Preso ventanilla


Omar Sosa

tapa Calma
tapa Alma
tapa Eggun
¿Quién es Omar Sosa?

Omar Sosa es un prestigiado músico que ha llevado su cultura y sus raíces siempre por delante, que ha logrado crear una música de un gran gusto y nivel por el ámbito internacional, desarrollándose principalmente en el piano y como compositor.

Nació en la ciudad de Camagüey, la ciudad interior más grande de Cuba, en 1965. Comenzó sus estudios musicales en el conservatorio de música de su ciudad en su adolescencia, iniciándose en la marimba y la percusión como buen cubano, para luego tomar el piano como instrumento base cuando pasó a la Escuela Nacional de Música, y completó su educación formal en el Instituto Superior de Arte de La Habana, donde se inició en el mundo del jazz.

Su estilo musical es predominantemente influenciado por el jazz, pero mezclado con sus raíces afro cubanas, y hasta con toques modernos de música tan aparentemente distinta como puede ser el hip-hop, el funk y electric beats. Uno de sus distintivos es el género llamado spoken word, donde vuelca sus letras de tintes políticos, sociales y espirituales en sus canciones. Su música se describe como una expresión de humanismo y de la santería cubana, jugando con varios elementos del free jazz, world music y el avant-garde.

Sus influencias están marcadas preponderantemente por la música afro-cubana tradicional y la música clásica como Chopin y Bartok, además de los grandes pianistas del jazz como Monk, Hancock, Chick Corea, Keith Jarret y su gran maestro, Chucho Valdés. Con una apariencia extravagante, muy personal y característica en escenario, usando batas estilo africanas y un gorro blanco extraño en la cabeza, lo han hecho resaltar, además de la forma particular de tocar el piano. Se suele presentar en directo con varias formaciones, ya sea en cuarteto, septeto o con orquesta completa, forma un “rumbón” tan sabroso y especial en cada uno de sus conciertos, muy a su manera, que lo han llevado a presentarse por los más prestigiosos festivales y foros alrededor del mundo.

En el año 1993 se mudó a Ecuador, donde se sumergió en las tradiciones folklóricas de la región de la costa noroeste, cuya herencia africana incluye la tradición distintiva de la marimba. Dos años más tarde se trasladó a San Francisco, California, donde se empapó de inmediato de la escena del jazz latino y se dio a conocer rápidamente en el gremio internacional del género, empezando a hacer colaboraciones con diversos colegas.

Su carrera discográfica comenzó en 1997, con el lanzamiento de su primera grabación como solista de piano, Omar Omar, dando base a seguir con la grabación de alrededor de 22 discos como líder de su banda durante su ya extensa carrera, que lo han llevado a obtener cinco nominaciones al Grammy en total. Destacan varios como “Prietos”, “Afreecanos”, “Bembon”, “Sentir” y “Mulatos”.

Una de sus características es que suele trabajar con una extensa variedad de músicos de América, África, Asia, Europa e India. Ha colaborado con gente como Steve Argüelles, Julio Barretto, Mino Cinelu, Miguel “Angá” Díaz, Marque Gilmore, Trilok Gurtu, Gustavo Ovalles, Carlos “Patato” Valdés; cantantes como: Lázaro Galarraga, El Houssaine Kili, Xiomara Laugart, María Márquez; con los maestros Paquito D’Rivera, Luis Depestre, Leandro Saint Hill, entre muchos otros.

Omar colaboró recientemente una vez más con Greg Landau para grabar el disco con la cantante peruana Susana Baca. Una de sus diversas bandas es Afreecanos, que combina afro pop y jazz con una variedad de instrumentos europeos. Esta banda, que incluye músicos de África, Cuba, Brasil y Francia, lanzó un CD en 2009 y se fue en una gira mundial a principios de 2010.

Anualmente realiza más de 100 conciertos en seis continentes, Omar ha aparecido en lugares tan diversos como el Blue Note (Nueva York, Milán y Tokio), del Carnegie Hall Zankel Hall, el Museo de Boston de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Artes de Detroit, el Walker Art Center, el Getty Center, Barbican de Londres y la Reina Isabel Hall, de Glasgow Royal Concert Hall, y la Haus der berlinés Kulturen der Welt. Ha participado en incontables festivales entre los que se encuentran: Monterey Jazz, JVC Jazz, Montreal Jazz, Marciac Jazz, Mar del Norte Jazz, Helsinki, Grenoble Jazz, Montreux Jazz, Nápoles Jazz, Ravenna Jazz, Roma Jazz, Spoleto, WOMAD, y el festival internacional de Jazz de Ciudad del Cabo.

Asimismo, Omar Sosa recibió un premio a la trayectoria de los Asociados del Smithsonian en Washington DC en 2003, por su contribución al desarrollo del jazz latino en los Estados Unidos. Ha recibido dos nominaciones de la Radio 3 World Music Awards de la BBC, en 2004 y 2006. En 2003, Omar Sosa recibió un premio por la Asociación de Periodistas de jazz de Nueva York por su álbum “Sentir”.

Uno de sus grandes trabajos ha sido el disco que grabó con el reconocidísimo chelista y compositor Jaques Morelenbaum, junto con la Big Band de North German Radio de Hamburgo. El álbum fue grabado en 2007 y 2008 en los estudios de NDR en Hamburgo y cuenta con arreglos de Jaques Morelenbaum, de temas extraídos de discos anteriores como: “Spirit Of The Roots” de 1999, “Bembón” del 2000, y “Afreecanos” del 2008. Celebraron algunas actuaciones en directo con la Big Band, una de ellas en el festival Banlieues Bleues de Paris y en el famoso Palau de la Música en Barcelona, con Morelenbaum como director de orquesta.

Su música ha sido usada para películas y para la televisión, colaboró en 2008 en la banda sonora para el documental de PBS, “El juez y el general”, y completó la banda sonora de la película de 2010, “El último vuelo del flamenco”, producida por Fado Filmes en Lisboa, Portugal.

En 2011, Omar lanzó su quinta grabación de piano solo, Calma, que recibió una nominación al Latin Grammy, compuesto por 13 improvisaciones de piano solo, fusionando elementos estilísticos del jazz, nueva música clásica, ambient, y la electrónica.

