Preso ventanilla


Vincent Courtois
junio 16, 2016, 9:04 pm
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tapa West
West (2014)

Vincent Courtois es hombre de imagen. No solo si piensa en la banda original del dibujo animado “Ernest et Célestine”, la cual él compuso, sino porque su música es resueltamente cinemática, evocadora. El violoncelista tomaba prestada en “L’Imprévu” la insostenible ligereza bien rohmeriana; para “Mediums”, también en compañía de Daniel Erdmann y Robin Fincker, sondeaba la extrañeza inquietante de las películas de la Hammer. Con West, se lanza a una road movie a través de espacios infinitos, y no cualesquiera, ya que son los mares y las lagunas que traman este álbum (editado, como es necesario, por el sello La Buissonne). Sin embargo tranquilícese, no hay ningún riesgo de oír aquí el menor canto de marinero. Se trata más bien de un embarque hacia grandes extensiones contemplativas, con sus súbitos remolinos. Si hay un canto, es el de las sirenas, en el arco más que nunca sensible enfrentándose con tumultos que podrían considerarse extraídos de una partición de Kodály («1852 mètres plus tard» – una milla marina, pues). Una pieza repetida al final del álbum, como una vuelta al redil.

Courtois usa todos los timbres viajeros del violoncelo, que los pizzicatos transmutan sutilmente en el kora o en la guitarra plena de blues, el espacio de un instante. Toda travesía se realiza en solitario. Este rumbo al Oeste no escapa a la regla, aun cuando embarcará aquí y allá algunos compañeros de viaje, como Federico Casagrande en “At the end of the Day”, registrado en compañía del violonchelista. En primer lugar al pianista Benjamin Moussay, presente en casi la mitad de las piezas, y cuyo poderoso imaginario se confronta a las mil maravillas con la de su anfitrión. La pequeña lluvia fina del noroeste que se asienta en « Nowhere » esparce la quietud que les permite a ambos músicos desarrollar atmósferas donde cada detalle cuenta. A la inversa, la construcción muy buscada de « West » permite a la multiplicidad de las voces bambolear al oyente en grandiosas turbulencias, entre un obstinado loop de clavecín y un arco errante.

Luego los saxofonistas Ermann y Fincker se unen, y la atmósfera es entonces de divagación. ¿Alucinaciones en el mar? « Freaks » enciende los farolillos de un pequeño baile lánguido y West se tiñe de reminiscencias procedentes de “Mediums”. Moussay se une a Fincker en « Tim au Nohic », y el gran tiempo se anuncia: la pieza es corta, como un grano súbito, pero encarna el pico de intensidad del álbum, si no es su cumbre. Los diferentes teclados se frotan, chocan, se rompen sobre el juego conquistador de las cuerdas, mientras el tenor intenta emerger de las olas. Luego la calma vuelve tras la tormenta y Erdmann plantea (« Désarçonné ») un soplo rocoso sobre el reajuste.

Courtois persigue la construcción paciente y atenta de un universo absolutamente singular. Lo demuestra la embriaguez de « Sémaphore » donde, por el juego del re-grabaciones, él juega consigo mismo. Este disco es una isla en medio de la inmensidad, una isla que, a falta de ser desierta, encierra numerosos tesoros. Abandonemos el norte de las brújulas. West es la dirección que hay que tomar.

Fuente para la reseña: Franpi Barriaux para http://www.citizenjazz.com/Vincent-Courtois-3471400.html

Apunte: Qué se puede decir de West? Qué tiene una belleza extraña y sutil? Qué en el ir y venir de su dinámica musical reside el poder hipnótico en el que uno cae? Qué el sonido, mezcla de camarístico, clásico y ambient llevan todo este asunto a momentos sublimes??? Si. Se puede decir todo esto. Gran disco. Absolutamente recomendable.

Track listing

01. So Much Water So Close To Home (4:12)
02. 1852 Metres Plus Tard (8:24)
03. Modalités (3:45)
04. Nowhere (4:36)
05. L’intuition (3:15)
06. West (6:07)
07. Freaks (3:56)
08. Tim Au Nohic (3:00)
09. Desarconné (2:57)
10. Sémaphore (2:41)
11. 1852 Metres Plus Tard Version Courte (4:29)

Artist List

Vincent Courtois: cello, guide chant (4), all compositions
Daniel Erdmann: tenor saxophone (3, 7, 9)
Robin Fincker: clarinet (3), tenor saxophone (7, 8)
Benjamin Moussay: piano, harpsichord, celesta, toy piano (3, 4, 6, 8, 9)

