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Absence (2018)
Con un don para la textura y la improvisación, así como una gran capacidad para comprender la forma y la estructura, el pianista estonio Kristjan Randalu, un ex alumno de John Taylor y Django Bates, establece su propia postura dramática cargada de profundidad en su disco debut en ECM, Absence. La obra comprende nueve originales para trío rigurosamente estructurados, que combinan jazz, vanguardia, composición clásica y moderna con un toque cuidadosamente cultivado. Completan la banda el guitarrista estadounidense Ben Monder, un pilar en la escena de Nueva York, y el baterista finlandés Markku Ounaskari, cuyos cortes templados califican a la perfección para tonificar la capa inferior.
«Forecast» se inicia como una reflexión pianística de rubato, que se convierte en una continuidad galopante. La impetuosidad rítmica, que adquiere una dimensión diferente con la espaciosa guitarra de Monder, se interrumpe más tarde para que el guitarrista pueda expresar su hermoso lirismo sobre la discreta batería. Randalu también ofrece un momento colorido, transmitiendo una ligereza impresionante, incluso cuando se utilizan secuencias rápidas de notas para delinear su lógico fraseo.
«Lumi» tiene dos variaciones. En el primero, los soplos de platillos de Ounaskari tienen la compañía de un piano disperso, luego se unen enigmáticos y parpadeantes acordes de guitarra. Monder se embarca en un impresionante toque de guitarra, mientras desliza armonías, contrastando con el líder de la banda, quien, momentos después, interviene con barridos melódicos y movimientos de fuga para lograr una textura muy unida.
«Sisu» trae las progresiones armónicas bien definidas de una canción pop, moldeada, sin embargo, con refinamiento erudito. El flujo obedece a una simple triple métrica y los tonos de ensueño rivalizan con la amable «Adaption II», donde el piano y la guitarra trabajan hombro con hombro sobre una articulación de platillos de bajo perfil.
La ambigüedad inicial y el misterio de «Escapism», cuya tensión es creada por las notas agudas de Randalu en oposición a remolinos instantáneos de tonos profundos, se detiene por completo para lanzar una sección final melódica relajada adornada con tambores cepillados. Si esta pieza te pone un poco incómodo al principio, «Adaption I» es siniestro, con su oscura mezcla de vibraciones misteriosas de guitarra y espirales de piano flotantes. Antes de que la canción principal cierre la grabación en contemplación pacífica, el métrico de 3/4 «Partly Clouded» avanza con un riff de piano perpetuo que se mueve entre registros con agudeza ágil. La guitarra ruminativa es bastante descriptiva y sus carreras rápidas causan lujuria. A su vez, el pianista descubre líneas punzantes con un sentimiento auténtico, extraído de los vocabularios clásico y del jazz.
Este trío, cuyos miembros no son imitadores sino constructores de su propio lenguaje, adopta la disciplina y encuentra coherencia en el ensamblaje de su estética musical.
Fuente para la reseña: Filipe Freitas para https://jazztrail.net/blog/2018/4/2/kristjan-randalu-absence-album-review
Apunte: El pianista estonio Kristjan Randalu, discípulo de los pianistas británicos John Taylor y Django Bates, se une nuevamente a Ben Monder luego de aquel primer muy feliz encuentro que quedó registrado en el álbum «Equilibrium» (2012, Fresh Sound Records), que supimos publicar en MQC/PV hace un tiempo atrás. Al dúo, se le suma el baterista Markku Ounaskari, a quien Randalu conoce bien por haber trabajado juntos en el proyecto «Helsinki Songs» de Trygve Seim. En Absence el paisaje sonoro que crean Ounaskari y fundamentalmente Monder (como pez en el mar), rodea al piano trayendo un rico tapiz de sonidos que permiten que la música fluya, incluso en momentos donde parece presentarse un enfoque más free: allí el trío vuelve a una disciplina colectiva que asegura que las composiciones siempre se mantengan enfocadas. Para escuchar y disfrutar atentamente.
Track Listing
1. Forecast (9:34)
2. Lumi I (5:09)
3. Sisu (4:52)
4. Lumi II (3:23)
5. Escapism (6:07)
6. Adaption I (3:07)
7. Adaption II (5:54)
8. Partly Clouded (5:13)
9. Absence (4:47)
Artist List
Kristjan Randalu: piano
Ben Monder: guitar
Markku Ounaskari: drums
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Book of Hours (2019)
Te daré un vistazo detrás del telón de como opera Vinyl Anachronist: obtengo música de los sellos de jazz y obtengo música de los sellos de indie rock. Los dos mundos rara vez chocan. Cuando recibí Book of Hours de Gregg Belisle-Chi por correo, no estaba seguro de qué mundo estaba siendo representado. Gregg Belisle-Chi, un guitarrista con sede en Brooklyn, tiene un sonido en Book of Hours que cierra la brecha, pero de una manera que se inclina fuertemente hacia el indie rock, con sus fuertes dosis de guitarra eléctrica y un cuarteto que incluye al bajista Matt Aronoff, el baterista Michael W. Davis y al organista de Wurlitzer Dov Manski. Es un atuendo de rock despojado, aunque instrumental, y ni una sola vez pensé «oh, esto es jazz».
Gregg Belisle-Chi ha tocado con Bill Frisell, y quizás esa sea la clave. Frisell siempre se ha sentado a horcajadas sobre esa cerca, a veces saltando hacia abajo a ambos lados y corriendo un poco antes de volver a saltar. Obviamente, Belisle-Chi está influenciado por esta estética, haciendo música que encaja entre géneros, y con suerte se exprime en un pequeño y bonito lote vacante propio, al menos con Book of Hours. En el pasado, Belisle-Chi ha hecho muchas cosas diferentes. Su primer álbum, «Tenebrae» , fue compuesto para guitarra y voz, y la continuación, «I Sang to You and the Moon», presentó guitarra, voz, bajo y trompeta. Book of Hours se concibió originalmente como un álbum para un conjunto de jazz / cámara de nueve piezas. No voy a dudar de las elecciones de Belisle-Chi aquí, pero algo me dice que la versión podría no haber sido tan original e inesperada.
