Preso ventanilla


Geoffrey Keezer

tapa Áurea
Áurea (2008)

Geoffrey Keezer es un pianista de inmensa capacidad técnica. Como músico y compositor es capaz de expresarse en diferentes idiomas y configuraciones. En Áurea, por ejemplo, él hace una notable incursión en el ámbito de música afroperuana. Y emerge de esta colorida expedición con un alto grado de excelencia, que uno se pregunta por qué más practicantes de jazz en el piano, que lo usan como principal instrumento rítmico de ensambles modernos, no han hecho antes el viaje al siempre atractivo reino musical de afro-américa latina. Ahora, parece que muchos músicos -especialmente los artistas establecidos en New York- tocando el lenguaje del jazz parecen enamorarse perdidamente de la música de América Latina, especialmente de Colombia y Perú.

No hay duda que, de la música de este registro, se desprende que Keezer no sólo se ha impregnado con casi cada aspecto de los idiomas afro-peruanos y de las expresiones rítmicas, sino que también lo ha hecho propio, surgiendo aquí con una encarnación musical prácticamente original. Tanto es así que es prácticamente imposible decir “Cayendo Para Arriba” y (especialmente) “Una Bruja Buena” y “Leucadia”, de decir “La Flor Azul” y “La Nostalgiosa”. Pero más que el carácter, Keezer también puede haber estirado hasta más lejos las texturas de una cultura rítmica muy elástica. “Miraflores” con sus capas de ritmos afro peruanos (de oscuros-a-luz), bajo las improvisaciones de piano de Keezer, es un clásico rotundo. Lo que esto sugiere es que, al menos en términos gráficos, ciertamente se puede agregar a Keezer al catálogo contemporáneo. Él es, sin duda, exitoso en este esfuerzo en una medida no menor, debido a la presencia de su cohorte musical. En primer lugar, el percusionista peruano, Hugo Alcázar trae una salvaje, pero sofisticada lectura de ambos, tanto de Keezer, como los standards latinos y canciones tradicionales. Jon Wilkan es el otro percusionista y cuando están juntos, trabajan en una dinámica tormenta. Son también de destacar los exquisitos solos de Ron Blake (“La Nostalgiosa”), y también Steve Wilson, especialmente en “Araña Amarilla”. Y luego está la majestuosa lectura de todos las partes de bajo de Essiet Okun Essiet y el elegante estilo a la guitarra acústica de Peter Sprague. Sin embargo, por mucho, la estrella revelada de esta grabación puede ser la cantante Sofía Rei Koutsovitis, que trae una calidad cruda y primal a las lecturas desgarradoras de las partes vocales, y es sobre todo memorable en “Una Bruja Buena”, “La Flor Azul” y “La Nostalgiosa”, donde ella evoca el espíritu del corazón de Perú. La tristeza elemental de “Vidala de Lucho” es memorable gracias a la lectura de la vocalista del emocional fraseo de la canción. Desde luego, Keezer pone el “mood” con una introducción espectacular a la canción.

En Áurea, Geoffrey Keezer ha creado un registro de inolvidable gracia y poder. Y el artista nos dice que también ha hecho un compromiso extra-artístico con el pueblo de Perú. Al utilizar ArtistShare, Keezer se ha comprometido a hacer una contribución a los proyectos de la sociedad de ese país para aliviar algunos de sus problemas económicos. En este sentido, él ha abierto un nuevo camino en el compromiso en favor de los artistas cuyas tradiciones comparte aquí en este registro.

Fuente para la reseña: Raul da Gama para http://latinjazznet.com/2009/06/12/reviews/cds/geoffrey-keezer-aurea/

Apunte: No es habitual que la fusión entre el jazz y las músicas de raíces latinoamericanas tengan un resultado acorde a lo profundo de sus respectivos arraigos culturales; lamentablemente suele ocurrir que estos engendros sirven para mostrar cuan diestros instrumentistas son los que se meten en estos experimentos, sin dejar mucho espacio para disfrutar una mirada más profunda y respetuosa de unos sobre la herencia cultural de otros y viceversa. Felizmente, Áurea parece ser uno de los pocos y buenos ejemplos de este tipo de fusión musical liderado por un músico de origen estadounidense que no se ha propuesto como meta pisar con el jazz la visceral música de estos lares. Nunca se pierde el norte: lo importante aquí es la sencilla y profunda emoción de las canciones, arropadas por supuesto, con el virtuosismo de los músicos al servicio del todo. Áurea fue para mi una muy agradable sorpresa y sinceramente creo, les va a gustar. Saludos!

Track Listing

1. Cayendo Para Arriba (7:11)
2. Una Bruja Buena (5:24)
3. La Flor Azul (4:06)
4. Araña Amarilla (7:58)
5. Leucadia (7:07)
6. La Nostalgiosa (6:12)
7. Miraflores (6:38)
8. Vidala de Lucho (5:59)

Artist List

Geoffrey Keezer: piano, Rhodes
Steve Wilson: alto saxophone
Ron Blake: alto saxophone, flute
Phil O’Connor: bass clarinet
Sophia Rei Koutsovitis: voice
Mike Moreno: guitars
Peter Sprague: acoustic guitar
Hugo Alcázar: drums, percussion
Jon Wilkan: drums percussion
Essiet Okon Essiet: acoustic and electric bass
Susan Wulff: acoustic bass.

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Marius Neset

tapa Golden Xplosion
Golden Xplosion! (2011)

Hay muchos herederos creíbles del legado saxofonista del fallecido Michael Brecker, pero la mayoría imita el rápido virtuosismo de Brecker sin añadir mucho color de su propiedad. Marius Neset, el saxofonista noruego de 25 años que surgió en el Reino Unido el año pasado con Django Bates (su maestro y mentor en el Conservatorio de Música Rítmica de Copenhague), no sólo combina el poder de Brecker y la delicadeza tonal de Jan Garbarek, sino que tiene una visión que hace cada uno de los 11 originales en este sensacional álbum parezca indispensable, y necesariamente conectados entre sí. Los extras incluyen a un inspirado Bates en piano y sintetizadores y la formidable sección rítmica de Phronesis, el bajista Jasper Høiby y el baterista Anton Eger. La pista del título comienza con un soliloquio de saxo tenor en contrapunto que se convierte en un clamor funky cuando la banda llega; el bop vertiginoso de “City on Fire” demuestra la estrechez impresionante del grupo; el multifónico “Saxophone Intermezzo” es un himno majestuoso; y el lírico y viajero “Angel of the North” es como una banda de Pat Metheny liderada por un saxo. Con estas evidencias, Neset está en camino de ser uno de los más grandes cuadros en el circuito.