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Claudio Farinone
noviembre 7, 2015, 11:04 pm
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tapa Claudio Farinone plays Ralph Towner
Claudio Farinone plays Ralph Towner (2013)

Claudio Farinone propone un proyecto de arte que revela no sólo una re-interpretación de algunas composiciones del famoso multi-instrumentista norteamericano Ralph Towner, una de las figuras más importantes de la guitarra en la segunda mitad del siglo XX y contemporánea, pero también una “experiencia totalizadora”. Una síntesis perfecta entre la idea de una página musical escrita nota por nota y una apertura a la práctica de la improvisación. Este trabajo pretende mejorar una de las características más fascinantes de la guitarra: el timbre. Farinone ha decidido ampliar aún más el alcance de su experiencia como guitarrista, utilizando un instrumento con ocho cuerdas, dos más en el registro inferior, y una guitarra barítono, que suena más grave que un instrumento tradicional. “Claudio Farinone plays Ralph Towner” es el primer lanzamiento de una nueva línea del sello italiano Abeat llamada “Air” y dedicada a experiencias creativas de arte contemporáneo, no atribuibles directamente al jazz. El CD, con excelentes características para audiófilos, fue grabado por Luke Martegani con el fascinante sonido del Chiostro di Voltorre, cerca de Varese (Italia), utilizando sólo dos micrófonos y ningún artificio, respetando plenamente las características del sonido del lugar.

Qué dice Farinone sobre Towner?

Mi aventura con la música de Ralph Towner comenzó cuando yo todavía era un principiante con mi guitarra. A menudo se da el caso de que los músicos se conocen a través de las grabaciones que hacen. Las grabaciones son los jalones imborrables de su viaje y, al mismo tiempo, el vehículo para traspasar a otros artistas de su propia experiencia. Una gran revolución de finales del siglo XIX fue, sin duda, la posibilidad de hacer grabaciones de sonido posible y fácilmente accesible. No es sólo el milagro que nos permite escuchar repetidas veces la misma performance, sino también la de hacer que se convierta en un punto de referencia a partir de los cuales medimos nuestro propio desarrollo. La vida, como dijo alguna vez Vinicius de Moraes, es el arte del encuentro con el otro. Gracias a las grabaciones, pude familiarizarme con el mundo creativo de muchos artistas, y posteriormente desarrollar lo propio. La música de Ralph Towner ha estado conmigo todo este tiempo, y ha contribuido bastante a enamorarme del timbre y atrevidas ideas musicales improvisadas dentro de impecables limitaciones formales. Después de muchos viajes musicales compartidos con otros músicos, esta vez soy yo solo. La música de Towner es mi sendero. No podría haber tomado una mejor elección. Con ella examino todo tipo de experiencias: virtuosismo, atmósferas meditativas, contemplación de color escarpado. La música de Ralph Towner es el trabajo de cincel. Gracias a la sabiduría que él expresa, y el bono añadido en años posteriores de su invaluable amistad, mi viaje musical fue posible. (Claudio Farinone)

Fuente para la reseña: http://www.abeatrecords.com/catdetail.asp?IDprod=171

Track Listing

01. Reluctant Bride (4:40)
02. Anniversary Song (1:57)
03. If (4:39)
04. Haunted (3:28)
05. Green and Golden (4:19)
06. Joyful Departure (4:42)
07. Turning of the Leaves (4:02)
08. Anthem (5:14)
09. Juggler’s Etude (5:44)
10. Always By Your Side (3:56)
11. Waltz For Debby (2:02)
12. Sacred Place (3:38)

Artist List

Claudio Farinone: eight strings guitar & baritone guitar

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Mário Laginha Novo Trio
junio 20, 2015, 5:11 pm
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tapa Terra Seca
Terra Seca (2013)

Un piano, un contrabajo y una guitarra portuguesa: así nació el Mario Laginha Novo Trio

El pianista se unió a uno de sus cómplices habituales, el contrabajista Bernardo Moreira y convocó una guitarra portuguesa, interpretada por Miguel Amaral, de quien Mário Laginha dice estar «muy impresionado»: «es una persona con la que da gusto trabajar; es un gran músico, un gran guitarrista»

El estreno ocurre con el disco Terra Seca, tejido de complicidades entre los músicos y los instrumentos, comenzando por el piano y contrabajo, dupla habitual en bandas de jazz.

«La presencia que en principio sería extraña es la guitarra portuguesa; y esta extrañeza no es sólo por la instrumentación, sino por el tipo de música que tocamos. Cuando hablamos de guitarra portuguesa, la gente piensa en fado. Todavía creo que se puede ir más allá del fado, y me atrajo mucho experimentar», explica Mário Laginha.

