Preso ventanilla


Andreas Heuser
noviembre 12, 2014, 12:04 am
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tapa Northern Plains
Northern Plains (2005)

Andreas Heuser es un viajero entre diferentes mundos musicales. Mientras construye los diversos fondos musicales, él crea una frontera que desafía a la mixtura con su trabajo solista en la guitarra y lleva al oyente en un viaje musical a territorios desconocidos. „Guitarrista que explota todos los géneros“ (WAZ Dortmund)
Autodidacta, entrenado en guitarra clásica y de jazz, años de prácticas involucrados con música no europea (principalmente música de medio oriente), fueron las etapas de su desarrollo musical que influyeron en su técnica, así como en sus composiciones. Es un compositor único, un músico hábil e improvisador que utiliza un amplio espectro de técnicas y expresiones.
El rango de instrumentos que utiliza es impresionante: guitarras clásicas de 6 y 10 cuerdas, guitarra de 8 cuerdas de acero, requinto, glissentar, guitarra eléctrica y violín eléctrico. El rango adicional de las guitarras de 8 y 10 cuerdas, y el tono alto del requinto, abren el habitual sonido de la guitarra lo que le permite ampliar sus posibilidades técnicas y composición.
Con su variada y brillante técnica, él funde elementos de fuentes clásicas, jazzísticas, orientales y latinoamericanas en algunas composiciones únicas: rítmicamente atrapantes, líricamente meditativas; realzadas por apasionantes improvisaciones. Las características de sus actuaciones en vivo son la excelente calidad de sonido y el hábil uso de la electrónica que le permiten presentar una variedad sonora, desde la suave caricia a las cuerdas a las erupciones percusivas. Su dúo con Kazim Calisgan y sus ensambles tocando con Transorient Express, Nefes in Motion y Violet Quartet amplían aún más su estilo.

Fuente para la reseña: http://www.andreasheuser.com/andreas_e.html

Apunte: Hace un par de años atrás llegó a mis oídos Northern Plains, del guitarrista Andreas Heuser y disfruté durante un buen período de tiempo de su audición. En ese momento encontré reseñas en alemán de este disco y no logré conseguir quien me las tradujera. Pasaron los días de la vida, y se fue quedando relegado, pero no fue quitado de la carpeta “Borradores”. Haciendo back-up de la PC lo encontré hoy, me puse a escucharlo y ratifiqué lo que sentí en ese momento. Northern Plains es un GRAN disco. Apenas acompañado por puntuales y estratégicas intervenciones de tres artistas invitados, Heuser exprime el jugo a sus composiciones, influenciadas tanto por la world music como por elementos de la música clàsica, optimizando el uso de las posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos que ejecuta. Todo esto sin dejar de lado la sensibilidad a la hora de transmitir vida en su música. Heuser vive en Dortmund, Alemania y actúa regularmente en el club de jazz y música contemporánea “domicil”, llevando a cabo encuentros musicales de world music con artistas de diferentes latitudes o tocando con la banda Transorient Express o Andreas Heuser-Jan Bierther Quartett. Ah! me olvidaba: la versión de “Beautiful Love” es una de las más bonitas que he escuchado. Saludos!

Track Listing

01. Presto Pressante (3:09)
02. Arrival At Eight (4:49)
03. Blue (4:29)
04. Karadeniz (5:32)
05. Your Song / Beautiful Love (3:33)
06. Lea (5:40)
07. Duolog (4:27)
08. Triple Talk (5:16)
09. Prelude Oriental (2:17)
10. Northern Plains (4:24)
11. Nautilus (3:41)

All compositions by Andreas Heuser, except: Beautiful Love (King/van Alystine/Young/Gillespie) and Karadeniz (trad./arr.: Andreas Heuser)

Artist List

Andreas Heuser: 10-string and 6-string classical guitars , 8-string steelstring guitar, requinto, octave guitar, kalimba, percussion
Guest musicians:
Raul SenGupta: tabla (tracks 2/4/6/8/10)
Ertugrul Coruk: tenor and soprano saxophone (tracks 6/10/11)
Christian Kappe: flugelhorn (track 2)

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Enrico Pieranunzi with Scott Colley and Antonio Sánchez
noviembre 9, 2014, 10:51 am
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tapa Permutation

Permutation (2012)

Muchos músicos de jazz se reinventan continuamente, y crean retos para sus fans. Piense en Miles Davis. Cada vez él creó un nuevo estilo que construyó una nueva base de fans. Y cada vez que él siguió hacia adelante, ellos se sintieron abandonados.

