Preso ventanilla


Richie Beirach, Gregor Huebner, George Mraz
abril 13, 2014, 11:07 pm
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tapa Round About Mompou
Round About Federico Mompou

Sobre Federico Mompou

La noche sosegada
en par con los levantes de la aurora.
La música callada,
la soledad sonora,
la cena que recrea y enamora.

En estos versos del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz encontró Frederic Mompou la expresión de su ideal estético. Y si bien el místico pretendía poetizar la intimidad ferviente que orienta hacia lo sagrado, en sus palabras el músico catalán encontró el calificativo más idóneo para una obra que quería ser la voz del silencio.

Mompou (1893-1987) despreció las modas de su época y se negó a emular a los ídolos de la música moderna tales como Schöenberg y Webern a los que detestaba (sintió siempre una repugnancia instintiva hacia la música germánica en la que identificaba una genuina “fonorrea”). Autodidacta, se dejaba llevar por su intuición, y por ello permaneció más cerca de la música de Fauré, Poulenc y especialmente Satie, otro miniaturista del piano. Se fue forjando una idea de la música basada en su cualidad sonora primigenia, en la pureza del sonido y su resonancia (es interesante señalar aquí que durante su infancia tuvo un papel de referencia la fábrica de campanas de su abuelo materno). La música era para él sonido puro, nada de discurso y mucho menos, por supuesto, arquitectura.

Se definía a sí mismo como hombre de pocas palabras y músico de pocas notas. Consideraba que la audición es interna y la emoción secreta, y que esta última sólo toma forma en los ecos (resonancias, otra vez) de la propia soledad. El atractivo de ese diálogo interior que despierta la escucha de “Música callada” está en lo que se queda fuera. Su minimalismo nace a partir de un lenguaje de silencio. Las frases corren desprovistas de compás, hacia la nada. No encontraremos desarrollos dramáticos en ninguna de las 28 pequeñas piezas que forman la colección (cuatro cuadernos compuestos entre 1959 y 1967), sino gestos interrogantes, sigilosas sendas que nos devuelven a la inocencia musical.

Fuente: http://joselorente.blogspot.com.ar/2012/03/musica-callada-soledad-sonora.html

Sobre Round About Federico Mompou

El año pasado, Richie Beirach sorprendió al mundo del jazz con su apariencia de “sobrino de Bartók de Nueva York”. Aquellos que han escuchado al pianista en concierto con el violinista Gregor Huebner y el bajista George Mraz, o en el aclamado CD “Round About Bartók” (ACT 9276-2), también han oído como los tres, sin esfuerzo, improvisaron en torno a temas de Alexander Scrijabin y Zoltán Kodály. Así pues, no ha de sorprendernos que Beirach haya descubierto que tiene relaciones con otros compositores de música clásica moderna. “Descubierto” en el sentido más estricto de la palabra, para la banda de admiradores de la decididamente poco espectacular música de Federico Mompou es todavía pequeña; sin embargo, es la música que te hace sentar y tomar nota una vez que la hayas escuchado.

Los contemporáneos de Federico Mompou (1893 – 1987) ya tenían diversas opiniones respecto a su música; Mompou despreciaba las tendencias, y se negó a seguir a las deidades de la música moderna, como Schönberg y Webern. De formación autodidacta, siguió su intuición, y por lo tanto estaba más cerca de la música de Satie y Faure. A pesar de que el catalán pasó muchos años de su vida en París, donde fue muy celebrado, sentía la vida más a gusto, aunque en su mayor parte aislada, en la ciudad donde nació, Barcelona. Tal como Bartók adaptaba la música folklórica húngara, Mompou con frecuencia investigaba dentro de las melodías catalanas.

A principios de los ’90 Richie Beirach oyó por primera vez las insuperables interpretaciones de la pianista Alicia de Larrocha de la música para piano de Mompou. La música lo electrificó. Él inmediatamente encontró los manuscritos y se encontró “automáticamente” improvisando sobre el material. A pesar de que el romanticismo tardío, impresionismo influido por las armonías, es melódicamente tentador para el músico de jazz, por tratarse de Mompou, resultó ser más complicado que en el caso de Bartók. En primer lugar, el recurso del “diálogo interior” de Mompou está en lo que es excluido. Su minimalismo nace de un “lenguaje del silencio”. Las frases corren, carentes de sentido, en la nada. En lugar de acontecimientos dramáticos se yergue un gesto interrogatorio, la vuelta natural a un reino reservado de inocencia musical.

“Mompou no tolera que usted simplemente agregue algo”, refleja Beirach. Gregor Huebner agrega, “…pero usted no puede dejar afuera una sola nota”. ¿Qué es lo que le queda a un trío de jazz, sobre todo, a diferencia de Bartók, si sólo frases rítmicas están implícitas? Hay tres formas paralelas para abordar la cuestión “Round About Federico Mompou”: hay sutiles arreglos para el violín, el piano, y el contrabajo, que se quedan cerca de los temas originales, mientras en las “fantasías”, hay un enfoque mucho más libre que a menudo lo mira en motivos concretos. Y finalmente está el típico empleo de estilo de jazz de “cambios de Mompou” como un vehículo para la improvisación, con la ocasional adición de un propulsivo walking-bass.