Como protagonista, tocando la melodía principal, o en compañía secundaria, como acompañante, la guitarra portuguesa tiene en este disco «un papel “sui generis”», señala el compositor

«En grupos de jazz, muchas veces quien toca una melodía es, por ejemplo, un saxofón o una trompeta, y allí el sonido es melódico, no es armónico. En este disco, la guitarra portuguesa es armónica y melódica, mientras que otras veces es rítmica», añade.

El disco está «más próximo del jazz que de otra cosa. Los más fundamentalistas dirán “esto no es jazz, no tiene el ‘swing’ habitual”; otros dirán que tampoco es música clásica, y yo estoy de acuerdo; y todos dirán que no es fado, y de hecho no lo es del todo».

Entre esta indefinición, Mário Laginha apunta que al jazz como la mayor influencia del disco, seguida de la música clásica. «Este es un trío que tiene un lado de música de cámara».

«Y después hay un lado portugués, que viene de la música popular y del fado».

Y ahora, el origen del nombre del disco: «La tierra seca es, por regla general, una zona poco habitada, donde es necesario hacer un esfuerzo para transformarla en fértil. Y yo pensé que, musicalmente, teníamos que ir a una zona poco habitada. Y eso tiene un lado fascinante porque es necesario ir a la búsqueda, es necesario convertirla en fértil.”

Fuente para la reseña: http://www.snpcultura.org/terra_seca_mario_laginha_novo_trio.html

Apunte: El Mário Laginha Novo Trio, nació al mundo el 18 de septiembre de 2013 en el auditorio lisboeta de Culturgest. Terra Seca, dedicado a Bernardo Sassetti, fue compuesto casi de manera completa por Laginha, a excepción del tema “Fuga para um dia de sol”, escrito por Miguel Amaral, quien ya tiene editado a su nombre el álbum “Chuva Oblíqua”. Como bien aclara Laginha, el jazz es el “territorio” más reconocible, pero la guitarra portuguesa de Miguel Amaral, trae ecos del fado y de otras músicas populares del país, como así también el recuerdo de músicas del gran Egberto Gismonti. Hablar solo de jazz es insuficiente para definir una música que se mueve libremente entre las músicas de cámara, clásica y contemporánea. Por estos días, en una nueva edición de la reunión anual de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), el Hot Clube de Portugal y la Universidade Lusíada se llevará a cabo un concierto inédito: se encontrarán en el escenario un verdadero promotor de la integración de los distintos lenguajes jazzísticos como es David Liebman, con el Mário Laginha Novo Trio. Da toda la impresión que en el caso de que el Novo Trio perdure en el tiempo, se verán más frutos de nuevas tierras fértiles.

Track Listing

01. Terra Seca (8:21)
02. Dança (9:43)
03. Quando as Mãos Se Abrem (4:30)
04. Tão Longe e Ainda Perto (6:29)
05. Fuga para um Dia de Sol (4:21)
06. Há Correria no Bairro (5:22)
07. Enquanto Precisares (5:55)
08. Pela Noite Fora (7:23)
09. O Recreio do João (3:55)
10. Chão Que Se Move (4:55)

Artist List

Mário Laginha: piano
Miguel Amaral: guitarra portuguesa
Bernardo Moreira: contrabaixo

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Dieter Ilg
noviembre 28, 2014, 12:03 pm
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Otello. Live at Schloss Elmau (2011)

Los celos que consumen a Otelo y que le arrastran hasta el asesinato de su mujer encontraron en la ópera de Verdi su materialización en forma de línea de bajo. Aquella melodía fascinó a Dieter Ilg, quien ha grabado en directo, precisamente una serie de variaciones sobre la ópera del compositor italiano, con quien comparte, ya puestos, título: Otello. Este directo es el resultado de haber rodado los temas más de un año, e incluye algunos nuevos, como Ave Maria, y prescinde de otros.

No obstante, salvo en algún que otro pasaje, se trata de un disco un tanto rígido y baja intensidad cuyo mayor riesgo, eso si, es el de transportar al jazz algunas piezas operísticas del italiano. Prueba de ello es la versión groovy de Fuoco di giogia.

Ilg compagina marcadas líneas de contrabajo con melodías veloces, respaldado por un piano etéreo y una batería discreta. El tema más arriesgado corresponde al verdadero protagonista de la tragedia shakesperiana, léase Jago, con una marcha inicial que progresa hasta un intermedio que no llega a explotar, y cierra con un final vocal tan curioso como efectista.