En enero de 2012, colaboró con el trompetista italiano Paolo Fresu, en el disco titulado Alma, contando nuevamente con la colaboración del violonchelista Jaques Morelenbaum. Su actual trabajo musical se titula: Eggun: The Experience Afri-Lectric, lanzado en febrero del 2013, que juega con diversas expresiones de la cultura espiritual africana; Sosa lo describe como un tributo a los espíritus de aquellos que se han ido antes que nosotros, tanto en nuestras familias personales como de aquellos que sirven como nuestros guías espirituales. El álbum empezó con la experimentación que le gusta siempre hacer en cada disco, indagando en lo que el bautizó como “Afri-Lectric”, por un encargo que se le encomendó en el 2009 por el festival de jazz de Barcelona para componer y producir un homenaje a los clásicos de Miles Davis del disco “Kind Of Blue” por el motivo de su 50 aniversario. Basándose en varios elementos musicales y motivos de “Kind Of Blue”, Omar escribió una suite de la música que honra el espíritu de libertad en el trabajo seminal de Davis. El disco cuenta con 15 temas, llenos de sonidos de trompetas y dos saxofones, basado en la raíz de la música africana, mezclado con texturas de jazz, este se enriqueció aún más por el uso sutil y acertado de algunos elementos electrónicos, sin perder el corazón africano.

Omar Sosa ha sabido combinar bien sus raíces con la música contemporánea, llevándolo a ser uno de los mejores músicos hoy en día, es un visionario musical con un toque y un gusto exquisito por aportar nuevos sonidos a la música con gran talento y un viaje a nuevos paisajes sonoros, para satisfacer los gustos más refinados de cualquier escucha.

Biografía publicada en http://acidconga.com/recomendacion/omar-sosa

Calma (2011)

El último disco de Omar Sosa (Camagüey, 1965), tiene algo (o mucho) de disco zen; su audición produce en el oyente sensaciones de tranquilidad, calma, sosiego, equilibrio y reposo. Y es que esto es la Calma, título del disco, “estado de la atmósfera cuando no hay viento. Paz, tranquilidad”. O si se prefiere, dicho de otra manera, la mística de la quietud. (También es cierto que, según el estado en el que el oyente se encuentre, puede darle un ataque de taquicardia y de ansiedad debido a tanta quietud).

Esta no es la primera vez que Sosa se enfrenta en una grabación al piano solo, de hecho este es el quinto disco en su carrera que se enfrenta a semejante reto, y el resultado final no ha podido ser más positivo. Grabado en Brooklyn el 14 de octubre e 2009 en una sola sesión, recoge trece temas que son una continua improvisación, tanto en lo referente a temas nuevos como a revisiones de creaciones antiguas; como es el caso de las versiones de Aguas, basada en Across Africa y Dance Of Reflection, basada en Muevete en D.

En palabras del propio pianista: “Cada título inspira el siguiente y la improvisación es la base de la expresión musical. Quería tocar desde el principio hasta el final sin pensar en los temas, simplemente sentir a donde me llevaban las notas, siguiendo la voz de mi alma. Es posible hacer una viaje de la mano del silencio, la esperanza, el optimismo y la tristeza”. Se podrá decir más alto pero no más claro.

Como suele suceder en los trabajos de Sosa, en su piano hay, por supuesto, elementos jazzísticos, que conviven amigablemente con influencias tan dispares como los sonidos étnicos o la música clásica de los impresionistas del siglo XIX (léase, Satie). Todo ello conforma, en las manos de este pianista, una música amable y agradecida, tanto para el músico como para el oyente.
Con Calma estamos en presencia de uno de los mejores discos que se pueden escuchar de piano sólo. No se lo pierdan.

Reseña de José Manuel Pérez Rey http://www.distritojazz.es/2011/04/omar-sosa-calma/

Track Listing Calma

01. Sunrise (3:51)
02. Absence (4:02)
03. Walking Together (3:39)
04. Esperanza (5:24)
05. Innocence (3:28)
06. Oasis (3:13)
07. Aguas (3:41)
08. Looking Within (5:05)
09. Dance of Reflection (3:47)
10. Autumn Flowers (3:44)
11. Reposo (3:34)
12. Madre (3:24)
13. Sunset (4:05)

Artist List

Omar Sosa: electric piano (tracks: 3,6), electronics, Grand Piano

Alma (2012)

El disco es el resultado de la colaboración de dos grandes músicos de la escena jazzística actual, una mezcla de jazz y música cubana y universal, melódica y emotiva. Alma es un extraordinario y elaborado trabajo musical: fresco e innovador, cálido y emotivo. Un encuentro de dos experimentados y prolíficos músicos contemporáneos. “Nuestra premisa es la libertad y siempre buscando la comunicación, en ocasiones a través de la espiritualidad. El lirismo es parte de nuestra forma de comunicarnos a través de la música”, explica Omar Sosa.

Sobre su encuentro con Paulo Fresu, Sosa explica que se conocieron en Lituania hace ya varios años, pero no comenzaron a colaborar hasta hace cuatro, “aunque nuestro primer encuentro fue en Cerdeña en el marco del Festival que él dirige llamado Time in jazz y de ahí decidimos hacer algo más juntos”.

En cuanto a su más que prolífica carrera, plagada de discos en solitario, Sosa defiende que “simplemente intento traducir el mensaje que llega a mí, no fuerzo absolutamente nada”. En su opinión, “la música llega y yo lo único que hago es buscar la manera de plasmarla. El resto es trabajar continuamente para estar listo y no dejar que pase ninguna oportunidad”.

Respecto a la apostilla de ser el músico cubano menos cubano, Sosa dice que “la cubanía no se define con un tumbao. Se puede ser 100% cubano tocando música contemplativa. Aunque en lo personal me interesa mucho más ser un músico universal que solamente cubano en su forma estética. Creo que en esta vida hay mucho, mucho que aprender y para esto aunque debes tener tus raíces claras, debes esta totalmente abierto a recibir los mensajes vengan de donde vengan”. Por último, en cuanto a su visión general del jazz, defiende que “es una filosofía, la filosofía de la libertad y creo que aun falta mucho para ser realmente libres, vivimos dentro de demasiados arquetipos estéticos y sociales impuestos por la sociedad que no dejan que la libertad sea un elemento base en nuestra vida. Todas estas limitaciones, esto sin duda se reflejan en el arte porque la música es una de sus manifestaciones y no escapa a esa falta extrema de libertad, algo que es básico en el jazz”.

