Preso ventanilla


Vincent Peirani

tapa Thrill Box
Thrill Box (2013)

Thrill Box es el álbum debut de Vincent Peirani en el sello ACT Music. Su título se refiere al instrumento de elección de Peirani, el acordeón. Para muchos, el acordeón viene fácilmente a la mente como un instrumento del folk de Europa del Este, para otros, evoca las imágenes de bailarines de Morris durante calientes tardes inglesas de primavera (aunque era más usual la concertina) o los veranos en un café francés; en otros casos, sin embargo, es parte de la cultura musical de América del Sur. En esta mezcla de melodías originales, clásicos del jazz y canciones americanas tradicionales están todas aquellas cosas -así como un instrumento de jazz de primera línea.

Peirani comenzó como estudiante de música clásica a los 12 años de edad y ha tocado con estrellas incluyendo a compañeros artistas de ACT Music, Ulf Wakenius y Youn Sun Nah. Su dominio técnico del acordeón es impresionante, pero él acopla esto con un fuerte sentido del humor y de musicalidad. Él abre y cierra Thrill Box con las increíbles performances solistas de “Choral” y “Bailero” de Joseph Canteloube. Ambas melodías exigen el control y la precisión del ejecutante: Peirani demuestra que tiene conocimientos en abundancia, así como la madurez necesaria para maximizar el impacto emocional de las canciones.

Las cosas pueden hacerse un poco más optimistas cuando al acordeonista se suman el bajista Michel Benita del Trío Libero y el pianista Michael Wollny de [em]. “Optimista” no debe confundirse con “up-tempo”: el ritmo característico de la música sigue siendo lento y relajado, pero el estado de ánimo lo ilumina, y un sentimiento de alegría emana de los músicos cuando están ejecutando un suave vals (“Waltz For JB” de Brad Mehldau) o el mítico clásico del “bebop” (“I Mean You” de Thelonious Monk).

Benita está en forma magistral a lo largo de todo el proceso; nunca toca dos notas si con una basta -y siempre tocando la correcta. Wollny complementa las melodías de acordeón de Peirani con alguna expresión melódica encantadora de su propiedad -su ejecución en “Waltz For JB” es excelente- y también añade profundidad con sus acordes rítmicos.

Peirani excava profundo en las raíces de la música americana con versiones de “Goodnight Irene” y “Shenandoah” que ponen de manifiesto el sentido inherente de añoranza en el centro de ambas canciones. “Goodnight Irene” es un dúo entre el bajo de Benita y la accordina de Peirani (un pequeño instrumento que se parece a una mezcla del acordeón y la armónica). “Shenandoah” es la performance de un relajado trío, que es tan espacioso como el paisaje americano que esto evoca.

La alegría está bastante más ilimitada en “3 Temps Pour Michel P”, el tributo de Peirani a su invitado Michel Portal. El clarinete de bajo de Portal añade una rica textura a “B&H”: su bandoneón en esta melodía se combina con el acordeón de Peirani en un dúo que es divertido, gracioso y claramente estupendo. Se unen a la vocalización entusiasta de Peirani y la canción se hace completamente irresistible.

Un acordeón no será la idea de todo el mundo de una “Caja de Emoción”, pero Peirani hace más que bastante para justificar el título del álbum y esta descripción de su instrumento. Las emociones pueden ser más cerebrales que viscerales, pero hay un montón de ellas -y parece claro que él tiene muchas más para traer.

Fuente para la reseña: Bruce Lindsay para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=44396#.UgRbxaxqSg8

Track Listing – Thrill Box

01. Baïlero (3:40) (Canteloube, Joseph)
02. Waltz For JB (5:37) (Mehldau, Brad)
03. Hypnotic (5:14) (Peirani, Vincent)
04. Goodnight Irene (3:12) (Traditional)
05. B&H (3:54) (Peirani, Vincent)
06. Air Song (3:28) (Peirani, Vincent)
07. 3 Temps pour Michel’P (3:29) (Peirani, Vincent)
08. Shenandoah (4:13) (Traditional)
09. I Mean You (2:45) (Monk, Thelonious)
10. Throw It Away (5:32) (Lincoln, Abbey)
11. Balkanski Cocek (3:13) (Sisic, Alexandar)
12. Choral (6:42) (Peirani, Vincent)

Artist List

Vincent Peirani: accordion & accordina (4), vocals (3 & 7)
Michael Wollny: piano & fender rhodes
Michel Benita: bass

Guests:
Michel Portal: bass clarinet (5) & bandoneon (7)
Emile Parisien: soprano sax (6 & 11)

tapa Tanguillo
Tanguillo (2013)

Vincent Peirani y François Salque, procedentes de dos tradiciones y entornos musicales completamente distintos, han desarrollado de forma gradual lenguajes y caminos altamente personales que combinan la música escrita con la improvisación, así como la experimentación de un concierto a otro. Su primer CD, East, estuvo dedicado a la música tradicional de Europa central. En esta ocasión el hilo conductor es la música suramericana, y de manera especial la argentina, centrada en el universo tanguero de Astor Piazzolla. Las sonoridades del violonchelo y del acordeón, tan magníficas como distintas entre sí, se imbrican y entrelazan entre las ondulaciones rítmicas y melódicas de las piezas, algunas de ellas adaptadas y otras creadas para este trabajo por Vincent Peirani, Jocelyn Mienniel y Tomás Gubitsch.

