Preso ventanilla


Xavier Desandre Navarre

tapa In-Pulse
In-Pulse (2014)

Xavier Desandre Navarre, baterista y percusionista, es un ritmista preocupado tanto por la melodía como por el groove. Después de haber trabajado con Laurent Cugny, la ONJ, Manu Dibango, los músicos de la escena nórdica (Lars Danielson, Bobo Stenson, Ulf Walkenius, N.P. Molvaer), y Youn Sun Nah, nos propone hoy el primer opus bajo su nombre como líder. El título es como un guiño a la mìtica etiqueta Impulse! y la pulsación constante que anima su creatividad. Para este registro se rodeó de Stéphane Guillaume (saxofones, flautas y clarinete bajo), Emil Spany (piano), Stéphane Kerecki y Bruno Rousselet (contrabajo). Vincent Peirani interviene en “Andaluciana” y Alan “Allonymous” Conway es invitado en “Gil”.

Registrado “en vivo”, el disco respira espontaneidad, elegancia y reparto. Todos los instrumentistas participan en la coloración de los títulos y sus contribuciones restituyen la cohesión del grupo. Los músicos irisan la escritura para transformarla de la mejor manera, en imágenes sonoras. El líder le da importancia al restituir una música melodiosa y casi espiritual donde las interacciones son motrices. De ello se desprende una música casi universal que late al ritmo de nuestro corazón y de nuestros pies. Emoción y movimiento, la esencia misma del jazz.

Vientos de España soplan en varios títulos pero el espíritu de América flota sobre otras piezas. Las sonoridades de ciudades y de los bosques u otros paisajes, llegan a nuestros oídos que perciben los ruidos de la vida y el sentido de la temporalidad.

IN-PULSE. Energía y flexibilidad a la vez. Brillo y delicadeza.

Fuente para la reseña: http://www.capsao.com/blog-latins-de-jazz/?p=10212

Nacido en 1961 en París, su niñez se desarrolló entre la capital francesa y Aix-en-Provence, pero fue su paso por Irán junto a su familia el que despertó su pasión por la variedad de ritmos ofrecidos por las percusiones. Luego, al regresar a Francia en 1975 comienza a estudiar percusión clásica en el conservatorio musical de Aix-en-Provence. Poco después llegaron los ritmos brasileros, el inicio del estudio del jazz y las improvisaciones sobre músicas africanas y cubanas. Su filosofía musical es crear puentes entre estos diferentes estilos. En este registro, increíblemente su primero como líder absoluto, el “ritmista” al cual sus compañeros apodan el “Brujo”, nos propone músicas nacidas de sus viajes y de numerosos encuentros humanos que le enriquecieron. Xavier Desandre Navarre, el brujo bueno, compañero de banda de algunos viejos y queridos conocidos de MQC/Preso, el que si buscan imágenes de él en internet casi siempre lo encontrarán sonriendo, nos invita a tomar impulso en este viaje musical inteligente, alegre y sincero

Track Listing

01. Bolinas (4:47)
02. Mango Flower (5:09)
03. Sodeska (3:05)
04. Emil’s Daydream (0:46)
05. Gangwondo Arirang (3:08)
06. Follow My Backlight (2:18)
07. Gil (4:27)
08. Tchiki Tak (3:16)
09. Promesse (2:21)
10. Passionate Bliss (3:53)
11. Lewis’s Panic (4:52)
12. Let It Like This (4:52)
13. Andaluciana (3:58)
14. Relax (Bonus Track) (4:06)
15. Waiting In Vain (Bonus Track) (4:54)

Artist List

Emil Spanyi: piano
Stéphane Guillaume: saxophones, flûtes, clarinette basse
Stéphane Kerecki, Bruno Rousselet: contrebasse
Xavier Desandre Navarre: batterie et percussions
Vincent Peirani: accordina (13)
Alan «Allonymous» Conway: chant (7)

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Christophe Marguet Sextet
diciembre 11, 2014, 8:27 pm
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tapa Constellation
Constellation (2013)

Tenemos de Christophe Marguet la imagen de un baterista sólidamente establecido en la escena jazz francesa puesto que convive allí desde hace tiempo junto a nuestros poetas más eminentes y nuestras más tenaces cabezas investigadoras. Él mismo no cesa de explotar y maridar estas dos facetas, atento a permanecer en esferas en movimiento, eligiendo los proyectos tanto por su fondo como por su forma. Pero este apasionado del jazz mantiene un ojo sobre los Estados Unidos, tierra de sus héroes, donde reina siempre una dinámica particular de la creación y del juego. Registrar con estadounidenses formaba parte de sus ambiciones, y muy particularmente con Steve Swallow; éste había sido el consejero artístico de sus dos primeros álbumes en Label Bleu, “Résistances poétiques” et “Les correspondances”, pero jamás habían tenido la oportunidad de tocar juntos a pesar de la admiración manifestada y a pesar de una relación que el tiempo no alteró.