Los que aún no están familiarizados con este más que notable compositor catalán llegarán a conocer su espíritu musical a través de ocho miniaturas de la obra magna de Mompou, el ciclo “Música Callada” (1959-1967). A través de los tres improvisadores, el oyente experimenta un sutilmente sensual entendimiento de la música, como los músicos se liberan de este carácter básico hacia adentro, parecido a una balada. El respeto, y un mood inspirado y juguetón determinan el acercamiento de este trío no convencional. El decidido impulso para su sonido de jazz de cámara de jazz se deriva de la música europea clásica y el estilo americano neoyorquino de jazz moderno.

Tres músicos virtuosos tratan libremente con el desafío musical de un compositor que afina y pule sus miniaturas hasta el más mínimo detalle, un compositor a quien el virtuosismo le era particularmente extraño. La música funciona sólo porque como músicos de jazz los tres logran tocar en la forma que Beirach tanto atesoró en las clásicas interpretaciones de Mompou por parte de Alicia Larrocha; no tocan analíticamente, tocan “absolutamente natural” – como si su madre les cantara “Musica Callada” mientras ellos dormían.

Fuente: https://www.actmusic.com/en/Artists/Richie-Beirach/Round-About-Federico-Mompou/Round-About-Federico-Mompou-CD-Out-Of-Print/Produktinformation/%28release_id%29/21119

Apunte: Finalmente pude escuchar Round About Federico Mompou gracias a los buenos oficios de nuestro imprescindible, viejo y querido amigo Ignoto Transversal, quien atento a lo que acontece en la web apareció prontamente en el mail para decir “yo lo tengo!!”. Mompou quería que su música fuera nada más ni nada menos que la voz del silencio. ¿Cómo intervenir desde el jazz una música que nace en un lenguaje del silencio? Pues bien, Beirach, Huebner y Mraz de alguna manera han logrado que con su mirada desde fuera de lo estrictamente clásico, la búsqueda obsesiva de la pureza del sonido por parte de Mompou, quede arropada en un tratamiento sonoro que realza lo melódico y el romántico lirismo que tiene asociado. Para escuchar atentamente y disfrutar, y si tenemos tiempo, ahondar en Mompou a través de las grabaciones de la pianista (catalana, también ella) Alicia de Larrocha (1923 – 2009)

Track Listing

01. Impressiones Intimas #1 (Federico Mompou) (4:29)
02. Musica Callada #6 (Federico Mompou) (8:05)
03. Fantasie On Musica Callada #10 (George Mraz, Gregor Huebner) (2:11)
04. Musica Callada #10 (Federico Mompou) (6:33)
05. Bass Fantasie On Musica Callada #1 (George Mraz) (2:58)
06. Musica Callada #1 (Federico Mompou) (3:52)
07. Musica Callada #27 (Federico Mompou) (1:48)
08. Around Musica Callada #27 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (4:36)
09. Fantasie On Musica Callada #19 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (3:11)
10. Around Musica Callada #19 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (1:00)
11. Musica Callada #19 (Federico Mompou) (3:39)
12. Musica Callada #18 (Federico Mompou) (7:40)
13. Fantasie On Musica Callada #18 (Richie Beirach, Gregor Huebner) (1:55)
14. Musica Callada #15 (Federico Mompou) (2:32)
15. Musica Callada #22 (Federico Mompou) (8:20)

Artist List

Gregor Huebner: violin
Richie Beirach: piano
George Mraz: acoustic bass

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Aidan O’Rourke
abril 5, 2014, 9:27 pm
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tapa Hotline
Hotline (2013)

Hotline es un nuevo trabajo comisionado como parte de la Olimpíada cultural coincidente con los juegos organizados en el Reino Unido el año pasado. Haciéndose eco de temas de naciones unidas, está inspirado en el transatlántico TAT1, el cable de teléfono que entró en funcionamiento entre Oban (donde nació Aidan) y Newfoundland en 1956. Es famosa la línea, porque era la conexión directa entre el Kremlin y la Casa Blanca, de ahí el título. Aidan es más conocido por sus contribuciones al innovador “Lau” y más recientemente “Kan”, aunque también fue un miembro fundador de “Blazin’ Fiddles”. Sus raíces irlandesas aseguran que él creció en un ambiente musical con su padre investigando las tradiciones folk de su pais. Por ello, no es de sorprender, entonces, cuando Aidan asumió seriamente el violín a la edad de sólo ocho años, para pronto ganar numerosos concursos en Escocia y girar internacionalmente a los 14.

Según su propia admisión, él se ve como solo un violinista escocés, con un profundo amor tanto de su país como de la herencia musical que viene con eso. Pero que se equilibra con negarse a establecer límites como músico. El proceso de aprendizaje de Aidan todavía está en curso y cuando se tiene en cuenta el nivel en el que está tocando, esto realmente lo hace un muy especial talento.

Mientras vimos recientemente en Lau una faceta de Aidan, con su contagiosa energía y unidad, Hotline da otra. Tuve la suerte de verlo también en South Bank de Londres y quedé muy impresionado. Me siento aún más fascinado con el CD y la posibilidad que ofrece de repetir la audiencia. La performance del concierto me dejó la sensación de haber visto algo melodiosamente complejo y expansivo. Aunque quizá no sea tan carismático como Lau, todavía hay una intensidad en la forma en que los músicos parecían sintonizar uno con otro en el escenario, pero la instrumentación ha creado un mundo armónico, nuevamente confirmado por este CD.

