Preso ventanilla


Frank Woeste with Ben Monder and Justin Brown

tapa Pocket Rhapsody
Pocket Rhapsody (2016)

Siempre me he preguntado cuál es la costumbre para ponerle nombre a los discos de jazz. Será representar un estado de ánimo quizás, o un recuerdo disparado durante su escritura, o el lugar donde fue grabado. Debe ser aún más desafiante cuando hay pocas (si alguna) letras.

En el caso del debut para el sello ACT de Frank Woeste (Pocket Rhapsody / Rapsodia de Bolsillo), el pianista alemán parece haber querido precisión. Antes de escuchar este disco, busqué el significado de rapsodia en Wikipedia: “dividido en episodios o capítulos y sin embargo integrado, de estructuras libres, presentando un amplio rango de estados de ánimo, contrastes, colores y tonalidades”

Vaya si acertó en el blanco con el título. Pocket Rhapsody contiene muchos (si no todos) estos elementos en sus diez temas y justamente es lo que lo hace un mejor disco. Está claro que no se conforma con tener dos temas similares de jazz de 2×4 como plataforma para construir el disco, incorporando nu-jazz, funk, improvisaciones, clásica y drum’n’ bass, aburrido no es. Y entra todo en un bolsillo, además.

El primer tema, “Terlingus”, es un funk de tempo lento, sostenido sobre los más ambientales acordes disonantes de piano hasta que la línea de bajo del teclado empuja respaldada por el repiqueteo del platillo high-hat del baterista Justin Brown. La línea principal de piano de Woeste es simple pero pegadiza, pero se desarrolla y extiende cuando es embellecida por el órgano Hammond mediante la pulsada directa en las cuerdas de piano.

Acorde con la descripción del título, el segundo tema, “Moving Light” da un giro de 90 grados: desenvuelto, en tonos mayores, recordándonos quizás un poco a la receta de Snarky Puppy con fuertes sonidos de bronces sobre un bajo sintetizado y teclados. Un tema agradablemente accesible, tiene sin embargo suficiente filo para asegurar que el oyente no siente demasiado confort.

Este disco es un poco como una tienda departamental. Cada piso, o tema, ofrece un rango dispar de ítems en oferta. En el tercer piso, “The Star Gazer” es todo pizzicato de cuerdas y una letra susurrada y climática de parte de su compañera de sello Youn Sun Nah. vanguardista y repleta de emoción por parte de la autora de la letra y cantante antes de moverse hacia una improvisación almibarada de piano, a esta altura el oyente comienza a entender que Woeste realmente se apega al tema del título del disco.

El mejor tema del disco es el cuarto, “Buzz Addict”, introducido por una secuencia simple de cuatro acordes en el órgano Hammond que parece homenajear al código decimonónico de Samuel Morse antes de que sonidos más tradicionales de piano y solos de batería aparezcan en cuadro, junto con un acompañamiento intrigante de la guitarra de Ben Monder. Tiene un ligero ambiente a aventura espacial, reflejando un viaje tremendamente excitante alrededor de un cosmos musical.

El resto del álbum es igual, las sorpresas están a la vuelta de la esquina. Al modo en que las autopistas son diseñadas con suaves curvas para evitar que los conductores se queden dormidos, la variedad en los temas aseguran que los oyentes no puedan sacar sus ojos de la ruta musical. El ambiente más interesante está en el octavo tema, “Nouakchott”, donde el trompetista Ibrahim Maalouf provee una transgresora paleta árabe que atrae la mente del oyente hacia visiones de dunas, wadis (cauces secos propios del clima desértico) y el barullo del mercado persa, en un tema escrito en viajes de Woeste a la región, financiados por el Instituto Goethe.

Este es un buen disco con un sonido transgresoramente idiosincrásico. No suena como cualquier otro de este momento y Woeste nos ha provisto con un disco que no necesariamente satisface catalogándolo como jazz. Es más que eso.

El disco tiene una de las tapas más linda que he visto en mucho tiempo, una colorida imagen del artista Terry Winters contra un fondo blanco puro. Es muy agradable, como la música en su interior.

Fuente para la reseña: Rob Mallows para: http://www.londonjazznews.com/2016/01/cd-review-frank-woeste-pocket-rhapsody.html – Traducción: Nicolobo Ramos!

Apunte de Nico: ¡Que discazo este Chelito! Uno de mis preferidos en el año 2016, y sigue girando. Un disco bien en la tradición MCQ/Preso (si es que algo así existe) en el sentido apuntado por el comentario de Rob Mallows: esto es algo más que jazz. Definitivamente está en esa línea que cruza muy satisfactoriamente distintos estilos tomando sin prejuicios lo que más le guste al autor de aquí y allá.

