Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Country, Dan Weiss, David Binney, Emilie Cardinaux, Gary Versace, Jazz, Joel Harrison, Rob Burger, Stephan Crump, Todd Isler, Total Praise Gospel Choir, Uri Caine
So Long 2nd Street (Free Country II with David Binney) (2004)
So Long 2nd Street del guitarrista (y aquí cantante) Joel Harrison, como indica su subtítulo, es la segunda entrega (que no parte) o mejor aún la continuación y evolución de Free Country (ACT, 2003).
Con respecto a este disco aparecen varias diferencias. La primera es la formación. Entre el grupo de músicos allí presentes sólo permanece el saxofonista David Binney. En cuanto a los invitados, aparecen de nuevo el magnífico pianista Uri Caine y el organista Rob Burger. En esta ocasión la lista de vocalistas invitados se reduce a Emile Cardinaux y al Total Praise Gospel Choir. Y he aquí otro de los grandes descubrimientos del disco. Joel Harrison aparece como un vocalista con un papel que va bastante más allá de lo puramente testimonial.
El planteamiento es bien sencillo: partir de una mayoría de temas pertenecientes a la música tradicional norteamericana que sirvan como un armazón para la improvisación de los músicos. Joel Harrison además de como cantante demuestra ser un buen guitarrista. Muy interesante. El saxofonista David Binney está a un gran nivel. Es un placer escucharle en los solos que ejecuta en «Galveston» o «I’ll Fly Away». Entre el resto hay bonitos detalles por medio del acordeón, el órgano, el piano de Uri Caine y especialmente el acompañamiento discreto pero muy efectivo de Todd Isler con sus percusiones que aporta un bonito color a los diferentes temas.
En definitiva, Joel Harrison se encarga de romper el dicho de «nunca segundas partes fueron buenas».
Reseña de José Francisco Tapiz para http://www.tomajazz.com
Fuente para el apunte: http://joelharrison.com/discography/so-long-2nd-street
Apunte: «Mi objetivo en el primer CD, Free Country era localizar la confluencia entre Miles Davis y Johnny Cash. Esto me permitió combinar simples y eternas melodías country y de los Apalaches con arreglos e improvisación moderna y elaborada, para combinar melodías completamente vocales con aventuras instrumentales. Esta grabación continúa en esa línea, viajando a lo largo de las costuras de muchos estilos de música americana. A diferencia de la primera, sin embargo, he incluido aquí, canciones originales y he salido de las sombras como vocalista principal. Esto es más personal, una declaración íntima, un primer plano en vez de una mirada alejada. Algunos de mis momentos más privados están detallados aquí, enmarcados por las exuberantes improvisaciones de mi banda. Así, un diario de una ruptura, «So Long Second Street», se sienta al lado de una reconstitución espiritual, «I’ll Fly Away», y una meditación sobre la muerte se une con una desquiciada odisea del camino, «White Line Fever». Los términos ‘ecléctico’ o ‘doblamiento de género’ son cada vez más sin significado. Country y jazz podrían ser la puerta de entrada para lo que estamos haciendo, pero estoy seguro de que no se puede etiquetar esta música como «Country-Jazz». En su núcleo, lo que impulsa este proyecto son grandes canciones. Lo que es importante para mí no es la pureza de estilo, sino la pureza de intención y sentimiento. «Galveston» es una atemporal (si velada) canción anti guerra.»The water is wide» es uno de los más antiguos y más vívidos cuentos de anhelo en el canon western. «Oh Death» es un singularmente escalofriante grito desnudo a la parca -este grupo, a diferencia de otros que he tenido, no está tratando de contar nuevas historias. Estamos tratando de decir las viejas en una nueva forma.» (Joel Harrison)
Track Listing
01. Riding On The Midnight Train (4:42)
02. Galveston (5:21)
03. Shady Grove (4:59)
04. I Am The Light Of This World (4:56)
05. I’ll Fly Away (7:12)
06. So Long 2nd Street (4:11)
07. Waterbound (2:49)
08. The Water Is Wide (3:50)
09. Time Flies (4:28)
10. Oh Death (8:18)
11. White Line Fever (7:26)
12. Wichita Lineman (4:41)
Artist List
Joel Harrison: electric guitar, National Steel guitar, baritone guitar, voice
David Binney: saxophone
Gary Versace: accordion, organ, piano
Stephan Crump: acoustic bass
Dan Weiss: drums
Todd Isler: frame drums, hadjini, misc. percussion
Special Guests:
Uri Caine: piano
Rob Burger: organ
Emilie Cardinaux: voice
[[Total Praise Gospel Choir]]
Link de descarga
Password: presoventanilla
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A Blessing (2005)
Un claro beneficio de la comunidad global en que vivimos en, con su intrínsecamente amplio alcance, es que muchos artistas se han desarrollado como integradores estilísticos. En una escala menor, incluso las personas que viven dentro de las fronteras de los Estados Unidos pueden experimentar una mayor diversidad artística como nunca antes. Hace apenas hace un siglo, las personas que vivían en pequeñas localidades rurales, no tenían forma de saber qué tipo de música se desarrollaba en los grandes centros urbanos; ahora, con el amplio alcance de internet, es posible que alguien que vive en la ciudad más remota no sólo pueda escuchar lo que está sucediendo fuera de su relativamente pequeño universo físico, sino que puede incorporar la experiencia de su propio desarrollo musical.
