Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Émile Parisien, Fabrice Moreau, Jazz, Josef Dumoulin, Stéphane Kerecki, Stéphane Kerecki Quartet
French Touch (2018)
¿Cómo puede un músico superar la repentina desaparición, casi en el escenario, de uno de sus socios? Esta es la tragedia que vivió Stéphane Kerecki cuando el pianista de su cuarteto, John Taylor , partió para hablar con los ángeles justo después de un concierto. Fue en julio de 2015, cuando el contrabajista difundía la buena palabra de una «Nouvelle Vague» inspirada en el movimiento homónimo del cine francés (Godard, Truffaut,…). Solo hay una solución posible: permanecer fiel a su memoria y continuar su camino en el mismo estado de ánimo, sin repetirse y congelar su música en un homenaje demasiado fuerte.
No hace falta decir que Émile Parisien (saxofón soprano) y Fabrice Moreau (batería) respondieron cuando se trataba de dar una secuela significativa. Y dado que se trataba de una nueva ola, ¿por qué no celebrar otra, la de la música electrónica francesa, como la describen los anglosajones, y que forma parte de la herencia musical de Kerecki tanto como el jazz? Después de todo, este jazz que nunca deja de vivir siempre se ha inspirado en la llamada música «popular» … French Touch, publicado en la etiqueta Incises, es un buen ejemplo de este nuevo logro. Un poco perplejos, algunos pueden sonreír, olvidando que más allá de los clichés, cuando se trata de electro, hay músicos de verdad trabajando: Daft Punk, Air, Justice, Chassol, Kavinsky, Phoenix … Tal vez confunden con un puñado de impostores sobreestimados cuyos nombres no mencionaremos.
Fiel a John Taylor mientras explora nuevos caminos… ¿Quién mejor que el gran Jozef Dumoulin, alumno del inglés, podría pretender ocupar el lugar vacante? Con él, es la garantía de una continuidad en la superación. Comparte con el difunto un juego a la vez sólido y comedido, mientras hace un trabajo maravilloso como diseñador de sonido en el Fender Rhodes con el que abre grandes espacios con contornos algo confusos, incluso misteriosos.
Podríamos ignorar todo sobre la música electrónica francesa y sus principales cabezas de cartel y al mismo tiempo apreciar este disco de un lirismo habitado. No es necesario enfatizar, una vez más, la extravagancia e intensidad de la ejecución de Émile Parisien en el soprano, ni siquiera subrayar la precisión milimétrica de la ejecución de Fabrice Moreau. La omnipresencia de Stéphane Kerecki, por su parte, nos recuerda que la música interpretada por el cuarteto parece girar en torno a él, como si fuera su arquitecto y pivote, sin ser un líder arrollador. Y si queremos tomarnos el tiempo de escuchar las versiones originales de las nueve composiciones en el menú de este álbum, entenderemos que es en busca de su impronta melódica en lo que se han embarcado Stéphane Kerecki y sus socios. Despojaron las matrices de sus arreglos para quedarse solo con la esencia. Antes de expresarse, con la misma voz, en su propio idioma, aún más universal.
No tengamos miedo a las palabras: French Touch es uno de los mayores éxitos de esta remontada en el jazz. Su elegancia formal, la calidez de sus interpretaciones, el sentimiento de un florecimiento artístico y humano … todo ello hace de este disco un palimpsesto, es decir, la reescritura impecable de un movimiento musical en beneficio de otro que, de época en época, sigue enriqueciéndose. Indispensable!
Fuente para la reseña: Denis Desassis para https://www.citizenjazz.com/Stephane-Kerecki-Quartet-3476174.html
Apunte: Históricamente, el jazz ha recurrido a la música popular para renovar su repertorio y reinventar sus sonidos. Stéphane Kerecki siempre ha sido sensible a estos cruces (recordar el excelente «Nouvelle Vague») y así se le ocurrió efectuar una relectura delicada, llena de lirismo y perfectamente acertada de estos estándares del electro-pop francés. Como dice la reseña, los temas giran alrededor de Stephane Kerecki, la intensidad y el fuego lo pone el indomable Émile Parisien, y el experimentalismo, todos. Muy recomendable!
Track Listing
1. All I Need (7:12)
2. Lisztomania (6:30)
3. Playground Love (5:18)
4. Harder, Better, Faster, Stronger (3:26)
5. Wersailles (5:47)
6. Robot Rock (6:50)
7. Nightcall (4:19)
8. Genesis (7:19)
9. Wait (5:48)
Artist List
Émile Parisien: soprano saxophone
Jozef Dumoulin: piano, Fender Rhodes
Fabrice Moreau: drums
Stéphane Kerecki: bass
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Jazz, Kalevi Louhivuori, Michele Rabbia, Nicola Andrioli, Serena Spedicato
The Shining of Things. dedicated to David Sylvian (2019)
Se necesita inteligencia para releer cualquier repertorio, tanto emocional como interpretativa, sobre todo si se tiene en cuenta el cancionero de un músico experimental como el inglés, ex líder de Japan, David Sylvian. La cantante de Salento, Serena Spedicato, con una voz clara y seductora, en su nuevo disco The Shining Of Things demuestra que posee esta facultad, logrando darle una nueva alma sonora a las composiciones del homenajeado artista. Lo hace a su manera, utilizando el lenguaje musical que le es agradable, el jazz, acompañado por el talentoso pianista Nicola Andrioli, custodio de un toque suave y elegante que se manifiesta en plenitud, incluso en la redacción de los arreglos originales de todo el disco. Eso no es todo, ya que la trama acústica se enriquece con otras dos excelentes apariciones, el trompetista finlandés Kalevi Louhivuori y el baterista Michele Rabbia.
La escucha revela un refinamiento certero, no estéril y autorreferencial, pero con un poder envolvente y placentero, fruto de un viaje interior que comparten Spedicato & Friends respetando la hábil sensibilidad de cada uno. Atmósferas raras se destacan en canciones como «Orpheus» y «September» que se desarrollan en «Laughter And Forgetting» y «Heartbeat», donde la sobregrabación vocal calibrada de Serena encaja perfectamente. Algunos episodios ven a Sylvian co-titular junto con Jon Hassel («Weathered Wall» y «Brilliant Trees») o Ryuichi Sakamoto («The Shining Of Things»), este último también autor de «Forbidden Colors», leitmotiv extraído de la banda sonora de la película «Furyo» de 1983. Tras el disco homenaje a Tom Waits de 2012, Spedicato marca otro que brilla con luz propia.
Fuentes para reseña y apunte: Andrea Direnzo para http://www.lisolachenoncera.it/rivista/recensioni/the-shining-of-things-dedicated-to-david-sylvianv/; Alceste Ayroldi para https://www.musicajazz.it/intervista-serena-spedicato/
Apunte: Serena, ¿por qué un homenaje a David Sylvian?: «Es un acto de cariño hacia un artista que siempre me ha fascinado por su carácter iridiscente, incesante investigación estética y evolución estilística. Instrumentista, compositor íntimo y sofisticado, autor de culto de la música experimental, supo mirar al jazz de vanguardia, al ambiente culto y minimalista, mezclando atmósferas sonoras malvadas e ilusorias con la electrónica, textos de absoluto valor poético y espiritual y una crepuscular voz profunda y cálida. Un universo de fascinaciones que siempre han movido cosas dentro de mí que involucran corazón y cabeza. Una llamada fuerte a la que tuve que dar voz». La música, las letras y la voz de David Sylvian están suspendidas en el tiempo y en nuestras mentes y corazones, permaneciendo inalterables en su belleza y fascinación. Sumergirse en ese universo, como lo hacen Serena Spedicato y Nicola Andrioli no parece una tarea sencilla, si no se quiere caer en meros covers que no harán otra cosa en el oyente que desear volver a escuchar las canciones originales. Lejos de eso Spedicato & Co, han logrado con un tratamiento sonoro muy fino y sofisticado alterar las estructuras originales de las canciones, realzando su espiritualidad e intimidad. Encontrarnos con esta obra fue una gratísima sorpresa. ¡Muy recomendable!
