respuesta está, según Robert Fripp en sus incisivas, cínicas liner notes que acompañan este notable disco, en ese disco que fue aplazado durante casi tres años. Tal como Fripp observa, “hay sólo una cosa peor que una empresa discográfica que no tiene ningún interés con tu trabajo: una empresa discográfica que tiene interés con tu trabajo”. La empresa discográfica no tenía ninguna razón de enterrar este disco durante tres años. Otra vez, Fripp es instructivo: “La característica principal de los intereses empresariales rodean a un artista de éxito en control. El impulso creativo no puede ser controlado por el negocio, pero los artistas pueden. Y también su trabajo. Así, cuando un artista se mueve en el proceso creativo, el negocio se vuelve nervioso: la creatividad desestabiliza el status quo, y el status quo es amenazado”.

Muchos años más tarde, Daryl Hall en una entrevista realizada por Chris Dahlen para http://pitchfork.com, decía:

Pitchfork: Su primer disco solista, Sacred Songs, [grabado en 1977, presentado en 1980], es un álbum realmente interesante en su catálogo. ¿Cómo encontró usted a Robert Fripp?

Daryl Hall: Encontré a Robert a través de un amigo aproximadamente en 1974, y nos hicimos amigos enseguida. Tenemos muchísimos intereses en común, y solamente nos pusimos en la tarea. Yo primero empecé a pasar mucho tiempo en Inglaterra en esa época, entonces yo me quedaba en su casa, y él solía quedarse en la mía, y todo eso. Nosotros éramos realmente buenos amigos. Y luego él se marchó al Gurdjieff Camp, y yo era la única persona en el mundo exterior con la que él se comunicaba.

Pitchfork: Gurdjieff Camp?

D H: Si, él decidió que iba a seguir las enseñanzas de [G. I.] Gurdjieff, que se parece básicamente a un campo de entrenamiento de la mente. Y entonces yo era el tipo que representaba alguna forma de contacto con la realidad. Y después de que él atravesó aquel período, quiso entrar de nuevo en el mundo de la música, porque había dado un paso adelante. Y tanto él como yo nos reunimos, y dijimos, hagamos algunos proyectos. Y conseguimos a Peter Gabriel y a otra gente, Peter Hammill, y The Roches -nosotros teníamos un grupo de gente, e hice mi álbum, Sacred Songs, y luego hicimos Exposure, y trato de pensar que pasó después de eso -bien entonces él hizo el álbum de Peter Gabriel [II aka Scratch]. Pero el álbum Exposure fue la segunda colaboración conmigo, y, como se suponía, fui el cantante en aquel álbum. Debido a que él hizo mi álbum, yo hice el suyo.
Pero yo estaba con RCA entonces, y ellos se negaron. Ellos no permitirían mi voz puesta en sus registros. Toda la voz que usted oye sobre Exposure son completamente mis ideas, que fueron hechas como mejor pudieran haber sido copiadas por otra gente, excepto dos o tres canciones. Y fue realmente desalentador. Allí fue cuando me desenamoré completamente del negocio de la música.

Robert y yo hicimos lo mejor que podríamos haber hecho, pero pienso que hicimos una música realmente interesante. Pienso, tomando a alguien que viene de mi fondo, y tomando a alguien que viene de su fondo musical, y su reunión, es una idea muy interesante… intentar y tomar dos sonidos emotivos de dos culturas diferentes, y reunirlos, y formar una tercera clase de música. Y esa fue la idea. Simplemente esa. Quiero decir, no había -bien, no diré que no había ningún pensamiento conceptual, porque había mucho pensamiento conceptual. Pero no había ningún pensamiento más allá de eso. Nosotros solamente íbamos a hacer lo que nos salía naturalmente. Yo escribiría las letras con Robert o él tenía a su novia en esa época que escribía alguna lírica, y nosotros solamente vendríamos con alguna lírica, él pondría una pista, y yo solamente cantaría. Todo en una primera toma. Todo fue espontáneo. Y esto es como lidiamos con eso.

Pitchfork: ¿Sería justo decir que esta música es más textural, como Frippertronics, o usa el sonido puro, usa un elemento diferente de lo que usted podría encontrar en mucha música soul?

DH: No. Hay una semejanza, porque la música soul es totalmente no intelectual, y digo esto en el sentido artístico. Usted no piensa. No hay ningún proceso de pensamiento. Esto es el soul, esto viene directamente del corazón y el cerebro directamente hacia fuera por la boca sin ningún pensamiento. Yo siempre fui un cantante espontáneo. Y todo lo que usted oye al final de las canciones, lo que ellos llaman improvisaciones -eso solamente sale de mi cabeza. Esto no está pensado en absoluto. Tengo los versos y los coros y luego después de esto es total improvisación.

Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: Este disco formó parte de una especie de trilogía producida por Fripp, que estaba conformada por “Exposure”, “Peter Gabriel II”, y el que hoy nos ocupa, “Sacred Songs”. Como bien acotan algunos comentarios que he leído por allí, “Sacred Songs” vendría a representar el eslabón perdido entre “Red” y “Discipline”: muestra lo que podría haber sido King Crimson con la voz de Daryl Hall, y, si la escuchan, podrán ver más de un punto de contacto con la voz que tendría más tarde Crimson, en el canto de Adrian Belew. Cajoneado tres años en la compañía grabadora, este es un claro ejemplo de como un disco en manos de una producción musical angular y renegada como la de Fripp, genera un producto muy interesante desde el punto de vista artístico, y a la vez, de poco interés comercial para una compañía discográfica, que por otra parte, desapareció.

Track Listing

01. Sacred Songs (3:18)
02. Something in 4/4 Time (4:27)
03. Babs and Babs (7:50)
04. Urban Landscape (2:24)
05. NYCNY (4:36)
06. The Farther Away I Am (2:53)
07. Why Was It So Easy (5:32)
08. Don’t Leave Me Alone with Her (6:25)
09. Survive (6:41)
10. Without Tears (2:54)
11. You Burn Me Up I’m a Cigarette (2:20)
12. North Star (3:10)

Artist List

Daryl Hall: Vocals, Keyboards, Synthesizer
Robert Fripp: Producer, Guitar, Electronics [Frippertronics]
Kenny Passarelli; Tony Levin (11, 12): Bass
Roger Pope; Phil Collins (12): Drums
Caleb Quaye: Guitar
Charlie De Chant: Saxophone
Sid McGinniss (12): Steel Guitar [Pedal]
Brian Eno (12): Synthesizer

Nuevo link de descarga
Password: presoventanilla



Tony Levin Band

Double Espresso (2002)

La música en vivo no consigue nada mejor que eso, y el trabajo de Tony Levin es un poco de lo mejor que usted encontrará en cualquier parte del mundo. Sé que probablemente he dicho todo esto antes pero lo seguiré diciendo: Levin es el mejor bajista en el mundo, y por muchos motivos. La palabra clave aquí es el género(s) y el estilo(s) cuando usted habla de un artista tan alabado y estimado como Levin. Toca varios tipos diferentes de bajos eléctricos con habilidad y muchos estilos diferentes de rock con la misma exactitud, principalmente progresivo y la fusión de rock y jazz. Así que aquí estamos a punto de embarcar (espero que lo haga!) en un increíble viaje musical con la Tony Levin Band. Ellos le traen una mirada cercana de una actuación en vivo en Double Espresso, un set de 2 CDs que destaca un poco de su más abundante y expresivo trabajo.

De King Crimson y Peter Gabriel a su trabajo como solista, Levin y su excepcional banda explotan a través de algunas asombrosas pinturas de canciones del pasado y el trabajo de estudio más reciente, “Pieces of the Sun”. Levin es simplemente asombroso; hace la música tan animada con su ejecución de bajo, como ningún otro músico que alguna vez haya oído antes. Omití el espectáculo en Cambridge, Massachusetts hace unos meses. Teniendo esta grabación (autografiada por la banda gracias a Phyllis Fast, la esposa de Larry) en mi poder, es un consuelo por no haber podido asistir, pero esto también es frustrante ya que puedo escuchar cuan bueno ha sido! Esta es una de aquellas bandas que tocan todo en vivo tan bien, si no mejor, que en el estudio; ¡de cuanto talento estamos hablando!. En general, esto es lo máximo que cualquier amante de la música puede tener. Solamente espere hasta que usted oiga su versión “Black Dog”; ah, te patea el culo!. Solamente consiga este álbum, estará feliz si lo hace, se lo prometo.

Fuente para la reseña: Keith “MuzikMan” Hannaleck para http://www.eer-music.com/ – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: Ahhhh! El Pelado y sus amigos te vuelan en serio la peluca!! Que bueno sería verlos en vivo a estos muchachos!!