Fuente para la reseña: John Fordham para http://www.theguardian.com/music/2011/apr/21/marius-neset-golden-xplosion-review

Track Listing – Golden Xplosion!

01. Introducing: Golden Xplosion (2:00)
02. Golden Xplosion (5:26)
03. City On Fire (7:42)
04. Sane (3:47)
05. Old Poison (XL) (2:18)
06. Shame Us (6:31)
07. Saxophone Intermezzo (2:57)
08. The Real YSJ (2:42)
09. Saxophone Intermezzo II (2:22)
10. Angel Of The North (8:20)
11. Epilogue (3:26)

Artist List

Marius Neset: Saxophone
Django Bates: Piano, Keyboards
Jasper Hoiby: Bass
Anton Eger: Drums

tapa Birds
Birds (2013)

Birds es una agradable sorpresa en un panorama de novedades que desde hace tiempo resulta bastante previsible. La pieza que da título al disco es un ejercicio compositivo muy interesante en el que los diferentes climas del tema están admirablemente ligados y dan la pauta de lo que sigue a continuación. En la web del saxofonista me entero de que, además de los músicos reseñados en el encabezamiento, hay una flautista (Ingrid Neset), un tubista (Daniel Herskedal), un acordeonista (Bjarke Mogensen), dos trompetistas (Tobias Wiklund y Ronny Farsund), un trombonista (Peter Jensen) y el corno francés de Lasse Mauritzen, que en la escucha devienen fundamentales. En fin, que lo que yo tenía es el cedé de promoción, que por no tener no tenía ni la fecha de grabación.

Por Birds -formado por temas compuestos y arreglados por Neset, salvo un par de ellos en los que comparte autoría con el baterista- circulan procedimientos minimalistas, elementos repetitivos bien escriturados, arreglados, tendientes a materializar, o así lo entiendo yo, los elementos que estructuran lo que se entiende por jazz. Una concepción rítmica muy enraizada en los vaivenes de la composición acaba de dar una muy agradable sensación de frescura. Finalmente, elementos de su propia tradición musical (europea) aparecen desperdigados para crear un excitante contraste entre ambos. En cuanto a Neset, al margen de los valores antes expuestos, como solista se encuadra en una línea que no deja de recordar en ocasiones a su compatriota Jan Garbarek pero, para entendernos, a un Garbarek straight jazz. Una bella sonoridad, tanto con el soprano como con el tenor, acompaña a este joven (28 años) músico noruego al que auguro un futuro cuanto menos interesante.

Para acabar, por composiciones, arreglos e interpretación, hay que considerar este Birds como una obra a tener en cuenta. Curiosamente, un soplo de aire cálido que llega del norte.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2823:marius-neset&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Birds

01. Birds (10:52)
02. Reprise (3:26)
03. Boxing (7:00)
04. Portuguese Windmill (7:49)
05. Spring Dance (2:29)
06. Fields of Clubs (5:23)
07. The Place of Welcome (4:36)
08. Introduction to Sacred Universe (1:45)
09. Sacred Universe (8:23)
10. Math of Mars (5:02)

Artist List

Marius Neset: saxophones
Ivo Neame: piano
Jim Hart: vibes
Jasper Høiby: double bass
Anton Eger: drums

Additional musicians:
Ingrid Neset: flute, piccolo flute
Daniel Herskedal: tuba
Bjarke Mogensen: accordion
Tobias Wiklund: trumpet
Ronny Farsund: trumpet
Peter Jensen: trombone
Lasse Mauritzen: French horn

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Lion (2014)

Aire cálido del Norte. Segunda parte.
Marius Neset vuelve a esta página después de que su anterior obra, Birds, fuese calificada también con cinco estrellas. En esta ocasión Neset cambia el quinteto de entonces por la Trondhein Jazz Orchestra, formada por tres saxofonistas, dos trompetas, un trombón, una tuba, acordeón, piano, bajo y batería: doce músicos en total. Todo el repertorio y sus correspondientes arreglos son debidos al saxofonista noruego.

La música que presenta Neset en Lion, como la de Birds, su anterior trabajo, del que utiliza dos temas, está exquisitamente compuesta y arreglada, aquí con una complejidad rítmica añadida y generadora de una tensión notable por el manejo de las secciones, especialmente la de saxofones, que nos recuerda, lejanamente, a algunos de los trabajos de Don Ellis. Por encima de todo ello emerge la figura de este saxofonista solista principal, que tanto con el tenor como con el soprano compone un discurso tan elástico como directo. Con ocasión de Birds comenté como principal virtud la frescura de ideas de la temática y de la interpretación que allí se translucía. Aquí en Lion, a pesar de la complicación que representa manejar una gran orquesta, con otros solistas que se añaden a la fiesta, siguen siendo éstas las virtudes a resaltar.

Si añadimos que todo ello contiene “aquello” que decía aquel pianista que murió ahora hace cuarenta años, la cosa queda todavía más virtuosa… Pienso que es difícil mantener un nivel como el que este joven músico aporta en estas dos obras. De momento esto es lo que hay, disfrutemos de ellas.

Reseña de Vicente Ménsua para http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3016:marius-neset-trondheim-jazz-orchestra&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Lion

1. Lion (Neset) (10:19)
2. Golden Xplosion (Neset) (7:30)
3. In The Ring (Neset) (7:31)
4. Interlude (Neset) (0:54)
5. Sacred Universe (Neset) (10:10)
6. Weight Of The World (Neset) (7:56)
7. Raining (Neset) (8:16)
8. Birds (Neset) (11:29)

Artist List

Marius Neset: tenor and soprano saxophone
Hanna Paulsberg: tenor saxophone
Peter Fuglsang: alto saxophone, flute and clarinet
Eirik Hegdal: baritone and soprano saxophone
Eivind Lønning & Erik Eilertsen: trumpet
Erik Johannesen: trombone
Daniel Herskedal: tuba
Jovan Pavlovic: accordion
Espen Berg: piano
Petter Eldh: bass
Gard Nilssen: drums, percussion, a.o.
Ingrid Neset: add. flute and piccolo flute on 05 & 08

Apunte: Neset, con el ímpetu de sus menos de treinta años, su virtuosismo y su inteligencia para componer, arreglar y dirigir sus propias obras parece estar dejando una incipiente marca en la música contemporánea; al menos la calidad de estos tres primeros discos como líder así lo certifican. Un león joven con garras bien afiladas. Altamente recomendable.


