Preso ventanilla


Aaron Parks Little Big II
junio 25, 2020, 9:06 pm
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tapa Little Big II
Dreams of a Mechanical Man (2020)

“Hacer lo simple complicado es común; hacer lo complicado simple, increíblemente simple, eso es creatividad “. Estas palabras del legendario bajista / compositor Charles Mingus son una piedra de toque para Little Big, el cuarteto dirigido por el pianista Aaron Parks. La nueva grabación de la banda, Little Big II: Dreams of a Mechanical Man, se comunica con una claridad y simplicidad que oculta su máxima profundidad. “Quiero lanzar un hechizo”, explica Parks, “para adormecerte en un trance donde creas que sabes a dónde vas y luego llevarte a un lugar inesperado, casi sin darte cuenta de cómo llegaste allí”.

Esta nueva música continúa el cultivo de la banda de un lenguaje musical que combina la música creativa improvisada con una música más centrada en el groove (electrónica, indie-rock, hip-hop y psicodelia), pero sin un rastro de “fusión” educada o una sensación de que el la música está hecha de estilos dispares. Más bien, se siente perfectamente integrado, completo en sí mismo.

Dreams of a Mechanical Man es el segundo lanzamiento de Little Big en Ropeadope Records, grabado después de más de dos años de gira por Parks, el guitarrista Greg Tuohey, el bajista David “DJ” Ginyard y el baterista Tommy Crane. Una distinción principal de este nuevo álbum, según Parks, es que “hoy, la banda opera como un solo organismo. El primer disco fue sobre las melodías y la estética. Este álbum mantiene ese enfoque y también captura la química que hemos desarrollado en el camino, la forma en que esta banda se siente mientras hace música en el momento”.

Little Big de 2018 fue en sí mismo una especie de secuela del aclamado debut de Blue Note de Parks, Invisible Cinema, una grabación de 2008 que puso al compositor y al pianista en el centro de la conversación sobre cómo se estaba desarrollando el jazz en el nuevo siglo. Con Dreams of a Mechanical Man, Parks continúa explorando las posibilidades de cómo la música puede encontrar una voz que incorpore influencias de la música popular, la tradición del jazz, la composición clásica, y canciones folclóricas: ideas que ahora están encontrando su expresión más convincente y madura, ya que la composición, la interpretación y la producción se unen de maneras sorprendentes.

La asociación de producción con Chris Taylor, productor / bajista de Grizzly Bear y Department of Eagles, entre otros, también fue clave. “Fue un colaborador esencial en el estudio”, señala Parks, “agregando detalles brillantes. En la canción principal, por ejemplo, se le ocurrió la idea de una sección de percusión sobregrabada, que terminamos grabando en el vestíbulo del estudio. Es un toque sutil que ayuda a crear un fuerte sentido de lugar”. Taylor también fue fundamental para ayudar a la banda a encontrar sus mejores actuaciones, no las llamadas perfectas, sino las que capturaron a la banda en su forma más humana. “Nos ayudó a aceptar estos momentos de imperfección y crudeza, permitiendo que la música respire y cobre vida”.

“Supongo que se podría decir”, explica Parks, “vamos por y, no o. Estructura y libertad. Contención y abandono. La idea es que esta banda se sienta al mismo tiempo como una máquina bien aceitada y un equipo de improvisadores.”

Las voces de los compañeros de banda de Parks son cruciales en todo momento.  “¿Está todo bien?” y “¿Dónde ahora?” fueron totalmente improvisados en el estudio, porciones de exploraciones de forma libre más largas que se basan en la capacidad de la banda para obtener una lógica de la espontaneidad. “Esto”, dice Parks, “es la banda realmente siendo una banda, un ser vivo”.

2019 fue un año crítico para Aaron Parks, de 36 años. No solo viajó extensamente como líder con Little Big, sino que también fue un colaborador integral de “Waiting Game”, la aclamada grabación de la baterista Terri Lyne Carrington. Desde que se mudó a Nueva York desde Seattle para asistir a la Manhattan School of Music a los 16 años, Parks ha ido desarrollando gradualmente su voz distintiva. Por recomendación del legendario pianista Kenny Barron, se unió a la banda de Terence Blanchard durante cinco años y tres álbumes notables, seguido de su propio debut en Blue Note, que John Fordham de The Guardian declaró “una verdadera visión independiente” de “una estrella en rápido crecimiento”. También ha lanzado dos álbumes muy elogiados para ECM, el piano solista “Arborescence” y “Find The Way” con Ben Street y Billy Hart. Parks cofundó el supergrupo colectivo James Farm con Joshua Redman, Matt Penman y Eric Harland, y muchos otros lo han buscado como colaborador, incluyendo el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el trompetista Ambrose Akinmusire, el oudista Dhafer Youssef, la cantante Gretchen Parlato, y el baterista Kendrick Scott.

El propósito más grande de Dreams of a Mechanical Man, dice Parks, va más allá del desarrollo de ideas musicales. “Cada día nos llegan tantas noticias profundamente preocupantes, amplificadas por la forma en que consumimos medios. Es demasiado fácil para nuestros corazones sentirse abrumados y endurecidos. Para que podamos hacer el trabajo sistémico que debemos hacer para tener una oportunidad en esta Tierra, necesitaremos poder mostrarnos con nuestros corazones disponibles y completos. Debemos ser capaces de sentir”.

Parks, quien ha experimentado períodos de depresión, espera que las canciones y narraciones musicales presentadas en Dreams of a Mechanical Man puedan ofrecernos un poco de terapia. Esta es la música que tiene como objetivo hacer sonar la alarma sobre algunos de los problemas generales de nuestro planeta (“Attention, Earthlings”), nos pide que pensemos más profundamente (la canción principal “Dreams of a Mechanical Man”, evocando la historia de Pinocho y las enseñanzas de G.I. Gurdjieff), y nos invita a mirar hacia adentro para examinar cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con los demás en estos tiempos precarios (“Unknown”).

Fuente para la reseña: https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2020/05/aaron-parks-little-big-ii-dreams-of-a-mechanical-man/

Apunte: Aaron Parks y su banda parecen estar desde hace un par de años en “su zona”. Han logrado un grado de entendimiento y unidad conceptual tal, que deberían ser premiados al menos con un reconocimiento masivo de público. Su música tiene el don que, intuyo, todo artista debe desear: es inteligente, no exenta de complejidades, transmite emociones, capta la atención y a la vez es muy accesible; lo popular amalgamado con lo académico. “Debemos ser capaces de sentir” dice Aaron. Y de escuchar, agrego humildemente. Lo anoto en mi lista de discos notables del 2020.

Track Listing

01. Attention, Earthlings (5:59)
02. Here (5:44)
03. Solace (7:13)
04. Friendo (6:34)
05. Is Anything Okay? (3:24)
06. The Shadow & The Self (7:20)
07. The Storyteller (6:29)
08. Dreams of a Mechanical Man (5:32)
09. My Mistake (4:54)
10. The Ongoing Pulse of Isness (7:16)
11. Where Now? (3:22)
12. Unknown (6:57)

Artist List

Aaron Parks: piano, synthesizers, Wurlitzer, Rhodes, celeste, vibraphone, glockenspiel, chimes, voice
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard Jr: bass
Tommy Crane: drums, percussion

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Let Spin
junio 22, 2020, 7:10 pm
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tapa Steal the Light
Steal The Light (2020)

Formado en 2014, Let Spin es un cuarteto eléctrico de Londres poblado por músicos que surgieron alrededor de una década antes como parte de una escena que los periodistas de música británicos llamaron perezosamente “punk jazz”. La música era ciertamente fuerte, irreverente y directa, pero la tocaban músicos graduados del conservatorio, un grupo demográfico no asociado con el punk en su manifestación original.

Ruth Goller y Chris Williams de Let Spin, fueron miembros de dos de los conjuntos más feroces de la época. La bajista eléctrica Goller se unió a Acoustic Ladyland del saxofonista tenor Pete Wareham en 2007. El alto saxofonista Williams fue un miembro fundador de Led Bib en 2003. El guitarrista eléctrico Moss Freed se dio a conocer por primera vez como líder del Moss Project, que fundó en 2009. El baterista Finlay Panter es quizás el miembro menos conocido de Let Spin, al menos en el Reino Unido, en parte porque ha pasado años en Berlín y también porque, aparte de Let Spin, su banda británica más destacada es Beats & Pieces Big Band, con sede en Manchester, un excelente conjunto pero dentro de un género que difícilmente sea el último grito.