Esa es una de las razones por las que la definición de jazz es un terreno resbaladizo. Un pensamiento reduccionista dice que la asimilación misma de una multitud de intereses culturales y estilísticos es lo que mantiene al jazz vivo y bien, viviendo y respirando y, lo que es más importante, constantemente en desarrollo. El baterista y compositor John Hollenbeck ha demostrado en el transcurso de su relativamente corta carrera, que es posible combinar una multitud de enfoques trabajando dentro de un lenguaje que de alguna manera todavía es indefiniblemente jazz. Su última realización, A Blessing, amplía la mezcla estilística de su más pequeño Claudia Quintet con un ensamble de dieciocho piezas que ofrece mayores posibilidades texturales y una magnífica visión.
La grabación explora las posibilidades casi ilimitadas de una voz, cinco instrumentos de viento de madera, cuatro trombonistas, cuatro trompetas, y una sección rítmica que -además del más tradicional triunvirato piano, bajo y batería, también incluye una variedad de instrumentos de mazos. No hay nada excesivo o ampuloso en el acercamiento de Hollenbeck, que no tiene miedo de dejar efectuar la conversación a más pequeños subconjuntos. Tampoco Hollenbeck es contrario al encuentro de modos orgánicos de emular ideas que otros artistas han desarrollado por la formación de rizos y otros medios electrónicos. Tampoco se opone Hollenbeck a la búsqueda de formas orgánicas emulando las ideas que otros artistas han desarrollado a través de loops y otros medios electrónicos.
Toda clase de elementos pueden ser encontradas dispersas en todas partes de A Blessing. La pista del título de dieciséis minutos se revela gradualmente, comenzando con los simples arpegios de piano de Gary Versace, el vibráfono Matt Moran, y el bajo de Kermit Driscoll que crean un sutil telón ambiental de apacible belleza para la evocación pura de cristal del cantante Theo Bleckmann de «An Irish Blessing». La pieza se construye lentamente, con los tambores de Hollenbeck desarrollando un siempre fortalecido movimiento hacia adelante bajo las líneas de vientos que comienzan con largos tonos, pero en última instancia evolucionan en patrones repetitivos de un ritmo de vida propia, resolviendo en una especie de vibración post-minimalista a lo Steve Reich-encuentra-Maria Schneider.
En otros lugares hay elementos de ritmos primales selváticos («Weiji»), ambientes a lo Brian Eno, que se basan en una libre cacofonía antes de desembocar en un swing straight-ahead («RAM»), y una especie de free jazz reggae («April in Reggae»). Aunque es difícil hablar sobre un músico en particular, la voz de Bleckmann -quizás el más integrado a la textura total del conjunto, antes que contrastando- va de la prístina belleza a la jadeante percusión, incluso algunos milagros de su garganta cantando en «The Music of Life»
Cautivador y convincente desde una perspectiva narrativa más grande, A Blessing continúa dando evidencias de los infalibles instintos de Hollenbeck y de su imaginación sin límites. Una obra maestra.
Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=18068#.UsDnKftqSg8
1. A Blessing (16:00)
2. Folkmoot (7:24)
3. RAM (8:11)
4. Weiji (5:53)
5. Abstinence (12:11)
6. April in Reggae (7:20)
7. The Music of Life (5:28)
All compositions by John Hollenbeck
Artist List
Ben Kono: flute, soprano saxophone, alto saxophone
Chris Speed: clarinet
Tom Christensen: tenor saxophone, soprano saxophone, English horn
Dan Willis: tenor saxophone, soprano saxophone, English horn
Alan Won: baritone saxophone, bass clarinet
Rob Hudson, Kurtis Pivert, Jacob Garchik: trombone
Alan Ferber: bass trombone
Jon Owens, Tony Kadleck, Dave Ballou, Laurie Frink: trumpet
Kermit Driscoll: bass
John Hollenbeck: drums, percussion
Gary Versace: piano
Matt Moran: mallets
Theo Bleckmann: voice
JC Sanford: conductor
Eternal Interlude (2009)
John Hollenbeck es alumno y el baterista favorito de Bob Brookmeyer. Como su maestro ha creado una gran formación de alcance orquestal. También pertenece al grupo de Meredith Monk, y su música muestra el impacto de la segunda generación de compositores repetitivos americanos, de John Adams en especial. Son dos cabos por los que adentrarse en el ovillo compositivo de Hollenbeck. Sólo dos cabos en un músico ambicioso en sus planteamientos, de amplias influencias, diestro en sus manejos de las secciones orquestales y en la introducción de la improvisación en el tejido de sus partituras, de escritura inmediatamente reconocible en sus métodos y sonidos, y sobre todo inspirado en sus opciones.
Eternal Interlude recoge cinco largas piezas para distintas formaciones extensas del globo, y una miniatura, que no por breve está menos trabajada con minuciosidad, No Boat. La imaginación de Hollenbeck está maravillosamente dotada para el movimiento plasmado en piezas en las que sobre una martilleante base para láminas y pianos se superponen secuencias repetitivas creando un efecto caleidoscópico en el que las secciones se encadenan imaginativamente hasta alcanzar el punto de ebullición. Coros de flautas algo celestiales, la voz lunática de Theo Bleckmann, graves trombones y rupturas de solistas en improvisación, colorean partituras de una arquitectura llena de claridad, ya se trate del tema-título y The Cloud, ambas angelicales (la inspiración espiritual nunca está lejos de Hollenbeck), como de piezas más turbias, como Guarana (con una sección final con la sensación de vuelo que también posee Maria Schneider), e incluso en la restallante y a veces zappiana, Perseverance, con un extraordinario duelo de tenores Ellery Eskelin-Tony Malaby.
La amplitud de recursos en juego, la ambición de sus ideas, y la riqueza de su acabado van camino de convertir Eternal Interlude en el disco de referencia en la composición para formaciones numerosas de estos últimos años.
Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=806
Track Listing – Eternal Interlude
1. Foreign One (9:15)
2. Eternal Interlude (19:21)
3. Guarana (8:36)
4. The Cloud (13:10)
5. Perseverance (17:47)
6. No Boat (2:01)
Artist List
John Hollenbeck: drums, composition, whistler (4)
Kermit Driscoll: acoustic, electric bass
Gary Versace: piano, organ, keyboard
Theo Bleckmann; voice, whistler (4)
Ben Kono: flute, soprano, alto saxophone, whistler (4)
Jeremy Viner: clarinet, tenor saxophone
Tony Malaby: tenor, soprano saxophone
Dan Willis: tenor, soprano saxophone, flute, english horn, whistler (4)
Bohdan Hilash: clarinet, bass clarinet, contra-alto clarinet, whistler (4)
Ellery Eskelin: tenor saxophone (5, 6)
Rob Hudson: trombone, whistler (4)
Mike Christianson: trombone, whistler (4)
Jacob Garchik: tenor horn (2), whistler (4)
Alan Ferber: trombone; trumpet/flugelhorn
Tony Kadleck: trombone
Jon Owens: trombone, whistler (4)
Dave Ballou: trombone
Laurie Frink: trombone
Matt Moran: mallet percussion (1, 3, 4)
John Ferrari: mallet percussion (2, 5, 6)
JC Sanford: conductor
Apunte: Ambos discos forman parte de lo que venía escuchando y disfrutando en los últimos meses del 2013, y por supuesto, no quería dejarlos en el olvido. El compositor y baterista John Hollenbeck, junto a JC Sanford conduciendo en ambos casos un gran ensamble de infinitas posibilidades. La veta artística de Hollenbeck que a mi más me conmueve. Lo popular y la erudición, lo bello y lo hipnótico, se juntan para dar vida a magníficos temas de música contemporánea. Discazos, ambos.
Password en ambos casos: presoventanilla
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Joel Harrison String Choir
The Music of Paul Motian (2011)
La enigmática singularidad de Paul Motian como baterista se continúa en su faceta compositiva. Piezas breves hasta el esquematismo, de una calma orientalista que suena a vaciamiento o de una arisca angulosidad, hay en ellas algo del aprendizaje de una lógica particular similar a la que supone introducirse en el corpus monkiano, quizás la mayor influencia en el baterista, si bien las piezas de Motian son misterios a plena vista. Joel Harrison, guitarrista ducho en discos conceptuales (sobre el country, George Harrison o el jazz rock) se plantea un reto más; interpretarlas con un cuarteto de cuerdas y dos guitarras, un entorno nada natural para ello. Claves en el triunfo que es The Music of Paul Motian son esta intuición y la aproximación de Harrison a este material, desde el punto de vista de un compositor, no de un intérprete, algo muy palpable en cómo da lógica individual a cada una de las piezas, cómo introduce cuidadosamente los episodios improvisatorios y en cómo emplea los instrumentos en la trama camerística del sexteto de cuerdas.
Porque The Music of Paul Motian es un disco en el que el oyente acostumbrado a la música de cámara se sentirá mucho más cómodo que el que base su dieta exclusivamente en combos jazzísticos. Hay en él una claridad y una gracia clásica que no fuerza las convenciones del formato del cuarteto de cuerda, y un lenguaje cromático muy asentado, sin nuevas técnicas, con algún detalle etno, como en el precioso arreglo de Etude, una de las mejores piezas del disco. Junto a ella destacan la ingravidez de «It Should Have Happened a Long Time ago», la arremolinada «Drum Music», la melancolía de «Cathedral Song» y «From Time to Time» y los arreglos de dos temas asociados a Motian, «Jade Visions» y «Misterioso», éste el más convencionalmente jazzístico. Digamos que no ha sido un disco realizado a vuela pluma: desde el primer chispazo a su realización final dista algo más de una década. A la altura que la singularidad y la excelencia de Motian merecen.
Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=1671:joel-harrison-string-choir catid=4:discos&Itemid=7
Track Listing – The Music of Paul Motian
01. It Should Have Happened A Long Time Ago (5:20)
02. Drum Music (4:11)
03. Cathedral Song (5:34)
04. Misterioso (6:35)
05. Mode V1 (6:24)
06. Owl Of Cranston (4:37)
07. Jade Visions (4:37)
08. Split Decision (2:29)
09. Etude (7:24)
10. Mumbo Jumbo (1:06)
11. Conception Vessel (3:15)
12. From Time To Time (3:35)
Artist List
Christian Howes: violin
Sam Bardfeld: violin
Mat Maneri: viola
Peter Ugrin: viola
Dana Leong: violoncello
Joel Harrison: guitar
Liberty Ellman: guitar
Joel Harrison 7
Search (2012)
Pocas carreras en la actualidad presentan un progreso como el de Joel Harrison, sostenido álbum a álbum. Tras discos en los que tramaba encuentros con un cuarteto de cuerdas, el legado del jazz-rock, géneros como el country o su soberbio diálogo con la obra de Paul Motian, Search es el álbum del Harrison-compositor. Cuatro piezas largas, un denso estudio para piano solo y dos versiones forman un disco que parte del “deseo”, afirma Harrison, “de traer influencias de la música clásica a mi escritura jazzística”. Que una de las versiones escogidas sea de la pieza coral de «O Sacrum Convivium», de Olivier Messiaen, da pistas de la “música clásica” a la que se refiere. Por ejemplo, hay mucho de Philip Glass en su escritura para las cuerdas en fases y de la plasticidad de un John Adams. Como éste, Harrison es un compositor para el que el movimiento continuo es fundamental, ya se trate de una pieza pastoril irresistiblemente ascensorial como «Grass Valley and Beyond» o la profundamente sentida de «A Magnificent Death». Por distintas que éstas sean, están unidas por el impulso a cantar algo noble que mueve la obra de Harrison.