Book of Hours está organizado como una suite de ocho partes «basada en el texto y la historia de la misa ordinaria», que se refiere a una misa que se realiza en momentos en que la ocasión real no es importante. (No soy católico, así que sí, tuve que «Wiki» eso.) Ese concepto parece muy distante de la ejecución, ya que gran parte de esto suena como un cuarteto de rock apretado, improvisando aquí y allá. Los movimientos individuales están etiquetados correctamente: kyrie, gloria, credo, sanctus , etc., y ahí es cuando comienzas a sentir los temas recurrentes que podrías experimentar en una misa. Cada movimiento refleja el espíritu y el estado de ánimo de cada una de esas partes tradicionales, algo que debe parecer aún más obvio para aquellos que tienen más conocimiento sobre las masas católicas que este pagano impío.
Afortunadamente, Book of Hours de Gregg Belisle-Chi no requiere que te conviertas para entender. Tomado al pie de la letra, este es un álbum impresionante de jazz-rock que nunca es aburrido, incluso en sus momentos más reflexivos. Al igual que con Frisell, Gregg Belisle-Chi es un músico que puede extraer una cantidad máxima de emoción a partir de un mínimo de técnica llamativa. El Wurlitzer de Manski es un contribuyente vital, que trae consigo gran parte del misterio que sentimos de la parte sagrada de las masas, esa sensación de estar rodeados de espíritus y fantasmas y cosas que nunca entenderemos. Book of Hours se suma a ese sentido divino de singularidad, de algo que no presenta respuestas fáciles, sino una multitud de excelentes preguntas.
Fuente para la reseña Marc Phillips para https://parttimeaudiophile.com/2019/03/28/gregg-belisle-chi-book-of-hours-the-vinyl-anachronist/
Apunte: Book of Hours habita un lugar donde la improvisación y la composición se encuentran y conviven jazz, rock, prog, indie y lo clásico. Belisle-Chi puede tocar con suma destreza y sensibilidad momentos muy delicados y otros bastante más crudos, sin perder el equilibrio; un equilibro entre lo ligeramente cerebral y un mesurado lirismo. Book of Hours es una obra de arte cuidadosamente elaborada e impecablemente ejecutada
Track Listing
1. Aurora (2:56)
2. Kyrie (6:51)
3. Zuhr (2:34)
4. Gloria (12:17)
5. Credo (6:20)
6. Dusk (4:33)
7. Sanctus (6:36)
8. Agnus Dei (7:12)
Artits List
Gregg Belisle-Chi: guitar
Dov Manski: Wurlitzer
Matt Aronoff: electric bass
Michael W. Davis: drums
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Reverso: Suite Ravel (2017)
En la primera parte del siglo XX, muchos compositores clásicos se apresuraron a etiquetar y descartar el jazz como un entretenimiento discreto. El francés Maurice Ravel, sin embargo, no era uno de ellos. Abrió por completo su mente y oídos a la música durante una visita a los EE. UU. En 1928, revisó la escena en el Savoy Ballroom y visitó el Cotton Club para escuchar la banda de Duke Ellington. Ravel se apresuró a alabar lo que encontró, y el jazz finalmente influiría en varios de sus trabajos posteriores. Ahora, en una inversión que demuestra cómo los poderes de la inspiración dan vueltas, el trombonista Ryan Keberle y el pianista Frank Woeste tocan la médula de su música.
Keberle y Woeste usan Le Tombeau de Couperin de Ravel como su material de semilla, trabajando con su ADN y aprovechando sus propias sensibilidades creativas para desarrollar algo nuevo que aún pague sus deudas y haga referencia a preceptos estructurales asociados con la forma suite de influencia barroca de la composición. «Ostinato (Prelude)» abre el álbum y prepara la escena combinando motivos pulsantes, largas líneas pictóricas, campos abiertos y declaraciones puntillistas en un conjunto fascinante. «All Ears (Fugue)» es una de varias obras importantes que destacan el parentesco tonal entre el violonchelo de Vincent Courtois y el trombón de Keberle; «Alangui (Forlane)» asiente para frenar el baile cortesano; «Mother / Nature (Rigaudon)» proyecta una sensación de anhelo a través de su flujo refinado y sentimientos brevemente dispersos; y «Sortilège (Menuet)» se ejecuta en los ritmos del baterista Jeff Ballard y las expresiones extrovertidas de Courtois.
«Ancient Theory (Toccata)», aunque no aporta finalidad al álbum, constituye el último movimiento de la suite. A través de sus pasajes de aserrado de 7/4 y sus secciones de 6/4 triunfantemente amplias, también pinta la imagen más completa e integrada de este cautivador cuarteto de cámara. Al casar con éxito la influencia clásica y la intención del jazz, Keberle y Woeste triunfan donde tantos otros han fallado. Un seguimiento de este cuarteto es ciertamente necesario.
Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para https://jazztimes.com/reviews/albums/ryan-keberle-frank-woeste-reverso/
01. Ostinato (Prelude) (6:51)
02. Luminism (4:58)
03. Impromptu 1 (1:28)
04. All Ears (Fugue) (7:59)
05. Alangui (Forlane) (4:39)
06. Dialogue (4:38)
07. Mother / Nature (Rigaudon) (6:25)
08. Impromptu II (2:12)
09. Sortilège (Menuet) (4:40)
10. Ancient Theory (Toccata) (5:16)
11. Clair Obscur (5:00)
Artist List
Frank Woeste: piano
Ryan Keberle: trombone
Vincent Courtois: cello
Jeff Ballard: drums
Reverso: The Melodic Line (2019)
Ryan Keberle puede ser uno de los trombonistas de jazz más innovadores en un sentido experimental. Aquí está con el pianista francés Frank Woeste al frente de su banda Reverso.
El énfasis en esta ocasión está menos en la innovación obvia, más en la pintura del estado de ánimo en torno a un repertorio distintivo que se inclina hacia una composición fresca.
El estilo alcanzado por Reverso en The Melodic Line es el jazz de cámara, lo que significa un sonido en gran parte acústico que abarca la disciplina de la música de cámara clásica y aplica para medir el lenguaje de la improvisación de jazz. El resultado es ciertamente una amalgama muy accesible. ¿Caerá su atractivo de una manera más relatable entre los fanáticos clásicos que los de jazz? Mi conjetura es que lo hará. Sin embargo, los puristas en ambas áreas pueden dar un paso atrás para aceptar completamente los resultados.