Fuente para la reseña: http://www.granadahoy.com/article/ocio/1394072/sosa/se/puede/ser/cubano/tocando/musica/contemplativa.html

Track Listing Alma

01. S’Inguldu (5:35)
02. Inverno Grigio (5:28)
03. No Trance (3:36)
04. Alma (5:49)
05. Angustia (4:34)
06. Crepuscolo (3:15)
07. Moon On The Sky (5:59)
08. Old D Blues (6:36)
09. Medley: Niños (4:00)
10. Nenia (5:23)
11. Under African Skies (7:28)
12. Rimanere Grande! (2:58)

Artist List

Omar Sosa: piano [acoustic], sampler, other [Fender Rhodes, Microkorg, multieffects], percussion, vocals
Paolo Fresu: trumpet, flugelhorn, percussion, whistle, other [multieffects]
Jacques Morelenbaum: cello

Eggũn: The Afri-Lectric Experience (2013)

En estado de gracia. Así se encuentra el pianista de Camagüey tras una década larga de proyectos fascinantes que tenían su semilla aún más lejos, en ese enorme disco que es “Bembón” (2000), pero que con “Mulatos” (2004) se sintetizaba definitivamente en ese peculiar estilo que mezcla las raíces afro-cubanas de su música con la experimentación, la libertad absoluta, la espiritualidad siempre presente y un amor por la tradición jazzística que amalgama el conjunto, entretejiendo las costuras con el fuerte hilo de la herencia. Omar Sosa ha demostrado a lo largo de una sólida carrera, que se inició a mediados de los noventa en Estados Unidos y que ha tenido su mejor desarrollo desde que se instaló definitivamente en Barcelona a finales de esa misma década, su pasión por la música sin fronteras, su compromiso con la creación pura, su voluntad de probar encuentros imposibles. Caminos distintos que él ha hecho sin miedo a perderse, buscando la conexión entre sonidos a priori inconexos y que ha acabado encontrando a base de puro talento, el suyo y el de la pléyade de ilustres colaboradores, que como en su caso, no han tenido miedo del salto al vacío. Dhafer Youssef, Steve Argüelles, Mark Weinstein, Jaques Morelenbaum, la NDR BigBand, Paolo Fresu… son sólo algunos de los nombres que han salpicado sus últimos trabajos y que explican la fascinación que nace de su música.

Por eso resulta especialmente estimulante acercarse a la versión discográfica que acaba de publicarse del proyecto que Omar puso en marcha para el Festival de Jazz de Barcelona de 2009: una revisión del “Kind of Blue” de Miles Davis como tributo al cincuenta aniversario de la histórica grabación. Omar, lógicamente, no se limitó a hacer una versión más o menos personal del disco, si no que compuso una obra nueva inspirada por el álbum de Davis, reinterpretando los elementos a su expresiva manera e incluyendo unos delicados interludios a manera de cojinetes sobre los que pivotan los otros temas. Unos interludios, breves y mágicos, inspirados en el piano de Bill Evans en los que Omar se deja llevar con total libertad.

Una Afri-Lectric Experience, como él mismo subtitula su obra, en la que acompañado por Joo Kraus, Childo Tomas, Marque Gilmore, Leandro Saint-Hill, John Santos y una larga nómina de colaboradores, asistimos a una ceremonia que va más allá de los tópicos. Jazz latino, música africana, homenaje a los clásicos, tributo… sí, todo eso y mucho más. Eggũn (palabra africana que vendría a traducirse por Ancestro, el espíritu de los seres queridos que velan por nosotros) es un álbum extraordinario al que uno debe acercarse sin complejos para dejarse llevar a continuación, flotando en la inmensidad de los sonidos que lo conforman, y así disfrutar de una experiencia musical única a cargo, como no podía ser de otra manera, del pianista más atípico del panorama del jazz actual.

Reseña de Carlos Pulido para http://etnika.com/world/blog/2013/02/19/omar-sosa-eggun-the-afri-lectric-experience/

Track Listing Eggũn

01. Alejet (Omar Sosa) (7:27)
02. El Alba (Omar Sosa) (8:49)
03. Interludio, Pt. 1 (Omar Sosa) (0:56)
04. Alternativo Sketches (Omar Sosa) (9:04)
05. Interludio, Pt. 2 (Omar Sosa) (0:36)
06. Madre Mia (Omar Sosa) (8:47)
07. Interludio, Pt. 3 (Omar Sosa) (0:50)
08. So All Freddie (Omar Sosa) (8:23)
09. Interludio, Pt. 4 (Omar Sosa) (0:57)
10. Rumba Connection (Omar Sosa) (9:19)
11. Interludio, Pt. 5 (Omar Sosa) (1:05)
12. Angustiado (Omar Sosa) (7:42)
13. Angustiado Reprise (Omar Sosa) (2:43)
14. Interludio, Pt. 6 (Omar Sosa) (0:33)
15. Calling Eggun (Omar Sosa) (6:22)

Artist List

Omar Sosa: piano, Fender Rhodes, electronics; samples
Marque Gilmore: acousti-lectric drums; effects programming, drum loop production
Childo Tomas: electric bass, kalimba, vocals
Joo Kraus: trumpet, flugelhorn, electronic effects
Leandro Saint-Hill: alto saxophone, clarinet, flute
Peter Prfelbaum: tenor saxophone, soprano saxophone, bass saxophone, melodica, caxixi
Lionel Loueke: electro-acoustic guitar, vocals
Marvin Sewell: guitars
Pedro Martinez: percussion
John Santos: clave, chereke, waterphone, panderetas, tambora, guiro, quijada
Gustavo Ovalles: percussion

