Preso ventanilla


Carlos Bica & Azul Featuring Frank Möbus And Jim Black
agosto 27, 2017, 8:38 pm
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tapa More Than This
More Than This (2017)

Azul, integrado por el contrabajista portugués Carlos Bica, el guitarrista Frank Möbus de Alemania y el baterista Jim Black de Nueva York, es uno de esos tríos con un perfil muy notable y firma característica. Sin duda, muchos dedicados amantes de la música tendrán su propia historia con este grupo que ha estado activo por más de 20 años. El álbum debut auto-titulado “Azul” data de 1996 (EmarCy), con la eminente vocalista portuguesa Maria João y el trombonista Ray Anderson. Fue seguido por “Twist” (1999, Enja), “Look What They’ve Done To my Song” (2003, Enja), “Believer” (2006, Enja) and “Things About” (2011, Enja). Al igual que otros músicos estadounidenses de su generación, Jim Black trabajó con frecuencia en Europa en el comienzo de su carrera (como Mark Turner o Bill Frisell). Tanto él como Frank Möbus son miembros fundadores del influyente grupo Der Rote Bereich. Carlos Bica trabajó en grupos de Maria João antes de fundar Azul junto a Black y Möbus. Además de Der Rote Bereich, Möbus está implicado en un cuarteto con Daniel Erdmann, Samuel Rohrer y Vincent Courtois y en el grupo KUU! con la extraordinaria cantante Jelena Kuljic.

Bica, Black y Möbus son así cómplices musicales de larga data que han absorbido una amplia gama de influencias musicales. El trío se despliega y desarrolla líneas melódicas atractivas y espectaculares. Uno de las piezas clave del trio es “Believer”, ya un clásico, desde el cuarto álbum homónimo lanzado en 2006. La atmosférica pieza de diez minutos se desarrolla gradualmente como un bolero, con gran suspenso, en su clímax, terminando en una catarsis energizante. Es un gran ejemplo del arte del ostinato acelerado lentamente, cargado de múltiples y explosivos colores. Los tres músicos son maestros en el oficio del sustain y de cambiar, rápidos como un rayo, a vueltas y revueltas. Su música se mueve en geniales formas entre flamígera pasión, románticas rendiciones, martilleo rockero y zigzagueante ska.

Lo más asombroso es la unidad del trío fuera de la individualidad, el modo que estas tres voces se cruzan y ponen en movimiento algo que es ‘more than this‘. En momentos la guitarra de Möbus y el bajo de Bica se hacen imperceptibles, sonando como un solo instrumento. En otros momentos la guitarra tiene extrañas hermosas excursiones en el espacio melódico. Jim Black es un sobresaltado, no estrictamente métrico baterista, afilado, moviéndose en el borde en intensas fases de tensión y liberación y rápidos cambios dinámicos. Como el bajo se mueve fácilmente en las partes más altas de la melodía esto a menudo suena a dos guitarras trabajando juntas. El trabajo de batería cambia suavemente entre el crujido misterioso, acelerando la marcha y juguetonamente ‘reflejando’ la melodía y la armonía. Es una adecuadamente ponderada contraparte al oscuro bajo de madera de Bica. La melódica música del trío, llena de contrastes anidados, cambios rítmicos y dinámicos fuegos artificiales, toma su tiempo para revelarse, surgir, aspirar y detonar.

El álbum comienza con el murmullo azul verde de “Mafalda”, que es fuerte evocador del crujido del viento en el Jardín Botánico de Lisboa donde al parecer la foto de cubierta fue tomada por Vera Marmelo. La melodía se desarrolla lentamente, pero la pieza, compuesta por Bica y el pianista portugués João Paulo Esteves da Silva, mantiene su naturaleza vegetal. La subsiguiente “A lã e a neve” también arranca lentamente con un simple riff de guitarra desde el cual emerge un patrón de batería que lo lleva a reventar en una violencia entre la batería y la guitarra. “I wonder, wonder I do” es un entreacto soñador que conduce a la percusión de pinball del curioso “Whale Rider” con su bajo rugiente y violentas erupciones de guitarra. La canción folk norteamericana “Silver Dagger” es una canción integrada con algunas tendencias hawaianas, seguida de la rockera “Skeleton Dance”, la lírica “Na rama do Alecrim”, una canción popular de la región de Alentejo en Portugal, la propulsiva “Patchwork” y la puntillista “Jolly Jumper” con sus cambiantes cambios de ritmos. “Wattenmeer” es una melancólica y más larga pieza central, nombrada así por la zona intermarea en la parte sureste del Mar del Norte. “XY Ungelöst” (parecido a un ska) debe su nombre a un popular programa alemán de televisión, es un banquete para Jim Black, y la final “Sam” es una pieza igualmente festiva y visceral con una melodía suave circulando dentro de una integración hard rock.

Azul es uno de los más significativos y fértiles tríos del momento, cercano a otros tríos de guitarra/bajo/batería como aquellos de Bill Frisell, el bajista Tony Scherr y el baterista Kenny Wollesen, de Julian Lage, el bajista Scott Colley y Kenny Wollesen o de Jakob Bro, el bajista Thomas Morgan y los bateristas Joey Baron o Jon Christensen. More Than This es lo que dice. Se trata de la mejor música melódica emergente en un inusual alto nivel de variación que hace cantar la canción en forma cautivante.

Fuente para la reseña: Henning Bolte para https://www.allaboutjazz.com/more-than-this-carlos-bica-clean-feed-records-review-by-henning-bolte.php

Apunte: Bica es un melodista empedernido pero habiéndose juntado con este par de deformadores como son Jim Black y Frank Möbus ha logrado dar una vuelta de tuerca al tradicional “sonido trío de jazz”, afianzando un inusual y reconocible sonido propio, sin igual en el vasto mundo de la música. Carlos Bica & Azul es un grupo muy conocido en nuestros espacios MQC/PV; si bien More Than This no llegará a las alturas celestiales de “Believer”, estos temas muestran al trío en plena forma, colaborativo, logrando un resultado muy convincente con un disco que lleva a las melodías a navegar por formas, ritmos, detalles sonoros e improvisaciones que nos mantienen alertas todo el tiempo. En fin: absolutamente recomendable!

Track Listing

01. Mafalda (6:13)
02. A Lã E A Neve (5:00)
03. I Wonder, Wonder I Do (2:25)
04. Whale Rider (5:13)
05. Silver Dagger (4:34)
06. Skeleton Dance (3:05)
07. Na Rama Do Alecrim (5:07)
08. Patchwork (5:55)
09. Jolly Jumper (3:09)
10. Wattenmeer (7:07)
11. XY Ungelöst (4:39)
12. Sam (5:18)

Artist List

Carlos Bica: bass
Jim Black: drums
Frank Möbus: guitar

All compositions by Carlos Bica except
“A Lã e a Neve“ by Carlos Bica and João Paulo Esteves da Silva
“Whale Rider“ by Carlos Bica and Carsten Daerr
“Patchwork“ by Carlos Bica, Frank Möbus, Filipe Bica
“Na Rama do Alecrim“ (Cante Alentejano, tradicional portuguese music from Alentejo, arrangement by C.B.)
“Silver Dagger“ (american folk song)
“Skeleton Dance“ by Andi Haberl

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OZMA

tapa Welcome Home
Welcome Home (2016)