Track Listing
1. Orpheus (9:20)
2. Forbidden Colors (4:52)
3. Weathered Wall (4:37)
4. Heartbeat (3:18)
5. Brilliant Trees (9:04)
6. Laughter and Forgetting (2:39)
7. September (7:06)
8. The Shining of Things (4:39)
Artist List
Serena Spedicato: vcals
Nicola Andrioli: piano, original arrangements
Kalevi Louhivuori: trumpet, flugelhorn, electronics
Michele Rabbia: drums, percussions, electronics
All compositions by David Sylvian except:
2 by Ryuichi Sakamoto;
3, 5 by Jon Hassel, David Sylvian
4. 8 by Ryuichi Sakamoto. David Sylvian.
All lyrics by David Sylvian
Link de descarga
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Emile Parisien, Jazz, Julien Herné, Rock, Tony Paeleman, Valentin Liechti, Vincent Peirani, Yoann Serra
Living Being (2015)
El disco se abre y se cierra suavemente, casi de manera acústica como en muchas experiencias musicales en las que participa el acordeonista Vincent Peirani, entre otros con Youn Sun Nah, Émile Parisien o Michael Wollny. Pero las siete piezas incrustadas entre estas dos miniaturas tienen un sabor fuertemente eléctrico, con un bajo (Julien Herné) y un Fender Rhodes (Tony Paelemen) bien instalados, extendidos por varios efectos, donde el acordeón cantor y el soprano soñador se pierden o se revelan en volutas saturadas.
Con su compinche de larga data, Émile Parisien a los saxofones (un intervalo en el tenor Air Song # 2 ) y Yoann Serra a la batería, Vincent Peirani, revelación de las Victoires du jazz 2014, lleva cuatro años trabajando con su grupo. Aquí está finalmente su primer disco. Otro universo que no ha sido explorado hasta ahora, y ha sido exitoso.
Una versión de Jeff Buckley («Dream Brother»), una de Michel Portal («Mutinerie»), un tributo inquietante («Some Monk») y otros seis temas del líder, que sabe cómo integrarse en el grupo o con el sonido del teclado, dejar que otros pasen al frente, para que reflejen y brillen tranquilamente con todos sus toques de color.
Un buen equilibrio entre arreglos e improvisaciones, entre ensayos y oleadas («Suite en V Parte 1»), entre calma, un poco de folk y tumulto («Workin’Rhythm»). Un disco bonito, bien grabado y muy estimulante.
Fuente para la reseña: Alain Lambert para https://www.musicologie.org/15/vincent_peirani_living_being.html
1. Suite en V Part 4 (Peirani) (2:12)
2. Suite en V Part 1 (Peirani) (5:51)
3. Dream Brother (Jeff Buckley) (6:28)
4. Mutinerie (Michel Portal) (7:52)
5. On The Heights (Peirani) (6:57)
6. Air Song #2 (Peirani) (4:24)
7. Some Monk (Peirani) (8:52)
8. Workin’ Rhythm (Peirani) (4:43)
9. Miniature (Peirani) (2:55)
Artist List
Vincent Peirani: accordion & voice (02)
Emile Parisien: soprano & tenor saxophone (05)
Tony Paeleman: fender rhodes & effects
Julien Herné: electric bass & effects
Yoann Serra: drums
Living Being II – Night Walker (2018)
¿Qué une a Sonny y Cher, Henry Purcell y Led Zeppelin? Todos aparecen en el nuevo álbum del galardonado acordeonista francés Vincent Peirani. Su banda Living Being de cinco integrantes, se basa en elementos de jazz, rock y clásicos, así como en sus propias composiciones.
Peirani aprendió el acordeón en parte transcribiendo piezas clásicas para acordeón, y sus arreglos de las piezas de rock son miniaturas perfectamente detalladas. «Bang Bang» de Sonny y Cher mantiene la sensación de los `60 pero se inclina hacia la chanson francesa. Hay mucho espacio para que Peirani extraiga emoción de la melodía quejumbrosa. La apertura de Peirani forma una trilogía con sus versiones de «Kashmir» y «Stairway To Heaven» de Led Zeppelin. Lento y pensativo, prepara el oído con cadencias similares a las de las piezas de rock, suavemente apuntalado por el bajo eléctrico de Julien Herné. «Kashmir» comienza con el hermoso saxo soprano de Emile Parisien. Sus inflexiones orientales entre las campanas de los templos, evocan a la India sobre los tambores que retumban libremente de Yoann Serra. El acordeón toma la línea vocal sutilmente detrás de la improvisación de Parisien. La sensación de rock es desarrollada por el excelente solo de teclado de Tony Paeleman, con su tono distorsionado. Paeleman toca los arpegios ascendentes clásicos de «Stairway To Heaven» (mira, sin guitarras); Hay un toque folk suave en el arreglo que recuerda al arpista bretón Alan Stivell. Secuencia de acordes de Purcell en «What Power Art Thou», de su ópera King Arthur es un regalo para los músicos de jazz. El arreglo de Peirani tiene una sensación orquestal, con bajo de rock y un solo de soprano potente y agudo de Parisien que se tambalea a través de los arpegios.
Otras pistas son de Peirani. Las emotivas capas en «Enzo» de líneas de acordina / saxo se entrelazan con los teclados / guitarra (Herné) a lo Radiohead. «Night Walker» está densamente repleto de inquietas ideas musicales: bajo funky urgente; batería de rock general; teclado chillón; saxo delicado y chillidos de acordeón. Siguen los sintetizadores espaciales de «K2000», un tema complejo que sube y baja sobre un ritmo funk-rock. «Falling» y «Unknown Chemistry» son melodías más suaves y maravillosamente elegantes con bordes folk. Este último aumenta la intensidad a través de exquisitos acordeones, hasta que las frases angulares del solo de Parisien alcanzan el punto de ebullición. El adagio «Smoke & Mirrors» agrega nuevas texturas:Los sonidos electrónicos de Valentin Liechti y la voz de Peirani. Uno de los favoritos es «Le Clown Sauveur De La Fête Foraine», que evoca un peculiar vals de feria con sus trinos de acordeón / saxo precariamente rápidos, bajos atonales y tambores asustadizos.
Peirani llama a esta banda una «orquesta de música rock de cámara», y el álbum tiene la energía del rock aliada a una cuidadosa orquestación e improvisación de jazz. “Mi especialidad es que no soy especialista. Siempre tengo curiosidad por la música y trato de tocar música a mi manera”, dijo. Y este deslumbrante álbum tiene su propio sello distintivo.