Apunte: el envión que generó Paolo Fresu me llevó a la escucha de “Alma“, hermoso disco grabado con Omar Sosa, el artista que nos ocupa hoy en particular. De ahí a escuchar detenidamente otras dos de sus últimas producciones fue la obvia e inmediata consecuencia. Solo, en dúo o muy acompañado musicalmente, el afán de Omar Sosa es “crear un mundo sonoro que pueda llevar de un lado hacia otro, de la electrónica a lo acústico, de lo latino a lo africano”; justamente por la calidez que conlleva lo latino y lo africano, es difícil no sentirse a gusto con lo que propone este autodefinido “percusionista al que le gusta tocar el piano”. Esto tampoco significa que vamos a escuchar al estereotipo del latin-jazz; muy por el contrario, en estas obras la música muchas veces expresa estados de ánimo y vivencias personales muy profundas: basta ver los nombres de varios de los temas para intuir hacia donde se dirigen las cosas. “La calma no es parte de la cotidianeidad, pero sigue siendo parte de la verdad interior del ser humano. Todos la necesitamos para poder pensar claramente”, asegura Sosa, sobre la tranquilidad perdida en un mundo “complejo y agresivo”. En la amplia discografía de Omar Sosa estos son tres discos muy recomendables. Salud!

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Jeff Ballard Trio
marzo 25, 2014, 4:05 pm
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tapa Time's Tales
Time’s Tales (2014)

El baterista Jeff Ballard sabe elegir sus compañeros. Al escoger al guitarrista (uno de clase) Lionel Loueke y al enfocado-aún-incontenible Miguel Zenón en el saxofón, Ballard logró crear el trío más apasionante que haya surgido en la memoria reciente.

Mientras este álbum es el largamente esperado debut como líder de Ballard, es más tentador pensar que no hay líder o el liderazgo está desbalanceado. Ballard está técnicamente a la cabeza, pero el sentimiento colectivo de música que está en el aire y cada hombre es lo suficientemente firme para competir con los otros. Esto no importa si el trío toma un acercamiento rítmicamente flojo y desenfocado en un estándar (“The Man I Love”), conduciendo al infierno en la canción de Queen Of The Stone Age (“Hangin’ Tree”), o combinando una vibración de New Orleans con intereses tropicales y oleadas de calypso (“Beat Interests”); en todos los casos esto funciona con una mente y un objetivo, aunque hable muchas lenguas. De hecho, este enfoque políglota al crear, es lo que hace a esta música tan convincente. En la superficie, el trío tiene las raíces de África Occidental de Loueke, la herencia musical puertorriqueña de Zenón y la profunda experiencia de Ballard en todo tipo de jazz con los que ha lidiado, pero eso es sólo la superficie. Cuando estos tres tocan juntos estas líneas y lenguajes se borronean, mutan y emergen nuevamente.

El ritmo, no es de extrañar, es el principal punto fuerte de este trío. Canciones como “Virgin Forest” de Loueke y “El reparador de sueños” de Silvio Rodríguez, muestran lo que este grupo es realmente capaz de hacer, cuando cada músico corta y hace su camino a través de los otros; sin embargo, el trío se las arregla para mantener el interés y la atención cuando las cosas parecen flotar, expandirse y contraerse.

Time’s Tales no es solo un gran debut; es un aspirante a “Album del Año, considerando que solo han pasado cinco semanas del 2014, que es mucho decir.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=46444#.UwkvreN5PxQ

Apunte: A veces sumar fuertes talentos a un proyecto no necesariamente da buenos resultados. En sentido opuesto, suele decirse que el todo puede ser mejor que la suma de las partes. Time’s Tales, felizmente, es este caso. Con un repertorio muy variado, lo que hace atractivo a este álbum es que aún en esa gran variedad, son inmediatamente reconocibles las herencias musicales de Loueke y Zenón (inmenso en su desbordante accionar). Ballard es quien tiene la tarea desde la percusión de darle un carácter único al disco, resultando una obra compleja pero nada tortuosa de escuchar, que contagia entusiasmo y energía positiva. Coincido con Bilawsky: anotemoslo como uno de los discos del 2014. Discazo.

Track Listing

01. Virgin Forest (7:44)
02. Western Wren (A Bird Call) (3:23)
03. Beat Street (7:16)
04. The Man I Love (5:53)
05. Free 1 (0:47)
06. Hangin Tree (7:23)
07. Dal (A Rhythm Song) (5:52)
08. El Reparador De Suenos (7:35)
09. Mivakpola (4:34)
10. Free 3 (6:01)

Artist List

Jeff Ballard: drums, percussion
Lionel Loueke: guitar, voice
Miguel Zenon: alto saxophone.

Link de descarga
Password: presoventanilla



Avishai Cohen

Avishai Cohen, el trompetista

Avishai Cohen es uno de los mejores trompetistas de su generación. Inicialmente más arraigado en el bebop y post-bop, el estilo de Cohen está tomando nuevas direcciones, como improvisador y compositor. Originario de Tel Aviv, empezó a tocar a los 10 años. Recorrió el mundo junto a la Orquesta Filarmónica de Jóvenes Israelíes y se convirtió en el trompetista de estudio preferido para muchos proyectos de jazz, rock o pop. Recibió una beca completa para asistir a la Berklee College of Music de Boston, y en 1997 quedó tercero en el prestigioso concurso Thelonious Monk Jazz.

Cohen creció musicalmente formando parte de la fértil cosecha del emblemático club de jazz neoyorquino Smalls, donde desarrolló su visión artística junto a amigos y colegas como el pianista Jason Lindner y el bajista Omer Avital. Todo su recorrido como líder, co-líder o colaborador, está influenciado por el legado de esta escena, que ha dado al jazz contemporáneo una nueva vitalidad y relevancia. Desde principios de 2010, Cohen es miembro del prestigioso SF Jazz Collective y en 2011 formó parte del proyecto Tea For 3 junto a Dave Douglas y Enrico Rava. Colabora regularmente con la cantante Keren Ann, y con sus hermanos Anat y Yuval en el proyecto 3 Cohens.

Ha publicado cinco discos como líder: The Trumpet Player (2003), After The Big Rain (2007), Flood (2008), Seven (2008 -triple CD), y junto a Omer Avital y Nasheet Waits ha grabado Introducing Triveni (2011) y Triveni II (2012).