« Fulano atraviesa con este álbum una nueva etapa »; es el tipo de frase comodín e inofensiva que se encuentra regularmente en la prensa profesional.. Pero he aquí, hay que reconocer, que esta fórmula totalmente hecha perfectamente se aplica a Ozma. Por una parte, los alsacianos se apuntan ahora en Cristal Records y son distribuidos por Harmonia Mundi, lo que no es nada. Por otra parte, Welcome Home, marca la vuelta “a casa” del trombonista Guillaume Nuss, que formó parte del grupo en sus tres primeros álbumes (Ozma, Electric Taxi Land y Strange Traffic). Tres de los miembros originales pues son reunidos en este sexto disco del que visualmente sólo da envidia de adquirirlo (y de hecho lamentarse al mismo tiempo de que no existe una versión en elepé). Podemos añadir que el dúo de composición Édouard Séro-Guillaume (bajo) / Stéphane Scharlé (batería) jamás fue tan complementario y deja una gran libertad a los “nuevos” (Julien Soro, saxofones y Tam de Villiers, guitarra) tanto en el disco como sobre el escenario. Pero dejemos de lado el alboroto para sumergirnos en el vivo sucesor de New Tales.

OZMA pertenece a esta nueva generación del jazz francés que cava sus influencias más allá de la esfera musical. Verdadero albergue español, Welcome Home combina un jazz moderno y accesible a las referencias obtenidas del rock, las músicas progresivas, e incluso del hard rock. Deliciosamente ritmado, « Krefeld mon amour », en homenaje a uno de los lugares regulares de paso de la banda entre nuestros vecinos germanos, juega con los diálogos animados entre el trombón de Guillaume Nuss y el saxofón de Julien Soro. Estos intercambios saltarines son una de las características de la música de OZMA, que se encuentran por ejemplo en « He Saved The Girl (Once Again) » y su segunda parte casi disco. Pero el grupo también sabe rodar los hombros y mostrar sus músculos. Desde « Electric Lament », se sienten venir algunos enervamientos, de pasajes a 220 voltios alimentados por la guitarra de Tam de Villiers. Un groove viril aparece así en punteado a lo largo del álbum, y particularmente en el casi heavy « Goldi Boldi ». Sospechamos que al dúo Séro-Guillaume / Scharlé gusta de las infidelidades al jazz con las formas musicales más peludas. Sin embargo, no abandona la ligereza; algunos títulos menos densos como « Flat Tire at Durban Market » y « Cashmere Weekend » permiten a los vientos expresar temas más libres y a la guitarra tomar prestado vías aéreas.

« Diversidad » es un adjetivo que encaja perfectamente a las diez composiciones de Welcome Home, álbum a la vez enérgico y delicado, legible y sofisticado. Contrariamente a la desafortunada señorita de la chaqueta, OZMA no sube en la silla de montar para darse un golpazo sino para conseguir una vuelta con gran pompa.

Fuente para la reseña: Jean-Philippe Haas para http://www.chromatique.net/chroniques/item/16102-welcome-home

Apunte: El premiado quinteto francés OZMA, nació en 2001 como un proyecto artístico con un objetivo claro e innovador: crear un repertorio de composiciones originales e improvisaciones colectivas sin fronteras estilísticas. Sus miembros son hijos de los ochenta: iniciados en jam sessions, con numerosas y variadas influencias de la música contemporánea, desde la electrónica al rock, a la música de jazz. El grupo crea una totalmente nueva y original música que trasciende las etiquetas tradicionales. Paralelamente a su repertorio original, OZMA implementa proyectos creativos en colaboración con artistas del extranjero (África, Canadá, India) y crea presentaciones en vivo que desarrollan la interacción entre la música y la imagen. OZMA desarrolla una línea artística plural, enraizadas en las distintas esferas de influencia de sus músicos. Un universo moderno y ecléctico de música creativa que OZMA ha compartido a través de seis álbumes y más de 250 conciertos en cuatro continentes.

Track Listing

01. Krefeld Mon Amour * (4:40)
02. Magnus Effect ** (5:40)
03. Electric Lament * (3:46)
04. Concerto For Sharks ** (6:16)
05. Cashmere Weekend * (6:05)
06. Goldi Boldi * (4:06)
07. Flat Tire At Durban Market ** (4:58)
08. My Favorite Regret ** (6:34)
09. He Saved The Girl (Once Again) ** (3:47)
10. Cousin Howard ** (5:35)

* Composés par Stéphane Scharlé
** Composés par Édouard Séro-Guillaume

Artist List

Edouard Séro-Guillaume: basse, composition
Stéphane Scharlé: batterie, composition
Julien Soro: saxophones
Guillaume Nuss: trombone
Tam de Villiers: guitare

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Robin Buyer Sextet
abril 24, 2017, 11:16 pm
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tapa Leave
Leave (2016)

Para ser el supuesto animal de juerga entre los géneros presentes en “A Closer Listen”[1], el post-rock no ha sido exactamente un invitado muy animado hasta ahora este año. Afortunadamente, los novatos del Robin Buyer Sextet han llegado trayendo los proverbiales barrilitos de cerveza y bandejas de DJ para despertarnos de nuestra socialización demasiado civilizada. Los Amigos Británicos tienen una persuasión inclusiva: ignoren el desagradable momento de llamar a un disco Leave (“Partan” o “Váyanse”) y sumérjanse en una fusión catártica y alegre de math-rock, jazz y pop que sin duda será recordada como una de las mejores del 2016 en su género.

Nuestro Rich mencionó a “Shelter” en su artículo “10 temas para empezar tu verano”[2] y la exuberancia, elasticidad y variedad rítmica exhibidos en ese tema, se mantiene a través de las siete pistas, que encajan prolijamente en media hora. A pesar de ser un disco debut para el colectivo de Brooklyn, su fundador y principal compositor Robin Buyer tiene experiencia tanto académica como en otras bandas, habiendo estudiado ejecución de bajo y etnomusicología en la universidad, así como formado parte de un grupo de Gamelanes[3]. Que esto no los confunda, Leave es un disco de sonoridad completamente occidental, basado en un post-rock fundado en lo rítmico (el groove). Lo que lo distingue es su matrimonio de ritmos intrépidos y melodías contagiosas, enriquecidos por una abundante diversidad de instrumentos.

Cada uno de esos instrumentos contribuye significativamente, aunque sin oscurecer a otro -un triunfo tanto de la composición como de la producción. Cada uno conoce su lugar y propósito: la guitarra y las teclas en el centro, suavizando los abruptos cambios rítmicos del bajo y la batería de un lado y, del otro, sosteniendo las melodías que fluyen del violín y el saxo. La variedad e inteligencia de su talento para la música intensamente melódica nos trae a la mente performances como las de los noruegos Jaga Jazzist y The Samuel Jackson Five, pero hay una mayor urgencia en el Robin Buyer Sextet, que está generada por lo ajustado de las composiciones que se desarrollan rápidamente. El segundo tema, “Leave”, uno de los puntos altos del disco, se desparrama con dinámicas y climas, corriendo a través de secciones lideradas por el saxo y la guitarra que son interrumpidas por crescendos tajantes y abruptos con una batería penetrante. Es un comienzo impresionante y el disco entero en adelante apenas se suaviza.

