Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Emile Parisien, Jazz, Julien Herné, Rock, Tony Paeleman, Valentin Liechti, Vincent Peirani, Yoann Serra
Living Being (2015)
El disco se abre y se cierra suavemente, casi de manera acústica como en muchas experiencias musicales en las que participa el acordeonista Vincent Peirani, entre otros con Youn Sun Nah, Émile Parisien o Michael Wollny. Pero las siete piezas incrustadas entre estas dos miniaturas tienen un sabor fuertemente eléctrico, con un bajo (Julien Herné) y un Fender Rhodes (Tony Paelemen) bien instalados, extendidos por varios efectos, donde el acordeón cantor y el soprano soñador se pierden o se revelan en volutas saturadas.
Con su compinche de larga data, Émile Parisien a los saxofones (un intervalo en el tenor Air Song # 2 ) y Yoann Serra a la batería, Vincent Peirani, revelación de las Victoires du jazz 2014, lleva cuatro años trabajando con su grupo. Aquí está finalmente su primer disco. Otro universo que no ha sido explorado hasta ahora, y ha sido exitoso.
Una versión de Jeff Buckley («Dream Brother»), una de Michel Portal («Mutinerie»), un tributo inquietante («Some Monk») y otros seis temas del líder, que sabe cómo integrarse en el grupo o con el sonido del teclado, dejar que otros pasen al frente, para que reflejen y brillen tranquilamente con todos sus toques de color.
Un buen equilibrio entre arreglos e improvisaciones, entre ensayos y oleadas («Suite en V Parte 1»), entre calma, un poco de folk y tumulto («Workin’Rhythm»). Un disco bonito, bien grabado y muy estimulante.
Fuente para la reseña: Alain Lambert para https://www.musicologie.org/15/vincent_peirani_living_being.html
1. Suite en V Part 4 (Peirani) (2:12)
2. Suite en V Part 1 (Peirani) (5:51)
3. Dream Brother (Jeff Buckley) (6:28)
4. Mutinerie (Michel Portal) (7:52)
5. On The Heights (Peirani) (6:57)
6. Air Song #2 (Peirani) (4:24)
7. Some Monk (Peirani) (8:52)
8. Workin’ Rhythm (Peirani) (4:43)
9. Miniature (Peirani) (2:55)
Artist List
Vincent Peirani: accordion & voice (02)
Emile Parisien: soprano & tenor saxophone (05)
Tony Paeleman: fender rhodes & effects
Julien Herné: electric bass & effects
Yoann Serra: drums
Living Being II – Night Walker (2018)
¿Qué une a Sonny y Cher, Henry Purcell y Led Zeppelin? Todos aparecen en el nuevo álbum del galardonado acordeonista francés Vincent Peirani. Su banda Living Being de cinco integrantes, se basa en elementos de jazz, rock y clásicos, así como en sus propias composiciones.
Peirani aprendió el acordeón en parte transcribiendo piezas clásicas para acordeón, y sus arreglos de las piezas de rock son miniaturas perfectamente detalladas. «Bang Bang» de Sonny y Cher mantiene la sensación de los `60 pero se inclina hacia la chanson francesa. Hay mucho espacio para que Peirani extraiga emoción de la melodía quejumbrosa. La apertura de Peirani forma una trilogía con sus versiones de «Kashmir» y «Stairway To Heaven» de Led Zeppelin. Lento y pensativo, prepara el oído con cadencias similares a las de las piezas de rock, suavemente apuntalado por el bajo eléctrico de Julien Herné. «Kashmir» comienza con el hermoso saxo soprano de Emile Parisien. Sus inflexiones orientales entre las campanas de los templos, evocan a la India sobre los tambores que retumban libremente de Yoann Serra. El acordeón toma la línea vocal sutilmente detrás de la improvisación de Parisien. La sensación de rock es desarrollada por el excelente solo de teclado de Tony Paeleman, con su tono distorsionado. Paeleman toca los arpegios ascendentes clásicos de «Stairway To Heaven» (mira, sin guitarras); Hay un toque folk suave en el arreglo que recuerda al arpista bretón Alan Stivell. Secuencia de acordes de Purcell en «What Power Art Thou», de su ópera King Arthur es un regalo para los músicos de jazz. El arreglo de Peirani tiene una sensación orquestal, con bajo de rock y un solo de soprano potente y agudo de Parisien que se tambalea a través de los arpegios.
Otras pistas son de Peirani. Las emotivas capas en «Enzo» de líneas de acordina / saxo se entrelazan con los teclados / guitarra (Herné) a lo Radiohead. «Night Walker» está densamente repleto de inquietas ideas musicales: bajo funky urgente; batería de rock general; teclado chillón; saxo delicado y chillidos de acordeón. Siguen los sintetizadores espaciales de «K2000», un tema complejo que sube y baja sobre un ritmo funk-rock. «Falling» y «Unknown Chemistry» son melodías más suaves y maravillosamente elegantes con bordes folk. Este último aumenta la intensidad a través de exquisitos acordeones, hasta que las frases angulares del solo de Parisien alcanzan el punto de ebullición. El adagio «Smoke & Mirrors» agrega nuevas texturas:Los sonidos electrónicos de Valentin Liechti y la voz de Peirani. Uno de los favoritos es «Le Clown Sauveur De La Fête Foraine», que evoca un peculiar vals de feria con sus trinos de acordeón / saxo precariamente rápidos, bajos atonales y tambores asustadizos.
Peirani llama a esta banda una «orquesta de música rock de cámara», y el álbum tiene la energía del rock aliada a una cuidadosa orquestación e improvisación de jazz. “Mi especialidad es que no soy especialista. Siempre tengo curiosidad por la música y trato de tocar música a mi manera”, dijo. Y este deslumbrante álbum tiene su propio sello distintivo.
Fuente para la reseña: https://londonjazznews.com/2018/11/01/cd-review-vincent-peirani-living-being-ii-night-walker/
Track Listing – Living Being II
01. Bang Bang (Sonny Bono) (3:26)
02. Enzo (Vincent Peirani) (4:29)
03. Le Clown Sauveur De La Fête Foraine (Vincent Peirani) (2:43)
04. What Power Art Thou (Henry Purcell) (5:55)
05. Opening (Vincent Peirani) (3:52)
06. Kashmir (Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham ) (5:41)
07. Stairway To Heaven (Jimmy Page & Robert Plant ) (3:26)
08. Night Walker (Vincent Peirani) (6:55)
09. K2000 (Vincent Peirani) (1:42)
10. Falling (Vincent Peirani) (4:40)
11. Unknown Chemistry (Vincent Peirani) (6:15)
12. Smoke & Mirrors (Vincent Peirani) (4:42)
Artist List
Vincent Peirani: accordion, accordina & voice
Emile Parisien: soprano saxophone
Tony Paeleman: fender rhodes & keys
Julien Herné: electric bass & electric guitar
Yoann Serra: drums
Valentin Liechti: electronics on 12
Apunte: Estos muchachos tocan jazz, si, el de ropaje más popular, pero Vincent Peirani y Émile Parisien son seres habitados por la música, cualquiera sea su género. Living Being (la banda) tiene una identidad muy personal que orbita alrededor del poco usual empleo del acordeón dentro del jazz y un sonido con una energía muy rockera, contando con espacios para la improvisación de todos sus integrantes. Demoramos años en poner a consideración estos álbumes en PV/MQC. Sin dudas la demora ha sido directamente proporcional al disfrute que nos ha causado el escucharlos infinitas veces desde su aparición.
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Lego (2015)
Lego, lanzado a finales de 2015, es el segundo álbum del cuarteto de Michael Felberbaum . El primero, «Sweet Salt» , fue lanzado en 2006, con el mismo sello; los músicos eran los mismos a excepción de Daryl Hall que sostenía el contrabajo. Lego fue bien recibido por nuestros colegas que escribieron en gran número sobre él. Es interesante notar que este álbum a menudo se describe como abstracto, incluso «cubista». En cuanto al líder y compositor, Michael Felberbaum, quien también es guitarrista, es, según las plumas, a su vez un emulador de Jim Hall, John Scofield, Larry Corryell, Pat Metheny y algunos otros.