Por lo tanto alrededor de este “encuentro” es que el disco ha sido imaginado, las composiciones están pensadas para valorizar el tacto y la sonoridad única del bajista. Ellos son, en realidad, mucho más que eso. Para comenzar, ofrecen a este inesperado sexteto, enormes espacios de expresión, la escritura -especialmente las sutiles progresiones armónicas – sirviendo de propulsión a los solistas, que bajan con carácter estos arpendes musicales y pasean su lirismo a lo largo de estas trayectorias curvas, dando en múltiples ocasiones el sentimiento de una especie de cumplimiento, como si cada solo estuviera formado por las notas, frases e intenciones justas, como si se hubiera pensado, escrito para sublimar las canciones. Instrumentos de viento, cuerdas o percusión, cada uno va en su cabalgata heróica.

Chris Cheek, que combina un sonido poderoso y otras un estilo muy libre, recuerda que no necesariamente hay incompatibilidad entre los fraseos terrenales/masculinos y aéreos/femeninos, que se oponen, erróneamente, demasiado a menudo. Capaz de arraigarse al suelo para lograr una energía brutal o lanzar hileras de notas serpentinas, construye con espontaneidad un discurso sólido, en cambio constante. En cuanto a Cuong Vu, atrapa la atención dejando desarrollar sus frases con mucha redondez en la articulación, así como con un extraño relajamiento. Su sonoridad plena de calor es a veces modificada -proyectada- por efectos sabiamente dosificados. La electricidad, que retorna a la casa de Marguet después de tres discos acústicos con el grupo Résistance poétique, es un elemento clave de la estética de Constellation, de su paleta de colores orquestales, pero también un factor determinante en la intensidad conseguida por el grupo, que depende en gran medida de ella. Es el caso de Régis Huby y Benjamin Moussay, que ambos aquí proporcionan un trabajo impresionante de calidad y diversidad. Entre la sociedad Marguet/Swallow y las voces de Cheek y Cuong Vu, el piano y el Rhodes de Moussay así como los violines (electrificados o no) de Huby, amasan una pasta muy rica, en el seno de la cual se organizan con toda lógica los vaivenes de escapadas melódicas, de frases giratorias, de eficaces riffs, de texturas y de elementos intangibles, oníricos. De gran arte, más aún cuando la legibilidad nunca es sacrificada a pesar de la profusión de ideas y de sonidos, la abundancia de materiales y el refinamiento de las inversiones. El pianista y el violinista gozan además de largos espacios que privilegian sus calidades de solistas.

Estas cualidades intrínsecas demandan ser puestas en perspectiva. Porque no se trata aquí de una “clásica” reunión de personalidades amontonadas tras una “carrera al grueso juego”. Como siempre en casa del baterista, y posiblemente más todavía aquí, la música es pensada alrededor de un propósito, las composiciones cuentan historias, describen lugares, entregan visiones unas veces positivas, y otras impregnadas de melancolía. Tan pronto montados a bordo («On The Boat»), somos llevados por una sucesión de títulos fuertes de la que volvemos a salir, aturdidos, sólo al término de la singular recuperación -la primera de Marguet- de “After The Rain” (John Coltrane). El repertorio se divide en dos discos de una duración razonable, que comprenden cinco piezas, combinando grandes cualidades de escritura y de interpretación.
Cada uno se toma un tiempo para instaurar una atmósfera y se desarrolla la mayoría de las veces según los movimientos que el sexteto, a través de sus flujos de energía y su flexibilidad narrativa, articula con un relajamiento que difumina la complejidad. Esta ausencia de relación de fuerza entre el contenido figurativo y los gestos musicales crea una ilusión de holgura, o en todo caso de evidencia. Es necesario sin embargo, imaginar estas transiciones entre conversaciones intimistas y despliegues orquestales, y viceversa («D’en haut», «Argiroupoli»), esta extraña belleza vinculada a la contemplación de una ciudad perdida bajo su violencia («Benghazi»). Había que escribirlas, estas melodías conmovedoras («Last Song», «Remember»). Las formalidades, estos arreglos de encaje («Only For Medical Reasons»), estas roturas imprevisibles («Old Road» y su parte central durante la cual Régis Huby rompe el ritmo, después de febril intercambios entre Cheek, Vu y Moussay, para volver levantar la temperatura del juego colectivo).

En equilibrio sobre un hilo tendido entre París y New York, Christophe Marguet entrega un álbum magnífico, profundo y coherente. Bella manera de realizar uno de sus sueños… y de hacer surgir entre nosotros, bajo una forma u otra, la prolongación de esta estimulante aventura.

