Preso ventanilla


Storms / Nocturnes
septiembre 15, 2013, 9:37 pm
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tapa Via
VIA (2011)

Virtuosismo, cuando se trata de la raison d’être, puede ser un impedimento; cuando se trata de una fundación, al servicio de la música, puede ser liberador. Storm/Nocturnes fue inicialmente la creación de Tim Garland, pero después de la primera convocatoria como un subconjunto del sexteto en la pista que cerraba «Made By Walking» (Stretch, 2000) del saxofonista y compositor británico, finalmente se ha convertido en un trabajo de trío más igualitario. Ambos, «Storms/Nocturnes» (Sirocco, 2001) y «Rising Tide» (Sirocco, 2003) combinan el tipo de material riguroso que sólo los músicos más experimentados podrían componer y navegar, con la extrema espontaneidad y empática interacción que este sorprendente virtuosismo puede permitirse, a la vez que sigue siendo especialmente raro y precioso para un trío en el que siempre fue una aventura ocasional por necesidad -porque sus miembros están, separados por grandes distancias, con Garland en Londres, el pianista Geoffrey Keezer en San Diego, y el vibrafonista Joe Locke en la zona de Nueva York. Siete años pasaron desde que el trío trabajó por última vez juntos, pero usted no lo sabrá en VIA, un álbum que celebra las muchas locaciones en que Storms/Nocturnes se ha encontrado, tanto en el hogar como en el de innumerables localidades que sus músicos han visitado en la carretera.

VIA, sin embargo, representa una serie de cambios para el trío. En primer lugar, mientras que Locke y Keezer aportaron material a los dos primeros discos, este es el primer álbum donde los créditos por la composición están divididos en partes iguales entre el trío; también es el primer disco producido por las Storms/Nocturnes, en lugar de Garland, en colaboración con John Priestley, la cabeza del extinto sello Sirocco. Mucho ha sucedido a todos en los años que han transcurrido desde «Rising Tide», con un montón de elogios atrasados, que en su mayor parte, los habían eludido durante la última vez. Todos ellos son mucho más conocidos y, lo que es más importante, más respetados, especialmente Locke, que ha lanzado una fina cadena de registros, entre los que se incluye sus otras colaboraciones con Keezer, «Live in Seattle» (Origin, 2006), su apasionante, cercana a la fusion, grabación con el Joe Locke/Geoffrey Keezer Group. Garland, también ha publicado una serie de aventurosas grabaciones, que culmina en «Libra» (Global Mix, 2009), donde su trabajo en la disolución de las fronteras estilísticas golpea un particularmente acertado pico.

En las liner notes de uno de los más impresionantes y hermosos paquetes aparecidos en años (diseñado por Nadja von Massow), Keezer se refiere al «al abismo percibido y sobrepromocionado entre el jazz americano y el europeo», y VIA postula que este abismo artificial sólo es mantenido por los que sienten la necesidad de limitar a la música dentro de cajas claramente definidas. «Daly Avenue» es, en su corazón, un blues, y se mece con fuerza durante el solo ágil de Locke; la mano izquierda de Keezer toca una línea walking bass, y su derecha, una serie de acordes acribillados que tuercen la básica forma I-IV-V del blues, en inesperadas formas armónicas; a veces claramente conduciendo el vibrafonista, en otras partes en instantáneas respuestas. El solo del soprano de Garland, bop-céntrico como es, se mueve dentro, afuera y alrededor del tiempo, como Keezer mina el extremo inferior de su piano, avanzando gradualmente hacia la repetición de un tema que acorta alguna y todas las distancias.

Garland se enfoca en gran parte en el saxo soprano, pero trae su clarinete bajo a «Ripertoli», proporcionando una fundación gutural durante el solo suelto de Keezer; el pianista hábilmente teje en y alrededor de la forma, conduciendo a un solo de soprano igualmente cursivo de Garland, elevéndose encima del apoyo tanto de Keezer como de Locke, lo que es una maravilla arquitectónica.