Fuente para la reseña: http://www.elartedelafuga.com/shop/detalle.aspx?id=50446

Track Listing – Tanguillo

01. Travesuras (Tomás Gubitsch) (7:01)
02. Seul Tout Seul / Armaguedon (Astor Piazzolla / Jocelyn Mienniel) (8:11)
03. Untitled Suite (8:04) (Vincent Peirani)
Le Grand Tango (Astor Piazzolla)
04. Le Grand Tango: I. Tempo Di Tango (3:16)
05. Le Grand Tango: II. Meno Mosso (4:17)
06. Le Grand Tango: III. Piu Mosso (3:12)
07. Cafe 1930 (7:04)
08. Tanguillo (Improvisation) (Vincent Peirani) (2:55)
Suite en 5 (Vincent Peirani)
09. Suite En 5: Pt. I (5:40)
10. Suite En 5: Pt. II (2:36)
11. Suite En 5: Pt. III (2:27)
12. Suite En 5: Pt. IV (6:10)
13. Le Chant Des Oiseaux (mélodie traditionnelle) (3:08)

Artist List

François Salque: violoncello
Vincent Peirani: accordion
Tomas Gubitsch: guitar

Layout 1
Belle Époque (2014)

Un amoroso dúo entre un saxofón soprano y un acordeón, aprovechando las mejores fuentes del jazz (Ellington, Bechet) y de la experimentación.

Si este disco fuera un film de amor contemporáneo, el hombre sería Vincent Peirani, acordeonista, y la mujer, Emile Parisien, saxofonista (aquí al soprano). En “Egyptian Fantasy”, primero de los nueve títulos del disco, se vería a las dos figuras entrar lentamente en el agua azul de la noche, para luego echarse a arremolinarse locamente. En “Temptation Rag”, el hombre danzaría a toda velocidad, y la mujer vibraría alrededor de él como una avispa. En “Song of Medina”, esto es en una casbah, ella está adormecida, luego patalea ruidosamente. Surrealismo no muerto, muy desconcertante. El silencio dura, vela sobre la bella adormecida golpeando tambores (“Hysm”). He aquí bajo una carpa, disfrazados de apaches en baile popular, suben a la cuerda, enlazados: “Le Cirque des mirages”. En “Place 75″, se corren después a la Concorde en París, o a la Grand-Place de Bruselas. Luego, en “Schubertauster”, ellos lanzan a Viena cómplices guiñadas. En “St. James Infirmary”, avanza de un paso espantosamente triste hacia el hospital donde muere. Pero no, no ha muerto: sería en un más allá, ya que aquí bailan juntos, amorosamente, en un tiempo que no se mueve más, en “Dancers in love”. Fin.

Vincent Peirani y Emile Parisien tienen la misma edad (31 años) y el mismo gusto por la experimentación. En su primer disco en dúo, una obra maestra en esta austera fórmula, improvisan correspondiéndose sobre dos aires poco conocidos de Sidney Bechet, sobre otro de Duke Ellington, sobre un clásico del jazz antiguo, y también sobre un ragtime de 1909. Una amplia cultura común, pues. Los otros cuatro trampolines a su creación vanguardista, se las reparten como hermanos. Ambos están en vías de renovar la concepción de su instrumento, uno en el acordeón, el otra en el soprano, con una energía y una invención ilimitada. Y son franceses. Belle époque, definitivamente, para nosotros.

Fuente para la reseña: Michel Contat para http://www.telerama.fr/musiques/belle-epoque,110167.php

Track Listing – Belle Époque

1. Egyptian Fantasy (Bechet, Sidney) (4:48)
2. Temptation Rag (Lodge, Henry) (5:35)
3. Song Of Medina [Casbah] (Bechet, Sidney) (8:00)
4. Hysm (Parisien, Emile) (6:39)
5. Le Cirque des Mirages (Peirani, Vincent) (6:49)
6. Place 75 (Parisien, Emile) (4:31)
7. Schubertauster (Peirani, Vincent) (9:20)
8. St. James Infimary (Irving, Mills) (4:20)
9. Dancers In Love (Ellington, Duke) (4:21)

Artist List

Vincent Peirani: accordion
Emile Parisien: soprano saxophone

Apunte: Peirani es una figura valederamente ascendente en el panorama musical europeo. Luego de haber grabado el excelente “Gunung Sebatu”, entra en la consideración de un sello de calidad como es ACT Music y aparece como compañero de grabación en el disco “Vagabond” de Ulf Wakenius, en el año 2012. Poco tiempo después, ACT lanza el disco debut de Peirani en este sello: Thrill Box, como corresponde, rodeado de notables talentos. Paralelamente, por el sello Zig Zag Territoires y junto al violonchelista François Salque y nuestro coterráneo Tomás Gubitsch, editaron Tanguillo un disco muy ligado a nuestra cultura rioplatense, fundamentalmente enfocado en el genial Astor Piazzolla. Tanguillo no se trata del típico disco de músicos franceses enamorados del tango, haciendo versiones pasteurizadas de Piazzolla. Tiene la perfección técnica pero también hay algo más. Lo tiene a Gubitsch (poquito, lamentablemente), sonando con la velocidad de un rayo, tal vez escapando del cielo, por una alarma entre los ángeles…Tanguillo es una belleza. Y para este final abierto llega recientemente Belle Époque, en dúo con Emile Parisien. Emile Parisien es otro joven y notable promesa musical del pais galo. Saxofonista alto y soprano, compositor y líder de su propio cuarteto cultor del free jazz y de la música creativa moderna, en Belle Époque se encuentra más contenido, justamente por desarrollar sus ideas en un contexto de música escrita por mitos como Bechet y Ellington. Justamente esto es lo que hace sumamente atractivo a Belle Époque: la mezcla de tradición y el desparpajo, a veces áspero, de estos muchachos, dan como resultado una música de alta energía, notablemente actual y original. Belle Époque es un bienvenido paso hacia adelante, pero en otra dirección distinta a Tanguillo y a Thrill Box para Peirani, tal vez en una más parecida a la de ese otro animal musical que es Kimmo Pohjonen. En fin, amigos: con ustedes, Vincent Peirani y su caja de emoción.