Enrico Pieranunzi tiene un nuevo trío con el contrabajista de clase mundial, Scott Colley, y el más talentoso baterista de jazz de su generación, Antonio Sánchez. Basado en el nuevo álbum de la banda, Permutation, es instantáneamente uno de los más fuertes trios de jazz. Pero aquellos de nosotros que amamos el anterior trío de Pieranunzi ahora nos afligimos de su ida.

En la primera década del nuevo milenio, Pieranunzi, el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron hicieron una serie de mágicos álbumes para CAM Jazz. Ellos eran dotados a la hora de elegir y reinterpretar un gran repertorio, especialmente baladas. La creativa agresión de Colley y Sánchez empujan a Pieranunzi en una dirección diferente.

Su nuevo trío es mucho menos amable y apacible. Es más duro y más rápido que su predecesor, y toca originales de Pieranunzi exclusivamente. Algunos comienzan de manera simple pero se complejizan rápidamente, con motivos que se cruzan (“The Point at Issue”) y temas que barren y se repiten como olas que se estrellan (“Critical Path”). La pista del título comienza con un vamp bass, bloques de melodía de piano y vastos detalles de significativa energía percusiva de Sánchez. Entonces esto se acelera y se transforma. Estos tres músicos tienen reflejos relampagueantes. Ellos inspiran e incitan el uno al otro.

Hay dos absortas, intensas baladas, “Distance From Departure” y “Within the House of Night”. Están profundamente en contacto con el dominio del antepasado espiritual de Pieranunzi, Bill Evans. Como Evans, Pieranunzi revela la emoción humana previamente oculta en la penumbra de las armonías y desentraña líneas que repentinamente se convierten en lirismo penetrante. Pero este nuevo trío en su mayoría elige virtuosismo y potencia de fuego, por sobre la poesía. Sin duda lo echaremos de menos cuando Pieranunzi siga hacia adelante.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para http://jazztimes.com/articles/30429-permutation-enrico-pieranunzi

Track Listing – Permutation

01. Strangest consequences (5:33)
02. Critical Path (6:37)
03. Permutation (5:40)
04. Distance from departure (6:46)
05. Horizontes finales (5:16)
06. Every smile of yours (4:56)
07. Within the house of night (5:04)
08. The point at issue (5:54)
09. A different breath (4:44)

tapa Stories

Stories (2014)

Que Enrico Pieranunzi es uno de los mejores pianistas del jazz actual, no es necesario recordarlo. Que varios de su mejores momentos musicales los dio en el formato de trío, quizá sí, en especial porque tras sus colaboraciones con Charlie Haden y Paul Motian o, sobre todo, con Marc Johnson y Joey Baron, parecía haber llegado a esa suerte de serena perfección en la que sólo queda explorar lo que ofrece el final del camino. Hay otras formas de perfección, sin embargo, entre ellas la que se alcanza a fuerza de tomar desvíos aun cuando la meta esté a la vista, o precisamente por ello. Y eso es lo que ha hecho el pianista romano con su nuevo trío, cuyo primero disco, Permutation (CamJazz, 2012 con nueve composiciones del propio Pieranunzi) deparó no pocas sorpresas a sus seguidores. La razón de las mismas, a tenor de los comentarios de muchos críticos, parece concentrarse, según Thomas Conrad, en la siguiente fórmula: -serenidad + energía. Pero no sólo energía, añadamos, sino también ritmo, pasión, experimentación. Y si bien con sus anteriores tríos estos elementos no estuvieron ni mucho menos ausentes, lo cierto es que Colley y, sobre todo, Sánchez aportan un plus de vigor y hasta vehemencia.

El tema con que se abre el disco, “No Improper Use”, suena, en este sentido, como una declaración de intenciones, retomando “los motivos percusivos y las variaciones rítmicas” que, para emplear conceptos de Michael Bayley, definían a priori el sonido del trío. Angularidad voluntariamente irregular, ecos de un pianismo clásico, inesperados cambios de ritmo introducidos por Sánchez; en suma, nervio y aristas. Nervio y aristas que continúan en los ecos latinos (sin pizca de gratuidad) de “Detrás más allá” y en el maravilloso “Blue Waltz”, rapsódico, con ecos operísticos en un desusado ritmo de 6/8, un Pieranunzi ágil y evocador, un Colley agudo y poético y un Sánchez que sostiene el complejo entramado con una serenidad pasmosa. No es ésta la primera versión de “Blue Waltz” (curiosamente, las tres que ahora mismo tengo a mano fueron grabadas en directo, con Paul Motian y Steve Swallow en Nueva York, Terje Gewell y Anders Kjellberg en Oslo y Rosario Giuliani en Amsterdam), pero sin duda se trata de la mejor. Por fin, tras la pausa que supone la calma clásica de “The Slow Gene” (el único de las nueve composiciones que conforman el disco que no pertenece al pianista sino a Colley), llega el tema más hirviente del disco, “Wich Way Is Up”, donde el laboratorio sonoro a que aspira Pieranunzi que se convierta su trío, pisa el acelerador en un dinámico ejercicio de improvisación que no desecha ninguno de los elementos que surgen en el camino, de la improvisación libre a la música contemporánea, con un jefe de filas que en menos de cuatro minutos propone al oyente cuatro o cinco caminos distintos para finalmente, con todos ellos, trazar uno solo. Vibrante.  Lo que viene después es como si, al alcanzar la cima y descender por la suave ladera que suponen los líricos, callados, misteriosos y hasta un punto pudorosos tres temas finales, casi encadenados, como si el trío quisiera demostrar, lo que consigue con creces, que también sabe recorrer caminos menos abruptos y fragorosos sin perder un ápice de personalidad. No cabe sino esperar con impaciencia el siguiente paso del maestro Pieranunzi.