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Miguel Zenón / Laurent Coq
octubre 13, 2014, 1:45 pm
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tapa Rayuela
Rayuela (2012)

Los buenos aficionados al cine y a la literatura saben que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias comportan dificultades que van desde la casi siempre esquemática definición de personajes, pasando por el ritmo precipitado de la narración, hasta acabar, final e inevitablemente, en una simplificación de la misma. Poner música a una obra literaria quizás plantea otro tipo de problemas de muy diferente factura. La música, al contrario que el cine, es un arte que no necesariamente describe hechos. La excepción, que no siempre se cumple, puede ser la música escrita específicamente para una obra cinematográfica. Entiendo que esto es lo que han pretendido Zenón y Coq, autor éste último de varias bandas sonoras. Han transformado Rayuela en un film imaginario al que han puesto música. En ese sentido, el contenido de este cedé cumple con el cometido que ambos músicos, compositores de la totalidad de los temas, pretendían.

Quienes hemos leído Rayuela sabemos bien que es un libro que plantea al lector dificultades diversas por lo intricando de su línea argumental y sobre todo por como Cortázar la acabó expresando en sus páginas: Rayuela es, entre otras cosas, un canto al desorden organizado y creo que ello ha facilitado la labor de los músicos desde el punto de vista compositivo.

En definitiva, este disco contiene la expresión musical que a Zenón y Coq les ha sugerido la lectura de tamaña obra literaria. Mi conclusión es comprometida y algo contradictoria. Por una parte me parece excelente la música de Rayuela. Por otra, esa misma música, aunque objetivamente valiosa, no me ha interesado demasiado subjetivamente. Zenón, puro fuego, uno de los músicos con más futuro y a quien he adjudicado dos veces cinco estrellas en estas páginas -debo decirlo-, se ha dejado llevar por su ambición y talento en una imaginaria banda sonora (reconozco que es un atrevimiento por mi parte decir lo que digo a continuación) que no creo que hubiera gustado a Julio Cortázar, un aficionado al jazz de lo más recalcitrante.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2587:miguel-zenon-laurent-coq&catid=4:discos&Itemid=7

Apunte: Como bien dice la reseña de Ménsua, la música del disco Rayuela es excelente, independientemente si le hubiera gustado o no a Julio Cortázar. Puedo agregar que a mi entender se trata de una lectura musical de una obra literaria que al igual que el jazz puede tener otras cientas. Zenón y Coq inteligentemente evitaron anclarse a referencias musicales precisas y por el contrario, la inclusión de la percusión y las tablas nos desorientan en el afán de encontrar guiños a esas pertenencias musicales. Resumiendo: Rayuela es tan complejo como recomendable, pero no creo que sea (como leí por algún site) para escuchar mientras cocinamos algo; creo que se necesita prestar atención a esta obra, sobre todo para disfrutar la exhuberancia del soplido incansable del enorme Miguel Zenón.

Track Listing

01. Talita (6:24)
02. La Muerte de Rocamadour (7:31)
03. Gekrepten (7:09)
04. Buenos Aires (7:04)
05. Morelliana (5:55)
06. Oliveira (7:06)
07. Berthe Trépat (3:39)
08. Traveler (4:52)
09. La Maga (7:36)
10. El Club de la Serpiente (10:10)

Artist List

Miguel Zenón: alto saxophone
Laurent Coq: piano
Dana Leong: cello & trombone
Dan Weiss: drums, tablas & percussion

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Wayne Shorter Quartet

tapa Without a Net
Without a Net (2013)

Es, sin duda, uno de los grandes músicos de la historia del jazz. Como saxofonista fue posiblemente el único capaz de procesar la influencia de John Coltrane y, a partir de ella, crear un estilo absolutamente propio. Y, como Coltrane, generó una escuela. Además, es el autor de temas seminales: “Pinocchio”, “E.S.P”., “Nefertiti”, “Masqualero”. Wayne Shorter dejó una huella profunda, como integrante de los Jazz Messengers del baterista Art Blakey o del Quinteto de Miles Davis a partir de 1968, en sus fundantes discos como líder para el sello Blue Note, en la década de 1960 (Juju, Speak No Evil, Etcetera, por sólo nombrar algunos), como miembro de Weather Report o como colaborador, ocasional o no tanto, de Milton Nascimento, Santana, Los Rolling Stones y Joni Mitchell. Pero, además, en el año en que cumple 80 se da el lujo de publicar un disco extraordinario. No sólo un gran álbum de una leyenda, sino una obra de arte capaz de hacer justicia a su título: “Sin red”.

Without a Net se compone, mayoritariamente, por grabaciones realizadas durante la gira de 2011 por el notable cuarteto que integran, junto a Shorter, Danilo Pérez en piano, John Patitucci en contrabajo y el baterista Brian Blade. Con el mismo grupo (salvo el baterista) llegó ese mismo año a Buenos Aires y dio un concierto ejemplar. Ya había estado en 2006. Y el grupo, que se mantiene estable desde 2001, editó tres grandes discos para el sello Verve: Footsprints Live, Alegria y Beyond The Sound Barrier. Ahora, más allá del publicitado regreso a Blue Note (que, en rigor, es apenas un cambio de habitación dentro de la misma casa, ya que tanto este sello como el anterior pertenecen hoy a la misma compañía, Universal), lo realmente importante es la creatividad, el riesgo, la calidad de ejecución y la originalidad de la música.