El comentarista utiliza muchas veces el término “ambiental” lo cual es muy apropiado porque este disco, más allá de alguna ráfaga aislada, no contiene grandes despliegues de virtuosismo (a pesar de que los músicos que participan son todos grandes ejecutantes de sus respectivos instrumentos), sino que se concentra en lograr lo que llamaría “momentos musicales”, esos en que el grupo está alcanzando un clímax, para disolverlo y volver a empezar con otro. Música también descripta como cinemática porque por momentos parece una banda sonora de películas, en ese sentido también participa de algo del mejor espíritu del rock progresivo (ausente el virtuosismo explícito y extremo, quedan los ambientes). El tema “Pocket Rhapsody” condensa bien el espíritu del disco, porque en el mismo se resume un poco todo lo que el disco es, en una suite de poco menos de nueve minutos. Y también cabe mencionar que este espíritu se ve apoyado por el uso (no tan habitual para las épocas actuales) de recursos típicamente “progresivos” como interludios, introducciones y hasta encadenando algunos temas entre sí (sin dejar silencios –o muy breves- entre ambos).

Hay que destacar la inteligencia de Woeste de rodearse de efectivos colaboradores, si bien las teclas tienen un amplísimo dominio en la paleta sonora del disco. Monder aporta sus clásicas intervenciones poco convencionales (siempre me pregunto en estos discos cuánto escribe el autor y cuanto espacio le deja a sus colaboradores). Y el batero Brown, una estrella en pleno ascenso (tocó ya en varios discos buenísimos, síganle la ruta que no los va a decepcionar…) le da al disco lo que éste precisamente necesita, sin pasarse de firuletes pero dándole sin descanso cuando hace falta. Y los colaboradores, que decir de ellos. Las cuerdas son muy importantes en este disco, no sólo cuando “pizzicatean” sino en distintas líneas que complementan lo que hace Woeste en el disco, y se lucen en la intro de “Nouakchott” una pieza fantástica en sí misma más allá del tema al que introducen y en la balada final “Melancholia”. Sólo me hubiera gustado escuchar un poquito más de Youn Sun Nah (Woeste fue el pianista de las primeras formaciones de la cantante), pero el tema en donde canta ella es una joyita que no tiene desperdicio.

El comentario sólo hace alusión a 4 o 5 temas, pero la verdad es que es todo muy, muy parejo, de alto nivel, siendo muy difícil destacar un tema sobre otro.

Para el que quiera verle las caras a los quías y se dé maña con el inglés o el francés (Woeste es un alemán que hizo su carrera principalmente en Francia), este video de ACT está bueno (y veo con alegría que coincide bastante con lo que se dice en todas estas líneas): https://www.youtube.com/watch?v=oQLeZMY59xo

 

Track Listing

01. Terlingua (Woeste, Frank) (6:16)
02. Moving Light (Woeste, Frank) (6:00)
03. The Star Gazer (Woeste, Frank / Nah, Youn Sun) (6:36)
04. Buzz Adidct (Woeste, Frank) (6:51)
05. Interlude (Woeste, Frank) (2:00)
06. Pocket Rhapsody (Woeste, Frank) (8:13)
07. Intro Nouakchott (Woeste, Frank) (1:39)
08. Nouakchott (Woeste, Frank) (7:50)
09. Mirage (Woeste, Frank) (5:39)
10. Melancholia (Woeste, Frank) (3:43)

Artist List

Frank Woeste: piano, Fender Rhodes, organ & bass synth
Ben Monder: guitar
Justin Brown: drums

Guests:
Ibrahim Maalouf: trumpet on 02 & 08
Youn Sun Nah: vocals on 03
Sarah Nemtanu: violin
Gregoire Korniluk: cello

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Vincent Courtois
junio 16, 2016, 9:04 pm
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tapa West
West (2014)

Vincent Courtois es hombre de imagen. No solo si piensa en la banda original del dibujo animado “Ernest et Célestine”, la cual él compuso, sino porque su música es resueltamente cinemática, evocadora. El violoncelista tomaba prestada en “L’Imprévu” la insostenible ligereza bien rohmeriana; para “Mediums”, también en compañía de Daniel Erdmann y Robin Fincker, sondeaba la extrañeza inquietante de las películas de la Hammer. Con West, se lanza a una road movie a través de espacios infinitos, y no cualesquiera, ya que son los mares y las lagunas que traman este álbum (editado, como es necesario, por el sello La Buissonne). Sin embargo tranquilícese, no hay ningún riesgo de oír aquí el menor canto de marinero. Se trata más bien de un embarque hacia grandes extensiones contemplativas, con sus súbitos remolinos. Si hay un canto, es el de las sirenas, en el arco más que nunca sensible enfrentándose con tumultos que podrían considerarse extraídos de una partición de Kodály («1852 mètres plus tard» – una milla marina, pues). Una pieza repetida al final del álbum, como una vuelta al redil.