De los tres, Locke ha sido siempre el más patológicamente lírico escritor -a veces escribiendo palabras para canciones que nunca se cantan, pero que sin embargo conducen su música- de un músico cuyo corazón es tanto robado por la belleza de una simple línea, como por las preocupaciones más complejas.Si VÍA hace de puente en la percibida divisón Americana/Europea, también dibuja una línea clara entre el detalle composicional y el cuidadoso melodicismo. Los cambios delicadamente descendentes en «Snowfall in Central Park», verdaderamente, evocan la imagen de copos de nieve cayendo en una extrañamente quieta Manhattan, pero su ser en una métrica irregular de ninguna manera diluye su ritmo natural, la prueba de que lo que pasa en el interior de una pieza está ricamente compuesto. El cierre de VIA con «Miramar» de Locke -una melodía con una completamente diferente y más potente contextura en «Live in Seattle»- demuestra cuan lejos Storms/Nocturnes ha llegado y que, a veces, el paso del tiempo hace un grupo más fuerte, no más débil, como sus miembros traen a la mesa todo lo que ellos han adquirido, conservando aún su especial voz colectiva, nacida de una flexibilidad sin esfuerzos. Aquí, el contrapunto anotado y espontáneo baja y fluye bajo el cantable tema de Locke, conduciendo a un solo del vibráfono que contrae matrimonio con Locke de lealtad a la melodía con inagotable virtuosismo, sin perder nunca de vista la esencia de la canción, o convirtiéndose en un fin en sí mismo.

Hay más evolución para oír sobre en el balance de las diez pistas de VIA, pero quizás otra diferencia significativa sobre el disco es su disponibilidad. La exposición internacional de Sirocco siempre fue irregular, en el mejor de los casos, pero el sello Origin Records, establecido en Seattle, tiene una trayectoria más exitosa en entregar su música al mundo. VIA puede ser la primera exposición, para muchos, a Storms/Nocturnes, pero es de esperar que no sea la última, o, con suerte, ocho años más han de pasar antes de otro retorno al estudio de esta notable confluencia de forma y libertad, nunca surperflua o de virtuosismo autocomplaciente, y de misteriosa y telepática espontaneidad. Tal vez, incluso, Garland, Keezer y Locke consideren un álbum en vivo, para demostrar cómo indudablemente funciona este trío con la energía de una audiencia.

Fuente para la reseña: John Kelman para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=39289#.UjTVdn9qSg8

Apunte: Este post tiene el propósito de cerrar aunque sea parcialmente, el capítulo dedicado a Joe Locke. En realidad, como en un juego de cajas chinas, uno abre una puerta y entra a un nuevo lugar donde las puertas se multiplican. Los senderos se bifurcan maravillosamente. Uniendo puntas de un mismo lazo, como dijo el rosarino Páez, comencé hace un tiempo atrás con Garland, Sirkis y Simcock con su excelente «Lighthouse», lo cual me llevó a indagar sobre el background de Garland, hallando en el camino a este virtuoso trío, a la par de otras colaboraciones de Locke con otros artistas…y con Keezer (otro sendero que recorreremos en el futuro). Bien. Como dicen las reseñas que acompañan ambos posteos, este trío comenzó en la grabación del disco de Garland «Made by Walking» y más tarde esta relación se consolidó con la grabación en el 2001 de Storms/Nocturnes, con Garland en rol protagónico de compositor, arreglador y productor, lo cual se nota inmediatamente porque su voz prevalece en la mayoría de los temas. Los tres tienen la cualidad de ser torrentes musicales, con conocimientos enciclopédicos de la historia del jazz, pero también tienen claro que eso no debe ser la razón de ser de la edición de un disco. El buen gusto es otra, si no la más importante, de sus cualidades. Luego de «Storms/Nocturnes», grabaron «Rising Tide» (2003) , el cual lamentablemente no he tenido el gusto de escuchar, hasta que grabaron «VIA» en el año 2011, última grabación hasta el momento. El resultado artístico de «VIA» es igualmente delicioso, pero claramente los roles protagónicos están democráticamente repartidos (de hecho el trío no es más Garland, Keezer, Locke, sino que ahora es el trío Storms/Nocturnes). En definitiva, dos discos de una formación instrumental poco habitual, de tres músicos exquisitos, haciendo música original y muy disfrutable.