Fuente para la reseña: Olivier Acosta para http://www.citizenjazz.com/Christophe-Marguet-Sextet.html

Apunte: Antiguo colaborador de músicos como Henri Texier, Louis Sclavis, Eric Watson, Yves Rousseau, Paolo Damiani, etc, etc., Christophe Marguet es otro inquieto y muy interesante músico de origen francés, que viene solidificando su trayectoria artística haciendo que cada nuevo material que publica defienda a lo anterior y de un paso hacia adelante. Lo anterior con Marguet como líder fueron formaciones en trío y cuarteto: recuerdo particularmente “Itrane” del Christophe Marguet Quartet Resistence Poétique, publicado en el viejo MQC. Para Constellation armó este excelente Sexteto enfocado en escribir para su consejero artístico, el increíble Sr. Steve Swallow. El resultado de la escritura más la ejecución, es brillante. La democrática participación que tienen todos los intérpretes es también otra de las cualidades de esta obra. Sin más para decir y mucho para escuchar, los saludo atentamente. PD: Marguet tiene un disco con Manu Codjia y Géraldine Laurent llamado “Looking for Parker” por demás interesante. Ahora si, hasta luego!

Track Listing CD1

1. On the Boat (5:34)
2. Satiric Dancer (10:10)
3. Argiroupoli (11:22)
4. D’en Haut (9:41)
5. Benghazi (10:52)

Track Listing CD2

1. Only for Medical Reasons (For CB) (8:06)
2. Last Song (3:32)
3. Remember (6:30)
4. Old Road (9:52)
5. After the Rain (John Coltrane) (8:00)

Enregistré aux Studios La Buissonne (Pernes-Les-Fontaines, Vaucluse), les 4, 5 & 6 septembre 2012

Artist List

Chris Cheek : saxophone tenor
Cuong Vu : trompette
Régis Huby : violon électrique et violon ténor électro-acoustique
Benjamin Moussay : piano, Fender Rhodes
Steve Swallow : basse
Christophe Marguet : batterie, composition et arrangements

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Daniel Giraudo
diciembre 1, 2014, 12:36 am
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tapa Diente Esquimal
Diente de Esquimal (2011)

Daniel Giraudo volvió al disco. No por propia iniciativa sino por impulso de varios amigos periodistas que editan la revista cultural La Central , quienes entendieron que Diente de esquimal , tal el título de la obra en cuestión que había quedado en suspenso hace 20 años, merecía estar a disposición del soberano. Una vez que convencieron al ex líder de Tamboor para que actualizara el repertorio, generaron las condiciones para que el disco tangible se distribuya gratuitamente con su publicación.

La tarea no fue simple: Giraudo reside en España y la reconstrucción de un disco al que todos consideraban una obra maestra demandaba de una ardua curaduría. Maremotos de e-mails con tomas primarias, respuestas con versiones alternativas, entrevistas parciales para conseguir fundamentaciones para el booklet y así. “Lo fuimos gestando con Dirty Ortiz, Lucio Carnicer, Droopy Campos… Entre idas y venidas, finalmente salió. El esfuerzo de los chicos fue impresionante”, suelta Giraudo desde su hogar ibérico, aún conmovido por ser objeto de semejante reivindicación. Pero la movida se puede entender desde el lado de la reproducción: se trata del “eslabón perdido” de una discografía de fusión con identidad cordobesa, que dialogaba de igual a igual con lo que proponían hacia mediados de los ’80 los grandes del rock nacional.

–¿Tuviste que regrabar, o apenas mejoraste el audio?
–Antes de venirme para acá, y por suerte, me agarró esa etapa en la que los arreglos se podían secuenciar. Así que esta propuesta me encontró con todo el planteo hecho. Con las músicas y poesías enfocadas. Retoqué muy poco y sólo metí voces en algunos temas. Además, me pude juntar con Camacho Cagliero, sonidista cordobés que hace siete años labura con León Gieco, quien me empujó a hacer una remasterización. Metimos todo en (el sistema de edición) Pro Tool y empezamos. Todo eso me estimuló.

–Si no aparecían tus amigos periodistas, ¿este disco quedaba en el olvido?
–Ese es el meollo de la situación. A estos temas, yo siempre los sentí más que pensarlos, así que tuve muy claro que no quedaban desvalorizados ni olvidados por no ver la luz. Hay música que tiene vida propia independientemente de que te la editen o no. Muchos compositores que admiro trabajan para engrosar su colección privada. Y en su momento, trabajé en esos términos.

–¿Música para vos solo?
–Mirá, tengo una foto de hace 20 años en la que agarro un matafuego del viejo diario Córdoba y simulo pegarle a un tecladista amigo. Había ido a la Redacción para que me entrevistara Mariana Winocur con la idea de contar que tenía este disco. Golpeé las puertas indicadas en Buenos Aires, además. Al no encontrar respuesta, lo hice para mí. Y fue producto de una libertad fulminante. Ahora el desafío pasaba por ver si tanto la música como la letra seguían aguantando el paso del tiempo. Este disco aguantó el paso de tiempo, definitivamente.