Como unidad, Let Spin es tan fuerte como Fred Astaire y Ginger Rogers: Steal The Light es el tercer álbum del grupo y se nota. No busque melodías tarareables o estructuras de tema-solos-tema. La música es alta energía e intensa, pero también es intrincada y matizada; y aunque se toca con pasión, también es cerebral. Exige la atención del oyente y esa atención es recompensada. El álbum atraerá a cualquiera que disfrute del vaporoso saxofón alto y de “Disrespectful” (Rainy Day Records), disco debut de Marzo del 2020 del dúo de baterías JZ Replacement, otra grabación que equilibra finamente el visceralismo con el virtuosismo.

Como beneficio adicional, Steal The Light también está inmaculadamente producido y mezclado, por Alex Killpartrick en siete pistas y Kit Downes en otra. El sonido es nítido y contundente con cada instrumento brillando intensamente. Cosas preciosas en general.

Fuente para la reseña: Chris May para https://www.allaboutjazz.com/steal-the-light-let-spin-efpi-records

Apunte: Desafiando métricas, ritmos y melodías, Let Spin experimenta aventurandose más allá del mundo del jazz y del rock, logrando salir triunfante: Steal The Light exige atención, es cierto, pero el oyente obtendrá una experiencia auditiva fascinante; con pasajes donde muestran poder y convicción, también puede atraer la atención de un público rockero más exigente (por aquí y por allá se escuchan algunas ecos crimsonianos…). Recomendable!!.

Track Listing

1. Wormholes (6:04)
2. Sketch (5:06)
3. Bells (5:18)
4. Cosmoss (5:52)
5. Morecambe (5:05)
6. Los (4:45)
7. Ghostly (5:43)
8. The Aftermath (7:10)

Artist List

Moss Freed: electric guitar
Chris Williams: alto saxophone alto
Ruth Goller: electric bass
Finlay Panter: drums

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Sun Speak
mayo 29, 2020, 8:24 pm
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tapa Moon Preach
Moon Preach (2019)

El dúo instrumental del guitarrista Matt Gold y el percusionista Nate Friedman, conocido como Sun Speak, crea paisajes sonoros texturizados y melifluos complejos y vibrantes con medida espontaneidad. En su cuarto lanzamiento, Moon Preach , el tecladista / compositor Dan Pierson se une al grupo y aporta fondos sonoros inquietantemente dramáticos a los diez originales cautivadores.

Un dron suave y de otro mundo realza el silencio en el nocturno “Jagged Midnight”. Gold elocuentemente rasguea la melancólica melodía, mientras los tambores de Friedman se filtran y galopan agilmente. Las líneas contemplativas de Gold fluyen con elegancia hipnótica y resuenan en un fondo compacto y armónico.

La mayor parte de la música es tan cinematográfica que podría servir como estudio para las bandas sonoras. Por ejemplo, el místico “Quilt” comienza con un intercambio entre acordes de guitarra densos y ritmos de batería que resuenan contra sintetizadores boyantes. Los patrones repetitivos evolucionan en una interacción nostálgica y anhelante entre los miembros del trío, a medida que la pieza se vuelve más intrincada y multicolor con la cantidad justa de ruido para darle un toque apasionado.

Del mismo modo, es fácil conjurar diferentes imágenes mientras se escucha, por ejemplo, “Rubato”. Se abre con refranes cuasi-barrocos que avanzan sobre tambores retumbantes, creando el ambiente expectante de una película. Las cuerdas abrasadoras de Gold irrumpen con un toque dramático, posiblemente señalando el clímax de los eventos. Luego, la actuación colectiva se suaviza, volviéndose lírico e introspectiva, quizás demostrando la resolución de conflictos. La pista concluye con sereno romanticismo mientras termina la “historia”.

La sinergia interna del trío es notable y esencial en la elaboración de estas melodías fascinantes, la más intrigante de las cuales es quizás “Foxon”. La percusión angular y fluida de Friedman contrasta con la cáustica guitarra de Gold. A medida que la música despega, oleadas de notas ardientes inundan los tambores galopantes y se alternan con segmentos disonantes, resultando así en un ambiente visceral y conmovedor.

Gold y Friedman juntos hacen, a falta de una mejor descripción, alquimia musical. Esto es más cierto en Moon Preach que en sus anteriores e igualmente excelentes álbumes, gracias al uso sublime de teclados eléctricos por parte de Pierson. Este trabajo cautivador nutre la imaginación y mueve el alma.

Fuente para la reseña: Hrayr Attarian https://www.chicagojazzmagazine.com/post/cd-review-sun-speak-moon-preach

Apunte: Nacido en Long Island y actualmente residente en Chicago, donde llegó con poco más de veinte años, el guitarrista Matt Gold ha estado haciendo música con una variedad de artistas de jazz de vanguardia como el baterista Makaya McCraven y el saxofonista Greg Ward, así como con sus propios grupos: su trío con el baterista Jeremy Cunningham y el bajista Ryan Doherty, el dúo Sun Speak con el baterista / percusionista Nate Friedman y el dúo cantautor Storm Jameson con el guitarrista Jim Tashjian. Además este muy inquieto artista tiene su propio sello musical (Flood Music) y ha organizado desde el 2015 una serie de conciertos con el mismo nombre para presentar música nueva en una franja de géneros, que reúne a los mundos de cantautores y bandas instrumentales y de improvisación. De padres con una rica vida musical sin ser músicos profesionales, recientemente, Matt Gold ha dicho “siento que soy producto de estar expuesto a una amplia variedad de sonidos y tener la oportunidad de explorar la ejecución de música desde una edad temprana de una manera divertida y significativa”. Sun Speak con Moon Preach da fé que esa exploración es rica, sensible y creativa.

Track Listing

01. Alaska (4:26)
02. Jagged Midnight (4:13)
03. Mbira (3:39)
04. Foxon (5:01)
05. Roost (2:59)
06. Offhue (3:07)
07. Quilt (6:31)
08. Rubato (4:16)
09. Low Light (4:07)
10. Davlin (4:00)

Artist List

Matt Gold: guitar, bass, lap steel, analog synthesizer, harmonium
Nate Friedman: drums, percussion
Dan Pierson: Wurlitzer, analog synthesizer

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Chris Lightcap

tapa Epicenter
Epicenter (2015)

Chris Lightcap es bajista de un bajista. Como acompañante de líderes como Regina Carter, Matt Wilson, Joe Morris, Marc Ribot y Craig Taborn, su cronometraje sólido como una roca puede ser bastante discreto. Es una especie de superpegamento firme que los líderes y compositores tienen en alta estima.

Como líder y compositor, hay otro Chris Lightcap. Epicenter, es su tercer lanzamiento de Bigmouth, después del quinteto “Deluxe” (Clean Feed, 2010) y un cuarteto “Bigmouth” (Fresh Sound New Talent, 2002). Él continúa mostrando su habilidad para esculpir música utilizando una línea de dos saxofones tenores. Grabando previamente con Tony Malaby y Bill McHenry , luego Malaby y Andrew D’Angelo, y ahora Malaby y Chris Cheek .

Las primeras siete pistas aquí, “Lost and Found: New York” fueron encargadas por la Chamber Music America New Jazz Works en 2011. La escritura de Lightcap se basa en la antigua vanguardia del jazz que no evitó el tempo y el pulso infeccioso. La canción de apertura “Nine South”, con Craig Taborn reiterando las notas de piano de Wurlitzer, teje un intrincado panel de sonido. Esa colcha, cada vez más cómoda, es una síntesis del groove absorbente establecido por el bajista y el baterista Gerald Cleaver y el ataque de los dos tenores. El sonido brusco de Malaby se yuxtapone al enfoque amigable de Cheek. La canción principal, un despegue de la antigua música de Ornette Coleman, aparece con energía y vigor. La música se derrama dulce y salada, con la sección de ritmo puesta a punto.

Con los teclados de Taborn, las opciones disponibles para Lightcap parecen infinitas. Puede tocar música nueva circular, crear una densa nube de sonido y alternar entre piano y órgano acústico y eléctrico. “Down East” es una composición impactante que es abono para que su banda ataque y “Stillwell” y “Stone By Stone” armonicen más suavemente entre sí. “All Tomorrow’s Parties” de Lou Reed, recuerda la majestuosidad de The Velvet Underground. Recordándonos cómo los pillos también pueden ser de la realeza.