Track listing

01. Tiger Lily’s DIY Paradise (5:36)
02. Her Sanctuary (8:32)
03. Ripertoli (8:16)
04. Lake of Weathers (9:58)
05. Daly Avenue (4:20)
06. Snowfall in Central Park (5:24)
07. Ambleside Nights (6:14)
08. A Big Wavy Thing (3:32)
09. Infinite Blue (4:10)
10. Miramar (8:00)

Artist List

Tim Garland: saxophones, bass clarinet, crotales (6, 10)
Geoffrey Keezer: piano
Joe Locke: vibes
Derek Hook: crotales, log drum and wind chimes (8).

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Tim Garland, Geoffrey Keezer, Joe Locke
septiembre 15, 2013, 9:31 pm
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tapa Storms - Nocturnes
Storms/Nocturnes (2001)

Aquí tenemos un raro caso donde el título lo dice prácticamente todo. Cuando el saxofonista Tim Garland, el vibrafonista Joe Locke y el pianista Geoff Keezer tocan en trío, ellos pueden evocar el alboroto de una tormenta o el matiz de crepúsculo de lo nocturno. (De hecho, su debut como trío fue en la pista final del álbum «Made by Walking» de Garland, «Trinity»). Garland escribió cinco de estas nueve piezas, las mejores de las cuales «Gold Rush», «Turn and Return» y «Night Forest» caen en la mitad del disco. Su arreglo de «Blackbird» de Lennon y McCartney es agradable, aunque esto realmente pudiera ser el tiempo para una moratoria en aquella canción. Keezer parece más inclinado a las «tormentas», con «Hibiscus» y la pista de cierre «Breath of the Volcano», mientras que Locke le da a los oyentes «The Lost Tenore», mucho más «nocturna». Cada músico trae propulsión rítmica y magia armónica a las actuaciones. La mezcla de los tres instrumentos es maravillosa, y estos tipos parecen saberlo -ellos se desarrollan en el sonido, de uno a otro, con gran sensibilidad y fuego.

Fuente para la reseña: David R. Adler para http://www.allmusic.com/album/storms-nocturnes-mw0000218620

Track Listing

1. Blues for Little Joe (Tim Garland) (6:47)
2. I’ll Meet You There (Tim Garland) (7:02)
3. Hibiscus (Geoff Keezer) (8:07)
4. Blackbird (John Lennon / Paul McCartney) (5:31)
5. Gold Rush (Tim Garland) (3:50)
6. Turn and Return (Tim Garland) (3:39)
7. Night Forest (Tim Garland) (4:37)
8. The Lost Lenore (Joe Locke) (6:48)
9. Breath of the Volcano (Geoff Keezer) (7:16)

Artist List

Tim Garland: arranger, bass clarinet, producer, soprano sax, tenor sax
Geoff Keezer: piano
Joe Locke: marimba, vibraphone

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Joe Locke & Kenny Barron
septiembre 6, 2013, 8:43 pm
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tapa But Beautiful
But Beautiful (1994)