–Es decir que el material trasciende el concepto de “justicia histórica”.
–Pienso que podría haber sido un disco de hoy, claro. Hay temas míos y otros de Tamboor que son olvidables, no han resistido el paso del tiempo. O mejor dicho, tienen que ver con un determinado tiempo, refieren a un período puntual. Pero no me ha pasado eso con Diente de esquimal , que llegó bien al momento de su descongelamiento.

–En el sobre interno, hacés una analogía entre un horno de barro de Ischilín y un iglú del ártico, como si a ambos símbolos los atravesara algo en común.
–¿Eso salió en el sobre interno? ¡¡¡Droopy lo publicó!!! Es un periodista nato, tiene una dosis de traición que es formidable. Lo que me hizo escribir lo publicó… Está perfecto. Tanto como cuando me insistió “Daniel, al disco te lo publicamos por las buenas o por…” Voy a la pregunta: Conociendo al horno de pan personalmente y al iglú mediante una revista, se me revelaba un diálogo de formas; dos culturas que no se conocen apuestan por un símbolo de igual morfología aunque para distinto uso. Me alucinaba, además, la diferencia de temperatura que existe entre ellos; uno se activa a 200 grados, el otro sobrevive bajo cero.

Nota del Diario La Voz del Interior: http://vos.lavoz.com.ar/pop/rock/es-producto-libertad-fulminante

Apunte: Este es un rescate emotivo con todas las letras. Daniel Giraudo, genial músico cordobés y tesoro oculto y casi secreto de la capital de la provincia, editó este disco con un puñado de canciones concebidas veinte años antes. La libertad de su poesía, el humor de lo absurdo, la belleza de su voz y su canto, y el pop/rock inteligentísimo que Giraudo propone, lo hace una joyita con un nivel infrecuente en el pauperizado rock argento. Mis highligths: todos los temas. Giraudo en la década del ’80 fue líder de la mítica banda cordobesa Tamboor, con la cual grabó otra joya absoluta llamada “La Sal de Mandinga”. Creo que es una buena oportunidad para que conozcan a este talentoso músico; aún así, si algún visitante del blog se siente perjudicado por la publicación de este disco, me lo hace saber vía mail, por favor. Saludos!

Lista de Temas

01. Diente de esquimal (2:54)
02. El escorpión (4:09)
03. De la ribera (5:30)
04. Del Caribe (6:47)
05. Atado a la evolución (3:49)
06. Pozo de la suerte (2:55)
07. Prestidigitador digital (4:04)
08. Solo un candil (4:41)
09. El traje del que espera (2:51)
10. El arenal (6:21)

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Dieter Ilg
noviembre 28, 2014, 12:03 pm
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Otello. Live at Schloss Elmau (2011)

Los celos que consumen a Otelo y que le arrastran hasta el asesinato de su mujer encontraron en la ópera de Verdi su materialización en forma de línea de bajo. Aquella melodía fascinó a Dieter Ilg, quien ha grabado en directo, precisamente una serie de variaciones sobre la ópera del compositor italiano, con quien comparte, ya puestos, título: Otello. Este directo es el resultado de haber rodado los temas más de un año, e incluye algunos nuevos, como Ave Maria, y prescinde de otros.

No obstante, salvo en algún que otro pasaje, se trata de un disco un tanto rígido y baja intensidad cuyo mayor riesgo, eso si, es el de transportar al jazz algunas piezas operísticas del italiano. Prueba de ello es la versión groovy de Fuoco di giogia.

Ilg compagina marcadas líneas de contrabajo con melodías veloces, respaldado por un piano etéreo y una batería discreta. El tema más arriesgado corresponde al verdadero protagonista de la tragedia shakesperiana, léase Jago, con una marcha inicial que progresa hasta un intermedio que no llega a explotar, y cierra con un final vocal tan curioso como efectista.

Reseña de Borja Criado para http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=2018:dieter-ilg&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Otello

01. Fuoco di gioia (4:40)
02. O là (5:36)
03. Quando narravi (6:41)
04. Jago (5:02)
05. A questa tua (6:37)
06. Dio! Mi potevi (3:37)
07. Orror (4:57)
08. Le amare stille (1:35)
09. Mistero (5:27)
10. Ave Maria (4:06)
11. Otello (11:12)

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Parsifal (2013)

Dentro de la conmemoración del 200 aniversario del nacimiento del compositor alemán Richard Wagner, se podían esperar detalles dentro del mundillo del jazz hacia la insigne figura de este hombre pero no del alcance que pueden llegar a tener, con el tiempo, los trabajos realizados por Peter Schaefer sobre la obra en general del compositor o el que ahora nos ocupa del contrabajista Dieter Ilg centrado sobre todo en la opera Parsifal. ‘Parsifal’ (ACT) es una grabación donde el jazz y la clásica están combinados perfectamente para obtener un precioso resultado.