Courtois usa todos los timbres viajeros del violoncelo, que los pizzicatos transmutan sutilmente en el kora o en la guitarra plena de blues, el espacio de un instante. Toda travesía se realiza en solitario. Este rumbo al Oeste no escapa a la regla, aun cuando embarcará aquí y allá algunos compañeros de viaje, como Federico Casagrande en “At the end of the Day”, registrado en compañía del violonchelista. En primer lugar al pianista Benjamin Moussay, presente en casi la mitad de las piezas, y cuyo poderoso imaginario se confronta a las mil maravillas con la de su anfitrión. La pequeña lluvia fina del noroeste que se asienta en « Nowhere » esparce la quietud que les permite a ambos músicos desarrollar atmósferas donde cada detalle cuenta. A la inversa, la construcción muy buscada de « West » permite a la multiplicidad de las voces bambolear al oyente en grandiosas turbulencias, entre un obstinado loop de clavecín y un arco errante.

Luego los saxofonistas Ermann y Fincker se unen, y la atmósfera es entonces de divagación. ¿Alucinaciones en el mar? « Freaks » enciende los farolillos de un pequeño baile lánguido y West se tiñe de reminiscencias procedentes de “Mediums”. Moussay se une a Fincker en « Tim au Nohic », y el gran tiempo se anuncia: la pieza es corta, como un grano súbito, pero encarna el pico de intensidad del álbum, si no es su cumbre. Los diferentes teclados se frotan, chocan, se rompen sobre el juego conquistador de las cuerdas, mientras el tenor intenta emerger de las olas. Luego la calma vuelve tras la tormenta y Erdmann plantea (« Désarçonné ») un soplo rocoso sobre el reajuste.

Courtois persigue la construcción paciente y atenta de un universo absolutamente singular. Lo demuestra la embriaguez de « Sémaphore » donde, por el juego del re-grabaciones, él juega consigo mismo. Este disco es una isla en medio de la inmensidad, una isla que, a falta de ser desierta, encierra numerosos tesoros. Abandonemos el norte de las brújulas. West es la dirección que hay que tomar.

Fuente para la reseña: Franpi Barriaux para http://www.citizenjazz.com/Vincent-Courtois-3471400.html

Apunte: Qué se puede decir de West? Qué tiene una belleza extraña y sutil? Qué en el ir y venir de su dinámica musical reside el poder hipnótico en el que uno cae? Qué el sonido, mezcla de camarístico, clásico y ambient llevan todo este asunto a momentos sublimes??? Si. Se puede decir todo esto. Gran disco. Absolutamente recomendable.

Track listing

01. So Much Water So Close To Home (4:12)
02. 1852 Metres Plus Tard (8:24)
03. Modalités (3:45)
04. Nowhere (4:36)
05. L’intuition (3:15)
06. West (6:07)
07. Freaks (3:56)
08. Tim Au Nohic (3:00)
09. Desarconné (2:57)
10. Sémaphore (2:41)
11. 1852 Metres Plus Tard Version Courte (4:29)

Artist List

Vincent Courtois: cello, guide chant (4), all compositions
Daniel Erdmann: tenor saxophone (3, 7, 9)
Robin Fincker: clarinet (3), tenor saxophone (7, 8)
Benjamin Moussay: piano, harpsichord, celesta, toy piano (3, 4, 6, 8, 9)

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Claudio Farinone
noviembre 7, 2015, 11:04 pm
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tapa Claudio Farinone plays Ralph Towner
Claudio Farinone plays Ralph Towner (2013)

Claudio Farinone propone un proyecto de arte que revela no sólo una re-interpretación de algunas composiciones del famoso multi-instrumentista norteamericano Ralph Towner, una de las figuras más importantes de la guitarra en la segunda mitad del siglo XX y contemporánea, pero también una “experiencia totalizadora”. Una síntesis perfecta entre la idea de una página musical escrita nota por nota y una apertura a la práctica de la improvisación. Este trabajo pretende mejorar una de las características más fascinantes de la guitarra: el timbre. Farinone ha decidido ampliar aún más el alcance de su experiencia como guitarrista, utilizando un instrumento con ocho cuerdas, dos más en el registro inferior, y una guitarra barítono, que suena más grave que un instrumento tradicional. “Claudio Farinone plays Ralph Towner” es el primer lanzamiento de una nueva línea del sello italiano Abeat llamada “Air” y dedicada a experiencias creativas de arte contemporáneo, no atribuibles directamente al jazz. El CD, con excelentes características para audiófilos, fue grabado por Luke Martegani con el fascinante sonido del Chiostro di Voltorre, cerca de Varese (Italia), utilizando sólo dos micrófonos y ningún artificio, respetando plenamente las características del sonido del lugar.