Fuente para la reseña: https://londonjazznews.com/2018/11/01/cd-review-vincent-peirani-living-being-ii-night-walker/
Track Listing – Living Being II
01. Bang Bang (Sonny Bono) (3:26)
02. Enzo (Vincent Peirani) (4:29)
03. Le Clown Sauveur De La Fête Foraine (Vincent Peirani) (2:43)
04. What Power Art Thou (Henry Purcell) (5:55)
05. Opening (Vincent Peirani) (3:52)
06. Kashmir (Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham ) (5:41)
07. Stairway To Heaven (Jimmy Page & Robert Plant ) (3:26)
08. Night Walker (Vincent Peirani) (6:55)
09. K2000 (Vincent Peirani) (1:42)
10. Falling (Vincent Peirani) (4:40)
11. Unknown Chemistry (Vincent Peirani) (6:15)
12. Smoke & Mirrors (Vincent Peirani) (4:42)
Artist List
Vincent Peirani: accordion, accordina & voice
Emile Parisien: soprano saxophone
Tony Paeleman: fender rhodes & keys
Julien Herné: electric bass & electric guitar
Yoann Serra: drums
Valentin Liechti: electronics on 12
Apunte: Estos muchachos tocan jazz, si, el de ropaje más popular, pero Vincent Peirani y Émile Parisien son seres habitados por la música, cualquiera sea su género. Living Being (la banda) tiene una identidad muy personal que orbita alrededor del poco usual empleo del acordeón dentro del jazz y un sonido con una energía muy rockera, contando con espacios para la improvisación de todos sus integrantes. Demoramos años en poner a consideración estos álbumes en PV/MQC. Sin dudas la demora ha sido directamente proporcional al disfrute que nos ha causado el escucharlos infinitas veces desde su aparición.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: David Bowden, Fergus McCreadie, Fergus McCreadie Trio, Jazz, Stephen Henderson
Turas (2018)
Difícil de creer que este sea el álbum debut de un joven músico que recién comienza su carrera discográfica. Hay una seguridad y una confianza que contradice sus tiernos años y que no he escuchado en mucho tiempo.
El talento precoz puede abundar en muchos círculos, pero es raro que provoquen un sentimiento tan cálido y positivo. Que está en buenas manos mientras escuchas este excelente álbum está inmediatamente fuera de toda duda, ya que McCreadie te guía a través de un conjunto de composiciones originales que se tocan de manera impecable, memorables y estimulantes por turnos.
Turas es la palabra gaélica escocesa para «viaje», y eso es exactamente lo que es el álbum. Un viaje no solo a través del viaje musical de McCreadie y el camino recorrido para concebir estas composiciones, sino también el de su Escocia natal y la música tradicional escocesa.
Desde el principio se escucha la yuxtaposición del jazz y la música folclórica escocesa a través de la música del trío, con composiciones fuertemente evocadoras de lugares de Escocia que han sido visitados por el pianista. «Ardberg», con su suave y sutil discurso de apertura, es un tributo apropiado a la destilería del famoso whisky, al tranquilo y reflexivo «Mull», que se reelabora como una balada fuera de tempo que parece seguir su propio camino convincente.
Continuando con el tema escocés está «The Set», que es paradójicamente la pieza más tradicional pero la más original del álbum. Moviéndose entre un jig y un reel, la composición es profundamente contagiosa, pero todavía oscila de una manera familiar al trío de jazz, una pieza de escritura sobresaliente y totalmente absorbente. Esto es seguido inmediatamente por «The Old Harbour» que McCreadie describe como que tiene una armonía básica «en la que simplemente tomé formas de tríadas y las moví a través de la escala diatónica». El estado de ánimo de la composición es suave y reflexivo, manteniendo un enfoque disciplinado en el objetivo original de la melodía, negociando varios cambios clave en el camino. El reel escocés vuelve a ser evidente en el «The Back Burn»
Al joven pianista se le ocurre una escritura más inteligente en el maravilloso «Hillfoot Glen», que es una declaración de piano de apertura rodante y la forma en que evoluciona hacia una sensación de tiempo más estable con McCreadie y sus cohortes profundizando en el solo de piano. También hay un maravilloso acompañamiento de bajo y batería que conserva el interés y la sensación del concepto general de la composición.
Citando la influencia de Jan Garbarek y Arild Andersen, y el uso de su música tradicional por parte de otros músicos noruegos en sus composiciones, McCreadie ha sentido el deseo de incorporar su propia música Folk nativa dentro del idioma del jazz que tanto ama, y al hacerlo, ha hecho un debut muy personal y muy agradable. Puedo decir con confianza que no he escuchado un disco de trío tan impresionante de un pianista escocés (o del Reino Unido) desde el set de «Live At Henry’s» de Brian Kellock.
Fuente para la reseña: Nick Lea para https://www.jazzviews.net/fergus-mccreadie-trio—turas.html
1. The Culearn Mill (8:59)
2. Ardbeg (9:35)
3. The Back Burn (5:07)
4. The Teacher (5:45)
5. Hillfoot Glen (8:47)
6. Mull (6:23)
7. The Set (10:02)
8. The Old Harbour (8:36)
Artist List
Fergus McCreadie: piano
David Bowden: bass
Stephen Henderson: drums
Cairn (2021)
Es difícil destacarse como un trío de piano prometedor. Los sellos discográficos de todo el mundo producen una serie de álbumes de jóvenes tecladistas técnicamente excelentes que sueñan con un lugar en Ronnie’s, Blue Note o tal vez solo en Dog and Duck. Y luego está el peso de la historia: ¿pueden sus esfuerzos compararse con Sunday Night en Village Vanguard o Art of the Trio Vol 3 ?
Fergus McCreadie, sin embargo, se está haciendo notar. Además de ser un consumado improvisador, el pianista celebra una influencia poco visitada, el folk escocés, en su obra. Cairn sigue el debut de su trío, Turas, que ganó el premio al mejor álbum en los Parliamentary Jazz Awards en 2019. Cairn se desarrolla en la plantilla de ese álbum: un estilo de jazz lírico con un tinte gaélico (al crecer en Clackmannanshire, McCreadie era un joven gaita). Puede sonar una mezcla desgarbada, pero el trío crea de manera convincente una música distintiva y poderosamente melódica.
Después de la rumiativa apertura, tal vez una delicada melodía que se eleva por encima de una niebla de las Highlands, la cautivadora pista principal tiene el riff de bajo rebotante, la sensación de alegría y la batería inquieta de EST. El bajo de David Bowden pasa a primer plano, pero este es un esfuerzo de equipo donde nadie se destaca. «Across Flatlands» construye un clímax extático sobre un ritmo insistente de la mano izquierda antes de que el jig de múltiples secciones, la pieza central aquí, viaje desde la chimenea gaélica hasta el conjunto de jazz de Nueva York y viceversa. El tamborileo incendiario de Stephen Henderson aviva las llamas.
Más préstamos gaélicos en el delicado remolino de «Tree Climbing». «An Old Friend» es sencillo y agridulce y el «Cliffside» de cierre explora nuevamente una melodía distintiva sobre un ciclo propulsor de acordes de la mano izquierda. Si «Jig» no sube el techo, esto es munición de reserva.
McCreadie ha dicho que Keith Jarrett es su gran héroe, pero Esbjörn Svensson también es evidente aquí. Hay más un enfoque folk / clásico europeo que el hard bop estadounidense, mientras que los temas suelen tener la franqueza de la música pop. Por supuesto, todavía existe un gran agujero del tamaño de EST en la escena del jazz europeo en vivo desde la muerte de Svensson en 2008; este trío inmensamente escuchable podría ayudar a llenarlo.