Keberle y Woeste han interpretado a Ravel antes y aquí se rodean, a menos de un millón de millas de distancia, en el fascinante mundo de Les Six, compositores franceses de principios del siglo XX cuyos miembros incluían a Darius Milhaud (quien influyó masivamente en Dave Brubeck), Francis Poulenc, Arthur Honneger y Germaine Tailleferre.
Lleno de impresionismo, Woeste se concentró en una suite de piezas de piano de inspiración popular de Milhaud, ‘Saudades do Brasil’. Sin embargo, Tailleferre inspiró a Keberle, que se concentró en ‘Impromptu’ y ‘Pastorales’ para piano solo, entre otras piezas, para aprovechar sus nuevas composiciones. ‘Absinthe’ tiene una línea de piano que suena un poco a algo que Brad Mehldau elaboró en Highway Rider, por lo que para los oídos del jazz también puedes localizar el sonido más allá de las principales inspiraciones. (En realidad Mehldau estaba en ese trabajo mucho más liberador inspirado por Brahms).
El violonchelista Vincent Courtois agrega mucho color, pero su papel es secundario al diálogo central trombón-piano. El sonido general tiene una sensación satisfecha y soñadora. Dicho esto, todo el efecto no es particularmente apasionante. Esto no es música de fiesta a menos que tu idea de una fiesta sea una buena taza de té, un trozo de tarta y una cama a las nueve. Sin embargo, el álbum recompensa escuchar atentamente por su alto nivel de maestría musical y, especialmente, en mi selección favorita general ‘Montparnasse’ que presenta una inclinación ligeramente diferente, casi un ambiente electrónico creado a través de arpegios sostenidos y lapeados hábilmente, y suena más moderno momentáneamente.
En general, nosotros, como oyentes, nos encontramos más en un entorno de tipo de montaje de sonido donde la música puede retirarse a un espacio cálido y difuso, pero no involucra más que una sensación de mirar por la ventana viendo pasar el mundo. The Melodic Line es más pastoral paisajístico que expresionismo abstracto.
La falta de ruidos y suavidades contrastantes y muy poco cromaticismo significa que esta es una escucha fácil. El álbum depende de lavados de volumen cómodo, pero podría tener más de una sensación de ataque. Mirando el álbum en la ronda, el excelente instrumentalismo está a su favor. Menos de un punto positivo es la falta de compromiso directo dada la forma en que el melodicismo te hace cosquillas demasiado implacable como con una pluma (incluso una ‘blue’).
Fuente para la reseña: Stephen Graham para https://www.marlbank.net/posts/reverso-the-melodic-line-out-note/782
Track Listing – The Melodic Line
1. Blue Feather (4:17)
2. Exemplar (7:24)
3. Up North (4:51)
4. Montparnasse (4:18)
5. Absinthe (5:53)
6. Sisters Of Mine (4:19)
7. L’arlequin lunaire (6:27)
8. Major Jack (4:28)
9. Clara (5:02)
Artist List
Frank Woeste: piano, compositions #1, #4, #5, #7 y #9
Ryan Keberle: trombone, compositions #2, #3, #6 y #8
Vincent Courtois: cello
Apunte: Música de cámara, sobria, melódica, bellamente pensada y, sobre todo, tocada a la perfección. En general, la circularidad de las melodías son el vehículo eficaz para las improvisaciones, que nunca enloquecen, logrando momentos deslumbrantes de una vivacidad cautivadora; sin dudas, son álbumes contra todos los males de este mundo, traen paz y sensación de bienestar, arrastrando al oyente a la escucha profunda una vez más.
Password en ambos casos: presoventanilla
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La danza di Uaio il pesce (2005)
Desde hace algún tiempo para el sello Itinera, este CD a dúo del pianista napolitano de treinta y cinco años, Luca Urciuolo y el baterista de Caserta Mauro Smith, de cuarenta y cinco años, es una de las sorpresas más interesantes de la música. Italiana en los últimos años.
El álbum, toda música original firmada por Urciuolo, es en verdad valiente e intenso, narrativo pero no linealmente melódico, centrado en la expresividad torrencial del pianista, para quien la batería actúa como un alter ego dialógico, mucho más que un soporte rítmico.
El papel del ritmo en las tramas dibujadas por el dúo es muy importante, pero al mismo tiempo difícil de descifrar. Urciuolo tiene una formación clásica, pero luego pasó a la música rock, para luego ir al jazz; Smith combina experiencias en el rock con instalaciones que combinan música, pintura y arquitectura; su colaboración tiene casi quince años (aunque este trabajo se grabó en 2001) y hace que esta versatilidad tome forma en un diálogo en el que el movimiento rítmico de las piezas cambia constantemente, se actualiza y se vuelve a proponer después de suspensiones abstractas o cambios de la atmósfera.
Casi todas las pistas son un ejemplo de este espíritu de vagabundo que explora solo territorios parcialmente conocidos. «Unicodoppio», que abre el CD, continúa, por ejemplo, durante tres minutos como viaje en ritmos mínimos pero continuos, variando los pasajes al teclado, para luego demorar unas pocas docenas de segundos en una lenta cascada de notas y comenzar de nuevo a dúo, esta vez, sin embargo, con un tema de fondo melódico, desarrollado sin una repetición en todas sus posibles implicaciones, hasta la solución de la tensión acumulada, en el octavo minuto; seguido de un último minuto de reflexión enrarecida.
«Studio n. 1” procede a un ritmo muy intenso que mezcla de moods árabes, atmósferas minimalistas y variaciones de jazz. «Chinaski» se encamina con sugestiones clásicas y luego se abre y se dilata y procede largamente con reiteraciones del tema y sus exploraciones suspendidas, de gran impacto, para luego encabritarse sobre tonos altos y ritmos en crescendo, con cataratas de notas, para concluir de nuevo sobre un relax soñado. Esplendido. «Lontano» es quizás la pieza más convincente, junto con el «Mantra» en vivo, pero también se desvanece varias veces en largos y reflexivos silencios, que se reavivan en los ritmos dictados por los tambores y se describen en un triunfo de notas cristalinas, que termina en un poderoso crescendo.
Un álbum realmente fascinante, una de las muchas perlas ocultas de nuestra vital y desconocida producción de jazz. Muy recomendable.