Con toda la música compuesta por Aidan, la banda para estas sesiones es Phil Bancroft en saxofón tenor, Paul Harrison en teclados, Catriona McKay en arpa escocesa y Martin O’Neil en percusión. El saxofón es probablemente lo más inusual destacado en esta alineación, pero la combinación de arpa y piano también es interesante. La adición a la mezcla son los samples vocales tomados de un archivo de las conversaciones que tuvieron lugar a traves de los cables, mezclados con otros tirones de expresión que hacen eco de la Guerra Fría.

La música es una Suite de cinco largas piezas y desde el inicio mismo de TAT-1, el aventurero alcance es claro. El arranque del violín establece una confusión de discordantes baches y señales. El ritmo toma forma empujado por la percusión y el saxofón lentamente comienza a añadir un sentido melódico, el piano recoge una figura rítmica y el arpa añade florituras que danzan alrededor de la periferia, con el conocido violín de Aidan y una ráfaga del piano por último dando paso a un riff staccato que concluye la pieza.

La segunda pieza “Clarenville” y la más cercana “Gallanach Bay” reflejan los extremos opuestos de esta increíble obra de ingeniería, mientras que “HMS Monarch” es el nombre del barco que instaló la mayoría de los cables. Newfoundland y Escocia están unidas por mucho más que una línea telefónica, desde luego, con muchos emigrantes que cruzaron el Atlántico, llegando allí, o extendiéndose en Canadá y los EE.UU. Hay una calidad de ansiedad en la melodía y un sombrío y solitario sentimiento en los motivos de apertura del violín y el arpa en “Clarenville”, recogido por los tonos susurrantes y algo melancólicos del saxofón de Phil Bancroft que quizás reflejan este hecho.

Pero la más evocativa es la canción del mismo título de “Hotline”, que se refiere a la principal forma de comunicación establecida entre la Rusia Comunista y los E.E.U.U. durante la guerra fría. La principal amenaza de M.A.D.** vino con la tensión entre las dos ideologías y la proliferación de armas, lo cual causó una constante amenaza. Esto echó una sombra sobre las vidas de cada uno, pero probablemente sobre todo en los niños del “baby boom” nacidos de aquellos que habían vivido de primera mano los horrores de la segunda guerra mundial. Los siniestros ecos se sienten en las dos voces, un ruso y un estadounidense, separados apropiadamente a izquierda y derecha, hablando simultáneamente, pero no al unísono.

Musicalmente esto es tan bueno como lo que Aidan ha hecho. Como una comisión esto conecta a su querida Escocia al más amplio mundo, ofreciendo en el proceso un nuevo y universal lenguaje musical, creado por cinco voces musicales diversas que vienen juntas. Las palabras habladas que son ecos del pasado, desde las pintorescas e ingenuas preguntas sobre las condiciones del tiempo y clanes escoceses, a la más siniestras posturas políticas, sirven para recordarnos la necesidad básica de comunicación. Es lo que podemos compartir lo que es nuestra fuerza.

** (M.A.D. = Mutual Assured Destruction: ‘destrucción mutua asegurada’)

Fuente para la reseña: Simon Holland para http://www.folkradio.co.uk/2013/06/aidan-orourke-hotline/

Apunte: Hermosas sorpresas guarda Hotline en sus apenas cuarenta y algún minutos de duración. Con inicios apenas susurrados, esta poco común formación instrumental desarrolla los temas de manera circular con un incesante incremento de intensidad, energía y entusiasmo. Creanme: una sola audición no alcanza para disfrutar lo hipnótico del sonido logrado. Una pequeña joyita. Discazo.

Track Listing

01. TAT-1 (6:21)
02. Clarenville (10:57)
03. Hotline (6:44)
04. HMS Monarch (7:32)
05. Gallanach Bay (9:40)

Artist List

Aidan O’Rourke: fiddle
Phil Bancroft: tenor saxophone
Paul Harrison: keyboards
Catriona McKay: scottish harp
Martin O’Neil: bodhran, percussion

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John Zorn
abril 2, 2014, 7:52 pm
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tapa At The Gates of Paradise
At the Gates of Paradise (2011)

Con su sello Tzadik, John Zorn ha construido un pequeño pero milagroso imperio de grabaciones de calidad, tanto a su propio nombre, como álbumes bajo la dirección de otros artistas. Este es uno de los suyos. Zorn es grande en cada uno de los temas, construídos en torno a los conceptos o los escritos que lo inspiraron. At the Gates of Paradise se enmarca en la serie de albumes llamada Mystical. Se trata de álbumes que me han traído las mayores alegrías.

Basándose en los escritos del poeta William Blake y antiguos escritos gnósticos de Nag Hammad, Zorn ha construido una serie de composiciones que son hipnóticas y de ensueño, poseyendo una serenidad encontrada en el más dulce de los romances.