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Richie Beirach, Gregor Huebner, George Mraz
abril 13, 2014, 11:07 pm
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tapa Round About Mompou
Round About Federico Mompou

Sobre Federico Mompou

La noche sosegada
en par con los levantes de la aurora.
La música callada,
la soledad sonora,
la cena que recrea y enamora.

En estos versos del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz encontró Frederic Mompou la expresión de su ideal estético. Y si bien el místico pretendía poetizar la intimidad ferviente que orienta hacia lo sagrado, en sus palabras el músico catalán encontró el calificativo más idóneo para una obra que quería ser la voz del silencio.

Mompou (1893-1987) despreció las modas de su época y se negó a emular a los ídolos de la música moderna tales como Schöenberg y Webern a los que detestaba (sintió siempre una repugnancia instintiva hacia la música germánica en la que identificaba una genuina “fonorrea”). Autodidacta, se dejaba llevar por su intuición, y por ello permaneció más cerca de la música de Fauré, Poulenc y especialmente Satie, otro miniaturista del piano. Se fue forjando una idea de la música basada en su cualidad sonora primigenia, en la pureza del sonido y su resonancia (es interesante señalar aquí que durante su infancia tuvo un papel de referencia la fábrica de campanas de su abuelo materno). La música era para él sonido puro, nada de discurso y mucho menos, por supuesto, arquitectura.

Se definía a sí mismo como hombre de pocas palabras y músico de pocas notas. Consideraba que la audición es interna y la emoción secreta, y que esta última sólo toma forma en los ecos (resonancias, otra vez) de la propia soledad. El atractivo de ese diálogo interior que despierta la escucha de “Música callada” está en lo que se queda fuera. Su minimalismo nace a partir de un lenguaje de silencio. Las frases corren desprovistas de compás, hacia la nada. No encontraremos desarrollos dramáticos en ninguna de las 28 pequeñas piezas que forman la colección (cuatro cuadernos compuestos entre 1959 y 1967), sino gestos interrogantes, sigilosas sendas que nos devuelven a la inocencia musical.

Fuente: http://joselorente.blogspot.com.ar/2012/03/musica-callada-soledad-sonora.html

Sobre Round About Federico Mompou

El año pasado, Richie Beirach sorprendió al mundo del jazz con su apariencia de “sobrino de Bartók de Nueva York”. Aquellos que han escuchado al pianista en concierto con el violinista Gregor Huebner y el bajista George Mraz, o en el aclamado CD “Round About Bartók” (ACT 9276-2), también han oído como los tres, sin esfuerzo, improvisaron en torno a temas de Alexander Scrijabin y Zoltán Kodály. Así pues, no ha de sorprendernos que Beirach haya descubierto que tiene relaciones con otros compositores de música clásica moderna. “Descubierto” en el sentido más estricto de la palabra, para la banda de admiradores de la decididamente poco espectacular música de Federico Mompou es todavía pequeña; sin embargo, es la música que te hace sentar y tomar nota una vez que la hayas escuchado.

Los contemporáneos de Federico Mompou (1893 – 1987) ya tenían diversas opiniones respecto a su música; Mompou despreciaba las tendencias, y se negó a seguir a las deidades de la música moderna, como Schönberg y Webern. De formación autodidacta, siguió su intuición, y por lo tanto estaba más cerca de la música de Satie y Faure. A pesar de que el catalán pasó muchos años de su vida en París, donde fue muy celebrado, sentía la vida más a gusto, aunque en su mayor parte aislada, en la ciudad donde nació, Barcelona. Tal como Bartók adaptaba la música folklórica húngara, Mompou con frecuencia investigaba dentro de las melodías catalanas.

A principios de los ’90 Richie Beirach oyó por primera vez las insuperables interpretaciones de la pianista Alicia de Larrocha de la música para piano de Mompou. La música lo electrificó. Él inmediatamente encontró los manuscritos y se encontró “automáticamente” improvisando sobre el material. A pesar de que el romanticismo tardío, impresionismo influido por las armonías, es melódicamente tentador para el músico de jazz, por tratarse de Mompou, resultó ser más complicado que en el caso de Bartók. En primer lugar, el recurso del “diálogo interior” de Mompou está en lo que es excluido. Su minimalismo nace de un “lenguaje del silencio”. Las frases corren, carentes de sentido, en la nada. En lugar de acontecimientos dramáticos se yergue un gesto interrogatorio, la vuelta natural a un reino reservado de inocencia musical.