Mucho del estilo math-rock puede eventualmente insistir con tempos y tonos repetitivos. Leave nunca siquiera reconoce tal amenaza, con tantos temas empleando cambios abruptos aunque coherentes, y distinguiéndose al inclinarse a distintos instrumentos. La primera mitad de “Dusked”, dominada por el bajo y la percusión melódica (mallets) crea un inequívoco clima de sala de jazz; para el cuarto minuto se ha transformado en una construcción oceánica de ritmos abruptos, acordes palpitantes y voces expansivas – cuya intensidad aumenta por el control rígido que impone la sección rítmica, aún mientras se apagan los acordes finales. Las acrobacias de la guitarra sobre el ritmo a medio tempo de “Shelter” son suficientes para poner a mover las caderas, pero sólo los más intrépidos bailarines podrían atravesar el final del tema – una clase maestra que se roba el show oscureciendo tramposamente el ritmo debajo de líneas de vientos que fluyen y ganchos melódicos de la guitarra. Simplemente, no se va a ir de mi cabeza.

Con tal progreso comprobable bien temprano en la carrera de la banda, hacia dónde puede ir desde aquí? Quizás la respuesta pueda yacer en la afición de Buyer por la world music. Los “me gusta” de Esmerine[4] ya han demostrado la energía de fusionar su sonido occidental con escalas y voces de medio oriente – sería fascinante ver si esta banda talentosa en grado sumo podría hacer algo similar. Por el momento, estamos más que encantados de que se hayan sumado a nuestra fiesta.

[1] N. del T.: La fuente para la reseña que traducimos.
[2] N. del T.: https://acloserlisten.com/2016/06/13/10-tracks-to-start-your-summer/
[3] N. del T.: https://es.wikipedia.org/wiki/Gamelán
[4] N. del T.: https://en.wikipedia.org/wiki/Esmerine

Fuente para la reseña: Chris Redfearn-Murray para A Closer Listen: https://acloserlisten.com/2016/07/23/robin-buyer-sextet-leave/ – Traducción: Nicolobo Ramos (el quinto Beatle) !!!

Apunte: El bajista y compositor Robin Buyer nació y se crió en el sur de Maryland. Tiene una licenciatura de la Universidad del Noreste en historia y análisis de la música, con foco en etnomusicología y performance de bajo. Anteriormente, Robin tocó y compuso para Gamelan Galak-Tika en Boston y tocó el bajo en la banda de OGR Fortunaut. Actualmente reside en Brooklyn, NY, donde ayuda a administrar Odd Gift Records. Su grupo el Robin Buyer Sextet lanzó Leave su disco debut en Junio de 2016. Y nos gusta mucho.

Track Listing

1. Stasis (1:04)
2. Leave (5:36)
3. Trails (3:37)
4. Shelter (5:16)
5. Dusked (4:50)
6. Still (4:30)
7. Rise (4:10)

Artist List

Robin Buyer: bajo/compositor
Evan Dice: violín
Nick Joliat: teclados
Ryan Kershaw: guitarra
Nick Pope: batería
Dylan Sherry: saxo tenor

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Luca Aquino

tapa Icaro Solo
Icaro Solo (2010)

Cuando vivió en el Lower East de Manhattan hace muchos años, el gran saxofonista tenor Sonny Rollins, buscando un lugar para practicar sin molestar a sus vecinos, se aventuraría sobre el puente Williamsburg en Nueva York a deshacerse durante horas hasta finalizar. Esto le proporcionó el entorno necesario dentro del cual pudo expandir su genio musical. Se trataba sobre todo de la libertad para tocar, para desarrollar, para explorar.

El artista de jazz italiano Luca Aquino de modo similar ha tomado la idea de libre improvisación creativa solista en exterior, grabando Icaro Solo en vivo sobre un dispositivo de loop/playback/grabación en la Iglesia de San Agustín, en Benevento, Italia. El resultado es un fascinante, muy entretenido, contemplativo, y maravillosamente estimulante CD. Mientras Icarus podrá haberse aventurado temerariamente hacia el sol, Aquino solo se desliza aquí, pero siempre en completo control de su instrumento; de sus maravillosas ideas; su interacción con el dispositivo de loops; y su perfecto entorno acústico.

Usando la máquina de loops para crear una fundación de ideas con las cuales acoda largas líneas como cintas de libre improvisación, la espontaneidad de Aquino emite hacia fuera sin límites. El suyo es un enfoque minimalista hacia el instrumento, no totalmente disímil a lo que Miles Davis hizo en la grabación de álbumes como Sketches of Spain (Columbia, 1960) o, más tarde, In A Silent Way (Columbia, 1969) y Bitches Brew (Columbia, 1970). Los fragmentos de melodía de Aquino son establecidos, ampliados y desarrollados maravillosamente, liberados y recreados en una telaraña de belleza musical que nunca aburre. Cada corte se desarrolla de esta manera: trece improvisaciones que representan un divertido e interesante incursión en el sonido, el desarrollo creativo y la visualización del alma musical de Aquino.

Icaro Solo sigue más admirablemente al fino “Lunaria” (EmArcy, 2009) de Aquino. Continúa retratando a Aquino como un fino trompetista y una brillante mente musical.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/icaro-solo-luca-aquino-emarcy-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – Icaro Solo

01. Riverberi (2:01)
02. Trapano Duet (1:36)
03. Labirinto (3:46)
04. La zattera rossa (5:01)
05. Piume check (5:11)
06. Icaro (5:50)
07. Fabio e Mattia (2:12)
08. B/n (3:54)
09. 100 mts. into the Church (2:42)
10. Trapano e cera (1:55)
11. Non perdere il filo ()
12. Sol (4:26)
13. Wax Drill (3:13)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, live loops, vocals, electronic and acoustical effects.

tapa Chiaro
Chiaro (2011)

Para este su nuevo álbum, Aquino emigra de sello y va bajo el ala protectora de Paolo Fresu. Además de cambiar sello, incluso sale del país, después de los baños turco-macedonios de Amam, y va a Noruega a registrar sus visiones al confín entre el clasicismo mediterráneo y la psicodelia eléctrica. El trompetista, ya reconocido internacionalmente como uno de los talentos del jazz italiano, con la ayuda de Audun Erlien al bajo y de Wetle Nolte a la batería se permite la merecida consagración en un viaje de ensueño, lleno de ecos, tanto sónicos como poéticos.

El sonido es aquel del jazz nu-wave itálico anagráficamente nacido alrededor de los setenta, dispuesto a incorporarse al canon de club lento y ahumado los desvirtuados eléctricos que acercan las “blue notes” a las asperezas de la experimentación. El encuentro entre distintas estéticas es conducido en forma natural, súper fina y nunca por encima de las líneas, implicando al gurú Lucio Dalla en una revisión del standard de Trenet, “La Mer”, aludiendo a las contaminaciones rock en el corte de apertura “John Bonham Strike” y deformaciones rock-caleidoscópicas con progresiones de alucine cósmico davisiano. Aquino trata la materia sonora con tensiones de potencia y calma que no descartan la sacralidad de la magia del canon italiano, infectandolo de sonidos y ritmos proto-kraut (La Strada) con el estupor derivado de las auroras boreales de Nils Petter Molvaer (Vinzela quando parli ) y la experimentación jocosa que intriga y no supone (Ninna nanna per E.T.).