El detalle de lo escrito no deja aparte la improvisación porque si algo resulta incuestionable en la carrera del guitarrista es su olfato para formar grupos, en este caso unos 7 fantásticamente empastados, de alcance semiorquestal y de mentalidad estructural en sus partes improvisadas. Harrison claramente escribe por secciones, con una particular atención para las cuerdas, y consigue un logro fundamental en el engarce de la rítmica formada por Stephan Crump y Clarence Penn. Su guitarra, en una incesante labor de conjunto y textura, raramente ocupa el primer plano guardado para un dramático Donny McCaslin. En una pieza tan guitarrística como el «Whipping Post» de los Allman Brothers, segunda de las versiones del disco, destina de hecho el dueto original a unos incandescentes Leong y McCaslin. Harrison sigue buscando, pero lo que es más, sigue encontrando.
Reseña de Ángel Gómez Aparicio para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2423:joel-harrison-7-&catid=4:discos&Itemid=7
1. Grass Valley and Beyond (11:15)
2. A Magnificent Death (15:00)
3. All the Previous Pages are Gone (8:24)
4. The Beauty of Failure (6:24)
5. Whipping Post (8:26)
6. O Sacrum Convivium (6:19)
7. Search (2:18)
Artist List
Joel Harrison: guitar
Donny McCaslin: tenor saxophone
Gary Versace: piano, Hammond B-3
Christian Howes: violin
Dana Leong: cello
Stephan Crump: bass
Clarence Penn: drums
Joel Harrison 19
Infinite Possibility (2013)
Una de las muchas cosas sobre Joel Harrison es que él no es un esclavo de su instrumento. Muchos guitarristas escriben música a la manera de un guitarrista, independientemente del género. Y pueden culparles? Viejos hábitos son difíciles de romper. Porque es tan agradable ver a cualquier guitarrista dedicarse con entusiasmo y usar su energía para escribir la música en una manera que no fácilmente conviene a las seis cuerdas (y sin embargo muchas cuerdas están implicadas). Y como el Joel Harrison 7 abruptamente da paso a Joel Harrison 19, la música del hombre aún no ha caído en ninguna trampa guitarra-centrada. Pero si ustedes han escuchado el álbum previo de Harrison, «Search», o ha tenido la oportunidad de ver al Joel Harrison 7 en los últimos dos años, más o menos, usted sabrá que su marca de jazz vibra en una longitud de onda diferente. Incluso en un mar lleno de muchos contemporáneos únicos, él todavía es original. Una de las razones es porque sus canciones son completamente buenas, memorables, nunca inútilmente distantes. Lo otro es debido a que él siempre tiene tremendos talentos junto a él.
Infinite Possibility es la primera incursión dentro de la escritura big band, y las 19 piezas del ensamble que conformó para el estudio es una lista seria; Ben Kono, Ned Rothenberg, Ben Wendel, Taylor Haskins, Curtis Fowlkes, Kermit Driscoll, tantos músicos que ya tienen su propia y voluminosa carrera solista. Y Infinite Possibility puede estar lleno de canciones de Harrison, pero el show es la Orquesta. Hay solos aquí y allá, con los solistas recibiendo los créditos apropiados en las liner notes, pero esto no es música de Big Band que es solo-conducida. Incluso Harrison mismo practica una gran moderación, salvándose arriba por grandes momentos como su enfrentamiento entre él y sus vientos en «Dockery Farms». Es como un movimiento de nubes de tormenta.
Hay un sentimiento misterioso de «adonde va esto?» en la música, compartiendo más en común con los arreglos de Gil Evans para los legendarios álbums de Miles Davis que con las cosas de la era del swing. De hecho, llamarlo big band es bastante engañoso (yo uso el término porque Harrison se refiere a ella como tal en las liner notes). En la superficie, la primera mitad de «Remember» es más clásica contemporánea que jazz. El conductor J.C. Sanford ha renunciado a la batuta de la John Hollenbeck Large Ensemble y a la Alice Coltrane Orchestra, entonces está apenas fuera de su elemento en este proyecto de jazz-encuentra-clásica-encuentra-esteroides. La presencia de James Shipp en el vibráfono, tiene la extraordinaria capacidad para establecer el tono para la apertura “As We Gather All Around Her”, que también establece el tono para el álbum entero; un sutil sentido de posibilidad, pelando capas de una forma que no se diferencia de la mano corriendo la cortina en la cubierta del álbum. La suave voz de Everett Bradley se encuentra tan cómoda en la mezcla que también podría ser un instrumento de viento. A su tiempo, Laila Biali tiene una parte vocal en «Remember»; ella también podría ser un theremin.
Infinite Possibility no puede ser más recomendable. Las canciones fluyen y la música se re-energiza a si misma. Escuchando a Infinite Possibility, me encontré olvidando una y otra vez que escuchaba a una orquesta de 19 piezas tocando música compuesta por un guitarrista de jazz. Harrison y sus compatriotas pueden atropellar las fronteras jazzeras de sus instrumentos tan bien, que es verdaderamente reconfortante. Esto nos muestra que hay mucho más que se puede hacer en este sentido, a partir de ahora cada vez que nos parezca.