Reseña de Jonio González para http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3084:enrico-pieranunzi&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Stories

01. No Improper Use (4:10)
02. Detras Mas Alla (8:6)
03. Blue Waltz (7:33)
04. The Slow Gene (5:16)
05. Which Way Is Up (3:55)
06. Where Stories Are… (8:11)
07. Flowering Stones… (7:24)
08. The Real You (5:16)

Recorded February 22-23, 2011 at Avatar Studio NY

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
Scott Colley: bass
Antonio Sanchez: drums

Apunte: Con su nuevo “trio americano” el maestro Pieranunzi se reinventa de manera sorprendente gracias a la energía de sus compañeros, en especial del brillante Antonio Sánchez que viene en la cresta de una ola creativa desde hace por lo menos cinco años, levantando el nivel de cuanto disco participa. Sabemos de la influencia de Bill Evans en la música de Pieranunzi (hay piezas evansianas en ambos discos), pero en estas dos excelentes grabaciones la riqueza primero está en las composiciones todas originales de Pieranunzi, a mi entender pensadas para estos dos compañeros de equipo (fundamentalmente en Stories), y luego justamente en el entramado sonoro que logran, pleno de giros, detalles y dinamismo. Les aseguro que cada escucha atenta, genera un mayor entusiasmo. Altamente recomendables!

Password en ambos casos: presoventanilla



Edward Simon

tapa Venezuelan Suite
Venezuelan Suite (2014)

Venezuelan Suite es la carta de amor del pianista Edward Simon a su patria, pero no es solo esto; es la perfecta confluencia de ideales venezolanos, la lengua del jazz y la sofisticación camarística. Brevemente, esto es una obra maestra.

Si bien cada país tiene sus adherentes musicales a los círculos del jazz americano, algunos son dolorosamente subrepresentados. Es por eso que es tan importante y vital cuando alguien como el saxofonista Miguel Zenón llega y salva la brecha entre el jazz y la música de Puerto Rico, o el pianista Danilo Pérez encuentra y/o crea un nexo entre el jazz y la música de Panamá. Estos hombres están, de algún modo, justamente explorando sus respectivos amores musicales e introduciéndolos el uno al otro, pero en este proceso ellos se han hecho visionarios; Simon ahora se une a sus filas.

El magnífico y único equipo de diez piezas que pinta la visión de Simon sobre Venezuela, es realmente uno de los mejores en su tipo. ¿Cuánta gente, después de todo, combina flauta, clarinete bajo, saxofón tenor, percusión, arpa, cuatro, piano, bajo y batería? Probablemente pocos a ninguno. Pero no es solamente el maquillaje instrumental del Ensamble Venezuela lo que hace de esta una reunión maravillosa; son las personalidades. El flautista Marco Granados aporta refinamiento y gracia en el procedimiento, el arpista Edmar Castañeda y el cuatrista Jorge Glem añaden la sensación de movimiento a la música, y Mark Turner deslumbra con sus misteriosas y poderosas líneas en el tenor. Todos los participantes básicamente traen algo especial e importante a la mesa.

Cada movimiento de esta suite de cuatro partes, nombra a una ciudad diferente, y ofrece una mirada dentro del arte, la cultura y la historia de Venezuela. “Barinas” toma prestado del joropo, una dinámica danza que se transformó en el baile nacional de Venezuela a finales de los años 1800; “Caracas” se inclina en el merengue con una fundación de métrica impar; el planeo lento de “Merida” toma su nombre de una preciosa ciudad en la Cordillera de Los Andes; y “Maracaibo” representa a una ciudad en el noroeste de Venezuela y la gaita, un tipo de la música asociada con la región y, más expresamente, con el tiempo de Navidad. Todo esto ayuda a presentar una vista panorámica de la cultura musical venezolana de un nuevo modo.