Maravillado con «Saturn’s Child» del dúo Locke/Kimbrough me dispuse a ir por más de ellos. Aún no tuve suerte, pero en el camino encontré esta otra perlita, un proyecto similar y anterior en el tiempo. Aquí el pianista es el todoterreno Kenny Barron. Barron es esa clase de músicos que aporta de manera positiva en cualquier proyecto; y el dúo es un formato que evidentemente le sienta bien: recuerdo esa otra hermosa joya que grabó en vivo, entre ruidos de platos y vasos, con el inmenso Charlie Haden («Night and The City», del año 1996). Grabado en el año 1991 y lanzado a la venta en el año 1994 por el sello dinamarqués SteepleChase, But Beautiful está directamente enfocado en standards inoxidables, desarrollados en un ambiente delicado e intimista, creado por el elegante diálogo entre dos músicos talentosos, versátiles y de musicalidad envidiable. Sin dudas esto debe disfrutarse con una escucha atenta a los discursos, los detalles, las pausas y los intercambios. Como siempre digo con este tipo de obras: no cambió ni cambiará el destino de la música, pero hace bien escucharla. Masajes para el alma, dijera nuestro amigo el Pincha.

Track Listing

01. On a Misty Night (Dameron) (5:54)
02. You Don’t Know What Love Is (DePaul/Raye) (8:05)
03. Spring Is Here (Hart/Rodgers) (7:51)
04. A Single Petal of a Rose (Ellington) (3:31)
05. But Beautiful (Burke) (9:00)
06. The Island (Lins) (7:01)
07. Nancy (With the Laughing Face) (Silvers) (6:24)
08. I’ve Grown Accustomed to Her Face (Lerner/Loewe) (7:50)
09. My Foolish Heart (Washington/Young) (8:33)
10. Stolen Moments (Nelson) (7:08)

Artist List

Kenny Barron: piano
Joe Locke: vibraphone

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Frank Kimbrough & Joe Locke
agosto 24, 2013, 8:49 pm
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tapa
Saturn’s Child (1999)

Saturn’s Child es una de las varias realizaciones que nos trae el nuevo sello basado en el jazz moderno, «Omni Tone». Embalaje simpático, perspicaces liners notes y una calidad de sonido superior vienen a la vanguardia con dos nuevas y espléndidas liberaciones de los miembros del New York Jazz Composers Collective. Junto con «Genius Envy» del trompetista Ron Horton (véase la reseña de AAJ de Noviembre del ’99), estamos enamorados de las actuaciones absolutamente increíbles del dúo formado por el vibrafonista Joe Locke y un hombre que aparentemente posee las hábiles manos de un cirujano detrás de las teclas, el pianista Frank Kimbrough.

Saturn’s Child es una asombrosa incursión en la interacción sumamente intuitiva y exuberante melodicismo, vía la encantadora y agridulce fraseología, acoplada con la sensibilidad del dúo, la compasión y el mutuo respeto «musical» el uno para el otro, que es evidente desde el momento de apertura con la composición de Frank Kimbrough, «727». Luminoso y aireado por las declaraciones temáticas de Locke, quien se está convirtiendo rápidamente en uno de los músicos top de sesión en el jazz, además de tener una exitosa carrera en solitario, monta la cresta de la ola encima de los inclinados acordes de la mano izquierda de Kimbrough. Aquí y en todo, Kimbrough y Locke engarzan sus pensamientos y demuestran una extraordinaria sinergia, en la cual delicadamente articulan suaves y brillantes pasajes que son a veces, sombríos, pensativos y en muchos casos, espiritualmente edificantes. «Saturn’s Child» de Joe Locke destaca un conmovedor pero picante tema, por claras líneas de armonía bien indicadas, como si la canción realmente tuviera la intención de ser un arrullo para la hora de acostarse. El sereno «Trouble Is A Gorgeous Dancer» de Locke, destaca una pegadiza melodía, todo hecho con un toque de clase y finura, como caballeros alternan solos, y en última instancia convergen para repetir y reafirmar el memorable tema. En este sentido, el recurrente motivo sirve como un puente para la inspiración de Kimbrough y algunas etéreas reflexiones, mostrando ingenio en el uso de los armónicos, trémolo, transmitiendo un poco de una majestuosa presencia. Estos hombres actúan como si estuvieran buscando el siempre escurridizo: «caldero de oro», principalmente desde un punto de vista musical y/o artístico. La perfección parece alcanzable en Saturn’s Child como la historia se desarrolla en «Waltz For Lee» de Kimbrough, mientras el dúo crea un groove afable y positivo sobre un simple motivo de vals. El exuberante romanticismo de «Empty Chalice» y la -nunca tan suave- poesía en movimiento en la balada liviana-como-una-pluma, «I Still Believe (In Love)», son magnéticamente atractivas e indican además las potentes habilidades compositivas del dúo. Elogios aparte, Saturn’s Child puede ser el heredero lógico del trascendental y críticamente aclamado «Crystal Silence» grabado para el sello ECM por Chick Corea y Gary Burton. Kimbrough y Locke han creado aquí una brillante joya… Saturn’s Child es música de un orden superior, un colosal esfuerzo!! Muy recomendado…