Fuente para la reseña: John Garrat para http://www.popmatters.com/review/173813-joel-harrison-19-infinite-possibility/
Track Listing – Infinite Possibilty
1. As We Gather All Around Her (10:05)
2. Dockery Farm (8:56)
3. Remember (5:50)
4. The Overwhelming Infinity Of Possibility (9:26)
5. Highway (8:52)
6. Blue Lake Morning (9:41)
Todos los temas compuestos por Joel Harrison
Artist List
Joel Harrison: guitar – electric
Michel Gentile: flute
Ned Rothenberg: saxophone, clarinet, flute
Ben Kono: saxophone, oboe, english horn, flute
Donny McCaslin: tenor saxophone
Ben Wendel: tenor saxophone
Rob Scheps: tenor saxophone, clarinet, flute
Andy Laster: baritone saxophone
Seneca Black: trumpet
Taylor Haskins: trumpet
Dave Smith: trumpet
Justin Mullen: trumpet
Alan Ferber: trombone
Jacob Garchik: trombone
Curtis Fowlkes: trombone
Ben Stapp: tuba
Joseph Daley: tuba, euphonium
Daniel Kelly: piano, keyboards
Kermit Driscoll: bass
James Shipp: vibes, marimba, hand percussions
Rob Garcia: drums
Everett Bradley: vocals
Laila Biali: vocals
J.C. Sanford: conductor
Password en todos los casos: presoventanilla
Apunte: Joel Harrison es un músico que se reinventa todo el tiempo. En los últimos tres años ha hecho tres obras de una calidad poco común. Capaz de una relectura imaginativa de la belleza abstracta y etérea de las composiciones del inmenso Paul Motian, como de armar una Big Band para seguir explorando posibilidades artísticas: 6, 7 o 19 músicos cuidadosamente elegidos, son medios para alguien que entiende que el cambio es movilizador, que eventualmente se puede equivocar en el trayecto, pero que siempre se rescata algo (o mucho, como en este caso) positivo. En The Music Of Paul Motian, las versiones de «Owl Of Cranston», «Etude» o «From Time To Time» por ejemplo, son de una profunda belleza, dentro de un álbum que por la expresividad de las cuerdas y el carácter camarístico que tiene, ya de por si es delicado y de una solemnidad bien entendida, no de acartonamiento. En Search, Harrison experimenta con influencias de la música clásica trayéndolas a su visión del jazz y conserva cello (Dana Leong repite) y violín en la instrumentación del disco, algo que comparte con la estructura armada para The Music Of Paul Motian. Las largas piezas («Grass Valley and Beyond» y «A Magnificent Death») son muy ricas, tanto en sus cambiantes climas y pasajes instrumentales, como en las intervenciones solistas. Dicho sea de paso la resolución final de «A Magnificent Death», de los últimos dos minutos y medio, aproximadamente, es de una brillante escritura. «All the Previous Pages are Gone» parece un compendio del conocimiento enciclopédico de Harrison de las diferentes corrientes del jazz desde casi su nacimiento, con partes estructuradas y otras improvisadas bastantes cercanas al free. «The Beauty Of Failure» es una sentida balada(?) con Donny McCaslin remarcando una frase emotivo que hace de este tema lo más cercano a un tema tradicional, pero no por eso menos bello. La versión de «Whipping Post» es muy buena, con las partes cantadas reemplazadas por el tenor de McCaslin, pero me pasa algo particular: tengo marcada a fuego la impresionante versión de Frank Zappa que viene en el álbum «Them Or Us», con lo cual las comparaciones saltan cada vez que la escucho. «O Sacrum Convivium», otra pieza de cansino desarrollo, es la única oportunidad de escuchar a Harrison en primera persona, con la banda apenas sonando por detrás, pero son solo unos instantes iniciales, ya que McCaslin aparece prontamente a decir su discurso y el tema se va deambulando con los aportes mansos de todos los músicos. Cierra el disco un corto tema («Search») con el piano solo creando un clima de expectación, que concuerda plenamente con el título del disco y del tema. Pero Harrison, como ya dije anteriormente, es un músico inconformista y proyecto tras proyecto cambia de dirección y experimenta con nuevas instrumentaciones y miradas sobre la música contemporánea. Es el mismo tipo de inquietud que anima a otros músicos talentosos como por ejemplo John Hollenbeck, con el cual lo asocio mentalmente. Harrison en Search armó un septeto; Hollenbeck alterna entre su quinteto y el gran ensamble. Infinite Possibility muestra justamente, algunas de las incontables puertas que se abren al disponer de una instrumentación tan variada. El panorama auditivo es tan amplio, tantos climas, matices y detalles que cuanto más atenta(s) sea(n) la(s) escucha(s) más grande será el disfrute. Esto no se cocina en un solo hervor, pero vale la pena meterse en la olla.
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Songs I Like a Lot (2013)
Es fácil oír los trazos, en las canciones que al compositor-baterista John Hollenbeck les gustan mucho, de su sentido melódico y cinemática estructura. Su comprensión de la atmósfera y la textura, sin embargo, es propia. Esto está claro desde que él ha tomado el comando de la Frankfurt Radio Big Band -y mejor aún, dos cantantes Theo Bleckmann y Kate McGarry- para dar su distintivo y sublime toque a Songs I Like a Lot, un ecléctico catálogo que va de Jimmy Webb a Ornette Coleman.