Dieter que ya nos había demostrado que se mueve como pez en el agua en estas combinaciones tras su inmersión en la opera ‘Otello’ de Verdi, obra ya grabada tanto en estudio como en directo en el magnifico Schloss Elmau, vuelve por sus fueros y nos demuestra que conoce bien a ambos músicos por haberlos trabajado a conciencia.

Se adentra en la música de Wagner en formato de trio con la inestimable ayuda del pianista Rainer Böhm y del baterista Patrice Héral con los que ya había realizado su anterior incursión en el mundo de Verdi. La interacción de estos musicos alcanza niveles magníficos creando una musica de gran belleza.

Dieter nos da claves sobre la música de ‘Parsifal’ que la acerca a la de Verdi para demostrarnos que no están tan lejanos en el estilo.

Como ejemplos: La melodía del preludio de ‘Parsifal’ es similar a la del famoso solo de contrabajo cerca del final del ‘Otello’ de Verdi.

Wagner parece que completó muchas partes de ‘Parsifal’ durante sus viajes a la tierra natal de Verdi. De hecho, acabo muriendo en Venecia.

También comenta Dieter que los dos utilizaron viejas melodías y temas populares europeos que les sirvieron de común inspiración.

La grabación contiene lo que Dieter llama sus variaciones sobre la opera de Richard Wagner con el añadido de la pieza ‘Sehnsuch’ sobre música de Ludwing van Beethoven que no es otra cosa que una bella y sentida versión de la ‘Oda a la alegría’.

Con todo este material, Ilg lo que ha hecho es no revisionar ni reinventar en demasía, como Eric Schaefer en su grabación, sino que más bien ha dirigido la música con calma y sosiego hacia donde el quería.

Tenemos delante un bello disco que creo gustará por igual a los amantes de la clásica que verán conservadas básicamente sus esencias como a los aficionados al jazz que sabrán encontrar las suficientes dosis de improvisación y estilo propio como para disfrutar gustosos de la música ofrecida.

Reseña de I. Ortega para http://www.distritojazz.es/2013/04/dieter-ilg-%E2%80%98parsifal%E2%80%99/

Track Listing – Parsifal

01. Zum Raum wird hier die Zeit (5:15)
02. Glocken (3:55)
03. Parsifal (4:18)
04. Morgengebet (4:36)
05. Ich bin ein reiner Tor (4:49)
06. Zaubergarten (6:32)
07. Amfortas (4:34)
08. Unerhörtes (4:01)
09. Herzeleid (0:44)
10. Kundry (4:23)
11. Von Welt zu Welt (5:37)
12. Klageruf (3:33)
13. Sehnsucht (3:44)

Artist List en ambos discos

Dieter Ilg: bass
Rainer Böhm: piano
Patrice Heral: drums

Apunte: Además de ser una música de gran belleza, como destaca I. Ortega en su reseña, también tiene el don de ser sanadora. Sin estridencias, sin apuros, con exquisitos toques, abraza al alma fraternalmente. Ambos, altamente recomendables.

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Andreas Heuser
noviembre 12, 2014, 12:04 am
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tapa Northern Plains
Northern Plains (2005)

Andreas Heuser es un viajero entre diferentes mundos musicales. Mientras construye los diversos fondos musicales, él crea una frontera que desafía a la mixtura con su trabajo solista en la guitarra y lleva al oyente en un viaje musical a territorios desconocidos. „Guitarrista que explota todos los géneros“ (WAZ Dortmund)
Autodidacta, entrenado en guitarra clásica y de jazz, años de prácticas involucrados con música no europea (principalmente música de medio oriente), fueron las etapas de su desarrollo musical que influyeron en su técnica, así como en sus composiciones. Es un compositor único, un músico hábil e improvisador que utiliza un amplio espectro de técnicas y expresiones.
El rango de instrumentos que utiliza es impresionante: guitarras clásicas de 6 y 10 cuerdas, guitarra de 8 cuerdas de acero, requinto, glissentar, guitarra eléctrica y violín eléctrico. El rango adicional de las guitarras de 8 y 10 cuerdas, y el tono alto del requinto, abren el habitual sonido de la guitarra lo que le permite ampliar sus posibilidades técnicas y composición.
Con su variada y brillante técnica, él funde elementos de fuentes clásicas, jazzísticas, orientales y latinoamericanas en algunas composiciones únicas: rítmicamente atrapantes, líricamente meditativas; realzadas por apasionantes improvisaciones. Las características de sus actuaciones en vivo son la excelente calidad de sonido y el hábil uso de la electrónica que le permiten presentar una variedad sonora, desde la suave caricia a las cuerdas a las erupciones percusivas. Su dúo con Kazim Calisgan y sus ensambles tocando con Transorient Express, Nefes in Motion y Violet Quartet amplían aún más su estilo.