Fuente para la reseña: Glenn Astarita para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4609#.Uhi9nX_p7Fw

Apunte: Bien breve. Kimbrough y Locke grabaron allá por el ’99 esta verdadera joyita. Oculta, como otras tantas cientas o miles. Las excelentes composiciones y la exposición musical de estos dos brillantes músicos se disfrutan así como suenan: pausada y serenamente. Para mi ha sido un hermoso hallazgo.

Track Listing

1. 727 (Frank Kimbrough) (7:03)
2. Saturn’s Child (Joe Locke) (7:46)
3. Trouble Is a Gorgeous Dancer (Locke) (8:26)
4. Silence (Charlie Haden) (4:56)
5. Waltz for Lee (Kimbrough) (4:06)
6. Empty Chalice (Locke) (8:03)
7. Sanibel Island (Kimbrough) (8:19)
8. I Still Believe (In Love) (Locke) (9:33)
9. Midnight (Locke, Kimbrough) (4:36)

Artist List

Frank Kimbrough: piano
Joe Locke: vibraphone

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Enders Room


Monolith (2002)

«¿Es Weilheim el nuevo Seattle?», se preguntaba la revista británica «The Wire» recientemente. «Tied & Tickled Trio, Notwist y Village Of Savoonga son justamente tres de los grupos que proliferan sin parar, que han puesto a la soñolienta ciudad alemana sobre el mapa del post-rock. Una pequeña ciudad rural al sur de Munich, Weilheim, actualmente produce en serie la música más progresista salida de Alemania desde que sonó el industrial klang en Düsseldorf y Cologne». Una de las figuras claves en la tendencia de Weilheim es el saxofonista tenor Johannes Enders. Él no sólo ha jugado un activo papel con Notwist, Tied + Tickled Trio, Fauna Flash y Mars Mobil, sino que ahora comienza su propio viaje en Electroland con su proyecto Enders Room.

Bien entrenado y firmemente experimentado, el astuto sonido del saxo tenor de Enders está entre las voces más prolíficas del jazz europeo. Siendo un estudiante en la New York New School, Enders estudió y/o tocó con Donald Byrd, Branford Marsalis, David Liebman, Jaki Byard, Brad Mehldau, Milt Hinton y Jamaaladeen Tacuma. «Un instrumentista magistral» (Howard Mandel,Down Beat), Enders demostró en álbumes de jazz acústicos modernos como «Bright Nights» y «Quiet Fire» que él se ha desarrollado como un maduro saxofonista y artista completo. Se lee en «The Wire»: «El tono maravillosamente emitido por Enders viene directamente del vientre de Blue Note, tomando señales de trompetistas de la talla de Freddie Hubbard y los intricados patrones de vibración de Bobby Hutcherson».