Fuente para la reseña Mark Corroto para https://www.allaboutjazz.com/epicenter-chris-lightcaps-bigmouth-clean-feed-records-review-by-mark-corroto.php

Track listing – Epicenter

1. Nine South (7:33)
2. White Horse )2:13)
3. Epicenter (9:08)
4. Arthur Avenue (7:57)
5. Down East (2:45)
6. Stillwell (10:05)
7. Stone By Stone (8:01)
8. All Tomorrow’s Parties (5:50)

Artist List

Chris Lightcap: bass, acoustic guitar (track 2), organ (track 2)
Craig Taborn: piano, wurlitzer electric, organ (track 2)
Gerald Cleaver: drums, percussion
Chris Cheek, Tony Malaby: tenor saxophone

tapa Superette
Superette (2018)

Así como el bajista, compositor y director de orquesta Chris Lightcap a menudo había tocado los límites del jazz con composiciones y arreglos que a menudo iban en direcciones modernas, vanguardistas y de fusión, por lo general se las arreglaba para mantenerse atado a una sensibilidad post-bop. El supergrupo Bigmouth fue su vehículo para esa salida creativa de él y ese proyecto recientemente le ha cosechado algunos merecidos elogios. Pero con Superette, el jazz, así como su bajo acústico, es arrojado por la ventana para algo completamente diferente.

Para empezar, no esperarías encontrar un álbum de Lightcap y la primera canción que escuchas es una melodía de tres minutos que parece que podría haber venido de The Ventures (“Selector”), pero esa es solo la salva inicial para mostrar otros lados de Lightcap.

Lightcap armó un nuevo conjunto para su nueva aventura, uno con dos guitarristas, Curtis Hasselbring y Jonathan Goldberger, con Dan Rieser en la batería y el líder únicamente en el bajo eléctrico. Juntos, van a través de (en su mayoría) originales de Lightcap y Hasselbring, que incorporan elementos de surf, psy trance e incluso harmolodics.

A menudo evocando las tranquilos y psicodélicas jams de finales de los `60 tanto como la guitarra surf de Link Wray, pasando lentamente por pistas como “While You Were Out” y “Calling On Cars” toman su tiempo en el groove. Hasselbring y Goldberger involucran un poco de funky en “Frozen Bread” del primero, en un ritmo cerrado por Lightcap y Rieser. Con su banda Superette, una cosa que Lightcap transfiere de sus proyectos de jazz es su equilibrio entre la soltura y la concordancia: para “She Walked In”, él preparó difíciles líneas de plomo que toca al unísono con las guitarras y más tarde, con un solo de Wurlitzer. pero concluye compartiendo un patrón con Goldberger.

¿Mencioné que había un organista en esa canción? Bueno, sí: aproximadamente la mitad de las pistas están adornadas con el órgano invitado de John Medeski y/o una tercera guitarra de Nels Cline, dos personajes conocidos que se sienten cómodos en cualquier entorno imaginable. Los dos se escuchan juntos por primera vez en “Far Away Planet”, un sencillo riff de tres acordes con un ritmo atronador y una cacofonía de tres guitarras y órganos que participan de una jam total. Cline también se une a Hasselbring y Goldberger para un trance de Mali en “Djali” (transmitido arriba), donde la atracción son las líneas de plomo fuertemente entrelazadas con los rasgueos brillantes. Sin embargo, es difícil ignorar esa sección de ritmo de Lightcap / Rieser.

“Ace Of Spades” se ocupa de su negocio de la manera normal de otras canciones en este disco hasta que Cline interviene con un solo ondulante que lleva la canción a un final vertiginoso. Su contribución final se presenta en forma de un raro giro en la steel-guitar, en “Light Trails”, donde Medeski derrama una tajada conmovedora de Hammond B3.

El álbum concluye con la hermosa balada de Neil Young, “Bird”, usando las guitarras vibrantes de Hasselbring y Goldberger para descifrar más del aspecto country de la canción que solo estaba implícito en el original, y luego, sorprendentemente, Lightcap descorcha un bajo fuzz que sugiere el lado Crazy Horse de Young.

Al presentar su banda Superette, Chris Lightcap muestra que invierte una buena cantidad de arte serio en su trabajo, incluso cuando está haciendo música casual y divertida.

Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2018/08/30/chris-lightcap-superette-2018/

Track Listing – Superette

1. Selector (2:50)
2. Light Trail (5:47)
3. Far Away Planet (5:12)
4. While You Were Out (6:59)
1. Djyali (5:35)
2. Calling On Cars (6:56)
3. She Walked In (3:19)
4. Frozen Bread (4:49)

Artist List

Jonathan Goldberger: guitar
Curtis Hasselbring: guitar
Chris Lightcap: bass
Dan Rieser: drums
Special guests:
Nels Cline: guitar
John Medeski: organ

tapa SuperBigmouth
SuperBigmouth (2019)

Las dos bandas lideradas por Chris Lightcap, parecería en la superficie, no tienen mucho en común. Bigmouth, un asunto en gran parte acústico con Lightcap en contrabajo, Craig Taborn en piano y teclados, Tony Malaby y Chris Cheek dividiendo los deberes del saxofón tenor y la batería de Gerald Cleaver, ha estado dando vueltas por más de una década. El Superette, un cuarteto totalmente eléctrico, basado en el rock (Lightcap junto con dos guitarristas, Jonathan Goldberger y Curtis Hasselbring, con Dan Rieser a la batería), solo lanzó su álbum debut en 2018.

Probablemente no esperarías ver los dos combos en la misma factura, y mucho menos compartir un escenario, pero no eres Chris Lightcap. ¿Por qué no, reflexionaron el músico y el compositor , combinar las dos bandas en un octeto y ver qué pasa?

Lo que sucedió fue SuperBigmouth , un nuevo híbrido aventurero cuyo álbum debut homónimo fue lanzado en octubre por Pyroclastic Records.

“La idea de unir las dos bandas se me ocurrió casi inmediatamente después de que se me ocurrió Superette”, dice Lightcap por teléfono en la víspera del lanzamiento del álbum de ocho canciones. “Probablemente no fue la idea más práctica que he tenido: dos bateristas y dos saxofones tenor, dos guitarras, Craig y yo, una banda de ocho integrantes. Pero comencé a imaginar cómo sonaría, en particular Tony y Chris con saxofones tenor que interactúan con Curtis y Jonathan en las guitarras. Y luego, la primera vez que nos reunimos, superó mis expectativas. Me dio la voluntad de seguir haciéndolo más y seguir escribiendo música, y eso finalmente me llevó a la grabación”.

Lo más fascinante de SuperBigmouth es cómo está amalgamado -incluso mientras exhibe las melodías y armonías de pantalla ancha, improvisaciones emocionantes y giros inesperados que han caracterizado el trabajo anterior de Lightcap como líder- suena como ninguna de las dos entidades separadas. Lightcap dice que las dos-bandas-en-una, rápidamente se tomaron una a otra durante un par de conciertos que tocaron antes de la sesión de grabación que produjo el álbum.

“Escribí con un cierto sonido en mente”, dice, “y luego aportaron su propia personalidad. Y la forma en que se desviaba de mi imaginación fue que era simplemente mejor. Nunca fue como, Oh hombre, eso no es lo que estoy buscando. ‘Me gusta abrazar el desorden de la misma.”

Al componer para el proyecto, Lightcap consideró las tendencias y estilos específicos de los músicos individuales (excepto los bateristas; quería que descubrieran los ritmos en tándem por su cuenta). La escritura fue influenciada inicialmente por su reciente inmersión en su colección clásica de vinilos, “secciones un poco más extendidas, un poco más contrapunto de lo que normalmente escribo”. Algunos materiales “terminaron siendo mucho más estrictos en su construcción, y otras cosas son aún más estrictas porque quería que fuera mucho más un vehículo para piezas más libres, más orientadas a la improvisación grupal”.

Mucha confianza fue en la dirección que la música finalmente tomó. Varios de los músicos tocan en las bandas de los demás, pero otros, en particular los dos bateristas, nunca habían tocado juntos antes. “Nadie trae ningún tipo de agenda”, dice Lightcap. “Mis dos bandas se basan en la idea de que la música sirve a la banda, y realmente escucho más puntos en común que diferencias. Todos estamos tratando de hacerlo funcionar. Es un arreglo bastante excelente”.

Para Lightcap, tanto SuperBigmouth como las dos bandas por sí mismas, ofrecen oportunidades para explorar los diversos aspectos de su propia personalidad musical. Como colaborador y acompañante con más de dos décadas de experiencia, ha contribuido con el trabajo de bajo —principalmente contrabajo, pero virando cada vez más hacia la electricidad en los últimos años— a grabaciones y conjuntos en vivo dirigidos, entre otros, por Matt Wilson, Taborn, Nels Cline y Regina Carter, la violinista que describe simplemente como “increíble”.