Reseña de Borja Criado para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2018:dieter-ilg&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Otello

01. Fuoco di gioia (4:40)
02. O là (5:36)
03. Quando narravi (6:41)
04. Jago (5:02)
05. A questa tua (6:37)
06. Dio! Mi potevi (3:37)
07. Orror (4:57)
08. Le amare stille (1:35)
09. Mistero (5:27)
10. Ave Maria (4:06)
11. Otello (11:12)

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Parsifal (2013)

Dentro de la conmemoración del 200 aniversario del nacimiento del compositor alemán Richard Wagner, se podían esperar detalles dentro del mundillo del jazz hacia la insigne figura de este hombre pero no del alcance que pueden llegar a tener, con el tiempo, los trabajos realizados por Peter Schaefer sobre la obra en general del compositor o el que ahora nos ocupa del contrabajista Dieter Ilg centrado sobre todo en la opera Parsifal. ‘Parsifal’ (ACT) es una grabación donde el jazz y la clásica están combinados perfectamente para obtener un precioso resultado.

Dieter que ya nos había demostrado que se mueve como pez en el agua en estas combinaciones tras su inmersión en la opera ‘Otello’ de Verdi, obra ya grabada tanto en estudio como en directo en el magnifico Schloss Elmau, vuelve por sus fueros y nos demuestra que conoce bien a ambos músicos por haberlos trabajado a conciencia.

Se adentra en la música de Wagner en formato de trio con la inestimable ayuda del pianista Rainer Böhm y del baterista Patrice Héral con los que ya había realizado su anterior incursión en el mundo de Verdi. La interacción de estos musicos alcanza niveles magníficos creando una musica de gran belleza.

Dieter nos da claves sobre la música de ‘Parsifal’ que la acerca a la de Verdi para demostrarnos que no están tan lejanos en el estilo.

Como ejemplos: La melodía del preludio de ‘Parsifal’ es similar a la del famoso solo de contrabajo cerca del final del ‘Otello’ de Verdi.

Wagner parece que completó muchas partes de ‘Parsifal’ durante sus viajes a la tierra natal de Verdi. De hecho, acabo muriendo en Venecia.

También comenta Dieter que los dos utilizaron viejas melodías y temas populares europeos que les sirvieron de común inspiración.

La grabación contiene lo que Dieter llama sus variaciones sobre la opera de Richard Wagner con el añadido de la pieza ‘Sehnsuch’ sobre música de Ludwing van Beethoven que no es otra cosa que una bella y sentida versión de la ‘Oda a la alegría’.

Con todo este material, Ilg lo que ha hecho es no revisionar ni reinventar en demasía, como Eric Schaefer en su grabación, sino que más bien ha dirigido la música con calma y sosiego hacia donde el quería.

Tenemos delante un bello disco que creo gustará por igual a los amantes de la clásica que verán conservadas básicamente sus esencias como a los aficionados al jazz que sabrán encontrar las suficientes dosis de improvisación y estilo propio como para disfrutar gustosos de la música ofrecida.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2013/04/dieter-ilg-%E2%80%98parsifal%E2%80%99/

Track Listing – Parsifal

01. Zum Raum wird hier die Zeit (5:15)
02. Glocken (3:55)
03. Parsifal (4:18)
04. Morgengebet (4:36)
05. Ich bin ein reiner Tor (4:49)
06. Zaubergarten (6:32)
07. Amfortas (4:34)
08. Unerhörtes (4:01)
09. Herzeleid (0:44)
10. Kundry (4:23)
11. Von Welt zu Welt (5:37)
12. Klageruf (3:33)
13. Sehnsucht (3:44)

Artist List en ambos discos

Dieter Ilg: bass
Rainer Böhm: piano
Patrice Heral: drums

Apunte: Además de ser una música de gran belleza, como destaca I. Ortega en su reseña, también tiene el don de ser sanadora. Sin estridencias, sin apuros, con exquisitos toques, abraza al alma fraternalmente. Ambos, altamente recomendables.