Fuente para la reseña: John Bungey para https://londonjazznews.com/2021/01/25/fergus-mccreadie-cairn/
1. North (4:45)
2. Cairn (7:33)
3. Across Flatlands (4:46)
4. The Stones of Brodgar (5:30)
5. Jig (8:29)
6. Tide (5:56)
7. Tree Climbing (7:16)
8. An Old Friend (9:06)
9. Cliffside (7:42)
Artist List
Fergus McCreadie: piano
David Bowden: double bass
Stephen Henderson: drums
Apunte: Fergus McCreadie nació en Jamestown, cerca de Strathpeffer, creció en Dollar y se graduó en el Royal Conservatoire of Scotland en 2018. Con 20 años de edad, también en 2018, registró Turas, donde ocho de sus composiciones «reflejan su compromiso con el paisaje y las tradiciones musicales escocesas, al mismo tiempo que muestra una firme comprensión de la tradición del piano de jazz» (Jazz in Europe).Cuando le preguntaron a Fergus porque eligió Turas para el título de tu álbum y qué sentimientos e impresiones le gustaría que tuvieran los oyentes, el respondió: «Todo el álbum trata sobre viajes por Escocia; todas las piezas están inspiradas, al menos en una pequeña parte, en lugares en los que he estado en Escocia, ya sea solo o con el trío. Por ejemplo, «Ardbeg» lleva el nombre de un concierto que tocamos en la destilería Ardbeg, que sigue siendo uno de nuestros favoritos, o «Hillfoot Glen» recibe su nombre de una cañada cerca de Dollar, donde hay un paisaje bastante variado (de ahí el paisaje variado de esa melodía). Así que elegí viaje como concepto, pero eso definitivamente habría sido demasiado cursi para el título de un álbum, así que Turas (el equivalente gaélico) funcionó para mí». Solo dos años después, Fergus McCreadie (no perder de vista que hoy tiene 22 años) y sus igualmente talentosos compañeros de ruta, Bowden y Henderson, editan Cairn donde vuelven a combinar influencias contemporáneas, jazzísticas y clásicas de una manera vibrante y enérgica, pero a la vez profunda, fascinante y convincente. El riesgo de «que» decir en el segundo disco ha sido sorteado exitosamente. Muy recomendables!
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Blues, Classical, Frederic Borey, Jazz, Karl Jannuska, Leonardo Montana, Michael Felberbaum, Pierre De Bethmann, Rock, Simon Tailleu
Lego (2015)
Lego, lanzado a finales de 2015, es el segundo álbum del cuarteto de Michael Felberbaum . El primero, «Sweet Salt» , fue lanzado en 2006, con el mismo sello; los músicos eran los mismos a excepción de Daryl Hall que sostenía el contrabajo. Lego fue bien recibido por nuestros colegas que escribieron en gran número sobre él. Es interesante notar que este álbum a menudo se describe como abstracto, incluso «cubista». En cuanto al líder y compositor, Michael Felberbaum, quien también es guitarrista, es, según las plumas, a su vez un emulador de Jim Hall, John Scofield, Larry Corryell, Pat Metheny y algunos otros.
Hay algo de verdad en todo esto, por supuesto, pero por nuestra parte es otro aspecto de esta música que creemos que debe destacarse: la profusión melódica. Ya habíamos notado este aspecto de las composiciones de Michael Felberbaum en «Sweet Salt»: la canción “Phosphor-Essence” en particular, con su melodía embriagadora y su ritmo astuto, había trotado durante mucho tiempo en nuestras cabezas. Michael Felberbaum es sin duda un guitarrista brillante, pero también es una pluma excelente con un don para la melodía que no es tan común en el jazz contemporáneo. Quien vuelva a escuchar Lego corre el riesgo de meterse en la cabeza melodías que se le pegarán a la memoria como el yeso en los dedos del Capitán Haddock en L’Affaire Tournesol! Y el contagioso tema «Flow» no es el único que tiene este efecto. Las primeras notas de canto de «Horse» y especialmente las acrobacias y grandes variaciones bossa-novescas de «Now» te dejan luchando durante unos días con resistentes huellas melódicas.
Las composiciones del líder no solo destacan por sus melodías: también están construidas de manera brillante, lo cual es obvio al titular un álbum Lego. En la pista que da título, notamos la forma en que el bajo por un lado, la guitarra y el Fender Rhodes por otro, intercambian temas, convirtiéndose tal línea de bajo en un tema desarrollado por piano y guitarra, tal tema de solistas. siendo recogido subrepticiamente por el bajo. Y a todo esto, te preguntarás, ¿está bien hecho? La respuesta es obvia: ya no se presenta a Pierre de Bethmann, aquí un poco al piano y mucho al Fender Rhodes, cuyo sonido va bien con las composiciones. Sus solos son evidentemente magistrales, pero apreciamos los toques de color que deposita aquí y allá gracias a su gran dominio de este instrumento y los efectos que le aporta. El bajo de Simon Tailleu es sólido y melódico también, como lo demuestra su fuerte solo de bajo al comienzo de «Nostalgia». El baterista Karl Jannuska también es muy conocido y hay que destacar que su propia música como líder, se acerca más al pop y el rock que al jazz, y utiliza mucho la voz. Así que es todo este cuarteto el que canta y nos encanta con un sonido grupal muy interesante. En cuanto a los arreglos, merecen una escucha atenta que, por ejemplo, revelará un doblaje discreto de la guitarra en el segundo estribillo de «Flow» o toques discretos de órgano en «Mint» y «Variations».
Entonces, por supuesto, diremos que la melodía se siente bien, pero que puede llevar un disco hacia la belleza, darle un lado limpio y emoliente; nada de eso, aquí, este cuarteto desbordante de una energía jovial y, si canta en Lego, también baila y no se olvida de groovear. Por supuesto, no se encontrará aquí ni territorios inexplorados, ni riesgos insensatos, ni se sentirá allí el azufre o el viento de la revuelta. Pero, ¿por qué no disfrutar de su placer y prestarse a las alegrías primaverales con este unido grupo de excelentes músicos que tocan las composiciones variadas, melódicas y sofisticadas de un guitarrista-compositor que quizás no tiene aún el reconocimiento que merece?
Fuente para la reseña: Laurent Poiget para https://www.citizenjazz.com/Michael-Felberbaum-Quartet.html
01. Flow (9:54)
02. Variations (5:40)
03. Horse (7:18)
04. A (6:42)
05. Nostalgia (6:18)
06. Now (6:39)
07. Mint (8:17)
08. A Little Bigger (4:44)
09. Lego (8:39)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Pierre De Bethmann: piano, Fender Rhodes
Simon Tailleu: bass
Karl Jannuska: drums
3 Elements (2019)
He aquí un disco que merece toda su atención porque ofrece un universo musical imbuido de una originalidad particular. Sin ritmo, los tres músicos demuestran que la pulsación existe a pesar de todo. Lo hacen a través de composiciones del guitarrista y retomando temas que van desde la música barroca hasta el sucio Soundgarden. Íntimo y onírico en muchos sentidos, este disco ofrece múltiples caminos musicales dentro de los cuales cada uno de los tres músicos expresa su sensibilidad. El arte del trío, lo sabemos desde Bill Evans, lleva la interacción en su ADN. Michael Felberbaum y sus cómplices de toda la vida lo confirman con una delicadeza constante. De enfoque complejo, su música no es menos clara. Fluye de la fuente, como se dice, porque la inteligencia de las formas es aquí una evidencia que es tanto de lo pictórico como de un tejido melódico de rica trama. El oyente es paseado por meandros donde se mezclan armonías sutiles que iluminan el discurso de manera contrastada. Es en todas las circunstancias elegante y refinado sin ser nunca grandilocuente. Es un disco de creadores con gusto seguro que no nos cansamos de escuchar ya que sus diferentes facetas son tan atractivas.