Mientras la suite es el foco de este demasiado breve álbum, Simon agrega un standard venezolano (“El Diablo Suelto”) para finalizar este asunto. El propio espacio solista del pianista y el conmovedor revuelo de Turner terminan por ser los rasgos salientes de esta interpretación, pero la sección de ritmo merece el crédito por espolearlos.

Este álbum cronometra en menos de treinta y ocho minuto, pero es todo el tiempo que Simon necesita para amarrar y refractar estos elementos culturales de la música venezolana.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/venezuelan-suite-edward-simon-sunnyside-records-review-by-dan-bilawsky.php?width=1024

Apunte: Buscando reseñas de este disco me encontré con dos bien antagónicas: esta muy elogiosa de Bilawsky y otra de Michael J. West que defenestra al álbum tratándolo así: “Venezuelan Suite es banalidad, pero del más alto orden” (http://jazztimes.com/articles/117577-venezuelan-suite-edward-simon). Fans como somos del pianista no podemos pasar por alto la escucha de esta obra, y de paso, a modo de juego, dilucidar de cual de los críticos estamos más cerca. En mi caso, sin dudas estoy del lado de Bilawsky. I’m sorry, West…

Track Listing

1. Barinas (9:11)
2. Caracas (6:27)
3. Mérida (6:59)
4. Maracaibo (5:43)
5. El Diablo Suelto (9:27)

Artist List

Edward Simon: piano
Roberto Koch: bass
Adam Cruz: drums
Mark Turner: tenor sax
Marco Granados: flutes
Jorge Glem: cuatro
Leonardo Granados: maracas
Luis Quintero: percussion (1, 2, 4)
John Ellis: bass clarinet (1, 2, 3, 4)
Edmar Castañeda: harp (1)

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Geoffrey Keezer

tapa Áurea
Áurea (2008)

Geoffrey Keezer es un pianista de inmensa capacidad técnica. Como músico y compositor es capaz de expresarse en diferentes idiomas y configuraciones. En Áurea, por ejemplo, él hace una notable incursión en el ámbito de música afroperuana. Y emerge de esta colorida expedición con un alto grado de excelencia, que uno se pregunta por qué más practicantes de jazz en el piano, que lo usan como principal instrumento rítmico de ensambles modernos, no han hecho antes el viaje al siempre atractivo reino musical de afro-américa latina. Ahora, parece que muchos músicos -especialmente los artistas establecidos en New York- tocando el lenguaje del jazz parecen enamorarse perdidamente de la música de América Latina, especialmente de Colombia y Perú.

No hay duda que, de la música de este registro, se desprende que Keezer no sólo se ha impregnado con casi cada aspecto de los idiomas afro-peruanos y de las expresiones rítmicas, sino que también lo ha hecho propio, surgiendo aquí con una encarnación musical prácticamente original. Tanto es así que es prácticamente imposible decir “Cayendo Para Arriba” y (especialmente) “Una Bruja Buena” y “Leucadia”, de decir “La Flor Azul” y “La Nostalgiosa”. Pero más que el carácter, Keezer también puede haber estirado hasta más lejos las texturas de una cultura rítmica muy elástica. “Miraflores” con sus capas de ritmos afro peruanos (de oscuros-a-luz), bajo las improvisaciones de piano de Keezer, es un clásico rotundo. Lo que esto sugiere es que, al menos en términos gráficos, ciertamente se puede agregar a Keezer al catálogo contemporáneo. Él es, sin duda, exitoso en este esfuerzo en una medida no menor, debido a la presencia de su cohorte musical. En primer lugar, el percusionista peruano, Hugo Alcázar trae una salvaje, pero sofisticada lectura de ambos, tanto de Keezer, como los standards latinos y canciones tradicionales. Jon Wilkan es el otro percusionista y cuando están juntos, trabajan en una dinámica tormenta. Son también de destacar los exquisitos solos de Ron Blake (“La Nostalgiosa”), y también Steve Wilson, especialmente en “Araña Amarilla”. Y luego está la majestuosa lectura de todos las partes de bajo de Essiet Okun Essiet y el elegante estilo a la guitarra acústica de Peter Sprague. Sin embargo, por mucho, la estrella revelada de esta grabación puede ser la cantante Sofía Rei Koutsovitis, que trae una calidad cruda y primal a las lecturas desgarradoras de las partes vocales, y es sobre todo memorable en “Una Bruja Buena”, “La Flor Azul” y “La Nostalgiosa”, donde ella evoca el espíritu del corazón de Perú. La tristeza elemental de “Vidala de Lucho” es memorable gracias a la lectura de la vocalista del emocional fraseo de la canción. Desde luego, Keezer pone el “mood” con una introducción espectacular a la canción.