“Mompou no tolera que usted simplemente agregue algo”, refleja Beirach. Gregor Huebner agrega, “…pero usted no puede dejar afuera una sola nota”. ¿Qué es lo que le queda a un trío de jazz, sobre todo, a diferencia de Bartók, si sólo frases rítmicas están implícitas? Hay tres formas paralelas para abordar la cuestión “Round About Federico Mompou”: hay sutiles arreglos para el violín, el piano, y el contrabajo, que se quedan cerca de los temas originales, mientras en las “fantasías”, hay un enfoque mucho más libre que a menudo lo mira en motivos concretos. Y finalmente está el típico empleo de estilo de jazz de “cambios de Mompou” como un vehículo para la improvisación, con la ocasional adición de un propulsivo walking-bass.

Los que aún no están familiarizados con este más que notable compositor catalán llegarán a conocer su espíritu musical a través de ocho miniaturas de la obra magna de Mompou, el ciclo “Música Callada” (1959-1967). A través de los tres improvisadores, el oyente experimenta un sutilmente sensual entendimiento de la música, como los músicos se liberan de este carácter básico hacia adentro, parecido a una balada. El respeto, y un mood inspirado y juguetón determinan el acercamiento de este trío no convencional. El decidido impulso para su sonido de jazz de cámara de jazz se deriva de la música europea clásica y el estilo americano neoyorquino de jazz moderno.

Tres músicos virtuosos tratan libremente con el desafío musical de un compositor que afina y pule sus miniaturas hasta el más mínimo detalle, un compositor a quien el virtuosismo le era particularmente extraño. La música funciona sólo porque como músicos de jazz los tres logran tocar en la forma que Beirach tanto atesoró en las clásicas interpretaciones de Mompou por parte de Alicia Larrocha; no tocan analíticamente, tocan “absolutamente natural” – como si su madre les cantara “Musica Callada” mientras ellos dormían.

Fuente: https://www.actmusic.com/en/Artists/Richie-Beirach/Round-About-Federico-Mompou/Round-About-Federico-Mompou-CD-Out-Of-Print/Produktinformation/%28release_id%29/21119

Apunte: Finalmente pude escuchar Round About Federico Mompou gracias a los buenos oficios de nuestro imprescindible, viejo y querido amigo Ignoto Transversal, quien atento a lo que acontece en la web apareció prontamente en el mail para decir “yo lo tengo!!”. Mompou quería que su música fuera nada más ni nada menos que la voz del silencio. ¿Cómo intervenir desde el jazz una música que nace en un lenguaje del silencio? Pues bien, Beirach, Huebner y Mraz de alguna manera han logrado que con su mirada desde fuera de lo estrictamente clásico, la búsqueda obsesiva de la pureza del sonido por parte de Mompou, quede arropada en un tratamiento sonoro que realza lo melódico y el romántico lirismo que tiene asociado. Para escuchar atentamente y disfrutar, y si tenemos tiempo, ahondar en Mompou a través de las grabaciones de la pianista (catalana, también ella) Alicia de Larrocha (1923 – 2009)

Track Listing

01. Impressiones Intimas #1 (Federico Mompou) (4:29)
02. Musica Callada #6 (Federico Mompou) (8:05)
03. Fantasie On Musica Callada #10 (George Mraz, Gregor Huebner) (2:11)
04. Musica Callada #10 (Federico Mompou) (6:33)
05. Bass Fantasie On Musica Callada #1 (George Mraz) (2:58)
06. Musica Callada #1 (Federico Mompou) (3:52)
07. Musica Callada #27 (Federico Mompou) (1:48)
08. Around Musica Callada #27 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (4:36)
09. Fantasie On Musica Callada #19 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (3:11)
10. Around Musica Callada #19 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (1:00)
11. Musica Callada #19 (Federico Mompou) (3:39)
12. Musica Callada #18 (Federico Mompou) (7:40)
13. Fantasie On Musica Callada #18 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (1:55)
14. Musica Callada #15 (Federico Mompou) (2:32)
15. Musica Callada #22 (Federico Mompou) (8:20)

Artist List

Gregor Huebner: violin
Richie Beirach: piano
George Mraz: acoustic bass

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Aidan O’Rourke
abril 5, 2014, 9:27 pm
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tapa Hotline
Hotline (2013)

Hotline es un nuevo trabajo comisionado como parte de la Olimpíada cultural coincidente con los juegos organizados en el Reino Unido el año pasado. Haciéndose eco de temas de naciones unidas, está inspirado en el transatlántico TAT1, el cable de teléfono que entró en funcionamiento entre Oban (donde nació Aidan) y Newfoundland en 1956. Es famosa la línea, porque era la conexión directa entre el Kremlin y la Casa Blanca, de ahí el título. Aidan es más conocido por sus contribuciones al innovador “Lau” y más recientemente “Kan”, aunque también fue un miembro fundador de “Blazin’ Fiddles”. Sus raíces irlandesas aseguran que él creció en un ambiente musical con su padre investigando las tradiciones folk de su pais. Por ello, no es de sorprender, entonces, cuando Aidan asumió seriamente el violín a la edad de sólo ocho años, para pronto ganar numerosos concursos en Escocia y girar internacionalmente a los 14.

Según su propia admisión, él se ve como solo un violinista escocés, con un profundo amor tanto de su país como de la herencia musical que viene con eso. Pero que se equilibra con negarse a establecer límites como músico. El proceso de aprendizaje de Aidan todavía está en curso y cuando se tiene en cuenta el nivel en el que está tocando, esto realmente lo hace un muy especial talento.