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Andreas Heuser
noviembre 12, 2014, 12:04 am
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tapa Northern Plains
Northern Plains (2005)

Andreas Heuser es un viajero entre diferentes mundos musicales. Mientras construye los diversos fondos musicales, él crea una frontera que desafía a la mixtura con su trabajo solista en la guitarra y lleva al oyente en un viaje musical a territorios desconocidos. „Guitarrista que explota todos los géneros“ (WAZ Dortmund)
Autodidacta, entrenado en guitarra clásica y de jazz, años de prácticas involucrados con música no europea (principalmente música de medio oriente), fueron las etapas de su desarrollo musical que influyeron en su técnica, así como en sus composiciones. Es un compositor único, un músico hábil e improvisador que utiliza un amplio espectro de técnicas y expresiones.
El rango de instrumentos que utiliza es impresionante: guitarras clásicas de 6 y 10 cuerdas, guitarra de 8 cuerdas de acero, requinto, glissentar, guitarra eléctrica y violín eléctrico. El rango adicional de las guitarras de 8 y 10 cuerdas, y el tono alto del requinto, abren el habitual sonido de la guitarra lo que le permite ampliar sus posibilidades técnicas y composición.
Con su variada y brillante técnica, él funde elementos de fuentes clásicas, jazzísticas, orientales y latinoamericanas en algunas composiciones únicas: rítmicamente atrapantes, líricamente meditativas; realzadas por apasionantes improvisaciones. Las características de sus actuaciones en vivo son la excelente calidad de sonido y el hábil uso de la electrónica que le permiten presentar una variedad sonora, desde la suave caricia a las cuerdas a las erupciones percusivas. Su dúo con Kazim Calisgan y sus ensambles tocando con Transorient Express, Nefes in Motion y Violet Quartet amplían aún más su estilo.

Fuente para la reseña: http://www.andreasheuser.com/andreas_e.html

Apunte: Hace un par de años atrás llegó a mis oídos Northern Plains, del guitarrista Andreas Heuser y disfruté durante un buen período de tiempo de su audición. En ese momento encontré reseñas en alemán de este disco y no logré conseguir quien me las tradujera. Pasaron los días de la vida, y se fue quedando relegado, pero no fue quitado de la carpeta “Borradores”. Haciendo back-up de la PC lo encontré hoy, me puse a escucharlo y ratifiqué lo que sentí en ese momento. Northern Plains es un GRAN disco. Apenas acompañado por puntuales y estratégicas intervenciones de tres artistas invitados, Heuser exprime el jugo a sus composiciones, influenciadas tanto por la world music como por elementos de la música clàsica, optimizando el uso de las posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos que ejecuta. Todo esto sin dejar de lado la sensibilidad a la hora de transmitir vida en su música. Heuser vive en Dortmund, Alemania y actúa regularmente en el club de jazz y música contemporánea “domicil”, llevando a cabo encuentros musicales de world music con artistas de diferentes latitudes o tocando con la banda Transorient Express o Andreas Heuser-Jan Bierther Quartett. Ah! me olvidaba: la versión de “Beautiful Love” es una de las más bonitas que he escuchado. Saludos!

Track Listing

01. Presto Pressante (3:09)
02. Arrival At Eight (4:49)
03. Blue (4:29)
04. Karadeniz (5:32)
05. Your Song / Beautiful Love (3:33)
06. Lea (5:40)
07. Duolog (4:27)
08. Triple Talk (5:16)
09. Prelude Oriental (2:17)
10. Northern Plains (4:24)
11. Nautilus (3:41)

All compositions by Andreas Heuser, except: Beautiful Love (King/van Alystine/Young/Gillespie) and Karadeniz (trad./arr.: Andreas Heuser)

Artist List

Andreas Heuser: 10-string and 6-string classical guitars , 8-string steelstring guitar, requinto, octave guitar, kalimba, percussion
Guest musicians:
Raul SenGupta: tabla (tracks 2/4/6/8/10)
Ertugrul Coruk: tenor and soprano saxophone (tracks 6/10/11)
Christian Kappe: flugelhorn (track 2)

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John Zorn

tapa The Mysteries
The Mysteries (2013)