En Áurea, Geoffrey Keezer ha creado un registro de inolvidable gracia y poder. Y el artista nos dice que también ha hecho un compromiso extra-artístico con el pueblo de Perú. Al utilizar ArtistShare, Keezer se ha comprometido a hacer una contribución a los proyectos de la sociedad de ese país para aliviar algunos de sus problemas económicos. En este sentido, él ha abierto un nuevo camino en el compromiso en favor de los artistas cuyas tradiciones comparte aquí en este registro.

Fuente para la reseña: Raul da Gama para http://latinjazznet.com/2009/06/12/reviews/cds/geoffrey-keezer-aurea/

Apunte: No es habitual que la fusión entre el jazz y las músicas de raíces latinoamericanas tengan un resultado acorde a lo profundo de sus respectivos arraigos culturales; lamentablemente suele ocurrir que estos engendros sirven para mostrar cuan diestros instrumentistas son los que se meten en estos experimentos, sin dejar mucho espacio para disfrutar una mirada más profunda y respetuosa de unos sobre la herencia cultural de otros y viceversa. Felizmente, Áurea parece ser uno de los pocos y buenos ejemplos de este tipo de fusión musical liderado por un músico de origen estadounidense que no se ha propuesto como meta pisar con el jazz la visceral música de estos lares. Nunca se pierde el norte: lo importante aquí es la sencilla y profunda emoción de las canciones, arropadas por supuesto, con el virtuosismo de los músicos al servicio del todo. Áurea fue para mi una muy agradable sorpresa y sinceramente creo, les va a gustar. Saludos!

Track Listing

1. Cayendo Para Arriba (7:11)
2. Una Bruja Buena (5:24)
3. La Flor Azul (4:06)
4. Araña Amarilla (7:58)
5. Leucadia (7:07)
6. La Nostalgiosa (6:12)
7. Miraflores (6:38)
8. Vidala de Lucho (5:59)

Artist List

Geoffrey Keezer: piano, Rhodes
Steve Wilson: alto saxophone
Ron Blake: alto saxophone, flute
Phil O’Connor: bass clarinet
Sophia Rei Koutsovitis: voice
Mike Moreno: guitars
Peter Sprague: acoustic guitar
Hugo Alcázar: drums, percussion
Jon Wilkan: drums percussion
Essiet Okon Essiet: acoustic and electric bass
Susan Wulff: acoustic bass.

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Marius Neset

tapa Golden Xplosion
Golden Xplosion! (2011)

Hay muchos herederos creíbles del legado saxofonista del fallecido Michael Brecker, pero la mayoría imita el rápido virtuosismo de Brecker sin añadir mucho color de su propiedad. Marius Neset, el saxofonista noruego de 25 años que surgió en el Reino Unido el año pasado con Django Bates (su maestro y mentor en el Conservatorio de Música Rítmica de Copenhague), no sólo combina el poder de Brecker y la delicadeza tonal de Jan Garbarek, sino que tiene una visión que hace cada uno de los 11 originales en este sensacional álbum parezca indispensable, y necesariamente conectados entre sí. Los extras incluyen a un inspirado Bates en piano y sintetizadores y la formidable sección rítmica de Phronesis, el bajista Jasper Høiby y el baterista Anton Eger. La pista del título comienza con un soliloquio de saxo tenor en contrapunto que se convierte en un clamor funky cuando la banda llega; el bop vertiginoso de “City on Fire” demuestra la estrechez impresionante del grupo; el multifónico “Saxophone Intermezzo” es un himno majestuoso; y el lírico y viajero “Angel of the North” es como una banda de Pat Metheny liderada por un saxo. Con estas evidencias, Neset está en camino de ser uno de los más grandes cuadros en el circuito.

Fuente para la reseña: John Fordham para http://www.theguardian.com/music/2011/apr/21/marius-neset-golden-xplosion-review

Track Listing – Golden Xplosion!

01. Introducing: Golden Xplosion (2:00)
02. Golden Xplosion (5:26)
03. City On Fire (7:42)
04. Sane (3:47)
05. Old Poison (XL) (2:18)
06. Shame Us (6:31)
07. Saxophone Intermezzo (2:57)
08. The Real YSJ (2:42)
09. Saxophone Intermezzo II (2:22)
10. Angel Of The North (8:20)
11. Epilogue (3:26)

Artist List

Marius Neset: Saxophone
Django Bates: Piano, Keyboards
Jasper Hoiby: Bass
Anton Eger: Drums

tapa Birds
Birds (2013)

Birds es una agradable sorpresa en un panorama de novedades que desde hace tiempo resulta bastante previsible. La pieza que da título al disco es un ejercicio compositivo muy interesante en el que los diferentes climas del tema están admirablemente ligados y dan la pauta de lo que sigue a continuación. En la web del saxofonista me entero de que, además de los músicos reseñados en el encabezamiento, hay una flautista (Ingrid Neset), un tubista (Daniel Herskedal), un acordeonista (Bjarke Mogensen), dos trompetistas (Tobias Wiklund y Ronny Farsund), un trombonista (Peter Jensen) y el corno francés de Lasse Mauritzen, que en la escucha devienen fundamentales. En fin, que lo que yo tenía es el cedé de promoción, que por no tener no tenía ni la fecha de grabación.