Fuente para la reseña: AAJ ITALY STAFF para https://www.allaboutjazz.com/la-danza-di-uaio-il-pesce-balance-point-acoustics-review-by-aaji-staff.php
Apunte: El compositor, pianista y acordeonista Luca Urciuolo y el baterista, arquitecto y artista visual Mauro Smith grabaron en el año 2001 y publicaron en el año 2005 La danza di Uaio il pesce, un hermoso disco que tiene como referencia histórica-cultural la música europea y mediterránea, y como desarrollo la improvisación, que debe ser entendida como una constante variación rítmico-melódica. «La colaboración con Mauro Smith, que ya había formado parte del grupo «Neroitalia», nació inmediatamente después de la experiencia provechosa del cuarteto. Tenga en cuenta que Smith es un baterista y, como tal, habría tenido que manejar el ritmo de apoyo del dúo y, en cambio, Mauro toca como otro músico, por lo que la melodía que sale de él es lo más particular que podemos esperar. Esta colaboración fue bastante interesante, ya que dio origen a un proyecto original que recibió mucho apoyo. Aunque Mauro y yo hemos sido definidos como un dúo experimental, quiero aclarar que la música que tocamos es muy comunicativa, abierta, con una melodía básica muy directa y comprensible. Cada pieza está hecha por el 30% de composición y el 70% de improvisación, y esta última es totalmente temática, es decir, aprovecha la vocación básica de la pieza y nos permite desarrollar nuevas armonías durante la presentación. Se trata de improvisación desnuda y cruda», esto le decía Luca Urciuolo a Lidia Borghi en un reportaje publicado en «Fresco di stampa» en Febrero de 2008. Que lo disfruten.
Track Listing
1. Unicodoppio (9:06)
2. Studio n. 1 (3:16)
3. Chinaski (9:01)
4. Il treno (9:24)
5. Lontano (10:58)
6. Si torcono (6:16)
7. Mantra (10:25)
8. Bassoventre (9:23)
Musicisti
Luca Urciuolo: pianoforte
Mauro Smith: batteria
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Pocket Rhapsody (2016)
Siempre me he preguntado cuál es la costumbre para ponerle nombre a los discos de jazz. Será representar un estado de ánimo quizás, o un recuerdo disparado durante su escritura, o el lugar donde fue grabado. Debe ser aún más desafiante cuando hay pocas (si alguna) letras.
En el caso del debut para el sello ACT de Frank Woeste (Pocket Rhapsody / Rapsodia de Bolsillo), el pianista alemán parece haber querido precisión. Antes de escuchar este disco, busqué el significado de rapsodia en Wikipedia: “dividido en episodios o capítulos y sin embargo integrado, de estructuras libres, presentando un amplio rango de estados de ánimo, contrastes, colores y tonalidades”
Vaya si acertó en el blanco con el título. Pocket Rhapsody contiene muchos (si no todos) estos elementos en sus diez temas y justamente es lo que lo hace un mejor disco. Está claro que no se conforma con tener dos temas similares de jazz de 2×4 como plataforma para construir el disco, incorporando nu-jazz, funk, improvisaciones, clásica y drum’n’ bass, aburrido no es. Y entra todo en un bolsillo, además.
El primer tema, “Terlingus”, es un funk de tempo lento, sostenido sobre los más ambientales acordes disonantes de piano hasta que la línea de bajo del teclado empuja respaldada por el repiqueteo del platillo high-hat del baterista Justin Brown. La línea principal de piano de Woeste es simple pero pegadiza, pero se desarrolla y extiende cuando es embellecida por el órgano Hammond mediante la pulsada directa en las cuerdas de piano.
Acorde con la descripción del título, el segundo tema, “Moving Light” da un giro de 90 grados: desenvuelto, en tonos mayores, recordándonos quizás un poco a la receta de Snarky Puppy con fuertes sonidos de bronces sobre un bajo sintetizado y teclados. Un tema agradablemente accesible, tiene sin embargo suficiente filo para asegurar que el oyente no siente demasiado confort.
Este disco es un poco como una tienda departamental. Cada piso, o tema, ofrece un rango dispar de ítems en oferta. En el tercer piso, “The Star Gazer” es todo pizzicato de cuerdas y una letra susurrada y climática de parte de su compañera de sello Youn Sun Nah. vanguardista y repleta de emoción por parte de la autora de la letra y cantante antes de moverse hacia una improvisación almibarada de piano, a esta altura el oyente comienza a entender que Woeste realmente se apega al tema del título del disco.
El mejor tema del disco es el cuarto, “Buzz Addict”, introducido por una secuencia simple de cuatro acordes en el órgano Hammond que parece homenajear al código decimonónico de Samuel Morse antes de que sonidos más tradicionales de piano y solos de batería aparezcan en cuadro, junto con un acompañamiento intrigante de la guitarra de Ben Monder. Tiene un ligero ambiente a aventura espacial, reflejando un viaje tremendamente excitante alrededor de un cosmos musical.
El resto del álbum es igual, las sorpresas están a la vuelta de la esquina. Al modo en que las autopistas son diseñadas con suaves curvas para evitar que los conductores se queden dormidos, la variedad en los temas aseguran que los oyentes no puedan sacar sus ojos de la ruta musical. El ambiente más interesante está en el octavo tema, “Nouakchott”, donde el trompetista Ibrahim Maalouf provee una transgresora paleta árabe que atrae la mente del oyente hacia visiones de dunas, wadis (cauces secos propios del clima desértico) y el barullo del mercado persa, en un tema escrito en viajes de Woeste a la región, financiados por el Instituto Goethe.
Este es un buen disco con un sonido transgresoramente idiosincrásico. No suena como cualquier otro de este momento y Woeste nos ha provisto con un disco que no necesariamente satisface catalogándolo como jazz. Es más que eso.
El disco tiene una de las tapas más linda que he visto en mucho tiempo, una colorida imagen del artista Terry Winters contra un fondo blanco puro. Es muy agradable, como la música en su interior.
Fuente para la reseña: Rob Mallows para: http://www.londonjazznews.com/2016/01/cd-review-frank-woeste-pocket-rhapsody.html – Traducción: Nicolobo Ramos!