Fuente para la reseña: http://www.andreasheuser.com/andreas_e.html

Apunte: Hace un par de años atrás llegó a mis oídos Northern Plains, del guitarrista Andreas Heuser y disfruté durante un buen período de tiempo de su audición. En ese momento encontré reseñas en alemán de este disco y no logré conseguir quien me las tradujera. Pasaron los días de la vida, y se fue quedando relegado, pero no fue quitado de la carpeta “Borradores”. Haciendo back-up de la PC lo encontré hoy, me puse a escucharlo y ratifiqué lo que sentí en ese momento. Northern Plains es un GRAN disco. Apenas acompañado por puntuales y estratégicas intervenciones de tres artistas invitados, Heuser exprime el jugo a sus composiciones, influenciadas tanto por la world music como por elementos de la música clàsica, optimizando el uso de las posibilidades técnicas de los diferentes instrumentos que ejecuta. Todo esto sin dejar de lado la sensibilidad a la hora de transmitir vida en su música. Heuser vive en Dortmund, Alemania y actúa regularmente en el club de jazz y música contemporánea “domicil”, llevando a cabo encuentros musicales de world music con artistas de diferentes latitudes o tocando con la banda Transorient Express o Andreas Heuser-Jan Bierther Quartett. Ah! me olvidaba: la versión de “Beautiful Love” es una de las más bonitas que he escuchado. Saludos!

Track Listing

01. Presto Pressante (3:09)
02. Arrival At Eight (4:49)
03. Blue (4:29)
04. Karadeniz (5:32)
05. Your Song / Beautiful Love (3:33)
06. Lea (5:40)
07. Duolog (4:27)
08. Triple Talk (5:16)
09. Prelude Oriental (2:17)
10. Northern Plains (4:24)
11. Nautilus (3:41)

All compositions by Andreas Heuser, except: Beautiful Love (King/van Alystine/Young/Gillespie) and Karadeniz (trad./arr.: Andreas Heuser)

Artist List

Andreas Heuser: 10-string and 6-string classical guitars , 8-string steelstring guitar, requinto, octave guitar, kalimba, percussion
Guest musicians:
Raul SenGupta: tabla (tracks 2/4/6/8/10)
Ertugrul Coruk: tenor and soprano saxophone (tracks 6/10/11)
Christian Kappe: flugelhorn (track 2)

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Enrico Pieranunzi with Scott Colley and Antonio Sánchez
noviembre 9, 2014, 10:51 am
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tapa Permutation

Permutation (2012)

Muchos músicos de jazz se reinventan continuamente, y crean retos para sus fans. Piense en Miles Davis. Cada vez él creó un nuevo estilo que construyó una nueva base de fans. Y cada vez que él siguió hacia adelante, ellos se sintieron abandonados.

Enrico Pieranunzi tiene un nuevo trío con el contrabajista de clase mundial, Scott Colley, y el más talentoso baterista de jazz de su generación, Antonio Sánchez. Basado en el nuevo álbum de la banda, Permutation, es instantáneamente uno de los más fuertes trios de jazz. Pero aquellos de nosotros que amamos el anterior trío de Pieranunzi ahora nos afligimos de su ida.

En la primera década del nuevo milenio, Pieranunzi, el bajista Marc Johnson y el baterista Joey Baron hicieron una serie de mágicos álbumes para CAM Jazz. Ellos eran dotados a la hora de elegir y reinterpretar un gran repertorio, especialmente baladas. La creativa agresión de Colley y Sánchez empujan a Pieranunzi en una dirección diferente.

Su nuevo trío es mucho menos amable y apacible. Es más duro y más rápido que su predecesor, y toca originales de Pieranunzi exclusivamente. Algunos comienzan de manera simple pero se complejizan rápidamente, con motivos que se cruzan (“The Point at Issue”) y temas que barren y se repiten como olas que se estrellan (“Critical Path”). La pista del título comienza con un vamp bass, bloques de melodía de piano y vastos detalles de significativa energía percusiva de Sánchez. Entonces esto se acelera y se transforma. Estos tres músicos tienen reflejos relampagueantes. Ellos inspiran e incitan el uno al otro.

Hay dos absortas, intensas baladas, “Distance From Departure” y “Within the House of Night”. Están profundamente en contacto con el dominio del antepasado espiritual de Pieranunzi, Bill Evans. Como Evans, Pieranunzi revela la emoción humana previamente oculta en la penumbra de las armonías y desentraña líneas que repentinamente se convierten en lirismo penetrante. Pero este nuevo trío en su mayoría elige virtuosismo y potencia de fuego, por sobre la poesía. Sin duda lo echaremos de menos cuando Pieranunzi siga hacia adelante.