Wollesen, quien ha aparecido en todos los álbumes de esta serie, tiene una destreza en las vibraciones de crear simultáneamente los momentos de optimismo e inquietud. Medeski lo complementa maravillosamente en el piano, dando flotabilidad a la esperanza y un borde agudo a la inquietud. Joey Baron, un veterano de los viejos días de Bill Frisell, es una maravillosa sorpresa aquí, con su expresivo sonido en los tambores que estimulan las melodías y sus inmaculadas pinceladas que dan un apacible lavado de emoción. Siempre me ha gustado el trabajo de Dunn en el bajo; el consigue un sonido de naturaleza misteriosa, efectuando la misma reacción en mí que Sam Jones como parte del cuarteto de Clifford Jordan.

El álbum se inicia con la animada “The Eternals”, una composición que tiene al cuarteto sonando como hojas de otoño atrapadas en una ráfaga de viento en un círculo cerrado que disipa cualquier cálculo de donde comienza y donde termina esto.“Song of Innocence” es una suave melodía pegadiza, con Wollesen y Medeski girando, siendo las olas que con cuidado mecen el barco de un lado a otro. Con “A Dream of Nine Nights”, el ritmo se sostiene con Medeski construyendo líneas de piano una arriba de la otra, con una repetición a lo bloque Lego, edificando la tensión a la que Baron provee el punto de explicación para una y otra vez con el choque nebuloso de platillos. Wollesen acoda sus propias líneas de repetición bajo las de Medeski, sembrando tensión en el suelo.

Si el álbum hasta este punto ha sido una serie de “ojos de la tormenta”, entonces la cuarta pista “Lights Forms” señala que los torrentes están cerca. El bajo y los truenos de batería, como el piano y el vibráfono ejecutan líneas angulares como relámpagos al azar tocando el suelo. La lluvia comienza a caer con “The Æons”, un estable pero poderoso viento de ritmos de piano y platillos, vibraciones y bajo, como granizo en ventanas y desagües. “Liber XV” es el tranquilo y vacilante momento después de que la tormenta termina, cuando todo está quieto y se escucha cualquier señal de que la tormenta va a volver.

El álbum termina como empezó,con una melodía up-tempo formando círculos apretados de notas que soplan en las ráfagas de viento, seguido de momentos lánguidos de brisa fresca.

Si este álbum pone a flote su barco, recomiendo sumamente también similares álbumes de Zorn, como “Alhambra Love Songs”, “Goddess”, y “In Search of the Miraculous”, todos destacando sonidos y músicos similares, los cuales están entre mis favoritos y nunca acumulando polvo en el estante.

Fuente para la reseña: http://www.birdistheworm.com/recapping-the-best-of-2011-john-zorn-at-the-gates-of-paradise/

Apunte: Zorn, el hombre de los muchos discos editados a su propio nombre pero que en los mismos no toca ningún instrumento, tiene múltiples intereses musicales, yendo desde el vanguardismo más áspero a la clase de álbumes como el que hoy nos convoca, de una melodiosidad hipnotizante. Concentrado en la composición, conducción, producción y los arreglos, Zorn elige los interpretes para su inagotable imaginación. At the Gates of Paradise es el paso previo que dió Zorn al excepcional “The Gnostic Preludes”, en ese caso, con Bill Frisell como protagonista principal. En este caso, el mayor protagonismo lo tienen Medeski y Wollesen, tanto en sus excursiones individuales, como entrelazándose para tejer unas hermosas melodías. Excelente disco. Y he tomado nota (y estoy escuchando) los recomendados en la reseña…

Track Listing

1. The Eternals (5:54)
2. Song Of Innocence (6:43)
3. A Dream Of Nine Nights (8:31)
4. Light Forms (3:21)
5. The Æons (5:50)
6. Liber XV (6:25)
7. Dance Of Albion (6:34)
8. Song Of Experience (4:58)

Artist List

John Medeski: piano & organ
Kenny Wollesen: vibes
Trevor Dunn: bass
Joey Baron: drums

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Chris Morrisey
abril 1, 2014, 12:27 pm
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tapa North Hero
North Hero (2013)

Hasta ahora, la gran variedad ha distinguido a Chris Morrissey. En 2009, su debut, “The Morning World”, fue vigoroso pero pixelado, como un fotomosaico: cada una de las pistas era un punto de una bala de lo que el bajista podría ser. North Hero es una más centrada, intensa y, en última instancia más bonita foto de quién es él.

Morrissey no es ni la mitad en lo que concierne a género como a las necesidades emocionales de sus canciones, aunque es difícil de ignorar los elementos identificables del indie-rock: bordes duros, sencillez folk y espíritu DIY (N. del T: Do It Yourself, hazlo tu mismo). Aquella estética que tiene que ver con el pianista Aaron Parks (cuyo “Invisible Cinema” del 2008 es un Rosetta Stone para el indie-jazz), el saxofonista Mike Lewis, el baterista Mark Guiliana y la producción de David King (The Bad Plus). En la página de inicio del álbum, Morrisey también cita una “escuela de pensamiento del medio-oeste” (para lectores costeros, esto se traduce, aproximadamente, como un sobreentendido lirismo)

En “The Spirit of Chanhassen”, los acordes de piano à la ZZ Top en “La Grange”, palpitan bajo una melodía que es limpia y urgente. “Minor Silverstein” da margen de maniobra al tranquilo fuego de Lewis; su melodía es un crujido, un nudo flojo tirando. El cuarteto tiene un ángulo adecuadamente conservador paseando por el territorio del jazz en “Midland, Texas Picnic Area”, y Guiliana golpea el camino con miradas de forastero en “Roman Subway”.