En 2012 ganó el premio de los críticos de la revista DownBeat Magazine al Trompetista Revelación y en la primavera publicará la próxima entrega de Triveni, Dark Nights grabado nuevamente junto a Omer Avital y Nasheet Waits y con las colaboraciones de Gerald Clayton o Keren Ann entre otros.

Biografía de Cohen publicada en http://www.planb-music.com/avishai-cohen

El agradable par de una trilogía inconclusa (?)

tapa After The Big Rain
After the Big Rain (2007)

Los revisores a veces quedan atrapados en el juego de las etiquetas: jazz, pop, world (ah, la ambigua etiqueta que todo lo engloba), rock, ambient. Cuando un escritor lucha con un material que carece de un anclaje musical definitivo, me recuerda a la transformación de los años eléctricos de Miles Davis. Cuernos chillones, guitarras abusivas, teclados borrosos, todos entrelazados en constante cambio, percusión obscenamente polirítmica. Esto es jazz, pop, rock, ambienta, y un puñado de otras cosas. Olvide la categoría, nada suena como esto.

El trompetista Avishai Cohen toma el modelo de Miles de diversidad de sonido y se mueve en dos direcciones a la vez: hacia lo moderno y lo orgánico. Esto puede parecer una completa contradicción en los términos, pero no lo es.

Cohen trae consigo al guitarrista/cantante de África Occidental, Lionel Loueke. Aquella influencia de world folk a menudo es apareada contra una trompeta que da a esto los tratamientos de pesados efectos.”Parto Forte” es un buen ejemplo de esto, con la pegadiza guitarra dando lugar a algunos pasajes de brutal distorsión de trompeta. La más tradicional (desde una pespectiva del jazz) “Afterthoughts” tiene a Cohen compartiendo el blues con el Fender Rhodes de Jason Lindner. Es en esta melodía que Cohen está claramente en el estilo de la vieja escuela de Miles. Aún así, la presencia de la voz de Loueke (cantando en Fon, la lengua de su país, Benin) le da a la música un decididamente sentido orgánico, a pesar del empuje hacia lo moderno.

Todos estos sabores se reúnen en la ultra-intensa “African Daisy (La Suite African)”. Los acordes iniciales, que se entregan con un casi rock vacilante, configuran los límites armónicos en los que se inspiran las improvisaciones que siguen. Cada uno toma un turno, pero es Cohen quien se estira primero con un más apropiado “solo de jazz” antes de la aplicación de la electrónica y el desvío hacia tierras extrañas. Con un sonido que evoca al de Miles-encuentra-Don Cherry-encuentra-Cuong Vu (y levantado por la estelar percusión de Daniel Freedman), las exploraciones de Cohen me pellizcaron el volumen en varias ocasiones. Yo simplemente no podía ayudarme a mí mismo.

After The Big Rain puede dejarse en su estante en la sección de música de África Occidental. O jazz o pop… o…. Haga su selección. A no ser que estés nervioso, esto no debería esto no debería disminuir el placer ganado con esta música amplia y estimulante.

Fuente para la reseña Mark Saleski para http://blogcritics.org/music-review-avishai-cohen-after-the

Track Listing – After the Big Rain

1. After The Big Rain (6:13)
2. Parto Forte (11:45)e
3. Gbede Temin (4:36)
4. Meditation On Two Chords (8:14)
5. Afterthoughts (Mozartine) (7:17)
6. Miryama (3:44)
7. Afican Daisy (La Suite African) (11:02)
8. After The Big Rain – Epilogue (5:59)

Artist List

Avishai Cohen: trumpet & FXs
Lionel Loueke: guitar & vocals
Jason Lindner: keyboards and Fender Rhodes
Omer Avital: acoustic bass
Daniel Freedman: drums and percussion
Yosvany Terry: chekere (1, 2, 7, 8)

tapa Flood
Flood (2008)

Aceptando los standards aceptados, ¿cual sería la correcta instrumentación para recrear un desastre de, literalmente, proporciones bíblicas? Claramente, una orquesta importante – o, por lo menos, una Big Band con el talento para lo caótico – parecería obligatoria. Así, Avishai Cohen (que, entre otras muchas cosas, mantiene la silla del trompetista en la inmensamente talentosa banda familiar 3 Cohen) eligió un camino diferente para Flood. En consecuencia, “Avishai, el trompetista” ha hecho mucho más memorable música.

Flood es el segundo disco en la trilogía de Cohen, Big Rain. Basado en un poema que Cohen escribió después de que Tailandia fue golpeada con un tsunami mortal, la trilogía se imagina la tierra (y la sociedad en general) comenzando de nuevo después de que algún acontecimiento devastador termina el mundo tal como lo conocemos. El primer episodio de la trilogía, After the Big Rain (Anzic, 2007), fue impulsado por un sexteto que cruje y destaca a Lionel Loueke, Jason Lindner y Omer Avital. En lugar de quedarse con esa poderosa unidad para Flood, Cohen parte al grupo por la mitad. Y en este caso, menos es más.

El piano lastimero de Yonatan Avishai abre “First Drops” con acordes simples, suaves, evocando un día gris con nubes formandose inocentemente, mientras Daniel Freedman (el único vestigio de After the Big Rain) añade toques de percusión que sugieren la lluvia en un techo de zinc, y luego golpea su conga para presagiar más intensidad. La escena completa se establece antes de que Cohen toque, incluso, su primera nota, que es simple, clara y resuena como una campana en la noche. Los tambores de mano de Freedman y la percusión insistente del pianista, tocando sin romper la sensación de este vals hipnótico, se hacen cada vez más atractivos con cada repetición de la figura de la apertura.

Sin bajista y con Freedman más enfocado en la textura que en la base, Flood podría parecer un barco sin ancla. Por el contrario, esta configuración se ajusta perfectamente con la visión de Cohen de esta parte de la trilogía, la cual se enfoca en los ciclos del sol y la luna durante la inundación. Esto ve el cataclismo sin favor o drama. Donde la pista de título parecería requerir ampulosidad y agitación, hay una distancia dolorosa en la pieza, cuando el bien pierde con el mal en la despiadada catástrofe.