“No tomo ese tipo de relaciones por sentado”, dice. “Disfruto poder ir a diferentes zonas de forma sonora. Me gusta tener esa flexibilidad”.

Sin embargo, para aquellos que conocían a Lightcap solo como contrabajista, la aparición del más agresivo Superette puede haber sido una sorpresa. Le tomó un tiempo, y un período marcado por visitas a la música en la que creció (The Beatles, The Band, James Brown), antes de que pudiera calentar lo suficiente con el bajo eléctrico como para ponerse uno. Luego, dice: “Pensé, ‘¡Dios mío, esto es genial! Este es el sonido de bajo al que respondo. Fue algo muy gradual porque tenía una carrera establecida como contrabajista. Entonces, de vez en cuando, alguien me llamaba para tocar con un cantante / compositor y le decía: ‘Oh, ¿puedo tocar eléctrico en este?’

Ahora, habiendo abierto otra avenida con SuperBigmouth, Lightcap dice que solo quiere “ver qué pasa después”. Tengo un par de ideas diferentes, pero todavía no estoy seguro de cuáles serán”.

Fuente para la reseña: Jeff Tamarkin para https://jazztimes.com/features/profiles/chris-lightcap-two-become-one/

Track listing – SuperBigmouth

1. Through Birds, Through Fire (5:52)
2. Zero Point Five (8:53)
3. Queenside (5:17)
4. False Equivalency (4:07)
5. Deep River (8:38)
6. Nothing If Not (6:05)
7. Quinine (5:32)
8. Sanctuary City (3:48)

Artist List

Craig Taborn: organ, piano, wurlitzer
Tony Malaby: tenor saxophone (solo: Queenside)
Chris Cheek: tenor saxophone (solo: Deep River)
Jonathan Goldberger: guitar (solo: Queenside)
Curtis Hasselbring: guitar (solo: Quinine)
Chris Lightcap: bass
Gerald Cleaver: drums
Dan Rieser: drums

Apunte: Epicenter es el tributo de Lightcap a Nueva York, su ciudad adoptiva. La maestría de Lightcap se manifiesta en que el desarrollo de su poesía jazzera, compuesta de vanguardia y accesibilidad, contiene de manera orgánica a esas fuerzas de la naturaleza que son sus saxofonistas, en especial Malaby. Superette es un asunto de dos guitarras y ritmos tomando al surf rock como vehículo, y al igual que Epicenter, se propone (y lo logra) sincronizar el pasado y el presente con el pop y el jazz. La mezcla resultante es tremendamente entretenida. SuperBigmouth es toda una experiencia auditiva, a un buen volumen, ya sea con auriculares o no, resulta embriagadora para los sentidos y admirable por como este octeto sostiene casi cincuenta minutos de acción instrumental tan densa como fluida y de fuerte inspiración colectiva. Tres obras estupendas, extremadamente recomendables!

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João Barradas

tapa Home - An End as a New Beginning
An End as a New Beginning (2017)

Después de un recorrido por varias etapas para despertar su apetito, he aquí que, a fines de esta semana, sale el tan esperado álbum del grupo Home de João Barradas, aún a raíz del primer y excelente título del acordeonista portugués en nombre propio, “Directions”. Lo que viene en An End as a New Beginning es sustancialmente diferente de ese álbum, aunque dentro de los parámetros a los que el joven músico ya nos ha acostumbrado. Y diferente, para empezar, debido a la instrumentación elegida: un acordeón MIDI que suena como un piano eléctrico Fender Rhodes y como un sintetizador (un MiniMoog, al parecer, en la pista del título y en “Between Myself and I”), dos guitarras eléctricas (Mané Fernandes y Gonçalo Neto), vibráfono (Eduardo Cardinho), bajo eléctrico (Ricardo Marques) y batería (Guilherme Melo).

Igualmente importante para la identidad misma del proyecto es el tipo de materiales utilizados, lo que resulta en un jazz eléctrico con una fuerte presencia de rock, pop (la melodía de la balada instrumental “The Human Journey in Search of Meaning” es una de las más bellas que surgió en Portugal en los últimos años) y músicas de danzas urbanas. De hecho, a partir de este último componente, vendrá el carácter “rebotador” de la mayoría de las composiciones, aunque con una similitud en los tratamientos rítmicos que las hacen parecer variaciones de la misma fórmula: el procedimiento da unidad al CD, pero también lo convierte en algo repetitivo. “Interlude”, con Barradas como solista, escapa a esa fórmula y es otra joya que podemos aquí encontrar. Si apareciera más adelante en la alineación (es el tercer tema) nos permitiría recuperar el aliento cuando más lo necesitamos, pero probablemente la intención es estar en un estado de “alta” permanente. Además del notable trabajo del líder, destacamos algunos magníficos solos de sus socios, como “I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me” de Cardinho, y “Openings and Closings”, de Neto en la ya referida “The Human Journey …” y de Fernandes en “Homesick”, con su procesamiento de guitarra inmediatamente reconocible. Pues aquí hay algo que merece nuestro aplauso.

Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2017/10/02/joao-barradas-home-end-new-beginning-nischo-inner-circle-music/

Track Listing – An End as a New Beginning

1. Aurora (7:15)
2. The Human Journey in Search of Meaning (6:28)
3. Interlude I (3:47)
4. I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me (7:36)
5. Homesick (7:24)
6. Openings and Closings (8:40)
7. An End as a New Beginning (6:54)
8. Between Myself and I (4:03)

Artist List

João Barradas: acordeão MIDI
Mané Fernandes: guitarra
Eduardo Cardinho: vibrafone
Gonçalo Neto guitarra
Ricardo Marques: baixo
Guilherme Melo: bateria

tapa Portrait
Portrait (2020)

De João Barradas estamos acostumbrados a esperar lo mejor. Pero también que cada nuevo título tuyo nos ofrezca algo que no estaba en el anterior. Este es el caso de este Portrait y es de esperar que este sea también el caso de otro álbum con el nombre del acordeonista y compositor portugués que se prometió para estos días, “Solo I”. Incluso por las características ya anunciadas, ya que es un solo absoluto y totalmente improvisado. Lo que es evidente es que tales resultados no se derivan solo de un deseo de variedad: Barradas se ha embarcado en una misión de búsqueda e investigación que, continuando como antes, lo llevará a él y a nosotros con él, a logros que sin duda serán notables.

Es cierto que en Portrait encontramos un gusto por los ritmos compuestos y la reorganización de la interpretación implicada por la presencia de un vibráfono (en el sentido de que es necesario hacer que se escuche cuando hay niveles más altos de intensidad) que ya estaba en “An End as a New Beginning”, con el grupo Home, pero el enfoque es totalmente diferente. Esta vez, hay menos presencia de escritura, dejando todo abierto en términos de interpretación y más espacio para la improvisación, ya sea colectiva como individual y solista. Esta vez también, el factor “groove” está menos definido y más sujeto a mutaciones. Está allí y se impone, pero en lugar de circunscribirse se expande y conduce a otros lugares, otras posibilidades.

Para este nuevo disco, Barradas utilizó los servicios de Mark Turner en el saxofón tenor que aparece en cuatro de los temas, del vibrafonista Simon Moullier (excelente combinación de este con el acordeón MIDI para actuar como Fender Rhodes), de Luca Alemanno en el bajo y Naíma Acuña a la batería. De la interacción de estos músicos surge un jazz contemporáneo muy influenciado por el rock y otras tendencias urbanas de nuestro tiempo (atención a los “beats” de la baterista), pero en una versión “canalla” que contrasta con la limpieza y el virtuosismo de los oficios de los Home. El ingenio performativo y el desinterés en cuestión son, además, la medida de la vitalidad musical alcanzada, muy equivalente a la de una actuación en vivo en la que lo que importa es la comunicación con el público y no una idea ilusoria de la perfección.

Incluso escuchamos sonidos accidentales, por ejemplo, respiración, ruidos de manipulación instrumental, que generalmente se eliminan de una grabación de estudio. La misma circunstancia de que las piezas no están “envueltas” y trabajadas en términos de postproducción, terminando sin una resolución de composición real, le da al conjunto una fluidez muy cautivadora y ese tipo de humanidad que la tecnología musical ha ido diluyendo a lo largo de su evolución. Con este Portrait finalmente podemos decir que João Barradas se ha convertido en uno de los músicos creativos más importantes del jazz actual, y no solo con respecto al territorio nacional. Es difícil imaginar lo que hará en unos 10 años, solo que será algo grande.

Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/16/joao-barradas-portrait-nischo-inner-circle-music/

Track Listing – Portrait

01. Care (Feat. Mark Turner) (4:22)
02. Resilience (7:03)
03. Changes (6:35)
04. Common Good (5:56)
05. AMFM (5:18)
06. Episode (Naíma’s Intro) (1:31)
07. Episode XII (Drums Chant) (Feat. Mark Turner) (2:49)
08. Inner Circle (7:47)
09. Joy Ryder (Feat. Mark Turner) (3:09)
10. The Order of Things (Feat. Mark Turner) (8:33)

Artist List

João Barradas: Accordion, Synth Accordion, Voice and Composition
Mark Turner: Tenor Saxophone
Simon Moullier: Vibraphone
Luca Alemanno: Doublebass
Naíma Acuña: Drums

Apunte: Para contextualizar, João Barradas es un acordeonista y compositor nacido en Porto Alto, Ribatejo, Portugal, en 1992 (ahora con 28 años); ha sido galardonado con múltiples premios, e influenciado por el jazz y la música de fusión. Después de investigar y estudiar la historia básica del acordeón, Piazzolla y el nuevo tango, pasando por el árbol etimológico de los acordeonistas estadounidenses, Johnny Meijer en Europa y todos los acordeonistas de música antigua, moderna y clásica, João comenzó a darse cuenta que la música que escuchó en su cabeza no coincidía con todos estos ejemplos y estaba más cerca de las personas que había descubierto en YouTube y que, de hecho, no tenía nada que ver con el acordeón. Gente como Herbie Hancock, Lester Young, Brandford Marsalis, Ahmad Jamal, Steve Coleman o Jack DeJohnette; personas que no son consistentes con la imagen del sombrero y el bigote que saben asociarse inmediatamente con el instrumento en Portugal. Para cerrar: no es casual que haya grabado con el sello Inner Circle Music, propiedad de Greg Osby. La aparición de Barradas nos genera un entusiasmo similar al que tuvimos cuando descubrimos a Vincent Peirani. No más palabras, que suene la música!

Password en ambos casos: presoventanilla



Ricardo Pinheiro / Miguel Amado

tapa Lab
LAB (2020)

En los últimos años, ha habido un proceso creciente de exploración de afinidades creativas entre músicos de diferentes territorios estéticos y diferentes generaciones. Un ejemplo de esta sana realidad es el álbum debut del proyecto LAB, el resultado de una asociación entre dos músicos con una sólida reputación en la escena nacional, con un viaje de casi dos décadas: el guitarrista Ricardo Pinheiro y el bajista Miguel Amado.

Pinheiro ha desarrollado un trabajo relevante como líder de sus propias formaciones y como miembro de otros grupos, lo que se puede ver en numerosos registros y también en el campo académico. Su enfoque sigue siendo elegante y equilibrado, con elementos que van desde el jazz “mainstream” hasta el rock progresivo. También con importantes álbumes editados a su propio nombre, Amado es un bajista virtuoso y versátil, características que han motivado su participación en otros proyectos de diferente naturaleza, como el Lisbon Underground Music Ensemble (LUME), de Marco Barroso, formaciones lideradas por el guitarrista Pedro Madaleno, sPILL de André Fernandes, el quinteto de Rodrigo Gonçalves o el septeto del Hot Clube de Portugal. Los dos han cruzado colaboraciones en el pasado, en álbumes como “Song Form” (2013), de Pinheiro, y “The Long Rest” (2016), de Amado. Se repartieron también, con el baterista Bruno Pedroso, el liderazgo del proyecto Triology, que en 2014 dió origen al disco homónimo.

A este laboratorio, creado desde cero, trajeron composiciones de ambos e invitaron a dos de los jóvenes músicos más interesantes de la nueva generación del jazz nacional, el saxofonista Tomás Marques y el baterista Diogo Alexandre, ambos ganadores de la edición 2019 del Young Musicians Award en Categoría “Jazz”. Marques, oriundo de Estarreja, se ha destacado como miembro del proyecto Entre Paredes de Bernardo Moreira y Big Band Estarrejazz, además de liderar sus propios grupos, a saber, trío y quinteto, con Alexandre a la batería. Este último también se unió a la formación que grabó “Autotelic”, de Javier Subatin, un guitarrista argentino con sede en Portugal, y formó un dúo de saxofón / batería con el superlativo João Mortágua.

Esta red de complicidad se puede ver en una colección diversa de piezas en las que se reflejan múltiples influencias. “As UR” tiene un comienzo deudor de cierto pop-rock sofisticado, marcado por diálogos entre guitarra y saxofón (fundamentales en el abordaje del cuarteto) y una sección central con buenos solos de Marques y Amado, hasta que el motivo melódico se reanuda en final. “Black Light” no exhibe mucha prisa, con la guitarra expresiva de Pinheiro en estrecha interacción no solo con el saxofón, sino también con un dúo rítmico que participa activamente en la construcción del sonido.

“Canção de Embalar a Isabel” no defrauda el título, en su entrañable delicadeza, con las digitaciones de Pinheiro que sirven de base para que el saxofón dibuje una melodía suave. Los otros instrumentos aparecen después y agregan luz. “Isabelita” (¿es la misma Isabel?) mantiene el tono sereno, pero distante del formato tradicional de balada. “Learning How to Live”, en su atmósfera claustrofóbica basada en un motivo hipnótico, parece estar en deuda con los caminos que siguió David Bowie en el último “Blackstar” y es la mejor pieza del disco. El dinamismo de “Mar Picado” muestra al cuarteto exponiendo los niveles de cohesión, con Pinheiro notable creando texturas y Marques suelto como más nos gusta escuchar; Amado realiza su mejor solo en el álbum y el baterista demuestra ser capaz de dosificar explosión y contención. “When I See You Again” introducida con detalles de filigrana, cierra un registro sobrio y de audición placentera.

Fuente para la reseña: António Branco para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/17/ricardo-pinheiro-miguel-amado-lab-asur-music/

Apunte: LAB es el feliz encuentro intergeneracional de talentosos músicos portugueses, encabezados por los mayores Ricardo Pinheiro y Miguel Amado y los escasamente veinteañeros Diogo Alexandre y Tomás Marques. La energía juvenil se nota en cada tema, que abarcan, como no puede ser de otra manera, un amplio espectro musical que va desde el jazz contemporáneo más melódico (Canção De Embalar a Isabel) a la fusión más power (As U R) o a un rock cuasi industrial (Learning How to Live). Todos virtuosos, esquivan inteligentemente los excesos y el resultado se agradece con la necesidad de escuchar todo el álbum de nuevo. Párrafo aparte para los unísonos de Pinheiro y Marques y el desempeño suelto, potente y dinámico a lo largo de todo el álbum de Alexandre.

Track Listing

1. Mar Picado (9:21)
2. When I See You Again (7:03)
3. Isabelita (5:05)
4. Black Light (6:50)
5. As U R (7:35)
6. Learning How to Live (7:07)
7. Canção De Embalar a Isabel (5:16)

Artist List

Ricardo Pinheiro: guitarra eléctrica
Miguel Amado: bajo eléctrico
Tomás Marques: saxofón alto
Diogo Alexandre: batería

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Kneebody
mayo 17, 2019, 9:04 pm
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tapa Anti-Hero
Anti-Hero (2017)

“El noveno álbum de estudio del quinteto de jazz-rock acústico-eléctrico, Anti-Hero, es un asunto fangoso y sin alegría. Más que nunca, Kneebody se ha vuelto ambiciosamente antémico, yendo por encima de todo lo demás, pero esta vez la naturaleza pomposa de la música eclipsa cualquier indicio de diversión.” Steve Greenle para https://jazztimes.com/reviews/albums/kneebody-anti-hero-motema/

“Tan atractivo al instante como es Anti-Hero, no es una aventura rápida. Advertencia: antes de que se dé cuenta, permanecerá habitualmente en su apartamento, y lo acompañará a todas partes en el automóvil, reorganizando sus listas de reproducción. Sin embargo, no se preocupe, las escuchas repetidas revelan una profundidad digna de una relación a largo plazo (y es posible que simplemente se encuentre despejando un lugar en la mejor de las estanterías de 2017).” Mike Jacobs para https://www.allaboutjazz.com/anti-hero-kneebody-motema-music-review-by-mike-jacobs.php