Yves Dorizon para https://www.culturejazz.fr/spip.php?article3422#06
01. Italian Waltz (Michael Felberbaum) (3:43)
02. 3 Elements (Michael Felberbaum) (7:37)
03. Black Hole Sun (Chris Cornell) (5:00)
04. Ava (Michael Felberbaum) (6:43)
05. Gilmore (Michael Felberbaum) (3:16)
06. Mercedes Benz (Joplin-McClure-Neuwirth) (6:17)
07. Lazy Man Blues (Michael Felberbaum) (5:01)
08. Segui, Segui Dolente Core (Andrea Falconieri) (3:06)
09. Mode (Michael Felberbaum) (4:03)
10. Shade (Frederic Borey) (4:17)
11. Mobil (Michael Felberbaum) (3:49)
12. The Stage of Things (Michael Felberbaum) (5:19)
Artist List
Michael Felberbaum: guitar
Frederic Borey: soprano saxophone, tenor saxophone
Leonardo Montana: piano, Fender Rhodes
Apunte: Esto se trata de dos proyectos bien distintos, pero que tienen en común la solidez de la escritura del guitarrista italoamericano (y parisino por adopción) Michael Felberbaum, y su buen gusto, claro está. En Lego, aventura en cuarteto que sigue a su primer disco «Sweet Salt» para el sello Fresh Sound New Talent, Felberbaum refrenda lo hábil que es en la elaboración de sus composiciones, desarrollándolas de manera atractiva, infundiendo cautivantes matices de groove, bossa nova, blues, rock e incluso algunos tintes españoles. Prescindiendo del bajo y la batería, 3 Elements ve la luz en 2019 también editado por intermedio de Fresh Sound New Talent. Si ciertos elementos no están presentes, esta formación musical requiere confianza, complicidad y comprensión entre los músicos. El recorrido nos lleva gratamente de la música clásica o barroca, al blues, o al post-bop o bien, a sorprendentes arreglos sobre temas folk-rock y grunge. Brilla la coherencia lograda del material en su conjunto. Como decimos en muchas ocasiones, no revoluciona la música, pero cada escucha nos descubre detalles y nos deja buenas sensaciones en el alma.
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Antonio Colangelo, Cesare Pastanella, Cristian Faig, Fabio Mello, Jazz, Mirko Maria Matera, MPB, Neto Fernandes, Pierluigi Villani, Rafael Calegari, Vincenzo Maurogiovanni
Tabaco y Azùcar (2020)
El guitarrista y compositor materano literalmente impresionado por la música brasileña durante su estadía en Sudamérica -tanto que se mudó definitivamente en 2007-, con este debut discográfico para Dodicilune presenta un proyecto con el que crea una hibridación de diferentes lenguajes musicales, una música cosmopolita. que quiere vincular las culturas europea y brasileña. Lo hace de manera brillante, con un cuarteto que también incluye a Vincenzo Maurogiovanni al bajo, Mirko Maria Matera a los teclados y Pierluigi Villani a la batería, a los que se suman varios invitados en los nueve temas que componen este “Tabaco y Azùcar”. Por supuesto, no solo existen las dos culturas mencionadas anteriormente, también existe el idioma de la música afroamericana,
El etéreo «Canto di Partenope» para guitarra y electrónica introduce «Cairo Metropolitano» que recuerda los ritmos y melodías de cierta música mediterránea con un solo de guitarra que habla amablemente con los teclados y un bonito bajo calibrado y el siguiente «Tequila For $ 5» con un bonito riff de bajo que lidera el baile -de nuevo un significativo y largo solo de Colangelo seguido de un solo igual de Mirko Maria Matera- son las canciones que más me llamaron la atención junto con la larga balada “Napulengre”, casi una tarjeta de visita de este cuarteto. Luego, después de una atenta escucha, todos encontrarán aquí los «signos» de la historia del jazz eléctrico que en los últimos cincuenta años ha sembrado sonidos y estilos por doquier, aunque, debo decir, estas semillas no siempre han dado frutos notables.
Fuente para la reseña: Alessandro Nobis para https://ildiapasonblog.wordpress.com/2020/04/11/antonio-colangelo-tabaco-y-azucar/
Apunte: Antonio Colangelo, nacido en 1978 en Stigliano, en la provincia de Matera, Italia, estudió piano clásico entre los 7 y los 12 años. A los 15 empezó a tocar la guitarra, inicialmente como autodidacta. Posteriormente estudió guitarra jazz en la Academia de Músicos Asociados de Nápoles. Ha vivido y trabajado en Brasil desde 2007, donde se especializó en jazz y música brasileña, estudiando y tocando con músicos nacionales e internacionales. Coordinó e impartió cursos, talleres y masterclass de guitarra en importantes escuelas de música y universidades. Obtuvo una Maestría en Investigación de la Universidad Federal de Santa Catarina (Brasil) – tesis sobre «Samba-Jazz: un viaje transcultural hacia los intersticios de la Música Contemporánea» – y una Maestría en «Procesos Creativos en Música Popular: Jazz y Música Brasileña». Sobre Tabaco y Azùcar, decía: “Quería explorar las posibilidades y los sonidos de una música híbrida y sincrética, que quiere disolver la dictadura simbólica de la sangre y la memoria en sus resbaladizos espacios marítimos, portadores tanto del mito de la pureza y perfección, como de su contrario, reflejado en la corrupción y la decadencia. En este clima de odio que se ha extendido en los últimos años en Europa y América ”, prosigue, “creo en la necesidad de nuevas elaboraciones identitarias, más humanistas, pacifistas y cosmopolitas, que en la música pueden encontrar una de las más bellas y formas efectivas de concretización». Actualmente, Colangelo vive en Brasil y enseña en la Escuela de Música Rafael Bastos, una de las escuelas brasileñas más grandes y premiadas. Tabaco y Azùcar, combinación letal, pero en este caso, muy disfrutable.
Track Listing
1. Tabaco y Azùcar (5:48)
2. Crocco & Lampiào (4:13)
3. Napulengre (9:00)
4. Let Me Break Your Funky (7:12)
5. Molejo de um Amor Ferido (5:08)
6. Canto di Partenope (2:04)
7. Cairo Metropolitano (3:57)
8. Tequlia For $5 (5:26)
9. Sweet Poison Blues (4:58)
Artist List
Antonio Colangelo: guitar
Vincenzo Maurogiovanni: bass
Mirko Maria Matera: keyboards
Pierluigi Villani: drums
Cesare Pastanella: percussion
Rafael Calegari: bass, electric
Neto Fernandes: drums
Cristian Faig: flute
Fabio Mello: saxophone
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Password: presoventanilla
Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Adam Teixeira, Jakub Cywinski, Jazz, Julian Costello, Julian Costello Quartet, Maciek Pysz, Yuri Goloubev
Transitions (2017)
Las tres sutiles teclas del saxo soprano en la portada del álbum de Julian Costello insinúan la asidua artesanía que aplica, tanto en la composición como en la interpretación, a este nuevo lanzamiento de cuarteto, Transitions; y completamente apropiado es que se le unan las mentes igualmente enfocadas del guitarrista Maciek Pysz , el contrabajista Yuri Goloubev y el baterista / percusionista Adam Teixeira.