Un modo de componer y tocar que nos gusta, porque hechiza y al mismo tiempo hace pensar en una nueva vía que prosigue el camino pavimentado desde hace décadas por la trompeta estelar de Davis (Melòdia), haciendo palpable la tensión, orientada a pintar las infinitas variaciones sobre el blues (Oslo), prefiriendo la melodía a la matemática rebuscada del free. Cotización ascendente para Luca.

Fuente para la reseña: Marco Braggion para http://sentireascoltare.com/recensioni/luca-aquino-chiaro/

Track Listing – Chiaro

01. John Bonham Strike (L. Aquino) (9:30)
02. La scatola nera degli applausi indotti (L. Aquino) (0:57)
03. Melòdia (L. Aquino) (7:13)
04. Oslo (A. Di Liberto) (6:49)
05. La Mer (C. Trenet) – con Lucio Dalla (6:00)
06. Sopra le nuvole (L. Aquino, G. Grasso) (4:00)
07. Medley:
A) Angolo suite cerca disperatamente salotto in legno massello stile barocco, uso camino (L. Aquino) (8:01)
08. B) La Strada (N. Rota) (3:23)
09. C) Vinzela quando parli (L. Aquino) (3:58)
10. Ninna nanna per E.T. (L. Aquino) (6:05)

Musicisti

Luca Aquino – Oslo Trio:
Luca Aquino: tromba, flicorno, loop station, elettronica dal vivo;
Audun Erlien: basso elettrico, basso preparato, effetti, sintetizzatore Casio;
Wetle Holte: batteria, percussioni, glockspeinel, elettronica dal vivo;

Lucio Dalla: voce e clarinetto #5
Pasquale Pedicini: tastiere #6
Sergio Fanelli, Alba Paraiso, Raffaele Matta: archi #7

tapa aQustico
aQustico (2013)

Basado en sus ofrecimientos registrados hasta el momento, uno podría tener la impresión que el trompetista italiano Luca Aquino tiene las raíces de los legendarios exploradores italianos en su ADN musical. Mientras Colón, Vespucio y otros tuvieron que navegar en aguas desconocidas, Aquino (que se traduce como “poca agua”) sale aún otra vez y entrega riqueza auditiva con aQustico.

En este atractivo e íntimo esfuerzo, Aquino, respaldado por un excelente grupo de acordeón con sección rítmica, explora extendidas texturas musicales y entrega un intrigante conjunto de siete retratos sónicos. A diferencia de algunas de sus grabaciones anteriores, aQustico no emplea ningún efecto electrónico. Esto es una exposición completamente acústica en la cual Aquino y equipo son libres de confiar en sus personales declaraciones musicales y su comunicación colectiva. El repertorio se compone principalmente de sencillas y elegantes melodías -principalmente temas modales y escalares son casi como folk- seguidos por largas improvisaciones. Variados interludios rítmicos dentro de cada selección generan adecuada tensión y resolución. El estímulo es predominantemente baladístico y bello (“Chet e Liz”). Hay algunas ideas de libre improvisación (“Japan Pop”) y un poco de jazz straight ahead.

Aquino tiene un precioso sonido de trompeta y flugelhorn que resuena bello y vulnerable -hay la voz de un niño cantando allí. Sus improvisaciones, más melismáticas que boppish, son muy largas exploraciones de tonalidad como cintas y gotean de íntima expresión (“Mastroianni,” “Aqustico”). Algo de su trabajo aquí respetuosamente recuerda a Chris Botti, Chet Baker y Miles Davis. La duplicación de los vientos de Aquino con el acordeón del talentoso Carmine Ioanna y con el piano de Sade Mangiaracina piano es sencillamente magnífico (“Aqustico”). Tanto Ioanna como Mangiaracina están sumamente involucrados en la pintura del tono en todas partes y ofrecen solos que refuerzan la reservada y algo romántica naturaleza de las selecciones (“La Ninna Nanna del Capitano”). El bajo de Giorgio Vendola es robusto y la percusión de Alessandro Marzi es tan sabrosa como lo que ocurre alrededor de él (“Incerto”).

Si los genes presentes en Luca Aquino son exploradores-intensivos o no, aQustico es un sólido navío artístico que conduce la imaginación a las orillas de la belleza, la riqueza y a una abundancia de alegría. Todo a bordo esto van a bordo.

Fuente para la reseña Nicholas F. Mondello para http://www.allaboutjazz.com/aqustico-luca-aquino-tuk-music-review-by-nicholas-f-mondello.php

Track Listing – aQustico

1. Mastroianni (Sade Mangiaracina) (5:46)
2. Aquistico (Luca Aquino) (10:49)
3. Chet e Liz (Luca Aquino) (4:08)
4. 1/2 Cuba Dani Kira (Luca Aquino) (5:29)
5. Incerto (Giorgio Vendola) (4:40)
6. Japan pop (Luca Aquino) (7:47)
7. La ninna nanna del Capitano (Luca Aquino) (5:52)

Artist List

Luca Aquino: trumpet and flugelhorn
Carmine Ioanna: accordion
Sade Mangiaracina: piano
Giorgio Vendola: bass
Alessandro Marzi: drums and percussion

tapa Rock 4.0
Rock 4.0 (2014)

La sorpresa Luca Aquino, uno de los trompetistas europeos más requeridos de hoy, vuelve a su primer amor, el rock, recuperando en clave de jazz los hits de sus héroes de juventud como Bob Dylan, Neil Young, Radiohead y los Doors. Un año después de su último álbum “aQustico”, en enero estará listo “OverDOORS”, el nuevo disco-tributo a Jim Morrison y a sus favoritos Doors. Pero antes el músico festeja sus 40 años con Rock 4.0, anexo al magazine Musica Jazz de julio-agosto. Al concluir un intenso tour mundial entre Europa, África y Japón, Aquino ha reunido a sus compañeros de viaje para registrar, entre París y Benevento, un álbum de composiciones originales y libres reinterpretaciones de algunos clásicos del rock.”En mi vida”, confiesa Luca, “he amado mucho el rock, pero sólo mediante el estudio y la práctica del jazz he podido comprender plenamente la belleza y la fuerza de esta música. Rock 4.0 es una fiesta, simple y ruidosa, entre guitarras distorsionadas, cervezas y Converse coloradas”.

No es un fenómeno, ni un chico prodigio como brotan tantos hoy, al contrario, él ha pensado mucho antes de elegir la música, pero hoy Aquino tiene un cuaderno lleno de compromisos, discos, conciertos y proyectos que lo mantendrán ocupado durante buena parte del año. De gira por Europa con su grupo o con el cuarteto de Manu Katché, el superbaterista de Peter Gabriel y Sting, Luca tira fogonazos de romanticismo de la trompeta que como un autodidacta puro ha descubierto. Un amor nacido tarde, primero incierto, interrumpido entre dudas e incertidumbres y luego retomado hasta el asombroso estallido actual. Aquino vive entre su Benevento nativo, París, Roma y dónde va tocando, un carácter brillante, melena rebelde y su amado terrier Jack Russell que siempre se ofrece detrás. Lo ha llamado Chet en honor del sublime trompetista Baker que, después de Miles Davis, es uno de sus grandes maestros. “Es cierto, he comenzado tarde, a los veinte años. No he estudiado en el conservatorio ni en la Berklee School como se usa hoy. Solo sé que un día mi tío, saxofonista, me regaló una vieja trompeta y empecé a soplarla con placer. Pero mi música siempre había sido el rock, de Jefferson Airplane a Led Zeppelin, hasta los predilectos Doors. Que no he traicionado, sino que busco ahora de develar el lado alegre de Jim Morrison que ciertamente existe. Es cierto que en la película de Oliver Stone parecía un condenado, pero en mi próximo disco quisiera que emergiera un Morrison más despreocupado”.