Hay algo de verdad en todo esto, por supuesto, pero por nuestra parte es otro aspecto de esta música que creemos que debe destacarse: la profusión melódica. Ya habíamos notado este aspecto de las composiciones de Michael Felberbaum en «Sweet Salt»: la canción “Phosphor-Essence” en particular, con su melodía embriagadora y su ritmo astuto, había trotado durante mucho tiempo en nuestras cabezas. Michael Felberbaum es sin duda un guitarrista brillante, pero también es una pluma excelente con un don para la melodía que no es tan común en el jazz contemporáneo. Quien vuelva a escuchar Lego corre el riesgo de meterse en la cabeza melodías que se le pegarán a la memoria como el yeso en los dedos del Capitán Haddock en L’Affaire Tournesol! Y el contagioso tema «Flow» no es el único que tiene este efecto. Las primeras notas de canto de «Horse» y especialmente las acrobacias y grandes variaciones bossa-novescas de «Now» te dejan luchando durante unos días con resistentes huellas melódicas.
Las composiciones del líder no solo destacan por sus melodías: también están construidas de manera brillante, lo cual es obvio al titular un álbum Lego. En la pista que da título, notamos la forma en que el bajo por un lado, la guitarra y el Fender Rhodes por otro, intercambian temas, convirtiéndose tal línea de bajo en un tema desarrollado por piano y guitarra, tal tema de solistas. siendo recogido subrepticiamente por el bajo. Y a todo esto, te preguntarás, ¿está bien hecho? La respuesta es obvia: ya no se presenta a Pierre de Bethmann, aquí un poco al piano y mucho al Fender Rhodes, cuyo sonido va bien con las composiciones. Sus solos son evidentemente magistrales, pero apreciamos los toques de color que deposita aquí y allá gracias a su gran dominio de este instrumento y los efectos que le aporta. El bajo de Simon Tailleu es sólido y melódico también, como lo demuestra su fuerte solo de bajo al comienzo de «Nostalgia». El baterista Karl Jannuska también es muy conocido y hay que destacar que su propia música como líder, se acerca más al pop y el rock que al jazz, y utiliza mucho la voz. Así que es todo este cuarteto el que canta y nos encanta con un sonido grupal muy interesante. En cuanto a los arreglos, merecen una escucha atenta que, por ejemplo, revelará un doblaje discreto de la guitarra en el segundo estribillo de «Flow» o toques discretos de órgano en «Mint» y «Variations».
Entonces, por supuesto, diremos que la melodía se siente bien, pero que puede llevar un disco hacia la belleza, darle un lado limpio y emoliente; nada de eso, aquí, este cuarteto desbordante de una energía jovial y, si canta en Lego, también baila y no se olvida de groovear. Por supuesto, no se encontrará aquí ni territorios inexplorados, ni riesgos insensatos, ni se sentirá allí el azufre o el viento de la revuelta. Pero, ¿por qué no disfrutar de su placer y prestarse a las alegrías primaverales con este unido grupo de excelentes músicos que tocan las composiciones variadas, melódicas y sofisticadas de un guitarrista-compositor que quizás no tiene aún el reconocimiento que merece?
Fuente para la reseña: Laurent Poiget para https://www.citizenjazz.com/Michael-Felberbaum-Quartet.html
01. Flow (9:54)
02. Variations (5:40)
03. Horse (7:18)
04. A (6:42)
05. Nostalgia (6:18)
06. Now (6:39)
07. Mint (8:17)
08. A Little Bigger (4:44)
09. Lego (8:39)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Pierre De Bethmann: piano, Fender Rhodes
Simon Tailleu: bass
Karl Jannuska: drums
3 Elements (2019)
He aquí un disco que merece toda su atención porque ofrece un universo musical imbuido de una originalidad particular. Sin ritmo, los tres músicos demuestran que la pulsación existe a pesar de todo. Lo hacen a través de composiciones del guitarrista y retomando temas que van desde la música barroca hasta el sucio Soundgarden. Íntimo y onírico en muchos sentidos, este disco ofrece múltiples caminos musicales dentro de los cuales cada uno de los tres músicos expresa su sensibilidad. El arte del trío, lo sabemos desde Bill Evans, lleva la interacción en su ADN. Michael Felberbaum y sus cómplices de toda la vida lo confirman con una delicadeza constante. De enfoque complejo, su música no es menos clara. Fluye de la fuente, como se dice, porque la inteligencia de las formas es aquí una evidencia que es tanto de lo pictórico como de un tejido melódico de rica trama. El oyente es paseado por meandros donde se mezclan armonías sutiles que iluminan el discurso de manera contrastada. Es en todas las circunstancias elegante y refinado sin ser nunca grandilocuente. Es un disco de creadores con gusto seguro que no nos cansamos de escuchar ya que sus diferentes facetas son tan atractivas.
Yves Dorizon para https://www.culturejazz.fr/spip.php?article3422#06
01. Italian Waltz (Michael Felberbaum) (3:43)
02. 3 Elements (Michael Felberbaum) (7:37)
03. Black Hole Sun (Chris Cornell) (5:00)
04. Ava (Michael Felberbaum) (6:43)
05. Gilmore (Michael Felberbaum) (3:16)
06. Mercedes Benz (Joplin-McClure-Neuwirth) (6:17)
07. Lazy Man Blues (Michael Felberbaum) (5:01)
08. Segui, Segui Dolente Core (Andrea Falconieri) (3:06)
09. Mode (Michael Felberbaum) (4:03)
10. Shade (Frederic Borey) (4:17)
11. Mobil (Michael Felberbaum) (3:49)
12. The Stage of Things (Michael Felberbaum) (5:19)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Frederic Borey: soprano saxophone, tenor saxophone
Leonardo Montana: piano, Fender Rhodes
Apunte: Esto se trata de dos proyectos bien distintos, pero que tienen en común la solidez de la escritura del guitarrista italoamericano (y parisino por adopción) Michael Felberbaum, y su buen gusto, claro está. En Lego, aventura en cuarteto que sigue a su primer disco «Sweet Salt» para el sello Fresh Sound New Talent, Felberbaum refrenda lo hábil que es en la elaboración de sus composiciones, desarrollándolas de manera atractiva, infundiendo cautivantes matices de groove, bossa nova, blues, rock e incluso algunos tintes españoles. Prescindiendo del bajo y la batería, 3 Elements ve la luz en 2019 también editado por intermedio de Fresh Sound New Talent. Si ciertos elementos no están presentes, esta formación musical requiere confianza, complicidad y comprensión entre los músicos. El recorrido nos lleva gratamente de la música clásica o barroca, al blues, o al post-bop o bien, a sorprendentes arreglos sobre temas folk-rock y grunge. Brilla la coherencia lograda del material en su conjunto. Como decimos en muchas ocasiones, no revoluciona la música, pero cada escucha nos descubre detalles y nos deja buenas sensaciones en el alma.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Aaron Parks, David Ginyard Jr, Electrónico, Folk, Greg Tuohey, Indie, Jazz, Rock, Tommy Crane
Dreams of a Mechanical Man (2020)
“Hacer lo simple complicado es común; hacer lo complicado simple, increíblemente simple, eso es creatividad «. Estas palabras del legendario bajista / compositor Charles Mingus son una piedra de toque para Little Big, el cuarteto dirigido por el pianista Aaron Parks. La nueva grabación de la banda, Little Big II: Dreams of a Mechanical Man, se comunica con una claridad y simplicidad que oculta su máxima profundidad. «Quiero lanzar un hechizo», explica Parks, «para adormecerte en un trance donde creas que sabes a dónde vas y luego llevarte a un lugar inesperado, casi sin darte cuenta de cómo llegaste allí».
Esta nueva música continúa el cultivo de la banda de un lenguaje musical que combina la música creativa improvisada con una música más centrada en el groove (electrónica, indie-rock, hip-hop y psicodelia), pero sin un rastro de «fusión» educada o una sensación de que el la música está hecha de estilos dispares. Más bien, se siente perfectamente integrado, completo en sí mismo.
Dreams of a Mechanical Man es el segundo lanzamiento de Little Big en Ropeadope Records, grabado después de más de dos años de gira por Parks, el guitarrista Greg Tuohey, el bajista David «DJ» Ginyard y el baterista Tommy Crane. Una distinción principal de este nuevo álbum, según Parks, es que “hoy, la banda opera como un solo organismo. El primer disco fue sobre las melodías y la estética. Este álbum mantiene ese enfoque y también captura la química que hemos desarrollado en el camino, la forma en que esta banda se siente mientras hace música en el momento».