La verdadera pasión es salvada para “Cycles: The Sun, the Moon, and the Awakening Earth”, cuando el trío incorpora el ciclo de vida que alguna-vez, siempre-cambia y vuelve, para reanudar la Tierra tal vez esta vez, para mejor. Las agitaciones de Freedman traen un sentido ceremonial a “Nature’s Dance”, viajando al corazón de la súplica de una tribu a favor de la lluvia, sin importar las consecuencias. Cada pieza es fascinante en su modo propio, así como Cohen está impecable en la trompeta.

Flood no es un disco de fiesta, ni mucho menos. Sin embargo, la emoción que abastece de combustible la música de Cohen es incuestionablemente genuina, tal cual su visión de un nuevo, mejor mundo.

Fuente para la reseña J. Hunter para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=31480&width=1024#.Uw5__s6tvFw

Track Listing – Flood

1. First Drops (8:31)
2. Heavy Water: Prologue (2:43)
3. Heavy Water (10:27)
4. Nature’s Dance (8:54)
5. Flood (6:52)
6. Sunrays Over Water (4:34)
7. Cycles: The Sun, The Moon and the Awakening Earth (15:24)

Artist List

Avishai Cohen: trumpet
Yonatan Avishai: piano
Daniel Freedman: percussion

Apunte: Como en una especie de juego, proponemos escuchar a Avishai Cohen (el trompetista) a continuación de Avishai Cohen (el contrabajista). De todas maneras Cohen y su trompeta no es una novedad para este blog, ya que conocemos sus bondades en discos con los excelentes grupos SFJazz Collective y Third World Love. After the Big Rain y Flood, son álbumes muy distintos entre si, pero aún así Cohen los enmarca dentro de una trilogía que confusamente, parece no estar concluída, ya que los trabajos posteriores de Cohen son junto a sus hermanos (3 Cohen) o con el trio Triveni. Existe una edición digital de un material de tres horas de duración (“Seven”), a su nombre, que es posterior a Flood pero no está claro que sea la tercer parte de la tan mentada trilogía. Dicho esto último a modo aclaratorio, me resta decir que se disfruta lo multicultural de After the Big Rain, con el fuerte acento en la rítmica africana, remarcado por el importante aporte que hace Lionel Loueke (por allí he leído algunas reseñas que dicen, no sin algo de razón, que parece un disco del guitarrista y cantante, antes que de Cohen). Y también se disfruta lo más acotado instrumentalmente que es Flood, pero a la vez más enfocado en un concepto unificador de los temas, donde como bien señala la reseña, menos en este caso significa más. Ok, es hora de callar y escuchar.

Password en ambos casos: presoventanilla



Ferenc Nemeth

tapa Triumph
Triumph (2012)

El baterista de origen húngaro Ferenc Nemeth es conocido principalmente como la percusión presente detrás de la música de uno de los mejores guitarristas en su tipo, Lionel Loueke, pero los roles se invierten en el triunfal segundo álbum del baterista. Loueke, el saxofonista Joshua Redman y el pianista Kenny Werner unen fuerzas con, y en apoyo de, Nemeth formando uno de los grupos de cuatro personas más potentes que han grabado en el 2012.

Las habilidades de Nemeth como baterista, compositor y agente musical se unen brillantemente en este apasionante set de música que toma forma alrededor de mareas de emocional desarrollo. Nemeth captura varios estados del ser en su escritura (por ejemplo, “Joy”, “Sorrow”, “Hope”) y pone la música en movimiento con su orgánico trabajo en la batería. La consistencia estilística y arquitectónica nunca está cuestionada, pero la mayor parte de la belleza de este trabajo está en las transiciones y el despertar de emociones encontradas. Nemeth no escribe en ordenados bloques de fórmulas; escribe en pensamientos humanos y diálogo fluído, haciendo de la disgresión y la cohesión componentes claves de su trabajo.

Diversos interludios y ramificaciones de momentos monologuísticos, como el rasgueo de Loueke de noche de cielo estrellado (“Interludio I”), o los encuentros cabeza a cabeza, como en el explosivo Nemeth/Redman pas de deux (“Interludio II”), pero el baterista a menudo da lo mejor al disparar absolutamente todo. Sombras oscuras y garbosas se encuentran en la pista del título, la desenfrenada alegría de vivir llega en la melódicamente atractiva y apropiadamente titulada “Joy”, y regocijadas líneas de piano sondean profundamente en la psique auditiva en “Purpose”.

Redman, Werner y Loueke pertenecen a una extraña raza de músicos de jazz que opera sobre y más allá del jazz general más popular, pero, usualmente, no frecuentan los mismos círculos. La inspirada decisión de Nemeth de ponerlos juntos brinda grandes resultados a cada momento. Se alimentan de energía mutuamente así como se montan en los carriles del desarrollo musical y evolucionan, con el impulso ganador del trabajo en los palillos de Nemeth. Una auxiliar sección de vientos, añade aún más profundidad a esta, ya de por si, estupenda música, evitando las edulcoradas técnicas estándars. Mientras los vientos se hacen en casa en “Longing”, aquella pista demuestra ser la excepción. Las camas de bloques de acordes, en gran parte son evitadas a favor de un tipo “entran y se escapan” de la puntuación que beneficia el todo; estos instrumentos de viento de madera caen como bienvenidos fantasmas musicales en la máquina.

Si bien es cierto que podría ser una broma decir que Triumph está a la altura de su nombre, es la verdad absoluta.

Fuente para la reseña Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=42943#.UcjVe9jp7Fw

Apunte: En el año 2007 Nemeth había publicado un gran disco, Night Songs, que supimos disfrutar ampliamente. El año pasado, al publicar Triumph dió un sólido paso hacia adelante revalidando sus condiciones como compositor, director y baterista, logrando su obra más personal. Para Triumph, Nemeth decide cambiar casi totalmente el staff de músicos con los que habitualmente se rodeaba (aquellos que suelen grabar en el sello Obliqsound), quedando solo Lionel Loueke (fundamental). El cuarteto básico se completa con estrellas como son Kenny Werner y Joshua Redman. Triumph está estructurado como una sinfonía, con cada pieza conduciendo a la siguiente, separadas por interludios. Y el aspecto “sinfónico” se ve realzado con la sección de vientos y vocalizaciones compuesta por un grupo de músicos rioplatenses (Di Leone, Michelini, Pantyrer, Nant, Luzardo y la sueca-argentina Barbara Togander). Triumph fluye como un río, con sus lugares mansos, y otros turbulentos o rápidos, pero lo cristalino de sus aguas lo hace fascinante. Los humores que van desfilando por los tracks, hacen que cuando “Hope II” está terminando, uno quiera volver a la “Intro”. Gran disco de Nemeth. Muy recomendable.