Luca parte desde lejos para narrar su descubrimiento tardío y problemática del jazz: “Mi padre era un comerciante, yo estaba en Economía y el comercio iba muy bien. He entrado en crisis hasta vender la trompeta. Cuando conseguí la licenciatura, mi padre para celebrarla, me ha sorprendido con el regalo de una trompeta nueva. Ha sido el momento más tierno de mi vida que ha cambiado todo. Y hoy papá es uno de mis hinchas más encarnizados”.

¿Cómo explica una desenvuelta mutación del rock al jazz? “No logré conectar el sonido de mi trompeta al rock y, a los 21 años, he entendido que con el jazz venía mejor. Miles Davis ha sido mi primer héroe. En Benevento he seguido los seminarios de Paolo Fresu y he quedado fulgurado por el sonido bellísimo de su trompeta. He seguido con sus seminarios de Nuoro y Paolo se ha convertido con el tiempo en consejero y productor de mis discos para su etiqueta Tuk. He seguido con atención también trompetistas contemporáneos como Jon Hassell, Thomasz Stanko y Nils Petter Molvaer”. A Hassell, colaborador de Brian Eno, lo ha conocido también de cerca: “He compartido con él un proyecto dedicado a Gil Evans. Es un filósofo, un gurú, un lobo también en la vida, hambriento de música. Hasta tres días antes del estreno, en las pruebas dejó abiertos muchos interrogantes, que se disolvieron como por milagro solo durante el concierto.”

Aquino no es un fundamentalista del jazz pero tiende al melting-pot más variado: “Hay jazz y jazz. Está aquel con la “J” mayúscula y aquel con muchas “Z”, que son para mi las otras músicas, del pop a la electrónica. Personalmente, amo la melodía, soy un romántico-reflexivo. Hace un mes me he embelesado escuchando por casualidad la voz de Toto Cutugno.”

Con Lucio Dalla ha inventado un sugestivo dueto sobre La mer de Charles Trenet que se desprende tanto del álbum “Dalla in Jazz” como de aquel de Luca, “Chiaro”. “A Lucio lo he encontrado durante un espectáculo del pintor Mimmo Paladino, que es un amigo de la familia. Hemos improvisado junto un dueto para trompeta y clarinete, y él me ha dado las felicitaciones. Le he preguntado si tenía ganas de registrar conmigo La Mer. Me contestó que sabía hablar perfectamente la lengua, pero que nunca había cantado en francés. Con la base ya lista, cuando lo alcancé en Bologna, descubrí que no sabía tanto el francés, pero luego cantó con gran profesionalidad. He tenido poco tiempo para conocerlo, pero me bastó para sentir que tenía una gran disponibilidad y pasión por la música. Lucio era arte puro”.

Chiaro, seguido después por aQustico con todos temas originales, también ha sido el álbum que le ha propiciado el feliz encuentro con Manu Katché: “Le gustó tanto que me contactó para que me sumara a su cuarteto. Tocamos juntos desde hace un par de años. Katché es uno que va a alta velocidad y hace mucho free. Las primeras exhibiciones fueron mal y pensé que me echaba. Luego me he empeñado y ahora todo hila bien”. Con Katché, Aquino ha registrado el álbum “Live in Paris” que saldrá a la venta en setiembre por el sello alemán ACT.

Sueños, proyectos especiales? Luca Aquino revela uno sorprendente: “Soy un apasionado de Umberto Nobile y de sus aventuras en el Polo Norte. Nobile era irpino de Avellino, no de Benevento, y sobre él estoy muy documentado. He leído todo, he visto lo filmado, pero nadie ha pensado nunca acompañar sus viajes con la música. El sueño es el de viajar junto a Nobile con mi música y mi trompeta. Antes o después sucederá.”

Fuente para la reseña: http://www.repubblica.it/spettacoli/musica/2014/08/06/news/luca_aquino_il_jazzista_che_ama_il_rock_adesso_vi_mostro_il_jim_morrison_pi_scanzonato-93263922/

Track Listing – Rock 4.0

01. Sarè (1:03)
02. The Crystal Ship (2:42)
03. Mapa (0:37)
04. Sfrikix (4:21)
05. No Surprises (3:54)
06. Dancing With Lee (0:25)
07. La volata (2:29)
08. Sugar Mountain (3:22)
09. B (1:37)
10. Knockin’ On Heaven’s Door (3:19)
11. Light My Fire (5:08)
12. Indian Summer (5:16)
13. Fascino (1:25)
14. Sinfonietta per Doris (4:27)
15. Scacco matto (0:36)
16. Country Fuzz (2:50)
17. 111 (3:14)

Artist List

Luca Aquino: trumpet, sax horn, electronics
Raffaele Casarano: tenor sax, electronics
Marco Maria Bardoscia: double bass, bass
Dario Congedo: drums

with
Javier Girotto: flute, soprano sax, baritone sax (tracks 4, 10, 11, 12, 14)
Kekko Fornarelli: piano (track 10)
Antonio Jasevoli: Guitar (tracks 5, 8)
Dario Miranda: bass (tracks 1, 9)
Giovanni Imparato: percussion, voice (track 11)
Clausio Coccoluto: beats, arrangement (track 17)

tapa OverDOORS
OverDOORS (2015)

 

El Aquarius Theatre de Hollywood fue el lugar del relanzamiento en vivo de The Doors en 1969, en un período que hasta entonces había estado lleno de vicisitudes y problemas en el seno del histórico grupo estadounidense. Y a nosotros nos gusta confiar en el igualmente acuático, acústico, claro y lunar (si no otro, parafraseando los numerosos juegos de palabras que encontramos en los títulos de sus anteriores trabajos) Luca Aquino, para celebrar la banda y darle otro presente.

He aquí explicado el título, OverDOORS, que entrega una nueva “llave” de lectura a las famosas “puertas” de la percepción.

Una convencida e innovadora vuelta al pasado que implica también la cubierta de autor del dibujante Francesco Bongiorni, milanés viviendo en Madrid, que ha colaborado con revistas del calibre del New York Times y El Mundo, para citar sólo algunas de ellas. El artista ya había realizado para nosotros la primera salida del catálogo de nuestro sello, el doble cd Songlines/Night & Blue de Paolo Fresu Quintet.

El trompetista Luca Aquino publicará pues el próximo 21 abril su tercer álbum producido por el sello Tǔk Music (distribución de Ducale Music) de Paolo Fresu

El disco es pues un personal tributo a su banda de rock preferida, The Doors, y llega después de la experiencia de aQustico y dos años después de un tour mundial con el grupo del baterista Manu Katché.

El sonido comienza por la experiencia nórdica de Chiaro, pero igualmente prosigue hacia una nueva dirección. Las relecturas del repertorio de The Doors son libres y desenvueltas, Aquino se inspira en las melodías originales para hacerlas propias y crear algo inédito con arreglos decididos. Para acompañarlo en esta aventura están Darío Miranda al bajo eléctrico, Antonio Jasevoli en la guitarra y Lele Tomasi en la batería. Tres son los indispensables cameos vocales: Petra Magoni, Carolina Bubbico y Rodolphe Burger.