Los tratamientos están bien pensados. «Canvas» recrea la guitarra cargada de efectos del original de Imogen Heap, con Martin Scales en guitarra, replicada por la trompeta y las vocalizaciones de Bleckmann. Se trata de un impresionante dispositivo, uno que Hollenbeck iguala en varios lugares. Hay una especial belleza en el uso de las cañas, con el clarinetista Oliver Leicht y el clarinetista bajo Rainer Heute entrelazándose en el tema de Webb, «Wichita Lineman», y en el propio tema de Hollenbeck «Chapel Files». El tecladista Gary Versace es un recurso poderoso también, su piano con delicadeza a «All My Life» de Coleman y su órgano Hammond imita la extraña electrónica en «Falls Lake» de Nobukazu Takemura.
Las voces, sin embargo, son las armas más potentes de Hollenbeck. Bleckmann y McGarry tienen ambos un inquietante sonido. Lo de McGarry, es más poderoso en la intimidad, como con su confesión folk-ish en el descendente «The Moon’s a Harsh Mistress» y en la lastimera autorendición «All My Life»; El trabajo más fino de Bleckmann es más dramático, como en “Man of Constant Sorrow” y su esplendorosa vocalización en «Chapel Flies». Pero cuando ellos armonizan en «Canvas», trascienden a si mismos. Últimamente, Hollenbeck ha incorporado vocalistas (Bleckmann y Kurt Elling estuvieron en el disco «What Is the Beautiful?», del Claudia Quintet) y Songs I Like a Lot hace que sea imperativo que esto continúe.
Fuente para la reseña: Michael J. West para http://jazztimes.com/articles/76658-songs-i-like-a-lot-john-hollenbeck
Apunte: Es innegable el enorme talento de Hollenbeck, fundamentalmente en sus roles como compositor y director, pero al menos en mi caso, debo confesar que habitualmente no me resulta sencillo entrar en su mundo sonoro, pero lo sigo intentando pues claramente soy yo el que falla, no Hollenbeck. Sin embargo, en Songs I Like a Lot todo se alinea para provocar la mágica e inexplicable sensación de que estamos ante un disco extraordinario. La orquestación, el dinamismo que se imprime a los temas, las voces, todo tiene una razón de ser para hacer que las canciones que a Hollenbeck le gustan mucho, produzcan un efecto similar en el oyente. Sugiero una escucha atenta a uno de los mejores discos del año 2013.
Track Listing
1. Wichita Lineman (8:12)
2. Canvas (5:25)
3. The Moon’s a Harsh Mistress (14:34)
4. Man of Constant Sorrow (11:23)
5. All My Life (9:35)
6. Bicycle Race (5:39)
7. Falls Lake (7:35)
8. Chapel Falls (6:41)
Artist List
John Hollenbeck: arranger, conductor, mallet percussion, bicycle
Theo Bleckmann: voice
Kate McGarry: voice
Gary Versace: piano. organ
Heinz-Dieter Sauerborn: alto and soprano saxophones, flute
Oliver Leicht: alto saxophone, clarinet, alto clarinet, flute
Steffan Weber: tenor and soprano saxophone, flute
Julian Argüelles: tenor and soprano saxophone, flute
Rainer Heute: bass saxophone, bass clarinet
Frabk Wellert: trumpet, flugelhorn
Thomas Vogel: trumpet, flugelhorn
Martin Auer: trumpet, flugelhorn
Axel Schlosser: trumpet, flugelhorn
Günter Bollman: trombone
Peter Feil: trombone
Christian Jaksjø: trombone, tenor horn
Manfred Honetschläger: bass trombone
Martin Scales: guitar
Thomas Heidepriem: bass
Jean Paul Höchstädter: drums
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Reverse Thread (2010)
Sobre Regina
Regina Carter se puso ante un piano a los dos años y comenzó a tocar su primer violín a los cuatro. Sus variadas influencias proceden desde los ritmos de R&B, pasando por la música hindú y la música clásica. Sus primeras experiencias musicales fueron en Detroit, su ciudad natal, siendo miembro de la Detroit Civic Symphony Orchestra y la banda de pop y funky Brainstorm, lo cual le dio una gran experiencia para colaborar con muchísimos artistas. “Cuando estaba en el conservatorio, comencé a introducir matices de jazz. Entonces, mis profesores me dijeron que estaba loca, que iba a arruinar mi carrera, que no había ningún violinista de jazz, pero naturalmente yo sabía que no era así”, recuerda Carter.
Ha grabado con Aretha Franklin y Patti LaBelle, con el legendario pianista de jazz Kenny Barron y también con el ganador del premio Pulitzer, Wynton Marsalis, con Cassandra Wilson, el trombonista Steve Turre y el bajista Mark Helias y como líder tiene dos discos para el sello discográfico Atlantic Jazz. También ha grabado con algunas de las nuevas divas del Rithm & Blues incluyendo Mary J. Blige y Lauryn Hill. Y con Kenny Barron, en la grabación del dúo Freefall; y Danilo Perez en Motherland.
Su discografía recorre diez años de intensa labor musical. Desde su álbum debut ‘Regina Carter’ (1995), pasando por ‘Something For Grace’ (1997), ‘Rhythms of the Heart’ (1997), ‘Motor City Moments’ (2000), ‘Paganini: After A Dream’, hasta su último trabajo ‘I’ll be seeing you: a sentimental journey’.
Sintiéndose cómoda dentro del mundo musical que la rodea, ha acompañado a famosos artistas de country como Dolly Parton y Tanya Tucker en sus actuaciones del Rosie O´Donnell Show. Este mismo año ha formado parte de la banda de Billy Joel.
Con el mismo entusiasmo lidera su propia banda con la cual compartió escenario con Herbie Hancock y Wayne Shorter el pasado verano. El critico del Washington Times escribió a propósito de este espectáculo “(…) hace que el instrumento se ría, llore y grite entre sus furiosos dedos (…)”.