En The Mysteries, el compositor John Zorn reúne al trío de la arpista Carol Emanuel, el vibrafonista Kenny Wollesen y el guitarrista Bill Frisell para otro capítulo en su creciente cuerpo de grabaciones de cámara influenciadas por mitos y el misticismo. La primera grabación del grupo fue en el 2012, “The Gnostic Preludes: Music of Splendor”. La intimidad de aquellos trabajos es conservada aquí, pero el sabor es diferente. En el álbum anterior, donde las composiciones se tocaban de una pieza (así eran) -sin importar su diversidad estilística- las melodías aquí vagan un poco más lejos. Además, donde Emanuel era el centro indiscutible del trabajo en The Gnostic Preludes, aquí es Frisell quien adquiere ese rol en estos nueve cortes. La interacción entre el guitarrista y Emanuel en la intro de “Sacred Oracle”, la apertura del álbum, es inquietante, repetitiva, minimalista, durante los primeros dos minutos. Frisell busca el margen de la progresión de Emanuel y se mete dentro. El tema cambia y Wollesen entra con vibráfono y campanas, pero esta vez es Frisell el ajuste de la melodía. Mientras “Dance of Sappho” comienza con el arpa en melodía modal que parece antigua, el guitarrista, con solo un indicio de reverberación, pasea por los bordes de la música country e incluso de la música surf, así como Wollesen toca en agudo, cambiando ritmos en el registro superior medio de su instrumento. “Ode to the Cathars” abre como una abstracta, casi ambient pieza, con el controlado, espaciado, sustain de la guitarra de Frisell. Pero Wollesen y, a continuación, Emanuel, entran ofreciendo un pulso que finalmente se transforma en una de las más bellas melodías del registro. El cierre “The Nymphs” es el corte más largo de este set, cercano a los 11 minutos. Liderado por Frisell, esto se mueve por frases esqueléticas hacia un pos-minimalismo, pero cruza aquella línea también. Esto es aireado y aún temperamental, pleno de vueltas nudosas y turnos melódica y armónicamente como modos menores, contrapunto, y temas en miniatura, alternativamente, lo afirman -especialmente cuando Frisell decide encapricharse en las codas. The Mysteries es otra faceta del fino trío de este personaje, que elegantemente y aún con mucha curiosidad interpretan estas hermosas piezas del compositor. Su interacción está en tal alto nivel, que se siente casi instintivo.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/john-zorn-the-mysteries-mw0002491073

Track listing – The Mysteries

1. Sacred Oracle (5:35)
2. Hymn Of Naasenes (5:05)
3. Dance Of Sappho (4:05)
4. The Bacchanalia (2:57)
5. Consolamentum (5:48)
6. Ode To The Cathars (6:55)
7. Apollo (3:28)
8. Yaldabaoth (3:54)
9. The Nymphs (10:49)

Artist List

Kenny Wollesen: vibraphone, bells
Bill Frisell: guitar
Carol Emanuel: harp

tapa In Lambeth
In Lambeth : Visions From The Walled Garden Of William Blake (2013)

Cuando escuché The Gnostic Preludes por primera vez, describí la música como un exhuberante escenario submarino, “con caballitos de mar, peces payasos, peces disco, ídolos moros y peces mandarines”, una idílica utopía, un mundo que casi supera la belleza. Lo mismo va para su segundo proyecto, el álbum The Mysteries.

In Lambeth, de The Gnostic Trio de John Zorn (por primera vez tienen su propio nombre) trae a Bill Frisell (g), Carol Emanuel (arpa), y Kenny Wollesen (vib, campanas), pero el trío se ve reforzado por Ikue Mori (electrónica), que añade un nuevo color a su sonido. Si bien los dos primeros álbumes fueron líricos y alegres, casi pura poesía, Mori esparce una nota sombría y oscura al mundo que aquí es representado. Pero en la primera pista, “Tiriel”, Frisell, Emanuel y Wollesen abren con la familiar atmósfera que a los fans de este trío nos gustó tanto, celebrando las obras de William Blake, el romántico poeta y filósofo, a quien Zorn ya honró con su álbum “A Vision in Blakelight” el cual forma parte de su serie “21st Century Mystical Works”

Otra vez Zorn procesa fuentes filosóficas y en este álbum combina a Blake, el misticismo natural y el gnosticismo para crear un inocente y transcendente bosque encantado. Él usa simples melodías como en “Through the Looking-Glass” o un enfrentamiento entre acordes medievales del arpa, las notas bien colocadas del vibráfono de Wollesen y las líneas folk de Frisell como en “The Ancient of Days”, la mejor pista del álbum, porque los tres se azuzan el uno al otro en el frenesí musical.

Dos pistas ilustran un acercamiento ligeramente diferente en la música del trío: “The Night of Entharmon’s Joy” destaca a Frisell en una -para los standards del Gnostic Trio- guitarra muy distorsionada “The Minotaur”, en la cual Ikue Mori interviene la arena. Parece como si la pista fuera de un álbum diferente, como si hubiera una tormenta en formación. La electrónica de Mori también influye en otros instrumentos y la música más bien se parece a las nuevas composiciones musicales clásicas de Zorn o la banda sonora de un filme expresionista.