La pasión de Aquino por el rock se remonta a sus primeras escuchas musicales; descubre a Miles Davis y a Chet Baker en una segunda instancia y sólo posteriormente se apasiona por el jazz, manteniendo siempre un enfoque transversal donde elementos como el rock y la electrónica se funden en forma natural a la música afroamericana.

Leemos en las liner notes del cd “En el jazz están de moda los tributos y hoy la tendencia es declararse rockero. Por estas razones, he frenado, a lo largo del tiempo, el deseo de dedicar un álbum a los Doors, mi banda preferida en absoluto. Luego, ha prevalecido el amor por Jim Morrison y sus compañeros. OverDoors ha madurado con fuerza entre algunas dificultades. La primer duda surgió sobre la elección de los tema: los habría reexaminado a todos. La otra profunda indecisión que ha resonado en mis pistones fue, en cambio, alimentada por las distintas posibilidades de relectura de los pasajes de la histórica banda californiana. Una única pregunta por meses: ¿un enfoque de cover o una autónoma reelaboración musical? Al fin he recorrido ambas sendas, calzando Converse, sintiéndome libre de desentrañar y recomponer Light My Fire, sino también de cantar la letra y soplar melodías etéreas y eternas como Blue Sunday y Yes, The River Knows. Tengo curiosidad de hacer escuchar el groove de Waiting for the Sun a Carlo, Piero y a otros amigos con los cuales, sentados sobre una banqueta, soñábamos viajando en las notas de LA Woman”.

Fuente para la reseña: http://italia.allaboutjazz.com/nuovo-cd-di-luca-aquino-overdoors/

Track Listing – OverDOORS

01. Peace Frog (6:18)
02. Waiting For The Sun (5:26)
03. OverDOORS (1:37)
04. Blue Sunday (5:00)
05. Queen Of The Highway (3:16)
06. Ship Of Fools (5:04)
07. Yes, The River Knows (3:50)
08. Riders On The Storm (4:30)
09. Hyacinth House (6:18)
10. Light My Fire (6:03)
11. Indian Summer (6:44)

All songs composed by Jim Morrison • John Paul Densmore • Raymond Daniel Manzarek • Robert Alan Krieger and published by Doors Music Company, except OverDOORS by Luca Aquino – Tǔk Music • Five Fishes, Light My Fire published by Warner Chappell Music Inc. and Indian Summer written by Jim Morrison and Robert Alan Krieger.

Artist List

Luca Aquino: trumpet and live electronics
Dario Miranda: electric bass
Antonio Jasevoli: guitars
Lele Tomasi: drums
Guests:
Rodolphe Burger: voice and guitars on “Riders On The Storm”
Petra Magoni: voice on “Queen Of The Highway”
Carolina Bubbico: voice on “Indian Summer”

Apunte: Luca Aquino es un trompetista, flugelhornista y compositor nacido el 1 de Junio de 1974 en Benevento, antigua ciudad del sur de Italia. Aquino tiene un sonido inconfundible, melodioso, reconocible a primera escucha, hecho de un perceptible vibrato, de notas disminuidas que no encuentran una conclusión, como invernando en el tiempo a la espera de que lleguen las siguientes. Rasgos escandinavos para un músico mediterráneo. Dotado de gran sensibilidad por la melodía, la perfección del sonido y la musicalidad del silencio, no desdeña el uso de la electrónica. Hechas estas aclaraciones (que aparecen en su biografía), este megapost parcial de la discografía como líder del trompetista, pretende dar a conocer la música de un “jazzista que ama al rock”, pero que felizmente es mucho más que eso, algo que queda demostrado en las diferentes direcciones musicales que recorren estos álbumes. Que lo disfruten. Saludos!

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Wayne Horvitz
diciembre 7, 2015, 8:53 pm
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tapa Forever
Forever (2000)

La estatura estimada de Wayne Horvitz en la música moderna como compositor-ejecutante prolífico es innegable. En Forever, Horvitz y compañía proporcionan al oyente una desviación o un intermedio de las versiones anteriores de “Zony Mash” a medida que bajan el tono un poco, mientras persiguen una refinada elegancia en delicadamente melódicas y realmente conmovedoras piezas como “Ben’s Music” y la dulcemente sencilla “Tired”. Horvitz y el guitarrista Timothy Young continúan su atractiva mezcla de ricamente establecidos expresiones de acordes y sonoras líneas al unísono en “Prepaid Funeral” tanto que los acordes bien colocados del pianista y la escueta entrega habla por si sola. En esta pieza, los músicos levantan el calor tanto como persiguen la sutil dinámica y grooves de dedos golpeando via las articulaciones de piano de Horvitz estilo parador de carretera de Texas y el animado y aún intencionadamente frágil punteo y aguda fraseología del guitarrista eléctrico Timothy Young. En todas partes, el bajista Keith Lowe y el baterista Andy Roth sientan los sólidos pero a veces sueltos marcos con un notable grado de coherencia que, en última instancia, dejan comprensiva la pintura total. Los músicos representan un retrato o tela colorida o impresionista en la pieza titulada, “Little Man” cuando Horvitz y Young promulgan algo de un lamentable tema a través de lo escasamente implícito pero atractivo de los melódicos coros que ofrecen una luz tenue de esperanza!. Desde el comienzo hasta el final, los músicos alegorizan sentimientos personales y emocionales sin ser hoscos o excesivamente introspectivos; de ahí, la quintaesencia de la fina línea en la imaginaria arena impide que esta maravillosa grabación sea un desastre inducido por la sacarina…

Suponemos que Forever debería gozar de gran éxito mientras se expande la ya sustancial base de fans de Horvitz a un ámbito de mayor notoriedad. Aquí, las características definitorias del grupo presionan hacia adelante como Forever es todo acerca de cultivada y tranquila elegancia que avanza siempre tan suavemente.

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/american-bandstand-wayne-horvitz-songlines-recordings-review-by-glenn-astarita.php

Nota del Traductor: en la reseña original de Astarita se menciona al álbum con el título de “American Bandstand”, con el cual salió originalmente a la venta. El conductor televisivo y productor musical Dick Clark le entabló una acción legal por el título del disco, ya que Clark conducía un popular programa de televisión con el mismo nombre, hecho que obligó a Horvitz a re-editar el disco con el nombre definitivo de Forever.

Apunte: Resulta difícil describir de manera apropiada las obras de un artista tan prolífico como inclasificable como es Wayne Horvitz. Horvitz, como John Zorn por ejemplo, es capaz de pasar de una obra de exquisita belleza sonora a otra absolutamente desconcertante e inaudible para nuestros pobres oídos mortales. En el intrincado derrotero musical de Horvitz a mediados de los 90 formó Zony Mash un grupo eléctrico orientado hacia el funk, a la manera de los Medeski, Martin and Wood. Por supuesto, entre medio de las grabaciones y actuaciones de Zony Mash, Horvitz desenchufó la banda y grabó un puñadito de discos bellísimos, como son Forever (2000), Sweeter Than the Day (2002) y A Walk in the Dark (2008) (estos dos últimos, publicados hace un tiempo atrás por MQC/PV). Forever como las obras unplugged de este cuarteto que le sucedieron, tienen una característica distintiva que es esa especie de collage que las identifica ubicadas tanto en la tradición más tradicional como en una modernidad bien vanguardista. Como con una buen obra pictórica, si nos acercamos vemos los detalles, los colores, las sombras, los brillos…si nos alejamos, disfrutamos la imagen completa, la belleza del todo. Horvitz usa los mismos elementos de siempre (odia que le digan que su música es “eclética”), pero gracias a su enfoque hacia la infinitud de la música, lo suyo suena exquisito y curador. Demos gracias a Horvitz!