La banda es ajustada en todas partes, pero en “Electric Blanket” -la pista final del álbum- ellos alcanzan un sonido que es más grande, magnífico y de algún modo más hermoso que la suma de sus partes. Morrisey ha sido un músico para todas las sesiones. En North Hero, él suena como que su momento ha llegado.

Fuente para la reseña: Zach Hindin para http://jazztimes.com/articles/107968-north-hero-chris-morrissey

Apunte: North Hero transita por los caminos fronterizos entre el jazz y el rock indie. Y lo hace convincentemente y con muy buenos resultados. De alguna manera, es la misma veta en la que excavan Ben Allison en su último disco (“The Stars Look Very Different Today”), y en los que aquí hemos escuchado de Dylan Ryan, Sand (“Sky Bleached”) y de Kneebody (“The Line”). Parece ser que poco a poco, tal vez por un tema generacional, es una de las principales corrientes por las cuales se moverá el “jazz” y sus alrededores en los próximos años. No es casualidad que Parks y Guiliana sean de esta partida, ya que son dos jovenes músicos que vienen colaborando con muchos artistas consagrados y además tienen sus propios proyectos orientados en esta dirección. Disfrutemos esto y apuntemos a Morrisey para ver hacia donde evoluciona en el futuro. Su primer disco, “The Morning World”, se puede escuchar completo en el sitio que Morrisey tiene en bandcamp.

Track Listing

1. The Spirit of Chanhassen (5:08)
2. Minor Silverstein (4:47)
3. Midland Texas Picnic Area (6:21)
4. Roman Subway (6:14)
5. One Worn Mile (5:44)
6. Hands Crystals Anderson (5:20)
7. Lullaby for Twins (3:57)
8. Electric Blanket (8:07)

Artist List

Chris Morrissey: bass
Aaron Parks: piano
Mike Lewis: saxophone
Mark Guiliana: drums

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Richie Beirach, George Mraz, Gregor Huebner
marzo 29, 2014, 8:40 pm
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tapa Round About Bartók
Round About Bartók (2000)

El pianista Richie Beirach y el contrabajista George Mraz hace mucho tiempo que son parte de las principales fuerzas creativas en el mundo de jazz, mientras que el violinista Gregor Huebner ha hecho una carrera que se sienta a horcajadas sobre los mundos de la música clásica y del jazz. En Round About Bartók los tres músicos colaboran con la intención de transponer los motivos de las composiciones clásicas y folk europeas en el lenguaje improvisatorio del jazz. Un proyecto de este tipo tiene sus peligros. Desde que el compositor Gunther Schuller comenzó a experimentar a finales de los años ’50 con lo que se conoce como música “Third Stream”, trayendo a músicos de jazz que improvisan en ajustes orquestales, los músicos clásicos y de jazz han estado intentando integrar las dos músicas sólo con éxito ocasionalmente. Round About Bartók puede ser contado como uno de aquellos éxitos; las sensibilidades concomitantes y únicas de Beirach, Huebner y Mraz hacen un proceso creativo para transformar los motivos de Bartók, Scrijabin, Kodaly y Porumbescu, canciones tradicionales rusas y rumanas, y una composición original de Richie Beirach en vehículos móviles para la expresión de las propias pasiones y descubrimientos del trío.

Hay un misticismo romántico en la interpretación del trío del “Preludio op.16″ de Alexander Scrijabin, mientras que la sombría y majestuosa de “Bagatelle #4″ es tan transformada que la luz oscila y se arremolina alrededor de los bordes oscuros de Bartók. La interpretación a dúo de violín y piano de la popular canción folklórica rusa “Stenkarasin” se mantiene fiel a la belleza simple de la canción; el presagio angustiante de la Bagatelle #3 de Bartók (realzado por los densos efectos orquestales de Beirach) es trasmutada en una ardiente versión up-tempo del clásico standard “You And The Night And The Music”. La canción folklórica rumana “Salcam de Vara” conserva su raíz folklórica en todo, y la “Balada” de Cipriam Porumbescu mantiene su formal sensación de vals hasta que el solo de Beirach no deja ninguna duda de que si se trata de ¾, se trata de un vals jazz. En la canción tradicional rusa se destaca el virtuoso bajo de Mraz, acompañado más tarde por los ritmos y melodías de Beirach intuitivamente entrelazados. La composición de Richie Beirach “Zal” es un ejemplo de improvisación inventiva y de interacción casi telepática entre Beirach y Mraz. Los matices amenazantes de “Lento”, de Zoltan Kodaly, ganan en intensidad y ritmo con Beirach, Huebner, y Mraz en completa comunión entre ellos. La solemne canción tradicional “Cossack’s Farewell” cierra el CD de manera apropiada.

Richie Beirach hizo esta analogía para explicar el concepto improvisacional del grupo; “Cuando tu entras en una casa, no quieres entrar en el cuarto de baño o la cocina antes de llegar a la sala de estar”. Beirach, Huebner, y Mraz usan los varios motivos como llaves con las cuales entrar en su mansión musical; las habitaciones a menudo están diseñadas con sorprendentes ángulos y llenas de muebles exóticos. Puede haber una variedad de invitados extranjeros, pero la casa es de ellos, está en orden, y la fundación es el jazz.