Qué dice Farinone sobre Towner?

Mi aventura con la música de Ralph Towner comenzó cuando yo todavía era un principiante con mi guitarra. A menudo se da el caso de que los músicos se conocen a través de las grabaciones que hacen. Las grabaciones son los jalones imborrables de su viaje y, al mismo tiempo, el vehículo para traspasar a otros artistas de su propia experiencia. Una gran revolución de finales del siglo XIX fue, sin duda, la posibilidad de hacer grabaciones de sonido posible y fácilmente accesible. No es sólo el milagro que nos permite escuchar repetidas veces la misma performance, sino también la de hacer que se convierta en un punto de referencia a partir de los cuales medimos nuestro propio desarrollo. La vida, como dijo alguna vez Vinicius de Moraes, es el arte del encuentro con el otro. Gracias a las grabaciones, pude familiarizarme con el mundo creativo de muchos artistas, y posteriormente desarrollar lo propio. La música de Ralph Towner ha estado conmigo todo este tiempo, y ha contribuido bastante a enamorarme del timbre y atrevidas ideas musicales improvisadas dentro de impecables limitaciones formales. Después de muchos viajes musicales compartidos con otros músicos, esta vez soy yo solo. La música de Towner es mi sendero. No podría haber tomado una mejor elección. Con ella examino todo tipo de experiencias: virtuosismo, atmósferas meditativas, contemplación de color escarpado. La música de Ralph Towner es el trabajo de cincel. Gracias a la sabiduría que él expresa, y el bono añadido en años posteriores de su invaluable amistad, mi viaje musical fue posible. (Claudio Farinone)

Fuente para la reseña: http://www.abeatrecords.com/catdetail.asp?IDprod=171

Track Listing

01. Reluctant Bride (4:40)
02. Anniversary Song (1:57)
03. If (4:39)
04. Haunted (3:28)
05. Green and Golden (4:19)
06. Joyful Departure (4:42)
07. Turning of the Leaves (4:02)
08. Anthem (5:14)
09. Juggler’s Etude (5:44)
10. Always By Your Side (3:56)
11. Waltz For Debby (2:02)
12. Sacred Place (3:38)

Artist List

Claudio Farinone: eight strings guitar & baritone guitar

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Mário Laginha Novo Trio
junio 20, 2015, 5:11 pm
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tapa Terra Seca
Terra Seca (2013)

Un piano, un contrabajo y una guitarra portuguesa: así nació el Mario Laginha Novo Trio

El pianista se unió a uno de sus cómplices habituales, el contrabajista Bernardo Moreira y convocó una guitarra portuguesa, interpretada por Miguel Amaral, de quien Mário Laginha dice estar «muy impresionado»: «es una persona con la que da gusto trabajar; es un gran músico, un gran guitarrista»

El estreno ocurre con el disco Terra Seca, tejido de complicidades entre los músicos y los instrumentos, comenzando por el piano y contrabajo, dupla habitual en bandas de jazz.

«La presencia que en principio sería extraña es la guitarra portuguesa; y esta extrañeza no es sólo por la instrumentación, sino por el tipo de música que tocamos. Cuando hablamos de guitarra portuguesa, la gente piensa en fado. Todavía creo que se puede ir más allá del fado, y me atrajo mucho experimentar», explica Mário Laginha.

Como protagonista, tocando la melodía principal, o en compañía secundaria, como acompañante, la guitarra portuguesa tiene en este disco «un papel “sui generis”», señala el compositor

«En grupos de jazz, muchas veces quien toca una melodía es, por ejemplo, un saxofón o una trompeta, y allí el sonido es melódico, no es armónico. En este disco, la guitarra portuguesa es armónica y melódica, mientras que otras veces es rítmica», añade.

El disco está «más próximo del jazz que de otra cosa. Los más fundamentalistas dirán “esto no es jazz, no tiene el ‘swing’ habitual”; otros dirán que tampoco es música clásica, y yo estoy de acuerdo; y todos dirán que no es fado, y de hecho no lo es del todo».

Entre esta indefinición, Mário Laginha apunta que al jazz como la mayor influencia del disco, seguida de la música clásica. «Este es un trío que tiene un lado de música de cámara».