Grabadas, mezcladas y masterizadas por Stefano Amerio en los célebres Artesuono Studios de Italia, muchas de estas 13 piezas originales están segmentadas de manera casi intangible (transiciones, como se representan en sus conciertos en vivo) con las melodías románticas, a menudo alegres de soprano y tenor de Costello (que poseen un aroma a Christopher Gunning) inspirando a sus jugadores a improvisar de forma inteligente y desde el corazón. Mientras que el saxofonista dirige desde el frente, la claridad de esta instrumentación en particular engendra un diálogo abierto y mesurado entre los cuatro… y lo más importante, durante una hora completa, la conversación es tan variada como impredecible.
En una entrevista anterior con LondonJazz News, Julian Costello reveló sus inicios musicales eclécticos, así como su deseo de no tomarse la música demasiado en serio. Así que entre los oasis líricos y los ritmos de guitarra palpitantes de esta grabación, también hay frecuentes destellos de humor excéntrico, ilustrados especialmente por la samba maravillosamente furtiva y de puntillas, «Tongue in Cheek» ; y la búsqueda, al estilo de Jan Garbarek, en la apertura de «Waves» se despliega elegantemente en un riff alegre y sincopado antes de evolucionar hacia «Ducks» que fluye libremente y la astuta y exuberante miniatura de ‘ensamble de saxofón’, «Corners».
La banda de Costello también es de groovers empedernidos; la misteriosa progresión oriental de «A Manic Episode» que presenta a un soprano frenético sobre el riff de guitarra eléctrica de Maciek Pysz al estilo John McLaughlin, con Adam Teixeira conspicuo en la creación de su crepitante pero controlada corriente percusiva. Pysz es especialmente conocido por la precisión de su guitarra acústica, y el fervor flamenco que genera aquí, así como los detalles en el vanguardista y claroscuro «Mirage», seguramente estando impulsados por el oleaje del bajo de Yuri Goloubev. El delicioso gancho de soprano de «Earworm», sobre una figura de bajo descendente, permanece mucho tiempo en la memoria; así también, el lujoso esplendor de «Patience», cuyo sentimentalismo de banda de baile está pintado con líneas de saxofón extendidas y ornamentadas y bajo arco cantabile.
El impacto emocional predominante de esta grabación es una sensación de calidez entre los intérpretes, aumentada por la inclinación de Costello por una buena melodía, y realzada por la fina ingeniería de la «música de cámara» de Amerio. El rico y voluble solista de tenor de «Buraki I Ziemniaki» es solo un elemento de una variada salida de bossa adornada con improvisaciones de guitarra eléctrica y motivos al unísono; Las fluctuaciones más oscuras y contra-clave de «Panettone» encuentran al tenor de Costello en un mundo sonoro más inquisitivo, parecido a Iain Ballamy; y el alegre «Walking Through the Jungle» rebosa de progresión rítmica, mostrando de forma atractiva la individualidad de cada miembro de la banda.
De vez en cuando, un disco como este aparece en el horizonte, convirtiéndose en el indestructible ‘earworm’ que Costello retrata en el corazón de su colorida grabación.
Fuente para la reseña: Adrian Pallant para https://londonjazznews.com/2017/09/15/cd-review-julian-costello-quartet-transitions/
01. Waves (5:47)
02. Ducks (3:13)
03. Corners (1:18)
04. A Manic Episode (6:34)
05. Tongue In Cheek (5:54)
06. Patience (5:42)
07. Earworm (4:13)
08. Buraki L Ziemniaki (7:22)
09. Mirage (intro) (3:14)
10. Mirage (3:27)
11. Panettone (6:52)
12. Walking Through The Jungle (5:06)
13. Corners Reprise (1:26)
Artist List
Julian Costello: tenor & soprano saxophones
Maciek Pysz: electric & classical guitars
Yuri Goloubev: double bass
Adam Teixeira: drums and percussion
Connections: Without Borders (2020)
Simultáneamente, una alegría y una pérdida: esta gran banda debía tocar en Jazz Coop, Newcastle y Zeff’s en Ambleside en abril de 2020, donde estaba ansioso por escuchar la realización en 3D de la versión grabada. Al menos gracias a Covid-19 he tenido más tiempo para escuchar esta deliciosa porción de magia musical.
La banda multinacional grabó el álbum en Noruega con el objetivo de promover y celebrar las colaboraciones multiculturales. Los trabajos de Costello eran nuevos para mí y es tentador hacer comparaciones con otras bandas de saxo en espacios similares, por ejemplo, el álbum de Oded Tzur recientemente reseñado aquí en BSH, así como las bandas de Trish Clowes y Tori Freestone.
Si bien existen algunas similitudes, Costello tiene su propia voz distintiva en tenor y soprano, con composiciones ingeniosas pero saludables con melodía en abundancia, que cubre una amplia variedad de modismos y estados de ánimo. Una sensación exuberante y espaciosa lo impregna, con espacio no solo para el excelente Maciek Pysz en la guitarra, sino también para el bajo y la batería que hacen más que un apoyo. El clásico Cywinski en el bajo tiene el acto difícil de seguir a Yuri Goloubev, quien protagonizó el álbum anterior, pero lo logra con aplomo. Teixeira alterna con buen gusto entre ritmos convencionales y percusión reluciente cuando es necesario.
Pysz es una estrella establecida por derecho propio, y aquí alterna no solo entre el acompañamiento y la conducción de los duelos, sino también entre lo eléctrico y lo acústico a medida que cambia el estado de ánimo, con mucho aquí para el aficionado a la guitarra.
«Everyone Has a Story» abre el álbum con fuerza en un estilo relajado, pero con suficiente propulsión para evitar la somnolencia, seguido de los más optimistas «Sunflowers», con tonos de Sulzmann y Metheny brillando. «Connections» mira hacia el este, basándose en escalas árabes y un motivo que recuerda a «Jamil Jamal» de Yazz Ahmed en La Saboteuse (que fue interpretado por Jambone en el cancelado Gateshead Jazz del fin de semana pasado…). «Nord Wind» evoca el entorno noruego, con destellos gélidos pero emocionales grabados de manera impecable, ¡desafiando el terreno de ECM! «Rainforest» ve a Costello interactuando directamente con el territorio de Garbarek, al igual que «Splashing in Puddles», con hermosos paisajes de platillos. La pista más destacada para mí es «Bridges», donde Pysz sube el volumen y el sustain para iniciar un interludio sustancialmente progresivo. Sin embargo, no temas, los excesos se evitan en un trabajo sumamente bien elaborado para toda la banda.
En definitiva, magistralmente escrito y tocado, elegante y expresivo. Mientras oramos por el regreso tanto de la banda como del sentimiento de Connections: Without Borders, recomiendo de todo corazón que lo escuches.