Track Listing

01. Intro (1:19)
02. Triumph (6:32)
03. Interlude I (2:41)
04. Purpose (3:36)
05. Interlude II (3:21)
06. Joy (6:59)
07. Interlude III (2:58)
08. Longing (5:54)
09. Hope (2:25)
10. Interlude IV (3:10)
11. Sorrow And Wishful Thinking (9:37)
12. Hope II (2:54)

Artist List

Joshua Redman: tenor saxophone, soprano saxophone
Kenny Werner: piano, Rhodes
Lionel Loueke: guitar, vocals
Ferenc Nemeth: drums
Barbara Togander: voice
Juampi Di Leone: flute
Carlos Michelini: clarinet
Martin Pantyrer: bass clarinet, baritone saxophone
Richard Nant: trumpet, flugelhorn
Maria Noel Luzardo: bassoon

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Javier Vercher


Wish You Were Here (2010)

Poco importa que Javier Vercher sea madrileño de nacimiento y valenciano de adopción. Defender un origen geográfico sólo tiene sentido si se está dispuesto a morir por él, y no creo que sea el caso del saxofonista, que bien pronto entendió que las fronteras que cabe preservar con la firmeza de las pasiones tienen que ver con las que se encuentran en el territorio de las ideas. Una de ellas le llevó a ampliar su formación en los dominios vernáculos del jazz, primero en Boston y luego muy cerca del lugar en el que Sonny Rollins se dejaba ver en sus periodos sabáticos, allá por el puente de Williamsburg. Con una propuesta menos efervescente que la del también saxofonista Llibert Fortuny, aun así igualmente prodigiosa, el joven Javier Vercher (1974) ha venido ofreciendo con cuentagotas sus apariciones discográficas. Desde aquel ya lejano trío de “Introducing…” (FSNT, 2005), junto a invitados de la talla de Bob Moses y Robert Glasper, pasando por un trío insólito de miras africanas que borda “Wheel of Time” (FSNT, 2007) en compañía de Ferenc Nemeth y Lionel Loueke, hasta su mano a mano con el saxo alto Perico Sambeat que ha quedado registrado en “Infinita” (FSNT, 2009).

Tras sentir de cerca el clamor de vítores ajenos, Vercher está de regreso al hogar —el único, el de su propia música—, aunque no llega solo. Viene acompañado por la fresquísima guitarra de Loueke y el resto de un quinteto que echa de espaldas: todos ellos conocen las labores del mercenariado, aunque hace ya tiempo que pasaron de promesas a realidades insoslayables. Sam Yahel se encarga del piano (a pesar de ser un excelente organista), Francisco Mela sigue ascendiendo al olimpo de los bateristas, y en cuanto a Larry Grenadier, hace ya mucho que alcanzó la talla de maestro con su bajo.

El propio título del trabajo destila los efluvios de la atmósfera meditabunda que pervive en toda la grabación, no únicamente en el tema homónimo. “Style and Grace”, sin ir más lejos, se desarrolla en un ir y venir entre la tradición y la innovación, defendiendo su reflexión de largo aliento siempre desde el terreno de lo acústico. El tenor de Vercher se desdobla en “Vivi,” el único tema que no es de su autoría, sino que lo firma Loueke con muy buena mano. El corte sirve, asimismo, para mostrar las dotes de cada uno de los músicos que acompañan a Vercher en esta aventura. Por momentos recuerda al lirismo de Abdullah Ibrahim con los Ekaya, en otros se destila la ingravidez de los pasajes oníricos más logrados del “Highway Rider” (Nonesuch, 2010) de Brad Mehldau, por poner ejemplos próximos en el tiempo.

Muchas podrían ser la fuentes para Wish You Were Here, aunque la única certeza es que juntos como quinteto, estos magos del sonido (por utilizar el nombre de otra de las composiciones) han conseguido poner en pie uno de los pocos trabajos que pasarán la prueba del tiempo sin dificultades. Si son de los pocos a los que la crisis todavía no les ha vaciado los bolsillos, hagan la prueba: compren dos ejemplares; el primero lo escuchan cuanto gusten, que no serán pocas veces. Metan el segundo en una cápsula del tiempo y ábranla de aquí a una década. Verán que contiene música imperecedera. De paso comprobarán que la carpetilla que la envuelve y preserva también tiene en sus genes esa condición de clásico indiscutible. Esa es también su baza para el futuro.

Fuente para la reseña: Enrique Turpin para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=38071

Track Listing

1. Vivi (7:22)
2. Wish You Were Here (8:10)
3. Ears of a Distant Traveler (7:49)
4. Magicians of Sound (4:50)
5. Blue Heron (7:26)
6. Ahí donde vive Joe (5:32)
7. Style and Grace (9:16)

Artist List

Javier Vercher: saxo tenor
Lionel Loueke: guitarra
Sam Yahel: piano
Larry Grenadier: contrabajo
Francisco Mela: batería
Arturo Stable: percusión (1)
Jorge Pérez: cajón, percusión (5)

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Kendrick Scott Oracle

The Source (2006)

En tiempos cuando conceptos como “fusión” y “libertad” han sido reducidos por tácticas de marketing, es agradable oir un disco que emplea a ambos, de acuerdo al mainstream, pero sin dejar de ser interesante. Kendrick Scott, mejor conocido como el baterista de Terence Blanchard, presenta un disco debut, que está sumamente bien trabajado, en el cual se mantiene una visión unificada exponiendo, sin exagerar, variantes estilisticas y referencias tan importantes después de la muerte de la postmodernidad.