«Y después hay un lado portugués, que viene de la música popular y del fado».

Y ahora, el origen del nombre del disco: «La tierra seca es, por regla general, una zona poco habitada, donde es necesario hacer un esfuerzo para transformarla en fértil. Y yo pensé que, musicalmente, teníamos que ir a una zona poco habitada. Y eso tiene un lado fascinante porque es necesario ir a la búsqueda, es necesario convertirla en fértil.”

Fuente para la reseña: http://www.snpcultura.org/terra_seca_mario_laginha_novo_trio.html

Apunte: El Mário Laginha Novo Trio, nació al mundo el 18 de septiembre de 2013 en el auditorio lisboeta de Culturgest. Terra Seca, dedicado a Bernardo Sassetti, fue compuesto casi de manera completa por Laginha, a excepción del tema “Fuga para um dia de sol”, escrito por Miguel Amaral, quien ya tiene editado a su nombre el álbum “Chuva Oblíqua”. Como bien aclara Laginha, el jazz es el “territorio” más reconocible, pero la guitarra portuguesa de Miguel Amaral, trae ecos del fado y de otras músicas populares del país, como así también el recuerdo de músicas del gran Egberto Gismonti. Hablar solo de jazz es insuficiente para definir una música que se mueve libremente entre las músicas de cámara, clásica y contemporánea. Por estos días, en una nueva edición de la reunión anual de la IASJ (International Association of Schools of Jazz), el Hot Clube de Portugal y la Universidade Lusíada se llevará a cabo un concierto inédito: se encontrarán en el escenario un verdadero promotor de la integración de los distintos lenguajes jazzísticos como es David Liebman, con el Mário Laginha Novo Trio. Da toda la impresión que en el caso de que el Novo Trio perdure en el tiempo, se verán más frutos de nuevas tierras fértiles.

Track Listing

01. Terra Seca (8:21)
02. Dança (9:43)
03. Quando as Mãos Se Abrem (4:30)
04. Tão Longe e Ainda Perto (6:29)
05. Fuga para um Dia de Sol (4:21)
06. Há Correria no Bairro (5:22)
07. Enquanto Precisares (5:55)
08. Pela Noite Fora (7:23)
09. O Recreio do João (3:55)
10. Chão Que Se Move (4:55)

Artist List

Mário Laginha: piano
Miguel Amaral: guitarra portuguesa
Bernardo Moreira: contrabaixo

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Dieter Ilg
noviembre 28, 2014, 12:03 pm
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Otello. Live at Schloss Elmau (2011)

Los celos que consumen a Otelo y que le arrastran hasta el asesinato de su mujer encontraron en la ópera de Verdi su materialización en forma de línea de bajo. Aquella melodía fascinó a Dieter Ilg, quien ha grabado en directo, precisamente una serie de variaciones sobre la ópera del compositor italiano, con quien comparte, ya puestos, título: Otello. Este directo es el resultado de haber rodado los temas más de un año, e incluye algunos nuevos, como Ave Maria, y prescinde de otros.

No obstante, salvo en algún que otro pasaje, se trata de un disco un tanto rígido y baja intensidad cuyo mayor riesgo, eso si, es el de transportar al jazz algunas piezas operísticas del italiano. Prueba de ello es la versión groovy de Fuoco di giogia.

Ilg compagina marcadas líneas de contrabajo con melodías veloces, respaldado por un piano etéreo y una batería discreta. El tema más arriesgado corresponde al verdadero protagonista de la tragedia shakesperiana, léase Jago, con una marcha inicial que progresa hasta un intermedio que no llega a explotar, y cierra con un final vocal tan curioso como efectista.

Reseña de Borja Criado para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2018:dieter-ilg&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Otello

01. Fuoco di gioia (4:40)
02. O là (5:36)
03. Quando narravi (6:41)
04. Jago (5:02)
05. A questa tua (6:37)
06. Dio! Mi potevi (3:37)
07. Orror (4:57)
08. Le amare stille (1:35)
09. Mistero (5:27)
10. Ave Maria (4:06)
11. Otello (11:12)

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Parsifal (2013)

Dentro de la conmemoración del 200 aniversario del nacimiento del compositor alemán Richard Wagner, se podían esperar detalles dentro del mundillo del jazz hacia la insigne figura de este hombre pero no del alcance que pueden llegar a tener, con el tiempo, los trabajos realizados por Peter Schaefer sobre la obra en general del compositor o el que ahora nos ocupa del contrabajista Dieter Ilg centrado sobre todo en la opera Parsifal. ‘Parsifal’ (ACT) es una grabación donde el jazz y la clásica están combinados perfectamente para obtener un precioso resultado.