Fuente para la reseña: Chris K para https://lance-bebopspokenhere.blogspot.com/2020/03/cd-review-julian-costello-connections.html
Track Listing – Connections: Without Borders
- Everyone Has a Story (7.16)
- Sunflowers (5.14)
- Connections (6.53)
- Nord Vind (9.31)
- Rainforest (4.18)
- Endless Train (6.47)
- Splashing in Puddles (6.32)
- Bridges (10.51)
- Rivers and Rapids (8.00)
Artist List
Julian Costello: tenor & soprano saxophones
Maciek Pysz: electric & classical guitars
Jakub Cywinski: double bass
Adam Teixeira: drums
Apunte: A mediados del año pasado, encerrado en casa, deambulando por diversos e infinitos blogs y páginas web que hablan de esa música que nos gusta, llamó mi atención las buenas referencias que leía sobre la última obra publicada del Julian Costello Quartet, Connections: Without Borders. Admito que me sentí atraído a escuchar por la presencia del guitarrista polaco Maciek Pysz, al que lo tenemos bien reconocido por su talento, versatilidad, depurada técnica y buen gusto. Por suerte, tanto Transitions como Connections: Without Borders son dos excelentes obras con el foco en las melodías cruzadas por músicas del mundo pero con generosos espacios para las exposiciones individuales de cada músico; el resultado es una especie de música de cámara sin solemnidad, con una buena energía más bien relajada, pero con objetivos claros, que expone en algunos casos la alegría de la comunicación grupal y en otros, momentos más expectantes o de reflexión. En tiempos donde el zapping comunicacional nos lleva puestos en corrientes turbulentas que muchas veces nos impiden alcanzar a comprender lo que se lee, ve o escucha, estas obras por propio mérito logran captar la atención de principio a fin, dejándonos con muy buenas sensaciones. Muy recomendable!
Password en ambos casos: presoventanilla
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Chance (2020)
Henri Texier puede considerarse un veterano de la escena del jazz francés, donde ha estado activo desde principios de los sesenta. Hoy en día, el músico es conocido más allá de las fronteras, principalmente como contrabajista, que ha estado y sigue estando en numerosos festivales. Uno puede pasar por alto el hecho de que no solo puede puntear el bajo, sino que también es un multiinstrumentista, un formidable cantante, director de orquesta y compositor. Su carrera como bajista comenzó en clubes de jazz parisinos, donde tocó con Bud Powell, Johnny Griffin o Bill Coleman, Don Cherry y Martial Solal, entre otros. En los años setenta, cuando grabó sus primeros discos, actuó con Joachim Kühn y Didier Lockwood. En los ochenta fundó una banda que unía el jazz con el pop y las músicas del mundo. El saxofonista y clarinetista Louis Sclavis estaba a bordo en ese momento.
En el álbum actual, Chance, Henri Texier en contrabajo se reúne con Sébastien Texier en clarinete, clarinete alto y saxofón alto, Vincent Lê Quang en saxofón tenor y soprano, Manu Codjia en guitarra y Gautier Garrigue en batería. Una característica especial del álbum: cada miembro del quinteto ha contribuido con una pieza, mientras que Henri Texier, como líder de la banda, con cuatro composiciones, es responsable de la mayor parte de Chance. Con «Cinecitta» el quinteto rinde homenaje musical al cine italiano de los sesenta y setenta. Con «Pina B. – Pour Pina Bausch», los cinco músicos recuerdan a la directora de ballet del teatro de danza de Wuppertal que lleva su nombre, quien fue una figura de culto en la escena de la danza internacional con su desarrollo del teatro de danza. Por último, pero no menos importante, con «Simone et Robert – Pour Simone Veil et Robert Badinter», los cinco se inclinan ante Simone Veil, que sobrevivió a la deportación a Auschwitz-Birkenau y que, como Ministra de Salud francés de 1974 a 1979, inició la ley sobre el aborto en 1975. Robert Badinter es recordado aquí como un político, profesor de derecho, abogado y autor que, como Ministro de Justicia, impulsó la abolición de la pena de muerte en Francia en 1981.
Con «Standing Horse» Henri Texier ha creado un gran solo de contrabajo para sí mismo en Chance, que antes de la canción principal que concluye el álbum, subraya enfáticamente su afirmación de ser un bajista de primer nivel. Sin embargo, típico de Texier, Chance es un evento completamente democrático, que también da a los otros músicos espacio para demostrar su valía como solistas.
Lo que también es notable de Chance es que Henri Texier subraya su lealtad de larga data al sello Label Bleu con este álbum altamente recomendable, que le ha proporcionado de manera confiable una plataforma en la que el músico ha podido materializar sus ideas de jazz sin obstáculos.
Fuente para la reseña: https://www.highresaudio.com/en/review/henri-texier-chance
Apunte: Como nos tiene acostumbrados en los excelentes discos que ha venido registrando Henri Texier en los últimos años, rodeado sabiamente de talentosos músicos, los temas en Chance van de menos a más creando capas de sonido que se van haciendo más densas e intensas, reforzando la idea de gratitud que quiere transmitir el democrático líder de esta banda. Texier, a punto de cumplir 76 años (nació el 27 de Enero de 1945), sigue dando muestras de tremenda vitalidad y agradecimientos: se siente «afortunado de estar todavía aquí y hoy» y al mismo tiempo «afortunado de poder tocar con tantos grandes músicos y tener una base de fans tan leal». Esas son solo algunas de las cosas por las que Henri Texier dice sentirse afortunado en las liner notes, por lo tanto, ha dedicado este álbum. Nosotros, también agradecidos.
Track Listing
1. Cinecitta (6:54)
2. Jungle Jig (8:28)
3. Simone Et Robert (6:16)
4. Pina B. (7:02)
5. Laniakea (8:23)
6. Le Même Fleuve (8:33)
7. Standing Horse (1:53)
8. Chance (6:50)
Artist List
Sébastien Texier: Alto Saxophone, Clarinet, Alto Clarinet
Henri Texier: Contrabass
Gautier Garrigue: Drums
Manu Codjia: Guitar
Vincent Lê Quang: Tenor Saxophone, Soprano Saxophone
Password: presoventanilla
Colors (2019)
La pianista y compositora Yelena Eckemoff ha producido una discografía variada. Pero desde su álbum de trío de piano «Lions» (L&H Production, 2015) ha tendido hacia conjuntos más grandes. «Leaving Everything Behind» (L&H, 2016) y «Desert» (L&H, 2018) fueron cuartetos; «Blooming Tall Phlox» (L&H, 2017) e «In the Shadow of a Cloud» (L&H, 2017) fueron quintetos; y «Better Than Gold And Silver» (L&H, 2018) fue un sexteto (más dos vocalistas para las versiones vocales). Así que este es un movimiento sorprendente: un dúo con el baterista Manu Katché, un nuevo colaborador y el único en su discografía que recibe crédito de co-facturación.
Como siempre, el álbum tiene un tema: en este caso son los colores, a cada pista se le asigna un título con un tono diferente. Como dejan claro los poemas que lo acompañan, para Eckemoff los colores tienen asociaciones con eventos específicos de la vida, que van cronológicamente desde el parto (blanco) hasta la infancia (naranja), el embarazo (azul), la edad adulta (rojo) y la vejez (gris). Si bien la composición es su enfoque principal, la escasa instrumentación se centra inevitablemente en su interpretación del piano. Los proyectos recientes han tenido una atmósfera tan estelar que se podría perdonar a los oyentes que verificarán los créditos para averiguar quién toca el piano. Como mínimo, este álbum restablece el papel central de Eckemoff como pianista y como compositora.
«White» es una apertura suave, piano impresionista acompañado de pinceles y platillos ligeros. «Orange» se calienta con un piano de blues y una potente batería de rock, y «Green» continúa la sensación de ritmo acelerado (junto con una sección de introspección lírica). El dúo logra un sonido completo: la escritura para piano de Eckemoff incluye suficiente registro de bajo para cumplir esa función cuando es necesario, y Katché puede sonar como una sección de percusión completa («Violet» es un buen ejemplo de esto).