De los nueve temas incluidos, seis son nuevos y uno solo, “Pegasus”, una suerte de poema sonoro de 23 minutos de duración que incluye al quinteto de vientos Imani Winds, fue grabado en estudio. Allí, a los siete minutos, aproximadamente, a una de las integrantes del grupo de cámara se le escapa, al escuchar a Shorter, un sonoro “Oh My God” que Roy Griffin, el ingeniero de sonido, decidió dejar. De las obras más antiguas, dos son del propio Shorter, “Orbits” (del disco Miles Smiles, de Davis) y “Plaza Real” (de Procession, de Weather Report), y son leídas desde lugares totalmente distintos de los originales. El otro tema reinventado aquí por el cuarteto es “Flying Down To Rio”, del film musical de 1933. “Pegasus” funciona como una especie de centro alrededor del cual gira el resto. Sin embargo, a pesar de las diferencias evidentes en el timbre y las texturas (más homofónicas en la escritura para el Imani), tanto en esta obra como en las piezas más breves la forma nada tiene que ver con las tradicionales improvisaciones sobre secuencias de acordes ni, tampoco, con el free jazz más institucionalizado. Se trata, más bien, de epígrafes, de pequeñas inmersiones en ríos sonoros donde cada instrumento puede entrar o salir y en los que no hay otra guía que la propia interacción de los músicos. Shorter suele recordar la época con Davis diciendo que “no ensayábamos; ¿cómo podría ensayarse lo inesperado?” Aquí demuestra que ese espíritu sigue vigente. Con certeza, ésta no es la obra de alguien que revisita su historia, sino la de alguien que, para bien de todos, aún está escribiéndola.

Reseña de Diego Fischerman para http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-28654-2003-12-14.html

Apunte: el joven músico de 80 años, Wayne Shorter, decía en el momento de la publicación de este álbum: “Antes pensaba en mí mismo como un compositor que crea su música en tiempo real; con el tiempo he pasado a considerarme un decompositor . Lo que me gusta del proceso creativo es no saber lo que va a ocurrir, el reto de ver cómo puedes llegar a un acuerdo con lo desconocido. Tenemos que aprender a existir fuera de nuestra zona de comodidad.” Sin red de contención.

Track Listing

01. Orbits (4:49)
02. Starry Night (8:48)
03. S.S. Golden Mean (5:17)
04. Plaza Real (6:56)
05. Myrrh (3:03)
06. Pegasus (23:06)
07. Flying Down To Rio (12:44)
08. Zero Gravity To The 10th Power (8:13)
09. (The Notes) Unidentified Flying Objects (4:12)

Artist List

Wayne Shorter: soprano and tenor saxophones, whistling (7, 8)
Danilo Pérez: piano
John Patitucci: bass
Brian Blade: drums
guests:
The Imani Winds on track 06:
Valerie Coleman: flute
Toyin Spellman-Diaz: oboe
Mariam Adam: clarinet
Jeff Scott: French horn
Monica Ellis: bassoon

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Chris Potter

¿Quién es Chris Potter?

Nacido en Chicago en 1971, se mudó a Columbia, South California, al poco tiempo de nacer. Chris Potter empezó como hobby con la guitarra y el piano a los 3 años. Siete años más tarde comenzó con el saxo alto y actuó por primera vez con 13 años. Pero su ecléctica educación musical realmente empezó con la investigación personal de la colección de discos de sus padres. Abarcando todo tipo de música, desde Bach hasta Schoenberg, pasando por música de los Beatles, Chris exploró todo, vorazmente, dando especial atención a los álbumes de Miles Davis y Dave Brubeck.

Cuando Marian McPartland, leyenda del piano, lo escuchó por primera vez, cuando Chris tenía15 años (un encuentro que permitió finalmente el contrato con Concord Records en 1994), le dijo a su padre que Chris estaba preparado para ir de gira con un grupo como Woody Herman. Pero acabar el colegio fue la prioridad, y tras graduarse se dedicó de pleno a tocar el instrumento que más le apasionaba el saxo (alto, tenor y soprano, el clarinete bajo y la flauta alta).

A los 18, Potter se mudó a Nueva York para estudiar en la “New School” y después en “Manhattan School of Music”. Allí se formó una gran amistad con Kenny Werner, uno de sus profesores, con quien grabaría más tarde un dúo. También volvió a tocar al gran trompetista Red Rodney, con quien había tocado antes en un festival de Jazz en Columbia. Pasó cuatro importantes años con Rodney, perfeccionando sus aptitudes.

Graduado en 1993, Potter empezó una larga serie de actividades como acompañante de nombres estelares como Mingus Big Band, Paul Motian, Ray Brown, Jim Hall, James Moody, Dave Douglas, Mike Mainieri y muchos más.

Después de tocar con Marian McPartland en una grabación para Concord en 1993, “In my Life”, el aventurero saxofonista se convirtió en un miembro sorprendente de lista de Concord, finalmente grabando cinco álbumes para esta compañía, así como el mencionado dúo con Werner. Su último trabajo con Concord (Vertigo, 1998), fue nombrado uno de los diez mejores trabajos por “Jazziz Magazine” y “The New York Times Magazine”.

Chris también actuó con los nominados a los Grammy “Steely Dan”, en el álbum de oro “Two Against Nature”. Con ellos estuvo de gira en el año 1994, y de la que se editó un CD en directo “Alive in America”.

Potter recibió su propia nominación a los Grammy como “Best Instrumental Jazz Solo” por su trabajo con Joanne Brackeen: “Pink Elephant Magic”. Y es el más joven premiado, en recibir el premio anual “Danish Jazzpar”.

Aunque ha actuado extensamente con el increíble bajista y compositor Dave Holland (desde su primera colaboración, en el año 1999) Potter ha estado actuando alrededor del mundo con sus propios grupos desde que lanzara su trabajo “Gratitude”, a principios de 2001. Actuó por toda Europa (incluido París, Londres, Florencia y el North Sea Festival), Canadá (Festivales en Montreal, Toronto y Vancouver) y en los mejores clubes de Estados Unidos, así como una colaboración en el Monterey Jazz Festival.

Siguiendo un tour europeo con “Steve Swallow Trio” en Diciembre de 2001, Potter grabó “Traveling Tercies” en Enero de 2002, antes de sacar a su cuarteto de gira por la Costa Oeste en Febrero. En Marzo y Abril, salió de gira por Estados Unidos con Holland y Dave Douglas respectivamente, y en el otoño empezó su extensa gira con su propio grupo, trabajando por toda Norte América en Septiembre y Octubre, y en Europa durante Noviembre y Diciembre.