Sobre el disco
¿Qué hace la premiada, clásicamente formada, violinista de jazz Regina Carter, después de tocar el famoso violín Il Cannone Guarnerius de Niccolo Paganini en «Paganini: After a Dream» (Verve Music Group, 2003), o reinterpretado canciones de 1920 a 1940 en «I’ll Be Seeing You» ( Verve Music Group, 2006)?. Ella dirige sus intereses y pasión hacia la música folklórica africana en Reverse Thread, un trabajo significativo en su ya diversa discografía.
En 2006, Carter gana una beca de la MacArthur Fellow y aprovecha la muy generosa financiación para una exhaustiva investigación de la rica música tradicional, que abarca el alcance de la Diáspora Africana. «Hiwumbe Awumba» está basado en grabaciones de campaña de judíos ugandeses, mientras «Un Aguinaldo Pa Regina» mezcla la música africana con armonías que provienen de la India y Puerto Rico, frescas interpretaciones de la música de Malí o Madagascar y los sonidos eternos de instrumentos ancestrales.
Desde los interiores de África, Europa, y las Américas, esto es música folklórica moderna, que es global, tradicional, y llena de alma. Es una comunión de sonidos, articulados por el violín que resuena de Carter, con un fino ensamble de artistas notables de jazz y brillantes adiciones, incluyendo el timbre tradicional de los acordeonistas Will Holshouser y Gary Versace, y el maestro del Kora (arpa de 21 cuerdas de África Occidental), Yacouba Sissoko.
Lo que podría sonar como una danza, una polca o un estilo Cajun, cortando la música, podría realmente provenir de un cuento tradicional africano a través del infeccioso ritmo de «Kanou». El hipnotismo calmante de «N’Teri» es muy edificante, como la melodía es estratificada por texturas de instrumentos contrastantes. La variedad es abundante. Mientras que la melodía alargada «Kothbiro» se mueve suavemente, «Full Time» es música bailable Afro-Pop, con Carter arqueándose efervescentemente, propulsada por el bajo funky de Mamadou Ba y el apretado trabajo de Alvester Garnett (el marido de Carter) en la batería. Las líneas de demarcación mundiales se ven borrosas en todo momento, ya sea en «Un Aguinaldo Pa Regina» o las festividades en «Zerapiki», originalmente basada en una canción de acordeón traída de Madagascar.
El sentido de la espiritualidad está también presente. La interpretación conmovedora del himno de iglesia «Juru Nani / God Be With You» contiene múltiples estilos y fronteras, intercambio entre África y América, mientras la armonía de acordeón/violín en «Mwana Talitambula» está basada en una grabación de campaña de una mujer cantando en el Este de Uganda.
Hay un tesoro de joyas esperando para ser extraídas de Reverse Thread. Afortunadamente, la insaciable sed de Carter por nueva música, le ha permitido producir esta importante grabación.
Fuentes para la reseña: http://eldigitaldecanarias.net/enviar13390.php; Mark Turmer para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=36503
Track Listing
01. Hiwumbe Awumba (4:50)
02. Full Time (5:59)
03. N’Teri (5:52)
04. Artistiya (3:56)
05. Un Aguinaldo Pa Regina (5:27)
06. Kothbiro (Intro) (0:32)
07. Kothbiro (6:03)
08. Zerapiki (3:58)
09. Day Dreamin on the Niger (6:15)
10. Juru Nani / God Be With You (4:07)
11. Kanou (5:54)
12. Mwana Talitambula (4:32)
Artist List
Regina Carter: violin
Yacouba Sissoko: Kora (2, 3, 6, 7, 11)
Adam Rogers: guitar (1, 5, 8′)
Will Holshouser: accordion (1, 7, 8, 10-12)
Gary Versace: accordion; (2-5, 9)
Chris Lightcap: bass;(1, 4, 5, 7, 8, 10-12)
Mamadou Ba: bass (2, 3, 9)
Alvester Garnett: drums, percussion
Joe Ferla: hand claps (8)
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Blind Date (2007)
Nacido en Londres, Inglaterra, pero crecido en Croton-on-Hudson, New York, los profesores del saxofonista alto Loren Stillman incluyen a Dave Liebman, Ted Nash, y Dick Oatts. Él ha recibido becas para estudiar tanto en la Escuela de Música de Manhattan como en la de Nueva York University y fue un semifinalista para la competencia de Saxofón de Thelonious monk en 2005. Ha trabajado con la Charlie Haden Liberation Music Orchestra, la Village Vanguard Jazz Orchestra y John Abercrombie, entre otros. Blind Date es su octavo CD como líder.
Usando un toque ligero y plumoso, Stillman convierte su CD más reciente en un remolino de colores que se pintan el uno sobre el otro, en varios tonos de color. De camino él mezcla su sonido distintivo con su único sentido composicional causa de una colección de jazz original que no está ni en el tradicional straithgeahead, ni completamente fuera de ello tampoco.
Por ejemplo, «What Will Other People Think» tiene una melodía angular que pide una sección de solo a gritos en el molde del free jazz. En cambio, nos ponemos en una mezcla de elementos de free jazz rociados de la tradición. Los tartamudeos de solo y rápido de Stillman intervienen perfectos inflexibles con el dúo acompañado por el pianista Gary Versace. Juntos ellos usan lo mejor de compartir-asociación de free jazz; lo forman y combinan con un armónico que es usado como una guía, no una regla. El resultado es una elegante declaración artística de dos músicos que tienen el amor obvio por la ejecución de cada uno.