“…Anti-Hero, en consecuencia, es un álbum con todas las marcas de un conjunto experimentado: controlado y cuidadoso, indulgente y satisfecho, frustrantemente desafiante. Es un disco que sufre por falta de fuerza limitante. El jazz en la era post-posmoderna se ha convertido en una bestia indomable y elaborada, y las bandas como Kneebody a veces parecen sufrir bajo el peso de todas las opciones disponibles para ellos.” Colin Fitzgerald para https://www.popmatters.com/kneebody-anti-hero-2495389946.html

“…No es que Kneebody desafíe los géneros, es simplemente que la banda se niega a ser acorralada por ellos. Como la mejor música improvisada, la paleta de sonidos de Kneebody toma influencias de muchas fuentes: la fusión de los 70, el heavy metal, el hip-hop, el bebop y el soul clásico, solo por mencionar algunos…Los músicos en Kneebody saben dónde ha estado esta música y dónde la quieren llevar. En Anti-Hero, han creado un vehículo que nos permite simplemente disfrutar del viaje.” Frank Alkyer para http://downbeat.com/reviews/detail/anti-hero

“Kneebody está bien establecido en este punto como uno de los líderes en jazz contemporáneo creativo, pero el hambre de sus primeros años aún no ha mostrado signos de desgaste. Esta es una banda aún en su período pico, y Anti-Hero es la prueba de ello.” S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2017/03/01/kneebody-anti-hero-2017/

Apunte: Al momento de buscar una reseña que contara un poco de que se trata Anti-Hero, me sorprendió la disparidad de opiniones que encontré en la web, tanto positivas como negativas. Me pareció interesante mostrar esas posturas. De todas maneras, si el álbum está en MQC/PV, obviamente entenderán que me gusta (mucho). Kneebody es en esencia una banda fusión de jazz-rock, aunque su sonido subraya la inutilidad de calificarla como tal en el sentido clásico del término: el placer más consistente que ofrece Kneebody y Anti-Hero es la forma en como se desenvuelven sus músicos como un solo organismo de una fuerza y lirismo que no están limitados por una sola tradición.

Track Listing

01. For the Fallen (5:21)
02. Uprising (7:01)
03. Drum Battle (10:07)
04. Anti-Hero (5:59)
05. The Balloonist (3:31)
06. Mikie Lee (5:22)
07. Profar (4:43)
08. Carry On (3:03)
09. Yes You (6:23)
10. Austin Peralta (6:06)

Artist List

Ben Wendel: sax
Shane Endsley: trumpet
Kaveh Rastegar: bass
Adam Benjamin: keyboards
Nate Wood: drums

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SLUGish Ensemble

tapa SLUGish Ensemble
An Eight Out Of Nine (2018)

Slow & Steady Records anuncia el lanzamiento del álbum debut de SLUGish Ensemble, An Eight Out Of Nine. Buscando la terapia musical como una relación que estaba llegando a su fin, el líder de SLUGish, Steven Lugerner, volvió a visitar una selección de grabaciones nostálgicas de muchos de sus artistas favoritos. “Comencé a hacer una lista de canciones que me arrancaban el corazón, mi alma y mis oídos”, escribe Lugerner. “La colección de canciones que escuchas en este álbum son todas las canciones que se han incorporado profundamente en mi espíritu musical”.

Lugerner también quería explorar la organización de un repertorio “no-jazz” para un conjunto completamente instrumental, con raíces de jazz como con SLUGish. Lugerner tomó prestada una técnica de composición de Dave Longstreth de Dirty Projectors, donde uno recrea de memoria una canción, después de un largo período de tiempo sin escucharla. Esta es la base de An Eight Out Of Nine, en la que Lugerner volvió a la misma pregunta una y otra vez: “¿Qué significa crear y componer algo que es humilde, que podría quedar atrapado en tu oído y obligarte a sentarte con él, incluso contra tu voluntad a veces?”

An Eight Out of Nine se registró en tres fases. En mayo de 2017, el bajista Todd Sickafoose (quien también coprodujo el álbum), la baterista Allison Miller (que estuvo en las actuaciones inaugurales de SLUGish en 2015) y la pianista Carmen Staaf se unieron a Lugerner en Fantasy Estudios en Berkeley, CA para grabar la capa fundamental de la música. Para la segunda fase, Lugerner se aisló en la cabaña de su familia en Arnold, California, y registró todas las sobregrabaciones de vientos de madera, incluidos el clarinete bajo, flauta y saxofones. La tercera fase invitó a los colaboradores regulares de Lugerner para hacer overdubs adicionales: el trombonista Danny Lubin-Laden (Monophonics, Brass Magic), el trompetista Max Miller-Loran (Invisible Inc., Watsky, Brass Magic), el vibrafonista Mark Clifford (Dirty Snacks Ensemble), la celista Crystal Pascucci, el guitarrista Justin Rock (Bastet, Never Weather) y el saxofonista tenor Daniel Rotem (Herbie Hancock, Usher). “Quería a propósito producir el álbum de una manera que rozara el proceso establecido de muchas grabaciones de jazz. Quería alejarme de las limitaciones que acompañaban a la grabación de un conjunto de este tamaño en una sala en vivo. En última instancia, este es mi intento sonoro de acercarme a la realización del ‘sonido’ que he estado imaginando en mi cabeza desde que empecé a componer y arreglar música”.

A pesar de ser reconocido en primer lugar como un saxofonista alto, An Eight Out Of Nine encuentra a Steven Lugerner explorando el registro más bajo de las vientos, específicamente el clarinete bajo y el saxofón barítono, que “me hablan en un nivel más primordial”, dice Lugerner. “Me siento más conectado con la voz humana”. De hecho, las melodías de los covers de este documento se cantan a través de estos caños bajos que Lugerner toca en todo el álbum.

“De vez en cuando, la magia musical se produce cuando un líder de banda se convierte en productor. Puede ser curador en el más alto nivel. Steven Lugerner ha demostrado que esto es cierto con su nuevo lanzamiento de SLUGish Ensemble. Ha creado un álbum que irradia intención, emoción, madurez compositiva y un uso magistral de la dinámica y el espacio”. – Allison Miller

Apunte: An Eight Out of Nine es un conjunto magistral de melodías que demuestra cómo la relación especial de un artista con las canciones, cualquier conjunto de canciones, incluido el indie rock reciente, puede convertirse en un catalizador para notables interpolaciones de jazz. Sin ahogar las melodías que fueron el objeto de recreación, esta joya sonora, de marcado lirismo, está llena de detalles y desvíos encantadores que difuminan las líneas entre el pop, el rhythm & blues, el jazz, la improvisación y el minimalismo. Uno de mis discos del último año, sin lugar a dudas.

Fuente para la reseña: https://www.broadwayworld.com/bwwmusic/article/Steven-Lugerners-Slow-Steady-Records-Announces-Release-of-SLUGish-Ensembles-An-Eight-Out-of-Nine-20180829

Track Listing

1. The Tower (7:52)
2. Be Brave (feat. Daniel Rotem) (5:53)
3. An Eight out of Nine (6:39)
4. Prisoners (6:30)
5. Red, Like Roses (7:52)
6. Looking at the Sun (4:56)
7. Bluebird (6:18)

Artist List

Steven Lugerner: Bass Clarinet, Baritone Saxophone, Bb Clarinet, Flute & Alto Flute
Carmen Staaf: Piano, Fender Rhodes, Wurlitzer
Todd Sickafoose: Acoustic Bass
Allison Miller: Drumset
Justin Rock: Electric and Acoustic Guitar
Danny Lubin-Laden: Trombone
Max Miller-Loran: Trumpet
Mark Clifford: Vibraphone
Crystal Pascucci: Cello
Daniel Rotem: Tenor Saxophone (soloist on “Be Brave”)

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Aaron Parks
febrero 27, 2019, 9:48 pm
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tapa Little Big
Little Big (2018)

Aaron Parks es un pianista de jazz que siempre ha parecido tener un corazón y un método que resistió las estructuras de jazz habituales. Por un lado, Parks era una estrella en alza. Era un prodigio en Seattle y estaba tocando y componiendo en la banda de Terence Blanchard a los 18 años, debutando en Blue Note hace diez años con Invisible Cinema, una grabación que no solo fue bien recibida sino que ha crecido en influencia a lo largo de los años. Luego pasó a grabar dos sesiones para los prestigiosos registros de ECM, además de tocar con el grupo de estrellas James Farm con Joshua Redman.