Como compositor Chris Potter es citado con frecuencia por críticos, músicos y continuamente por su creciente número de fans como excelente saxofonista de su generación. Su álbum aclamado por la crítica en 2001, Gratitude (Verve) pretende ser un tributo a los grandes titanes que influenciaron a Potter, incluyendo John Coltrane, Sonny Rollins, Joe Henderson, Eddie Harris, Wayne Shorter, Lester Young, Coleman Hawkins, Ornette Coleman y Charlie Parker.

Pero como muchos otros de sus contemporáneos dentro y fuera del Jazz, las influencias de Chris van desde muchas y variadas fuentes.

Junto con la creatividad ilimitada, un vibrante sentido de cambio y una conciencia completa del pasado, presente y futuro, que la variedad de sensibilidad musical ha llevado a Chris a una la línea de visión de una colección diversa y embriagadora de artistas, incluidos James Moody, Jim Hall, Marian McPartland, Dave Douglas, Larry Carlton, Steely Dan y Dave Holland.

“Cada líder de banda, cada gran músico con los que he tenido la oportunidad de trabajar me ha inspirado en cierta manera… Sin todas estas experiencias no creo que hubiera estado preparado para hacer esto ahora”.

“Quiero que la gente baile si puede, sienta la música y no piense en algo complicado o prohibido. Quiero comunicar algo. Puedes hacer eso y no sacrificar nada artísticamente”

Biografía publicada en http://www.tebarasociados.es/index.php?main=artistas&accion=id&id_artista=47&PHPSESSID=o77gapnpf56lfno7c7gj66fo50

tapa Underground
Underground (2006)

Con sólo 35 años, el saxofonista Chris Potter ha amasado una discografía sorprendentemente grande -más de una docena de registros como un líder, y colaboraciones que incluyen la maratónica relación de ocho años con el bajista Dave Holland. Su destreza técnica, el tono robusto y el control misterioso son emparejados por una imaginación aparentemente infinita, permitiéndole construir extendidos solo que nunca pierden el foco. Y, sin embargo, a pesar de su aparición como uno de los saxofonistas más importantes de su generación, siempre ha habido una persistente sensación de promesas pero a realizarse plenamente.

Hasta ahora. Con Underground, Potter entrega el álbum que sus pasados esfuerzos consistentemente impresionantes solo sugerían que era posible. Combinando complejidad y composiciones de gran alcance emocional con a menudo nudoso pero siempre accesible grooves, Potter finalmente ha creado un álbum que, más que anunciar su potencial, lo entrega de principio a fin, con una clara voz.

“Lift: Live at the Village Vanguard” (Sunnyside, 2004) documentaba una banda que ya ha sido suplantada por un nuevo cuarteto presentando al eternamente menospreciado guitarrista Wayne Krantz, al ubicuo tecladista Craig Taborn y al baterista Nate Smith. El guitarrista Adam Rogers es invitado para dos tracks, pero para la mayor parte de Underground es sobre la impresionante química del cuarteto, que se ha perfeccionado con el tiempo.

Para grupos que quieren prescindir de un bajista conservando aún una plenitud de amplio espectro, Taborn se hace una opción cada vez más popular. Su trabajo en los grupos del saxofonista Tim Berne, “Science Friction” y “Hard Cell”, han demostrado la clase de independencia mano izquierda/mano derecha que le permite ser más que un acompañante decidido. Como solista él es capaz de desarrollar ideas útiles, al mismo tiempo manteniendo asombrosamente idiosincrásicas líneas a base de figura rítmicas con su doblamiento izquierdo, de hecho, con Krantz en el poderoso “Big Top”, que tiene la energía de la fusión sin su exceso.

A pesar de la prolongada duración de muchas pistas, Underground está sorprendentemente libre de grasa. Cuando Smith sustituye a Billy Kilson en el Quinteto y la Big Band de Dave Holland, quedó claro que si bien él es capaz de complejas polirritmias y métricas irregulares, también es más económico en su estilo. En el funky “encuentro el uno” desafío de “Next Best Western”, su habilidad para mantener un groove visceral a pesar del movimiento siempre cambiante de líneas de barra es sorprendente.

La inhabilidad de Krantz de alcanzar audiencias más grandes del cual los contemporáneos como Rogers y Kurt Rosenwinkel disfrutan, es curiosa. Armónicamente él es un músico modernista como pocos, pero con un siniestro toque rockero que no excluye una gran sutileza en el más etéreo “Celestial Bell”.

La destreza de Potter en la concepción narrativa de solos se ha perfeccionado, en gran medida, a través de su relación de ocho años con Holland. Pero más que simplemente transferir las lecciones aprendidas como un artista intérprete o ejecutante a su propio proyecto, Underground representa lo mejor y más consistente escrito por Potter a la fecha. Y su capacidad para reinventar el muy gastado “Lotus Blossum” de Billy Strayhorn en atmosférico poema de tono rubato, perfectamente en el contexto de su propia estética más contemporánea, es una prueba más de la cada vez más firmemente formada voz conceptual.

Potter no está en absoluto en su pico creativo -o lo único que podemos hacer es esperar- pero con Underground ha hecho su más personal y exitosa declaración hasta la fecha.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/underground-chris-potter-sunnyside-records-review-by-john-kelman.php#.U_op06Nfv8g

Track Listing – Underground

1. Next Best Western (9:37)
2. Morning Bell (5:41)
3. Nudnik (9:50)
4. Lotus Blossom (5:08)
5. Big Top (11:44)
6. The Wheel (6:59)
7. Celestial Nomad (6:27)
8. Underground (11:09)
9. Yesterday (2:50)

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone
Wayne Krantz: electric guitar
Craig Taborn: Fender Rhodes
Nate Smith: drums
Adam Rogers: electric guitar (6,9)

tapa Ultrahang
Ultrahang (2009)

Ultrahang. Una frase machacona, repetitiva de Potter inicia la grabación. Sus compañeros del cuarteto Underground se van sumando rápidamente pero, lejos de introducir variedad en la música que les sale, ahondan en la cadencia machacona: Nate Smith a través de un trazado rítmico nervioso, resoluto e inconstante; Craig Taborn y Adam Rogers merced a sonidos misteriosos, cargados de aromas extraterrestres.