Track listing

01. Ben’s Music (4:36)
02. Prepaid Funeral (5:45)
03. Love, Love, Love (4:43)
04. Capricious Midnight (3:18)
05. 9 To 4 (4:44)
06. In The Ballroom (5:19)
07. Forever (5:16)
08. Disingenuous Firefight (5:13)
09. Tired (5:26)
10. Little Man (3:35)
11. American Bandstand (5:08)

Artist List

Keith Lowe: acoustic bass
Wayne Horvitz: piano, compositions
Andy Roth: drums
Timothy Young: guitar

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Giovanni Francesca

tapa Rame
Rame (2015)

El guitarrista italiano Giovanni Francesca retorna a Auand Records con Rame. Excelentes habilidades compositivas y el cuidado de todo el sonido, que ya demostró en su anterior trabajo “Genesi”, emerge poderosamente a través de las pistas.

El tiempo que separa estos dos álbumes ha fortalecido el enfoque compositivo de Francesca. Esto puede ser escuchado en pistas como “Novela” y “Nuda”; ambas destacan esa intensa, rica música escrita que el guitarrista puede poner en el centro de sus composiciones. En este redescubrir de la energía, ha construido un sonido nítido y más consistente. Su nueva banda actúa al mismo tiempo como un límite y como un trampolín en su camino hacia el logro de una nueva cohesión musical.

Junto al líder, dos compañeros de confianza como el contrabajista y bajista eléctrico Dario Miranda y el baterista Aldo Galasso (ambos también siendo parte de Francesca’s Telegraph Trio), quienes garantizan una sólida sección rítmica, así como una constantemente sorprendente interacción. El violinista Raffaele Tiseo (también en viola y cello) y el trombonista Alessandro Tedesco completa la alineación, proporcionando una chispa para la mayoría de las originales ideas permitiendo que estos dos instrumentos muy diferentes se reúnan en el mismo terreno (como en el ágil “Rom” y en los distantes moods de “Gocce”)

Esta ya rica alineación aloja además dos top jazz stars italianos: la pianista Rita Marcotulli y el trompetista Fabrizio Bosso. Mientras ella embellece “Greta”, uno de los más importantes temas del álbum, las improvisaciones de Bosso dan energía, lirismo y un toque poético a “Lite” y a “Sentinelle”.

“La creación de Rame – dice Giovanni Francesca – ha ocurrido en un momento muy especial, muy intenso e importante, emocionalmente hablando. Un momento de grandes cambios, que se han convertido en melodías, acordes y sonidos. Esta música es el resultado de un esfuerzo para llegar a nuevos destinos. Y destinados a confirmar una identidad”.

Apunte: Giovanni Francesca ha sido para mi un gratísimo descubrimiento en este año 2015 que se va apagando. Rame es para un público amplio porque abreva con pasión de muchas fuentes, pero con una mirada sabiamente integradora: su sonido, con la instrumentación y efectos seleccionados le permite lograr una obra increíblemente hermosa y sólida a la vez, siendo el perfecto paso siguiente al anterior disco igualmente excelente que fue “Genesi”. Sin dudas, uno de mis discos del 2015. Altamente recomendable!

Fuerte para la reseña: http://www.ijm.it/albums/display/492

Track Listing

01. Gocce (5:16)
02. Novela (4:41)
03. Nuda (5:20)
04. Neve (5:30)
05. Tuba (3:20)
06. Rom (5:30)
07. Lite (3:38)
08. Greta (4:39)
09. Sentinelle (5:10)
10. Atollo (6:02)

Artist List

Giovanni Francesca: chitarra
Raffaele Tiseo: violino
Alessandro Tedesco: trombone
Dario Miranda: basso
Aldo Galasso: batteria
Guests:
Rita Marcotulli: piano
Fabrizio Bosso: trumpet

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Pete McCann

tapa Parable
Parable (1999)

Aprovechando las influencias que van desde John Scofield y Bill Frisell a Pat Metheny y Mike Stern, Pete McCann tiene un creativo, diverso esfuerzo de jazz-rock en Parable. Si define fusión como “jazz mezclado con rock y/o funk”, la forma de tocar la guitarra de McCann ciertamente puede ser considerada fusión. Pero Parable se inspira en el jazz eléctrico de vanguardia (especialmente, “Prime Time” de Ornette Coleman) así como en su escuela de fusión. McCann y sus compañeros Peter Epstein (saxofones soprano y alto), Bruce Huron (saxofón tenor), Tim Lefebvre (bajos acústico y eléctrico), y Matt Wilson (batería, percusión) tocan sobre todo dentro, pero no tienen miedo de aventurarse fuera cuando es apropiado. Esa yuxtaposición adentro/afuera es una de las cosas que hacen a Parable impredecible — otra es la diversidad de la escritura. Este CD va desde lo cerebral (“Victim Sweepstakes”, “Grimlock”) a lo serenamente reflexivo (“Patricia”, “Parable”) y al arrepentimiento (“Gone”). No debe confundirse con el clásico de los tempranos ‘ 60 de Oliver Nelson, “Hoedown” satisfactoriamente fusiona la angularidad de Coleman con toques de country y folk. Parable es una realización que entusiastas tanto de la fusión como de la vanguardia podrán apreciar.

Fuente para la reseña: Alex Henderson para http://www.allmusic.com/album/parable-mw0000236981

Track Listing – Parable

01. Grimlock (5:47)
02. Parable (7:23)
03. Mind Bender (2:50)
04. Open Gate (9:08)
05. Patricia (5:24)
06. Gone (6:14)
07. Hoedown (6:04)
08. Final Passing (3:01)
09. Search (6:51)
10. Victim Sweepstakes (5:01)
11. Hoevenen (2:51)
12. Sheriff Bob (4:44)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: soprano and alto saxophones
Bruce Huron: tenor saxophone
Tim Lefebvre: basses
Matt Wilson: drums, percussion

tapa You Remind Me Of Someone
You Remind Me of Someone (2000)

El guitarrista Pete McCann a veces es comparado tanto con John Scofield como con Pat Metheny, y usted podrá escuchar más de una sombra de este último en su tono untuoso y exuberante uso de reverberación en varias pistas de este álbum. Pero en el segundo esfuerzo de McCann también hay un poco de Bill Frisell en su enfoque de la melodía — escuchar el lento “Knew Blues” y los acordes abiertos y fraseo sesgado en “You Remind Me of Someone”. En “Ornery”, un tributo brillante al pionero del free jazz Ornette Coleman, McCann rinde homenaje no solamente a la notoria indiferencia de Coleman a la progresión de acordes durante los solos, sino también a la asombrosa capacidad para escribir, a veces, melodías francamente encantadoras. McCann también escoge bien sus pocos covers, entregando una pensativa interpretación de “I Love You” de Cole Porter y una interpretación ligeramente teñida de latina de la composición de Steve Swallow, “Falling Grace”. En todas partes, él está acompañado enérgica pero sensiblemente por el bajista John Hébert y el baterista Mike Sarin. Altamente recomendado.