La voz compositiva de Scott puede ser oída, a menudo suavemente, en algún sitio entre Andrew Hill y Alan Holdsworth; él tiene un don para el contrapunto que es sostenido por la armonía magníficamente melancólica. “View from Above”, en dos versiones radicalmente diferentes, muestra lo que Scott puede hacer con un motivo melódico muy simple, reformándolo y armonizándolo de nuevo, adornándololo con contramelodías, y luego devolviendolo a la forma original. La banda cierra perfectamente, compartiendo plenamente lo que sólo puedo describir como una visión romántica. La ejecución del pianista Aaron Parks merece una mención especial: su trabajo de delicioso pianissimo con cada nota y acordes en gotas, como una perla, se hallan perfectamente en su lugar.

Relacionado, pero sorprendentemente distinto, es el hechizante “VCB”, un poderoso estudio minimizado de sonido colocado; las teclas y la guitarra se cierran y cargan en un poliritmo, mientras el bajista Derrick Hodge y Scott sostienen un homenaje ligero pero poderoso al hip-hop. Hay otra melodía calma en la ejecución, pero el dulzor de la rica manipulación timbral es el azúcar y la pimienta de la pista. La atenuación lenta y el retorno de las cuerdas con wah-wah y las insinuaciones de teclas en una forma más larga pero no realizada, evocadora de Miles alrededor de “Get Up With It”, y lamento que la melodía no hubiera durado veinte minutos en vez de dos.

Sí, el álbum vira al territorio del temido “smooth” jazz de vez en cuando, como con las interjecciones vocales en “Retrospect”, pero hay una atención constante para detallar, tanto en términos de timbre como en arreglos, que mantiene el encallamiento en la bahía. La ejecución de Kendrick es escasa aunque plena, justo como dicen sus cartas, mientras él parece complementar a cada músico individualmente, dibujando contribuciones de la misma opinión que los miembros de la banda y los colaboradores.

Compruebe el sutil efecto de alto registro en el trabajo de guitarra del invitado especial Lionel Loueke en “Mantra” para ver que es lo que pone a esta grabación por encima de muchas otras, para no mencionar lo que ocurre en mi reproductor. Incluso el cover de Bjork, “107 Steps”, viene sonando fresco. Si “VCB” es demasiado breve, y si “View from Above” se cae cuando las cosas comienzan a calentarse y ampliarse en las garras de la libertad, estas son sutilezas menores, con esperanza y aún proporcionando un pequeño alimento para el pensamiento en cuanto a futuros proyectos, para los cuales tengo altas esperanzas.

Fuente para la reseña: Marc Medwin para http://www.bagatellen.com/archives/reviews/001690.html – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: aprovecho este espacio para agradecer de corazón, en nombre de los integrantes de MQC, todos los saludos y deseos de felices fiestas que nos han enviado estos días. Les deseamos lo mismo y aún más. Un fuerte abrazo para todos.

Track Listing

01. View from Above (Scott) (7:53)
02. Mantra (Scott) (7:24)
03. 107 Steps (Bjork) (7:57)
04. Search for Noesis (Scott) (4:20)
05. Journey (Parlato, Scott) (4:43)
06. VCB (Glasper, Scott) (2:02)
07. Memory’s Waivering Echo (Scott) (12:05)
08. View from Above (Reprise) (Scott) (1:28)
09. The Source Scott (6:14)
10. Psalm Scott (9:53)
11. Retrospect Scott (4:24)

Artist List

Kendrick Scott: drums, voice (2,9,11)
Gretchen Parlato: voice (6)
Aaron Parks: piano (1,3,5,8,9,10), Fender Rhodes (2,6,7,11)
Robert Glasper: piano (2), Fender Rhodes (9)
Lionel Loueke: guitar (2,3)
Lage Lund: guitar (6,7,9,10)
Mike Moreno: guitar (1,4,5,6,7,11)
Walter Smith III: tenor sax (1,5,10)
Seamus Blake: tenor sax (1,5,10)
Myron Walden: alto sax (1,7), soprano sax (2,3,9), bass clarinet(3,7,11)
Derrick Hodge: acoustic bass (1,3,7,9,10), electric bass (2,6,11)

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Eric Le Lann & Jannick Top

Le Lann “Top” (2007)

El trompetista Eric Le Lann está presente en la escena del jazz desde hace treinta años. Después de numerosas colaboraciones en compañía de los más grandes (Solal, Urtreger, Texier, Archie Shepp, Mike Stern) y después de doce álbumes como líder, decide intentar una nueva experiencia “eléctrica”. Acude a Jannick Top, bajista extraordinario, dueño del ritmo y del sonido, conocido por su implicancia en el grupo Magma a mediados de los años 70, que se pone la doble gorra de músico y realizador del álbum. Nos entregan una música actual, una fusión de jazz y de electrónica, resueltamente moderna, pero profundamente anclada en la tradición del jazz. Descubrimos aquí al excepcional baterista Damien Schmitt así como al guitarrista beninés Lionel Loueke, socio acostumbrado de Herbie Hancock, cuyas sonoridades originales visten de un velo extraño la mayoría de las composiciones. Le Lann “Top” es un éxito total, fruto del encuentro inteligente entre dos “monstruos” de la música.

Apunte: Breve. Discazo; infeccioso como pocos, mezcla sin preconceptos de modernidad, groove, tradición, máquinas, energía, electricidad, acusticidad (?), etc. Abrir bien las orejas, por favor.

Track Listing

1. Middle access (4:13)
2. Today (5:15)
3. Spirit (6:34)
4. It’s so blue (5:25)
5. Soul (6:05)
6. Babylone (6:27)
7. Back time trip (7:05)
8. Mysterious city (5:16)
9. The silent track (9:56)

Artist List

Eric Le Lann (trompette)
Lionel Louéké (guitare, voix)
Jannick Top (basses)
Damien Schmitt (batterie, percussions)

Invités :
Jean-Marie Ecay (guitare sur 1 et 6)
Olivier Hutman (claviers sur 6)
Fabien Colella (claviers, computing)
Bruno Ribera (saxo, flûte sur 1et 5),
Christophe Nègre et Thomas Faure (saxo sur 1 et 5)

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