Apunte de Nico: ¡Que discazo este Chelito! Uno de mis preferidos en el año 2016, y sigue girando. Un disco bien en la tradición MCQ/Preso (si es que algo así existe) en el sentido apuntado por el comentario de Rob Mallows: esto es algo más que jazz. Definitivamente está en esa línea que cruza muy satisfactoriamente distintos estilos tomando sin prejuicios lo que más le guste al autor de aquí y allá.
El comentarista utiliza muchas veces el término “ambiental” lo cual es muy apropiado porque este disco, más allá de alguna ráfaga aislada, no contiene grandes despliegues de virtuosismo (a pesar de que los músicos que participan son todos grandes ejecutantes de sus respectivos instrumentos), sino que se concentra en lograr lo que llamaría “momentos musicales”, esos en que el grupo está alcanzando un clímax, para disolverlo y volver a empezar con otro. Música también descripta como cinemática porque por momentos parece una banda sonora de películas, en ese sentido también participa de algo del mejor espíritu del rock progresivo (ausente el virtuosismo explícito y extremo, quedan los ambientes). El tema “Pocket Rhapsody” condensa bien el espíritu del disco, porque en el mismo se resume un poco todo lo que el disco es, en una suite de poco menos de nueve minutos. Y también cabe mencionar que este espíritu se ve apoyado por el uso (no tan habitual para las épocas actuales) de recursos típicamente “progresivos” como interludios, introducciones y hasta encadenando algunos temas entre sí (sin dejar silencios –o muy breves- entre ambos).
Hay que destacar la inteligencia de Woeste de rodearse de efectivos colaboradores, si bien las teclas tienen un amplísimo dominio en la paleta sonora del disco. Monder aporta sus clásicas intervenciones poco convencionales (siempre me pregunto en estos discos cuánto escribe el autor y cuanto espacio le deja a sus colaboradores). Y el batero Brown, una estrella en pleno ascenso (tocó ya en varios discos buenísimos, síganle la ruta que no los va a decepcionar…) le da al disco lo que éste precisamente necesita, sin pasarse de firuletes pero dándole sin descanso cuando hace falta. Y los colaboradores, que decir de ellos. Las cuerdas son muy importantes en este disco, no sólo cuando “pizzicatean” sino en distintas líneas que complementan lo que hace Woeste en el disco, y se lucen en la intro de “Nouakchott” una pieza fantástica en sí misma más allá del tema al que introducen y en la balada final “Melancholia”. Sólo me hubiera gustado escuchar un poquito más de Youn Sun Nah (Woeste fue el pianista de las primeras formaciones de la cantante), pero el tema en donde canta ella es una joyita que no tiene desperdicio.
El comentario sólo hace alusión a 4 o 5 temas, pero la verdad es que es todo muy, muy parejo, de alto nivel, siendo muy difícil destacar un tema sobre otro.
Para el que quiera verle las caras a los quías y se dé maña con el inglés o el francés (Woeste es un alemán que hizo su carrera principalmente en Francia), este video de ACT está bueno (y veo con alegría que coincide bastante con lo que se dice en todas estas líneas): https://www.youtube.com/watch?v=oQLeZMY59xo
Track Listing
01. Terlingua (Woeste, Frank) (6:16)
02. Moving Light (Woeste, Frank) (6:00)
03. The Star Gazer (Woeste, Frank / Nah, Youn Sun) (6:36)
04. Buzz Adidct (Woeste, Frank) (6:51)
05. Interlude (Woeste, Frank) (2:00)
06. Pocket Rhapsody (Woeste, Frank) (8:13)
07. Intro Nouakchott (Woeste, Frank) (1:39)
08. Nouakchott (Woeste, Frank) (7:50)
09. Mirage (Woeste, Frank) (5:39)
10. Melancholia (Woeste, Frank) (3:43)
Artist List
Frank Woeste: piano, Fender Rhodes, organ & bass synth
Ben Monder: guitar
Justin Brown: drums
Guests:
Ibrahim Maalouf: trumpet on 02 & 08
Youn Sun Nah: vocals on 03
Sarah Nemtanu: violin
Gregoire Korniluk: cello
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West (2014)
Vincent Courtois es hombre de imagen. No solo si piensa en la banda original del dibujo animado «Ernest et Célestine», la cual él compuso, sino porque su música es resueltamente cinemática, evocadora. El violoncelista tomaba prestada en «L’Imprévu» la insostenible ligereza bien rohmeriana; para «Mediums», también en compañía de Daniel Erdmann y Robin Fincker, sondeaba la extrañeza inquietante de las películas de la Hammer. Con West, se lanza a una road movie a través de espacios infinitos, y no cualesquiera, ya que son los mares y las lagunas que traman este álbum (editado, como es necesario, por el sello La Buissonne). Sin embargo tranquilícese, no hay ningún riesgo de oír aquí el menor canto de marinero. Se trata más bien de un embarque hacia grandes extensiones contemplativas, con sus súbitos remolinos. Si hay un canto, es el de las sirenas, en el arco más que nunca sensible enfrentándose con tumultos que podrían considerarse extraídos de una partición de Kodály («1852 mètres plus tard» – una milla marina, pues). Una pieza repetida al final del álbum, como una vuelta al redil.
Courtois usa todos los timbres viajeros del violoncelo, que los pizzicatos transmutan sutilmente en el kora o en la guitarra plena de blues, el espacio de un instante. Toda travesía se realiza en solitario. Este rumbo al Oeste no escapa a la regla, aun cuando embarcará aquí y allá algunos compañeros de viaje, como Federico Casagrande en «At the end of the Day», registrado en compañía del violonchelista. En primer lugar al pianista Benjamin Moussay, presente en casi la mitad de las piezas, y cuyo poderoso imaginario se confronta a las mil maravillas con la de su anfitrión. La pequeña lluvia fina del noroeste que se asienta en « Nowhere » esparce la quietud que les permite a ambos músicos desarrollar atmósferas donde cada detalle cuenta. A la inversa, la construcción muy buscada de « West » permite a la multiplicidad de las voces bambolear al oyente en grandiosas turbulencias, entre un obstinado loop de clavecín y un arco errante.