Dieter que ya nos había demostrado que se mueve como pez en el agua en estas combinaciones tras su inmersión en la opera ‘Otello’ de Verdi, obra ya grabada tanto en estudio como en directo en el magnifico Schloss Elmau, vuelve por sus fueros y nos demuestra que conoce bien a ambos músicos por haberlos trabajado a conciencia.

Se adentra en la música de Wagner en formato de trio con la inestimable ayuda del pianista Rainer Böhm y del baterista Patrice Héral con los que ya había realizado su anterior incursión en el mundo de Verdi. La interacción de estos musicos alcanza niveles magníficos creando una musica de gran belleza.

Dieter nos da claves sobre la música de ‘Parsifal’ que la acerca a la de Verdi para demostrarnos que no están tan lejanos en el estilo.

Como ejemplos: La melodía del preludio de ‘Parsifal’ es similar a la del famoso solo de contrabajo cerca del final del ‘Otello’ de Verdi.

Wagner parece que completó muchas partes de ‘Parsifal’ durante sus viajes a la tierra natal de Verdi. De hecho, acabo muriendo en Venecia.

También comenta Dieter que los dos utilizaron viejas melodías y temas populares europeos que les sirvieron de común inspiración.

La grabación contiene lo que Dieter llama sus variaciones sobre la opera de Richard Wagner con el añadido de la pieza ‘Sehnsuch’ sobre música de Ludwing van Beethoven que no es otra cosa que una bella y sentida versión de la ‘Oda a la alegría’.

Con todo este material, Ilg lo que ha hecho es no revisionar ni reinventar en demasía, como Eric Schaefer en su grabación, sino que más bien ha dirigido la música con calma y sosiego hacia donde el quería.

Tenemos delante un bello disco que creo gustará por igual a los amantes de la clásica que verán conservadas básicamente sus esencias como a los aficionados al jazz que sabrán encontrar las suficientes dosis de improvisación y estilo propio como para disfrutar gustosos de la música ofrecida.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2013/04/dieter-ilg-%E2%80%98parsifal%E2%80%99/

Track Listing – Parsifal

01. Zum Raum wird hier die Zeit (5:15)
02. Glocken (3:55)
03. Parsifal (4:18)
04. Morgengebet (4:36)
05. Ich bin ein reiner Tor (4:49)
06. Zaubergarten (6:32)
07. Amfortas (4:34)
08. Unerhörtes (4:01)
09. Herzeleid (0:44)
10. Kundry (4:23)
11. Von Welt zu Welt (5:37)
12. Klageruf (3:33)
13. Sehnsucht (3:44)

Artist List en ambos discos

Dieter Ilg: bass
Rainer Böhm: piano
Patrice Heral: drums

Apunte: Además de ser una música de gran belleza, como destaca I. Ortega en su reseña, también tiene el don de ser sanadora. Sin estridencias, sin apuros, con exquisitos toques, abraza al alma fraternalmente. Ambos, altamente recomendables.

Password en ambos casos: presoventanilla



Andreas Heuser
noviembre 12, 2014, 12:04 am
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tapa Northern Plains
Northern Plains (2005)

Andreas Heuser es un viajero entre diferentes mundos musicales. Mientras construye los diversos fondos musicales, él crea una frontera que desafía a la mixtura con su trabajo solista en la guitarra y lleva al oyente en un viaje musical a territorios desconocidos. „Guitarrista que explota todos los géneros“ (WAZ Dortmund)
Autodidacta, entrenado en guitarra clásica y de jazz, años de prácticas involucrados con música no europea (principalmente música de medio oriente), fueron las etapas de su desarrollo musical que influyeron en su técnica, así como en sus composiciones. Es un compositor único, un músico hábil e improvisador que utiliza un amplio espectro de técnicas y expresiones.
El rango de instrumentos que utiliza es impresionante: guitarras clásicas de 6 y 10 cuerdas, guitarra de 8 cuerdas de acero, requinto, glissentar, guitarra eléctrica y violín eléctrico. El rango adicional de las guitarras de 8 y 10 cuerdas, y el tono alto del requinto, abren el habitual sonido de la guitarra lo que le permite ampliar sus posibilidades técnicas y composición.
Con su variada y brillante técnica, él funde elementos de fuentes clásicas, jazzísticas, orientales y latinoamericanas en algunas composiciones únicas: rítmicamente atrapantes, líricamente meditativas; realzadas por apasionantes improvisaciones. Las características de sus actuaciones en vivo son la excelente calidad de sonido y el hábil uso de la electrónica que le permiten presentar una variedad sonora, desde la suave caricia a las cuerdas a las erupciones percusivas. Su dúo con Kazim Calisgan y sus ensambles tocando con Transorient Express, Nefes in Motion y Violet Quartet amplían aún más su estilo.