El rico arte de Enders era justamente lo que la escena del dub-electro y el nu-jazz de Weilheim necesitaba. Markus Acher de Tied +Tickled Trio recuerda: «Cuando nosotros comenzamos, Tied +Tickled era más o menos sólo el ritmo con la electrónica y el bajo, que trabajamos en vivo. Pero cuando lo grabamos, fue aburrido y básicamente poco satisfactorio. Entonces le pedimos a Johannes escribir y tocar en las grabaciones». Ahora Enders viene con sus propias recetas de sonidos nuevos, inteligentes. Con Enders Room, él mezcla la electrónica, samples, Fender Rhodes y batería, computarizados con grandes declaraciones de colores llamativos. Usted puede sentir los toques de Lalo Schifrin y Steve Reich, pero hay también un fuerte sentido de Weather Report, DJ Console o Björk. Weilheim es el lugar de encuentro del saxo con la selva electrónica.

Apunte: golpe de timón, cambio de dirección, soplan vientos nuevos; además comienza la primavera, así que le vamos a poner a la semana un poco de nuevas tendencias, el calor del ritmo, música ligera, algunas voces conocidas, muchos artistas jovenes y desconocidos…; en fin, lo que se dice cambiar el enfoque para no cambiar nada, no?

Fuente para la reseña: http://www.enjarecords.com/ – Traducción: La Bestia Políglota !!!

Track Listing

01. Stereo 133 (6:01)
02. I Could (5:08)
03. Seismo (4:33)
04. Ukcm (5:56)
05. Monolith (4:22)
06. Unga (4:53)
07. Bobby Land (4:46)
08. Impressionist (3:36)
09. Komu (5:59)
10. Kyoto Remix (7:09)
11. I Could (Reprise) (1:46)

Artist List

Johannes Enders: saxes, clarinets, flute, samples, electronics, CR 78, Fender Rhodes, piano, OB 12
Guests:
Wolfgang Muthspiel: guitar
Rebekka Bakken: vocal
Roberto Di Gioia: piano
Joe Locke: vibes
Ed Howard: acoustic bass
Thomas Stabenow: acoustic bass
Patrick Scales: fender bass
Christian Salfellner: drums
Micha Acher: fluegelhorn
Markus Acher: drums

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Mike Pope

The Lay of the Land (2003)

Dentro de un año en que ya se han producido un número de grabaciones excelentes, The Lay of the Land de Mike Pope bien puede estar entre una de los mejores. Es seguramente uno de los nuevos álbumes más apasionantes que este revisor ha escuchado en mucho tiempo. Pope, que sobresale tanto en el bajo acústico como en el eléctrico, se ha rodeado del mayor talento de este sello de grabación independiente: hacen apariciones tanto Randy como Michael Brecker, el saxofonista Seamus Blake aparece en dos pistas; el guitarrista Mike Stern, el bajista John Patitucci, y el vibrafonista Joe Locke se encienden en una pista cada uno; el baterista Jeff «Tain» Watts está presente en todos, excepto dos cortes.

Todo este poder estelar no disminuye el talento de Pope, ni de algunos músicos menos conocidos, sobre todo el magnífico pianista Henry Hey y el baterista Jim White. Fue un riesgo para Pope poner tantos pesos pesados sobre un álbum -y luego no acreditarlos en la contratapa, lo que significa una gran sorpresa para el fan de jazz desconocido que toma este disco – ya que existe la posibilidad que tal agregado de talento podría ensombrecer al líder del álbum. Y mientras el personal del álbum rota de pista a pista (un cuarteto en una, un trío en la siguiente, un dúo sobre la otra), el efecto total está lejos de ser incoherente. El álbum es una vidriera para la capacidad de Pope en sus instrumentos, y los grupos cambiantes muestran al bajista con excelentes resultados en una variedad de configuraciones.