El bajista Drew Gress muestra la maestría musical hábil e inteligente durante su introducción en «Shape Shifter». Su técnica no está expuesta para su efecto, pero para la artesanía melódica tiene tales capacidades que se lo permiten. Su tono irradia calor, mientras sus líneas dulcemente cuentan su propia historia. Stillman, después de la declaración melódica, es bastante abierto a Gress para hacer de las declaraciones conmovedoras de contrapunto, propias. El baterista Joey Baron, seguramente un monstruo por propio derecho, muestra por qué él está en demanda constante con su acompañamiento de platillo impresionista. Él justamente no añade el color, pero en cambio infunde su trabajo con un augurio melódico.
Hay poco defecto para encontrar en este disco. Un cuarteto de músicos que hacen la música sumamente experta «totalmente integrada en cada nivel», es la verificación rara y que merece; que ellos lo hagan tan satisfactoriamente en grietas entre estilos free y tradicionales, es aún más razón para celebrar.
Fuente para la reseña: Thomas R. Erdmann http://www.jazzreview.com/cd/review-19537.html – Traducción: La Bestia Políglota !!!
Track Listing
1. Blind Date (5:01)
2. What Will Other People Think (7:24)
3. Etude (3:01)
4. Shape Shifter (9:55)
5. Theme For A New Regime (4:13)
6. Don’t Be Too Nice (7:46)
7. Major (4:26)
8. Legroom (6:26)
9. Etude (Reprise) (2:05)
Artist List
Loren Stillman: alto saxophone
Gary Versace: piano
Drew Gress: bass
Joey Baron: drums
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Human Activity Suite (2009)
Profundos océanos azules, nubes aerografiadas, con descamados toques de verdes alejándose hacia llanuras solitarias… ¿Recuerda usted la primera vez que vio una imagen de la Tierra? ¿Recuerda ese sentimiento?
¿Sabía usted que uno puede cubrir la Tierra con un pulgar parado sobre la Luna? Indefensa en la negrura, como una boca de lobo y en el silencio del Universo, nuestra casa -al menos, el tiempo de unos escasos nanosegundos robados a la eternidad- ahora afronta más amenazas de sus propios habitantes, que de otros cuerpos celestes que posiblemente lo puedan golpear en su trayectoria alrededor del Sol.
El canto a la belleza de la naturaleza no es algo nuevo para los artistas. Aunque es muchísimo más que un acto de creación y expresión, la música recuerda fundamentalmente una comunión, no sólo entre sus participantes, sino también con el ambiente inmediato en el cual los sonidos se crean y viajan.
Repitiendo cánticos y llevándolos en corrientes de aire murmuradas para morir profundamente en el desierto de nuestras almas, la naturaleza, a su turno, siempre sigue cantando las canciones de los artistas. Citando un viejo clásico de Satchmo, un maravilloso mundo de verdad.
En su oda de Human Activity Suite -que, debe ser notado, posee un subtítulo muy parecido a una conferencia de Greenpeace, «Dando una Respuesta al Cambio Climático»- el guitarrista Brad Shepik corona su interés de muchos años por la temática. El áspero realismo del objeto de estudio y el título no obstante, no es un aburrimiento en esta misiva musical.
Mientras que muchos de sus precursores idealizan la entrega de su mensaje con la tontería New Ageística, el etnomusicologista/compositor residente en la ciudad de New York, presenta un programa tipo imaginativo documental que es conmovedor por su melodía, armonía y sonoridad.
Desde las hipnóticas rondas de tambura de Shepik en «Blue Marble» a los lentos movimientos del hielo Antártico representado en el procesional «Stir», por vía del bailable, «Waves» Klezmer-flexionales y el folk con el acordeón teñido de sudamericano de Gary Versace en «Lima», y la melódicamente maniobrable «Not So Far», el quinteto pega un alfiler sobre cada uno de los siete continentes y condimenta su mundana excursión de tres programáticos temas sobre los factores y los efectos del cambio climático.
Haciendo el viaje con Shepik y el super creativo pianista Versace, están los veteranos Drew Gress al bajo y Tom Rainey en la batería, así como el trompetista Ralph Alessi, cuyo tono acre, metálico, se mezcla muy bien con el sonido de guitarra y la ejecución con reminiscencias de Dave Fiuczynski .
Como apuntan las liner notes, la música, como uno de los mecanismos más sublimes de la comunicación, puede elevar la conciencia y estimular a la acción. Y por esto, como por la seriedad de la dirección artística del proyecto y el mensaje extra musical, Brad Shepik merece un gigantesco pulgar hacia arriba.
Fuente para la reseña: Martin Gladu para www.allaboutjazz.com – Traducción: La Bestia Políglota!
Apunte: hay muchas y muy buenas ideas en este disco. El álbum es de un guitarrista pero las composiciones y sus arreglos superan a la ejecución por parte de Shepik, sin querer decir con esto que no es un buen guitarrista; por el contrario, es bueno, pero él privilegia el concepto de las canciones de esta suite por encima de cualquier virtuosismo. Un disco muy original y al que ir «rumiando» de a poco para poder ver su real valía.
Track listing:
01. Lima (South America) (7:03)
02. Blindspot (North America) (9:26)
03. Human Activity (6:58)
04. Stir (Antarctica) (5:23)
05. Not So Far (Australia) (8:29)
06. Current (6:38)
07. Carbonic (5:38)
08. Blue Marble (Africa) (5:52)
09. By a Foot (Europe) (4:25)
10. Waves (Asia) (5:57)
Artist List
Brad Shepik: electric guitar, acoustic guitar, tambura, electric saz
Ralph Alessi: trumpet
Gary Versace: piano, organ, accordion
Drew Gress: bass
Tom Rainey: drums
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