Eso es un montón de aclamación, sin embargo, siempre había algo misterioso acerca de Parks que coincide con el sonido de su música. No parecía estar en todas partes al mismo tiempo, y también estaba apareciendo en pequeños discos, con artistas menos famosos, como su papel pictórico en la creación de “Ocean Av”, la elegante y sutil grabación de la cantante Emma Frank en 2018. Más que nada, parecía que Parks, a pesar de su excelente interpretación en tantos lugares, nunca había completado realmente lo que había comenzado con Invisible Cinema .

Little Big, lo último de Parks, es la respuesta a este misterio. Utilizando la misma instrumentación que Invisible Cinema (guitarra, teclados, bajo y batería), la nueva grabación extiende muchas de las ideas rítmicas y texturales de la primera grabación. Sin embargo, también los amplía, explorando más moods, influencias y opciones. Lo que surge es un ensayo aún más sólido sobre lo que puede ser el jazz en el nuevo siglo: música creativa que combina la forma de la canción, la composición y la improvisación, pero ahora es uno que trabaja esos elementos a través del lente del rock moderno y el hip-hop, como así también la tradición del jazz clásico.

Little Big contiene moods y métodos que logran los objetivos del “jazz” de nuevas maneras. Por ejemplo, “Mandala” comienza como una simple línea de bajo que sube y baja como una canción de cuna en piano eléctrico, empezando a sonar como uno de los famosos ejercicios “Children’s Song” de Chick Corea. El trabajo de Parks suena tan simple como eso, al principio, pero luego desarrolla una complejidad en capas. No hay melodía más allá de esa línea de bajo, pero la canción mantiene el interés a través de un conjunto de modulaciones y transformaciones de textura. La guitarra de Greg Tuohey se mueve a lo largo de la melodía, pero se mezcla con los garabatos del sintetizador de Parks que avanzan lentamente hacia un “solo” tradicional, pero nunca llegan allí. Los tambores de Tommy Crane apenas están allí al principio, pero se vuelven cada vez más críticos para la creciente intensidad de la melodía. El resultado es una actuación llena de la conversación espontánea que asociamos con el “jazz”.

“Siren” es otro ejemplo de cómo Parks logra algo nuevo. La melodía comienza con una majestuosa melodía de piano (luego guitarra) sobre un sentimiento rítmico, creando solos encantadores para el bajista eléctrico David Ginyard y Parks. Pero la composición luego se mueve a una sección completamente nueva, con la guitarra de Tuohey en un modo de fusión perfectamente saturado, que se eleva hacia arriba cuando los bajos se contraen con los ecos de la cadera hacia arriba. Tuohey improvisa sobre esta sección, pero principalmente la banda se mantiene unida, avivando el fuego rítmico antes de que todo se enfríe hasta la melodía original, esta vez tocada en el bajo.

La melodía de apertura, “Kid”, funciona como una declaración de tesis para Little Big y como la respuesta más clara a Invisible Cinema.La sensación rítmica que genera la banda es un tartamudeo mágico, un conjunto de sutiles polirritmos que Parks genera solo desde el piano y luego son recogidos por la forma en que la batería y el bajo se empujan y se juntan. No es hip-hop, pero tampoco es jazz o rock. La forma en que Crane golpea contra el ritmo del piano no podría estar allí, pero durante años escuché el hip-hop, y luego Tuohey también lo hace, como un pincha discos. Cuando finalmente llega la melodía, resulta ser un riff que rueda, se repite y sorprende, solo un poco de fusión, pero con algo de esa sensación de M-BASE de rueda dentro de una rueda. Parks opta para el solo por un Fender Rhodes saturado, recordándonos que la textura será tan importante para esta salida como el ritmo.

Este tipo de impulso rítmico es el placer más insistente de Little Big. “Digital Society” también usa el piano para crear su pulso irresistible. A veces, Parks toca una sola nota con una sensación nerviosa y delicada del código Morse, creando una síncopa con una sola línea de pulsos. En otras ocasiones, toca acordes que parecen ser incluso octavo o cuarto de notas, pero que son compensados por otras notas en la banda izquierda o desde el bajo de Ginyard. El roce entre ellos convierte una técnica de rock básica en un guiso de acentos deslizantes y fuera de ritmo. Este tipo de trabajo de piano basado en el pulso también anima “Bells”, una canción que logra la hipnosis lírica, y también “Rising Mind”, que comienza con el toque de una sola nota y luego pasa a una sincopa tambaleante para toda la banda que soporta una melodía convincente para piano acústico y guitarra de tonos. El solo de Parks aquí puede ser su más lírico y agresivo en la grabación, rompiendo líneas a través del soporte de movimiento y tejido de la banda.

En otras ocasiones, Little Big es simplemente lírico. Dejado por su cuenta, Parks se inclina hacia la belleza. “Lilac” es una magnífica melodía para piano solo que se remonta a la clase de piano popular y folk que Keith Jarrett a veces tocaba a principios de los 70. “Hearth” es otra pieza solista con algunos movimientos armónicos similares que combinan jazz y una rebanada de gospel. Es una balada de sólo 90 segundos de duración, pero Parks le da una dosis completa de sentimiento, dejando las armonías suspendidas hasta el final de una frase, dejando su corazón en un extremo mientras escucha.

La otra calidad sobresaliente de la grabación es su excelencia como grabación y como producción. Los sonidos no solo son suntuosos -la riqueza, en lugar de cualquier tontería o graznido del sintetizador, la forma deliciosa y sedimentaria de Parks con el piano y el piano eléctrico, la sensación tridimensional de las partes del tambor con patadas, frunces y platillos para llegar a tus oídos desde el cálido centro de las pistas- pero la grabación se produce para evitar los clichés de una grabación de trío de guitarra/teclados. El álbum fue grabado por Daniel Schlett y mezclado por Chris Taylor, ingenieros con experiencia en indie-rock y otra música más nueva. El resultado, por ejemplo, en “Aquarium”, es una calidez de gasa, con una red de Fender Rhodes y una guitarra sostenida por una sección de ritmo que suena como un cojín y no como una pilotera.

“The Trickster” muestra cómo la producción está cuidadosamente pensada. Es una melodía lenta y angular para guitarra (con un susurro de sintetizador) sobre un groove funk medio dormido. En lugar de sonar pesado, aquí hay una suavidad, no una calidad de zumbido. Esta canción y “Profesor Strangeweather” (una melodía de los misteriosos sintetizadores de Parks) son, posiblemente, el tipo de música que Return To Forever podría haber hecho si la banda no se hubiera dejado llevar por su técnica y con un sonido de producción brillante y zumbante que hizo que tanta fusión de los ’70 sonara como jazz sobre cocaína.

Para la mayor parte de Little Big, el estado de ánimo es muy tranquilo, incluso cuando los ritmos tiran y tiran con sincopa. “The Fool” coloca un ritmo triple insistente debajo de un backbeat, pero el arreglo es genial, y el solo de piano insiste en permanecer dentro de la sutileza de la melodía. De manera similar, “Small Planet” tiene una melodía de guitarra danzante construida sobre una figura de piano melancólica que sincroniza 4/4 veces con un patrón 3-3-2 de arpegios. Parks mueve esa figura a través de un paisaje de cambios armónicos, de modo que, cuando parece que es hora de un solo, la banda simplemente se mezcla, regresando a la melodía sin dejarte atrás, pero también sin perder tu interés.

“Good Morning” puede ser la pista más maravillosa de Little Big. Combinando el optimismo al estilo de Jarrett de la interpretación en solitario de Parks y el impulso rítmico de varias notas de piano, se vuelve casi bailable. Construida en la melodía de la canción hay una serie de figuras descendentes de gusanos musicales que repiten y crean interés. Todo esto, con la improvisación que viene en pequeños bocados y principalmente funciona el interés rítmico de la actuación, es un encanto, a escuchar repetidamente.

Pero también lo es todo Little Big, con su alegría pulsante y cómoda de principio a fin. Aaron Parks no solo ha compuesto una fuerte continuación de Invisible Cinema, sino que también ha aumentado la gama de los placeres que primero introdujo allí. Little Big suena como un universo amplio pero también consistente, un lienzo grande compuesto por un único artista con intención. Te llevará fácilmente a 2019.