Little Big de 2018 fue en sí mismo una especie de secuela del aclamado debut de Blue Note de Parks, Invisible Cinema, una grabación de 2008 que puso al compositor y al pianista en el centro de la conversación sobre cómo se estaba desarrollando el jazz en el nuevo siglo. Con Dreams of a Mechanical Man, Parks continúa explorando las posibilidades de cómo la música puede encontrar una voz que incorpore influencias de la música popular, la tradición del jazz, la composición clásica, y canciones folclóricas: ideas que ahora están encontrando su expresión más convincente y madura, ya que la composición, la interpretación y la producción se unen de maneras sorprendentes.
La asociación de producción con Chris Taylor, productor / bajista de Grizzly Bear y Department of Eagles, entre otros, también fue clave. «Fue un colaborador esencial en el estudio», señala Parks, «agregando detalles brillantes. En la canción principal, por ejemplo, se le ocurrió la idea de una sección de percusión sobregrabada, que terminamos grabando en el vestíbulo del estudio. Es un toque sutil que ayuda a crear un fuerte sentido de lugar». Taylor también fue fundamental para ayudar a la banda a encontrar sus mejores actuaciones, no las llamadas perfectas, sino las que capturaron a la banda en su forma más humana. «Nos ayudó a aceptar estos momentos de imperfección y crudeza, permitiendo que la música respire y cobre vida».
«Supongo que se podría decir», explica Parks, «vamos por y, no o. Estructura y libertad. Contención y abandono. La idea es que esta banda se sienta al mismo tiempo como una máquina bien aceitada y un equipo de improvisadores.»
Las voces de los compañeros de banda de Parks son cruciales en todo momento. «¿Está todo bien?» y «¿Dónde ahora?» fueron totalmente improvisados en el estudio, porciones de exploraciones de forma libre más largas que se basan en la capacidad de la banda para obtener una lógica de la espontaneidad. «Esto», dice Parks, «es la banda realmente siendo una banda, un ser vivo».
2019 fue un año crítico para Aaron Parks, de 36 años. No solo viajó extensamente como líder con Little Big, sino que también fue un colaborador integral de «Waiting Game», la aclamada grabación de la baterista Terri Lyne Carrington. Desde que se mudó a Nueva York desde Seattle para asistir a la Manhattan School of Music a los 16 años, Parks ha ido desarrollando gradualmente su voz distintiva. Por recomendación del legendario pianista Kenny Barron, se unió a la banda de Terence Blanchard durante cinco años y tres álbumes notables, seguido de su propio debut en Blue Note, que John Fordham de The Guardian declaró «una verdadera visión independiente» de «una estrella en rápido crecimiento». También ha lanzado dos álbumes muy elogiados para ECM, el piano solista «Arborescence» y «Find The Way» con Ben Street y Billy Hart. Parks cofundó el supergrupo colectivo James Farm con Joshua Redman, Matt Penman y Eric Harland, y muchos otros lo han buscado como colaborador, incluyendo el guitarrista Kurt Rosenwinkel, el trompetista Ambrose Akinmusire, el oudista Dhafer Youssef, la cantante Gretchen Parlato, y el baterista Kendrick Scott.
El propósito más grande de Dreams of a Mechanical Man, dice Parks, va más allá del desarrollo de ideas musicales. “Cada día nos llegan tantas noticias profundamente preocupantes, amplificadas por la forma en que consumimos medios. Es demasiado fácil para nuestros corazones sentirse abrumados y endurecidos. Para que podamos hacer el trabajo sistémico que debemos hacer para tener una oportunidad en esta Tierra, necesitaremos poder mostrarnos con nuestros corazones disponibles y completos. Debemos ser capaces de sentir».
Parks, quien ha experimentado períodos de depresión, espera que las canciones y narraciones musicales presentadas en Dreams of a Mechanical Man puedan ofrecernos un poco de terapia. Esta es la música que tiene como objetivo hacer sonar la alarma sobre algunos de los problemas generales de nuestro planeta («Attention, Earthlings»), nos pide que pensemos más profundamente (la canción principal «Dreams of a Mechanical Man», evocando la historia de Pinocho y las enseñanzas de G.I. Gurdjieff), y nos invita a mirar hacia adentro para examinar cómo nos relacionamos con nosotros mismos y con los demás en estos tiempos precarios («Unknown»).
Fuente para la reseña: https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2020/05/aaron-parks-little-big-ii-dreams-of-a-mechanical-man/
Apunte: Aaron Parks y su banda parecen estar desde hace un par de años en «su zona». Han logrado un grado de entendimiento y unidad conceptual tal, que deberían ser premiados al menos con un reconocimiento masivo de público. Su música tiene el don que, intuyo, todo artista debe desear: es inteligente, no exenta de complejidades, transmite emociones, capta la atención y a la vez es muy accesible; lo popular amalgamado con lo académico. «Debemos ser capaces de sentir» dice Aaron. Y de escuchar, agrego humildemente. Lo anoto en mi lista de discos notables del 2020.
Track Listing
01. Attention, Earthlings (5:59)
02. Here (5:44)
03. Solace (7:13)
04. Friendo (6:34)
05. Is Anything Okay? (3:24)
06. The Shadow & The Self (7:20)
07. The Storyteller (6:29)
08. Dreams of a Mechanical Man (5:32)
09. My Mistake (4:54)
10. The Ongoing Pulse of Isness (7:16)
11. Where Now? (3:22)
12. Unknown (6:57)
Artist List
Aaron Parks: piano, synthesizers, Wurlitzer, Rhodes, celeste, vibraphone, glockenspiel, chimes, voice
Greg Tuohey: guitar
David Ginyard Jr: bass
Tommy Crane: drums, percussion
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Chris Williams, Electrónico, Finlay Parker, Hip-Hop, Jazz, Let Spin, Moss Freed, Rock, Ruth Goller
Steal The Light (2020)
Formado en 2014, Let Spin es un cuarteto eléctrico de Londres poblado por músicos que surgieron alrededor de una década antes como parte de una escena que los periodistas de música británicos llamaron perezosamente «punk jazz». La música era ciertamente fuerte, irreverente y directa, pero la tocaban músicos graduados del conservatorio, un grupo demográfico no asociado con el punk en su manifestación original.
Ruth Goller y Chris Williams de Let Spin, fueron miembros de dos de los conjuntos más feroces de la época. La bajista eléctrica Goller se unió a Acoustic Ladyland del saxofonista tenor Pete Wareham en 2007. El alto saxofonista Williams fue un miembro fundador de Led Bib en 2003. El guitarrista eléctrico Moss Freed se dio a conocer por primera vez como líder del Moss Project, que fundó en 2009. El baterista Finlay Panter es quizás el miembro menos conocido de Let Spin, al menos en el Reino Unido, en parte porque ha pasado años en Berlín y también porque, aparte de Let Spin, su banda británica más destacada es Beats & Pieces Big Band, con sede en Manchester, un excelente conjunto pero dentro de un género que difícilmente sea el último grito.
Como unidad, Let Spin es tan fuerte como Fred Astaire y Ginger Rogers: Steal The Light es el tercer álbum del grupo y se nota. No busque melodías tarareables o estructuras de tema-solos-tema. La música es alta energía e intensa, pero también es intrincada y matizada; y aunque se toca con pasión, también es cerebral. Exige la atención del oyente y esa atención es recompensada. El álbum atraerá a cualquiera que disfrute del vaporoso saxofón alto y de «Disrespectful» (Rainy Day Records), disco debut de Marzo del 2020 del dúo de baterías JZ Replacement, otra grabación que equilibra finamente el visceralismo con el virtuosismo.
Como beneficio adicional, Steal The Light también está inmaculadamente producido y mezclado, por Alex Killpartrick en siete pistas y Kit Downes en otra. El sonido es nítido y contundente con cada instrumento brillando intensamente. Cosas preciosas en general.