Para elegir solamente algunos de los puntos culminantes de este disco excepcional, Randy Brecker brilla en el tema de apertura, el dinámico «The First Order of Business», que es una pista de cuarteto con Pope, Hey y Watts. Hay algunos que correrían gritando de un álbum que cuenta con un Brecker y esa gente se perderá un poco del Randy Brecker solista más apasionante durante años. Hey, Pope, y Watts funcionan como un trío en el enérgico «Climate», otro original de Pope. Pope y Patitucci se duplican en bajo para la pista del título, con Pope tocando el eléctrico, mientras Patitucci ancla a la banda en acústico.

Pope y el baterista Jim White funcionan como un dúo para una versión de «Cherokee», ejecutada por Pope a una velocidad suicida en bajo eléctrico. Otra vez, esto fue un aventurado movimiento para Pope, ya que desde esta perfomance automáticamente invita a compararlo con la versión de Jaco Pastorius de «Donna Lee» de Charlie Parker en el álbum debut de Jaco. Por suerte, Pope es como una voz distintiva en el bajo eléctrico mientras él está en el acústico, y él realza su perfomance con brío. Finalmente, hay una pista de cierre, una versión de «The Star Spangled Banner», que destaca a Joe Locke en vibráfono. Esta perfomance es pensativa, preguntando como haciendo muchas preguntas, como la famosa ardiente versión de Jimi Hendrix del Himno nacional.

Tal como la perfomance de Jimi procuró redefinir el concepto de «libertad» para una generación perdida en confusos tiempos, así también la versión de Pope intenta reclamar la canción para la generación post-9/11. Dulcemente y con la gustosa expresión «libertad» en términos de la capacidad del músico de jazz de improvisar sobre una melodía familiar -creando algo familiar, aunque completamente nuevo- Pope y compañía proporcionan un refrescante repudio al secuestro del patriotismo por parte de la administración presente. Esta es probablemente la declaración más abiertamente política que un músico de jazz ha hecho desde que Max Roach grabó We Insist! Freedom Now Suite, aunque Pope sea muy sutil en su protesta. Es un magnífico cierre para un maravilloso álbum.

Pope mezclando el bajo acústico y el eléctrico en lo que es esencialmente un álbum también apasionante. La variedad de músicos de géneros y generaciones diferentes, muestran que el líder no es tímido en el cruce de fronteras. En la música de Mike Pope, conseguimos el sentido que el jazz pasado y el futuro se encuentran ambos en el presente del jazz. Es refrescante oír una voz tan fuerte que viene de tamaña oscuridad. Pope ha hecho un álbum fabuloso, y es mi esperanza que muchas personas lo escuchen como posible. De hecho, terminando este disco la primera vez, hice algo que yo no había hecho en años: apreté play de nuevo, y lo escuché otra vez.

Fuente para la reseña: Alexander M. Stern para http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=12163

Track listing

01. The First Order of Business (4:54)
02. Essence (4:47)
03. At Home Again (7:44)
04. The Lay of the Land (7:08)
05. Cherokee (4:23)
06. Climate (5:10)
07. The Avid Listener (6:15)
08. The Way You Look Tonight (7:11)
09. The Star Spangled Banner (4:40)

Artist List

Mike Pope: acoustic and electric bass
Randy Brecker: trumpet
Seamus Blake, Michael Brecker: tenor saxophone
Henry Hey: piano
Joe Locke: vibraphone
Mike Stern: acoustic guitar
John Patitucci: acoustic bass
Jeff «Tain» Watts, Jim White: drums

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Russell Malone
marzo 20, 2010, 11:00 pm
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Playground (2004)

Russell Malone rechaza ser clasificado en alguna categoría como ejecutante, compositor, o arreglista en este excepcional CD, la primera presentación conducida por un guitarrista para el sello Maxjazz.

Con el apoyo de un grupo poderoso, incluyendo al pianista Martin Bejerano, al bajista Tassili Bond, y al baterista E.J. Strickland, Malone está claramente en la cúspide de su forma.

«Blues for Mulgrew» es construido a partir de una figura rítmica de blues limpiamente simple, aunque esto explote en un complejo vehículo post-bop con Bejerano después de Malone o tocando en armonía con él en un tema que casi bordea el avant garde.