Fuente para la reseña: Will Layman para https://www.popmatters.com/music-review-aaron-parks-little-big-2620304142.html

Apunte: En Diciembre del año 2008, cuando compartimos en MQC/PV Invisible Cinema (con Mike Moreno, Eric Harland y Matt Penman) sospechábamos que el bueno de Aaron tenía mucho para dar. Después de eso lo escuchamos en discos de varios artistas, arribó al prestigioso sello ECM, pero la belleza de su música y esa particular y esquiva cualidad para empatizar de manera inteligente con la audiencia apareció nuevamente, diez años después, con Little Big. No somos los mismos que hace diez años atrás, pero nos entusiasma de nuevo. Sonido impactante, melodías cantables, generosidad hacia sus compañeros, fusión del siglo XXI y un ambiente general de alegría y optimismo, lo cual es sumamente bienvenido y necesario por estos días. Obra de alta duración, Parks no guardó nada. Altamente recomendable

Track Listing

01. Kid (7:21)
02. Small Planet (6:12)
03. The Trickster (6:33)
04. Professor Strangeweather (4:24)
05. Lilac (2:21)
06. Aquarium (6:53)
07. Digital Society (7:56)
08. Siren (8:02)
09. Mandala (4:51)
10. Hearth (1:30)
11. The Fool (5:10)
12. Bells (5:37)
13. Rising Mind (4:21)
14. Good Morning (5:23)
15. Doors Open (2:58)

Artist List

Aaron Parks: piano, keyboards
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard: bass
Tommy Crane: drums

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Jessica Lurie

tapa Megaphone Heart
Megaphone Heart (2012)

Con el Jessica Lurie Ensemble, Lurie continúa demostrando su flexibilidad, combinando las tradiciones del jazz estadounidense con varios sonidos internacionales. Tanto sus saxofones como sus vocalizaciones tienen sus momentos en Megaphone Heart, pero el álbum está orientado a mostrar a sus compañeros. “Same Moon”, una pieza meditativa inspirada en la pérdida de un amigo, se basa alrededor del piano de Erik Deutsch, y toma casi todo su tiempo de ejecución para llegar a su núcleo emocional, pero sin arrastrarse en el camino. Las contribuciones de Brandon Seabrook tanto en la guitarra como en el banjo son notables, ya sea con los pliegues guiados de “A Million Pieces All in One” o el trabajo de guitarra más estridente en el disco. El ensamble experimenta no solo con estructuras y estilos, sino con sonidos, como en el rock espacial de “Boot Heels”. Ese tipo de juego tiene el mayor efecto en la canción principal, donde los simples efectos de megáfono atraviesan los encantadores tonos de apertura, creando una pieza fuera de balance lo suficiente como para tener su propio tono, sin convertirse en algo realmente extraño. Esto es el sonido de un ensamble fuertemente enfocado que reúne todo que ellos necesitan.

Fuente para la reseña: Justin Cober-Lake para https://www.popmatters.com/157320-jessica-lurie-ensemble-megaphone-heart-2495861764.html

Track Listing – Megaphone Heart

01. Steady Drum (:58)
02. A Million Pieces All In One (4:59)
03. Bells (6:17)
04. Megaphone Heart (7:03)
05. Same Moon (6:40)
06. Maps (7:00)
07. Der Nister (7:22)
08. Zasto (6:01)
09. Boot Heels (6:45)
10. Once (4:56)

Artist List

Jessica Lurie: alto, tenor, baritone saxophones, flute, voice, megaphones, production
Brandon Seabrook: guitar, banjo, tape recorder
Erik Deutsch: piano, electric piano, organ
Todd Sickafoose: acoustic bass. production
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Marika Hughes: cello
tapa Long Haul
Long Haul (2017)

El nuevo lanzamiento de Jessica Lurie, Long Haul (Chant, 2017) es una declaración no de un arduo viaje de resistencia, sino de su devoción por la artesanía que durante más de tres décadas la ha visto forjar una identidad musical de gran diversidad y profundidad. Su carrera personifica su experiencia como una fuerte mujer instrumentista, compositora y vocalista en un género dominado por hombres, inmerso en alegre revelación interpretativa. Al citar influencias que van desde klezmer, música cubana, hasta el jazz, la música de Lurie es su personal narrativa musical expresada de forma compositiva y embellecida con su ingenioso enfoque de la improvisación.

Sería muy fácil marcar este disco, y aquellos que Lurie ha grabado previamente, como una música de fusión, o una encrucijada musical que identifica la variación cultural. Pero si uno define el jazz como expresión de la condición humana, como la verdadera forma original de arte estadounidense, entonces la diversidad étnica y cultural de sus artistas y patrocinadores debe expresarse sin inhibición. En este sentido, Lurie es una artista de jazz que utiliza el trampolín cultural que es su raíz familiar y sus tradiciones. Lurie a menudo se refiere a su música como “canciones populares extrañas”, tomando la narrativa que es el legado judío de su padre, y su fascinación de toda la vida con varias formas, incluyendo la música clásica y el jazz.

La canción principal en muchos sentidos resume el viaje musical de Lurie hasta la fecha, su creativo “larga distancia” que se ha inspirado en un prisma ecléctico de colores tonales y rítmicos. Mis pensamientos se desviaron hacia Ravel al escuchar primero, con la pieza que se abre y se cierra a la deriva en un ostinato que desafía el paso del tiempo. La improvisación colectiva, destacada por la animada interacción entre el contralto de Lurie y el pianista Brian Marsella , puede imaginarse como cánticos budistas que se elevan del om colectivo. Estas derivaciones de ostinato rodean una melodía que proporciona una narración aparentemente sin fin, maravillosamente articulada por Lurie y Marsella.

Hay una resonancia sónica a lo largo de esta grabación proporcionada por la baterista Allison Miller , el bajista Todd Sickafoose y el guitarrista Mike Gamble . El sonido es una extraña sensación de Bill Frisell que recuerda a la obra maestra de Dave Douglas, “Strange Liberation” (Bluebird, 2004). Este sentimiento realmente sale a la luz en el estilo de Nueva Orleans, “Calder’s Circus”. La melodía se desliza desde el modo de marcha completa, al swing de núcleo duro, con solos de Lurie y la trombonista Naomi Moon Siegel en tonos jubilosos.

“Rare Flares” es un guiño al primer instrumento de Lurie, la flauta, y el legado judío de su padre. Hay rasgos melódicos que están inmersos en Klezmer, en la música clásica y, de hecho, en el enfoque ecléctico de Lurie hacia las armonías folks. Con Lurie en la flauta, hay una textura del este de Europa que Lurie y Marsella deconstruyen completamente, y reconstruyen, a través de la improvisación y la composición.

“A Tiger For William Kentridge”, presenta una demolecularización rítmica en capas de tiempo variable, destacando sonidos del guitarrista Gamble. Lurie toca un cortante solo que salta y salta a través de los pliegues armónicos proporcionados por sus compañeros. La melodía que entra y sale juguetea, desciende, tropieza y se desliza, y en última instancia aterriza en un montón colectivo.

La música en Long Haul se siente como si estuviera tirando en direcciones opuestas, creando un arco perfecto. En diversos casos, es similar al minimalismo, o el triunfo del ostinato. En otros, se mueve entre paisajes musicales trotamundos, mientras habla sobre la estética personal de donde surge la narrativa de Lurie. Lo más importante es que emana la fuerza, el coraje y la ventaja ecléctica implacable que hemos llegado a esperar de un proyecto Lurie.

Fuente para la reseña: Paul Rauch para https://www.allaboutjazz.com/long-haul-jessica-lurie-chant-records-review-by-paul-rauch.php

Track Listing – Long Haul

1. A Tiger for William Kentridge (7:05)
2. Spark (6:30)
3. Rare Flares (3:26)
4. 3 X Heather’s 17 (5:27)
5. Long Haul (For Jim Lurie) (7:05)
6. Calder’s Circus (5:18)
7. Straight Out of Everything (4:30)
8. Lost and Found (9:35)
9. Patience (5:08)

Artist List

Jessica Lurie: alto saxophone
Brian Marsella: piano
Mike Gamble: guitar
Todd Sickafoose: acoustic bass
Allison Miller: drums, percussion
Special guest:
Naomi Seigel: trombone

Apunte: Dos enormes álbumes de una gran artista. El rasgo común en estas obras, ciertamente, es su eclecticismo. Asombrosamente, eso no atenta en absoluto contra la fuerte consistencia del discurso musical que tienen Lurie y su ensamble, que indudablemente sienten propia esa mixtura y disfrutan lo que hacen. La música es inteligente, rica su escritura, enérgica, accesible y emotiva en su expresión. Altamente recomendable!

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