Si a usted le gusta los otros trabajos de Zorn en este campo, no se equivocará con este

Fuente para la reseña: Martin Schray para http://www.freejazzblog.org/2014/03/the-gnostic-trio-john-zorn-in-lambeth.html

Track Listing – In Lambeth

1. Tiriel (4:57)
2. A Morning Light (4:45)
3. America, a prophecy (6:17)
4. Through the Looking Glass (3:55)
5. The Ancient of Days (6:55)
6. Puck (3:35)
7. The Minotaur (3:25)
8. The Night of Enitharmon’s Joy (4:55)
9. The Walled Garden (4:32)

Artist List

Carol Emanuel: Harp
Bill Frisell: Guitar
Kenny Wollesen: Vibraphone, Bells
Ikue Mori: Electronics

Apunte: Hoy es un día difícil. Me asalta (más que cualquier otro día) la ausencia de La Bestia Políglota. Para estos días en que las sombras parecen oscurecernos el alma, el refugio, el abrazo invisible, la tibieza en el corazón, la calma, al menos en mi caso, llega con la música. Ciertamente hay infinitas obras que pueden obrar ese milagro, pero elegí estas de The Gnostic Trio porque son las que obsesivamente vengo escuchando en el último tiempo. Música curadora, contra todos los males de este mundo.

Password en ambos casos: presoventanilla



Ketil Bjørnstad

tapa Seafarer's Song
Seafarer’s Song (2004)

El folleto interior de Seafarer’s Song del pianista y compositor noruego Ketil Bjørnstad comienza con una pequeña declaración del autor español Juan José Millás sobre la grave situación del realmente naufragado, el arruinado en nuestras tiempos postmodernos, donde los mensajes de angustia no vienen en botellas, pero si dentro de los reales cuerpos humanos de los refugiados. Esto habla sobre la música incluída aquí. Bjørnstad nos da otro álbum sobre el agua, algo que él ha hecho desde el inicio de su carrera solista para ECM, pero él aquí lo ha hecho de un modo completamente diferente. No hay jazz en Seafarer’s Song, y si; esto es más. Utilizando su banda de largos años, la cual incluye al trompetista Nils Petter Molvær, al guitarrista Eivind Aarset, al baterista Per Lindvall, al bajista Bjorn Kjellemyr, y al violonchelista Svante Henryson, Bjørnstad eleva la apuesta, empleando a la brillante y no convencional vocalista Kristin Asbjørnsen, cuya asombrosa voz camina por el filo del cuchillo entre el gruñido ronco de Kim Carnes y el fraseo jazzero de Victoria Williams. En resumen, Seafarer’s Song es un álbum de rock, aunque de una música rock que nadie ha oído antes porque se inicia en el espíritu del jazz. Bjørnstad ha basado sus letras en los poemas, ensayos y novelas de Homero, Emily Dickinson, Giles Tremlett, Helen Hunt Jackson, Shakespeare, Oscar Wilde, Emily Bronte y Rudyard Kipling. Estas son canciones con el mar en sus corazones, tanto como literal transporte y geográfico y espiritual terreno, y como metáfora de transformación, dislocación, disolución, y redención. La música aquí se arremolina, da vueltas, y ondula, su pulso siempre detectable en la deriva del movimiento y dinamismo, en aquellos momentos en los cuales el caos de un violoncelo fuera de control se encuentra con el sutil lavado de guitarra ambient como en “Tidal Waves”, o en el tiempo de los tambores y guitarras en medio del zumbido modal de las líneas de piano en “He Struggled to the Surface”. Y a travez de todo esto, la voz de Asbjørnsen se eleva por encima, y empuja al oyente dentro de la vorágine que es la esencia de esta música. Pero aquella caótica tensión es balanceada por el otro corazón de esta música: la paz que habita en la profundidad del sonido, de la nostalgia que nos dice que somos humanos, de la aceptación (el dúo de piano y voz que está en “How Sweet the Moonlight Sleeps Upon This Bank”). Las nociones de esperanza, decepción y desaparición flotan y pican la música y las líneas líricas en estas canciones, hasta los dos tracks finales, donde “I Many Times Thought Peace Had Come”, que llama a una promesa y la anula, sólo para comenzar a construir, una vez más, como el violonchelo canta canciones de cada uno de los refugiados desde tiempos inmemoriales. Y el susuro de gracia del piano de Bjørnstad en “Night Is Darkening Around Me”, por Bronte, es un cuento de resolución y un rezo para el rescate. El álbum de algún modo solo se desvanece en el silencio, llevando en su estela el peso, la promesa, y el dolor del desplazado quien busca, contra toda esperanza, un lugar de refugio. Seafarer’s Song es impresionante como obra musical, valiente y resuelta en su visión, y tiene la capacidad de mover a un oyente desde la indiferencia a la empatía y maravilla.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/seafarers-song-mw0001334607

Texto “El mensaje”, de Juan José Millás publicado en el diario El Pais, el 12/09/2003, incluído en las liner notes del disco:

De niños, buscábamos en la playa una botella con un mensaje dentro porque se nos había metido en la cabeza que uno venía al mundo para salvar a un náufrago. No imaginábamos que de mayores, en lugar de encontrar la botella, encontraríamos al mismísimo náufrago. Y no sería uno, sino miles. Ahí están, llegan todos los días a nuestras costas, procedentes de países que se han ido a pique y por cuya borda han logrado saltar en el último instante. Algunos llegan muertos y no nos dejan otra oportunidad que la de enterrarlos, pero los vivos tienen todo lo que se espera de un verdadero náufrago: hambre, sed, pánico, fiebre, frío. Llevamos toda la vida esperándolos y ahora no somos capaces de reconocerlos. A lo mejor resulta que nos conmueve más un grito de socorro escrito en un papel que salido de la propia garganta del desventurado.

De hecho, si encontráramos el mensaje de un náufrago dentro de una botella, nos pelearíamos parar dar con él para contar su historia en exclusiva. Las empresas de alimentación, de ropa, de ocio y de informática pagarían enormes sumas de dinero para apropiarse del cuerpo del infeliz, de modo que la noticia de su salvamento quedara unida para siempre al logotipo de su marca. Los políticos desbaratarían sus agendas para entregar al desdichado las llaves de la ciudad y proveerle de la documentación precisa para que circulara sin problemas. Por fin, dirían algunos, hemos hallado al náufrago cuya salvación justificaba nuestra vida.

En lugar de eso, los burocratizamos con una eficacia tal que cuando la marea abandona sus cuerpos en la playa han dejado de ser personas con una biografía dentro (con dos, en el caso de las mujeres embarazadas) para convertirse en un objeto de consumo de las leyes. ¿Qué diríamos de alguien que frente a una catástrofe natural se pusiera a legislar la catástrofe en vez de acudir en ayuda de los damnificados? Pues eso es lo que están haciendo los políticos: negociar el modo de regular los naufragios, lo que, además de ser una locura, no soluciona el problema, ni siquiera lo alivia. Mientras los cuerpos de los náufragos que han venido a salvarnos se amontonan en el depósito, aún seguimos buscando la botella.

Apunte. El disco “La Notte” fue la puerta de acceso que abrimos al universo musical del pianista y escritor noruego Ketil Bjørnstad, quien tiene una extensa discografía y es uno de los músicos que mejor representa el sonido ECM. Seafarer’s Song es distinto a lo que Bjørnstad hace en ECM, fundamentalmente porque está la entrañable voz de Kristin Asbjørnsen. Pero además hay una banda que vendría a ser un seleccionado de galácticos nórdicos, donde se destacan Svante Henryson en el violonchelo y Eivind Aarset con su guitarra noise y sus efectos, la cual viene como anillo al dedo para la voz ronca de Asbjørnsen. Letras inspiradas en leyendas de la literatura, una buena y humanista intención de denuncia de alguna de las tantas injusticias de este mundo, un pianista casi clásico como Bjørnstad, con músicos que han venido desarrollando la veta del nu-jazz, la electrónica fusionada con el jazz y el ambient (Nils Petter Molvær, el propio Aarset), hacen de Seafarer’s Song un disco emotivo, atractivo y de borrosos límites, como la lenta bruma que da en los muelles.

Track Listing

01. Seafarer’s Song (2:30)
02. He struggled of the surface (6:27)
03. Dying to get to Europe (3:58)
04. Orion (4:48)
05. Tidal Waves (6:08)
06. How sweet the moonlight sleeps upon this bank (3:44)
07. Navigator (5:18)
08. Ung forelsket kvinne (5:41)
09. The Beach (3:40)
10. Her Voice (5:40)
11. Dreaming of the north (5:41)
12. I had been hungry, all the years (2:42)
13. The exile’s line (3:47)
14. When police came they also hit me (4:13)
15. Refugees at the rich man’s gate (6:22)
16. I many times thought peace had come (3:46)
17. The night is darkening round me (5:53)

Music by Ketil Bjørnstad
Music arrangements by the group
Words by Homer/E.V.Rieu, Ketil Bjørnstad after Rory Carroll and
Giles Tremlett, Helen Hunt Jackson, William Shakespeare, Stein Mehren,
Oscar Wilde, Emily Dickinson, Rudyard Kipling and Emily Jane Brontë

Artist List

Ketil Bjørnstad: piano, keyboards
Kristin Asbjørnsen: vocals
Nils Petter Molvær: trumpet
Svante Henryson: cello
Eivind Aarset: guitar
Bjørn Kjellemyr: bass
Per Lindvall: drums

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