Llevan poco más de un minuto en marcha cuando la tensión acumulada se desborda en forma de contundencia sónica y refuerzos escritos: el tema prosigue su caminar tremebundo hollando nuevas frases, sin abandonar su cansino desarrollo. Hacia el minuto dos Potter hace un intento de desprenderse del poderoso yugo rítmico de sus muchachos: naufraga pero le ha dado tiempo a lanzar un mensaje que servidor capta en el acto: amigo, vas a flipar con mi último disco. Mientras, Taborn culebrea por los bajos fondos en plan insidioso, pringándolo todo de esencias que nunca soñamos percibir en este contexto, y Rogers hinca sin piedad las potentes texturas rítmicas de Smith al terrizo polvoriento que nos sostiene. Prudente, Potter prefiere arrancar su improvisación en aguas un poco más calmas; prosigue Taborn con su cansino caminar pero Rogers abandona el martillo y se dedica a lanzar hermosas marcianadas al aire. La batería, libre por ahora, se vuelve un poco más aérea. El solo de Potter transcurre arrastrado, muy melódico pese al abrasivo sustrato, causa maravilla el momento en el que el grupo cambia la textura rítmica para dejarse invadir por el rock y deslumbra cuando retoma la trituradora, a la que Potter se suma gozoso y no os cuento cómo me sumo yo. Taborn es breve en su improvisación pero deja bien clarito lo que ya sabíamos: que no es de este planeta y que eso no importa a la hora de espanzurrarnos con sus evoluciones a los teclados.

Así transcurre el primer corte de una grabación monstruosa. He hecho trampa: no escribo a la primera escucha como el pasmo con que la describo puede dar a entender. Ya sé de sobra que en este rato, con el lápiz en la mano y Ultrahang inundando con sus sonidos el salón, voy a flipar como he flipado ya antes. Si no no estaría escribiendo este mamotreto.

Facing East. Aires orientales desde la melodía y desde los toques de los teclados. Rogers construye una improvisación preciosa desde un estado de gran relax, el tío sabe ir implementando la tensión desde sus cuerdas paso a paso, sin ninguna prisa. Justo cuando entra Potter con su clarinete bajo Rogers hace una frase maravillosa, de esas que sabe él sacarse de la chistera de vez en cuando. Potter hace una improvisación en plan Taborn: marciana total, me deja estupefacto este solo, menos mal que lo paso tan bien escuchándolo que no me da tiempo a quedarme embobado con él. Cuando termina Potter el grupo ya ha encontrado un groove fabuloso que sostiene para nuestro disfrute: uno de mis momentos favoritos del disco. Que Potter aprovecha para hacer otra improvisación, esta vez al tenor, sobre ese Groove estático: un monstruo este tipo. Confieso que la primera vez que escuché el tema, al principio pensé “no me va a gustar”… me troncho de acordarme.

Rumples. Veloz tema, los músicos se entregan a vertiginosos e impecables unísonos. El ritmo es muy estable, Smith lo menea constantemente pero el trasfondo es pétreo, Smith está en Ultrahang menos pirotécnico que en otras ocasiones, más ajustado; sigue sorprendiendo porque no para quieto ni un momento pero es evidente que cada vez tiene más claro como objetivo tratar de aportar ante todo música, y no meramente golpes. Rogers y Potter hacen improvisaciones que no se ceban en las posibilidades nerviosas del tema, consiguen que este corte veloz y largo (7 minutos) se haga corto y provechoso.

It Ain’t Me, Babe. El precioso sonido del grupo se luce en esta composición de Bob Dylan. Medio tiempo reposado, consiguen que la reproducción de la melodía original no solo no suene a pegote sino que transmita. Taborn no se va por los cerros de Úbeda en su improvisación, hace unas pocas líneas que dejan bien clara su capacidad melódica, lástima que no tenga más minutos en la grabación. Potter, también sin salirse de madre, es capaz de inyectar buenas dosis de urgencia en su solo, otra colección de hermosas líneas: asombra la facilidad con que llena de profundidad, de volumen, lo que toca. Mientras, Rogers lo empapa todo tras él con ese sonido líquido y eléctrico.

Time’s Arrow. Tras unos segundos de tanteo el tema se acelera y cobra una sorprendente energía. Hay buenas dosis de arreglos aquí, es un tema abigarrado, con multitud de giros y secciones, aunque un poderoso riff sostenido por la guitarra y los teclados vuelve periódicamente. Potter improvisa más libre que en otros cortes, se nota cómodo, sus líneas tienen un sentido asombrosamente fuerte, culebrea arriba y abajo sin dejar de menear la tensión de un lado a otro. Taborn en cambio no me llega tanto esta vez, lo encuentro un poco divagante y sin rumbo pese a tres o cuatro frases que me recuerdan que con él es mejor no despistarse, que sigue estando ahí.

Small Wonder. Es un poco como Ultrahang pero con el ritmo menos destructivo: frases descriptivas permiten a los chicos encajarse en el ritmazo con comodidad mientras dejan buena muestra de los preciosos sonidos que poseen. En seguida van llegando nuevos segmentos compositivos que enriquecen el tema. Potter, embustero él, hace como que su improvisación es tranquilita: en realidad nos está atizando alto voltaje, aprovechando como un diablo la fabulosa melodía principal de la composición. El juego de Rogers es otro: sinuoso, líquido, extravagante, con un feelin’ que alucinas… Me enloquece este tema ya sobre el papel, pero es que luego ellos se lo llevan a las estrellas.

Boots. Me pregunto a dónde les llevarán estos temas en directo, aquí se nota que entre los cuatro se lían y se lían y hay ratos de fantástica improvisación colectiva, pero se nota también que no quieren irse de varetas, que tienen muchos temas que grabar y que esos temas son lo bastante alucinantes como para demandar nuestra atención absoluta. Taborn, puñetero, parece que no hace nada pero no veas cómo menea el asunto desde la base; Smith lo mismo, no hace fuegos artificiales pero tampoco para quieto. Y Potter y Rogers se embarcan en viajes sin billete de vuelta, aunque luego saben largar anclas y quedarse (y dejarnos) con ganas de más. No es mal trato. En resumen: Boots es otro trallazo deslumbrante.

Interstellar Signals. Bonito tema que tras ser expuesto se disuelve en un éter de ruidos muy bonitos, los Underground se enzarzan en un diálogo abierto a cuatro bandas que eventualmente desemboca en una bonita sección con acordes extraños y atractivos y… sí, muy interestelares. Curioso y muy atractivo final para este monumento.

Joder, qué discazo.