Mientras vimos recientemente en Lau una faceta de Aidan, con su contagiosa energía y unidad, Hotline da otra. Tuve la suerte de verlo también en South Bank de Londres y quedé muy impresionado. Me siento aún más fascinado con el CD y la posibilidad que ofrece de repetir la audiencia. La performance del concierto me dejó la sensación de haber visto algo melodiosamente complejo y expansivo. Aunque quizá no sea tan carismático como Lau, todavía hay una intensidad en la forma en que los músicos parecían sintonizar uno con otro en el escenario, pero la instrumentación ha creado un mundo armónico, nuevamente confirmado por este CD.

Con toda la música compuesta por Aidan, la banda para estas sesiones es Phil Bancroft en saxofón tenor, Paul Harrison en teclados, Catriona McKay en arpa escocesa y Martin O’Neil en percusión. El saxofón es probablemente lo más inusual destacado en esta alineación, pero la combinación de arpa y piano también es interesante. La adición a la mezcla son los samples vocales tomados de un archivo de las conversaciones que tuvieron lugar a traves de los cables, mezclados con otros tirones de expresión que hacen eco de la Guerra Fría.

La música es una Suite de cinco largas piezas y desde el inicio mismo de TAT-1, el aventurero alcance es claro. El arranque del violín establece una confusión de discordantes baches y señales. El ritmo toma forma empujado por la percusión y el saxofón lentamente comienza a añadir un sentido melódico, el piano recoge una figura rítmica y el arpa añade florituras que danzan alrededor de la periferia, con el conocido violín de Aidan y una ráfaga del piano por último dando paso a un riff staccato que concluye la pieza.

La segunda pieza “Clarenville” y la más cercana “Gallanach Bay” reflejan los extremos opuestos de esta increíble obra de ingeniería, mientras que “HMS Monarch” es el nombre del barco que instaló la mayoría de los cables. Newfoundland y Escocia están unidas por mucho más que una línea telefónica, desde luego, con muchos emigrantes que cruzaron el Atlántico, llegando allí, o extendiéndose en Canadá y los EE.UU. Hay una calidad de ansiedad en la melodía y un sombrío y solitario sentimiento en los motivos de apertura del violín y el arpa en “Clarenville”, recogido por los tonos susurrantes y algo melancólicos del saxofón de Phil Bancroft que quizás reflejan este hecho.

Pero la más evocativa es la canción del mismo título de “Hotline”, que se refiere a la principal forma de comunicación establecida entre la Rusia Comunista y los E.E.U.U. durante la guerra fría. La principal amenaza de M.A.D.** vino con la tensión entre las dos ideologías y la proliferación de armas, lo cual causó una constante amenaza. Esto echó una sombra sobre las vidas de cada uno, pero probablemente sobre todo en los niños del “baby boom” nacidos de aquellos que habían vivido de primera mano los horrores de la segunda guerra mundial. Los siniestros ecos se sienten en las dos voces, un ruso y un estadounidense, separados apropiadamente a izquierda y derecha, hablando simultáneamente, pero no al unísono.

Musicalmente esto es tan bueno como lo que Aidan ha hecho. Como una comisión esto conecta a su querida Escocia al más amplio mundo, ofreciendo en el proceso un nuevo y universal lenguaje musical, creado por cinco voces musicales diversas que vienen juntas. Las palabras habladas que son ecos del pasado, desde las pintorescas e ingenuas preguntas sobre las condiciones del tiempo y clanes escoceses, a la más siniestras posturas políticas, sirven para recordarnos la necesidad básica de comunicación. Es lo que podemos compartir lo que es nuestra fuerza.

** (M.A.D. = Mutual Assured Destruction: ‘destrucción mutua asegurada’)

Fuente para la reseña: Simon Holland para http://www.folkradio.co.uk/2013/06/aidan-orourke-hotline/

Apunte: Hermosas sorpresas guarda Hotline en sus apenas cuarenta y algún minutos de duración. Con inicios apenas susurrados, esta poco común formación instrumental desarrolla los temas de manera circular con un incesante incremento de intensidad, energía y entusiasmo. Creanme: una sola audición no alcanza para disfrutar lo hipnótico del sonido logrado. Una pequeña joyita. Discazo.

Track Listing

01. TAT-1 (6:21)
02. Clarenville (10:57)
03. Hotline (6:44)
04. HMS Monarch (7:32)
05. Gallanach Bay (9:40)

Artist List

Aidan O’Rourke: fiddle
Phil Bancroft: tenor saxophone
Paul Harrison: keyboards
Catriona McKay: scottish harp
Martin O’Neil: bodhran, percussion

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John Zorn
abril 2, 2014, 7:52 pm
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tapa At The Gates of Paradise
At the Gates of Paradise (2011)

Con su sello Tzadik, John Zorn ha construido un pequeño pero milagroso imperio de grabaciones de calidad, tanto a su propio nombre, como álbumes bajo la dirección de otros artistas. Este es uno de los suyos. Zorn es grande en cada uno de los temas, construídos en torno a los conceptos o los escritos que lo inspiraron. At the Gates of Paradise se enmarca en la serie de albumes llamada Mystical. Se trata de álbumes que me han traído las mayores alegrías.