Igualmente explosivo es su bien llamado «Sugar Buzz» un tema de tiro rápido que añade al invitado Joe Locke en vibráfono. El altanero «Mandela», que casi parece cantar la palabra «libertad», destaca el emotivo saxofón alto de Gary Bartz.

El tratamiento lírico de Malone de «Something to Live For» de Billy Strayhorn es una joya, como son sus interpretaciones de los solos de «Remind Me» y un convincente «You’ve Got a Friend». El gran hit de The Carpenters «We’ve Only Just Begun» puede resultar gastado en las manos incorrectas, pero el arreglo de Malone recoge el ritmo y solamente libera a la sección de ritmo para andar con paso lento detrás de él, mientras él añade un cómico lick de Burt Bacharach «Say a Little Prayer».

Un bonus añadido de una actuación en vivo de «Mugshot» de Malone, es accesible sólo en CD-ROM, aunque la iluminación es tan pobre que la parte de vídeo parece casera más que profesional.

Fuente: Ken Dryden – Traducción La Bestia Políglota!

Track listing:

01. You Should Know Better
02. Blues For Mulgrew

03. Something To Live For

04. Sugar Buzz

05. Playground

06. Remind Me

07. We-ve Only Just Begun

08. Invisible Clors

09. Mandela

10. You’ve Got a Friend

Artist list:
Russell Malone (guitar)

Gary Bartz (alto saxophone)

Joe Locke (vibraphone)

Martin Bejerano (piano)
Tassili Bond (bass)

E.J. Strickland (drums)

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Wayne Escoffery and Veneration
noviembre 16, 2009, 3:07 am
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Hopes and Dreams (2008)

Wayne Escoffery ha sido uno de los saxofonistas tenor más impresionantes de su generación, no sólo desarrollando un sonido personal, sino también demostrando el valor como compositor/arreglista convincente. Con su cuarteto Veneration, que incluye al vibrafonista Joe Locke, al bajista Hans Glawisching, y al baterista Lewis Nash (con Jonathan Blake sustituyéndolo en tres pistas), Escoffery abre con su contagioso «Hopes and Dreams», con su tenor apasionado apoyado por Locke, que toca vibráfono y marimba y hace un solo en este último instrumento. Su exquisito solo en «Noon Night» de Charles Mingus (un
extracto de su obra magna «Epitaph») probablemente habría complacido a su exigente compositor. El trompetista/flügelhornista Tom Harrell, con quien Escoffery ha trabajado como sideman, es sumado en tres pistas. «Liason» de Harrell es un swing en un groove liviano, mientras el raras veces versionado «Chronic Blues» de John Coltrane es un entrenamiento animado para la banda, que ofrece un arreglo obsesionante de «Dedicated to Wanda», del fallecido Bill Barron, siendo otra canción que merece una mejor atención. La composición brasileña «The Face I Love» fue grabada en vivo en el Smoke durante la
elaboración del CD previo de Escoffery, pero fue omitida debido a falta de tiempo; esto proporciona una conclusión apropiada a esta grabación excepcional.

Fuente para la reseña: Ken Dryden, All Music Guide – Traducción: La Bestia Políglota!

Apunte: este muchacho por momentos pierde la conciencia tocando!!!

Track Listing

1. Hopes and Dreams (8:02)
2. Liason (8:51)
3. Noon Night (7:02)
4. Love Walked In (6:28)
5. Chronic Blues (8:05)
6. Dedication to Wanda (5:15)
7. The Sake of It (6:07)
8. The Face I Love (8:33)

Artist List

Wayne Escoffery: Tenor Saxophone
Lewis Nash, Jonathan Blake: Drums
Tom Harrell: Trumpet, Flugelhorn
Joe Locke: Marimbas, Vibes
Hans Glawischnig: Bass

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