Reseña de Ricardo Arribas para http://www.jazzitis.com/web/content/ultrahang

Track Listing – Ultrahang

1. Ultrahang (6:46)
2. Facing East (9:58)
3. Rumples (7:14)
4. It Ain’t Me Babe (5:18)
5. Time’s Arrow (9:12)
6. Small Wonder (7:27)
7. Boots (10:00)
8. Interstellar Signals (6:30)

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone, bass clarinet
Adam Rogers: guitar
Craig Taborn: Fender Rhodes
Nate Smith: drums

tapa The Sirens
The Sirens (2013)

Chris Potter es sin duda una de las voces más originales en el panorama de la música del presente siglo. Con 42 años ha tenido ocasión de picar en flores de muy diferente sabor pero sobre todo ha desarrollado una labor como líder de un gran calado. Como instrumentista de saxo tenor me recuerda mucho a Michael Brecker en su desconcertante desenvoltura pero con un sonido más pleno y cálido. Con el soprano es soportable, que no es poco decir. Sus composiciones son originales y elegantes, no exentas de una cierta contundencia: es decir, reúne todos los requisitos para dejar huella en nuestra memoria.

En ésta su primera grabación como líder para ECM se hace acompañar por una rítmica que interviene en el proceso de una manera decisiva haciendo que su aportación sea fundamental. Taborn, pianista que no se prodiga en exceso, aporta los elementos necesarios para que esa rítmica esté perfectamente acorde con la voz solista. En cierta manera este cuarteto, quinteto puntualmente con la aportación del pianista cubano Virelles, alcanza en The Sirens un cierto grado de perfección colectiva que está por encima de las aportaciones individuales y esto es, sin duda, sinónimo de resultados brillantes.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2671:chris-potter&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – The Sirens

1. Wine Dark Sea (8:47)
2. Wayfinder (6:49)
3. Dawn (With Her Rosy Fingers) (7:23)
4. The Sirens (8:38)
5. Penelope (7:14)
6. Kalypso (8:24)
7. Nausikaa (5:40)
8. Stranger At The Gate (8:12)
9. The Shades (2:11)

Recorded September 2011 Avatar Studios, New York

Artist List

Chris Potter: tenor saxophone, bass clarinet
Graig Taborn: piano, keyboards
David Virelles: piano, keyboards
Larry Grenadier: bass
Eric Harland: drums

Apunte: Para la edad que tiene, Chris Potter tiene una extensa discografía como líder y ha participado como sideman en innumerables discos. Hemos disfrutado de algunas de sus obras personales y otras tantas acompañando a grandes músicos (viene a mi memoria su fundamental participación en el disco “Pat Metheny Unity Band”). Underground, Ultrahang y The Sirens son tres excelentes discos, que a mi entender, figuran entre los cuatro o cinco mejores de toda su discografía a la fecha. Underground y Ultrahang comparten un determinado tipo de sonido, cercano al funk y a la fusión, y además la misma base rítmica: Nate Smith en batería, que fue compañero de Potter cuando coincidieron en bandas de Dave Holland, y el increíble Craig Taborn en teclados, haciéndose cargo de la tarea del bajista ausente. Los guitarristas Wayne Krantz y Adam Rogers completan estos cuartetos desbordantes de talento y energía. The Sirens, el reciente debut de Potter en ECM, es un disco conceptual y como corresponde a toda obra de ECM, más reflexivo y levemente ambiental, pero con un igualmente brillante Potter tanto en el tenor como en el clarinete bajo. Tres dis-ca-zos con temas que seguramente quedaran en vuestra memoria luego de escucharlos.

Reportaje a Chris Potter en Tomajazz: http://www.tomajazz.com/perfiles/chris_potter_entrevista.htm

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Aldo Romano, Paolo Fresu, Franco D’Andrea & Furio Di Castri
agosto 23, 2014, 10:20 pm
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tapa Ritual
Ritual (1988)

Ritual de Aldo Romano tiene tanto una conexión italiana como una conexión francesa -francesa porque este CD post-bop fue registrado en París por una empresa francesa (Owl Records), e italiana porque todos los músicos son italianos (incluyendo al baterista Romano, el trompetista Paolo Fresu, el pianista Franco D’Andrea, y el bajista Furio Di Castri). Si una persona sólo pudiera tener una de las grabaciones de Romano en Owl Records, “To Be Ornette to Be” sería la opción lógica, ya que el excelnte tributo a Ornette Coleman es lo mejor que él ha grabado para Owl. Pero Ritual no es malo. Aunque no tan esencial como “To Be Ornette to Be”, esto es una decente excursión post-bop que encuentra a Romano desarrollando exclusivamente sus propias composiciones. El baterista no abraza ningún caballito de batalla del Tin Pan Alley; cada tema en Ritual es un original de Romano. Fresu añade toques de teclados eléctricos en alguna parte del material, pero en general, Ritual tiene una perspectiva acústica-orientada -y al fin y al cabo, esto es esencialmente una propuesta straight-ahead (a diferencia de la fusión). Aunque Romano sea capaz de tocar fuera/vanguardia, su cuarteto se atiene bastante a la improvisación interior en Ritual. Un poco de la escritura trae a la mente a Wayne Shorter, y algunas cosas recuerdan a las grabaciones post-bop de Miles Davis de principios a mediados de los `60. La manera de tocar de Fresu, en efecto, tiene una fuerte influencia de Davis (con algún reconocimiento de Chet Baker también). Fresu es consciente de Davis si está en la trompeta o en el flugelhorn; él obviamente admira el uso de Davis de la sutileza y la restricción. Nuevamente, Ritual no alcanza a ser esencial, pero es un decente esfuerzo que los admiradores incondicionales de Romano apreciarán.