Basándose en los escritos del poeta William Blake y antiguos escritos gnósticos de Nag Hammad, Zorn ha construido una serie de composiciones que son hipnóticas y de ensueño, poseyendo una serenidad encontrada en el más dulce de los romances.

Wollesen, quien ha aparecido en todos los álbumes de esta serie, tiene una destreza en las vibraciones de crear simultáneamente los momentos de optimismo e inquietud. Medeski lo complementa maravillosamente en el piano, dando flotabilidad a la esperanza y un borde agudo a la inquietud. Joey Baron, un veterano de los viejos días de Bill Frisell, es una maravillosa sorpresa aquí, con su expresivo sonido en los tambores que estimulan las melodías y sus inmaculadas pinceladas que dan un apacible lavado de emoción. Siempre me ha gustado el trabajo de Dunn en el bajo; el consigue un sonido de naturaleza misteriosa, efectuando la misma reacción en mí que Sam Jones como parte del cuarteto de Clifford Jordan.

El álbum se inicia con la animada “The Eternals”, una composición que tiene al cuarteto sonando como hojas de otoño atrapadas en una ráfaga de viento en un círculo cerrado que disipa cualquier cálculo de donde comienza y donde termina esto.“Song of Innocence” es una suave melodía pegadiza, con Wollesen y Medeski girando, siendo las olas que con cuidado mecen el barco de un lado a otro. Con “A Dream of Nine Nights”, el ritmo se sostiene con Medeski construyendo líneas de piano una arriba de la otra, con una repetición a lo bloque Lego, edificando la tensión a la que Baron provee el punto de explicación para una y otra vez con el choque nebuloso de platillos. Wollesen acoda sus propias líneas de repetición bajo las de Medeski, sembrando tensión en el suelo.

Si el álbum hasta este punto ha sido una serie de “ojos de la tormenta”, entonces la cuarta pista “Lights Forms” señala que los torrentes están cerca. El bajo y los truenos de batería, como el piano y el vibráfono ejecutan líneas angulares como relámpagos al azar tocando el suelo. La lluvia comienza a caer con “The Æons”, un estable pero poderoso viento de ritmos de piano y platillos, vibraciones y bajo, como granizo en ventanas y desagües. “Liber XV” es el tranquilo y vacilante momento después de que la tormenta termina, cuando todo está quieto y se escucha cualquier señal de que la tormenta va a volver.

El álbum termina como empezó,con una melodía up-tempo formando círculos apretados de notas que soplan en las ráfagas de viento, seguido de momentos lánguidos de brisa fresca.

Si este álbum pone a flote su barco, recomiendo sumamente también similares álbumes de Zorn, como “Alhambra Love Songs”, “Goddess”, y “In Search of the Miraculous”, todos destacando sonidos y músicos similares, los cuales están entre mis favoritos y nunca acumulando polvo en el estante.

Fuente para la reseña: http://www.birdistheworm.com/recapping-the-best-of-2011-john-zorn-at-the-gates-of-paradise/

Apunte: Zorn, el hombre de los muchos discos editados a su propio nombre pero que en los mismos no toca ningún instrumento, tiene múltiples intereses musicales, yendo desde el vanguardismo más áspero a la clase de álbumes como el que hoy nos convoca, de una melodiosidad hipnotizante. Concentrado en la composición, conducción, producción y los arreglos, Zorn elige los interpretes para su inagotable imaginación. At the Gates of Paradise es el paso previo que dió Zorn al excepcional “The Gnostic Preludes”, en ese caso, con Bill Frisell como protagonista principal. En este caso, el mayor protagonismo lo tienen Medeski y Wollesen, tanto en sus excursiones individuales, como entrelazándose para tejer unas hermosas melodías. Excelente disco. Y he tomado nota (y estoy escuchando) los recomendados en la reseña…

Track Listing

1. The Eternals (5:54)
2. Song Of Innocence (6:43)
3. A Dream Of Nine Nights (8:31)
4. Light Forms (3:21)
5. The Æons (5:50)
6. Liber XV (6:25)
7. Dance Of Albion (6:34)
8. Song Of Experience (4:58)

Artist List

John Medeski: piano & organ
Kenny Wollesen: vibes
Trevor Dunn: bass
Joey Baron: drums

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Chris Morrisey
abril 1, 2014, 12:27 pm
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tapa North Hero
North Hero (2013)

Hasta ahora, la gran variedad ha distinguido a Chris Morrissey. En 2009, su debut, “The Morning World”, fue vigoroso pero pixelado, como un fotomosaico: cada una de las pistas era un punto de una bala de lo que el bajista podría ser. North Hero es una más centrada, intensa y, en última instancia más bonita foto de quién es él.

Morrissey no es ni la mitad en lo que concierne a género como a las necesidades emocionales de sus canciones, aunque es difícil de ignorar los elementos identificables del indie-rock: bordes duros, sencillez folk y espíritu DIY (N. del T: Do It Yourself, hazlo tu mismo). Aquella estética que tiene que ver con el pianista Aaron Parks (cuyo “Invisible Cinema” del 2008 es un Rosetta Stone para el indie-jazz), el saxofonista Mike Lewis, el baterista Mark Guiliana y la producción de David King (The Bad Plus). En la página de inicio del álbum, Morrisey también cita una “escuela de pensamiento del medio-oeste” (para lectores costeros, esto se traduce, aproximadamente, como un sobreentendido lirismo)

En “The Spirit of Chanhassen”, los acordes de piano à la ZZ Top en “La Grange”, palpitan bajo una melodía que es limpia y urgente. “Minor Silverstein” da margen de maniobra al tranquilo fuego de Lewis; su melodía es un crujido, un nudo flojo tirando. El cuarteto tiene un ángulo adecuadamente conservador paseando por el territorio del jazz en “Midland, Texas Picnic Area”, y Guiliana golpea el camino con miradas de forastero en “Roman Subway”.