Fuente para la reseña: Chris May para https://www.allaboutjazz.com/steal-the-light-let-spin-efpi-records
Apunte: Desafiando métricas, ritmos y melodías, Let Spin experimenta aventurandose más allá del mundo del jazz y del rock, logrando salir triunfante: Steal The Light exige atención, es cierto, pero el oyente obtendrá una experiencia auditiva fascinante; con pasajes donde muestran poder y convicción, también puede atraer la atención de un público rockero más exigente (por aquí y por allá se escuchan algunas ecos crimsonianos…). Recomendable!!.
Track Listing
1. Wormholes (6:04)
2. Sketch (5:06)
3. Bells (5:18)
4. Cosmoss (5:52)
5. Morecambe (5:05)
6. Los (4:45)
7. Ghostly (5:43)
8. The Aftermath (7:10)
Artist List
Moss Freed: electric guitar
Chris Williams: alto saxophone alto
Ruth Goller: electric bass
Finlay Panter: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Avant Garde, Dan Pierson, Indie, Jazz, Matt Gold, Nate Friedman, Rock, Sun Speak
Moon Preach (2019)
El dúo instrumental del guitarrista Matt Gold y el percusionista Nate Friedman, conocido como Sun Speak, crea paisajes sonoros texturizados y melifluos complejos y vibrantes con medida espontaneidad. En su cuarto lanzamiento, Moon Preach , el tecladista / compositor Dan Pierson se une al grupo y aporta fondos sonoros inquietantemente dramáticos a los diez originales cautivadores.
Un dron suave y de otro mundo realza el silencio en el nocturno «Jagged Midnight». Gold elocuentemente rasguea la melancólica melodía, mientras los tambores de Friedman se filtran y galopan agilmente. Las líneas contemplativas de Gold fluyen con elegancia hipnótica y resuenan en un fondo compacto y armónico.
La mayor parte de la música es tan cinematográfica que podría servir como estudio para las bandas sonoras. Por ejemplo, el místico «Quilt» comienza con un intercambio entre acordes de guitarra densos y ritmos de batería que resuenan contra sintetizadores boyantes. Los patrones repetitivos evolucionan en una interacción nostálgica y anhelante entre los miembros del trío, a medida que la pieza se vuelve más intrincada y multicolor con la cantidad justa de ruido para darle un toque apasionado.
Del mismo modo, es fácil conjurar diferentes imágenes mientras se escucha, por ejemplo, «Rubato». Se abre con refranes cuasi-barrocos que avanzan sobre tambores retumbantes, creando el ambiente expectante de una película. Las cuerdas abrasadoras de Gold irrumpen con un toque dramático, posiblemente señalando el clímax de los eventos. Luego, la actuación colectiva se suaviza, volviéndose lírico e introspectiva, quizás demostrando la resolución de conflictos. La pista concluye con sereno romanticismo mientras termina la «historia».
La sinergia interna del trío es notable y esencial en la elaboración de estas melodías fascinantes, la más intrigante de las cuales es quizás «Foxon». La percusión angular y fluida de Friedman contrasta con la cáustica guitarra de Gold. A medida que la música despega, oleadas de notas ardientes inundan los tambores galopantes y se alternan con segmentos disonantes, resultando así en un ambiente visceral y conmovedor.
Gold y Friedman juntos hacen, a falta de una mejor descripción, alquimia musical. Esto es más cierto en Moon Preach que en sus anteriores e igualmente excelentes álbumes, gracias al uso sublime de teclados eléctricos por parte de Pierson. Este trabajo cautivador nutre la imaginación y mueve el alma.
Fuente para la reseña: Hrayr Attarian https://www.chicagojazzmagazine.com/post/cd-review-sun-speak-moon-preach
Apunte: Nacido en Long Island y actualmente residente en Chicago, donde llegó con poco más de veinte años, el guitarrista Matt Gold ha estado haciendo música con una variedad de artistas de jazz de vanguardia como el baterista Makaya McCraven y el saxofonista Greg Ward, así como con sus propios grupos: su trío con el baterista Jeremy Cunningham y el bajista Ryan Doherty, el dúo Sun Speak con el baterista / percusionista Nate Friedman y el dúo cantautor Storm Jameson con el guitarrista Jim Tashjian. Además este muy inquieto artista tiene su propio sello musical (Flood Music) y ha organizado desde el 2015 una serie de conciertos con el mismo nombre para presentar música nueva en una franja de géneros, que reúne a los mundos de cantautores y bandas instrumentales y de improvisación. De padres con una rica vida musical sin ser músicos profesionales, recientemente, Matt Gold ha dicho «siento que soy producto de estar expuesto a una amplia variedad de sonidos y tener la oportunidad de explorar la ejecución de música desde una edad temprana de una manera divertida y significativa». Sun Speak con Moon Preach da fé que esa exploración es rica, sensible y creativa.
Track Listing
01. Alaska (4:26)
02. Jagged Midnight (4:13)
03. Mbira (3:39)
04. Foxon (5:01)
05. Roost (2:59)
06. Offhue (3:07)
07. Quilt (6:31)
08. Rubato (4:16)
09. Low Light (4:07)
10. Davlin (4:00)
Artist List
Matt Gold: guitar, bass, lap steel, analog synthesizer, harmonium
Nate Friedman: drums, percussion
Dan Pierson: Wurlitzer, analog synthesizer
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Password: presoventanilla
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: aislamiento social, Avant Garde, Chris Cheek, Chris Lightcap, Craig Taborn, Curtis Hasselbring, Dan Rieser, Gerald Cleaver, Jazz, John Medeski, Jonathan Goldberger, Nels Cline, Pop, Rock, Tony Malaby
Epicenter (2015)
Chris Lightcap es bajista de un bajista. Como acompañante de líderes como Regina Carter, Matt Wilson, Joe Morris, Marc Ribot y Craig Taborn, su cronometraje sólido como una roca puede ser bastante discreto. Es una especie de superpegamento firme que los líderes y compositores tienen en alta estima.
Como líder y compositor, hay otro Chris Lightcap. Epicenter, es su tercer lanzamiento de Bigmouth, después del quinteto «Deluxe» (Clean Feed, 2010) y un cuarteto «Bigmouth» (Fresh Sound New Talent, 2002). Él continúa mostrando su habilidad para esculpir música utilizando una línea de dos saxofones tenores. Grabando previamente con Tony Malaby y Bill McHenry , luego Malaby y Andrew D’Angelo, y ahora Malaby y Chris Cheek .
Las primeras siete pistas aquí, «Lost and Found: New York» fueron encargadas por la Chamber Music America New Jazz Works en 2011. La escritura de Lightcap se basa en la antigua vanguardia del jazz que no evitó el tempo y el pulso infeccioso. La canción de apertura «Nine South», con Craig Taborn reiterando las notas de piano de Wurlitzer, teje un intrincado panel de sonido. Esa colcha, cada vez más cómoda, es una síntesis del groove absorbente establecido por el bajista y el baterista Gerald Cleaver y el ataque de los dos tenores. El sonido brusco de Malaby se yuxtapone al enfoque amigable de Cheek. La canción principal, un despegue de la antigua música de Ornette Coleman, aparece con energía y vigor. La música se derrama dulce y salada, con la sección de ritmo puesta a punto.
Con los teclados de Taborn, las opciones disponibles para Lightcap parecen infinitas. Puede tocar música nueva circular, crear una densa nube de sonido y alternar entre piano y órgano acústico y eléctrico. «Down East» es una composición impactante que es abono para que su banda ataque y «Stillwell» y «Stone By Stone» armonicen más suavemente entre sí. «All Tomorrow’s Parties» de Lou Reed, recuerda la majestuosidad de The Velvet Underground. Recordándonos cómo los pillos también pueden ser de la realeza.