Luego los saxofonistas Ermann y Fincker se unen, y la atmósfera es entonces de divagación. ¿Alucinaciones en el mar? « Freaks » enciende los farolillos de un pequeño baile lánguido y West se tiñe de reminiscencias procedentes de «Mediums». Moussay se une a Fincker en « Tim au Nohic », y el gran tiempo se anuncia: la pieza es corta, como un grano súbito, pero encarna el pico de intensidad del álbum, si no es su cumbre. Los diferentes teclados se frotan, chocan, se rompen sobre el juego conquistador de las cuerdas, mientras el tenor intenta emerger de las olas. Luego la calma vuelve tras la tormenta y Erdmann plantea (« Désarçonné ») un soplo rocoso sobre el reajuste.
Courtois persigue la construcción paciente y atenta de un universo absolutamente singular. Lo demuestra la embriaguez de « Sémaphore » donde, por el juego del re-grabaciones, él juega consigo mismo. Este disco es una isla en medio de la inmensidad, una isla que, a falta de ser desierta, encierra numerosos tesoros. Abandonemos el norte de las brújulas. West es la dirección que hay que tomar.
Fuente para la reseña: Franpi Barriaux para http://www.citizenjazz.com/Vincent-Courtois-3471400.html
Apunte: Qué se puede decir de West? Qué tiene una belleza extraña y sutil? Qué en el ir y venir de su dinámica musical reside el poder hipnótico en el que uno cae? Qué el sonido, mezcla de camarístico, clásico y ambient llevan todo este asunto a momentos sublimes??? Si. Se puede decir todo esto. Gran disco. Absolutamente recomendable.
Track listing
01. So Much Water So Close To Home (4:12)
02. 1852 Metres Plus Tard (8:24)
03. Modalités (3:45)
04. Nowhere (4:36)
05. L’intuition (3:15)
06. West (6:07)
07. Freaks (3:56)
08. Tim Au Nohic (3:00)
09. Desarconné (2:57)
10. Sémaphore (2:41)
11. 1852 Metres Plus Tard Version Courte (4:29)
Artist List
Vincent Courtois: cello, guide chant (4), all compositions
Daniel Erdmann: tenor saxophone (3, 7, 9)
Robin Fincker: clarinet (3), tenor saxophone (7, 8)
Benjamin Moussay: piano, harpsichord, celesta, toy piano (3, 4, 6, 8, 9)
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Claudio Farinone plays Ralph Towner (2013)
Claudio Farinone propone un proyecto de arte que revela no sólo una re-interpretación de algunas composiciones del famoso multi-instrumentista norteamericano Ralph Towner, una de las figuras más importantes de la guitarra en la segunda mitad del siglo XX y contemporánea, pero también una «experiencia totalizadora». Una síntesis perfecta entre la idea de una página musical escrita nota por nota y una apertura a la práctica de la improvisación. Este trabajo pretende mejorar una de las características más fascinantes de la guitarra: el timbre. Farinone ha decidido ampliar aún más el alcance de su experiencia como guitarrista, utilizando un instrumento con ocho cuerdas, dos más en el registro inferior, y una guitarra barítono, que suena más grave que un instrumento tradicional. «Claudio Farinone plays Ralph Towner» es el primer lanzamiento de una nueva línea del sello italiano Abeat llamada «Air» y dedicada a experiencias creativas de arte contemporáneo, no atribuibles directamente al jazz. El CD, con excelentes características para audiófilos, fue grabado por Luke Martegani con el fascinante sonido del Chiostro di Voltorre, cerca de Varese (Italia), utilizando sólo dos micrófonos y ningún artificio, respetando plenamente las características del sonido del lugar.
Qué dice Farinone sobre Towner?
Mi aventura con la música de Ralph Towner comenzó cuando yo todavía era un principiante con mi guitarra. A menudo se da el caso de que los músicos se conocen a través de las grabaciones que hacen. Las grabaciones son los jalones imborrables de su viaje y, al mismo tiempo, el vehículo para traspasar a otros artistas de su propia experiencia. Una gran revolución de finales del siglo XIX fue, sin duda, la posibilidad de hacer grabaciones de sonido posible y fácilmente accesible. No es sólo el milagro que nos permite escuchar repetidas veces la misma performance, sino también la de hacer que se convierta en un punto de referencia a partir de los cuales medimos nuestro propio desarrollo. La vida, como dijo alguna vez Vinicius de Moraes, es el arte del encuentro con el otro. Gracias a las grabaciones, pude familiarizarme con el mundo creativo de muchos artistas, y posteriormente desarrollar lo propio. La música de Ralph Towner ha estado conmigo todo este tiempo, y ha contribuido bastante a enamorarme del timbre y atrevidas ideas musicales improvisadas dentro de impecables limitaciones formales. Después de muchos viajes musicales compartidos con otros músicos, esta vez soy yo solo. La música de Towner es mi sendero. No podría haber tomado una mejor elección. Con ella examino todo tipo de experiencias: virtuosismo, atmósferas meditativas, contemplación de color escarpado. La música de Ralph Towner es el trabajo de cincel. Gracias a la sabiduría que él expresa, y el bono añadido en años posteriores de su invaluable amistad, mi viaje musical fue posible. (Claudio Farinone)
Fuente para la reseña: http://www.abeatrecords.com/catdetail.asp?IDprod=171
Track Listing
01. Reluctant Bride (4:40)
02. Anniversary Song (1:57)
03. If (4:39)
04. Haunted (3:28)
05. Green and Golden (4:19)
06. Joyful Departure (4:42)
07. Turning of the Leaves (4:02)
08. Anthem (5:14)
09. Juggler’s Etude (5:44)
10. Always By Your Side (3:56)
11. Waltz For Debby (2:02)
12. Sacred Place (3:38)
Artist List
Claudio Farinone: eight strings guitar & baritone guitar
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Bernardo Moreira, Clásica, Fado, Jazz, Mário Laginha, Miguel Amaral
Terra Seca (2013)
Un piano, un contrabajo y una guitarra portuguesa: así nació el Mario Laginha Novo Trio
El pianista se unió a uno de sus cómplices habituales, el contrabajista Bernardo Moreira y convocó una guitarra portuguesa, interpretada por Miguel Amaral, de quien Mário Laginha dice estar «muy impresionado»: «es una persona con la que da gusto trabajar; es un gran músico, un gran guitarrista»
El estreno ocurre con el disco Terra Seca, tejido de complicidades entre los músicos y los instrumentos, comenzando por el piano y contrabajo, dupla habitual en bandas de jazz.