Fuente para la reseña: http://www.andreasheuser.com/andreas_e.html

Apunte: Hace un par de años atrás llegó a mis oídos Northern Plains, del guitarrista Andreas Heuser y disfruté durante un buen período de tiempo de su audición. En ese momento encontré reseñas en alemán de este disco y no logré conseguir quien me las tradujera. Pasaron los días de la vida, y se fue quedando relegado, pero no fue quitado de la carpeta “Borradores”. Haciendo back-up de la PC lo encontré hoy, me puse a escucharlo y ratifiqué lo que sentí en ese momento. Northern Plains es un GRAN disco. Apenas acompañado por puntuales y estratégicas intervenciones de tres artistas invitados, Heuser exprime el jugo a sus composiciones, influenciadas tanto por la world music como por elementos de la música clàsica, optimizando el uso de las posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos que ejecuta. Todo esto sin dejar de lado la sensibilidad a la hora de transmitir vida en su música. Heuser vive en Dortmund, Alemania y actúa regularmente en el club de jazz y música contemporánea “domicil”, llevando a cabo encuentros musicales de world music con artistas de diferentes latitudes o tocando con la banda Transorient Express o Andreas Heuser-Jan Bierther Quartett. Ah! me olvidaba: la versión de “Beautiful Love” es una de las más bonitas que he escuchado. Saludos!

Track Listing

01. Presto Pressante (3:09)
02. Arrival At Eight (4:49)
03. Blue (4:29)
04. Karadeniz (5:32)
05. Your Song / Beautiful Love (3:33)
06. Lea (5:40)
07. Duolog (4:27)
08. Triple Talk (5:16)
09. Prelude Oriental (2:17)
10. Northern Plains (4:24)
11. Nautilus (3:41)

All compositions by Andreas Heuser, except: Beautiful Love (King/van Alystine/Young/Gillespie) and Karadeniz (trad./arr.: Andreas Heuser)

Artist List

Andreas Heuser: 10-string and 6-string classical guitars , 8-string steelstring guitar, requinto, octave guitar, kalimba, percussion
Guest musicians:
Raul SenGupta: tabla (tracks 2/4/6/8/10)
Ertugrul Coruk: tenor and soprano saxophone (tracks 6/10/11)
Christian Kappe: flugelhorn (track 2)

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John Zorn

tapa The Mysteries
The Mysteries (2013)

En The Mysteries, el compositor John Zorn reúne al trío de la arpista Carol Emanuel, el vibrafonista Kenny Wollesen y el guitarrista Bill Frisell para otro capítulo en su creciente cuerpo de grabaciones de cámara influenciadas por mitos y el misticismo. La primera grabación del grupo fue en el 2012, “The Gnostic Preludes: Music of Splendor”. La intimidad de aquellos trabajos es conservada aquí, pero el sabor es diferente. En el álbum anterior, donde las composiciones se tocaban de una pieza (así eran) -sin importar su diversidad estilística- las melodías aquí vagan un poco más lejos. Además, donde Emanuel era el centro indiscutible del trabajo en The Gnostic Preludes, aquí es Frisell quien adquiere ese rol en estos nueve cortes. La interacción entre el guitarrista y Emanuel en la intro de “Sacred Oracle”, la apertura del álbum, es inquietante, repetitiva, minimalista, durante los primeros dos minutos. Frisell busca el margen de la progresión de Emanuel y se mete dentro. El tema cambia y Wollesen entra con vibráfono y campanas, pero esta vez es Frisell el ajuste de la melodía. Mientras “Dance of Sappho” comienza con el arpa en melodía modal que parece antigua, el guitarrista, con solo un indicio de reverberación, pasea por los bordes de la música country e incluso de la música surf, así como Wollesen toca en agudo, cambiando ritmos en el registro superior medio de su instrumento. “Ode to the Cathars” abre como una abstracta, casi ambient pieza, con el controlado, espaciado, sustain de la guitarra de Frisell. Pero Wollesen y, a continuación, Emanuel, entran ofreciendo un pulso que finalmente se transforma en una de las más bellas melodías del registro. El cierre “The Nymphs” es el corte más largo de este set, cercano a los 11 minutos. Liderado por Frisell, esto se mueve por frases esqueléticas hacia un pos-minimalismo, pero cruza aquella línea también. Esto es aireado y aún temperamental, pleno de vueltas nudosas y turnos melódica y armónicamente como modos menores, contrapunto, y temas en miniatura, alternativamente, lo afirman -especialmente cuando Frisell decide encapricharse en las codas. The Mysteries es otra faceta del fino trío de este personaje, que elegantemente y aún con mucha curiosidad interpretan estas hermosas piezas del compositor. Su interacción está en tal alto nivel, que se siente casi instintivo.