La banda es ajustada en todas partes, pero en “Electric Blanket” -la pista final del álbum- ellos alcanzan un sonido que es más grande, magnífico y de algún modo más hermoso que la suma de sus partes. Morrisey ha sido un músico para todas las sesiones. En North Hero, él suena como que su momento ha llegado.

Fuente para la reseña: Zach Hindin para http://jazztimes.com/articles/107968-north-hero-chris-morrissey

Apunte: North Hero transita por los caminos fronterizos entre el jazz y el rock indie. Y lo hace convincentemente y con muy buenos resultados. De alguna manera, es la misma veta en la que excavan Ben Allison en su último disco (“The Stars Look Very Different Today”), y en los que aquí hemos escuchado de Dylan Ryan, Sand (“Sky Bleached”) y de Kneebody (“The Line”). Parece ser que poco a poco, tal vez por un tema generacional, es una de las principales corrientes por las cuales se moverá el “jazz” y sus alrededores en los próximos años. No es casualidad que Parks y Guiliana sean de esta partida, ya que son dos jovenes músicos que vienen colaborando con muchos artistas consagrados y además tienen sus propios proyectos orientados en esta dirección. Disfrutemos esto y apuntemos a Morrisey para ver hacia donde evoluciona en el futuro. Su primer disco, “The Morning World”, se puede escuchar completo en el sitio que Morrisey tiene en bandcamp.

Track Listing

1. The Spirit of Chanhassen (5:08)
2. Minor Silverstein (4:47)
3. Midland Texas Picnic Area (6:21)
4. Roman Subway (6:14)
5. One Worn Mile (5:44)
6. Hands Crystals Anderson (5:20)
7. Lullaby for Twins (3:57)
8. Electric Blanket (8:07)

Artist List

Chris Morrissey: bass
Aaron Parks: piano
Mike Lewis: saxophone
Mark Guiliana: drums

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Richie Beirach, George Mraz, Gregor Huebner
marzo 29, 2014, 8:40 pm
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tapa Round About Bartók
Round About Bartók (2000)

El pianista Richie Beirach y el contrabajista George Mraz hace mucho tiempo que son parte de las principales fuerzas creativas en el mundo de jazz, mientras que el violinista Gregor Huebner ha hecho una carrera que se sienta a horcajadas sobre los mundos de la música clásica y del jazz. En Round About Bartók los tres músicos colaboran con la intención de transponer los motivos de las composiciones clásicas y folk europeas en el lenguaje improvisatorio del jazz. Un proyecto de este tipo tiene sus peligros. Desde que el compositor Gunther Schuller comenzó a experimentar a finales de los años ’50 con lo que se conoce como música “Third Stream”, trayendo a músicos de jazz que improvisan en ajustes orquestales, los músicos clásicos y de jazz han estado intentando integrar las dos músicas sólo con éxito ocasionalmente. Round About Bartók puede ser contado como uno de aquellos éxitos; las sensibilidades concomitantes y únicas de Beirach, Huebner y Mraz hacen un proceso creativo para transformar los motivos de Bartók, Scrijabin, Kodaly y Porumbescu, canciones tradicionales rusas y rumanas, y una composición original de Richie Beirach en vehículos móviles para la expresión de las propias pasiones y descubrimientos del trío.

Hay un misticismo romántico en la interpretación del trío del “Preludio op.16″ de Alexander Scrijabin, mientras que la sombría y majestuosa de “Bagatelle #4″ es tan transformada que la luz oscila y se arremolina alrededor de los bordes oscuros de Bartók. La interpretación a dúo de violín y piano de la popular canción folklórica rusa “Stenkarasin” se mantiene fiel a la belleza simple de la canción; el presagio angustiante de la Bagatelle #3 de Bartók (realzado por los densos efectos orquestales de Beirach) es trasmutada en una ardiente versión up-tempo del clásico standard “You And The Night And The Music”. La canción folklórica rumana “Salcam de Vara” conserva su raíz folklórica en todo, y la “Balada” de Cipriam Porumbescu mantiene su formal sensación de vals hasta que el solo de Beirach no deja ninguna duda de que si se trata de ¾, se trata de un vals jazz. En la canción tradicional rusa se destaca el virtuoso bajo de Mraz, acompañado más tarde por los ritmos y melodías de Beirach intuitivamente entrelazados. La composición de Richie Beirach “Zal” es un ejemplo de improvisación inventiva y de interacción casi telepática entre Beirach y Mraz. Los matices amenazantes de “Lento”, de Zoltan Kodaly, ganan en intensidad y ritmo con Beirach, Huebner, y Mraz en completa comunión entre ellos. La solemne canción tradicional “Cossack’s Farewell” cierra el CD de manera apropiada.