Por Birds -formado por temas compuestos y arreglados por Neset, salvo un par de ellos en los que comparte autoría con el baterista- circulan procedimientos minimalistas, elementos repetitivos bien escriturados, arreglados, tendientes a materializar, o así lo entiendo yo, los elementos que estructuran lo que se entiende por jazz. Una concepción rítmica muy enraizada en los vaivenes de la composición acaba de dar una muy agradable sensación de frescura. Finalmente, elementos de su propia tradición musical (europea) aparecen desperdigados para crear un excitante contraste entre ambos. En cuanto a Neset, al margen de los valores antes expuestos, como solista se encuadra en una línea que no deja de recordar en ocasiones a su compatriota Jan Garbarek pero, para entendernos, a un Garbarek straight jazz. Una bella sonoridad, tanto con el soprano como con el tenor, acompaña a este joven (28 años) músico noruego al que auguro un futuro cuanto menos interesante.

Para acabar, por composiciones, arreglos e interpretación, hay que considerar este Birds como una obra a tener en cuenta. Curiosamente, un soplo de aire cálido que llega del norte.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2823:marius-neset&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Birds

01. Birds (10:52)
02. Reprise (3:26)
03. Boxing (7:00)
04. Portuguese Windmill (7:49)
05. Spring Dance (2:29)
06. Fields of Clubs (5:23)
07. The Place of Welcome (4:36)
08. Introduction to Sacred Universe (1:45)
09. Sacred Universe (8:23)
10. Math of Mars (5:02)

Artist List

Marius Neset: saxophones
Ivo Neame: piano
Jim Hart: vibes
Jasper Høiby: double bass
Anton Eger: drums

Additional musicians:
Ingrid Neset: flute, piccolo flute
Daniel Herskedal: tuba
Bjarke Mogensen: accordion
Tobias Wiklund: trumpet
Ronny Farsund: trumpet
Peter Jensen: trombone
Lasse Mauritzen: French horn

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Lion (2014)

Aire cálido del Norte. Segunda parte.
Marius Neset vuelve a esta página después de que su anterior obra, Birds, fuese calificada también con cinco estrellas. En esta ocasión Neset cambia el quinteto de entonces por la Trondhein Jazz Orchestra, formada por tres saxofonistas, dos trompetas, un trombón, una tuba, acordeón, piano, bajo y batería: doce músicos en total. Todo el repertorio y sus correspondientes arreglos son debidos al saxofonista noruego.

La música que presenta Neset en Lion, como la de Birds, su anterior trabajo, del que utiliza dos temas, está exquisitamente compuesta y arreglada, aquí con una complejidad rítmica añadida y generadora de una tensión notable por el manejo de las secciones, especialmente la de saxofones, que nos recuerda, lejanamente, a algunos de los trabajos de Don Ellis. Por encima de todo ello emerge la figura de este saxofonista solista principal, que tanto con el tenor como con el soprano compone un discurso tan elástico como directo. Con ocasión de Birds comenté como principal virtud la frescura de ideas de la temática y de la interpretación que allí se translucía. Aquí en Lion, a pesar de la complicación que representa manejar una gran orquesta, con otros solistas que se añaden a la fiesta, siguen siendo éstas las virtudes a resaltar.

Si añadimos que todo ello contiene “aquello” que decía aquel pianista que murió ahora hace cuarenta años, la cosa queda todavía más virtuosa… Pienso que es difícil mantener un nivel como el que este joven músico aporta en estas dos obras. De momento esto es lo que hay, disfrutemos de ellas.