Fuente para la reseña: Rick Anderson para http://www.allmusic.com/album/you-remind-me-of-someone-mw0000106325

Track Listing – You Remind Me of Someone

01. Knew Blues (4:53)
02. You Remind Me Of Someone (6:23)
03. Pollock (5:30)
04. Falling Grace (4:35)
05. Mr. Fritters (4:44)
06. Inquisition (6:43)
07. I Love You (4:13)
08. Letting Go (5:05)
09. Ornery (5:45)
10. The Patriot (4:49)

Artist List

Pete McCann: guitars
Peter Epstein: saxophones
John Hébert: acoustic bass
Mike Sarin: drums, percussion

tapa Most Folks
Most Folks (2006)

Fundado en 1999, OmniTone es un sello de jazz establecido en Brooklyn dedicado a la liberación de nuevas grabaciones “de jazz aventurero y escuchable” de los principales creativos improvisadores de hoy. En esta mezcla impresionante de straight-ahead, post-bop y jazz latino, el establecido en New York, Pete McCann, finalmente toma el centro de la escena después de años de ser un sideman para artistas como Kenny Wheeler, Kenny Garrett, Dave Liebman, el Mahavishnu Project, Peter Erskine y Curtis Stigers. Creando una actuación multifacética y de moods oscilantes diseñada para atraer tanto a sofisticados fans de jazz como a la mayoría de la gente, así es como McCann y su quinteto alterna desde la alta energía a asuntos en claves bajas. El guitarrista revela su hábil sentido de la improvisación desde el inicio, teniendo un rápido solo a unos pocos minutos de la apertura de la pista del título, atizado por los resoplantes tambores y cepillos de Mark Ferber y el cool groove del bajista John Hébert. McCann es un gran músico de conjunto también, aliviando dentro y afuera la melodía del exhuberante saxo alto de John O’Gallagher en “Jojo’s Waltz” y doblando perfectamente con su saxman en los segmentos de apertura de la pieza de jazz progresivo “About Face”. Mientras McCann y su feliz equipo parece estar más en casa en el modo up tempo, (la vigorosa “Split Decision” viene a la mente), ellos no están encima tocando raro e intrigante en números más lentos, hipnóticos y ambient como “Hunter Gatherer”. Esto es un fuerte registro de jazz indie que marca la aparición en solitario de un guitarrista que no debería mantenerse al margen mucho más.

Fuente para la reseña: Jonathan Widran para http://www.allmusic.com/album/most-folks-mw0000726577

Track Listing – Most Folks

01. Most Folks (5:35)
02. Jojo’s Waltz (6:18)
03. Rack ‘Em Up (5:43)
04. Las Tias (6:40)
05. About Face (3:27)
06. Yes, My Friend (7:51)
07. Hunter Gatherer (3:12)
08. JM (6:23)
09. Third Wheel (4:30)
10. Split Decision (2:41)
11. Worth (4:52)

Artist List

Pete McCann: guitar
John O’Gallagher: alto, soprano sax
Mike Holober: piano
John Hébert: bass
Mark Ferber: drums, percussion

tapa Extra Mile
Extra Mile (2009)

Pete McCann puede ser una especie de un superhombre de la guitarra, considerando su trabajo con bandas lideradas por Patti Austin, Lee Konitz, Kenny Wheeler, Dave Liebman, Kenny Garrett, Peter Erskine, Gary Thomas, Greg Osby, Brian Blade y María Schneider.

Desde que se trasladó a New York en 1989, McCann ha prestado sus habilidades a estos líderes diversos, mostrando su acercamiento camaleónico. Él está igualmente cómodo tocando jazz pre y post-bop, así como fusión eléctrica, acústica, latina y rock, todo lo cual está expuesto en su cuarto álbum solista, Extra Mile.

Después del swing aparentemente sin esfuerzo de la apertura “Fielder’s Choice”, McCann abre su maleta de sonidos, tocando licks inspirados en Stevie Ray Vaughn yuxtapuestos con algunos ágiles vagabundeos acústicos. Cada composición original sobre la grabación revela más de las muchas facetas de McCann, ninguna de las cuales podría haber sido lograda sin el apoyo dado por el bajista Matt Clohesy y el baterista Mark Ferber. Su pegamento sostiene juntos los diversos serpenteos.

El empleo de artistas invitados -como el saxofonista John O’Gallagher y el pianista Henry Hey- permite a McCann bifurcarse en múltiples direcciones. O’Gallagher camina en línea recta en la imperturbable pista del título y en el ardiente blues “Isosceles”. Como McCann, el saxofonista tiene un oído ecléctico, con gustos muy amplios, pero nunca disperso en su acercamiento.

Hey brilla en todas partes, pero en “Rhodes Less Traveled” se le permite estirarse en el piano eléctrico tanto como McCann absolutamente chisporrotea en la guitarra. Otras pistas estelares incluyen el dueto guitarra/bajo acústico de “Pi”, el retro-jazz-rock de “Angry Panda” y la urgente y muy memorable electricidad a lo Weather Report de “Stasis”

Pete McCann puede intentar volar bajo el radar, pero sus facultades como un guitarrista superhéroe ciertamente son reveladas en este álbum excepcional.

Fuente para la reseña: Mark Corrotto para http://www.allaboutjazz.com/extra-mile-pete-mccann-nineteen-eight-records-review-by-mark-corroto.php

Track Listing – Extra Mile

01. Fielder’s Choice (7:19)
02. Isosceles (5:38)
03. Stasis (5:07)
04. Extra Mile (6:09)
05. Angry Panda (5:32)
06. Tributary (5:30)
07. Pi (5:34)
08. Hybrid (4:07)
09. Lonesome Prairie Dog (8:30)
10. Rhodes Less Traveled (3:57)

Artist List

Pete McCann: electric guitar, acoustic guitar
John O’Gallagher: alto saxophone
Henry Hey: piano, Fender Rhodes piano
Matt Clohesy: acoustic bass, electric bass
Mark Ferber: drums

Apunte: Músico de músicos, Pete McCann tiene el talento y la versatilidad para tocar muy bien gran cantidad de estilos: fusión, jazz, rock, country, folk, etc, etc. La discografía como líder que aquí compartimos (a la cual le falta su última producción, “Range” del 2014), tiene la particularidad de ser amplia en los géneros abarcados, lo cual tiene la contra de que un álbum puede perder consistencia ante tanta oferta, pero por otro lado tiene la potencial fortaleza de llegar a mayor cantidad de público. Con esto quiero decir que todos los discos de McCann nos dejan algo. Y ese algo no es solo aquellos temas que estén más relacionados con el género con el cual más nos identificamos, sino también el enfoque moderno y bastante vanguardista con el que la banda completa aborda el repertorio: si observan las listas de los artistas que acompañan a McCann podrán apreciar que todos ellos son brillantes improvisadores y líderes de sus propios proyectos musicales en los cuales no temen de tomar riesgos. En definitiva: McCann es otro guitar-hero que trae MQC/PV a vuestra consideración para que saquen sus propias conclusiones. Que lo disfruten! Salud!

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