Fuente para la reseña: Thom Jurek para http://www.allmusic.com/album/john-zorn-the-mysteries-mw0002491073

Track listing – The Mysteries

1. Sacred Oracle (5:35)
2. Hymn Of Naasenes (5:05)
3. Dance Of Sappho (4:05)
4. The Bacchanalia (2:57)
5. Consolamentum (5:48)
6. Ode To The Cathars (6:55)
7. Apollo (3:28)
8. Yaldabaoth (3:54)
9. The Nymphs (10:49)

Artist List

Kenny Wollesen: vibraphone, bells
Bill Frisell: guitar
Carol Emanuel: harp

tapa In Lambeth
In Lambeth : Visions From The Walled Garden Of William Blake (2013)

Cuando escuché The Gnostic Preludes por primera vez, describí la música como un exhuberante escenario submarino, “con caballitos de mar, peces payasos, peces disco, ídolos moros y peces mandarines”, una idílica utopía, un mundo que casi supera la belleza. Lo mismo va para su segundo proyecto, el álbum The Mysteries.

In Lambeth, de The Gnostic Trio de John Zorn (por primera vez tienen su propio nombre) trae a Bill Frisell (g), Carol Emanuel (arpa), y Kenny Wollesen (vib, campanas), pero el trío se ve reforzado por Ikue Mori (electrónica), que añade un nuevo color a su sonido. Si bien los dos primeros álbumes fueron líricos y alegres, casi pura poesía, Mori esparce una nota sombría y oscura al mundo que aquí es representado. Pero en la primera pista, “Tiriel”, Frisell, Emanuel y Wollesen abren con la familiar atmósfera que a los fans de este trío nos gustó tanto, celebrando las obras de William Blake, el romántico poeta y filósofo, a quien Zorn ya honró con su álbum “A Vision in Blakelight” el cual forma parte de su serie “21st Century Mystical Works”

Otra vez Zorn procesa fuentes filosóficas y en este álbum combina a Blake, el misticismo natural y el gnosticismo para crear un inocente y transcendente bosque encantado. Él usa simples melodías como en “Through the Looking-Glass” o un enfrentamiento entre acordes medievales del arpa, las notas bien colocadas del vibráfono de Wollesen y las líneas folk de Frisell como en “The Ancient of Days”, la mejor pista del álbum, porque los tres se azuzan el uno al otro en el frenesí musical.

Dos pistas ilustran un acercamiento ligeramente diferente en la música del trío: “The Night of Entharmon’s Joy” destaca a Frisell en una -para los standards del Gnostic Trio- guitarra muy distorsionada “The Minotaur”, en la cual Ikue Mori interviene la arena. Parece como si la pista fuera de un álbum diferente, como si hubiera una tormenta en formación. La electrónica de Mori también influye en otros instrumentos y la música más bien se parece a las nuevas composiciones musicales clásicas de Zorn o la banda sonora de un filme expresionista.

Si a usted le gusta los otros trabajos de Zorn en este campo, no se equivocará con este

Fuente para la reseña: Martin Schray para http://www.freejazzblog.org/2014/03/the-gnostic-trio-john-zorn-in-lambeth.html

Track Listing – In Lambeth

1. Tiriel (4:57)
2. A Morning Light (4:45)
3. America, a prophecy (6:17)
4. Through the Looking Glass (3:55)
5. The Ancient of Days (6:55)
6. Puck (3:35)
7. The Minotaur (3:25)
8. The Night of Enitharmon’s Joy (4:55)
9. The Walled Garden (4:32)

Artist List

Carol Emanuel: Harp
Bill Frisell: Guitar
Kenny Wollesen: Vibraphone, Bells
Ikue Mori: Electronics

Apunte: Hoy es un día difícil. Me asalta (más que cualquier otro día) la ausencia de La Bestia Políglota. Para estos días en que las sombras parecen oscurecernos el alma, el refugio, el abrazo invisible, la tibieza en el corazón, la calma, al menos en mi caso, llega con la música. Ciertamente hay infinitas obras que pueden obrar ese milagro, pero elegí estas de The Gnostic Trio porque son las que obsesivamente vengo escuchando en el último tiempo. Música curadora, contra todos los males de este mundo.

Password en ambos casos: presoventanilla