Fuente para la reseña: https://www.actmusic.com/en/Artists/Richie-Beirach/Round-About-Bartok/Round-About-Bartok-CD-Out-Of-Print/Produktinformation/%28release_id%29/21118

Apunte: A finales del año 2009 y en los primeros días del año 2010, dedicamos una incompleta retrospectiva dedicada al exquisito pianista Richie Beirach. En esa retrospectiva, escuchamos “Round About Monteverdi”, el tercer trabajo para ACT de este trío experimentando con la música clásica y el jazz. Round About Bartók no resultó de la partida en ese momento porque simplemente no lo teníamos. Pues bien, cuatro años después le dedicamos la atención que se merece, ya que se trata de una obra de elegante y delicado melodismo, no exento de virtuosismo musical de tres músicos que de esto, tienen mucho. Realmente muy disfrutable. En el futuro, espero encontrarme con el álbum que estos tres músicos hicieron alrededor de la música del catalán Federico Mompou, también para el sello ACT, de manera que podamos cerrar el círculo.

Track Listing

01. Around Scrijabin Prelude op.16 (9:30)
02. Around Bartók Bagatelle #4 (6:31)
03. Around Stenkarasin (4:30)
04. Around Bartók’s World (6:04)
05. Around Salcam de Vara (6:01)
06. Around Porumbescu Balada (8:37)
07. Around Dubrawuschka (5:46)
08. Zal (6:14)
09. Around Kodaly’s World (7:38)
10. Cossack’s Farewell (7:06)

Artist List

Richie Beirach: piano
Gregor Hübner: violin
George Mraz: bass

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Jeff Ballard Trio
marzo 25, 2014, 4:05 pm
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tapa Time's Tales
Time’s Tales (2014)

El baterista Jeff Ballard sabe elegir sus compañeros. Al escoger al guitarrista (uno de clase) Lionel Loueke y al enfocado-aún-incontenible Miguel Zenón en el saxofón, Ballard logró crear el trío más apasionante que haya surgido en la memoria reciente.

Mientras este álbum es el largamente esperado debut como líder de Ballard, es más tentador pensar que no hay líder o el liderazgo está desbalanceado. Ballard está técnicamente a la cabeza, pero el sentimiento colectivo de música que está en el aire y cada hombre es lo suficientemente firme para competir con los otros. Esto no importa si el trío toma un acercamiento rítmicamente flojo y desenfocado en un estándar (“The Man I Love”), conduciendo al infierno en la canción de Queen Of The Stone Age (“Hangin’ Tree”), o combinando una vibración de New Orleans con intereses tropicales y oleadas de calypso (“Beat Interests”); en todos los casos esto funciona con una mente y un objetivo, aunque hable muchas lenguas. De hecho, este enfoque políglota al crear, es lo que hace a esta música tan convincente. En la superficie, el trío tiene las raíces de África Occidental de Loueke, la herencia musical puertorriqueña de Zenón y la profunda experiencia de Ballard en todo tipo de jazz con los que ha lidiado, pero eso es sólo la superficie. Cuando estos tres tocan juntos estas líneas y lenguajes se borronean, mutan y emergen nuevamente.

El ritmo, no es de extrañar, es el principal punto fuerte de este trío. Canciones como “Virgin Forest” de Loueke y “El reparador de sueños” de Silvio Rodríguez, muestran lo que este grupo es realmente capaz de hacer, cuando cada músico corta y hace su camino a través de los otros; sin embargo, el trío se las arregla para mantener el interés y la atención cuando las cosas parecen flotar, expandirse y contraerse.

Time’s Tales no es solo un gran debut; es un aspirante a “Album del Año, considerando que solo han pasado cinco semanas del 2014, que es mucho decir.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=46444#.UwkvreN5PxQ

Apunte: A veces sumar fuertes talentos a un proyecto no necesariamente da buenos resultados. En sentido opuesto, suele decirse que el todo puede ser mejor que la suma de las partes. Time’s Tales, felizmente, es este caso. Con un repertorio muy variado, lo que hace atractivo a este álbum es que aún en esa gran variedad, son inmediatamente reconocibles las herencias musicales de Loueke y Zenón (inmenso en su desbordante accionar). Ballard es quien tiene la tarea desde la percusión de darle un carácter único al disco, resultando una obra compleja pero nada tortuosa de escuchar, que contagia entusiasmo y energía positiva. Coincido con Bilawsky: anotemoslo como uno de los discos del 2014. Discazo.

Track Listing

01. Virgin Forest (7:44)
02. Western Wren (A Bird Call) (3:23)
03. Beat Street (7:16)
04. The Man I Love (5:53)
05. Free 1 (0:47)
06. Hangin Tree (7:23)
07. Dal (A Rhythm Song) (5:52)
08. El Reparador De Suenos (7:35)
09. Mivakpola (4:34)
10. Free 3 (6:01)

Artist List

Jeff Ballard: drums, percussion
Lionel Loueke: guitar, voice
Miguel Zenon: alto saxophone.