«La presencia que en principio sería extraña es la guitarra portuguesa; y esta extrañeza no es sólo por la instrumentación, sino por el tipo de música que tocamos. Cuando hablamos de guitarra portuguesa, la gente piensa en fado. Todavía creo que se puede ir más allá del fado, y me atrajo mucho experimentar», explica Mário Laginha.
Como protagonista, tocando la melodía principal, o en compañía secundaria, como acompañante, la guitarra portuguesa tiene en este disco «un papel «sui generis»», señala el compositor
«En grupos de jazz, muchas veces quien toca una melodía es, por ejemplo, un saxofón o una trompeta, y allí el sonido es melódico, no es armónico. En este disco, la guitarra portuguesa es armónica y melódica, mientras que otras veces es rítmica», añade.
El disco está «más próximo del jazz que de otra cosa. Los más fundamentalistas dirán «esto no es jazz, no tiene el ‘swing’ habitual»; otros dirán que tampoco es música clásica, y yo estoy de acuerdo; y todos dirán que no es fado, y de hecho no lo es del todo».
Entre esta indefinición, Mário Laginha apunta que al jazz como la mayor influencia del disco, seguida de la música clásica. «Este es un trío que tiene un lado de música de cámara».
«Y después hay un lado portugués, que viene de la música popular y del fado».
Y ahora, el origen del nombre del disco: «La tierra seca es, por regla general, una zona poco habitada, donde es necesario hacer un esfuerzo para transformarla en fértil. Y yo pensé que, musicalmente, teníamos que ir a una zona poco habitada. Y eso tiene un lado fascinante porque es necesario ir a la búsqueda, es necesario convertirla en fértil.»
Fuente para la reseña: http://www.snpcultura.org/terra_seca_mario_laginha_novo_trio.html
Apunte: El Mário Laginha Novo Trio, nació al mundo el 18 de septiembre de 2013 en el auditorio lisboeta de Culturgest. Terra Seca, dedicado a Bernardo Sassetti, fue compuesto casi de manera completa por Laginha, a excepción del tema «Fuga para um dia de sol», escrito por Miguel Amaral, quien ya tiene editado a su nombre el álbum «Chuva Oblíqua». Como bien aclara Laginha, el jazz es el «territorio» más reconocible, pero la guitarra portuguesa de Miguel Amaral, trae ecos del fado y de otras músicas populares del país, como así también el recuerdo de músicas del gran Egberto Gismonti. Hablar solo de jazz es insuficiente para definir una música que se mueve libremente entre las músicas de cámara, clásica y contemporánea. Por estos días, en una nueva edición de la reunión anual de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), el Hot Clube de Portugal y la Universidade Lusíada se llevará a cabo un concierto inédito: se encontrarán en el escenario un verdadero promotor de la integración de los distintos lenguajes jazzísticos como es David Liebman, con el Mário Laginha Novo Trio. Da toda la impresión que en el caso de que el Novo Trio perdure en el tiempo, se verán más frutos de nuevas tierras fértiles.
Track Listing
01. Terra Seca (8:21)
02. Dança (9:43)
03. Quando as Mãos Se Abrem (4:30)
04. Tão Longe e Ainda Perto (6:29)
05. Fuga para um Dia de Sol (4:21)
06. Há Correria no Bairro (5:22)
07. Enquanto Precisares (5:55)
08. Pela Noite Fora (7:23)
09. O Recreio do João (3:55)
10. Chão Que Se Move (4:55)
Artist List
Mário Laginha: piano
Miguel Amaral: guitarra portuguesa
Bernardo Moreira: contrabaixo
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Otello. Live at Schloss Elmau (2011)
Los celos que consumen a Otelo y que le arrastran hasta el asesinato de su mujer encontraron en la ópera de Verdi su materialización en forma de línea de bajo. Aquella melodía fascinó a Dieter Ilg, quien ha grabado en directo, precisamente una serie de variaciones sobre la ópera del compositor italiano, con quien comparte, ya puestos, título: Otello. Este directo es el resultado de haber rodado los temas más de un año, e incluye algunos nuevos, como Ave Maria, y prescinde de otros.
No obstante, salvo en algún que otro pasaje, se trata de un disco un tanto rígido y baja intensidad cuyo mayor riesgo, eso si, es el de transportar al jazz algunas piezas operísticas del italiano. Prueba de ello es la versión groovy de Fuoco di giogia.
Ilg compagina marcadas líneas de contrabajo con melodías veloces, respaldado por un piano etéreo y una batería discreta. El tema más arriesgado corresponde al verdadero protagonista de la tragedia shakesperiana, léase Jago, con una marcha inicial que progresa hasta un intermedio que no llega a explotar, y cierra con un final vocal tan curioso como efectista.
Reseña de Borja Criado para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2018:dieter-ilg&catid=4:discos&Itemid=7
01. Fuoco di gioia (4:40)
02. O là (5:36)
03. Quando narravi (6:41)
04. Jago (5:02)
05. A questa tua (6:37)
06. Dio! Mi potevi (3:37)
07. Orror (4:57)
08. Le amare stille (1:35)
09. Mistero (5:27)
10. Ave Maria (4:06)
11. Otello (11:12)
Parsifal (2013)
Dentro de la conmemoración del 200 aniversario del nacimiento del compositor alemán Richard Wagner, se podían esperar detalles dentro del mundillo del jazz hacia la insigne figura de este hombre pero no del alcance que pueden llegar a tener, con el tiempo, los trabajos realizados por Peter Schaefer sobre la obra en general del compositor o el que ahora nos ocupa del contrabajista Dieter Ilg centrado sobre todo en la opera Parsifal. ‘Parsifal’ (ACT) es una grabación donde el jazz y la clásica están combinados perfectamente para obtener un precioso resultado.
Dieter que ya nos había demostrado que se mueve como pez en el agua en estas combinaciones tras su inmersión en la opera ‘Otello’ de Verdi, obra ya grabada tanto en estudio como en directo en el magnifico Schloss Elmau, vuelve por sus fueros y nos demuestra que conoce bien a ambos músicos por haberlos trabajado a conciencia.
Se adentra en la música de Wagner en formato de trio con la inestimable ayuda del pianista Rainer Böhm y del baterista Patrice Héral con los que ya había realizado su anterior incursión en el mundo de Verdi. La interacción de estos musicos alcanza niveles magníficos creando una musica de gran belleza.