Fuente para la reseña Mark Corroto para https://www.allaboutjazz.com/epicenter-chris-lightcaps-bigmouth-clean-feed-records-review-by-mark-corroto.php
1. Nine South (7:33)
2. White Horse )2:13)
3. Epicenter (9:08)
4. Arthur Avenue (7:57)
5. Down East (2:45)
6. Stillwell (10:05)
7. Stone By Stone (8:01)
8. All Tomorrow’s Parties (5:50)
Artist List
Chris Lightcap: bass, acoustic guitar (track 2), organ (track 2)
Craig Taborn: piano, wurlitzer electric, organ (track 2)
Gerald Cleaver: drums, percussion
Chris Cheek, Tony Malaby: tenor saxophone
Superette (2018)
Así como el bajista, compositor y director de orquesta Chris Lightcap a menudo había tocado los límites del jazz con composiciones y arreglos que a menudo iban en direcciones modernas, vanguardistas y de fusión, por lo general se las arreglaba para mantenerse atado a una sensibilidad post-bop. El supergrupo Bigmouth fue su vehículo para esa salida creativa de él y ese proyecto recientemente le ha cosechado algunos merecidos elogios. Pero con Superette, el jazz, así como su bajo acústico, es arrojado por la ventana para algo completamente diferente.
Para empezar, no esperarías encontrar un álbum de Lightcap y la primera canción que escuchas es una melodía de tres minutos que parece que podría haber venido de The Ventures («Selector»), pero esa es solo la salva inicial para mostrar otros lados de Lightcap.
Lightcap armó un nuevo conjunto para su nueva aventura, uno con dos guitarristas, Curtis Hasselbring y Jonathan Goldberger, con Dan Rieser en la batería y el líder únicamente en el bajo eléctrico. Juntos, van a través de (en su mayoría) originales de Lightcap y Hasselbring, que incorporan elementos de surf, psy trance e incluso harmolodics.
A menudo evocando las tranquilos y psicodélicas jams de finales de los `60 tanto como la guitarra surf de Link Wray, pasando lentamente por pistas como «While You Were Out» y «Calling On Cars» toman su tiempo en el groove. Hasselbring y Goldberger involucran un poco de funky en «Frozen Bread» del primero, en un ritmo cerrado por Lightcap y Rieser. Con su banda Superette, una cosa que Lightcap transfiere de sus proyectos de jazz es su equilibrio entre la soltura y la concordancia: para «She Walked In», él preparó difíciles líneas de plomo que toca al unísono con las guitarras y más tarde, con un solo de Wurlitzer. pero concluye compartiendo un patrón con Goldberger.
¿Mencioné que había un organista en esa canción? Bueno, sí: aproximadamente la mitad de las pistas están adornadas con el órgano invitado de John Medeski y/o una tercera guitarra de Nels Cline, dos personajes conocidos que se sienten cómodos en cualquier entorno imaginable. Los dos se escuchan juntos por primera vez en «Far Away Planet», un sencillo riff de tres acordes con un ritmo atronador y una cacofonía de tres guitarras y órganos que participan de una jam total. Cline también se une a Hasselbring y Goldberger para un trance de Mali en «Djali» (transmitido arriba), donde la atracción son las líneas de plomo fuertemente entrelazadas con los rasgueos brillantes. Sin embargo, es difícil ignorar esa sección de ritmo de Lightcap / Rieser.
«Ace Of Spades» se ocupa de su negocio de la manera normal de otras canciones en este disco hasta que Cline interviene con un solo ondulante que lleva la canción a un final vertiginoso. Su contribución final se presenta en forma de un raro giro en la steel-guitar, en «Light Trails», donde Medeski derrama una tajada conmovedora de Hammond B3.
El álbum concluye con la hermosa balada de Neil Young, «Bird», usando las guitarras vibrantes de Hasselbring y Goldberger para descifrar más del aspecto country de la canción que solo estaba implícito en el original, y luego, sorprendentemente, Lightcap descorcha un bajo fuzz que sugiere el lado Crazy Horse de Young.
Al presentar su banda Superette, Chris Lightcap muestra que invierte una buena cantidad de arte serio en su trabajo, incluso cuando está haciendo música casual y divertida.
Fuente para la reseña: S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2018/08/30/chris-lightcap-superette-2018/
1. Selector (2:50)
2. Light Trail (5:47)
3. Far Away Planet (5:12)
4. While You Were Out (6:59)
1. Djyali (5:35)
2. Calling On Cars (6:56)
3. She Walked In (3:19)
4. Frozen Bread (4:49)
Artist List
Jonathan Goldberger: guitar
Curtis Hasselbring: guitar
Chris Lightcap: bass
Dan Rieser: drums
Special guests:
Nels Cline: guitar
John Medeski: organ
SuperBigmouth (2019)
Las dos bandas lideradas por Chris Lightcap, parecería en la superficie, no tienen mucho en común. Bigmouth, un asunto en gran parte acústico con Lightcap en contrabajo, Craig Taborn en piano y teclados, Tony Malaby y Chris Cheek dividiendo los deberes del saxofón tenor y la batería de Gerald Cleaver, ha estado dando vueltas por más de una década. El Superette, un cuarteto totalmente eléctrico, basado en el rock (Lightcap junto con dos guitarristas, Jonathan Goldberger y Curtis Hasselbring, con Dan Rieser a la batería), solo lanzó su álbum debut en 2018.
Probablemente no esperarías ver los dos combos en la misma factura, y mucho menos compartir un escenario, pero no eres Chris Lightcap. ¿Por qué no, reflexionaron el músico y el compositor , combinar las dos bandas en un octeto y ver qué pasa?
Lo que sucedió fue SuperBigmouth , un nuevo híbrido aventurero cuyo álbum debut homónimo fue lanzado en octubre por Pyroclastic Records.
«La idea de unir las dos bandas se me ocurrió casi inmediatamente después de que se me ocurrió Superette», dice Lightcap por teléfono en la víspera del lanzamiento del álbum de ocho canciones. “Probablemente no fue la idea más práctica que he tenido: dos bateristas y dos saxofones tenor, dos guitarras, Craig y yo, una banda de ocho integrantes. Pero comencé a imaginar cómo sonaría, en particular Tony y Chris con saxofones tenor que interactúan con Curtis y Jonathan en las guitarras. Y luego, la primera vez que nos reunimos, superó mis expectativas. Me dio la voluntad de seguir haciéndolo más y seguir escribiendo música, y eso finalmente me llevó a la grabación”.
Lo más fascinante de SuperBigmouth es cómo está amalgamado -incluso mientras exhibe las melodías y armonías de pantalla ancha, improvisaciones emocionantes y giros inesperados que han caracterizado el trabajo anterior de Lightcap como líder- suena como ninguna de las dos entidades separadas. Lightcap dice que las dos-bandas-en-una, rápidamente se tomaron una a otra durante un par de conciertos que tocaron antes de la sesión de grabación que produjo el álbum.
«Escribí con un cierto sonido en mente», dice, «y luego aportaron su propia personalidad. Y la forma en que se desviaba de mi imaginación fue que era simplemente mejor. Nunca fue como, Oh hombre, eso no es lo que estoy buscando. ‘Me gusta abrazar el desorden de la misma.»
Al componer para el proyecto, Lightcap consideró las tendencias y estilos específicos de los músicos individuales (excepto los bateristas; quería que descubrieran los ritmos en tándem por su cuenta). La escritura fue influenciada inicialmente por su reciente inmersión en su colección clásica de vinilos, «secciones un poco más extendidas, un poco más contrapunto de lo que normalmente escribo». Algunos materiales «terminaron siendo mucho más estrictos en su construcción, y otras cosas son aún más estrictas porque quería que fuera mucho más un vehículo para piezas más libres, más orientadas a la improvisación grupal».
Mucha confianza fue en la dirección que la música finalmente tomó. Varios de los músicos tocan en las bandas de los demás, pero otros, en particular los dos bateristas, nunca habían tocado juntos antes. «Nadie trae ningún tipo de agenda», dice Lightcap. “Mis dos bandas se basan en la idea de que la música sirve a la banda, y realmente escucho más puntos en común que diferencias. Todos estamos tratando de hacerlo funcionar. Es un arreglo bastante excelente».
Para Lightcap, tanto SuperBigmouth como las dos bandas por sí mismas, ofrecen oportunidades para explorar los diversos aspectos de su propia personalidad musical. Como colaborador y acompañante con más de dos décadas de experiencia, ha contribuido con el trabajo de bajo —principalmente contrabajo, pero virando cada vez más hacia la electricidad en los últimos años— a grabaciones y conjuntos en vivo dirigidos, entre otros, por Matt Wilson, Taborn, Nels Cline y Regina Carter, la violinista que describe simplemente como «increíble».