Reseña de Vicente Ménsua para http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3016:marius-neset-trondheim-jazz-orchestra&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Lion

1. Lion (Neset) (10:19)
2. Golden Xplosion (Neset) (7:30)
3. In The Ring (Neset) (7:31)
4. Interlude (Neset) (0:54)
5. Sacred Universe (Neset) (10:10)
6. Weight Of The World (Neset) (7:56)
7. Raining (Neset) (8:16)
8. Birds (Neset) (11:29)

Artist List

Marius Neset: tenor and soprano saxophone
Hanna Paulsberg: tenor saxophone
Peter Fuglsang: alto saxophone, flute and clarinet
Eirik Hegdal: baritone and soprano saxophone
Eivind Lønning & Erik Eilertsen: trumpet
Erik Johannesen: trombone
Daniel Herskedal: tuba
Jovan Pavlovic: accordion
Espen Berg: piano
Petter Eldh: bass
Gard Nilssen: drums, percussion, a.o.
Ingrid Neset: add. flute and piccolo flute on 05 & 08

Apunte: Neset, con el ímpetu de sus menos de treinta años, su virtuosismo y su inteligencia para componer, arreglar y dirigir sus propias obras parece estar dejando una incipiente marca en la música contemporánea; al menos la calidad de estos tres primeros discos como líder así lo certifican. Un león joven con garras bien afiladas. Altamente recomendable.


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Miguel Zenón / Laurent Coq
octubre 13, 2014, 1:45 pm
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tapa Rayuela
Rayuela (2012)

Los buenos aficionados al cine y a la literatura saben que las adaptaciones cinematográficas de obras literarias comportan dificultades que van desde la casi siempre esquemática definición de personajes, pasando por el ritmo precipitado de la narración, hasta acabar, final e inevitablemente, en una simplificación de la misma. Poner música a una obra literaria quizás plantea otro tipo de problemas de muy diferente factura. La música, al contrario que el cine, es un arte que no necesariamente describe hechos. La excepción, que no siempre se cumple, puede ser la música escrita específicamente para una obra cinematográfica. Entiendo que esto es lo que han pretendido Zenón y Coq, autor éste último de varias bandas sonoras. Han transformado Rayuela en un film imaginario al que han puesto música. En ese sentido, el contenido de este cedé cumple con el cometido que ambos músicos, compositores de la totalidad de los temas, pretendían.

Quienes hemos leído Rayuela sabemos bien que es un libro que plantea al lector dificultades diversas por lo intricando de su línea argumental y sobre todo por como Cortázar la acabó expresando en sus páginas: Rayuela es, entre otras cosas, un canto al desorden organizado y creo que ello ha facilitado la labor de los músicos desde el punto de vista compositivo.

En definitiva, este disco contiene la expresión musical que a Zenón y Coq les ha sugerido la lectura de tamaña obra literaria. Mi conclusión es comprometida y algo contradictoria. Por una parte me parece excelente la música de Rayuela. Por otra, esa misma música, aunque objetivamente valiosa, no me ha interesado demasiado subjetivamente. Zenón, puro fuego, uno de los músicos con más futuro y a quien he adjudicado dos veces cinco estrellas en estas páginas -debo decirlo-, se ha dejado llevar por su ambición y talento en una imaginaria banda sonora (reconozco que es un atrevimiento por mi parte decir lo que digo a continuación) que no creo que hubiera gustado a Julio Cortázar, un aficionado al jazz de lo más recalcitrante.

Reseña de Vicente Ménsua para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2587:miguel-zenon-laurent-coq&catid=4:discos&Itemid=7

Apunte: Como bien dice la reseña de Ménsua, la música del disco Rayuela es excelente, independientemente si le hubiera gustado o no a Julio Cortázar. Puedo agregar que a mi entender se trata de una lectura musical de una obra literaria que al igual que el jazz puede tener otras cientas. Zenón y Coq inteligentemente evitaron anclarse a referencias musicales precisas y por el contrario, la inclusión de la percusión y las tablas nos desorientan en el afán de encontrar guiños a esas pertenencias musicales. Resumiendo: Rayuela es tan complejo como recomendable, pero no creo que sea (como leí por algún site) para escuchar mientras cocinamos algo; creo que se necesita prestar atención a esta obra, sobre todo para disfrutar la exhuberancia del soplido incansable del enorme Miguel Zenón.

Track Listing

01. Talita (6:24)
02. La Muerte de Rocamadour (7:31)
03. Gekrepten (7:09)
04. Buenos Aires (7:04)
05. Morelliana (5:55)
06. Oliveira (7:06)
07. Berthe Trépat (3:39)
08. Traveler (4:52)
09. La Maga (7:36)
10. El Club de la Serpiente (10:10)

Artist List

Miguel Zenón: alto saxophone
Laurent Coq: piano
Dana Leong: cello & trombone
Dan Weiss: drums, tablas & percussion

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Wayne Shorter Quartet

tapa Without a Net
Without a Net (2013)