Dieter nos da claves sobre la música de ‘Parsifal’ que la acerca a la de Verdi para demostrarnos que no están tan lejanos en el estilo.
Como ejemplos: La melodía del preludio de ‘Parsifal’ es similar a la del famoso solo de contrabajo cerca del final del ‘Otello’ de Verdi.
Wagner parece que completó muchas partes de ‘Parsifal’ durante sus viajes a la tierra natal de Verdi. De hecho, acabo muriendo en Venecia.
También comenta Dieter que los dos utilizaron viejas melodías y temas populares europeos que les sirvieron de común inspiración.
La grabación contiene lo que Dieter llama sus variaciones sobre la opera de Richard Wagner con el añadido de la pieza ‘Sehnsuch’ sobre música de Ludwing van Beethoven que no es otra cosa que una bella y sentida versión de la ‘Oda a la alegría’.
Con todo este material, Ilg lo que ha hecho es no revisionar ni reinventar en demasía, como Eric Schaefer en su grabación, sino que más bien ha dirigido la música con calma y sosiego hacia donde el quería.
Tenemos delante un bello disco que creo gustará por igual a los amantes de la clásica que verán conservadas básicamente sus esencias como a los aficionados al jazz que sabrán encontrar las suficientes dosis de improvisación y estilo propio como para disfrutar gustosos de la música ofrecida.
Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2013/04/dieter-ilg-%E2%80%98parsifal%E2%80%99/
01. Zum Raum wird hier die Zeit (5:15)
02. Glocken (3:55)
03. Parsifal (4:18)
04. Morgengebet (4:36)
05. Ich bin ein reiner Tor (4:49)
06. Zaubergarten (6:32)
07. Amfortas (4:34)
08. Unerhörtes (4:01)
09. Herzeleid (0:44)
10. Kundry (4:23)
11. Von Welt zu Welt (5:37)
12. Klageruf (3:33)
13. Sehnsucht (3:44)
Artist List en ambos discos
Dieter Ilg: bass
Rainer Böhm: piano
Patrice Heral: drums
Apunte: Además de ser una música de gran belleza, como destaca I. Ortega en su reseña, también tiene el don de ser sanadora. Sin estridencias, sin apuros, con exquisitos toques, abraza al alma fraternalmente. Ambos, altamente recomendables.
Password en ambos casos: presoventanilla
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Northern Plains (2005)
Andreas Heuser es un viajero entre diferentes mundos musicales. Mientras construye los diversos fondos musicales, él crea una frontera que desafía a la mixtura con su trabajo solista en la guitarra y lleva al oyente en un viaje musical a territorios desconocidos. „Guitarrista que explota todos los géneros“ (WAZ Dortmund)
Autodidacta, entrenado en guitarra clásica y de jazz, años de prácticas involucrados con música no europea (principalmente música de medio oriente), fueron las etapas de su desarrollo musical que influyeron en su técnica, así como en sus composiciones. Es un compositor único, un músico hábil e improvisador que utiliza un amplio espectro de técnicas y expresiones.
El rango de instrumentos que utiliza es impresionante: guitarras clásicas de 6 y 10 cuerdas, guitarra de 8 cuerdas de acero, requinto, glissentar, guitarra eléctrica y violín eléctrico. El rango adicional de las guitarras de 8 y 10 cuerdas, y el tono alto del requinto, abren el habitual sonido de la guitarra lo que le permite ampliar sus posibilidades técnicas y composición.
Con su variada y brillante técnica, él funde elementos de fuentes clásicas, jazzísticas, orientales y latinoamericanas en algunas composiciones únicas: rítmicamente atrapantes, líricamente meditativas; realzadas por apasionantes improvisaciones. Las características de sus actuaciones en vivo son la excelente calidad de sonido y el hábil uso de la electrónica que le permiten presentar una variedad sonora, desde la suave caricia a las cuerdas a las erupciones percusivas. Su dúo con Kazim Calisgan y sus ensambles tocando con Transorient Express, Nefes in Motion y Violet Quartet amplían aún más su estilo.
Fuente para la reseña: http://www.andreasheuser.com/andreas_e.html
Apunte: Hace un par de años atrás llegó a mis oídos Northern Plains, del guitarrista Andreas Heuser y disfruté durante un buen período de tiempo de su audición. En ese momento encontré reseñas en alemán de este disco y no logré conseguir quien me las tradujera. Pasaron los días de la vida, y se fue quedando relegado, pero no fue quitado de la carpeta «Borradores». Haciendo back-up de la PC lo encontré hoy, me puse a escucharlo y ratifiqué lo que sentí en ese momento. Northern Plains es un GRAN disco. Apenas acompañado por puntuales y estratégicas intervenciones de tres artistas invitados, Heuser exprime el jugo a sus composiciones, influenciadas tanto por la world music como por elementos de la música clàsica, optimizando el uso de las posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos que ejecuta. Todo esto sin dejar de lado la sensibilidad a la hora de transmitir vida en su música. Heuser vive en Dortmund, Alemania y actúa regularmente en el club de jazz y música contemporánea «domicil», llevando a cabo encuentros musicales de world music con artistas de diferentes latitudes o tocando con la banda Transorient Express o Andreas Heuser-Jan Bierther Quartett. Ah! me olvidaba: la versión de «Beautiful Love» es una de las más bonitas que he escuchado. Saludos!
Track Listing
01. Presto Pressante (3:09)
02. Arrival At Eight (4:49)
03. Blue (4:29)
04. Karadeniz (5:32)
05. Your Song / Beautiful Love (3:33)
06. Lea (5:40)
07. Duolog (4:27)
08. Triple Talk (5:16)
09. Prelude Oriental (2:17)
10. Northern Plains (4:24)
11. Nautilus (3:41)
All compositions by Andreas Heuser, except: Beautiful Love (King/van Alystine/Young/Gillespie) and Karadeniz (trad./arr.: Andreas Heuser)
Artist List
Andreas Heuser: 10-string and 6-string classical guitars , 8-string steelstring guitar, requinto, octave guitar, kalimba, percussion
Guest musicians:
Raul SenGupta: tabla (tracks 2/4/6/8/10)
Ertugrul Coruk: tenor and soprano saxophone (tracks 6/10/11)
Christian Kappe: flugelhorn (track 2)
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