Fuente para la reseña: Thomas Conrad para http://jazztimes.com/articles/30429-permutation-enrico-pieranunzi

Track Listing – Permutation

01. Strangest consequences (5:33)
02. Critical Path (6:37)
03. Permutation (5:40)
04. Distance from departure (6:46)
05. Horizontes finales (5:16)
06. Every smile of yours (4:56)
07. Within the house of night (5:04)
08. The point at issue (5:54)
09. A different breath (4:44)

tapa Stories

Stories (2014)

Que Enrico Pieranunzi es uno de los mejores pianistas del jazz actual, no es necesario recordarlo. Que varios de su mejores momentos musicales los dio en el formato de trío, quizá sí, en especial porque tras sus colaboraciones con Charlie Haden y Paul Motian o, sobre todo, con Marc Johnson y Joey Baron, parecía haber llegado a esa suerte de serena perfección en la que sólo queda explorar lo que ofrece el final del camino. Hay otras formas de perfección, sin embargo, entre ellas la que se alcanza a fuerza de tomar desvíos aun cuando la meta esté a la vista, o precisamente por ello. Y eso es lo que ha hecho el pianista romano con su nuevo trío, cuyo primero disco, Permutation (CamJazz, 2012 con nueve composiciones del propio Pieranunzi) deparó no pocas sorpresas a sus seguidores. La razón de las mismas, a tenor de los comentarios de muchos críticos, parece concentrarse, según Thomas Conrad, en la siguiente fórmula: -serenidad + energía. Pero no sólo energía, añadamos, sino también ritmo, pasión, experimentación. Y si bien con sus anteriores tríos estos elementos no estuvieron ni mucho menos ausentes, lo cierto es que Colley y, sobre todo, Sánchez aportan un plus de vigor y hasta vehemencia.

El tema con que se abre el disco, “No Improper Use”, suena, en este sentido, como una declaración de intenciones, retomando “los motivos percusivos y las variaciones rítmicas” que, para emplear conceptos de Michael Bayley, definían a priori el sonido del trío. Angularidad voluntariamente irregular, ecos de un pianismo clásico, inesperados cambios de ritmo introducidos por Sánchez; en suma, nervio y aristas. Nervio y aristas que continúan en los ecos latinos (sin pizca de gratuidad) de “Detrás más allá” y en el maravilloso “Blue Waltz”, rapsódico, con ecos operísticos en un desusado ritmo de 6/8, un Pieranunzi ágil y evocador, un Colley agudo y poético y un Sánchez que sostiene el complejo entramado con una serenidad pasmosa. No es ésta la primera versión de “Blue Waltz” (curiosamente, las tres que ahora mismo tengo a mano fueron grabadas en directo, con Paul Motian y Steve Swallow en Nueva York, Terje Gewell y Anders Kjellberg en Oslo y Rosario Giuliani en Amsterdam), pero sin duda se trata de la mejor. Por fin, tras la pausa que supone la calma clásica de “The Slow Gene” (el único de las nueve composiciones que conforman el disco que no pertenece al pianista sino a Colley), llega el tema más hirviente del disco, “Wich Way Is Up”, donde el laboratorio sonoro a que aspira Pieranunzi que se convierta su trío, pisa el acelerador en un dinámico ejercicio de improvisación que no desecha ninguno de los elementos que surgen en el camino, de la improvisación libre a la música contemporánea, con un jefe de filas que en menos de cuatro minutos propone al oyente cuatro o cinco caminos distintos para finalmente, con todos ellos, trazar uno solo. Vibrante.  Lo que viene después es como si, al alcanzar la cima y descender por la suave ladera que suponen los líricos, callados, misteriosos y hasta un punto pudorosos tres temas finales, casi encadenados, como si el trío quisiera demostrar, lo que consigue con creces, que también sabe recorrer caminos menos abruptos y fragorosos sin perder un ápice de personalidad. No cabe sino esperar con impaciencia el siguiente paso del maestro Pieranunzi.

Reseña de Jonio González para http://cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=3084:enrico-pieranunzi&catid=4:discos&Itemid=7

Track Listing – Stories

01. No Improper Use (4:10)
02. Detras Mas Alla (8:6)
03. Blue Waltz (7:33)
04. The Slow Gene (5:16)
05. Which Way Is Up (3:55)
06. Where Stories Are… (8:11)
07. Flowering Stones… (7:24)
08. The Real You (5:16)

Recorded February 22-23, 2011 at Avatar Studio NY

Artist List

Enrico Pieranunzi: piano
Scott Colley: bass
Antonio Sanchez: drums

Apunte: Con su nuevo “trio americano” el maestro Pieranunzi se reinventa de manera sorprendente gracias a la energía de sus compañeros, en especial del brillante Antonio Sánchez que viene en la cresta de una ola creativa desde hace por lo menos cinco años, levantando el nivel de cuanto disco participa. Sabemos de la influencia de Bill Evans en la música de Pieranunzi (hay piezas evansianas en ambos discos), pero en estas dos excelentes grabaciones la riqueza primero está en las composiciones todas originales de Pieranunzi, a mi entender pensadas para estos dos compañeros de equipo (fundamentalmente en Stories), y luego justamente en el entramado sonoro que logran, pleno de giros, detalles y dinamismo. Les aseguro que cada escucha atenta, genera un mayor entusiasmo. Altamente recomendables!