«No tomo ese tipo de relaciones por sentado», dice. “Disfruto poder ir a diferentes zonas de forma sonora. Me gusta tener esa flexibilidad».
Sin embargo, para aquellos que conocían a Lightcap solo como contrabajista, la aparición del más agresivo Superette puede haber sido una sorpresa. Le tomó un tiempo, y un período marcado por visitas a la música en la que creció (The Beatles, The Band, James Brown), antes de que pudiera calentar lo suficiente con el bajo eléctrico como para ponerse uno. Luego, dice: «Pensé, ‘¡Dios mío, esto es genial! Este es el sonido de bajo al que respondo. Fue algo muy gradual porque tenía una carrera establecida como contrabajista. Entonces, de vez en cuando, alguien me llamaba para tocar con un cantante / compositor y le decía: ‘Oh, ¿puedo tocar eléctrico en este?’
Ahora, habiendo abierto otra avenida con SuperBigmouth, Lightcap dice que solo quiere «ver qué pasa después». Tengo un par de ideas diferentes, pero todavía no estoy seguro de cuáles serán».
Fuente para la reseña: Jeff Tamarkin para https://jazztimes.com/features/profiles/chris-lightcap-two-become-one/
1. Through Birds, Through Fire (5:52)
2. Zero Point Five (8:53)
3. Queenside (5:17)
4. False Equivalency (4:07)
5. Deep River (8:38)
6. Nothing If Not (6:05)
7. Quinine (5:32)
8. Sanctuary City (3:48)
Artist List
Craig Taborn: organ, piano, wurlitzer
Tony Malaby: tenor saxophone (solo: Queenside)
Chris Cheek: tenor saxophone (solo: Deep River)
Jonathan Goldberger: guitar (solo: Queenside)
Curtis Hasselbring: guitar (solo: Quinine)
Chris Lightcap: bass
Gerald Cleaver: drums
Dan Rieser: drums
Apunte: Epicenter es el tributo de Lightcap a Nueva York, su ciudad adoptiva. La maestría de Lightcap se manifiesta en que el desarrollo de su poesía jazzera, compuesta de vanguardia y accesibilidad, contiene de manera orgánica a esas fuerzas de la naturaleza que son sus saxofonistas, en especial Malaby. Superette es un asunto de dos guitarras y ritmos tomando al surf rock como vehículo, y al igual que Epicenter, se propone (y lo logra) sincronizar el pasado y el presente con el pop y el jazz. La mezcla resultante es tremendamente entretenida. SuperBigmouth es toda una experiencia auditiva, a un buen volumen, ya sea con auriculares o no, resulta embriagadora para los sentidos y admirable por como este octeto sostiene casi cincuenta minutos de acción instrumental tan densa como fluida y de fuerte inspiración colectiva. Tres obras estupendas, extremadamente recomendables!
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An End as a New Beginning (2017)
Después de un recorrido por varias etapas para despertar su apetito, he aquí que, a fines de esta semana, sale el tan esperado álbum del grupo Home de João Barradas, aún a raíz del primer y excelente título del acordeonista portugués en nombre propio, «Directions». Lo que viene en An End as a New Beginning es sustancialmente diferente de ese álbum, aunque dentro de los parámetros a los que el joven músico ya nos ha acostumbrado. Y diferente, para empezar, debido a la instrumentación elegida: un acordeón MIDI que suena como un piano eléctrico Fender Rhodes y como un sintetizador (un MiniMoog, al parecer, en la pista del título y en «Between Myself and I»), dos guitarras eléctricas (Mané Fernandes y Gonçalo Neto), vibráfono (Eduardo Cardinho), bajo eléctrico (Ricardo Marques) y batería (Guilherme Melo).
Igualmente importante para la identidad misma del proyecto es el tipo de materiales utilizados, lo que resulta en un jazz eléctrico con una fuerte presencia de rock, pop (la melodía de la balada instrumental «The Human Journey in Search of Meaning» es una de las más bellas que surgió en Portugal en los últimos años) y músicas de danzas urbanas. De hecho, a partir de este último componente, vendrá el carácter «rebotador» de la mayoría de las composiciones, aunque con una similitud en los tratamientos rítmicos que las hacen parecer variaciones de la misma fórmula: el procedimiento da unidad al CD, pero también lo convierte en algo repetitivo. «Interlude», con Barradas como solista, escapa a esa fórmula y es otra joya que podemos aquí encontrar. Si apareciera más adelante en la alineación (es el tercer tema) nos permitiría recuperar el aliento cuando más lo necesitamos, pero probablemente la intención es estar en un estado de «alta» permanente. Además del notable trabajo del líder, destacamos algunos magníficos solos de sus socios, como «I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me» de Cardinho, y «Openings and Closings», de Neto en la ya referida «The Human Journey …» y de Fernandes en «Homesick», con su procesamiento de guitarra inmediatamente reconocible. Pues aquí hay algo que merece nuestro aplauso.
Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2017/10/02/joao-barradas-home-end-new-beginning-nischo-inner-circle-music/
Track Listing – An End as a New Beginning
1. Aurora (7:15)
2. The Human Journey in Search of Meaning (6:28)
3. Interlude I (3:47)
4. I’m Going Away for a While, Please Don’t Try and Follow Me (7:36)
5. Homesick (7:24)
6. Openings and Closings (8:40)
7. An End as a New Beginning (6:54)
8. Between Myself and I (4:03)
Artist List
João Barradas: acordeão MIDI
Mané Fernandes: guitarra
Eduardo Cardinho: vibrafone
Gonçalo Neto guitarra
Ricardo Marques: baixo
Guilherme Melo: bateria
Portrait (2020)
De João Barradas estamos acostumbrados a esperar lo mejor. Pero también que cada nuevo título tuyo nos ofrezca algo que no estaba en el anterior. Este es el caso de este Portrait y es de esperar que este sea también el caso de otro álbum con el nombre del acordeonista y compositor portugués que se prometió para estos días, «Solo I». Incluso por las características ya anunciadas, ya que es un solo absoluto y totalmente improvisado. Lo que es evidente es que tales resultados no se derivan solo de un deseo de variedad: Barradas se ha embarcado en una misión de búsqueda e investigación que, continuando como antes, lo llevará a él y a nosotros con él, a logros que sin duda serán notables.
Es cierto que en Portrait encontramos un gusto por los ritmos compuestos y la reorganización de la interpretación implicada por la presencia de un vibráfono (en el sentido de que es necesario hacer que se escuche cuando hay niveles más altos de intensidad) que ya estaba en «An End as a New Beginning», con el grupo Home, pero el enfoque es totalmente diferente. Esta vez, hay menos presencia de escritura, dejando todo abierto en términos de interpretación y más espacio para la improvisación, ya sea colectiva como individual y solista. Esta vez también, el factor «groove» está menos definido y más sujeto a mutaciones. Está allí y se impone, pero en lugar de circunscribirse se expande y conduce a otros lugares, otras posibilidades.
Para este nuevo disco, Barradas utilizó los servicios de Mark Turner en el saxofón tenor que aparece en cuatro de los temas, del vibrafonista Simon Moullier (excelente combinación de este con el acordeón MIDI para actuar como Fender Rhodes), de Luca Alemanno en el bajo y Naíma Acuña a la batería. De la interacción de estos músicos surge un jazz contemporáneo muy influenciado por el rock y otras tendencias urbanas de nuestro tiempo (atención a los «beats» de la baterista), pero en una versión «canalla» que contrasta con la limpieza y el virtuosismo de los oficios de los Home. El ingenio performativo y el desinterés en cuestión son, además, la medida de la vitalidad musical alcanzada, muy equivalente a la de una actuación en vivo en la que lo que importa es la comunicación con el público y no una idea ilusoria de la perfección.
Incluso escuchamos sonidos accidentales, por ejemplo, respiración, ruidos de manipulación instrumental, que generalmente se eliminan de una grabación de estudio. La misma circunstancia de que las piezas no están «envueltas» y trabajadas en términos de postproducción, terminando sin una resolución de composición real, le da al conjunto una fluidez muy cautivadora y ese tipo de humanidad que la tecnología musical ha ido diluyendo a lo largo de su evolución. Con este Portrait finalmente podemos decir que João Barradas se ha convertido en uno de los músicos creativos más importantes del jazz actual, y no solo con respecto al territorio nacional. Es difícil imaginar lo que hará en unos 10 años, solo que será algo grande.