Es, sin duda, uno de los grandes músicos de la historia del jazz. Como saxofonista fue posiblemente el único capaz de procesar la influencia de John Coltrane y, a partir de ella, crear un estilo absolutamente propio. Y, como Coltrane, generó una escuela. Además, es el autor de temas seminales: “Pinocchio”, “E.S.P”., “Nefertiti”, “Masqualero”. Wayne Shorter dejó una huella profunda, como integrante de los Jazz Messengers del baterista Art Blakey o del Quinteto de Miles Davis a partir de 1968, en sus fundantes discos como líder para el sello Blue Note, en la década de 1960 (Juju, Speak No Evil, Etcetera, por sólo nombrar algunos), como miembro de Weather Report o como colaborador, ocasional o no tanto, de Milton Nascimento, Santana, Los Rolling Stones y Joni Mitchell. Pero, además, en el año en que cumple 80 se da el lujo de publicar un disco extraordinario. No sólo un gran álbum de una leyenda, sino una obra de arte capaz de hacer justicia a su título: “Sin red”.

Without a Net se compone, mayoritariamente, por grabaciones realizadas durante la gira de 2011 por el notable cuarteto que integran, junto a Shorter, Danilo Pérez en piano, John Patitucci en contrabajo y el baterista Brian Blade. Con el mismo grupo (salvo el baterista) llegó ese mismo año a Buenos Aires y dio un concierto ejemplar. Ya había estado en 2006. Y el grupo, que se mantiene estable desde 2001, editó tres grandes discos para el sello Verve: Footsprints Live, Alegria y Beyond The Sound Barrier. Ahora, más allá del publicitado regreso a Blue Note (que, en rigor, es apenas un cambio de habitación dentro de la misma casa, ya que tanto este sello como el anterior pertenecen hoy a la misma compañía, Universal), lo realmente importante es la creatividad, el riesgo, la calidad de ejecución y la originalidad de la música.

De los nueve temas incluidos, seis son nuevos y uno solo, “Pegasus”, una suerte de poema sonoro de 23 minutos de duración que incluye al quinteto de vientos Imani Winds, fue grabado en estudio. Allí, a los siete minutos, aproximadamente, a una de las integrantes del grupo de cámara se le escapa, al escuchar a Shorter, un sonoro “Oh My God” que Roy Griffin, el ingeniero de sonido, decidió dejar. De las obras más antiguas, dos son del propio Shorter, “Orbits” (del disco Miles Smiles, de Davis) y “Plaza Real” (de Procession, de Weather Report), y son leídas desde lugares totalmente distintos de los originales. El otro tema reinventado aquí por el cuarteto es “Flying Down To Rio”, del film musical de 1933. “Pegasus” funciona como una especie de centro alrededor del cual gira el resto. Sin embargo, a pesar de las diferencias evidentes en el timbre y las texturas (más homofónicas en la escritura para el Imani), tanto en esta obra como en las piezas más breves la forma nada tiene que ver con las tradicionales improvisaciones sobre secuencias de acordes ni, tampoco, con el free jazz más institucionalizado. Se trata, más bien, de epígrafes, de pequeñas inmersiones en ríos sonoros donde cada instrumento puede entrar o salir y en los que no hay otra guía que la propia interacción de los músicos. Shorter suele recordar la época con Davis diciendo que “no ensayábamos; ¿cómo podría ensayarse lo inesperado?” Aquí demuestra que ese espíritu sigue vigente. Con certeza, ésta no es la obra de alguien que revisita su historia, sino la de alguien que, para bien de todos, aún está escribiéndola.

Reseña de Diego Fischerman para http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-28654-2003-12-14.html

Apunte: el joven músico de 80 años, Wayne Shorter, decía en el momento de la publicación de este álbum: “Antes pensaba en mí mismo como un compositor que crea su música en tiempo real; con el tiempo he pasado a considerarme un decompositor . Lo que me gusta del proceso creativo es no saber lo que va a ocurrir, el reto de ver cómo puedes llegar a un acuerdo con lo desconocido. Tenemos que aprender a existir fuera de nuestra zona de comodidad.” Sin red de contención.

Track Listing

01. Orbits (4:49)
02. Starry Night (8:48)
03. S.S. Golden Mean (5:17)
04. Plaza Real (6:56)
05. Myrrh (3:03)
06. Pegasus (23:06)
07. Flying Down To Rio (12:44)
08. Zero Gravity To The 10th Power (8:13)
09. (The Notes) Unidentified Flying Objects (4:12)

Artist List

Wayne Shorter: soprano and tenor saxophones, whistling (7, 8)
Danilo Pérez: piano
John Patitucci: bass
Brian Blade: drums
guests:
The Imani Winds on track 06:
Valerie Coleman: flute
Toyin Spellman-Diaz: oboe
Mariam Adam: clarinet
Jeff Scott: French horn
Monica Ellis: bassoon

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