Richie Beirach hizo esta analogía para explicar el concepto improvisacional del grupo; “Cuando tu entras en una casa, no quieres entrar en el cuarto de baño o la cocina antes de llegar a la sala de estar”. Beirach, Huebner, y Mraz usan los varios motivos como llaves con las cuales entrar en su mansión musical; las habitaciones a menudo están diseñadas con sorprendentes ángulos y llenas de muebles exóticos. Puede haber una variedad de invitados extranjeros, pero la casa es de ellos, está en orden, y la fundación es el jazz.

Fuente para la reseña: https://www.actmusic.com/en/Artists/Richie-Beirach/Round-About-Bartok/Round-About-Bartok-CD-Out-Of-Print/Produktinformation/%28release_id%29/21118

Apunte: A finales del año 2009 y en los primeros días del año 2010, dedicamos una incompleta retrospectiva dedicada al exquisito pianista Richie Beirach. En esa retrospectiva, escuchamos “Round About Monteverdi”, el tercer trabajo para ACT de este trío experimentando con la música clásica y el jazz. Round About Bartók no resultó de la partida en ese momento porque simplemente no lo teníamos. Pues bien, cuatro años después le dedicamos la atención que se merece, ya que se trata de una obra de elegante y delicado melodismo, no exento de virtuosismo musical de tres músicos que de esto, tienen mucho. Realmente muy disfrutable. En el futuro, espero encontrarme con el álbum que estos tres músicos hicieron alrededor de la música del catalán Federico Mompou, también para el sello ACT, de manera que podamos cerrar el círculo.

Track Listing

01. Around Scrijabin Prelude op.16 (9:30)
02. Around Bartók Bagatelle #4 (6:31)
03. Around Stenkarasin (4:30)
04. Around Bartók’s World (6:04)
05. Around Salcam de Vara (6:01)
06. Around Porumbescu Balada (8:37)
07. Around Dubrawuschka (5:46)
08. Zal (6:14)
09. Around Kodaly’s World (7:38)
10. Cossack’s Farewell (7:06)

Artist List

Richie Beirach: piano
Gregor Hübner: violin
George Mraz: bass

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Jeff Ballard Trio
marzo 25, 2014, 4:05 pm
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tapa Time's Tales
Time’s Tales (2014)

El baterista Jeff Ballard sabe elegir sus compañeros. Al escoger al guitarrista (uno de clase) Lionel Loueke y al enfocado-aún-incontenible Miguel Zenón en el saxofón, Ballard logró crear el trío más apasionante que haya surgido en la memoria reciente.

Mientras este álbum es el largamente esperado debut como líder de Ballard, es más tentador pensar que no hay líder o el liderazgo está desbalanceado. Ballard está técnicamente a la cabeza, pero el sentimiento colectivo de música que está en el aire y cada hombre es lo suficientemente firme para competir con los otros. Esto no importa si el trío toma un acercamiento rítmicamente flojo y desenfocado en un estándar (“The Man I Love”), conduciendo al infierno en la canción de Queen Of The Stone Age (“Hangin’ Tree”), o combinando una vibración de New Orleans con intereses tropicales y oleadas de calypso (“Beat Interests”); en todos los casos esto funciona con una mente y un objetivo, aunque hable muchas lenguas. De hecho, este enfoque políglota al crear, es lo que hace a esta música tan convincente. En la superficie, el trío tiene las raíces de África Occidental de Loueke, la herencia musical puertorriqueña de Zenón y la profunda experiencia de Ballard en todo tipo de jazz con los que ha lidiado, pero eso es sólo la superficie. Cuando estos tres tocan juntos estas líneas y lenguajes se borronean, mutan y emergen nuevamente.

El ritmo, no es de extrañar, es el principal punto fuerte de este trío. Canciones como “Virgin Forest” de Loueke y “El reparador de sueños” de Silvio Rodríguez, muestran lo que este grupo es realmente capaz de hacer, cuando cada músico corta y hace su camino a través de los otros; sin embargo, el trío se las arregla para mantener el interés y la atención cuando las cosas parecen flotar, expandirse y contraerse.

Time’s Tales no es solo un gran debut; es un aspirante a “Album del Año, considerando que solo han pasado cinco semanas del 2014, que es mucho decir.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=46444#.UwkvreN5PxQ

Apunte: A veces sumar fuertes talentos a un proyecto no necesariamente da buenos resultados. En sentido opuesto, suele decirse que el todo puede ser mejor que la suma de las partes. Time’s Tales, felizmente, es este caso. Con un repertorio muy variado, lo que hace atractivo a este álbum es que aún en esa gran variedad, son inmediatamente reconocibles las herencias musicales de Loueke y Zenón (inmenso en su desbordante accionar). Ballard es quien tiene la tarea desde la percusión de darle un carácter único al disco, resultando una obra compleja pero nada tortuosa de escuchar, que contagia entusiasmo y energía positiva. Coincido con Bilawsky: anotemoslo como uno de los discos del 2014. Discazo.

Track Listing

01. Virgin Forest (7:44)
02. Western Wren (A Bird Call) (3:23)
03. Beat Street (7:16)
04. The Man I Love (5:53)
05. Free 1 (0:47)
06. Hangin Tree (7:23)
07. Dal (A Rhythm Song) (5:52)
08. El Reparador De Suenos (7:35)
09. Mivakpola (4:34)
10. Free 3 (6:01)

Artist List

Jeff Ballard: drums, percussion
Lionel Loueke: guitar, voice
Miguel Zenon: alto saxophone.

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