Fuente para la reseña: http://www.artistdirect.com/nad/store/artist/album/0,,156232,00.html

Track Listing – Ritual

1. Magic of Tomo (7:00)
2. Woman’s Touch (7:40)
3. Ritual (8:40)
4. 9th (4:38)
5. Fragments (4:43)
6. Absence (6:53)
7. Fernando (7:18)
8. Anny’s Lullaby (4:47)

Artist List

Furio Di Castri: bass
Paolo Fresu: synthesizer, flugelhorn, trumpet, keyboards
Aldo Romano: drums
Franco D’Andrea: piano

tapa Dreams & Waters
Dreams & Waters (1991)

Track Listing – Dreams & Waters

01. Link (5:21)
02. A Joao (5:08)
03. Softly (6:29)
04. Dreams & Waters (8:39)
05. Fang Dance (4:32)
06. In A Silent Valley (7:07)
07. Palazzina Americana (5:44)
08. Dancing March (2:35)
09. Garibaldi (3:27)
10. Dance With Me (9:02)
11. El Fanguito (3:12)

Artist List

Aldo Romano: drums
Paolo Fresu: trumpet
Franco D’Andrea: piano
Furio Di Castri: bass

tapa Canzoni
Canzoni (1992)

Después de pasar por las más diversas experiencias musicales: el free como miembro del quinteto de Don Cherry, el jazz-rock con el violinista Jean-Luc Ponty, la carrera de Aldo Romano se ha caracterizado en los últimos tiempos por lo que podríamos llamar un mayor énfasis en la melodía.

El ejemplo más patente es esta sorprendente grabación japonesa, registrada hace 5 años, en la que afronta con valentía el riesgo de partir de un inusual repertorio compuesto por temas populares italianos, con el feliz resultado de un disco de jazz absolutamente ortodoxo cuya escucha es una auténtica delicia.

Excelente labor del veterano pianista Franco D’Andrea y sobre todo del joven trompetista Paolo Fresu, protagonista principal del álbum, cuyo estilo de influencias claramente davisianas (que aquí incluso podría recordar el delicado sonido de Chet Baker) confiere una singular belleza a este repaso del cancionero de su país, confirmando que se trata de uno de los músicos más interesantes del panorama europeo.

Reseña de Cayetano López para http://www.tomajazz.com/jazzred/aldoromano.htm

Track Listing – Canzoni

01. T’ho Voluto Bene (4:39)
02. Roma Non Fare La Stupida Stasera (5:24)
03. Munasterio A Santa Chiarer (4:49)
04. Sapore Di Sale (6:58)
05. Torna A Surriente (5:56)
06. O Sole Mio (6:15)
07. Anima E Core (5:22)
08. Reginella (5:27)
09. Come Prima (9:38)
10. Senza Fine (4:44)

Artist List

Aldo Romano: drums
Franco D’Andrea: piano
Paolo Fresu: trumpet
Furio Di Castri: bass

Apunte: Ritual, Dreams & Waters y Canzoni completan junto a “To Be Ornette to Be” y “Non Dimenticar” la discografía de este muy querible cuarteto italiano liderado por el gran Aldo Romano. Música sin estridencias, que no revoluciona nada, pero que masajea el alma y que, además, cuenta con varios momentos de sublime belleza. Un rescate emotivo dedicado especialmente a los seguidores de Romano y Fresu que visitan este blog.

Password en todos los casos: presoventanilla



Pierrick Pédron

tapa Cheerleaders
Cheerleaders (2011)

Un álbum conceptual de jazz rock progresivo que Pédron se atreve a etiquetar entre el “post–bop” y el “proto–pop”. Un disco que te dejará un muy buen sabor de boca si además del jazz en todas sus facetas tambien te gustan King Crimson o Pink Floyd y por qué no, el rock más aventurero.

Cheerleaders no es solo jazz ni rock al uso, es la voluntad de un saxofonista que lleva muchos años intentando reafirmar su originalidad y la verdad que con esta grabación lo consigue.

Es un disco con principio, desarrollo y final; y con una producción a la altura de los mejores ejemplos de los anteriormente mencionados Pink Floyd o King Crimsom. La fuerza salvaje del rock más puro no lo acogota todo y siempre quedan parcelas para el jazzman, con las bellas incursiones del propio Pédron al saxo o el lírico piano de Lauren Coq. Tambien tienen su sitio los amantes del rock de Mars Volta, Neil Young o Radiohead. De verdad que todo esto y más tiene cabida en este cedé repleto de buena musica.

A Pierrick Pédron no le asustan las aventuras ni la exploración de formas de expresión nuevas, asi en esta grabación te encuentras un sexteto de musicos franceses de altura combinado con una fanfarre de diez y siete instrumentos y un coro de seis voces dispuestos a todo.

Encontraras psicodélica, lirismo, sofisticación y fuerza a partes iguales.

Recomendable la carrera de Pierrick Pédron e imprescindible este Cheerleaders, de lo mejor del pasado 2011 y por que no del 2012.

Reseña I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2012/01/pierrick-pedron-y-el-jazz-rock-progresivo-en-cheerleaders/

Apunte: Lo que insinuara Pédron en “Omry” (2009), lo confirma en este excelente Cheerleaders. Apostando fuerte, Pédron amalgama coherentemente rock progresivo con jazz, dando como resultado una música poderosa, convincente y atractiva. Muy recomendable!

Track listing

1. Esox-Lucius (Pédron, Pierrick) (6:22)
2. The Cloud (Pédron, Pierrick) (6:40)
3. Miss Falk’s Dog (Mancini / Pédron / Coq) (4:15)
4. The Mists Of Time (De Pauw) (3:21)
5. Nonagon’s Dance (Pédron / Coq) (4:12)
6. 2010 White Boots (Pédron, Pierrick) (7:13)
7. The Cheerleaders NDE (Artaud, Vincent) (6:17)
8. Coupe 3 (Pédron, Pierrick) (6:27)
9. Toshiko (Coq, Laurent) (6:10)

Artist List

Pierrick Pédron: alto saxophone
Chris De Pauw: guitar
Laurent Coq: piano, Fender Rhodes, keyboards
Vincent Artaud: bass
Franck Agulhon: drums
Fabrice Moreau: drums
Camille de Bruyne: vocals
Monique Harcum: vocals
Nina Babet: vocals
Marie Ange Teuwen: vocals
Nathalie Paques: vocals
Jean Francois Durez: percussion
Nathalie Gantiez: percussion
Gaspa: percussion
Ludovic Bource: Farfisa organ (1)
Elise Caron: vocals (1)

Brass Band:
Sylvaine Leroux: flute
Eric du Fay: horns
Etienne Godet: horns
Mathilde Fèvre: horns
Nicolas Dromer: horns
Guy Evra: horns
Lionel Segui: trombone
Christophe Gonnet: trombone
Bastien Still: tuba
Raphael Goutière: helicon
Thierry Gervais: trumpet
Patrick Areto: trumpet
Nicolas Gardel: trumpet

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