Fuente para la reseña: Rui Eduardo Paes para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/16/joao-barradas-portrait-nischo-inner-circle-music/
01. Care (Feat. Mark Turner) (4:22)
02. Resilience (7:03)
03. Changes (6:35)
04. Common Good (5:56)
05. AMFM (5:18)
06. Episode (Naíma’s Intro) (1:31)
07. Episode XII (Drums Chant) (Feat. Mark Turner) (2:49)
08. Inner Circle (7:47)
09. Joy Ryder (Feat. Mark Turner) (3:09)
10. The Order of Things (Feat. Mark Turner) (8:33)
Artist List
João Barradas: Accordion, Synth Accordion, Voice and Composition
Mark Turner: Tenor Saxophone
Simon Moullier: Vibraphone
Luca Alemanno: Doublebass
Naíma Acuña: Drums
Apunte: Para contextualizar, João Barradas es un acordeonista y compositor nacido en Porto Alto, Ribatejo, Portugal, en 1992 (ahora con 28 años); ha sido galardonado con múltiples premios, e influenciado por el jazz y la música de fusión. Después de investigar y estudiar la historia básica del acordeón, Piazzolla y el nuevo tango, pasando por el árbol etimológico de los acordeonistas estadounidenses, Johnny Meijer en Europa y todos los acordeonistas de música antigua, moderna y clásica, João comenzó a darse cuenta que la música que escuchó en su cabeza no coincidía con todos estos ejemplos y estaba más cerca de las personas que había descubierto en YouTube y que, de hecho, no tenía nada que ver con el acordeón. Gente como Herbie Hancock, Lester Young, Brandford Marsalis, Ahmad Jamal, Steve Coleman o Jack DeJohnette; personas que no son consistentes con la imagen del sombrero y el bigote que saben asociarse inmediatamente con el instrumento en Portugal. Para cerrar: no es casual que haya grabado con el sello Inner Circle Music, propiedad de Greg Osby. La aparición de Barradas nos genera un entusiasmo similar al que tuvimos cuando descubrimos a Vincent Peirani. No más palabras, que suene la música!
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LAB (2020)
En los últimos años, ha habido un proceso creciente de exploración de afinidades creativas entre músicos de diferentes territorios estéticos y diferentes generaciones. Un ejemplo de esta sana realidad es el álbum debut del proyecto LAB, el resultado de una asociación entre dos músicos con una sólida reputación en la escena nacional, con un viaje de casi dos décadas: el guitarrista Ricardo Pinheiro y el bajista Miguel Amado.
Pinheiro ha desarrollado un trabajo relevante como líder de sus propias formaciones y como miembro de otros grupos, lo que se puede ver en numerosos registros y también en el campo académico. Su enfoque sigue siendo elegante y equilibrado, con elementos que van desde el jazz «mainstream» hasta el rock progresivo. También con importantes álbumes editados a su propio nombre, Amado es un bajista virtuoso y versátil, características que han motivado su participación en otros proyectos de diferente naturaleza, como el Lisbon Underground Music Ensemble (LUME), de Marco Barroso, formaciones lideradas por el guitarrista Pedro Madaleno, sPILL de André Fernandes, el quinteto de Rodrigo Gonçalves o el septeto del Hot Clube de Portugal. Los dos han cruzado colaboraciones en el pasado, en álbumes como «Song Form» (2013), de Pinheiro, y «The Long Rest» (2016), de Amado. Se repartieron también, con el baterista Bruno Pedroso, el liderazgo del proyecto Triology, que en 2014 dió origen al disco homónimo.
A este laboratorio, creado desde cero, trajeron composiciones de ambos e invitaron a dos de los jóvenes músicos más interesantes de la nueva generación del jazz nacional, el saxofonista Tomás Marques y el baterista Diogo Alexandre, ambos ganadores de la edición 2019 del Young Musicians Award en Categoría «Jazz». Marques, oriundo de Estarreja, se ha destacado como miembro del proyecto Entre Paredes de Bernardo Moreira y Big Band Estarrejazz, además de liderar sus propios grupos, a saber, trío y quinteto, con Alexandre a la batería. Este último también se unió a la formación que grabó «Autotelic», de Javier Subatin, un guitarrista argentino con sede en Portugal, y formó un dúo de saxofón / batería con el superlativo João Mortágua.
Esta red de complicidad se puede ver en una colección diversa de piezas en las que se reflejan múltiples influencias. «As UR» tiene un comienzo deudor de cierto pop-rock sofisticado, marcado por diálogos entre guitarra y saxofón (fundamentales en el abordaje del cuarteto) y una sección central con buenos solos de Marques y Amado, hasta que el motivo melódico se reanuda en final. «Black Light» no exhibe mucha prisa, con la guitarra expresiva de Pinheiro en estrecha interacción no solo con el saxofón, sino también con un dúo rítmico que participa activamente en la construcción del sonido.
«Canção de Embalar a Isabel» no defrauda el título, en su entrañable delicadeza, con las digitaciones de Pinheiro que sirven de base para que el saxofón dibuje una melodía suave. Los otros instrumentos aparecen después y agregan luz. «Isabelita» (¿es la misma Isabel?) mantiene el tono sereno, pero distante del formato tradicional de balada. «Learning How to Live», en su atmósfera claustrofóbica basada en un motivo hipnótico, parece estar en deuda con los caminos que siguió David Bowie en el último «Blackstar» y es la mejor pieza del disco. El dinamismo de «Mar Picado» muestra al cuarteto exponiendo los niveles de cohesión, con Pinheiro notable creando texturas y Marques suelto como más nos gusta escuchar; Amado realiza su mejor solo en el álbum y el baterista demuestra ser capaz de dosificar explosión y contención. “When I See You Again” introducida con detalles de filigrana, cierra un registro sobrio y de audición placentera.
Fuente para la reseña: António Branco para https://jazz.pt/ponto-escuta/2020/03/17/ricardo-pinheiro-miguel-amado-lab-asur-music/
Apunte: LAB es el feliz encuentro intergeneracional de talentosos músicos portugueses, encabezados por los mayores Ricardo Pinheiro y Miguel Amado y los escasamente veinteañeros Diogo Alexandre y Tomás Marques. La energía juvenil se nota en cada tema, que abarcan, como no puede ser de otra manera, un amplio espectro musical que va desde el jazz contemporáneo más melódico (Canção De Embalar a Isabel) a la fusión más power (As U R) o a un rock cuasi industrial (Learning How to Live). Todos virtuosos, esquivan inteligentemente los excesos y el resultado se agradece con la necesidad de escuchar todo el álbum de nuevo. Párrafo aparte para los unísonos de Pinheiro y Marques y el desempeño suelto, potente y dinámico a lo largo de todo el álbum de Alexandre.