Password en ambos casos: presoventanilla



Edward Simon

tapa Venezuelan Suite
Venezuelan Suite (2014)

Venezuelan Suite es la carta de amor del pianista Edward Simon a su patria, pero no es solo esto; es la perfecta confluencia de ideales venezolanos, la lengua del jazz y la sofisticación camarística. Brevemente, esto es una obra maestra.

Si bien cada país tiene sus adherentes musicales a los círculos del jazz americano, algunos son dolorosamente subrepresentados. Es por eso que es tan importante y vital cuando alguien como el saxofonista Miguel Zenón llega y salva la brecha entre el jazz y la música de Puerto Rico, o el pianista Danilo Pérez encuentra y/o crea un nexo entre el jazz y la música de Panamá. Estos hombres están, de algún modo, justamente explorando sus respectivos amores musicales e introduciéndolos el uno al otro, pero en este proceso ellos se han hecho visionarios; Simon ahora se une a sus filas.

El magnífico y único equipo de diez piezas que pinta la visión de Simon sobre Venezuela, es realmente uno de los mejores en su tipo. ¿Cuánta gente, después de todo, combina flauta, clarinete bajo, saxofón tenor, percusión, arpa, cuatro, piano, bajo y batería? Probablemente pocos a ninguno. Pero no es solamente el maquillaje instrumental del Ensamble Venezuela lo que hace de esta una reunión maravillosa; son las personalidades. El flautista Marco Granados aporta refinamiento y gracia en el procedimiento, el arpista Edmar Castañeda y el cuatrista Jorge Glem añaden la sensación de movimiento a la música, y Mark Turner deslumbra con sus misteriosas y poderosas líneas en el tenor. Todos los participantes básicamente traen algo especial e importante a la mesa.

Cada movimiento de esta suite de cuatro partes, nombra a una ciudad diferente, y ofrece una mirada dentro del arte, la cultura y la historia de Venezuela. “Barinas” toma prestado del joropo, una dinámica danza que se transformó en el baile nacional de Venezuela a finales de los años 1800; “Caracas” se inclina en el merengue con una fundación de métrica impar; el planeo lento de “Merida” toma su nombre de una preciosa ciudad en la Cordillera de Los Andes; y “Maracaibo” representa a una ciudad en el noroeste de Venezuela y la gaita, un tipo de la música asociada con la región y, más expresamente, con el tiempo de Navidad. Todo esto ayuda a presentar una vista panorámica de la cultura musical venezolana de un nuevo modo.

Mientras la suite es el foco de este demasiado breve álbum, Simon agrega un standard venezolano (“El Diablo Suelto”) para finalizar este asunto. El propio espacio solista del pianista y el conmovedor revuelo de Turner terminan por ser los rasgos salientes de esta interpretación, pero la sección de ritmo merece el crédito por espolearlos.

Este álbum cronometra en menos de treinta y ocho minuto, pero es todo el tiempo que Simon necesita para amarrar y refractar estos elementos culturales de la música venezolana.

Fuente para la reseña: Dan Bilawsky para http://www.allaboutjazz.com/venezuelan-suite-edward-simon-sunnyside-records-review-by-dan-bilawsky.php?width=1024

Apunte: Buscando reseñas de este disco me encontré con dos bien antagónicas: esta muy elogiosa de Bilawsky y otra de Michael J. West que defenestra al álbum tratándolo así: “Venezuelan Suite es banalidad, pero del más alto orden” (http://jazztimes.com/articles/117577-venezuelan-suite-edward-simon). Fans como somos del pianista no podemos pasar por alto la escucha de esta obra, y de paso, a modo de juego, dilucidar de cual de los críticos estamos más cerca. En mi caso, sin dudas estoy del lado de Bilawsky. I’m sorry, West…

Track Listing

1. Barinas (9:11)
2. Caracas (6:27)
3. Mérida (6:59)
4. Maracaibo (5:43)
5. El Diablo Suelto (9:27)

Artist List

Edward Simon: piano
Roberto Koch: bass
Adam Cruz: drums
Mark Turner: tenor sax
Marco Granados: flutes
Jorge Glem: cuatro
Leonardo Granados: maracas
Luis Quintero: percussion (1, 2, 4)
John Ellis: bass clarinet (1, 2, 3, 4)
Edmar Castañeda: harp (1)

Link de descarga
Password: presoventanilla




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