La pista larga «Blue» (que trata sobre la tranquilidad del lago y de cielos azules, no la tristeza que el color podría sugerir) es un buen ejemplo de las composiciones seccionales y compuestas a menudo ensayadas por sus proyectos grupales. Aquí solo los dos músicos presentan una serie de estados de ánimo en su mayoría contemplativos, con un par de secciones vivaces contrastantes recurrentes. «Grey» es una rumia rubato sobre la vejez, piano solo durante el primer tercio antes de que se incorpore la percusión ligera. Más cerca «Black» evoca sólo la oscuridad de la noche y el sueño, una meditación suave que completa el círculo del nuevo día en el poema que lo acompaña.
Colors es una adición excepcional a la discografía de Yelena Eckemoff, y una imagen muy clara de su talento compositivo y pianístico, con todo lo extraño eliminado. La contribución de Manu Katché lleva las señas de identidad de su estilo: color tonal, invención y su inimitable groove. No es de extrañar que Eckemoff haya optado por tocar conciertos en vivo apoyando el lanzamiento en solitario, en lugar de utilizar otro baterista.
Fuente para la reseña: Mark Sullivan para https://www.allaboutjazz.com/colors-yelena-eckemoff-l-and-h-production-review-by-mark-sullivan.php
Apunte: Yelena Eckemoff es una pianista rusa que vive en Nueva York desde 1991. De formación clásica, después de diez álbumes lanzó su primer disco de jazz en 2009 con Peter Erskine y desde entonces ha colaborado con muchos músicos. Manu Katché es bien conocido en MQC/PV por sus discos de jazz para el sello ECM, pero lo es más, fundamentalmente, por haber sido parte crucial del sonido Peter Gabriel en la dorada época de «So». Eckemoff y Katché unieron talentos y sensibilidades en los estudios La Buissonne de Perne-les-Fontaines (hogar de exquisitas músicas) y en un par de días grabaron Colors. Eckemoff crea impresiones musicales de 14 tonos distintos, organizándolos en una progresión simbólica a través de las etapas de la vida, valiéndose de diversos estilos. Al respecto Eckemoff aclara: «en última instancia, todo se filtra a través de mis sentimientos internos y se expresa a través de la melodía y la armonía, pero esto no se trata de mí. Evité deliberadamente cualquier referencia autobiográfica. Se trata del curso promedio de la vida de cualquier persona». La notable individualidad de Katché, lo convirtió en un candidato natural para el proyecto. «Siempre está buscando ritmos, mientras que mi música es una combinación de enfoques estructurados e improvisados», dice Yelena. «Esto era exactamente lo que quería: los tambores maravillosos y picantes que serían un mundo en sí mismos y no solo seguir el piano. Sentí la cercanía de nuestras almas», dice, «y pensé que sería un desafío agradable y emocionante hacer este disco con él». Muy recomendable.
Track Listing
01. White (8:15)
02. Pink (4:56)
03. Orange (3:59)
04. Green (6:10)
05. Violet (6:20)
06. Indigo (3:04)
07. Blue (8:24)
08. Red (7:21)
09. Brown (4:02)
10. Bordeaux (6:38)
11. Yellow (6:07)
12. Aquamarine (4:00)
13. Grey (3:02)
14. Black (7:33)
Artist List
Yelena Eckemoff: piano and compositions
Manu Katché: drums
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Filed under: Uncategorized | Etiquetas: Andrea Keller, Carl Mackey, Danny Fischer, Jazz, Julien Wilson, Mat Jodrell, Sam Anning
A Field As Vast As One (2018)
Rara vez he escuchado un álbum más intensamente hermoso que este. Sam el bajista Anning, un acompañante omnipresente en tantos álbumes a lo largo de los años, se ha desempeñado de manera brillante en las situaciones más exigentes. ¿Quién hubiera pensado que su propia música sería tan sencilla, lírica y sentida? Este álbum es testimonio del eje del jazz Perth-Melbourne, donde en ambas ciudades se animaba a los jóvenes músicos a encontrar su propia voz en lugar de copiar modelos estadounidenses. Tres son originarios de Perth: el propio Anning (contrabajo y guitarra), Mat Jodrell (trompeta / flugelhorn) y Carl Mackey (saxofones alto y tenor). De Melbourne son Julien Wilson (saxofón tenor y clarinete bajo), Andrea Keller (piano) y Danny Fischer (batería). Este es, en un sentido real, un grupo de estrellas. Para los estándares del jazz contemporáneo en Australia, las ocho composiciones de Anning son inusualmente melódicas. El oyente promedio posiblemente podría tararear la mayoría de los temas y relacionarse fácilmente con los cambios armónicos en ellos. Esto no quiere decir que la música carezca de complejidad y sofisticación, pero hay una accesibilidad sobre la música que augura un buen éxito comercial. Destaca la canción principal, escrita por Anning en Nueva York tras la muerte de su amigo y mentor, el baterista Allan Browne. El nombre «Across A Field As Vast As One» está tomado de un poema que Anning escribió cuando Browne agonizaba en Melbourne. Esta hermosa actuación, teñida de tristeza si no de dolor, presenta luminosos solos de Jodrell en flugelhorn y Keller en piano. Es un tributo conmovedor al legado de Browne que sus estudiantes y colegas todavía sienten hoy. Vale la pena recordar lo que dijo una vez el gran hombre: «La música es demasiado importante para tomarla en serio».
Fuente para la reseña: Eric Myers para https://ericmyersjazz.com/cd-reviews-page-10
Apunte: Sam Anning, bajista y compositor de Melbourne ha lanzado su tercer y último álbum a la fecha, Across A Field As Vast As One. Anning después de pasar un tiempo en la ciudad de Nueva York estudiando y actuando con artistas consagrados como Ari Hoenig, Joe Lovano, Kenny Werner y Gilad Hekselman, regresó a su Australia natal. El álbum incluye un conjunto de melodías originales, escritas para su sexteto de colaboradores de larga data: el trompetista Mat Jodrell, los saxofonistas Julien Wilson y Carl Mackey, la pianista Andrea Keller y el baterista Danny Fischer. En su página de Bandcamp, Sam indica que la colección de ocho tracks se inspira en ideas de amigos perdidos, cantantes balcánicas, lagos volcánicos, conversaciones en taxi y restos de aviones brillando en un campo de girasoles. Anning en sus composiciones extrae una gran emoción de estas experiencias dispares, creando un álbum honesto, de gran simpleza y belleza que evita la trampa de la complejidad para centrarse en lo emocional, sacándole jugo a una sólida sección de vientos muy acorde a sus objetivos. Publicado en el año 2018, Across A Field As Vast As One, ganó el premio «Best Australian Instrumental Jazz Album».
Track Listing
1. Sutrin (7:55)
2. Sweethearts (8:26)
3. Across A Field As Vast As One (7:36)
4. Lake (2:51)
5. Talking Wall (4:22)
6. Sunflowers (6:01)
7. Hands Reaching (5:59)
8. Telos (6:21)
Artist List
Mat Jodrell: trumpet/flugelhorn
Carl Mackey: alto & tenor saxophones
Julien Wilson: tenor saxophone & bass clarinet
Andrea Keller: piano
Sam Anning: double bass & guitar
Danny Fischer: drums
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