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Brian Landrus

tapa Traverse
tapa Capsule
tapa Mirage
Traverse (2011)

Traverse, del saxofonista/compositor Brian Landrus es un maduro, coherente e intensamente personal opus musical que refleja sus varias influencias. Aunque experto en tocar varios instrumentos de vientos, Landrus es más conocido por ser un saxofonista barítono, un instrumento con el que él, sobre todo, pega, junto con algo de clarinete bajo, en este, su tercer CD.

Su creativo y personal enfoque al mezclar el pasado y el futuro, se refleja mejor en la improvisación solista, “Soul and Body”, que está en el espíritu de “Body and Soul”, y precede a su lírica interpretación de esa clásica canción con una melódica y espontánea aproximación que se basa en los lineamientos del famoso estándar en retroceso.

Sus influencias clásicas son expuestas sobre todo en el improvisado dúo de piano y cuerno, “Lone”. Aunque claramente arraigado en el idioma de jazz, la pista es evocadora de piezas de piano y voz del siglo XIX, excepto que el inimitable Michael Cain, que también co-compuso muchas de las pistas, no es ningún mero acompañante, pero si un socio igual en el proceso creativo.

La mayor parte de las composiciones tienen una curva oscura, modal. La hipnótica “Gnosis” abre con el escaso pero sugestivo solo de bajo de Lonnie Plaxico, que introduce al tema de Landrus en el clarinete bajo, un instrumento que él maneja con una notable facilidad, sobre todo en el solo complejo e intrincado que sigue. El brillante piano de Cain, en su electrizante improvisación, complementa bien los matices y tonos más profundos de Landrus.

“Lydian 4″ está mucho más inflluenciado por el trabajo de George Russell y el pianismo angular de Cain, apoyado por el dúo de Plaxico y el baterista Billy Hart, se mezcla a la perfección en las contemplativas notas del bajista, cuando él asume un solo corto pero poderosamente creativo.

En la enigmática “Creeper”, Hart -que sutilmente conduce sus actuaciones con su peculiar interpretación, llega a rienda suelta en un enérgico pero contemplativo vuelo improvisacional, antes de que la breve balada, “Soundwave”, concluya el registro, manteniendo la misma atmósfera y unidad temática.

Brian Landrus ha creado una sólida, íntima obra musical, con la ayuda de un trío de veteranos músicos que no sólo no lo eclipsan, sino que, por el contrario, mejoran su maestría.

Fuente para la reseña Hrayr Attarian para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=39003#.UxOckM4gbDQ

Track Listing – Traverse

1. Traverse (4:40)
2. Gnosis (8:43)
3. Lone (3:24)
4. Lydian 4 (4:38)
5. Soul and Body (2:52)
6. Body and Soul (5:27)
7. Creeper (10:02)
8. Soundwave (2:27)

Artist List

Brian Landrus: baritone sax, bass clarinet
Michael Cain: piano
Lonnie Plaxico: bass
Billy Hart: drums

Capsule (2011)

En Capsule su segundo álbum en su propio sello BlueLand, el saxofonista barítono y multi-instrumentista de vientos Brian Landrus empuja las fronteras del jazz y explora un estilo más parecido a una fusión inspirada por Motown y otros géneros relacionados.

Para la contribución a este sonido eléctrico está la adición de Nir Felder a la sección de ritmo, cuya guitarra a lo Jimi Hendrix en “Like The Wind” (de sabor caribeño) deambula lejos del tema, dando a la melodía su borde jazzy, mientras Landrus -en la raramente oída flauta baja- sopla suavemente al principio pero progresivamente cada vez más incisivo.

Además de su habitual piano acústico, el frecuente colaborador de Landrus, su colaborador/mentor/productor Michael Cain, utiliza teclados eléctricos y bajo eléctrico para mejorar el sentimiento de las grabaciones de la década del ’70. En la romántica y frenética “Beauty”, su atmosférico y callado dueto con el bajista acústico Mateo Parrish contrasta bien con el clarinete bajo cargado de emoción de Landrus, que se aventura lejos de la melodía sin perder su camino, mientras la urgente polifonía del baterista Rudy Royston tanto anclan como conducen la música.

Arenosos y cinemáticamente oscuros temas son explorados en dos composiciones. La vibración soul/R&B de “I Promise” es una reminiscencia de los soundtracks de la era de la Blaxploitation, con el lento piano de Cain estableciendo tanto el humor como el diálogo entre la guitarra abrasadora de Felder y el resonante saxofón barítono de Landrus realzando la atmósfera. La más oscura, más ominosa sensación de “71 & On The Road” se basa en el afilado y aún fluído solo de bajo que como base sobre la que Landrus construye sus igualmente inquietantes líneas de saxofón.

Los ritmos afrocubanos también hacen un aparición, sobre todo en la pista del título que muestra a Royston canalizando su Art Blakey interior, bajo el groove eléctrico del Rhodes de Cain y la improvisación free de Landrus.

La conmovedora, casi espiritual “Wide Sky”, con las notas que fluyen de Cain y la enigmática y nocturna “Now”, con suave pero nunca “smooth” pianismo, cierran el álbum sobre una nota más tranquila que trae al tema unificado del disco a una conclusión apropiada.

A pesar de no ser tan intelectual estimulante como “Traverse” (BlueLand Records, 2011), el polifacético Capsule contiene suficiente empuje emocional para conectar y entretener.