Track Listing
1. Mar Picado (9:21)
2. When I See You Again (7:03)
3. Isabelita (5:05)
4. Black Light (6:50)
5. As U R (7:35)
6. Learning How to Live (7:07)
7. Canção De Embalar a Isabel (5:16)
Artist List
Ricardo Pinheiro: guitarra eléctrica
Miguel Amado: bajo eléctrico
Tomás Marques: saxofón alto
Diogo Alexandre: batería
Link de descarga
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Anti-Hero (2017)
«El noveno álbum de estudio del quinteto de jazz-rock acústico-eléctrico, Anti-Hero, es un asunto fangoso y sin alegría. Más que nunca, Kneebody se ha vuelto ambiciosamente antémico, yendo por encima de todo lo demás, pero esta vez la naturaleza pomposa de la música eclipsa cualquier indicio de diversión.» Steve Greenle para https://jazztimes.com/reviews/albums/kneebody-anti-hero-motema/
«Tan atractivo al instante como es Anti-Hero, no es una aventura rápida. Advertencia: antes de que se dé cuenta, permanecerá habitualmente en su apartamento, y lo acompañará a todas partes en el automóvil, reorganizando sus listas de reproducción. Sin embargo, no se preocupe, las escuchas repetidas revelan una profundidad digna de una relación a largo plazo (y es posible que simplemente se encuentre despejando un lugar en la mejor de las estanterías de 2017).» Mike Jacobs para https://www.allaboutjazz.com/anti-hero-kneebody-motema-music-review-by-mike-jacobs.php
«…Anti-Hero, en consecuencia, es un álbum con todas las marcas de un conjunto experimentado: controlado y cuidadoso, indulgente y satisfecho, frustrantemente desafiante. Es un disco que sufre por falta de fuerza limitante. El jazz en la era post-posmoderna se ha convertido en una bestia indomable y elaborada, y las bandas como Kneebody a veces parecen sufrir bajo el peso de todas las opciones disponibles para ellos.» Colin Fitzgerald para https://www.popmatters.com/kneebody-anti-hero-2495389946.html
«…No es que Kneebody desafíe los géneros, es simplemente que la banda se niega a ser acorralada por ellos. Como la mejor música improvisada, la paleta de sonidos de Kneebody toma influencias de muchas fuentes: la fusión de los 70, el heavy metal, el hip-hop, el bebop y el soul clásico, solo por mencionar algunos…Los músicos en Kneebody saben dónde ha estado esta música y dónde la quieren llevar. En Anti-Hero, han creado un vehículo que nos permite simplemente disfrutar del viaje.» Frank Alkyer para http://downbeat.com/reviews/detail/anti-hero
«Kneebody está bien establecido en este punto como uno de los líderes en jazz contemporáneo creativo, pero el hambre de sus primeros años aún no ha mostrado signos de desgaste. Esta es una banda aún en su período pico, y Anti-Hero es la prueba de ello.» S. Victor Aaron para http://somethingelsereviews.com/2017/03/01/kneebody-anti-hero-2017/
Apunte: Al momento de buscar una reseña que contara un poco de que se trata Anti-Hero, me sorprendió la disparidad de opiniones que encontré en la web, tanto positivas como negativas. Me pareció interesante mostrar esas posturas. De todas maneras, si el álbum está en MQC/PV, obviamente entenderán que me gusta (mucho). Kneebody es en esencia una banda fusión de jazz-rock, aunque su sonido subraya la inutilidad de calificarla como tal en el sentido clásico del término: el placer más consistente que ofrece Kneebody y Anti-Hero es la forma en como se desenvuelven sus músicos como un solo organismo de una fuerza y lirismo que no están limitados por una sola tradición.
Track Listing
01. For the Fallen (5:21)
02. Uprising (7:01)
03. Drum Battle (10:07)
04. Anti-Hero (5:59)
05. The Balloonist (3:31)
06. Mikie Lee (5:22)
07. Profar (4:43)
08. Carry On (3:03)
09. Yes You (6:23)
10. Austin Peralta (6:06)
Artist List
Ben Wendel: sax
Shane Endsley: trumpet
Kaveh Rastegar: bass
Adam Benjamin: keyboards
Nate Wood: drums
Link de descarga
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Allison Miller, Carmen Staaf, Crystal Pascucci, Daniel Rotem, Danny Lubin-Laden, Indie, Jazz, Justin Rock, Mark Clifford, Max Miller-Loran, Pop, Rock, SLUGish Ensemble, Steven Lugerner, Todd Sickafoose
An Eight Out Of Nine (2018)
Slow & Steady Records anuncia el lanzamiento del álbum debut de SLUGish Ensemble, An Eight Out Of Nine. Buscando la terapia musical como una relación que estaba llegando a su fin, el líder de SLUGish, Steven Lugerner, volvió a visitar una selección de grabaciones nostálgicas de muchos de sus artistas favoritos. «Comencé a hacer una lista de canciones que me arrancaban el corazón, mi alma y mis oídos», escribe Lugerner. «La colección de canciones que escuchas en este álbum son todas las canciones que se han incorporado profundamente en mi espíritu musical».
Lugerner también quería explorar la organización de un repertorio «no-jazz» para un conjunto completamente instrumental, con raíces de jazz como con SLUGish. Lugerner tomó prestada una técnica de composición de Dave Longstreth de Dirty Projectors, donde uno recrea de memoria una canción, después de un largo período de tiempo sin escucharla. Esta es la base de An Eight Out Of Nine, en la que Lugerner volvió a la misma pregunta una y otra vez: «¿Qué significa crear y componer algo que es humilde, que podría quedar atrapado en tu oído y obligarte a sentarte con él, incluso contra tu voluntad a veces?»
An Eight Out of Nine se registró en tres fases. En mayo de 2017, el bajista Todd Sickafoose (quien también coprodujo el álbum), la baterista Allison Miller (que estuvo en las actuaciones inaugurales de SLUGish en 2015) y la pianista Carmen Staaf se unieron a Lugerner en Fantasy Estudios en Berkeley, CA para grabar la capa fundamental de la música. Para la segunda fase, Lugerner se aisló en la cabaña de su familia en Arnold, California, y registró todas las sobregrabaciones de vientos de madera, incluidos el clarinete bajo, flauta y saxofones. La tercera fase invitó a los colaboradores regulares de Lugerner para hacer overdubs adicionales: el trombonista Danny Lubin-Laden (Monophonics, Brass Magic), el trompetista Max Miller-Loran (Invisible Inc., Watsky, Brass Magic), el vibrafonista Mark Clifford (Dirty Snacks Ensemble), la celista Crystal Pascucci, el guitarrista Justin Rock (Bastet, Never Weather) y el saxofonista tenor Daniel Rotem (Herbie Hancock, Usher). «Quería a propósito producir el álbum de una manera que rozara el proceso establecido de muchas grabaciones de jazz. Quería alejarme de las limitaciones que acompañaban a la grabación de un conjunto de este tamaño en una sala en vivo. En última instancia, este es mi intento sonoro de acercarme a la realización del ‘sonido’ que he estado imaginando en mi cabeza desde que empecé a componer y arreglar música».
A pesar de ser reconocido en primer lugar como un saxofonista alto, An Eight Out Of Nine encuentra a Steven Lugerner explorando el registro más bajo de las vientos, específicamente el clarinete bajo y el saxofón barítono, que «me hablan en un nivel más primordial», dice Lugerner. «Me siento más conectado con la voz humana». De hecho, las melodías de los covers de este documento se cantan a través de estos caños bajos que Lugerner toca en todo el álbum.
«De vez en cuando, la magia musical se produce cuando un líder de banda se convierte en productor. Puede ser curador en el más alto nivel. Steven Lugerner ha demostrado que esto es cierto con su nuevo lanzamiento de SLUGish Ensemble. Ha creado un álbum que irradia intención, emoción, madurez compositiva y un uso magistral de la dinámica y el espacio». – Allison Miller
Apunte: An Eight Out of Nine es un conjunto magistral de melodías que demuestra cómo la relación especial de un artista con las canciones, cualquier conjunto de canciones, incluido el indie rock reciente, puede convertirse en un catalizador para notables interpolaciones de jazz. Sin ahogar las melodías que fueron el objeto de recreación, esta joya sonora, de marcado lirismo, está llena de detalles y desvíos encantadores que difuminan las líneas entre el pop, el rhythm & blues, el jazz, la improvisación y el minimalismo. Uno de mis discos del último año, sin lugar a dudas.
Fuente para la reseña: https://www.broadwayworld.com/bwwmusic/article/Steven-Lugerners-Slow-Steady-Records-Announces-Release-of-SLUGish-Ensembles-An-Eight-Out-of-Nine-20180829
Track Listing
1. The Tower (7:52)
2. Be Brave (feat. Daniel Rotem) (5:53)
3. An Eight out of Nine (6:39)
4. Prisoners (6:30)
5. Red, Like Roses (7:52)
6. Looking at the Sun (4:56)
7. Bluebird (6:18)
Artist List
Steven Lugerner: Bass Clarinet, Baritone Saxophone, Bb Clarinet, Flute & Alto Flute
Carmen Staaf: Piano, Fender Rhodes, Wurlitzer
Todd Sickafoose: Acoustic Bass
Allison Miller: Drumset
Justin Rock: Electric and Acoustic Guitar
Danny Lubin-Laden: Trombone
Max Miller-Loran: Trumpet
Mark Clifford: Vibraphone
Crystal Pascucci: Cello
Daniel Rotem: Tenor Saxophone (soloist on «Be Brave»)
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Preso ventanilla 