Disc One

01. Pieces of the Sun (7:15)
02. Geronimo (3:27)
03. Silhouette (4:35)
04. Dog One (5:36)
05. Tequila (5:15)
06. Black Dog (5:35)
07. Ooze (4:33)
08. Apollo (8:44)
09. L’Abito della Sposa (4:06)
10. Sleepless (6:58)

Disc Two

01. Pillar Of Fire (6:59)
02. Ever The Sun Will Rise (7:48)
03. Phobos (7:01)
04. The Fifth Man (5:56)
05. Back in N.Y.C. (6:13)
06. Utopia (7:39)
07. Elephant Talk (5:51)
08. Peter Gunn (3:48)
09. Belle (4:24)

Artist List

Tony Levin / bass, cello, Chapman Stick, acoustic guitar, lead vocals, vocals
Larry Fast / synthesizers, bass drum
Jesse Gress / guitars, vocals
Jerry Marotta / drums, saxophone, vocals, percussion, acoustic guitar, Funk Finger guitar, lead vocals

Additional musicians:
Doug Stringer / drums
California Guitar Trio (Bert Lams, Hideyo Moriya, Paul Richards) / acoustic guitars
Pete Levin / keyboards

Password: musicaquecuelga.blogspot.com



California Guitar Trio

Echoes (2008)

El California Guitar Trio ha venido tocando su fórmula durante más de una década: aplicando su combinado virtuosismo a algunos originales, algunos temas clásicos, alguno de música surf, y de vez en cuando algún cover cursi. Para Echoes, ellos han excluido los originales y han añadido algunos nuevos trucos. El álbum comienza sonando como más o menos cualquier grabación del California Guitar Trio, pero los oídos se levantan un poco cuando la guitarra eléctrica entra durante “Unmei” de Beethoven. “Echoes” tiene la guitarra todavía más eléctrica con teclas añadidas, bajo, y theremin (hay un buen número de momentos para los invitados en el álbum, incluyendo al pasado compañero Tony Levin).

“Echoes” es amablemente ejecutado, pero “Tubular Bells” es aún mejor ya que la composición en sí misma realmente se presta al modus operandi del CGT. “Bohemian Rhapsody” podría parecer una elección irregular, pero su arreglo instrumental lo hace sonar como si viniera de la pluma de Beethoven en vez de Freddie Mercury (aunque alguien rasguee el solo de Brian May).

Entonces las cosas viran del curso normal para un álbum CGT. Las dos últimas pistas traen al Bonnie “Prince” Billy (acá Will Oldham) en la voz para un par de covers: el folky “And I Know” (al principio realizado por Krokodil de Suiza) y “Free Bird” (su sola mención podría producir gemidos audibles de algunos oyentes). En realidad, “Free Bird” suena mejor de lo que ellos podrían, con un poco de ritmo reggae y algún eco para la primera parte, antes de ir plenamente eléctrico para la coda. Las pistas vocales pueden no gustar a todos sus admiradores (y pueden ser programadas hacia fuera de todos modos, si es necesario), pero Echoes es otro sólido ofrecimiento del California Guitar Trio sin dejar de ser muy fiel a si mismos, al mismo tiempo.

Fuente para la reseña: Sean Westergaard, All Music Guide – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: más que apunte, esto es una advertencia, estimados amigos. Esta semana, tras una larga insistencia de nuestro coequiper (y primo) el perro proletario, vamos a “estropear” nuestros oídos con resabios de nuestro pasado prog-rocker. Bueno, ustedes saben que no somos taaaaan jovenes, por lo que de vez en cuando, nos gusta subir el volumen y que los sonidos gordos nos vuelen (literalmente) la peluca. Estarán presentes algunos de nuestros héroes de cuando fuimos dados a luz a la música, y otros más contemporáneos que siguen cierto camino de deformidad que nos inquieta e interesa. No sabemos cuando volveremos a la normalidad. Así que ya están advertidos; algunos podrán tomarse vacaciones de nosotros y otros, tal vez, se enganchen a ver que sale. Un abrazo.

Track Listing

1. The Cruel Sea (2:05)
2. Music for a Found Harmonium (2:50)
3. Unmei (2:28)
4. Echoes (12:27)
5. Tubular Bells (8:09)
6. Pastorale (7:05)
7. Bohemian Rhapsody (5:33)
8. And I Know (7:06)
9. Free Bird (6:52)

Artis List

Bert Lams / guitars
Hideyo Moriya / guitars
Paul Richards / guitars

Invitados:
Bonnie ‘Prince’ Billy / vocals (8-9)
Pat Mastelotto / oil can (9)
Tony Levin / bass & NS upright (5-9)
Kevin Ratterman / tambourine & shaker (9)
Pamelia Kurstin / theremin (4-5)
Davide Rossi / violectra (4)
Jamie Masefield / mandolin (8)
Tom Griesgraber / bass & chapman stick (4-5)
Tyler Trotter / melodica, fender rhodes, bell & moogerfoogers (4-5-8)

Link de descarga
Password: musicaquecuelga.blogspot.com