Fuente para la reseña: Hrayr Attarian para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=40810#.Urt-2_tqSg8

Track Listing – Capsule

1. Striped Phase (7:30)
2. Like The Wind (7:48)
3. Beauty (8:26)
4. I Promise (4:55)
5. Capsule (9.16)
6. 71 & On The Road (6.58)
7. Wide Sky (9:34)
8. Now (5:58)

Artist List

Brian Landrus: baritone saxophone, bass clarinet, bass flute
Michael Cain: Rhodes, piano, electric bass
Nir Felder: guitar
Matthew Parish: bass
Rudy Royston: drums

Mirage (2013)

El saxofonista y compositor Brian Landrus presenta su último trabajo al frente del grupo Kaleidoscope. En Mirage el músico neoyorkino incide en las ideas ya anunciadas en el anterior (Capsule de 2012), e insiste en hacer un jazz electro-acústico salpicado con algunos toques de otros géneros musicales. En esta ocasión, se ha atrevido a añadir un cuarteto de cuerdas, para lo que ha contado con la destacada colaboración del violinista Mark Feldman.

Landrus es uno de los firmes valores del jazz en Nueva York. Discípulo del histórico trombonista y compositor Bob Brookmeyer, acompañante en las giras de Esperanza Spalding y colaborador del director y compositor Ryan Truesdell, ganador en 2013 del premio al mejor disco del año que otorga la Asociación de Periodistas de Jazz, con “Centennial”, un proyecto dedicado a Gil Evans.

Juntar a un quinteto de jazz con una sección de música clásica con violín, viola y chelo no es algo inédito. Sin embargo, Landrus revitaliza la fórmula proponiendo una música novedosa que, aunque con pinceladas clásicas, siempre apela al lenguaje del jazz. Aquí los elementos de cuerda juegan un papel diferente que en otros proyectos similares. De ahí que sobresalga el buen trabajo de orquestación que se ha realizado.

Este concepto introducido por Kaleidoscope se recrea en figuras y en ideas melódicas en las que todos los componentes adquieren su grado de compromiso con el resultado final. Las incorporaciones de Lonnie Plaxico y sobre todo de Mark Feldman refuerzan el conjunto. En Mirage hay pasajes inclinados hacia el pop como en la balada “Don’t Close Your Eyes”. “Arrival” se inicia con una extendida introducción de los vientos y el tema cambia con la guitarra de Felder, que hace una gran contribución en el disco. “The Thousands” se recrea con ciertos aires de groove. Plaxico comienza con un solo de contrabajo y dirige a ritmo de reggae en “I´ve Been Told”. “Someday” y “Mirage” son dos prodigiosas composiciones donde tanto el guitarrista como Landrus al barítono hacen gala de una gran frescura interpretativa. En “Reach” y en “Kismet”, Landrus se luce con sendos solos luminosos con el barítono.

Mirage es un original experimento, en el que Landrus une dos ámbitos musicales, utilizando la sección de cuerdas como un refuerzo de las armonías para lograr un claro contraste entre el lirismo de lo clásico y el matiz urbano del jazz. El resultado: una música bella y fresca, además de excitante y llena de sorpresas.

Reseña de Carlos Lara para http://www.tomajazz.com/web/?p=8129

Track listing – Mirage

01. Arrival (5:21)
02. Sammy (5:23)
03. Don’t Close Your Eyes (5:44)
04. A New Day (1:43)
05. The Thousands (5:44)
06. Someday (5:06)
07. Reach (1:35)
08. Mirage (7:57)
09. I’ve Been Told (5:50)
10. Three Words (5:26)
11. Jade (6:12)
12. Kismet (3:02)

Artist List

Brian Landrus: baritone and bass saxophones, bass and contra-alto clarinets, bass flute
Nir Felder: guitar
Frank Carlberg: piano, Rhodes
Lonnie Plaxico: electric and acoustic bass
Rudy Royston: drums
Mark Feldman: violin
Joyce Hammann: violin
Judith Insell: viola
Jody Redhage: cello
Ryan Truesdell: conductor

Apunte: Brian Landrus es un multiintrumentista de (valga la redundancia) instrumentos de viento, compositor, productor y educador. Vengo escuchando sus discos editados en su propio sello y como líder desde hace un tiempo bastante prolongado y cada vez me suenan más convincentes. Sus pasos han sido de menor a mayor: Traverse del año 2011 es un buen disco de la versión más cerebral del jazz contemporáneo, mientras que el posterior Capsule (también del 2011) se mete en terrenos más eléctricos del jazz, con algo de fusión y mucho de la onda de los años de oro del sello Motown, con muy buenos resultados. A la fecha, tiene editado un disco más, Mirage (2013) al que le dió una vuelta de tuerca más agregando una sección de cuerdas en la que se destaca el violinista Mark Feldman. A Landrus lo acompañan Rudy Royston (baterista habitual de Bill Frisell), el ascendente Nir Felder en guitarra (que recientemente ha editado su excelente primer disco, “Golden Age”), Frank Carlberg en Rhodes y piano, y Lonnie Plaxico en bajos eléctrico y acústico, entre otros. Lo que se dice una tremenda banda. Para escuchar atentamente y disfrutar.

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